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Ende der 1920er Jahre begannen sich in der sowjetischen Literatur alarmierende Tendenzen zu entwickeln, die darauf hindeuteten, dass das Schreiben zunehmend die „fürsorgliche“ Aufmerksamkeit sowohl der Behörden als auch der ihnen loyalen „zuständigen Stellen“ auf sich zog. Dies drückte sich insbesondere in der Verschärfung repressiver Maßnahmen gegen anstößige Schriftsteller aus. So wurde 1926 eine Ausgabe der Zeitschrift Novy Mir mit B. Pilnyaks Geschichte „The Tale of the Unextinguished Moon“ beschlagnahmt: Die Geschichte von Commander Gavrilov, dem Protagonisten der Geschichte, erinnerte zu sehr an das Schicksal von Mikhail Frunze, eine der größten Persönlichkeiten der Revolution und des Bürgerkriegs, auf Druck der Zwangspartei zu einer unnötigen Operation und einem Chirurgen, der unter dem Messer starb. Im selben Jahr wurde in der Wohnung von M. Bulgakov eine Durchsuchung durchgeführt, das Manuskript der Geschichte wurde beschlagnahmt. das Herz des Hundes". 1929 wurde eine echte Verfolgung einer Reihe von Autoren angeordnet, darunter Yu. Olesha, V. Veresaev, A. Platonov und andere. Die Rappoviten verhielten sich besonders ungezügelt, die ihre Straflosigkeit spürten und vor nichts zurückschreckten 1930 begeht V. Mayakovsky, gejagt und unfähig, das Gewirr persönlicher und kreativer Probleme zu entwirren, Selbstmord, und E. Samjatin, von seinem Leser exkommuniziert, bemüht sich kaum um die Erlaubnis, sein Heimatland zu verlassen.

Das Verbot literarischer Vereinigungen und die Gründung der SSP

1932 verbietet der Beschluss des Zentralkomitees der Partei "Über die Umstrukturierung der literarischen und künstlerischen Organisationen" jegliche literarischen Vereinigungen, einschließlich der berüchtigten RAPP. Aus diesem Grund wurde die Entscheidung von vielen Schriftstellern mit Freude angenommen, und zwar von allen Schriftstellern, die in einem einzigen Verband vereint waren Sowjetische Schriftsteller(SSP), die es sich zur Aufgabe macht, ihnen alles Notwendige für die Kreativität zur Verfügung zu stellen. Das erste Plenum des Organisationskomitees des Schriftstellerverbandes war ein wichtiger Schritt zur Vereinheitlichung der gesamten sowjetischen Literatur. Die Vereinigung der schöpferischen Kräfte des Landes zu einer einzigen Union vereinfachte nicht nur die Kontrolle über sie – die Exkommunikation von ihr bedeutete Exkommunikation von der Literatur, vom Leser. Nur die Mitglieder des Schriftstellerverbandes hatten die Möglichkeit zu publizieren, von den Mitteln des Schreibens zu leben, kreative Geschäftsreisen zu unternehmen und in Sanatorien zu gehen, während der Rest zu einem elenden Dasein verurteilt war.

Zustimmung zur Methode des sozialistischen Realismus

Ein weiterer Schritt der Partei zur Etablierung einer vollständigen ideologischen Kontrolle über die Literatur ist die Etablierung des sozialistischen Realismus als einheitliche kreative Methode der gesamten sowjetischen Literatur. Das Konzept des "sozialen Realismus", das erstmals bei einem Treffen literarischer Kreise in Moskau in einer Rede von I. M. Tronsky gehört wurde, die am 23. Mai 1932 in der Literaturnaya Gazeta veröffentlicht wurde, wurde der Legende nach von Stalin selbst unter den vorgeschlagenen Definitionsoptionen ausgewählt die neue Methode als "proletarischen" Realismus, "tendenziös", "monumental", "heroisch", "romantisch", "sozial", "revolutionär" usw. Es ist bemerkenswert, dass jede dieser Definitionen einen der Aspekte des neue Methode. "Proletarier" - thematische und ideologische Unterordnung unter die Aufgabe, einen proletarischen Staat aufzubauen. „Tendenz“ ist eine ideologische Prädestination. "Monumental" - der Wunsch nach großen künstlerischen Formen (der sich insbesondere in der Literatur in der Dominanz großer Romanformen manifestierte). Die Definition von „heroisch“ entspricht am ehesten dem Heldenkult verschiedene Bereiche Leben (aus den Worten von M. Gorki "im Leben gibt es immer einen Platz für eine Leistung"). "Romantic" - ihr romantisches Streben nach Zukunft, nach der Verkörperung des Ideals, der romantischen Opposition von Traumwelt und Realitätswelt. "Sozial" und "Klasse" - sein sozialer Zugang zum Menschen, ein Blick durch das Prisma der sozialen (Klassen-)Verhältnisse. Schließlich vermittelt die Definition „revolutionär“ den Wunsch der Literatur des sozialistischen Realismus, „die Realität in ihrer revolutionären Entwicklung darzustellen“.

Das erinnert teilweise an den „fantastischen Realismus“, von dem E. Samjatin sprach, aber seine Bedeutung ist eine andere: Literatur soll nicht darstellen, was ist, sondern was sein soll, das heißt, sie muss gemäß der Logik der marxistischen Lehre erscheinen. Gleichzeitig wird die Vorstellung, dass das Leben sich als viel komplizierter erweisen kann als alle Kopfkonstruktionen der Theoretiker des Kommunismus, und nicht nur ein Beweis für die Wahrheit der kommunistischen Idee werden will, beiseite gewischt. Im Begriff des „sozialistischen Realismus“ ist das Schlüsselwort also nicht „Realismus“ (verstanden als Loyalität zur Realität), sondern „sozialistisch“ (dh der Ideologie des Aufbaus einer neuen, aber unerfahrenen Gesellschaft treu).

Die Vorherrschaft des Romans in der Prosa

Aus der Vielfalt ideologischer und stilistischer Trends wurde die sowjetische Kultur zu einer ihr auferlegten Einheitlichkeit und Einstimmigkeit: In epischen Formen beginnt der Roman zu dominieren - eine große epische Leinwand mit stereotypen Handlungsbewegungen, einem System von Charakteren, einer Fülle von rhetorischen und didaktische Einschlüsse. Besonders beliebt ist die sogenannte „Industrieprosa“, die oft Elemente eines „Spionage“-Romans enthält (die Titel der Werke sprechen für sich): F. Gladkov. "Energie"; M. Shahinyan. "Hydrozentral"; I. Iljin. "The Big Conveyor" und andere Prosa, die der Bildung des kollektiven Farmlebens gewidmet ist, wird aktiv veröffentlicht, ebenso wie sprechende Titel: F. Panferov. „Brüski“; P. Zamoysky. "Lap"; V. Stavsky. "Laufen"; I. Schuchow. „Hass“ usw.

Der denkende Held weicht dem handelnden Helden, der keine Schwächen und Zweifel, keine moralischen Qualen und auch verständliche menschliche Schwächen kennt. Von Roman zu Roman durchstreift sich ein Standardsatz stereotyper Charaktere: ein bewusster Kommunist, ein bewusstes Komsomol-Mitglied, ein Buchhalter des "Ehemaligen", ein schwankender Intellektueller, ein Saboteur, der zu sich kam Soviet Russland als Berater getarnt...

Der Kampf gegen den „Formalismus“

Mitte der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts begann ein Kampf mit dem „Formalismus“, der jede Suche auf dem Gebiet des künstlerischen Wortes, jedes kreative Experiment bedeutete, sei es eine Erzählung, Ornamentik oder einfach die Neigung des Autors zu lyrischen Meditationen . Die sowjetische Literatur erkrankte an der schweren Krankheit der Durchschnittlichkeit, einer natürlichen Folge der Vereinigung. Trotz Sternenhimmel staatliche Auszeichnungen und Auszeichnungen werden immer weniger Werke veröffentlicht, die man ohne weiteres als Großereignisse der Literatur bezeichnen kann.

Trennung von Literatur und Wirklichkeit

Schon die Entwicklung der Methode des sozialistischen Realismus zeigte die Unmöglichkeit, den lebendigen Prozess der Kreativität zu steuern, ohne das Wichtigste zu töten – den schöpferischen Geist. Komplizierte Gedankenpirouetten wurden von offiziellen Kritikern verlangt, um sich an die offizielle Methode der sowjetischen Literatur zu "heften". die besten Werke jene Jahre - "Quiet Flows the Don" und "Virgin Soil Upturned" von M. Sholokhov, das Epos "Das Leben von Klim Samgin" von M. Gorki, der Roman "Peter der Große" von A. Tolstoi usw.

Die Literatur hat aufgehört, die Realität widerzuspiegeln, wirklich dringende Fragen zu beantworten. Infolgedessen verließen Schriftsteller, die sich nicht an die neuen Spielregeln anpassten, die "große Literatur" oft in die Grenzsphären. Ein solcher Bereich sind Kinderbücher. Werke für Kinder von B. Zhitkov, A. Gaidar, M. Prishvin, K. Paustovsky, V. Bianchi, E. Charushin, Yu. Olesha, Autoren der OBERIU-Gruppe (D. Kharms, N. Oleinikov, A. Vvedensky, usw.) oft Themen berührten, die der "erwachsenen" Literatur jener Jahre unzugänglich waren, blieb die Kinderlyrik fast die einzige auf legalem Wege Arbeit mit experimentellen Kunstformen Bereicherung der russischen Verse. Ein weiterer Bereich der „Binnenauswanderung“ war für viele Autoren die Übersetzungstätigkeit. Das Ergebnis der Tatsache, dass viele große Künstler, darunter B. Pasternak, A. Akhmatova, S. Marshak, A. Tarkovsky, in dieser Zeit die Möglichkeit hatten, sich nur mit Übersetzungen zu befassen, war die Schaffung der höchsten Stufe der russischen Übersetzungsschule .

„Verborgene“ Literatur

Die Schriftsteller hatten jedoch eine andere Alternative: Implizit, vor dem allsehenden Auge der Behörden verborgen, wurde eine andere Literatur geschaffen, die als "versteckt" bezeichnet wurde. Einige Schriftsteller, die verzweifelt ihre mühsam erkämpften Werke veröffentlichen wollten, verschoben sie auf bessere Zeiten: Andere verstanden zunächst die Unmöglichkeit der Veröffentlichung, aber aus Angst, die Zeit zu verpassen, schrieben sie sofort „auf den Tisch“ für die Nachwelt. Der Unterwasserteil des Eisbergs der sowjetischen Literatur stimmte in seiner Bedeutung und Kraft mit der Reihe offiziell autorisierter Werke überein: darunter solche Meisterwerke wie „The Pit“ und „Chevengur“ von A. Platonov, „Heart of a Dog“ und "Der Meister und Margarita" von M. Bulgakov, "Requiem" von A. Akhmatova und anderen. Diese Bücher fanden ihre Leser in den 60-80er Jahren und bildeten einen mächtigen Strom der sogenannten "zurückgegebenen Literatur". Es sollte jedoch nicht vergessen werden, dass diese Werke unter denselben Bedingungen, unter dem Einfluss derselben historischen und kulturellen Faktoren entstanden sind wie die "erlaubten" Werke und daher ein organischer Bestandteil der einheitlichen russischen Literatur der 1920er Jahre sind und 1930er.

Russische Literatur im Ausland

Das Bild der russischen Literatur der nachrevolutionären Jahrzehnte wird immer noch unvollständig sein, wenn wir nicht auch die Literatur der russischen Diaspora erwähnen. Zu dieser Zeit verließen viele bemerkenswerte Schriftsteller und Dichter das Land, darunter I. Bunin, A. Kuprin, I. Shmelev, M. Tsvetaeva und andere, die ihre Mission darin sahen, Russland so zu bewahren, wie sie es in Erinnerung hatten: sogar viele tausend Meilen entfernt Die Autoren des Mutterlandes der älteren Generation wandten sich in ihrer Arbeit ihrer Heimat, ihrem Schicksal, ihren Traditionen und ihrem Glauben zu. Viele Vertreter jüngere Generation, die als noch sehr junge oder wenig bekannte Autoren emigrierten, versuchten, die Traditionen der russischen Klassiker mit neuen Tendenzen in der europäischen Literatur und Kunst in Einklang zu bringen, befassten sich intensiv mit den Erfahrungen sowjetischer Schriftsteller. Einige Schriftsteller, wie M. Gorki oder A. Tolstoi, kehrten später aus dem Exil zurück, aber im Allgemeinen wurde die Literatur der russischen Emigration der ersten Welle zu einem bedeutenden Phänomen in der Welt- und Innenkultur, ihrem integralen Bestandteil. Es ist kein Zufall, dass I. Bunin 1933 als erster russischer Schriftsteller den Nobelpreis erhielt.

Nicht allen Schriftstellern der russischen Emigration gelang es, ihr Talent im Exil zu bewahren und zu steigern: Das Beste, was A. Kuprin, K. Balmont, I. Severyanin, E. Samjatin und andere Schriftsteller und Dichter geschaffen haben, sind Werke, die in ihrer Heimat geschrieben wurden.

Das Schicksal eines bedeutenden Teils der in Russland gebliebenen Meister des Wortes war tragisch. Die Gedenkliste russischer Schriftsteller, die in den Kerkern und Lagern des NKWD starben, enthält die Namen von N. Gumilyov, I. Babel, N. Klyuev, O. Mandelstam, N. Oleinikov, B. Pilnyak, D. Charms und vielen anderen bemerkenswerte Autoren. A. Blok, S. Yesenin, V. Mayakovsky, M. Tsvetaeva können zu den Opfern der Ära gezählt werden ... Weder Repression noch offizielles Vergessen konnten jedoch aus der russischen Kultur entfernt werden kreatives Erbe die besten Vertreter der nationalen Literatur.

Das Bild des lebendigen literarischen Prozesses der 20-30er Jahre des 20. Jahrhunderts wird ohne die Arbeit von Schriftstellern unvollständig sein, die aufrichtig an die Ideale der sozialistischen Revolution und den Sieg des Kommunismus geglaubt haben, die unter dem Joch des ideologischen Diktats versuchten, ihre kreative Individualität zu bewahren, oft auf Kosten der Freiheit und sogar des Lebens, und diejenigen, die sich fern von ihrer Heimat mit Schmerz und Liebe an sie erinnerten und jedes Recht hatten, nach 3 zu wiederholen. Gippius: „Wir sind nicht im Exil, wir sind in einer Botschaft.“ Die russische Literatur ist vereint, trotz der ideologischen Barrieren, die sie trennen, und sogar der Staatsgrenzen.

Der literarische Prozess der 20er Jahre. Problematische und gattungsmäßige Vielfalt der Prosa. Formen der russischen Poesie. Dramaturgische Entwicklung der Gattung des heroisch-romantischen Schauspiels. Die Entstehung neuer Genres, Romanthemen, Versifikationsmethoden in der Literatur der 30er Jahre.

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MINISTERIUM FÜR HOCH- UND SEKUNDÄRE SONDERBILDUNG DER REPUBLIK USBEKISTAN

STAAT KARAKALPAK

BERDAKH-UNIVERSITÄT

ABTEILUNG FÜR RUSSISCHE PHILOLOGIE

Vorlesung

nach der "GESCHICHTE DER RUSSISCHEN LITERATUR des XX Jahrhunderts (20-30er Jahre)"

Zusammengestellt von: Tleubergenova G.U.

NUKUS-2006

Vorlesung 1. Allgemeine Merkmale des literarischen Prozesses der 20er Jahre

Die Große Oktoberrevolution rief die Literatur in die Reihen ihrer aktiven Kämpfer. In dieser Hinsicht war das führende Genre zu Beginn der Periode der Journalismus. Sie stellte Fragen, die in der gesamten Entwicklungsgeschichte der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts ihre Relevanz behalten haben. Dies sind das Verhältnis von Revolution und Menschlichkeit, Politik und Moral, das Problem der Krise des traditionellen Humanismus und der Geburt des „neuen Menschen“, das Problem der technischen Zivilisation und der Zukunft, das Schicksal der Kultur im Zeitalter der Demokratisierung, das Problem volkstümlicher Charakter, das Problem der Begrenzung und Unterdrückung der Persönlichkeit unter neuen Bedingungen usw. Nach der Revolution von 1917 viele verschiedene literarische Gruppen. Viele von ihnen tauchten auf und verschwanden, ohne auch nur Zeit zu haben, eine wahrnehmbare Spur zu hinterlassen. Allein in Moskau gab es 1920 mehr als 30 literarische Gruppen und Vereine.

Oft waren die in diesen Gruppen eingeschlossenen Personen weit entfernt von der Kunst. So gab es zum Beispiel eine Gruppe "Nichevoki", die verkündete: "Unser Ziel: die Ausdünnung der Arbeit des Dichters im Namen von nichts." Das Petrograder Haus der Künste (1919-1923) spielte eine wichtige Rolle im literarischen Leben. Dort arbeiteten Literaturstudios - Zamyatin, Gumilyov, Chukovsky, 2 gleichnamige Almanache wurden veröffentlicht. Zusammen mit dem Haus der Schriftsteller und dem Haus der Wissenschaftler war es das "Schiff", die "Arche", die die St. Petersburger Intelligenz in den Jahren der revolutionären Verwüstung rettete - die Rolle von Noah wurde Gorki zugewiesen. (Nicht umsonst hieß O. Forshs Roman über das Leben im Haus der Künste "The Crazy Ship"). Erwähnenswert ist die älteste Gesellschaft der Liebhaber der russischen Literatur (1811-1930), deren Vorsitzende und Mitglieder fast alle berühmte russische Schriftsteller waren. Im zwanzigsten Jahrhundert die Namen von L. Tolstoi, V. Solovyov, V. Korolenko, V. Veresaev, M. Gorki, K. Balmont, D. Merezhkovsky, V. Bryusov, A. Bely, Vyach. Ivanov, M. Voloshin, B. Zaitsev, A. Kuprina, N. Berdyaev. 1930 diese einzigartige und aktiv fördernde literaturklassikergesellschaft teilte das schicksal aller anderen vereine und gruppen.

Der Exodus" eines großen Teils russischer Schriftsteller ins Ausland trug auch zur Entstehung verschiedener Arten von Vereinigungen bei, zumal in den 20er Jahren eine Art Wettbewerb zwischen den beiden Literaturzweigen in diesem Parameter stattfand. In Paris im Jahr 1920 die Zeitschrift "Coming Russia" (1920) veröffentlicht, verbunden mit den Namen M. Aldanov, A. Tolstoi. ältere Generation Auswanderer. Merezhkovsky und Gippius gründeten in Paris die literarische und philosophische Gesellschaft "Green Lamp" (1926), G. Ivanov wurde ihr Präsident. Der Niedergang des Vereins wurde durch das Erscheinen einer neuen Zeitschrift, Chisla (1930-1934), erleichtert. "Unter dem Gewicht der" Zahlen "Lampa" erlischt langsam und deutlich, - beschwerte sich Z. Gippius.Russische Literaturzentren haben sich in anderen großen Städten Europas entwickelt.

In Berlin Anfang der 20er Jahre. wurden das Haus der Künste, der Schriftstellerklub, gegründet von N. Berdyaev, S. Frank, F. Stepun und M. Osorgin, aus Russland ausgewiesen. Gorki gab in Berlin die Zeitschrift „Conversation" (1923-1925) heraus, in der A. Bely, V. Chodasevich, N. Berberova ua erschienen. Dort erschien auch der literarische Almanach „Frontiers (1922-1923)". „Russisches Berlin“ ist Gegenstand zahlreicher Studien und Studien ausländischer Slawisten. In Prag erschienen beispielsweise die Zeitschriften „Russischer Wille“ (1922-1932) und „Auf ihre Weise“ (1924-1926). Interessant ist die "Geographie" der Veröffentlichung der Zeitschrift "Russian Thought" - in Sofia (1921-1922), in Prag (1922-1924), in Paris (1927). Eine allgemeine Beschreibung der Zeitschriften findet sich bei Gleb Struve. In dem Buch „Russische Literatur im Exil“ nennt er Schriftstellerverbände literarische Nester und betont deren Einfluss auf die Entwicklung literarischer Talente.

Der stürmische gesellschaftspolitische Kampf konnte nicht umhin, seinen Einfluss auf den literarischen Prozess jener Jahre auszuüben. Begriffe wie „proletarischer Schriftsteller“, „bäuerlicher Schriftsteller“, „bürgerlicher Schriftsteller“, „Reisegefährte“ entstehen und verbreiten sich. Schriftsteller beginnen, nicht nach ihrer Bedeutung und nicht nach dem künstlerischen Wert ihrer Werke bewertet zu werden, sondern nach sozialer Herkunft, nach politischen Überzeugungen, nach der ideologischen Ausrichtung ihrer Arbeit.

Ende der 1920er Jahre verstärkten sich negative Erscheinungen: Parteiführung und Staat begannen sich aktiv in das literarische Leben einzumischen, es gab eine Tendenz zu einer einseitigen Entwicklung der Literatur, und es begannen Verfolgungen. prominente Schriftsteller(E. Zamyatin, M. Bulgakov, A. Platonov, A. Akhmatova).

Die Hauptmerkmale dieser Periode waren also die Auswirkungen der Ereignisse der Revolution und des Bürgerkriegs auf das literarische Schaffen, der Kampf gegen klassische Trends, die Ankunft neuer Autoren in der Literatur, die Entstehung der Emigrantenliteratur, die Tendenz zur multivariaten Entwicklung der Literatur zu Beginn des Zeitraums und die Zunahme negativer Trends am Ende.

Vorlesung 2. Prosa der 20er Jahre

Die Prosa der 1920er Jahre zeichnet sich durch einen direkten Appell an die Reproduktion historischer Ereignisse aus, eine breite Einführung in die vielfältigen Realitäten der Zeit. In künstlerischer und stilistischer Hinsicht gibt es in den Werken dieser Zeit eine Aktivierung konditionaler Ausdrucksformen, die Wiederbelebung der Traditionen der populistischen Literatur: Vernachlässigung der Kunstfertigkeit, Eintauchen in den Alltag, Handlungslosigkeit, Missbrauch von Dialektismen, Umgangssprache.

Die beiden wichtigsten Trends in der Prosa der 1920er Jahre waren Skaz und Ornamentprosa. Eine Geschichte ist eine Organisationsform künstlerischer Text, die sich an einer anderen Art des Denkens orientiert. Der Charakter des Helden manifestiert sich vor allem in seiner Art zu sprechen.

Ornamentale Prosa ist ein Stilphänomen. Was mit der Organisation des Prosatextes nach den Gesetzen des Poetischen zusammenhängt: Die Handlung als Organisation der Erzählung tritt in den Hintergrund, die Wiederholungen von Bildern, Leitmotiven, Rhythmen, Metaphern, Assoziationen gewinnen die größte Bedeutung. Das Wort wird an sich wertvoll, erwirbt viele semantische Nuancen.

Ein bedeutender Teil der Romane und Erzählungen, die in den Jahren des Bürgerkriegs und kurz danach veröffentlicht wurden, wurde von modernistischen Schriftstellern geschrieben.

1921 erschien der Roman „Der Schlangenbeschwörer“ von F. Sologub. Die Handlung des Romans spielt in einem Arbeiterdorf. Erzählt wurde die Geschichte der geistlichen Erniedrigung der Familie des Fabrikbesitzers. In der Nähe wurden Arbeiter als Verkörperung der gesunden Prinzipien der Gesellschaft dargestellt, die nach Gerechtigkeit strebten. Eine der Romanfiguren, ein erfahrener Revolutionär, sprach im Sinne des Volksliedes der Revolution über die Klassenfeinde des Proletariats: „Sie produzieren nichts selbst, sondern fressen sich an Haselhühnern und Ananas .. .”. Der Konflikt zwischen dem Hersteller und den Arbeitern wurde mit Hilfe der Hexerei der Arbeiterin Vera Karpunina erfolgreich gelöst. In den konstruierten Kollisionen haben Lebenskonflikte keinen Platz, sie werden mit einem Muster gemeldet. Den Hauptplatz im Roman nimmt die Behauptung der Idee der Vorherrschaft der Träume über das Leben ein. Das Leben wird mit einer großen Wüste und einem dunklen Wald verglichen. Das Leben wird dominiert von "der Süße und Kraft der Reize", "die zum Tod führen, aber dies ist auch die Erfüllung eines Traums".

Eine besondere Version der Synthese von Realismus und Moderne erscheint im Werk von A. Remizov, der das Leben als Schicksal, als Reich des Teufels betrachtete und die Sinnlosigkeit der menschlichen Existenz bekräftigte. Der Schriftsteller war geprägt von pessimistischen Vorstellungen über das Schicksal des Menschen und der Menschheit. In seinen Werken predigte er die Idee der fatalen Wiederholung der menschlichen Existenz, ihres Pulsierens von Angst zu Hoffnung und von Hoffnung zu Lebensangst. Seine Arbeiten sind durch eine Tendenz zur Stilisierung gekennzeichnet. Berufung auf die Motive der mündlichen Volkskunst, auf Sagen- und Märchen („Salting“, „Limonar“, „Bova Korolevich“, „Tristan und Isolda“ usw.)

In „The Word on the Destruction of the Russian Land“ schildert Remizov die Revolution als „Monkey Geek“, als Tod des kongenialen alttestamentlichen „Heiligen Russlands“. Wie katastrophal und unglücklich die Welt der Revolution war, wird auch in Vzvorchennaya Rus' dargestellt.

Wiederbelebung der altrussischen Literatur, Bereicherung des Wortschatzes des Schriftstellers, Übertragung der Metapher auf die Prosa, Suche nach neuen lexikalischen und syntaktischen Möglichkeiten des Russischen literarische Sprache- all dies wirkte sich spürbar auf die ornamentale Prosa der 20er Jahre aus.

Der Einfluss von A. Remizov ist auch in B. Pilnyaks architektonisch und inhaltlich komplexem Roman „Das nackte Jahr“ zu spüren – der erste große Versuch, den Stoff unserer Zeit zu beherrschen. In dem Roman bezieht sich Pilnyak auf das durch die Revolution aufgewühlte Bezirksleben. Hier prallen zwei Wahrheiten aufeinander - das patriarchalische, jahrhundertealte Schweigen der russischen Provinzen und das Element des Volkes, das die etablierte Ordnung hinwegfegt. Der Autor experimentiert mit künstlerische Mittel, verwendet Montage, Verschiebung, Mosaik, Symbolik usw. Es gibt keine einzelne Handlung im Roman - es gibt einen Strom, einen Wirbelsturm, eine in Stücke gerissene Realität. Kritiker bemerkten, dass Pilnyak die Revolution als Rebellion interpretiert, als ein Element, das sich losgerissen hat und von niemandem kontrolliert wird. Das Bild eines Schneesturms ist das Schlüsselbild seiner Prosa (hier erbt der Schriftsteller A. Bloks „Die Zwölf“).

Er akzeptiert Revolution als unvermeidlich und historisches Muster. Blut, Gewalt, Opfer, Verwüstung und Verfall – für ihn ist dies eine unausweichliche Realität, ein Durchbruch der lange zurückgehaltenen organischen Lebenskraft, der Triumph der Instinkte. Revolution ist für Pilnyak vor allem ein ästhetisches Phänomen (in der untrennbaren Verschmelzung von Gut und Böse, Schönheit und Hässlichkeit, Leben und Tod). Der Schriftsteller freut sich über den Verfall, stellt grotesk die scheidende edle Welt dar, er erwartet, dass aus der feurigen, stürmischen, schneesturmartigen Schrift ein anderes, neues und gleichzeitig urwüchsiges, ursprüngliches Russland entstehen wird, das von Peter I. zerstört wurde ihr folgt sympathisch die Aktion „Lederjacken“ (Bolschewiki), die er als „ein Zeichen der Zeit“ ansieht.

In einer pessimistischen Interpretation des "neuen" Sowjetmenschen schloss sich auch E. Samjatin Remizov an. Zamjatins dystopischer Roman „Wir“ entstand 1920 und markierte den Beginn einer ganzen Reihe von Dystopien in der Weltliteratur („Oh, eine neue wunderbare Welt!“ O. Huxley, „1984“ von J. Orwell etc.). Samjatin versuchte, es in seiner Heimat zu drucken, aber ohne Erfolg. Trotzdem kannten sie den Roman, erwähnten ihn in kritischen Artikeln, da der Schriftsteller immer wieder seine öffentlichen Lesungen veranstaltete. Yu.N. Tynyanov bewertete in einem bekannten Artikel „Literary Today“ den Roman als Erfolg und sah die Quelle von Samjatins Fiktion in seinem Stil, dessen Prinzip, so der Kritiker, „ein sparsames Bild statt einer Sache“ sei ", "statt drei Dimensionen - zwei". Es gab auch negative Kritiken (aufgrund des politischen Hintergrunds des Romans). Der Roman, geschrieben unter den frischen Eindrücken der „strengen“ Ära des Kriegskommunismus mit seinen Notmaßnahmen, war eines der ersten künstlerischen Experimente der Gesellschaftsdiagnostik, das besorgniserregende Tendenzen in der damaligen politischen Realität und den sich entwickelnden öffentlichen Denkweisen aufzeigte Stalins Innenpolitik.

Gleichzeitig war es eine Arbeit über die Zukunft, von der in jenen Jahren massiv geträumt wurde, und die ein echtes und einzigartiges menschliches Leben hervorbrachte. Der Roman zeigt einen perfekten Staat, an dessen Spitze ein gewisser Wohltäter steht, eine Art Patriarch, der mit unbegrenzter Macht ausgestattet ist. In diesem Zustand transparenter Wände, rosafarbener Liebescoupons, mechanischer Musik und "Sattelelemente" der Poesie, in dieser Gesellschaft der "vernünftigen Mechanik" und des "mathematisch perfekten Lebens" ist eine unpersönliche Person nichts weiter als ein Rädchen in einem vorbildlichen Brunnen. geölte Mechanik. Hier gibt es keine Namen, sondern Zahlen, hier geht es vor allem um Ordnung und Vorschrift, und die Abweichung von allgemein anerkannten Regeln und einer sanktionierten Denkweise droht dem Übertreter mit der Wohltätermaschine (so etwas wie eine modernisierte Guillotine).

Auch die Prosa der 1920er-Jahre ist von einer spannungsgeladenen Handlung und akuten sozialen Konflikten geprägt. Der Roman, die Kurzgeschichte, die Kurzgeschichte, der Essay in der Form, in der sich diese Gattungen in früheren Jahren entwickelt haben, sind in den 1920er Jahren selten. Zu dieser Zeit hatte bereits jene beispiellose Mischung von Genres begonnen, die sich mit aller Gewissheit in den folgenden Stadien der Entwicklung der russischen Literatur bemerkbar machte.

Die Prosa der 1920er Jahre zeichnet sich durch problem-thematische und gattungsmäßige Vielfalt aus.

In den heroisch-romantischen Geschichten („The Fall of Dair“ von A. Malyshkin, „Partisan Tales“ von Vs. Ivanov, „The Iron Stream“ von A. Serafimovich) wird ein bedingt verallgemeinertes poetisches Bild des Volkslebens geschaffen. "The Fall of Dair" von A. Malyshkin wurde 1923 veröffentlicht. In der Geschichte stand die alte Welt der neuen, revolutionären gegenüber. Es spricht von der historischen Erstürmung von Perekop durch die revolutionären Multitudes. Serafimovichs „Iron Stream“ ist ein tragisches, zutiefst widersprüchliches Epos. Es gibt darin keine unveränderlichen, innerlich statischen Menschenmassen, in denen die Persönlichkeit ganz auf ihr „Ich“ verzichtet: Serafimowitschs Volk hat gleichsam eine innere „Autobiographie“ im Roman, die sich tiefgreifend verändert. Der Autor beschreibt die Tatsachen, die 1918 im Kuban stattfanden, als Kosaken und "Ausgestoßene" - d.h. Nichtansässige, dazu verdammt, Landarbeiter zu sein, Lohnarbeiter, angeführt von Kozhukh. Serafimovich vermittelt eine Idee, die auch heute noch wichtig ist: In einem Bürgerkrieg gewinnt oft nicht der Gewissenhaftere, Sanftmütigere, Sympathischere, sondern der Fanatische, „schmale“ wie eine Säbelklinge leidunempfindlicher ist, wer sich mehr der abstrakten Lehre verschrieben hat.

Das Thema des Bürgerkriegs war „Woche“ von Y. Libedinsky, „Oktober“ von A. Yakovlev, „Chapaev“ und „Meuterei“ von D. Furmanov, „Panzerzug 14-69“ von Vs. Ivanov, „Rout“ von A. Fadeev. Die Beschreibung des Bürgerkriegs hatte in diesen Werken einen heroisch-revolutionären Charakter.

Eine der führenden Geschichten in der Prosa der 1920er Jahre waren Geschichten über das tragische Schicksal der bäuerlichen Zivilisation, über das Problem der poetischen Ursprünge des Volkslebens („Chertukhinsky Balakir“ von S. Klychkov, „Andron the Pech“, „Gänse- Schwäne“ von A. Neverov, „Humus“, „Virineya“ von L. Seifullina) Gegensätzliche Ansichten über das Schicksal der Bauernschaft prallten in der Darstellung des Dorfes aufeinander.

Auf den Seiten der Werke entbrannte ein Streit um den Bauern, um beschleunigte und natürliche Entwicklung. Die Zeit, die das Leben der Bauern zerbrach, wurde in ihrer historischen Konkretheit und realistisch authentisch dargestellt.

Akute soziale Konflikte und bedeutende Veränderungen in den Seelen der Bauern bildeten die Grundlage für die Arbeiten zu ländlichen Themen.

Die 20er Jahre sind die Blütezeit der Satire. Die thematische Bandbreite war sehr breit: von der Entlarvung äußerer Staatsfeinde über die Lächerlichkeit der Bürokratie in den sowjetischen Institutionen bis hin zu Prahlerei, Vulgarität und Philistertum. Eine Gruppe satirischer Autoren arbeitete Anfang der 1920er Jahre in der Redaktion der Zeitung Gudok. Auf seinen Seiten waren Feuilletons von M. Bulgakov und Yu Olesha abgedruckt, I. Ilf und E. Petrov begannen ihre Reise. Ihre Romane „Die zwölf Stühle“ und „Das goldene Kalb“ erlangten größte Popularität und erfreuen sich bis heute großer Beliebtheit. Die Geschichte der Suche nach verborgenen Schätzen gab den Autoren die Gelegenheit, eine ganze Galerie satirischer Typen auf den Seiten ihrer Werke zu zeigen.

In den 1920er Jahren waren die Geschichten von M. Zoshchenko sehr beliebt. Die Erzählung in Soshchenkos Werk wird meistens von einem Erzähler geführt - einem selbstzufriedenen Spießer auf der Straße. Der parodistische Ansatz überwiegt in seinem Werk, und der komische Effekt wird durch die tiefe Ironie des Autors gegenüber dem Erzähler und den Figuren erzielt. Ab Mitte der 1920er Jahre veröffentlichte Soshchenko "sentimentale Geschichten". Ihre Ursprünge waren die Geschichte "Die Ziege" (1922). Dann erschienen die Geschichten "Apollo und Tamara" (1923), "Menschen" (1924), "Weisheit" (1924), "Eine schreckliche Nacht" (1925), "Was die Nachtigall sang" (1925), "Merry Adventure “ (1926) und Fliederblüten (1929). Im Vorwort zu ihnen sprach Soschtschenko erstmals offen und sarkastisch über die von ihm erwarteten "planetarischen Missionen", heroisches Pathos und "hohe Ideologie". In bewusst einfacher Form stellte er die Frage: Wie beginnt der Tod des Menschen im Menschen, was bestimmt ihn und was kann ihn verhindern. Diese Frage erschien in Form einer reflektierenden Intonation. Die Helden der „sentimentalen Geschichten“ entlarven weiterhin das vermeintlich passive Bewusstsein. Die Entwicklung von Bylinkin („Wovon die Nachtigall sang“), der am Anfang in der neuen Stadt „schüchtern, sich umschauend und mit den Füßen schleppend“ ging und „eine starke soziale Stellung erlangte, Öffentlicher Dienst und ein Gehalt der siebten Kategorie plus für die Last, "verwandelte sich in einen Despoten und einen Grobian, überzeugt, dass die moralische Passivität des Helden von Zoshchensky immer noch illusorisch ist. Seine Aktivität zeigte sich in der Wiedergeburt der spirituellen Struktur: Sie zeigte deutliche Anzeichen von Aggressivität. „Mir gefällt“, schrieb Gorki 1926, „dass der Held von Soschtschenkos Erzählung „Wovon die Nachtigall sang“ – ehemaliger Held The Overcoat, zumindest ein enger Verwandter von Akaki, erregt dank der klugen Ironie des Autors meinen Hass.

In den 1920er Jahren wurde das Thema Arbeit zu einem der führenden, das im sogenannten Industrieroman („Cement“ von F. Gladkov, „Hochofen“ von N. Lyashko, „Time, Forward“ von V . Kataev). Werke dieser Art zeichnen sich durch eine einseitige Interpretation einer Person aus, das Vorherrschen eines Arbeitskonflikts gegenüber einem künstlerischen, und die Formalisierung ihrer Handlung und kompositorischen Grundlage ist ein Zeichen ihrer ästhetischen Unterlegenheit.

Zu dieser Zeit wird Interesse beobachtet und das Genre des epischen Romans wird wiederbelebt: Die ersten Bücher werden veröffentlicht: „Das Leben von Klim Samgin“ von M. Gorki, „Der letzte von Udege“ von A. Fadeeev, „The Quiet Don “ von M. Sholokhov, „Russia Washed with Blood“ von A. Vesely, A. Tolstois zweites Buch „Walking Through the Torments“ wird veröffentlicht. In diesen Romanen erweitern sich die räumlichen und zeitlichen Rahmenbedingungen, die Skala des Persönlichkeitsbildes, ein verallgemeinertes Menschenbild erscheint.

Die Wege und Schicksale der Intelligenz während des Bürgerkriegs waren in der Prosa der 1920er Jahre nicht weniger schwierig (die Romane „At a Dead End“ von V. Veresaev, „Change“ von M. Shaginyan, „Städte und Jahre“ von K Fedin, „Die Weiße Garde“ von M. Bulgakow, „Schwestern“ von A. Tolstoi). In diesen Werken versuchten die Autoren, die Ära des Zusammenbruchs traditioneller Normen und Lebensformen und ihre dramatische Widerspiegelung in den Köpfen und Schicksalen der Menschen nachzuvollziehen. Im Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit steht ein Mensch, der der ausgehenden Welt fremd ist, sich aber gleichzeitig nicht in der neuen Realität gefunden hat.

So bestimmten die Ereignisse der Revolution und des Bürgerkriegs mit ihren unüberbrückbaren ideologischen und politischen Widersprüchen, scharfen Veränderungen im Schicksal der Menschen, die Thematik und künstlerische Originalität Prosa der 20er Jahre sowie ihre Suche nach neuen Formen und Mitteln der Darstellung der Wirklichkeit.

Vortrag 3. Poesie der 20er Jahre

Die russische Poesie der 1920er Jahre ist in Bezug auf die Fülle an Talenten, den Reichtum und die Vielfalt der Inhalte und Formen das hellste Phänomen in der Literatur des 20. Jahrhunderts.

Die Poesie der frühen 1920er Jahre war überwiegend lyrisch. Schnelle und globale Veränderungen erforderten direkten poetischen Ausdruck. Später wurden epische Werke entwickelt, die mit bedeutenden Verallgemeinerungen verbunden sind.

Das bestimmende Stilmerkmal als episch. Lyrik ist also ihre heroisch-romantische Färbung.

Die bürgerliche Lyrik erklang mit beispielloser Kraft, die wirkungsvollsten Genres, die sich direkt an die Massen richteten, wurden entwickelt: ein Marsch, ein Lied, ein poetischer Appell, eine Botschaft. Dichter, die die alten Formen wiederbeleben, modifizieren sie und geben ihnen eine neue Richtung („Ode an die Revolution“ von V. Mayakovsky, „May Day Hymn“ von V. Kirillov, „Cantata“ von S. Yesenin), es werden Versuche unternommen neue Genres schaffen: „Befehle“ für die Armee der Künste V. Mayakovsky, „Aufrufe“ von Proletariern, Monologe in der rhythmischen Prosa von A. Gastev. „Barrikaden“-Klänge setzten sich in der Poesie durch. Die Traditionen der Liebeslyrik, der Natur, der philosophischen Reflexionen traten in den Hintergrund.

Einen herausragenden Platz unter den Werken dieser Zeit nimmt das Gedicht „Die Zwölf“ von A. Blok ein. Es ist klein und besteht aus 12 Kapiteln, von denen jedes sein eigenes Motiv und seine eigene rhythmische Intonationsstruktur hat. Die charakteristischen Merkmale des Gedichts sind scharfe Kontraste, die Verwendung symbolischer Bilder (der Wind, zwölf Soldaten der Roten Armee, Christus mit der "blutigen Fahne"), die Idee der Revolution als Fest der Elemente. So sagt der Autor selbst über das Gedicht: „Das Gedicht wurde in jener außergewöhnlichen und immer kurzen Zeit geschrieben, in der der vorbeiziehende revolutionäre Wirbelsturm alle Meere – Natur, Leben, Kunst – stürmt; im Meer Menschenleben es gibt auch so ein kleines Hinterwäldler, wie die Pfütze der Marquise, das heißt Politik; die Meere der Natur, des Lebens und der Kunst tobten, Gischt stieg wie ein Regenbogen über uns auf. Ich habe auf den Regenbogen geschaut, als ich „Zwölf“ geschrieben habe; darum blieb ein Tropfen Politik im Gedicht. Unmittelbar nach The Twelve schreibt Blok Skythen. In diesem Gedicht, das eng mit dem Gedicht verbunden ist, drückt er seine Ideen über Gerechtigkeit und die Brüderlichkeit der Völker aus, über die Entwicklung der Weltgeschichte als Konfrontation zwischen zwei Rassen - Mongolen und Europäern.

Die vollständigsten romantischen Tendenzen in der Poesie spiegelten sich in der Poesie von V. Mayakovsky wider. Mayakovsky "trat in die Revolution ein, als ob er in sein eigenes Haus käme. Er ging geradeaus und begann, Fenster in seinem Haus zu öffnen", bemerkte V. Shklovsky richtig. Die Begriffe: „Majakowski“ und „Dichter der Revolution“ sind synonym geworden. Ein solcher Vergleich ist auch ins Ausland vorgedrungen, wo Mayakovsky als eine Art „poetisches Äquivalent“ zum Oktober wahrgenommen wird. Mayakovsky sah im Gegensatz zu vielen anderen zwei Gesichter in der Revolution: nicht nur Größe, sondern auch Züge des Flachlandes, nicht nur seine menschliche („kindliche“) Seite, sondern auch Grausamkeit („offene Adern“). Und als Dialektiker könnte er auch von einem "Trümmerhaufen" ausgehen statt von einem "in Schlachten gebauten Sozialismus". Und das kam bereits 1918 in der berühmten „Ode an die Revolution“ zum Ausdruck:

O Tier! Oh Baby! Ach Penny! Oh toll! Wie war dein anderer Name? Wie wirst du dich wieder umdrehen, mit zwei Gesichtern? Ein schlankes Gebäude, ein Trümmerhaufen?

Die romantische Wahrnehmung der Revolution war auch charakteristisch für die Poesie des Proletkult. Das Singen der Energie der Massen, der Kollektivismus, die Verherrlichung der Industriearbeit, die Verwendung von Bildsymbolen für "Maschine", "Fabrik", "Eisen" war charakteristisch für die Poesie von V. Aleksandrovsky, A. Gastev, V Kirillov, N. Poletaev.

Einen großen Platz in der Poesie der 1920er Jahre nahm die Kunst der Bauerndichter ein. Die bekanntesten von ihnen waren S. Yesenin, N. Klyuev, S. Klychkov, A. Shiryaevets, P. Oreshin. Sie begannen ihre literarische Tätigkeit in den 900er Jahren und wurden gleichzeitig neue Bauern genannt. Der Geist der Demokratie, die Bildersprache, die hauptsächlich mit dem bäuerlichen Leben verbunden ist, die volkstümliche Liedart ihrer Gedichte waren vor dem Hintergrund vieler poetischer Schöpfungen jener Jahre besonders deutlich. Sie präsentierten das Konzept der Revolution mit einer bäuerlichen Tendenz. Zum Beispiel waren die Werke von S. Yesenin durch romantische Hochstimmung, Hyperbolisierung von Bildern, biblische Symbolik und die Verwendung von kirchenslawischen Ausdrücken gekennzeichnet. Durch die Revolution ermutigt, schreibt er mehrere kleine Gedichte (The Jordan Dove, Inonia, The Heavenly Trommler, alle 1918 usw.), die von einer freudigen Vorahnung der „Verwandlung“ des Lebens durchdrungen sind. Gottbekämpfende Stimmungen werden in ihnen mit biblischen Bildern kombiniert – um das Ausmaß und die Bedeutung der stattfindenden Ereignisse aufzuzeigen.

Yesenin, der die neue Realität und ihre Helden sang, versuchte, der Zeit zu entsprechen (Kantate, 1919). In späteren Jahren schrieb er „Lied der großen Kampagne“, 1924, „Kapitän der Erde“, 1925 und andere. Der Dichter reflektiert, „wohin uns das Schicksal der Ereignisse führt“, und wendet sich der Geschichte zu (dramatisches Gedicht „Pugatschow“) , 1921).

N. Klyuev suchte weiter nach dem Ideal des patriarchalischen Russlands. Inhalt und bildliche Form vieler seiner Gedichte sind von der Erwartung ihrer Auferstehung durchdrungen, in der sich Modernität mit Archaismus verbindet („Songbook“), Klyuev wendet sich gegen die Aggression der „Eisernen Sänger“ („The Fourth Rome“) , Bilder der wehrlosen Natur erscheinen in seinen Gedichten, die Ideen der universellen Brüderlichkeit.

Zu Beginn der Periode erschienen viele Gedichte berühmter Dichter, Vertreter der poetischen Schulen der vorrevolutionären Zeit.

Andrei Bely besang in dem Gedicht „Christ is Risen“ und in den Gedichten der Sammlung „Ashes“ das „Feuerelement“ der Revolution und brachte seine Bereitschaft zum Ausdruck, sich ihr zu opfern. Aber die Revolution ist für ihn ein rebellisches Element und eine Katastrophe, die eine Krise des Geistes hervorruft. Der Dichter baut sein poetisches Konzept der Vergangenheit auf (das Gedicht "Das erste Date"), wonach das alte patriarchalische Russland, das alle besten Eigenschaften verkörperte, durch eine Revolution des Geistes wiederbelebt werden muss.

M. Woloschin blieb den sozialen Umwälzungen nicht fern. Die Oktoberrevolution und der Bürgerkrieg finden ihn in Koktebel, wo er alles tut, "um zu verhindern, dass seine Brüder / sich selbst zerstören, sich gegenseitig ausrotten". Woloschin akzeptierte die Revolution als historische Unausweichlichkeit und sah es als seine Pflicht an, den Verfolgten zu helfen, ungeachtet ihrer „Farbe“ – „sowohl der rote Anführer als auch der weiße Offizier“ suchten (und fanden!) „Zuflucht, Schutz und Rat“ bei ihm Haus. In den postrevolutionären Jahren änderte sich Woloschins poetische Palette dramatisch: Philosophische Meditationen und impressionistische Skizzen wurden durch leidenschaftliche publizistische Reflexionen über das Schicksal Russlands und seiner Auserwählten (das Bild des "brennenden Busches"), Gemälde und Figuren der russischen Geschichte ersetzt - die Sammlung Deaf and Dumb Demons (1919), ein Gedichtband "The Burning Bush", darunter das Gedicht "Russland". In dem Zyklus „Kainswege“ wendet sich der Dichter der Geschichte der materiellen Kultur der Menschheit zu.

In dieser Zeit veröffentlichte V. Bryusov zwei Sammlungen, „Last Dreams“ und „On Solche Days“. Die Sammlung "In solchen Tagen" ist ein neuer und wichtiger Meilenstein in der ideologischen und kreativen Entwicklung von Bryusov. In den Gedichten dieser Sammlung werden die Hauptmotive der Schöpfung "Begegnung der Zeiten", "Völkerfreundschaft". Er bedient sich heroischer Assoziationen, die in die Tiefe von Jahrhunderten zurückführen, archaisch. In den 1920er Jahren erschienen die Sammlungen „Mig“, „Dali“, „Mea“ (Eile). Die in diesen Sammlungen enthaltenen Gedichte sind Beweise die breiteste Paletteöffentliche, kulturelle und wissenschaftliche Interessen von Bryusov.

Tragische Motive erklangen in den Texten von M. Tsvetaeva (Sammlung von "Milestones" und "Swan Camp"). In diesen Jahren wurden die wichtigsten lyrischen Zyklen fertiggestellt: "Gedichte über Moskau", "Gedichte an Blok", "Schlaflosigkeit". Die Hauptthemen ihrer Arbeit sind das Thema Dichter und Russland, das Thema Trennung, Verlust. Dies hängt mit dem Auftreten von Volksliedmotiven in ihren Gedichten zusammen.

Die Stärkung des tragischen Pathos war auch charakteristisch für die Poesie von A. Akhmatova. Ihr lyrisches Konzept der Moderne, das Thema Humanismus, verkörpert sich in den Kollektionen „Plantain“, „Anno Domini“. Aber zum ersten Mal tauchten patriotische Motive in ihrer Arbeit auf („Ich hatte eine Stimme. Er rief tröstend“). In der zweiten Hälfte der 1920er Jahre verließ Achmatowa die aktive poetische Kreativität und wandte sich zu Puschkin-Thema, Veröffentlichung von Artikeln, Kommentaren, Notizen zu seinen Werken.

Heroische Romantik färbt die Gedichte von E. Bagritsky in den 20er Jahren. Bagritskys Gedichte über "Straßeneroberer" und "lustige Bettler", die die Poetik der "südlichen Akmeisten" neu übersetzten, zeichneten sich durch figurative Helligkeit, frische Intonation und nicht trivialen Rhythmus aus und brachten ihn schnell an die Spitze der Dichter der revolutionären Romantik. In den frühen 1920er Jahren Bagritsky verwendete aktiv das Material der Balladen von R. Burns, W. Scott, T. Goode, A. Rimbaud, aber bereits in seinem ersten poetischen Buch "South-West" bedingt romantische Charaktere in "Maskeradekostümen", die aus England und Flandern bestellt wurden Koexistieren Sie mit dem Helden des Gedichts "Duma über Opanas" - einem wunderbaren lyrischen Epos, das den Stil von "Gaidamaks" von T. Shevchenko und "The Tale of Igor's Campaign" aufnahm. Lamentation for Opanas ist die tragische Einsicht des Dichters, der entdeckte, dass es in einem Bruderkampf, in dem Henker und Opfer so leicht die Plätze tauschen, keinen „dritten Weg“ gibt.

Der Dichter zeigte wahrheitsgemäß die ganze Tragödie des Bürgerkriegs, er betonte, dass es fast unmöglich sei, davon wegzukommen, eine neutrale Position einzunehmen.

Der Beginn des kreativen Weges von Dichtern wie M. Isakovsky, A. Surkov, A. Prokofiev, V. Lugovskoy gehört zu den 20er Jahren.

Das Hauptmotiv der Gedichte von Lugovsky und Surkov der 1920er Jahre ist das Heldentum des Bürgerkriegs. Aber wenn es im Pathos ihrer frühen Werke viele Gemeinsamkeiten gibt, so unterscheiden sich die Herangehensweise an das Thema und der Stil. Lugovskys Gedichte, die in seinen ersten Sammlungen "Flashes" und "Muscle" enthalten waren, zeichneten sich durch romantische Hochstimmung und Verallgemeinerung, gesteigerte Ausdruckskraft und Metapher sowie scharfe rhythmische Verschiebungen aus. Surkovs Lyrik dieser Zeit ist betont einfach, voller realistischer Details.

Die Arbeit von Isakovsky und Prokofjew brachte ein lyrisch-herzhaftes Bild zusammen heimische Natur, Liedstimmungen und die Tatsache, dass der Fokus beider Dichter das russische Dorf ist.

Vorlesung 4. Dramaturgie der 20er Jahre

Führend in der Dramaturgie der 20er Jahre war das Genre des heroisch-romantischen Schauspiels. „Storm“ von V. Bill-Belotserkovsky, „Love Yarovaya“ von K. Trenev, „Rift“ von B. Lavrenev - diese Stücke verbindet die epische Breite, der Wunsch, die Stimmung der Massen als Ganzes widerzuspiegeln. Diese Werke basieren auf einem tiefen gesellschaftspolitischen Konflikt, dem Thema „Brechen" des Alten und der Geburt einer neuen Welt. Kompositorisch zeichnen sich diese Stücke durch eine breite Abdeckung des Zeitgeschehens, der Gegenwart aus viele Nebenlinien, die nichts mit der Haupthandlung zu tun haben, die freie Übertragung der Handlung von einem Ort zum anderen.

So gibt es zum Beispiel im Stück "Storm" von V. Bill-Belotserkovsky viele Massenszenen. Es umfasst Soldaten der Roten Armee, Tschekisten, einen Matrosen, einen Redakteur, einen Dozenten, einen Militärkommissar, Komsomol-Mitglieder, einen Sekretär, einen Militärausbilder und einen Versorgungsmanager. Viele andere Personen, die weder Namen noch Positionen haben. Weder zwischenmenschliche Beziehungen, noch die Geschichte ist die Hauptquelle der Handlungsentwicklung im Stück. Die Hauptsache darin ist das Bild der historischen Schlacht. Dies hängt mit dem Fehlen einer gezielt sich entwickelnden Intrige, Fragmentierung und Verselbständigung einzelner Szenen zusammen. Die zentrale Figur des Stücks ist der Vorsitzende Ukoma, eine Person, die eher symbolisch als real ist. Aber er mischt sich aktiv ins Leben ein: Er organisiert den Kampf gegen Typhus, entlarvt einen Schurken aus dem Zentrum, bestraft Savandeev für seine unverantwortliche Haltung gegenüber einer Frau und so weiter. Somit hatte "Storm" offen Propagandacharakter. Aber in jenen Jahren war die Bedeutung solcher Stücke, die Kraft ihrer Wirkung stärker als die Stücke eines tiefgründigen psychologischen Plans.

In der Dramaturgie der 1920er Jahre nimmt Boris Andrejewitsch Lawrenjews Theaterstück „Der Bruch“ einen herausragenden Platz ein, dessen Handlung auf den historischen Ereignissen vom Oktober 1917 basiert. Das Stück ist jedoch keine Chronik, soziale Konflikte nehmen darin einen großen Platz ein. In "Razlom" gibt es keine für das heroisch-romantische Genre typischen Kampfszenen: Die Ereignisse auf dem Kreuzer "Zarya" werden von Alltagsszenen in der Wohnung der Bersenevs durchsetzt. Soziales und Häusliches sind untrennbar miteinander verbunden, aber das Klassenprinzip setzt sich durch: Tatjana Berseneva und ihr Mann, Leutnant Stube, stehen an unterschiedlichen Polen der gesellschaftlichen Weltanschauung, was sich in ihren persönlichen Beziehungen widerspiegelt und zu einem endgültigen Bruch führt. Die persönlichen Beziehungen der Charaktere spielen in der Handlung keine Hauptrolle: Der Vorsitzende des Schiffskomitees des Kreuzers "Zarya" Godun ist in Tatyana Berseneva verliebt, aber Tatyanas Sympathie für Godun beruht weitgehend auf der Nähe weltanschaulicher Positionen .

"The Rupture" ist eine Kombination aus zwei Genres: Es ist sowohl ein sozialpsychologisches Drama mit einer tiefgreifenden Entwicklung eines begrenzten Charakterkreises mit ausgeprägtem Alltagsgeschmack als auch ein heroisch-romantisches Stück, das die Stimmung des Films prägt Menschen als Ganzes, Massenpsychologie.

Die Tragödie des Bürgerkriegs wird auch in K. Trenevs Stück Love Yarovaya vermittelt. In der Mitte ist ihr Bild von Lyubov Yarovaya und ihrem Ehemann. Welche waren auf gegenüberliegenden Seiten der Barrikaden. Die Figuren darin sind authentisch und glaubwürdig dargestellt und unterscheiden sich deutlich von den eindeutigen Charaktereigenschaften vieler Stücke jener Jahre. Trenev gelang es, die schematisch überzeichneten, primitiven Ideen zu überwinden.

Einen besonderen Platz in der Dramaturgie der 1920er Jahre nimmt M. Bulgakovs Stück Tage der Trubins ein, eines der besten Stücke über den Bürgerkrieg, über das Schicksal der Menschen in einer kritischen Zeit. Bulgakovs Stück "Days of the Turbins", geschrieben auf den Spuren der "Weißen Garde", wird "die zweite" Möwe "des Kunsttheaters. Lunacharsky nannte es "das erste politische Stück im sowjetischen Theater". Die Premiere, die am 5. Oktober 1926 stattfand, machte Bulgakov berühmt. Die vom Dramatiker erzählte Geschichte schockierte das Publikum mit ihrer Leben Wahrheit katastrophale Ereignisse, die viele von ihnen in letzter Zeit erlebt hatten. Die Bilder weißer Offiziere, die Bulgakov furchtlos auf die Bühne brachte das beste Theater Länder, vor dem Hintergrund eines neuen Betrachters, einer neuen Lebensweise, erlangten die wachsende Bedeutung der Intelligenzia, egal ob militärisch oder zivil. Die Aufführung, die von offizieller Kritik angefeindet wurde, wurde bald zurückgezogen, aber 1932 wieder aufgenommen.

Die Handlung des Dramas passt in die Grenzen des Hauses der Turbins, wo "die Revolution mit einem schrecklichen Wirbelsturm hereinbricht".

Alexei und Nikolai Turbins, Elena, Lariosik, Myshlaevsky sind nett und edle Leute. Sie können die komplexen Elemente der Ereignisse nicht verstehen, ihren Platz darin verstehen, ihre Bürgerpflicht gegenüber ihrem Heimatland bestimmen. All dies führt zu einer ängstlichen, innerlich angespannten Atmosphäre im Haus der Turbins. Sie sind besorgt über die Zerstörung der alten gewohnten Lebensweise. Deshalb spielt das Bild des Hauses, der Ofen, der im Gegensatz zur umgebenden Welt Wärme und Behaglichkeit bringt, eine so große Rolle in dem Stück.

In den 1920er Jahren wurden eine Reihe von Komödientheatern gegründet. M. Gorky und L. Leonov, A. Tolstoy und V. Mayakovsky verfeinerten ihre satirischen Fähigkeiten im Bereich der Komödie. Die Bürokraten, nicht die Karrieristen, die Heuchler fielen auf der Stelle der satirischen Sichtweise zum Opfer.

Philistertum war Gegenstand gnadenloser Bloßstellung. Die in jenen Jahren bekannten Komödien „Mandat“ und „Suicide“ von N. Erdman, „Air Pie“ von B. Romashov, „Zoyka's Apartment“ und „Ivan Vasilievich“ von M. Bulgakov, „Squanderers“ und „Squaring the Circle“ von V. Kataev widmeten sich genau diesem Thema.

Fast gleichzeitig mit The Days of the Turbins schrieb Bulgakov die tragische Farce Zoya's Apartment (1926). Die Handlung des Stücks war für diese Jahre sehr relevant. Die unternehmungslustige Zoika Peltz versucht, Geld zu sparen, um sich und ihrem Liebhaber Auslandsvisa zu kaufen, indem sie ein unterirdisches Bordell in ihrer eigenen Wohnung organisiert. Das Stück fängt einen scharfen Zusammenbruch der sozialen Realität ein, der sich in einer Veränderung der sprachlichen Formen ausdrückt. Graf Obolyaninov weigert sich zu verstehen, was ein „ehemaliger Graf“ ist: „Wo bin ich hingegangen? Hier stehe ich vor dir." Mit demonstrativer Unschuld akzeptiert er weniger „neue Worte“ als neue Werte. Das brillante Chamäleon des charmanten Schurken Ametistov, des Verwalters in Zoyas „Atelier“, steht in auffallendem Kontrast zum Grafen, der sich nicht auf die Umstände einzulassen weiß. Im Kontrapunkt von zwei zentrale Bilder, Ametistov und Graf Obolyaninov, taucht das tiefe Thema des Stücks auf: das Thema der historischen Erinnerung, die Unmöglichkeit, die Vergangenheit zu vergessen.

Einen besonderen Platz in der Dramaturgie der 1920er Jahre nehmen Majakowskis Komödien Wanze und Badehaus ein, sie sind eine Satire (mit Elementen der Dystopie) auf eine bürgerliche Gesellschaft, die die revolutionären Werte, für die sie geschaffen wurde, vergessen hat. Interner Konflikt mit der umgebenden Realität des fortschreitenden "bronzenen" Sowjetzeitalters gehörte zweifellos zu den wichtigsten Anreizen, die den Dichter zur letzten Rebellion gegen die Gesetze der Weltordnung trieben - Selbstmord.

Vorlesung 5. Allgemeine Merkmale der Literatur der 30er Jahre

In den 1930er Jahren nahmen negative Phänomene im literarischen Prozess zu. Die Verfolgung prominenter Schriftsteller beginnt (E. Zamyatin, M. Bulgakov, A. Platonov, O. Mandelstam). S. Yesenin und V. Mayakovsky begehen Selbstmord.

In den frühen 1930er Jahren vollzog sich ein Wandel in den Formen des literarischen Lebens: Nach der Veröffentlichung der Resolution des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki kündigten die RAPP und andere literarische Vereinigungen ihre Auflösung an.

1934 fand der Erste Kongress der sowjetischen Schriftsteller statt, der den sozialistischen Realismus zur einzig möglichen schöpferischen Methode erklärte. Im Allgemeinen hat die Politik der Vereinheitlichung des kulturellen Lebens begonnen, und es gibt einen starken Rückgang der gedruckten Veröffentlichungen.

Thematisch geht es in den Leitromanen um die Industrialisierung, um die ersten Fünfjahrespläne entstehen große epische Leinwände. Generell wird das Thema Arbeit zum Leitthema.

Die Fiktion begann, die Probleme zu meistern, die mit dem Eindringen von Wissenschaft und Technologie in den Alltag verbunden waren. Neue Sphären des menschlichen Lebens, neue Konflikte, neue Charaktere, Modifikation des traditionellen literarischen Materials führten zum Auftauchen neuer Helden, zum Auftauchen neuer Gattungen, neuer Versifikationsmethoden, zu Forschungen auf dem Gebiet der Komposition und Sprache.

Eine Besonderheit der Poesie der 30er Jahre ist die rasante Entwicklung des Liedgenres. In diesen Jahren wurden die berühmten "Katyusha" (M. Isakovsky), "Mein Vaterland ist weit ..." (V. Lebedev-Kumach), "Kakhovka" (M. Svetlov) und viele andere geschrieben.

Um die Wende der 1920er und 1930er Jahre entstanden interessante Trends im literarischen Prozess. Die Kritik, die bis vor kurzem die "kosmischen" Verse der Proletkultisten begrüßte, A. Malyshkins "Dair's Fall" und B. Lavrenevs "Wind" bewunderte, änderte ihre Richtung. Der Leiter der soziologischen Schule, V. Fritsche, startete eine Kampagne gegen die Romantik als idealistische Kunst. A. Fadeevs Artikel „Nieder mit Schiller!“ Erschien, gerichtet gegen das romantische Prinzip in der Literatur.

Natürlich war es die Forderung der Zeit. Das Land verwandelte sich in eine riesige Baustelle, und der Leser erwartete von der Literatur eine unmittelbare Reaktion auf aktuelle Ereignisse.

Aber es gab Stimmen zur Verteidigung der Romantik. So veröffentlicht die Zeitung Izvestiya Gorkis Artikel "More on Literacy", in dem der Schriftsteller Kinderautoren vor der Beauftragung von Kinderbüchern durch das Volkskommissariat für Bildung verteidigt, das Werke ablehnt und Elemente der Fantasie und Romantik in ihnen findet. Die Zeitschrift „Print and Revolution“ veröffentlicht einen Artikel des Philosophen V. Asmus „In Defense of Fiction“.

Und doch erweist sich der lyrisch-romantische Beginn in der Literatur der 30er Jahre im Vergleich zur Vorzeit als in den Hintergrund gedrängt. Auch in der Poesie, stets zu lyrisch-romantischer Wahrnehmung und Darstellung der Wirklichkeit neigend, triumphieren diese Jahre Epische Genres(A. Tvardovsky, D. Kedrin, I. Selvinsky).

Vorlesung 6. Prosa der 30er Jahre

In der Literatur der dreißiger Jahre vollzogen sich im Zusammenhang mit dem allgemeinen historischen Prozeß bedeutende Veränderungen. Das führende Genre der 1930er Jahre war der Roman. Literaturkritiker, Schriftsteller, Kritiker billigten die künstlerische Methode in der Literatur. Sie gaben ihm eine genaue Definition: sozialistischer Realismus. Ziele und Aufgaben der Literatur wurden vom Schriftstellerkongress festgelegt. M. Gorki hielt eine Präsentation und identifizierte das Hauptthema der Literatur - Arbeit.

Literatur half, Erfolge zu zeigen, brachte eine neue Generation hervor. Der Bau war der wichtigste pädagogische Moment. Der Charakter einer Person manifestierte sich im Team und in der Arbeit. Eine Art Chronik dieser Zeit sind die Werke von M. Shaginyan "Hydrocentral", I. Ehrenburg "Day Two", L. Leonov "Sot", M. Sholokhov "Virgin Soil Upturned", F. Panferov "Bars". Das historische Genre entwickelte sich („Peter I“ von A. Tolstoi, „Tsushima“ von Novikov - Surf, „Emelyan Pugachev“ von Shishkov).

Das Problem der Erziehung der Menschen war akut. Sie fand ihre Lösung in den Werken: „People from the Outback“ von Malyshkin, „Pedagogical Poem“, Makarenko.

In Form eines kleinen Genres, der Kunst der Lebensbeobachtung, wurden die Fähigkeiten des knappen und genauen Schreibens besonders erfolgreich geschliffen. So wurden die Geschichte und der Aufsatz nicht nur wirksame Mittel Erkenntnis des Neuen in der schnelllebigen Moderne und zugleich der erste Versuch, ihre Leitströmungen zu verallgemeinern, aber auch ein Laboratorium künstlerischer und publizistischer Kompetenz.

Die Fülle und Effizienz kleiner Genres ermöglichte es, alle Aspekte des Lebens abzudecken. Der moralisch-philosophische Inhalt der Kurzgeschichte, die soziale und journalistische Denkbewegung im Essay, die soziologischen Verallgemeinerungen im Feuilleton – das zeichnete die kleinen Prosatypen der 30er Jahre aus.

A. Platonov, ein herausragender Kurzgeschichtenschreiber der 1930er Jahre, war vorwiegend ein Künstlerphilosoph, der sich auf die Themen moralischer und humanistischer Klänge konzentrierte. Daher seine Anziehungskraft auf das Genre der Geschichtenparabel. Der Ereignismoment in einer solchen Geschichte wird stark abgeschwächt, der geografische Beigeschmack auch. Die Aufmerksamkeit des Künstlers konzentriert sich auf die spirituelle Entwicklung der Figur, die mit subtilem psychologischem Geschick dargestellt wird ("Fro", "Unsterblichkeit", "Im Schönen und wütende Welt“) Der Mensch wird von Platonov in den weitesten philosophischen und ethischen Begriffen genommen. In dem Bemühen, die allgemeinsten Gesetze zu verstehen, die ihn regieren, ignoriert der Romanautor die Bedingungen der Umwelt nicht. Die Sache ist, dass seine Aufgabe nicht darin besteht, Arbeitsprozesse zu beschreiben, sondern die moralische und philosophische Seite des Menschen zu verstehen.

Kleine Genres im Bereich Satire und Humor machen eine Entwicklung durch, die für die Ära der 1930er Jahre charakteristisch ist. M. Zoshchenko befasst sich am meisten mit den Problemen der Ethik, der Bildung einer Kultur der Gefühle und Beziehungen. In den frühen 1930er Jahren tauchte in Zoshchenko ein anderer Heldentyp auf - ein Mann, der "sein menschliches Aussehen verlor", ein "gerechter Mann" ("Ziege", "Schreckliche Nacht"). Diese Helden akzeptieren die Moral der Umwelt nicht, sie haben andere ethische Standards, sie möchten nach einer hohen Moral leben. Doch ihre Rebellion endet mit einem Scheitern. Im Gegensatz zu Chaplins „Opfer“-Rebellion, die immer mit Mitgefühl angefacht wird, ist die Rebellion von Soshchenko-Helden jedoch frei von Tragödien: Die Persönlichkeit ist mit der Notwendigkeit konfrontiert, spirituellen Widerstand gegen die Sitten und Ideen seiner Umgebung zu leisten, und die harten Forderungen des Schriftstellers nicht vergib ihr Kompromiss und Kapitulation. Der Appell an den Typus rechtschaffener Helden verriet die ewige Unsicherheit des russischen Satirikers in der Selbstgenügsamkeit der Kunst und war eine Art Versuch, Gogols Suche nach einem positiven Helden, einer „lebenden Seele“, fortzusetzen. Allerdings muss beachtet werden, dass in sentimentale Geschichten» die künstlerische Welt des Schriftstellers ist bipolar geworden; die harmonie von sinn und bild war gebrochen, philosophische reflexionen offenbarten eine predigende absicht, das bildgefüge wurde weniger dicht. Das mit der Maske des Autors verschmolzene Wort dominierte; es war im Stil Geschichten ähnlich; währenddessen hat sich der Charakter (Typus), der die Erzählung stilistisch motiviert, verändert: Dies ist ein Intellektueller von durchschnittlicher Hand. Es stellte sich heraus, dass die ehemalige Maske am Schriftsteller befestigt war.

Die ideologische und künstlerische Umstrukturierung von Soshchenko ist insofern bezeichnend, als sie einer Reihe ähnlicher Prozesse ähnelt, die im Werk seiner Zeitgenossen stattfinden. Vor allem Ilf und Petrov – Romanschriftsteller und Feuilletonisten – weisen die gleichen Tendenzen auf. Neben satirischen Erzählungen und Feuilletons werden ihre Werke veröffentlicht, getragen von einem lyrisch-humorvollen Ton ("M.", "Wunderbare Gäste", "Tonya"). Ab der zweiten Hälfte der 1930er Jahre erschienen Geschichten mit radikal aktualisierten Handlungs- und Kompositionsmustern. Die Essenz dieser Veränderung war die Einführung eines positiven Helden in die traditionelle Form einer satirischen Geschichte.

In den 1930er Jahren war das führende Genre der Roman, vertreten durch einen epischen Roman, einen sozialphilosophischen und einen journalistisch-psychologischen Roman.

In den 1930er Jahren wurde es immer beliebter neuer Typ Handlung. Die Ära wird durch die Geschichte einiger Geschäfte im Mähdrescher, Kraftwerk, Kolchose usw. offenbart. Und so wird die Aufmerksamkeit des Autors auf das Schicksal einer großen Zahl von Menschen gelenkt, und keiner der Helden steht mehr im Mittelpunkt.

In „Hydrocentral“ von M. Shaginyan wurde die „Idee der Planung“ des Managements nicht nur zum führenden thematischen Zentrum des Buches, sondern unterwarf auch die Hauptkomponenten seiner Struktur. Die Handlung des Romans entspricht den Bauphasen eines Wasserkraftwerks. Die Schicksale der mit dem Bau von Mezinges verbundenen Helden werden in Bezug auf den Bau detailliert analysiert (Bilder von Arno Arevyan, Glaving, Lehrer Malkhazyan).

In L. Leonovs Soti wird die Stille der stillen Natur zerstört, der alte Skete, von dem sie Sand und Kies für den Bau nahmen, wurde von innen und außen erodiert. Der Bau einer Papierfabrik auf Sot' wird als Teil einer systematischen Neuordnung des Landes dargestellt.

In F. Gladkovs neuem Roman Energie werden Arbeitsprozesse unvergleichlich ausführlicher dargestellt. F. Gladkov wendet bei der Nachbildung von Bildern der Industriearbeit neue Techniken an und entwickelt alte weiter, die in den Umrissen von Cement (ausgedehnte Industrielandschaften, die durch die Panning-Technik erstellt wurden) verfügbar waren.

I. Ehrenburgs Roman „Day Two“ reiht sich organisch in den Mainstream der Suche nach neuen Formen einer großen Prosagattung ein, um die neue Realität zu spiegeln. Dieses Werk versteht sich als lyrisch-journalistischer Bericht, geschrieben direkt im Getümmel großer Dinge und Ereignisse. Die Helden dieses Romans (Vorarbeiter Kolka Rzhanov, Vaska Smolin, Shor) treten gegen Volodya Safonov an, der sich für die Seite des Beobachters entschieden hat.

Das Kontrastprinzip, das ist eigentlich so wichtiger Punkt in jedem Kunstwerk. Einen originellen Ausdruck fand ich in Ehrenburgs Prosa. Dieses Prinzip half dem Schriftsteller nicht nur, die Vielfalt des Lebens umfassender darzustellen. Er brauchte es, um den Leser zu beeinflussen. Ihn zu beeindrucken mit dem freien Assoziationsspiel witziger Paradoxien, deren Grundlage der Kontrast war.

Die Bejahung der Arbeit als Kreativität, das erhabene Bild von Produktionsprozessen - all dies veränderte die Natur von Konflikten und führte zur Entstehung neuer Arten von Romanen. In den 1930er Jahren stach unter den Werken der Typus des sozialphilosophischen Romans ("Hundert"), des journalistischen ("Zweiter Tag"), des sozialpsychologischen ("Energie") hervor.

Die Poetisierung der Arbeit, verbunden mit einem glühenden Gefühl der Liebe zur Heimat, fand ihren klassischen Ausdruck im Buch des Ural-Schriftstellers P. Bazhov "Malachite Box". Dies ist weder ein Roman noch eine Kurzgeschichte. Aber eine seltene handlungskompositorische Kohärenz und Genreeinheit verleihen dem Märchenbuch, das durch das Schicksal derselben Helden zusammengehalten wird, die Integrität der ideologischen und moralischen Sichtweise des Autors.

In jenen Jahren gab es auch eine Reihe von sozialpsychologischen (lyrischen) Romanen, vertreten durch „The Last of Udege“ von A. Fadeev und die Werke von K. Paustovsky und M. Prishvin.

Der Roman „Der letzte von Udege“ hatte nicht nur einen kognitiven Wert, wie den alltäglicher Ethnographen, sondern vor allem einen künstlerischen und ästhetischen. Die Handlung von "The Last of the Udege" spielt im Frühjahr 1919 in Wladiwostok und in den von der Partisanenbewegung erfassten Bezirken Suchan, Olga in den Taiga-Dörfern. Aber zahlreiche Retrospektiven machen den Leser mit dem Panorama des historischen und politischen Lebens von Primorje lange vor dem "Hier und Jetzt" bekannt - am Vorabend des Ersten Weltkriegs und im Februar 1917. Die Erzählung, besonders ab dem zweiten Teil, ist epischer Natur. Künstlerisch bedeutsam sind alle Aspekte des Inhalts des Romans, die das Leben verschiedener sozialer Kreise enthüllen. Der Leser findet sich im Haus des wohlhabenden Himmers wieder, lernt den demokratisch gesinnten Arzt Kostenetsky kennen, seine Kinder - Seryozha und Elena (nachdem sie ihre Mutter verloren hat, wird sie, die Nichte von Himmers Frau, in seinem Haus erzogen). Fadeev verstand die Wahrheit der Revolution eindeutig, deshalb brachte er seine Helden-Intellektuellen zu den Bolschewiki, was durch erleichtert wurde persönliche Erfahrung Schriftsteller. Schon in jungen Jahren fühlte er sich als Soldat der Partei, die "immer Recht" hat, und diese Überzeugung ist in den Bildern der Helden der Revolution verkörpert. Auf den Bildern des Vorsitzenden des revolutionären Partisanenkomitees Pyotr Surkov, seines Stellvertreters Martemyanov, des Vertreters des regionalen Untergrundparteikomitees Alexei Churkin (Alyosha Malyny), des Kommissars der Partisanenabteilung Senya Kudryavy (ein polemisches Bild in Bezug auf Levinson) , der Kommandant Gladkikh zeigte jene Vielseitigkeit der Charaktere, die es erlaubt, in dem Helden keine Opernzüge, sondern menschliche zu sehen. Fadeevs bedingungslose künstlerische Entdeckung war das Bild von Elena, es sollte die Tiefe der psychologischen Analyse der emotionalen Erfahrungen eines Teenager-Mädchens beachtet werden, ihr fast lebensbedrohlicher Versuch, die Welt des Hinterns herauszufinden, die Suche nach sozialem Selbst Entschlossenheit, ein Aufflammen von Gefühlen für Langovoy und Enttäuschung über ihn. „Mit erschöpften Augen und Händen“, schreibt Fadeev über seine Heldin, „fing sie diesen letzten warmen Atemzug des Glücks ein, und das Glück, wie ein trüber Abendstern im Fenster, verließ und verließ sie.“ Fast ein Jahr ihres Lebens nach dem Bruch mit Langov" prägte sich in Lenas Gedächtnis als das schwierigste ein schreckliche Zeit ihr Leben.“ „Ihre ultimative, gnadenlose Einsamkeit auf der Welt“ drängt Lena zur Flucht zu ihrem Vater, ins von den Roten besetzte Suchan, mit Hilfe des ihr ergebenen Langovoi. Niederlage „haben wir schon sprach über ihre Wahrnehmung der Menschen, die sich im Wartezimmer ihres Vaters, des Arztes Kostenetsky, versammelt hatten.) Als sie anfing, als Krankenschwester unter Frauen zu arbeiten, die sich darauf vorbereiteten, ihre verwundeten Söhne, Ehemänner und Brüder zu treffen, wurde sie von einer Stille schockiert gefühlvolles Lied:

Betet, Frauen, für unsere Söhne.

„Alle Frauen sangen, und es schien Lena, als gäbe es Wahrheit, Schönheit und Glück auf der Welt.“ Sie fühlte es in den Menschen, die sie traf, und jetzt „in den Herzen und Stimmen dieser Frauen, die über ihre Ermordung sangen kämpfende Söhne. Wie nie zuvor fühlte Lena in ihrer Seele die Möglichkeit der Wahrheit von Liebe und Glück, obwohl sie nicht wusste, wie sie sie finden könnte.

In der angeblichen Entscheidung über das Schicksal der Hauptfiguren des Romans - Elena und Langovoi - in der Interpretation der schwierigen Beziehung zwischen Vladimir Grigorievich und Martemyanov zeigte sich das humanistische Pathos des Autors voll und ganz. Natürlich löste der Autor im humanistischen Aspekt auch die Bilder von Untergrundarbeitern und Partisanen, "gewöhnlichen" Menschen, die ihre Lieben im schrecklichen Fleischwolf des Krieges (dem Schauplatz des Todes und der Beerdigung von Dmitri Iljin) verloren haben; Die leidenschaftliche Leugnung von Grausamkeiten durch den Autor färbte die Beschreibungen der Todeszuckungen von Ptaschka-Ignat Saenko, der im Kerker der Weißen Garde zu Tode gefoltert wurde. Entgegen der Theorie des „sozialistischen Humanismus“ erstreckte sich Fadeevs humanistisches Pathos auf die Helden des ideologischen Gegenlagers. Die gleichen Ereignisse im Leben des Udege werden von Fadeev aus verschiedenen Blickwinkeln behandelt, was der Erzählung eine gewisse Polyphonie verleiht, und der Erzähler meldet sich nicht direkt. Diese Polyphonie kommt besonders hell zur Geltung, weil der Autor drei „Quellen“ der Lebenserleuchtung genommen hat, die in ihrer Gesamtheit eine vollblütige Vorstellung von der Wirklichkeit erzeugen.

Das ist zunächst einmal die Wahrnehmung von Sarl – dem Sohn eines Stammes, der auf einer prähistorischen Entwicklungsstufe steht; sein Denken trägt trotz der Veränderungen, die im Bewusstsein stattgefunden haben, den Stempel der Mythologie. Die zweite stilistische Ebene der Arbeit ist mit dem Bild des erfahrenen und unhöflichen russischen Arbeiters Martemyanov verbunden, der die aufrichtige und vertrauensvolle Seele der Udege-Leute verstand. Schließlich spielt Sergei Kostenetsky, ein intelligenter junger Mann mit einer romantischen Wahrnehmung der Realität und der Suche nach dem Sinn des Lebens, eine bedeutende Rolle bei der Enthüllung der Welt von Udege. Das leitende künstlerische Prinzip des Autors von „The Last of the Udege“ ist die Offenlegung des Pathos des Romans durch Analyse psychische Zustände seine Helden. Die russische sowjetische Literatur übernahm das tolstoische Prinzip einer facettenreichen und psychologisch überzeugenden Darstellung einer Person einer anderen Nationalität, und The Last of the Udege war ein bedeutender Schritt in diese Richtung und setzte Tolstois Traditionen fort (Fadeev schätzte besonders Hadji Murad).

Der Autor hat die Originalität des Denkens und Fühlens eines Menschen, der sich fast auf der primitiven Entwicklungsstufe befindet, sowie die Gefühle eines Europäers, der in die primitive patriarchalische Welt gefallen ist, nachgebildet. Der Autor leistete hervorragende Arbeit beim Studium des Lebens der Udege und sammelte Material unter den folgenden Überschriften: Erscheinungsmerkmale, Kleidung, soziale Struktur und Familie; Überzeugungen, religiöse Überzeugungen und Rituale; Erklärung der Worte des Udege-Stammes. Die Manuskripte des Romans zeigen, dass Fadeev die maximale Genauigkeit der ethnografischen Farbgebung erreicht hat, obwohl er in einigen Fällen nach eigenen Angaben und den Beobachtungen der Leser bewusst davon abgewichen ist. Er konzentrierte sich nicht so sehr auf ein genaues Bild des Lebens dieses bestimmten Volkes - der Udege, sondern auf eine verallgemeinerte künstlerische Darstellung des Lebens und der inneren Erscheinung einer Person des Stammessystems im fernöstlichen Territorium: "... I hielt mich für berechtigt, Materialien über das Leben anderer Völker bei der Darstellung des Udege-Volkes zu verwenden ", - sagte Fadeev, der dem Roman zunächst den Namen "The Last of the Basins" geben wollte.

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Literatur der Zeit des Großen Vaterländischer Krieg

Reflexion der Annalen der Kriegsjahre in den Werken russischer Schriftsteller. Publizistik während des Krieges (A. Tolstoi, I. Ehrenburg, L. Leonov, O. Bergholz, Yu. Grossman und andere).

Texte der Kriegsjahre. Lieddichtung von V. Lebedev-Kumach, M. Isakovsky, L. Oshanin, E. Dolmatovsky, A. Surkov, A. Fatyanov.

Das Genre des Gedichts in den literarischen Annalen des Krieges ("Zoya" von M. Aliger, "Son" von P. Antokolsky, "Twenty-eight" von M. Svetlov usw.). A. Tvardovskys Gedicht "Vasily Terkin" als Höhepunkt des Krieges. Verherrlichung der Leistung des Volkes und des russischen Soldaten im "Buch über einen Kämpfer".

Prosa über den Krieg. „Days and Nights“ von K. Simonov, „Star“ von E. Kazakevich, „Satellites“ von V. Panova, „Young Guard“ von A. Fadeev, „The Tale of a Real Man“ von B. Polevoy, „In die Schützengräben von Stalingrad“ von V. Nekrasov und anderen

BEI. Twardowski

Die Gedichte „Das ganze Wesen ist in einem einzigen Testament ...“, „Über das Dasein“, „Der zerrissene Sockel des Denkmals ist zermalmt…“, „Ich weiß, keine Schuld von mir…“, „In Erinnerung an eine Mutter“, „Ich selbst werde nachfragen, ich werde suchen ... “, „ Geben Sie der Menschheit die Schuld für das, was Sie wollen .. “ und andere Ihrer Wahl. Vertrauen und Wärme der lyrischen Intonation von A. Tvardovsky. Die Liebe zur „bestehenden Wahrheit“ als Hauptmotiv des „lyrischen Epos“ des Künstlers. Die Erinnerung an den Krieg, das Thema moralische Prüfungen auf den Straßen der Geschichte in den Werken verschiedene Jahre. Philosophische Probleme späte Lyrik des Dichters.

Gedicht "Durch das Recht der Erinnerung". „Durch das Recht der Erinnerung“ als Gedicht-Bekenntnis, als Gedicht-Testament. Das Thema Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft im Lichte der historischen Erinnerung, die Lehren der Vergangenheit. Staatsbürgerschaft und moralische Höhe der Position des Autors.

Begleitkonzepte: lyrisch-patriotisches Pathos; Lyrisches Epos.

Intrasubjektkommunikation: I.A. Bunin über das Gedicht "Vasily Terkin"; Nekrasov-Traditionen in den Texten von A. Tvardovsky.

Interdisziplinäre Verbindungen: literarische Tätigkeit A. Tvardovsky in der Zeitschrift "New World": Dokumente, Zeugnisse, Memoiren.

Zum selbstständigen Lesen: die Gedichte "Grausame Erinnerung", "Wie nach den Märzschneestürmen ...", "Mitternacht in meinem Stadtfenster ...", die Gedichte "Das Haus an der Straße", "Jenseits der Ferne - die Ferne ."

Es waren die "kollektivistischen" Themen, die in der Wortkunst der 1930er Jahre zu einer Priorität wurden: Kollektivierung, Industrialisierung, der Kampf des Heldenrevolutionärs gegen Klassenfeinde, sozialistischer Aufbau, die führende Rolle der kommunistischen Partei in der Gesellschaft usw.

Dies bedeutet jedoch keineswegs, dass in den Werken "Partei" im Geiste keine Notizen über die Besorgnis des Schriftstellers über die moralische Gesundheit der Gesellschaft durchgeschlüpft sind, sondern die traditionellen Fragen der russischen Literatur über das Schicksal des "kleinen Mannes". nicht klingen. Nehmen wir nur ein Beispiel.

1932 schuf V. Kataev einen typisch "kollektivistischen" Industrieroman "Time, forward!" darüber, wie beim Bau des Eisen- und Stahlwerks Magnitogorsk der Weltrekord im Betonmischen gebrochen wurde. In einer der Episoden wird eine Frau beschrieben, die Bretter trägt.

"Hier ist eine.

In einem rosafarbenen Wollschal, in einem plissierten rustikalen Rock. Sie geht kaum, tritt schwer auf die Fersen und taumelt unter dem Gewicht der Sprungbretter, die sich über ihre Schulter beugen. Sie versucht mit den anderen mitzuhalten, verliert aber ständig das Tempo; sie stolpert, sie hat Angst zurückzufallen, sie wischt sich beim Gehen schnell mit dem Zipfel ihres Taschentuchs das Gesicht ab.

Ihr Bauch ist besonders hoch und hässlich. Es ist klar, dass sie in ihren letzten Tagen ist. Vielleicht hat sie noch Stunden.

Warum ist sie hier? Was sagt sie dazu? Was hat es mit allem drum herum zu tun?

Unbekannt."

Über diese Frau fällt im Roman kein Wort. Aber das Bild wurde erstellt, Fragen wurden aufgeworfen. Und der Leser weiß zu denken… Warum arbeitet diese Frau mit allen zusammen? Warum haben die Leute sie ins Team aufgenommen?

Das angeführte Beispiel ist keine Ausnahme. In den meisten bedeutenden Werken der „offiziellen“ sowjetischen Literatur der 1930er Jahre kann man auf ebenso erstaunlich wahrheitsgemäße Episoden stoßen. Solche Beispiele überzeugen uns davon, dass die heutigen Versuche, die Vorkriegszeit in der Literatur als „Ära der stummen Bücher“ darzustellen, nicht ganz konsequent sind.

In der Literatur der 1930er Jahre gab es eine Vielfalt Kunstsysteme. Neben der Entwicklung des sozialistischen Realismus war die Entwicklung des traditionellen Realismus offensichtlich. Sie manifestierte sich in den Werken emigrierter Schriftsteller, in den Werken der Schriftsteller M. Bulgakov, M. Zoshchenko, die auf dem Land lebten, ua Offensichtliche Züge der Romantik sind im Werk von A. Green greifbar. A. Fadeev, A. Platonov waren der Romantik nicht fremd. In der Literatur der frühen 30er Jahre erschien die OBERIU-Richtung (D. Kharms, A. Vvedensky, K. Vaginov, N. Zabolotsky usw.), in der Nähe des Dadaismus, des Surrealismus, des Theaters des Absurden, der Literatur des Stroms von Bewusstsein.

Die Literatur der 1930er Jahre ist durch das aktive Zusammenspiel verschiedener Literaturgattungen gekennzeichnet. Zum Beispiel manifestierte sich das biblische Epos in den Texten von A. Akhmatova; M. Bulgakovs Roman "Der Meister und Margarita" hat viele seiner Züge mit dramatischen Werken gemeinsam - vor allem mit der Tragödie von I. V. Goethe "Faust".

Während der angegebenen Periode der literarischen Entwicklung wird das traditionelle Gattungssystem transformiert. Es entstehen neue Arten von Romanen (vor allem der sogenannte „Industrieroman“). Die Handlung eines Romans besteht oft aus einer Reihe von Essays.

Die Schriftsteller der 1930er Jahre sind sehr unterschiedlich in ihren kompositorischen Lösungen. "Produktions"-Romane zeigen meistens ein Panorama des Arbeitsprozesses und verbinden die Entwicklung der Handlung mit den Bauphasen. Die Komposition eines philosophischen Romans (V. Nabokov spielte in dieser Genrevariante) ist vielmehr nicht mit äußerer Handlung verbunden, sondern mit dem Kampf in der Seele der Figur. In „Der Meister und Margarita“ präsentiert M. Bulgakov einen „Roman im Roman“, und keine der beiden Handlungen kann als die führende angesehen werden.

Schriftsteller A. Tolstoi und M. Scholochow