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Literatur des 17. Jahrhunderts

Seit dem 17. Jahrhundert ist es üblich, die neue Zeit in der Geschichte der menschlichen Zivilisation herunterzuzählen. Das 17. Jahrhundert, das eine Grenzposition zwischen der Renaissance (XIV.-XVI. Jahrhundert) und dem Zeitalter der Aufklärung (18. Jahrhundert) einnimmt, hat viel von der Renaissance übernommen und viel zurückgelassen.

Die wichtigsten literarischen Strömungen des 17. Jahrhunderts waren Barock und Klassizismus.

Der Barock spielt in der Literatur des 17. Jahrhunderts eine bedeutende Rolle. Ende des 16. Jahrhunderts tauchten erste Anzeichen eines neuen Stils auf, doch erst das 17. Jahrhundert erlebte seine Blütezeit. Barock ist eine Reaktion auf soziale, politische, wirtschaftliche Instabilität, ideologische Krisen, psychologische Spannungen der Grenzära, es ist ein Wunsch, das tragische Ergebnis des humanistischen Programms der Renaissance kreativ zu überdenken, es ist eine Suche nach einem Ausweg aus einer Zustand der spirituellen Krise.

Der tragisch-erhabene Inhalt bestimmte auch die Grundzüge des Barock als künstlerische Methode. Barocke Werke zeichnen sich durch Theatralik, Illusion (es ist kein Zufall, dass P. Calderons Drama „Das Leben ist ein Traum“ heißt), Antinomie (das Aufeinandertreffen persönlicher Prinzipien und öffentlicher Pflicht) und den Kontrast der sinnlichen und spirituellen Natur des Menschen aus , der Gegensatz von Phantastischem und Realem, Exotischem und Gewöhnlichem, Tragischem und Komischem. Der Barock ist reich an komplexen Metaphern, Allegorien und Symbolik; er zeichnet sich durch Ausdruckskraft der Worte, Erhöhung der Gefühle, semantische Mehrdeutigkeit und eine Mischung aus Motiven der antiken Mythologie mit christlicher Symbolik aus. Barockdichter legten großen Wert auf die grafische Form von Versen und schufen „figürliche“ Gedichte, deren Zeilen ein Bild eines Herzens, eines Sterns usw. bildeten.

Ein solches Werk konnte nicht nur gelesen, sondern auch als Gemälde betrachtet werden. Die Autoren verkündeten die Originalität des Werkes als seinen wichtigsten Vorteil und seine notwendigen Merkmale - die Schwierigkeit der Wahrnehmung und die Möglichkeit unterschiedlicher Interpretationen. Der spanische Philosoph Gracian schrieb: „Je schwieriger die Wahrheit zu erkennen ist, desto angenehmer ist es, sie zu begreifen.“ Wortkünstler legten großen Wert auf Witz und paradoxe Urteile: „Im Namen des Lebens beeilen Sie sich nicht, geboren zu werden.“ / Ich habe es eilig, geboren zu werden, ich habe es eilig, zu sterben“ (Gongora).

Am meisten berühmte Schriftsteller Barock waren: in Spanien Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), in Italien Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), in Deutschland Hans Jakob von Grimmelshausen (um 1621). -1676), in Weißrussland und Russland Simeon von Polozk (1629-1680). Forscher stellen den Einfluss des Barockstils auf die Arbeit der englischen Schriftsteller W. Shakespeare und J. Milton fest.

Die zweite literarische Strömung, die sich im 17. Jahrhundert verbreitete, ist der Klassizismus. Seine Heimat war Italien (16. Jahrhundert). Hier entstand der Klassizismus zusammen mit der Wiederbelebung des antiken Theaters und galt zunächst als direkter Gegensatz zum mittelalterlichen Drama. Die Humanisten der Renaissance entschieden spekulativ, ohne Rücksicht auf die Einzigartigkeit des Konkreten historische Epochen und Völker, um die Tragödie von Euripides und Seneca, die Komödie von Plautus und Terenz wieder aufleben zu lassen. Sie waren die ersten Theoretiker des Klassizismus. So fungierte der Klassizismus zunächst als Theorie und Praxis der Nachahmung antiker Kunst: rationalistische Strenge und Logik des Bühnengeschehens, Abstraktion des künstlerischen Bildes, Pathos der Sprache, majestätische Posen und Gesten, elfsilbige, ungereimte Verse. Dies sind die Merkmale der Tragödie von Trissino (1478-1550) „Sophonisba“, die nach dem Vorbild der Tragödien von Sophokles und Euripides geschrieben wurde und die Ära des europäischen Klassizismus eröffnete.

Beispiele klassischer Kunst entstanden im 17. Jahrhundert in Frankreich. Hier kristallisierte sich seine Theorie heraus.

Die philosophische Grundlage der klassizistischen Methode war die rationalistische Lehre von Descartes. Der Philosoph glaubte, dass die einzige Quelle der Wahrheit die Vernunft sei. Ausgehend von dieser Aussage schufen die Klassizisten im Namen der Einhaltung der künstlerischen Gesetze der Antike ein strenges Regelsystem, das die Kunst mit den Anforderungen der vernünftigen Notwendigkeit in Einklang brachte. Der Rationalismus wurde zur dominierenden Qualität der klassizistischen Kunst.

Die Orientierung der klassizistischen Theorie an der Antike war vor allem mit der Idee der Ewigkeit und Absolutheit des Schönheitsideals verbunden. Diese Lehre bestätigte die Notwendigkeit der Nachahmung: Wenn einst ideale Beispiele für Schönheit geschaffen werden, besteht die Aufgabe der Schriftsteller späterer Epochen darin, ihnen so nahe wie möglich zu kommen. Daher das strenge Regelsystem, dessen verbindliche Einhaltung als Garant für die Vollkommenheit eines Kunstwerks und als Indikator für das Können des Schriftstellers galt.

Die Klassiker etablierten auch eine klar geregelte Hierarchie der literarischen Gattungen: Die genauen Grenzen der Gattung und ihrer Merkmale wurden festgelegt. Zu den höchsten zählen Tragödie, Epos und Ode. Sie zeigten den Bereich des Staatslebens, schicksalhafte Ereignisse und stellten Helden dar, die einem hohen Genre angemessen waren – Monarchen, Militärführer, Adlige. Die Besonderheit war Hoher Stil, erhabene Gefühle, in der Tragödie – dramatische Konflikte, katastrophale Leidenschaften, unmenschliches Leid. Die Aufgabe hoher Genres besteht darin, den Betrachter zu schockieren.

Niedrige Genres (Komödie, Satire, Epigramm, Fabel) spiegelten den Bereich des Privatlebens, seine Lebensweise und Moral wider. Die Helden waren gewöhnliche Menschen. Solche Werke wurden in einfacher Umgangssprache verfasst.

Klassische Dramatiker mussten sich an die Regeln der „drei Einheiten“ halten: Zeit (nicht mehr als ein Tag), Ort (ein Schauplatz), Handlung (keine Nebenhandlungsstränge). Die Regeln wurden aufgestellt, um die Illusion von Authentizität zu erzeugen.

Ein wichtiger Bestandteil der klassizistischen Theorie ist das Konzept allgemeiner menschlicher Charaktertypen. Daraus ergibt sich eine gewisse Abstraktheit. künstlerische Bilder. Sie betonten universelle, „ewige“ Eigenschaften (Menschenfeind, Geizhals). Helden wurden in positive und negative unterteilt.

Der Bühnencharakter der Klassiker ist überwiegend einseitig, statisch, ohne Widersprüche und Entwicklungen. Dies ist eine Charakteridee: Sie wird so offenbart, wie es die darin enthaltene Idee erfordert. Die Voreingenommenheit des Autors manifestiert sich somit auf völlig eindeutige Weise. Ohne die Darstellung des Individuellen, Persönlichen und Individuellen im menschlichen Charakter fiel es den Klassikern schwer, schematische, konventionelle Bilder zu vermeiden. Ihr mutiger Held ist in allem und bis zum Ende mutig; eine liebende Frau liebt bis ins Grab; Ein Heuchler ist ein Heuchler bis ins Grab, aber ein geiziger Mensch ist geizig. Eine Besonderheit des Klassizismus war die Lehre von der erzieherischen Rolle der Kunst. Durch die Bestrafung von Lastern und die Belohnung von Tugend versuchten klassische Schriftsteller, die moralische Natur des Menschen zu verbessern. Die besten Werke des Klassizismus sind von hohem bürgerlichem Pathos erfüllt.

Literatur Spaniens

IN Anfang des XVII Jahrhundert befand sich Spanien in einer tiefen Wirtschaftskrise. Die Niederlage der „Unbesiegbaren Armada“ (1588) vor der Küste Englands, eine unvernünftige Kolonialpolitik, die Schwäche des spanischen Absolutismus und seine politische Kurzsichtigkeit machten Spanien zu einem zweitrangigen europäischen Land. In der spanischen Kultur hingegen wurden deutlich neue Trends identifiziert, die nicht nur nationale, sondern auch gesamteuropäische Bedeutung hatten.

Ein kraftvolles Echo der Renaissance-Kultur ist das Werk des talentierten spanischen Dramatikers Lope de Vega (1562-1635). Als Vertreter des Renaissance-Realismus stellte er der Tragödie des Barock optimistische Energie, eine helle Weltanschauung und das Vertrauen in die Unerschöpflichkeit der Vitalität gegenüber. Der Dramatiker lehnte auch die „wissenschaftliche“ Normativität der klassizistischen Theorie ab. Der Schriftsteller bekräftigte lebenslustige Ideale, bemühte sich um die Annäherung an das öffentliche Publikum und trat für die freie Inspiration des Künstlers ein.

Das umfangreiche und vielfältige dramatische Erbe von Lope de Vega – er schrieb Zeitgenossen zufolge mehr als 2000 Stücke, von denen etwa 500 veröffentlicht wurden – wird üblicherweise in drei Gruppen eingeteilt. Das erste davon besteht aus gesellschaftspolitischen Dramen, die meist auf historischem Material basieren („Fuente Ovejuna“, „Der Großfürst von Moskau“).

Die zweite Gruppe umfasst häusliche Komödien mit Liebescharakter („Der Tanzlehrer“, „Der Hund in der Krippe“, „Das Mädchen mit dem Krug“, „Die Bäuerin aus Getafe“, „Stern von Sevilla“); manchmal werden sie „Mantel-und-Schwert“-Komödien genannt, da die Hauptrolle in ihnen der adligen Jugend zukommt, die in dieser charakteristischen Kleidung (in einem Umhang und mit einem Schwert) auftritt.

Die dritte Gruppe umfasst Stücke religiöser Natur.

Um die Charakteristika der dramatischen Werke Lope de Vegas zu verstehen, ist die Abhandlung „Die neue Kunst, Komödien in unseren Tagen zu komponieren“ (1609) von großer Bedeutung. Es formulierte im Wesentlichen die Grundvoraussetzungen der spanischen Nationaldramaturgie mit einer Orientierung an den Traditionen des Volkstheaters, mit dem Wunsch, die Bedürfnisse des Publikums zu befriedigen, mit der Plausibilität des auf der Bühne Gezeigten und der geschickten Konstruktion von Intrigen, Der fest geknüpfte Knoten erlaubte es nicht, das Stück in einzelne Episoden aufzuteilen.

Die Kunstwerke, die der Abhandlung folgten, wurden zur Umsetzung der ästhetischen Prinzipien des Schriftstellers. Das beste dieser Stücke ist das Drama Fuente Ovejuna (Der Schafsfrühling, 1614). Das Drama hat eine historische Grundlage. Im Jahr 1476 brach in der Stadt Fuente Ovejuna ein Bauernaufstand gegen die Exzesse des Ritterordens von Calataura und seines Kommandanten Fernan Gomez de Guzman aus, der Verbrechen und Gewalt aller Art verübte. Der Aufstand endete mit der Ermordung des Kommandanten. In Lope de Vegas Drama ist der Kommandant ein Tyrann und Vergewaltiger, der die Ehre von Bauernmädchen verletzt, von denen eine, die stolze Laurencia, ihre Dorfbewohner zu gerechter Rache aufruft. Das Stück enthält viele lebendige Bilder, und doch ist die Hauptfigur hier ein Volk, das in seinem Wunsch vereint ist, Gerechtigkeit wiederherzustellen.

Lope de Vegas Stücke zeichnen sich durch lebensbejahendes Pathos, eine sympathische Haltung gegenüber gewöhnlichen Menschen und den Glauben an ihre moralische Stärke aus.

Nach dem rasanten Aufstieg Spaniens während der Renaissance ab den späten 30er Jahren des 17. Jahrhunderts wurden die Anzeichen eines Niedergangs, der vor allem gesellschaftspolitische Gründe hatte, immer deutlicher. Das Aufhören des Goldflusses aus Amerika, der völlige Zusammenbruch des inneren Wirtschaftslebens des Landes, eine Reihe außenpolitischer Misserfolge – all dies untergrub die wirtschaftliche und politische Macht Spaniens völlig.

Gesellschaftspolitische Unruhen, eine Krise des humanistischen Bewusstseins, die schwerste feudal-katholische Reaktion und die Zerstörung des gesamten Feudalsystems führten zu dekadenten Stimmungen in der Gesellschaft. Der Versuch, das Geschehen zu begreifen, aus einer spirituellen Krise herauszukommen und moralische Grundlagen in neuen historischen Bedingungen zu finden, war der Barock, der in den Werken von am deutlichsten dargestellt wurde Luis de Gongora (1561-1627) Und Pedro Calderona (1600-1681).

Góngora war der größte Dichter des spanischen Barocks. Gongoras Stil zeichnet sich durch seinen metaphorischen Reichtum und die Verwendung von Neologismen und Archaismen aus. Der Dichter lehnt die traditionelle Syntax ab. Der Wortschatz ist mit polysemantischen Wörtern gefüllt: „Die Rubine deiner Lippen sind von Schnee umrahmt“ – über das Weiß deines Gesichts, „fliegender Schnee“ – über einen weißen Vogel, „laufender Schnee“ – über Galatea, die vor Polyphem flieht. Trotz seines figurativen Reichtums schafft Gongora „Poesie für den Geist“, die vom Leser aktive intellektuelle Arbeit erfordert. Gongoras poetische Meisterschaft kam am deutlichsten in den Gedichten „Das Märchen von Polyphem und Galatea“ (1612) und „Einsamkeit“ (1614) zum Ausdruck. Im Gedicht „Einsamkeit“ ist die Renaissance-Idee vom harmonischen Zusammenleben von Mensch und Natur eng mit der barocken Vorstellung von der ewigen Einsamkeit des Menschen in der Welt verknüpft.

Calderons Kunst nahm die besten Traditionen der Renaissance auf, aber da sie aus einer anderen Epoche stammt, vermittelt sie eine völlig andere Sicht auf die Welt. Calderon schrieb 120 Stücke unterschiedlichen Inhalts, 80 „autos sacramentales“ (oder „heilige Akte“) und 20 Zwischenspiele. Mit seinem künstlerischen Bewusstsein wird Calderon sowohl mit der spanischen Renaissance als auch mit den Krisenphänomenen seiner Zeit in Verbindung gebracht.

In Fortsetzung der Traditionen seines großen Vorgängers Lope de Vega schrieb Calderon „Umhang und Schwert“-Komödien. Die berühmteste davon ist die witzige und fröhliche Komödie „Die unsichtbare Dame“ (1629), geschrieben in einer leichten und eleganten Sprache. Es drückt die Idee des dominierenden Glücksspiels im Leben aus. Der Unfall spielt hier, wie auch in anderen Komödien, eine handlungsgestaltende Rolle.

Es waren jedoch nicht Renaissancekomödien und volksrealistische Dramen, die Calderon weltweiten Ruhm verschafften. Lebenslust und Optimismus wurden nicht zum Ton seiner Arbeit. Der wahre Calderon sollte in seinen „autos sacramentales“ und philosophischen und symbolischen Theaterstücken gesucht werden, voller eschatologischer Stimmungen, existenziellen Problemen, die in ihrer Widerspenstigkeit überwältigend sind, Widersprüchen, die das Bewusstsein austrocknen. Bereits in Calderons Jugenddrama „Anbetung des Kreuzes“ (1620) wird die für Humanisten charakteristische skeptische Stimmung gegenüber der Religion durch düstere religiöse Raserei ersetzt. Der Gott von Calderon ist eine gewaltige, gnadenlose Macht, angesichts derer sich ein Mensch unbedeutend und verloren fühlt.

In dem philosophischen und allegorischen Drama „Das Leben ist ein Traum“ (1634) verbindet sich die Verherrlichung der strengen katholischen Lehre mit der Verkündigung der Notwendigkeit von Demut und Unterwerfung unter göttliches Verhalten. Calderons wichtigstes dramatisches Konzept ist die Idee, dass das menschliche Schicksal vom Schicksal vorgegeben ist, dass das vorübergehende irdische Leben eine Illusion ist und nur eine Vorbereitung auf das ewige Leben nach dem Tod.

Zeit und Umfeld bestimmten nicht nur die Natur von Calderons Weltanschauung und die allgemeine Richtung von Calderons Werk, sondern auch seine Einzigartigkeit als Künstler. Calderons Dramaturgie zeichnet sich durch ihre philosophische Tiefe, die Raffinesse psychologischer Konflikte und die aufgeregte Lyrik der Monologe aus. Die Handlung in Calderons Stücken spielt unwichtige Rolle, der Offenlegung wird alle Aufmerksamkeit gewidmet innere Welt Helden. Die Entwicklung des Handelns wird durch ein Ideenspiel ersetzt. Calderons Stil zeichnet sich durch rhetorisches Pathos und hohe metaphorische Bilder aus, was ihn dem Gongorismus ähnelt, einer der Bewegungen des spanischen Literaturbarocks.

Calderons poetische Kühnheit wurde von A. S. Puschkin sehr geschätzt.

Literatur Italiens

Im 17. Jahrhundert erlebte Italien eine Krise humanistischer Ideale.

In dieser Umgebung tritt der Barock in den Vordergrund, der am deutlichsten im Marinismus zum Ausdruck kommt – einer Bewegung, die ihren Namen vom italienischen Dichter Giambattista Marino (1569-1625) erhielt. In den Werken der Marinemaler, Anhänger Marinos, verdeckte die Form mit ihren verbalen Freuden und ihrem Narzissmus den Inhalt. Hier gibt es keine gesellschaftlich wichtigen Themen, keine drängenden Probleme unserer Zeit. Der Text zeichnet sich durch komplexe Metaphern, bizarre Bilder und unerwartete Vergleiche aus. Marino war der Erfinder der sogenannten „Concetti“ – meisterhafte Phrasen, verbale Paradoxien, ungewöhnlich verwendete Epitheta, ungewöhnliche Redewendungen („gelehrter Unwissender“, „freudiger Schmerz“).

Marinos Ruhm war in Italien weit verbreitet. Und doch erkannten die Zeitgenossen des Dichters die Gefahr des Marinismus und stellten ihm politisch aktuelle Poesie gegenüber, die die Bedürfnisse und Sehnsüchte des italienischen Volkes zum Ausdruck brachte und von seinem Leid berichtete (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaya, Alessandro Tassoni).

Alessandro Tassoni (1565-1635) lehnte sowohl die Barockdichter (Marinisten) als auch die Verfechter der Nachahmung und des Autoritarismus in der italienischen Poesie (Klassizisten) ab. Als patriotischer Dichter griff er aktiv in das politische Leben des Landes ein, widersetzte sich der regionalen Zersplitterung Italiens und rief zum Kampf für seine Unabhängigkeit auf (das Gedicht „Der gestohlene Eimer“).

Die italienische Prosa des 17. Jahrhunderts wird durch Namen repräsentiert Galileo Galilei (1564-1642), der die polemische Kunst des Journalismus nutzte, um seine wissenschaftlichen Ideen zu verbreiten („Dialog über die beiden wichtigsten Systeme der Welt“), Traiano Boccalini (1556-1613), protestierend gegen die Dominanz der Spanier in Italien, gegen aristokratischen Snobismus, gegen Apologeten des Klassizismus, die nur die ästhetischen Kanons des Aristoteles anerkennen (die Satire „Nachrichten aus Parnassus“).

Literatur Frankreichs

Die Politik des absolutistischen Staates, die darauf abzielte, den feudalen Regionalismus zu beseitigen und Frankreich zu einer mächtigen Macht in Westeuropa zu machen, entsprach dem historisch fortschrittlichen Trend der Zeit, der den fortgeschrittenen Charakter des Klassizismus als literarisches Phänomen für seine Zeit bestimmte. Die führende künstlerische Methode, die von der Regierung des absolutistischen Frankreichs offiziell anerkannt wurde, war der Klassizismus. Der Aufstieg des nationalen Selbstbewusstseins der fortschrittlichen Schichten der französischen Gesellschaft in der Zeit des Übergangs von der feudalen Zersplitterung zur nationalen Einheit spiegelte sich in der klassischen Literatur wider.

Unter Kardinal Richelieu (1624-1642) wurde die von Ludwigs XIII.-Vorgänger Heinrich IV. begonnene Schaffung eines mächtigen monarchischen Staates weitgehend abgeschlossen. Richelieu regelte alle Aspekte des Staates, der Öffentlichkeit und unterstellte sie dem Thron. Kulturleben. 1634 gründete er die Französische Akademie. Richelieu förderte die in Frankreich entstehende Zeitschriftenpresse.

Während seiner Herrschaft gründete Theophrastus Renaudo die erste französische Zeitung, Gazett de France (1631). (Der Theophrastus-Renaudo-Preis ist einer der höchsten Literaturpreise im modernen Frankreich.)

Der historische Fortschritt des Klassizismus zeigt sich in seiner engen Verbindung mit den fortgeschrittenen Strömungen der Epoche, insbesondere mit der rationalistischen Philosophie René Descartes (1596-1650), der sogenannte Kartesianismus. Descartes kämpfte mutig gegen die mittelalterliche feudale Ideologie; seine Philosophie basierte auf Daten aus den exakten Wissenschaften. Das Kriterium der Wahrheit war für Descartes die Vernunft. „Ich denke, deshalb existiere ich“, sagte er.

Der Rationalismus wurde zur philosophischen Grundlage des Klassizismus. Zeitgenossen von Descartes, Theoretiker des Klassizismus Francois Malherbe (1555-1628) Und Nicolas Boileau (1636-1711) glaubte an die Macht der Vernunft. Sie glaubten, dass die elementaren Anforderungen der Vernunft – das höchste Kriterium für den objektiven Wert eines Kunstwerks – die Kunst zu Wahrhaftigkeit, Klarheit, Logik, Klarheit und kompositorischer Harmonie der Teile und des Ganzen verpflichten. Sie forderten dies im Namen der Einhaltung der Gesetze der antiken Kunst, von denen sie sich bei der Erstellung eines klassizistischen Programms leiten ließen.

Die Bewunderung der Schriftsteller des 17. Jahrhunderts für die Vernunft spiegelte sich auch in den berüchtigten Regeln über die „drei Einheiten“ (Zeit, Ort und Handlung) wider – eines der Grundprinzipien des klassizistischen Dramas.

Das Lehrgedicht von N. Boileau „Poetische Kunst“ (1674) wurde zum Code des französischen Klassizismus.

Oben wurde darauf hingewiesen, dass sich die Klassizisten ebenso wie die Künstler der Renaissance in ihrer Ästhetik und künstlerischen Kreativität auf die antike Kunst stützten. Anders als die Autoren der Renaissance wandten sich die Theoretiker des Klassizismus jedoch in erster Linie nicht der altgriechischen, sondern der römischen Literatur der Kaiserzeit zu. Die Monarchie Ludwigs XIV., des „Sonnenkönigs“, wie er sich selbst nannte, wurde mit dem Römischen Reich verglichen, die Helden klassischer Tragödien waren mit römischer Tapferkeit und Größe ausgestattet. Daher die bekannte Konvention der klassizistischen Literatur, ihr pompöser und dekorativer Charakter.

Und doch waren die französischen Klassiker keine verrückten Epigonen antiker Schriftsteller. Ihre Arbeit hatte einen zutiefst nationalen Charakter; sie war eng mit den gesellschaftlichen Verhältnissen in Frankreich während der Blütezeit des Absolutismus verbunden. Klassiker, denen es gelungen ist, Erfahrungen zu bündeln antike Literatur Mit den Traditionen ihres Volkes schufen sie ihren eigenen, originellen künstlerischen Stil. Corneille, Racine und Moliere schufen Beispiele klassizistischer Kunst im dramatischen Genre.

Den klassizistischen Kunstbegriff kann man sich bei aller Monumentalität nicht als etwas Erstarrtes und Unveränderliches vorstellen. Innerhalb des klassizistischen Lagers gab es keine vollständige Einheit gesellschaftspolitischer, philosophischer und ethischer Ansichten. Sogar Corneille und Racine, die Schöpfer der klassischen Tragödie, waren in vielerlei Hinsicht anderer Meinung.

Im Gegensatz zu den orthodoxen Kartäusern Boileau und Racine waren Moliere und La Fontaine Schüler des Materialismus Gassendi (1592-1655), ein herausragender französischer Wissenschaftler, der die Sinneserfahrung als die Hauptquelle allen Wissens ansah. Seine Lehren spiegelten sich sowohl in der Ästhetik dieser Schriftsteller als auch in der Demokratie, dem Optimismus und der humanistischen Ausrichtung ihrer Arbeit wider.

Das Hauptgenre des Klassizismus war die Tragödie, die erhabene Helden und idealisierte Leidenschaften darstellte. Der Schöpfer des französischen Tragödientheaters war Pierre Corneille (1608-1684). Literarische Tätigkeit Corneille begann mit Gedichten und Komödien, die jedoch keinen großen Erfolg hatten.

Berühmtheit erlangte Corneille mit dem Auftritt der Tragödie „The Cid“ (1636). Im Mittelpunkt des Stücks steht der tragische Konflikt zwischen Leidenschaft und Pflicht, auf dem die Tragödie aufbaut.

Der junge und tapfere Ritter Rodrigo tötet die seinem Vater zugefügte Beleidigung und tötet den Vater seiner geliebten Jimena in einem Duell. Jimena rechtfertigt das Handeln von Rodrigo, der die Pflicht der Familienehre erfüllt hat, und erfüllt ihre eigene – sie fordert vom König den Tod ihrer Geliebten. Rodrigo und Ximena erfüllen ihre Familienpflicht und werden zutiefst unglücklich. Nach dem Angriff der Mauren auf Kastilien, einem glänzenden Sieg über sie, wird Rodrigo zum Nationalhelden. Corneille stellt Familienschulden der Pflicht gegenüber dem Heimatland gegenüber. Die feudale Ehre muss der bürgerlichen Ehre weichen. Sie versuchen Jimena davon zu überzeugen, dass ihre Forderungen unhaltbar sind: Die Interessen der Familie müssen im Namen der gesellschaftlichen Notwendigkeit geopfert werden. Ximena akzeptiert neue Moral, zumal es auf ihre persönlichen Gefühle eingeht. Corneille hat überzeugend bewiesen, dass die neue Staatsmoral humaner ist als die feudale Moral. Er zeigte die Entstehung eines neuen Staatsideals im Zeitalter des Absolutismus auf. Der König von Kastilien, Don Fernando, wird im Stück als idealer Autokrat dargestellt, als Garant für das allgemeine Wohlergehen und das persönliche Glück seiner Untertanen, wenn sie ihr Handeln an den Interessen des Staates ausrichten.

Damit bekräftigt der „Sid“ die Idee der Fortschrittlichkeit der absolutistischen Monarchie, die unter bestimmten historischen Bedingungen den Anforderungen der Zeit entsprach.

Trotz seines Publikumserfolgs löste „Sid“ in literarischen Kreisen ernsthafte Kontroversen aus. In der „Stellungnahme der Französischen Akademie zum Cid“ (1638) wurde Corneilles Stück verurteilt, weil es nicht den Regeln des Klassizismus entsprach. In einem deprimierten Zustand reist Corneille in seine Heimat. Vier Jahre später bringt Corneille jedoch zwei neue Tragödien aus Rouen mit, die bereits vollständig den klassischen Kanons entsprechen („Horace“, „Cinna“). Als Tragiker bevorzugte Corneille die historische und politische Tragödie. Die politischen Themen der Tragödien bestimmten auch die Verhaltensnorm, die Corneille dem Zuschauer vermitteln wollte: Dies ist die Idee des heroischen Bewusstseins, des Patriotismus.

In der Tragödie „Horaz“ (1640) verwendete der Dramatiker eine Handlung aus der Geschichte von Titus Livius. Grundlage des dramatischen Konflikts ist der Kampf zweier Städte – Rom und Alba Longa –, der durch das Duell der durch Freundschaft und Verwandtschaft verbundenen Brüder Horatii und Curian gelöst werden sollte. Im Stück wird Pflicht eindeutig verstanden – es ist eine patriotische Pflicht.

Camilla kann ihrem Bruder Horace den Tod ihres Verlobten nicht verzeihen und verflucht Rom, was ihr Glück zerstört hat. Horace, der seine Schwester für eine Verräterin hält, tötet sie. Camillas Tod löst einen neuen Konflikt aus: Nach römischem Recht muss der Mörder hingerichtet werden. Horaces Vater beweist, dass sein Sohn aus gerechtem Zorn, bürgerlicher Pflicht und patriotischem Gefühl zum Mord getrieben wurde. Horaz, der Rom rettete, ist für sein Heimatland notwendig: Er wird noch viele weitere Heldentaten vollbringen. König Tullus gibt Horaz das Leben. Bürgerliche Tapferkeit wurde für Verbrechen gesühnt. Die Tragödie von „Horaz“ wurde zur Apotheose bürgerlichen Heldentums.

Die Tragödie „Cinna oder die Barmherzigkeit des Augustus“ (1642) schildert die ersten Tage der Herrschaft von Kaiser Octavian-Augustus, der erfährt, dass eine Verschwörung gegen ihn vorbereitet wird. Der Zweck der Tragödie besteht darin, zu zeigen, welche Taktik der Souverän gegenüber den Verschwörern wählen wird. Corneille ist davon überzeugt, dass die Interessen des Staates mit den privaten Bestrebungen der Menschen übereinstimmen können, wenn ein intelligenter und gerechter Monarch an der Macht ist.

Die Verschwörer der Tragödie – Cinna, Maxim, Emilia – handeln aus zwei Motiven. Der erste Grund ist politischer Natur: Sie wollen Rom zu einer republikanischen Regierungsform zurückführen, ohne sich ihrer politischen Kurzsichtigkeit bewusst zu sein. Als Befürworter politischer Freiheiten verstehen sie nicht, dass die Republik ihren Nutzen verloren hat und Rom eine feste Macht braucht. Das zweite Motiv ist persönlicher Natur: Emilia will ihren von Augustus getöteten Vater rächen; Cinna und Maxim, verliebt in Emilia, wollen eine Gegenseitigkeit erreichen.

Nachdem der Kaiser seinen Ehrgeiz, seine Rachsucht und seine Grausamkeit unterdrückt hat, beschließt er, den Verschwörern zu vergeben. Sie durchlaufen einen Prozess der Wiedergeburt. Die Barmherzigkeit siegte über ihre selbstsüchtigen Leidenschaften. Sie sahen in Augustus einen weisen Monarchen und wurden seine Anhänger.

Die höchste Staatskunst manifestiert sich laut Corneille in der Barmherzigkeit. Eine kluge öffentliche Politik muss das Vernünftige mit dem Humanen verbinden. Ein Akt der Barmherzigkeit ist daher ein politischer Akt, der nicht vom guten Mann Octavian, sondern vom weisen Kaiser Augustus begangen wurde.

In der Zeit der „ersten Manier“ (bis etwa 1645) forderte Corneille den Kult der rationalen Staatlichkeit und glaubte an die Gerechtigkeit des französischen Absolutismus („Märtyrer Polyeuctus“, 1643; „Der Tod des Pompeius“, 1643; „Theodora - Die Jungfrau und Märtyrerin“, 1645; Komödie „Der Lügner“, 1645).

Corneille vom „zweiten Weg“ überschätzt viele der politischen Prinzipien der französischen Monarchie, die so stark erschienen („Rodogunda – die parthische Prinzessin“, 1644; „Heraklius – Kaiser des Ostens“, 1646; „Nycomedes“, 1651 usw .). Corneille schreibt weiterhin historische und politische Tragödien, aber der Schwerpunkt verschiebt sich. Dies ist auf Veränderungen im politischen Leben der französischen Gesellschaft nach der Thronbesteigung Ludwigs XIV. zurückzuführen, die die Errichtung einer uneingeschränkten Dominanz des absolutistischen Regimes bedeutete. Nun erstickte Corneille, der Sänger der rationalen Staatlichkeit, in der Atmosphäre des siegreichen Absolutismus. Die Idee des aufopfernden öffentlichen Dienstes, interpretiert als höchste Pflicht, war kein Anreiz mehr für das Verhalten der Helden von Cornells Stücken. Die Quelle dramatischer Handlung sind die engstirnigen persönlichen Interessen und ehrgeizigen Ambitionen der Charaktere. Liebe aus einem moralisch erhabenen Gefühl wird zum Spiel ungezügelter Leidenschaften. Der königliche Thron verliert seine moralische und politische Stabilität. Nicht die Vernunft, sondern der Zufall entscheidet über das Schicksal der Helden und des Staates. Die Welt wird irrational und instabil.

Corneilles späte Tragödien, die dem Genre der barocken Tragikomödie nahestehen, zeugen von einer Abkehr von strengen klassizistischen Normen.

Der französische Klassizismus erhielt seinen vollständigsten und vollständigsten Ausdruck in den Werken eines anderen großen Nationaldichters Frankreichs Jean Racine (1639-1690). Mit seinem Namen verbunden neue Bühne in Entwicklung klassische Tragödie. Entwickelte Corneille in erster Linie das Genre der heroischen historischen und politischen Tragödie, so war Racine der Schöpfer einer liebespsychologischen Tragödie, die zugleich von großem politischen Inhalt durchdrungen war.

Eines der wichtigsten kreativen Prinzipien von Racine war der Wunsch nach Einfachheit und Wahrhaftigkeit, im Gegensatz zu Corneilles Vorliebe für das Außergewöhnliche und Außergewöhnliche. Darüber hinaus erweiterte Racine diesen Wunsch nicht nur auf die Konstruktion der Handlung der Tragödie und der Charaktere ihrer Charaktere, sondern auch auf die Sprache und den Stil des Bühnenwerks.

Unter Berufung auf die Autorität von Aristoteles lehnte Racine ab das wichtigste Element Corneille Theatre – vom „perfekten Helden“. „Aristoteles ist nicht nur weit davon entfernt, von uns perfekte Helden zu verlangen, sondern möchte im Gegenteil, dass tragische Charaktere, das heißt diejenigen, deren Unglück eine Katastrophe in der Tragödie auslöst, weder vollständig gut noch vollständig böse sind.“

Für Racine war es wichtig, das Recht des Künstlers zu bekräftigen, den „durchschnittlichen Menschen“ (nicht im sozialen, sondern im psychologischen Sinne) darzustellen, menschliche Schwächen darzustellen. Helden müssen laut Racine durchschnittliche Tugenden haben, also Tugenden, die zu Schwäche fähig sind.

Racines erste große Tragödie war Andromache (1667). Racine wandte sich jedoch den Themen der griechischen Mythologie zu, die bereits in der Antike von Homer, Vergil und Euripides entwickelt wurden, und interpretierte die klassische Handlung neu. Dem Einfluss der Leidenschaften erliegend, erwiesen sich die Helden der Tragödie – Pyrrhus, Hermine, Orest – in ihrem Egoismus als grausame Menschen, die zu Verbrechen fähig waren.

Durch die Schaffung des Bildes von Pyrrhus löst Racine ein politisches Problem. Pyrrhus (der Monarch) sollte für das Wohl des Staates verantwortlich sein, aber er erliegt der Leidenschaft und opfert ihm die Interessen des Staates.

Auch Hermine, eines der überzeugendsten Bilder der Tragödie, wird Opfer der Leidenschaft. internen Zustand die psychologisch hervorragend motiviert sind. Von Pyrrhus abgelehnt, wird die stolze und rebellische Hermine in ihren Bestrebungen und Handlungen egoistisch und tyrannisch.

Auf „Andromache“ folgte „Britannicus“ (1669) – Racines erste Tragödie, die der Geschichte gewidmet war antikes Rom. Wie in Andromache wird der Monarch hier als gnadenloser Tyrann dargestellt. Der junge Nero vernichtet auf heimtückische Weise seinen Halbbruder Britannicus, dessen Thron er illegal besetzte und den Junia, die ihn mochte, liebt. Aber Racine beschränkte sich nicht darauf, Neros Despotismus zu verurteilen. Es zeigte die Macht des römischen Volkes als oberster Richter der Geschichte.

Als „Sängerin verliebter Frauen und Könige“ (Puschkin) schuf Racine eine ganze Galerie mit Bildern positiver Heldinnen, die ein Gefühl der Menschenwürde, moralische Stärke, die Fähigkeit zur Selbstaufopferung und die Fähigkeit, jeder Gewalt heldenhaft zu widerstehen, vereinen und Tyrannei. Dies sind Andromache, Junia, Berenice („Berenice“, 1670), Monima („Mithridates“, 1673), Iphigenia („Iphigenia in Aulis“, 1674).

Die Spitze poetische Kreativität Racine von künstlerische Kraft Darstellungen menschlicher Leidenschaften, die Perfektion der Verse ist „Phaedra“ aus dem Jahr 1677, das Racine selbst als seine beste Schöpfung betrachtete.

Königin Phädra liebt leidenschaftlich ihren Stiefsohn Hippolytus, der in die athenische Prinzessin Arikia verliebt ist. Nachdem sie falsche Nachrichten über den Tod ihres Mannes Theseus erhalten hat, gesteht Phädra Hippolytus ihre Gefühle, doch dieser weist sie zurück. Nach der Rückkehr von Theseus beschließt Phaedra in einem Anfall von Verzweiflung, Angst und Eifersucht, Hippolytus zu verleumden. Dann nimmt er, gequält von den Schmerzen der Reue und der Liebe, Gift; Nachdem sie ihrem Mann alles gestanden hat, stirbt sie.

Racines wichtigste Neuerung hängt mit der Figur der Phaedra zusammen. In Racine ist Phaedra eine leidende Frau. Ihre tragische Schuld liegt in ihrer Unfähigkeit, mit einem Gefühl umzugehen, das Phaedra selbst als kriminell bezeichnet. Racine begreift und verkörpert in seiner Tragödie nicht nur die moralischen und psychologischen Konflikte seiner Zeit, sondern offenbart auch die allgemeinen Gesetze der menschlichen Psychologie.

Der erste russische Übersetzer von Racine war Sumarokov, der den Spitznamen „Russian Racine“ erhielt. Im 19. Jahrhundert zeigte A. S. Puschkin eine nachdenkliche Haltung gegenüber Racine. Er machte darauf aufmerksam, dass der französische Dramatiker in der Lage sei, der galant verfeinerten Form seiner Tragödien einen tiefen Inhalt zu verleihen, was es ihm ermöglichte, Racine neben Shakespeare zu stellen. In einem unvollendeten Artikel aus dem Jahr 1830 über die Entwicklung der dramatischen Kunst, der als Einführung in die Analyse von M. P. Pogodins Drama „Marfa Posadnitsa“ diente, schrieb Puschkin: „Was entwickelt sich in der Tragödie, was ist ihr Zweck?“ Mann und Volk. Menschliches Schicksal, Schicksal der Menschen. Deshalb ist „Racine“ trotz der engen Form seiner Tragödie großartig. Deshalb ist Shakespeare großartig, trotz der Ungleichheit, Nachlässigkeit und Hässlichkeit der Dekoration“ (Puschkin – Kritiker – M., 1950, S. 279).

Wenn die besten Beispiele der klassischen Tragödie von Corneille und Racine geschaffen wurden, dann war die klassische Komödie ganz und gar ihre Schöpfung Moliere (1622-1673).

Die Biographie des Schriftstellers über Moliere (Jean Baptiste Poquelin) beginnt mit der fünfaktigen poetischen Komödie „Frech oder alles ist fehl am Platz“ (1655) – einer typischen Intrigenkomödie. Im Jahr 1658 wurde Moliere berühmt. Seine Auftritte würden enormen Erfolg haben, der König selbst würde ihn bevormunden, aber neidische Menschen, gefährliche Gegner unter denen, die Moliere in seinen Komödien verspottete, verfolgten ihn bis zu seinem Lebensende.

Moliere lachte, entlarvt, beschuldigt. Die Pfeile seiner Satire verschonten weder einfache Vertreter der Gesellschaft noch hochrangige Adlige.

Im Vorwort zur Komödie Tartuffe schrieb Molière: „Das Theater hat eine große korrigierende Kraft.“ „Wir versetzen Lastern einen schweren Schlag, indem wir sie öffentlich lächerlich machen.“ „Die Aufgabe der Komödie besteht darin, Menschen zu korrigieren, indem man sie amüsiert.“ Der Dramatiker verstand die gesellschaftliche Bedeutung der Satire perfekt: „Das Beste, was ich tun kann, ist, die Laster meiner Zeit in lustigen Bildern bloßzustellen.“

In den Komödien „Tartuffe“, „Der Geizige“, „Der Menschenfeind“, „Don Juan“ und „Der Bürger im Adel“ wirft Moliere tiefe soziale und soziale Aspekte auf moralische Probleme, schlägt Lachen als die wirksamste Medizin vor.

Moliere war der Schöpfer der „Charakterkomödie“, bei der nicht die äußere Handlung eine wichtige Rolle spielte (obwohl der Dramatiker geschickt komische Intrigen baute), sondern der moralische und psychologische Zustand des Helden. Molieres Charakter ist gemäß dem Gesetz des Klassizismus mit einem dominanten Charakterzug ausgestattet. Dies ermöglicht es dem Autor, ein verallgemeinertes Bild menschlicher Laster zu vermitteln – Geiz, Eitelkeit, Heuchelei. Nicht umsonst wurden einige der Namen von Molières Figuren, zum Beispiel Tartuffe und Harpagon, zu bekannten Namen; Tartuffe wird als Fanatiker und Heuchler bezeichnet, Harpagon als Geizhals. Moliere folgte in seinen Stücken den Regeln des Klassizismus, scheute aber nicht vor der Volkstradition des Farce-Theaters zurück, er schrieb nicht nur „hohe Komödien“, in denen er ernste soziale Probleme ansprach, sondern auch lustige „Komödien-Ballette“. Eine von Molières berühmten Komödien, „Der Bürger im Adel“, verbindet erfolgreich die Ernsthaftigkeit und Relevanz des gestellten Problems mit der Fröhlichkeit und Anmut des „Komödienballetts“. Moliere malt darin ein leuchtendes Bild satirisches Bild der wohlhabende Bürger Jourdain, der den Adel bewundert und davon träumt, in die Reihen der Aristokraten aufzusteigen.

Der Zuschauer lacht über die unbegründeten Behauptungen einer ignoranten und unhöflichen Person. Obwohl Moliere über seinen Helden lacht, verachtet er ihn nicht. Der vertrauensvolle und engstirnige Jourdain ist attraktiver als die Aristokraten, die von seinem Geld leben, Jourdain aber verachten.

Ein Beispiel für eine „ernsthafte“ klassische Komödie war die Komödie „Der Menschenfeind“, in der das Problem des Humanismus in den Streitigkeiten zwischen Alceste und Philinte gelöst wird. Alcestes verzweifelte Worte über die in der menschlichen Welt herrschenden Laster und Ungerechtigkeiten enthalten eine scharfe Kritik an den sozialen Beziehungen. Alcestes Enthüllungen offenbaren den gesellschaftlichen Inhalt der Komödie.

Moliere machte eine Entdeckung auf dem Gebiet der Komödie. Mit der Verallgemeinerungsmethode drückte der Dramatiker das Wesen des sozialen Lasters durch ein individuelles, typisch dargestelltes Bild aus soziale Merkmale seiner Zeit, das Niveau und die Qualität seiner moralischen Beziehungen.

Der französische Klassizismus manifestierte sich am deutlichsten im Drama, kam aber auch in der Prosa ganz deutlich zum Ausdruck.

Klassische Beispiele des Aphorismus-Genres wurden in Frankreich von La Rochefoucauld, Labruyère, Vauvenart und Chamfort geschaffen. Ein brillanter Meister des Aphorismus war François de La Rochefoucauld (1613-1689). In dem Buch „Reflections, or Moral Sayings and Maxims“ (1665) schuf der Autor ein einzigartiges Modell des „Menschen im Allgemeinen“, skizzierte eine universelle Psychologie, ein moralisches Porträt der Menschheit. Das gemalte Bild war ein düsterer Anblick. Der Autor glaubt nicht an Wahrheit oder Güte. Sogar Menschlichkeit und Adel seien, so der Autor, nur eine spektakuläre Pose, eine Maske, die Eigennutz und Eitelkeit verdecke. Indem ich meine Beobachtungen verallgemeinere und hineinschaue historisches Phänomen Universalgesetz gelangt La Rochefoucauld zur Idee des egoistischen Wesens der menschlichen Natur. Selbstliebe als natürlicher Instinkt, als mächtiger Mechanismus, von dem das Handeln eines Menschen abhängt, liegt seinen moralischen Motiven zugrunde. Es ist für einen Menschen selbstverständlich, Leiden zu hassen und nach Vergnügen zu streben, daher ist Moral ein verfeinerter Egoismus, ein rational verstandenes „Interesse“ einer Person. Um den natürlichen Egoismus einzudämmen, greift ein Mensch auf die Hilfe der Vernunft zurück. In Anlehnung an Descartes fordert La Rochefoucauld eine rationale Kontrolle der Leidenschaften. Dies ist die ideale Organisation menschlichen Verhaltens.

Jean La Bruyère (1645-1696) bekannt als Autor des einzigen Buches „Characters, or Manners of this Age“ (1688). In der neuesten neunten Auflage des Buches beschrieb La Bruyère 1120 Zeichen. La Bruyère wandte sich dem Werk von Theophrastus als Vorbild zu und verkomplizierte die Art des antiken Griechen erheblich: Er entdeckt nicht nur die Gründe für die Laster und Schwächen der Menschen. Der Autor stellt die Abhängigkeit des menschlichen Charakters vom sozialen Umfeld fest. Aus der konkreten und individuellen Vielfalt leitet La Bruyère typische, allgemeinste Muster ab. „Charaktere“ schildert die verschiedenen Schichten der Pariser und provinziellen Gesellschaft zur Zeit Ludwigs XIV. Nachdem der Autor das Buch in die Kapitel „Hof“, „Stadt“, „Souverän“, „Adlige“ usw. unterteilt hat, baut er seine Komposition gemäß der internen Klassifizierung von Porträts auf (Prüder, Geizhals, Klatscher, Redner, Schmeichler, Höflinge). , Bankiers, Mönche, Bürger usw.). La Bruyère, der letzte große Klassiker des 17. Jahrhunderts, kombiniert in seinem Buch verschiedene Genres (Maximen, Dialog, Porträt, Kurzgeschichte, Satire, Morallehre), folgt einer strengen Logik, ordnet seine Beobachtungen einer allgemeinen Idee unter und schafft typische Charaktere .

Im Jahr 1678 erschien der Roman „Die Prinzessin von Kleve“, geschrieben von Marie de Lafayette (1634-1693). Der Roman zeichnete sich durch eine tiefgehende Interpretation der Bilder und eine genaue Darstellung der realen Umstände aus. Lafayette erzählt die Geschichte der Liebe der Frau des Prinzen von Kleve zum Herzog von Nemours und betont dabei den Kampf zwischen Leidenschaft und Pflicht. Die Prinzessin von Kleve erlebt Liebesleidenschaft und überwindet sie mit Willensanstrengung. Nachdem sie sich an einen friedlichen Ort zurückgezogen hatte, gelang es ihr mit Hilfe ihres Geistes, Frieden und spirituelle Reinheit zu bewahren.

Literatur Deutschlands

Im 17. Jahrhundert war Deutschland vom Dreißigjährigen Krieg (1618-1648) tragisch geprägt. Der Westfälische Frieden formalisierte seine Aufteilung in viele kleine Fürstentümer. Die Zersplitterung und der Niedergang des Handels und der handwerklichen Produktion führten zum Niedergang der Kultur.

Der Dichter spielte eine große Rolle bei der Wiederbelebung der deutschen Kultur in der Neuzeit Martin Opitz (1597-1639) und seine theoretische Abhandlung „Das Buch der deutschen Poesie“.

Indem er den klassizistischen Kanon in die deutsche Literatur einführt, fordert Opitz die Beschäftigung mit der poetischen Erfahrung der Antike, formuliert die Hauptaufgaben der Literatur und legt den Schwerpunkt auf die Aufgabe der moralischen Erziehung. Opitz führte das syllabisch-tonische System der Verse ein, versuchte die Literatur zu regulieren und etablierte eine Hierarchie der Gattungen. Vor Opitz schrieben deutsche Dichter überwiegend auf Latein. Opitz wollte beweisen, dass es möglich sei, poetische Meisterwerke auf Deutsch zu schaffen.

Opitz wurde einer der ersten Chronisten des Dreißigjährigen Krieges. Einer von beste Werke- Gedicht „Ein Wort des Trostes inmitten der Katastrophen des Krieges“ (1633). Der Dichter ruft seine Landsleute auf, sich über das Chaos des Lebens zu erheben und Halt in ihrer eigenen Seele zu finden. Das Thema der Verurteilung des Krieges ist in den Gedichten „Zlatna“ (1623) und „Lob an den Kriegsgott“ (1628) zu hören. Der „wissenschaftliche Klassizismus“ von Opitz war nicht weit verbreitet und bereits im Werk seiner Schüler Fleming und Logau ist der Einfluss barocker Poetik deutlich spürbar.

Ein herausragender Dichter des deutschen Barock war Andreas Gryphius (1616-1664), das das Weltbild der Zeit des Dreißigjährigen Krieges in durchdringend-traurigen Tönen einfing.

Die Poesie von Gryphius ist übersättigt mit emotionalen, visuellen Bildern, Symbolen und Emblemen. Gryphius‘ Lieblingstechniken sind Aufzählung, bewusste Anhäufung von Bildern und kontrastiver Vergleich. „Ein kalter, dunkler Wald, eine Höhle, ein Schädel, ein Knochen – // Alles sagt, dass ich ein Gast auf der Welt bin, // Dass ich weder der Schwäche noch dem Verfall entkommen werde.“

Gryphius ist auch der Begründer des deutschen Dramas, der Schöpfer der deutschen Barocktragödie („Der armenische Löwe oder Königsmord“ (1646), „Die ermordete Majestät oder Charles Stuart, König von Großbritannien“ (1649) usw.).

Eine markante Figur des deutschen Barocks war der ursprüngliche Dichter Johann Günther (1695-1723). Gunther entwickelt Gryphius‘ Gedanken über die besten, vom Krieg geplünderten Gefühle, über ein Heimatland, das seine Söhne vergessen hat („Zum Vaterland“). Der Dichter wendet sich gegen die Langeweile des Lebens, das Elend, die deutsche Realität, ihre Rückständigkeit und Trägheit. Viele Motive seiner Lyrik wurden später von Vertretern der Sturm- und Drang-Bewegung übernommen und weiterentwickelt.

Der größte Vertreter der Barockprosa ist Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). Sein bestes Werk ist der Roman Simplicissimus (1669). Der Autor beschreibt die ungewöhnliche Reise eines Helden, dessen Name – Simplicius Simplicissimus – mit „der Einfachste vom Einfachsten“ übersetzt wird. Ein naiver, selbstloser junger Bauer, der entlanggeht Lebensweg, trifft sich mit Vertretern verschiedener sozialer Schichten der deutschen Gesellschaft. Der Held ist mit der Tyrannei und Grausamkeit konfrontiert, die in der Welt herrscht, sowie mit dem Mangel an Ehrlichkeit, Gerechtigkeit und Freundlichkeit.

Im Palast des Herrschers von Hanau wollen sie aus Simplicius einen Narren machen: Sie legen ihm ein Kalbsfell um, führen ihn an einem Seil, schneiden Grimassen und verspotten ihn. Jeder empfindet die Naivität und Aufrichtigkeit des Helden als Wahnsinn. Mittels Allegorie möchte Grimmelshausen dem Leser das Wichtigste erzählen: eine schreckliche Welt, in der das Unglück eines Menschen als Spaß dient. Der Krieg hat die Menschen verbittert. Der Simplicissimus sucht die Güte in den Herzen der Menschen und ruft alle zum Frieden auf. Doch auf einer einsamen Insel, fernab einer bösartigen Zivilisation, findet der Held seinen Seelenfrieden.

Grimmelshausen war der erste in der deutschen Literatur, der die zerstörerische Wirkung des Krieges auf die Seelen der Menschen aufzeigte. In seinem Helden verkörperte der Schriftsteller den Traum eines ganzheitlichen, natürlichen Menschen, der nach den Gesetzen der Volksmoral lebt. Deshalb wird der Roman heute als leuchtendes Antikriegswerk wahrgenommen.

Literatur Englands

In der Entwicklung der englischen Literatur des 17. Jahrhunderts, die untrennbar mit politischen Ereignissen verbunden ist, werden traditionell drei Perioden unterschieden:

1. Vorrevolutionäre Zeit (1620-1630).

2. Die Zeit der Revolution, des Bürgerkriegs und der Republik (1640-1650).

3. Restaurierungszeit (1660-1680).

In der ersten Periode (20-30er Jahre des 17. Jahrhunderts) kam es in der englischen Literatur zu einem Rückgang von Drama und Theater. Die Ideologie der siegreichen absolutistischen Reaktion findet ihren Ausdruck in den Aktivitäten der sogenannten „metaphysischen Schule“, die spekulative, von den Problemen der Realität abstrahierte Literatur schafft, sowie der „karolinischen Schule“, zu der auch royalistische Dichter gehörten. In den Werken von D. Donne, D. Webster,

T. Dekker kann die Motive von Einsamkeit, tödlicher Vorherbestimmung und Verzweiflung hören.

Dies war Shakespeares jüngerer Zeitgenosse Ben Jonson (1573-1637), Autor der lebensbejahenden und realistischen Komödien „Volpone“ (1607), „Episin oder die stille Frau“ (1609), „Der Alchemist“ (1610) und „Der Jahrmarkt des Bartholomäus“ (1610).

In den 1640er und 1650er Jahren erlangte der Journalismus (Abhandlungen, Broschüren, Predigten) große Bedeutung. Die journalistischen und künstlerischen Werke puritanischer Schriftsteller hatten oft einen religiösen Unterton und waren gleichzeitig voller Protest und dem Geist eines erbitterten Klassenkampfes. Sie spiegelten nicht nur die Bestrebungen der von Cromwell geführten Bourgeoisie wider, sondern auch die Stimmungen und Erwartungen der breiten Massen, die in der Ideologie der Levellers („Leveler“) und insbesondere der „wahren Levellers“ oder „Diggers“ („Diggers“) zum Ausdruck kamen “), der auf die arme Landbevölkerung angewiesen war.

Die demokratische Opposition der 1640er und 1650er Jahre brachte einen talentierten Gleichmacher-Publizisten hervor: John Lilburne (1618–1657). Lilburnes berühmtes Pamphlet „Englands neue Ketten“ richtete sich gegen die Befehle von Cromwell, der sich von einem revolutionären Befehlshaber in einen Lordprotektor mit despotischen Absichten verwandelt hatte. Demokratische Tendenzen sind in den Werken von Gerald Winstanley (1609 – etwa 1652) deutlich zu erkennen. Seine anklagenden Abhandlungen und Broschüren („The Banner Raised by the True Levellers“, 1649; „Declaration of the Poor, Oppressed People of England“, 1649) richteten sich gegen die Bourgeoisie und den neuen Adel.

Der prominenteste Vertreter des revolutionären Lagers in der englischen Literatur der 40-50er Jahre des 17. Jahrhunderts war John Milton (1608-1674).

In der ersten Periode seines Schaffens (1630er Jahre) schrieb Milton eine Reihe lyrischer Gedichte und zwei Gedichte, „Cheerful“ und „Thoughtful“, die die Hauptwidersprüche seines späteren Werks darlegten: die Koexistenz von Puritanismus und Renaissance-Humanismus. In den 1640er und 1650er Jahren beteiligte sich Milton aktiv am politischen Kampf. Er wendet sich fast nicht der Poesie zu (schreibt nur 20 Sonette) und widmet sich ganz dem Journalismus, wodurch er schließlich herausragende Beispiele journalistischer Prosa des 17. Jahrhunderts schafft. Die dritte Periode von Miltons Werk (1660–1674) fällt mit der Ära der Restauration (1660–1680) zusammen. Milton zieht sich aus der Politik zurück. Der Dichter wandte sich der künstlerischen Kreativität zu und schrieb groß angelegte epische Gedichte „Das verlorene Paradies“ (1667), „Wiedergewonnenes Paradies“ (1671) und die Tragödie „Samson der Kämpfer“ (1671).

Diese über biblische Themen geschriebenen Werke sind von einem feurigen revolutionären Geist durchdrungen. In dem Gedicht Paradise Lost erzählt Milton die Geschichte von Satans Rebellion gegen Gott. Das Werk enthält viele Merkmale von Miltons zeitgenössischer Ära. Selbst in der Zeit der heftigsten Reaktion bleibt Milton seinen tyrannischen, republikanischen Prinzipien treu. Der zweite Handlungsstrang ist mit der Geschichte vom Fall Adams und Evas verbunden – dies ist ein Verständnis des schwierigen Weges der Menschheit zur moralischen Wiedergeburt.

In dem Gedicht „Paradise Regained“ reflektiert Milton weiterhin über die Revolution. Die Verherrlichung der geistigen Stärke Christi, die alle Versuchungen Satans ablehnte, diente als Erbauung für die jüngsten Revolutionäre, die Angst vor der Reaktion hatten und hastig auf die Seite der Royalisten traten.

Auch Miltons letztes Werk – die Tragödie „Samson the Fighter“ – ist allegorisch mit den Ereignissen der Englischen Revolution verbunden. Darin ruft der von politischen Feinden verfolgte Milton zu Rache und zur Fortsetzung des Kampfes der Menschen um eine menschenwürdige Existenz auf.

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Ausländische Literatur des 17. – 18. Jahrhunderts.
17. Jahrhundert in der Welt literarische Entwicklung.

Der literarische Prozess in Europa im 17. Jahrhundert war sehr komplex und widersprüchlich. Das 17. Jahrhundert markierte den Übergang von der Renaissance zur Aufklärung, und dies bestimmte die Merkmale der historischen und kulturellen Entwicklung in den europäischen Ländern. Die Positionen der feudal-katholischen Reaktion wurden gestärkt, und dies verursachte eine Krise des Renaissance-Humanismus , am deutlichsten in der Barockkunst zum Ausdruck gebracht.

Der Stil Barock prägt sich nicht nur in der Literatur, sondern auch in der Malerei und Musik ein. Als literarische Strömung weist der Barock eine Reihe gemeinsamer ideologischer und künstlerischer Prinzipien auf.

Dem Barock liegt ein gegenüber den Traditionen der Renaissance polemisches Menschenbild zugrunde. Als schwaches und zerbrechliches Wesen ist der Mensch, wie barocke Schriftsteller glaubten, dazu verdammt, im tragischen Chaos des Lebens umherzuwandern. Eine zutiefst pessimistische Existenzauffassung führt die barocke Literatur zu asketischen religiösen Idealen.

Der Barock schafft eine elitäre Kunsttheorie und behauptet einen besonderen metaphorischen Ornamentstil. Basierend auf der Idee der Disharmonie in der Welt lassen sich Barockautoren, die versuchen, die Idee der Disharmonie im figurativen System des Werkes auszudrücken, von semantischen und bildlichen Kontrasten mitreißen. Die anschaulichste Verkörperung der Prinzipien des Barock fand sich im Werk des großen spanischen Dramatikers P. Calderon.

Im europäischen Barock entstehen zwei Bewegungen – hoher und niedriger oder demokratischer Barock. Zu den elitären Ideen, der erhabenen Rhetorik des Hochbarocks, repräsentiert durch das Theater von P. Calderon, der Poesie von L. de Gongora, D. Donne, dem pastoralen und galant-heroischen Roman, kontrastiert der Niederbarock den Stil des Comics Burleske, die in vielerlei Hinsicht bewusst die erhabene Bildsprache parodiert (diese Tendenzen kommen am deutlichsten in einem Schelmenroman aus dem 17. Jahrhundert zum Ausdruck).

Eine weitere literarische Strömung des 17. Jahrhunderts war der Klassizismus, der in Frankreich seine Blütezeit erlebte. Es muss daran erinnert werden, dass die Ursprünge des Klassizismus auf die Ästhetik der Renaissance zurückgehen, die den Kult der Antike in den Mittelpunkt stellte künstlerisches Ideal. Der Klassizismus spiegelte den Aufstieg des Nationalbewusstseins der französischen Gesellschaft wider. Im ersten Drittel des 17. Jahrhunderts kam es in Frankreich zur Bildung einer absoluten Monarchie, die zur Beseitigung feudaler Bürgerkriege und zur Bildung eines einzigen Zentralstaates führte. Dieser historisch fortschreitende Prozess schafft objektive Voraussetzungen für die Entwicklung des Klassizismus. Die Ideen von R. Descartes, dem Schöpfer der rationalistischen philosophischen Schule, hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die Ästhetik des Klassizismus.

Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts durchlief in seiner Entwicklung zwei Hauptphasen. In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts vertrat er hohe Vorstellungen von Staatsbürgerschaft und Heldentum, die sich in den politischen Tragödien von P. Corneille widerspiegelten.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, nach den tragischen Ereignissen der Fronde, vertieften sich tragische Motive im Klassizismus. Der Klassizismus schuf eine kohärente ästhetische Theorie, die in N. Boileaus Abhandlung „Poetische Kunst“ vollständig zum Ausdruck kam. Die Klassiker entwickelten eine normative Kunsttheorie, einschließlich einer klaren Unterscheidung von „hoch“ und „niedrig“, strengen Genre- und Stilkanons. Die rationalistische Haltung bestimmte das Menschenbild und die Konfliktmerkmale in klassischen Werken. Gleichzeitig verteidigten die Klassiker das Prinzip der „Nachahmung der Natur“, der „vernünftigen Wahrhaftigkeit“, das es ihnen ermöglichte, in ihren Werken die typischen Merkmale des gesellschaftlichen Lebens des 17. Jahrhunderts nachzubilden.
^ 17. Jahrhundert in der weltweiten literarischen Entwicklung

Die Renaissance lässt sich nur schwer von der Geschichte und Kultur des 17. Jahrhunderts trennen. Zu Beginn des 17. Jahrhunderts schufen die Koryphäen der Renaissance weiter. Der Übergang zwischen den Epochen verläuft sehr fließend und dauert mehrere Generationen. Das Gleiche geschieht an den oberen Grenzen der Periode. Das 17. bis 18. Jahrhundert ist eine grundlegende Ära für die Entwicklung der modernen europäischen Kultur. In dieser Zeit entstanden moderne Staaten. In Frankreich entstehen unter dem Einfluss der Kultur des Klassizismus literarische und sprachliche Normen, die bis ins 20. Jahrhundert Bestand haben. Eine ähnliche regulierende Funktion hatten in England die Bildungsbewegung und die rationalistische Literatur.

Die Renaissance ist eine Ära des sozialen Optimismus, der Entdeckung des Universums und der menschlichen Fähigkeiten. Das soziale System wird dynamischer, die Möglichkeiten der menschlichen Persönlichkeit und des Schicksals eröffnen sich. Der Glaube an die Überwindung gesellschaftlicher Hürden besteht in verschiedenen Bereichen. Das Ideal des Renaissance-Menschen ist in verschiedenen Kulturen typologisch ähnlich. Das universelle Ideal verkörperte die Dreieinigkeit von Schönheit, Güte und Wahrheit. Doch bereits am Ende der Renaissance, im 16. Jahrhundert, begann dieses Ideal zu schwächeln. Im 16. Jahrhundert kam es zu Religionskriegen, dem Kampf der Staaten um Kolonien und dem Wettbewerb auf europäischer Ebene. Die vereinte europäische Kultur gerät ins Wanken. Der verallgemeinernde Einfluss des lateinischen Ursprungs geht verloren. Erscheint Nationalkultur, und es entstehen verschiedene Staatstypen: bürgerliche (Revolution in Holland und England), die als Ergebnis des Prozesses der Refeudalisierung, einer Rückkehr zu alten gesellschaftlichen Verhältnissen, entstanden (Spanien, Deutschland, Italien). In Deutschland herrschte der „Zwergenabsolutismus“, und der Staat befand sich in einem Zustand der Zersplitterung. Die Situation wurde durch den Dreißigjährigen Krieg im 16. Jahrhundert verschärft. In Frankreich gab es eine allmähliche Bewegung in Richtung Kapitalismus. Frankreich war damals eine der führenden europäischen Mächte. Es gilt als Klassiker der damaligen Literatur. Die Tendenzen der Zentralisierung kommen darin am deutlichsten zum Ausdruck: Regionale Unterschiede verschwinden, das Zentrum wird gestärkt, eine einheitliche Rechts- und Kultursystem– und Absolutismus (die ausschließliche Rolle der königlichen Macht).

Im 17. Jahrhundert tauchte der Begriff der Macht auf. Macht wird zu einer transpersonalen Kraft, die nicht kontrolliert werden kann. Der englische Philosoph Hobbes stellte sich den Staat in Form des Monsters Leviathan vor, das alles kontrolliert, Gehorsam verlangt und mit harten Methoden handelt. Es gibt eine völlige Vereinigung des Lebens, die Unterwerfung unter den König. Die führende Kategorie in der Ära ist die Kategorie der Kontrollierbarkeit. In Europa entstanden Rituale, die das kulturelle und soziale Leben kontrollierten, und es wurde Etikette eingeführt. In der Ära Ludwigs XIV. war die Etikette hypertrophiert. Eine strenge staatliche Kontrolle wird zu einer einschränkenden Kraft. Es kommt zu Revolutionen, die zur Diktatur und anschließend zur Wiederherstellung der Monarchie führen.

Im 17. Jahrhundert bildete sich ein neues religiöses Ideal heraus. Es wird nach einem „persönlichen“ Gott gesucht, nach seiner Herangehensweise an das Alltagsleben. Das Bürgertum setzt Eigeninitiative voraus. Die Verkörperung dieser Suche ist die Reformation in ihren extremen Erscheinungsformen (Puritanismus, Calvinismus). Die rituelle Seite wird verworfen und der nackte Glaube bleibt bestehen. Der Hauptgrundsatz des Protestantismus ist der individuelle Beweis, dass man der göttlichen Erlösung würdig ist. Zum Inhalt der Epoche wurde auch die Gegenreformationsbewegung, die sich insbesondere in Spanien und Italien entwickelte. Den Gegenreformern zufolge wird Gott in den Himmel verbannt, er agiert als blinde und irrationale Kraft. Träger dieses Glaubens wird die Kirche, die ebenfalls in den Himmel gedrängt wird. Diese Strategie wird vom Jesuitenorden umgesetzt, dessen Slogan lautet: „Der Zweck heiligt die Mittel.“

Das 17. Jahrhundert ist ein Wendepunkt, an dem sich die menschlichen Werte katastrophal verändern. Die Symbole dieser Zeit sind endlose Suche, Vertrauen in irrationale Kategorien und Rebellion, der Aufstand des eigenen Willens. Der Mann der Zeit sucht Unterstützung bei seiner Suche. Diese Unterstützung wird entweder zur Vernunft oder zum Gefühl. Wahrheit, Güte und Schönheit beginnen getrennt voneinander zu existieren. Infolgedessen entstehen zwei gegensätzliche Trends: Rationalismus bzw. Irrationalismus.

Das deutlichste Symptom des Rationalismus ist die Entstehung der Wissenschaft. In empirischen Studien stellt sich das Problem der Methode, die Wissenschaft näher an die Literatur heranzuführen (René Descartes, Spinoza, Hobbes). Diese wissenschaftlichen Forschungen dauern bis ins 20. Jahrhundert an.

Die Kehrseite dieser Suche ist der Irrationalismus. Der Irrationalismus bezweifelt die Möglichkeiten menschlichen Wissens. Sein Ziel ist es, Bereiche des Unbekannten hervorzuheben, die Vielfalt und das Spiel der Phänomene aufzuzeigen. Im Irrationalismus wird die Kategorie des Begriffs hervorgehoben – die Konvergenz verschiedener, aber mystisch verwandter Kategorien. Aus dem Konzept entwickelt sich eine Metapher. Die Literatur dieser Zeit ist metaphorisch. Die Wahl zwischen privaten Wahrheiten hängt vom eigenen Willen ab.

Eines der Universalien dieser Epoche ist das Gefühl der Krise, des Wendepunkts und der Neubewertung der Ideale der Renaissance. Die Literatur dieser Zeit ist polemisch und propagandistisch. Sie versuchen entweder, das Ideal der Renaissance wiederherzustellen oder leugnen es. Es gibt auch eine Ablehnung des Prinzips der Harmonie. Im 17. Jahrhundert kam es zu einer Orientierung an dominanten Kategorien. Die Dialektik wird durch die Einheit und den Kampf der Gegensätze bestimmt: das Zusammenspiel von Vernunft und Gefühlen, Persönlichkeit und Gesellschaft. Das Barock interessiert sich für persönliche Prozesse. Der Humanismus verändert sich – er wird zum „Humanismus trotz“. Der Wert einer Person ist nicht von vornherein gegeben, er wird erworben. Ein weiteres Merkmal dieser Ära ist der Analytismus und der Forschungsansatz. Es wird eine Methode entwickelt, die Realität in Details zu zerlegen und auf unerwartete Weise zu kombinieren. Die Ära strebt nach weiten epischen Panoramen. Autoren konzentrieren sich auf die Zentralisierung der Idee. Dank der Entdeckung einer Idee kommt es zu einer Interaktion zwischen journalistischer und künstlerischer Kreativität. Die Idee selbst in einem literarischen Text wird durch Pathos und Logik offenbart. Die Logik organisiert die Komposition, die Verbindung der Teile. Eines der Hauptthemen dieser Zeit ist Wahrheit und Glaubwürdigkeit. Es wird nach Kriterien der Wahrheit gesucht.
^ Barockliteratur (allgemeine Merkmale).

Schriftsteller und Dichter im Barock empfanden die reale Welt als Illusion und Traum. Realistische Beschreibungen wurden oft mit ihrer allegorischen Darstellung kombiniert. Symbole, Metaphern, Theatertechniken, grafische Bilder (Gedichtzeilen bilden ein Bild), Reichtum an rhetorischen Figuren, Antithesen, Parallelismen, Abstufungen und Oxymorone werden häufig verwendet. Es herrscht eine burleske-satirische Haltung gegenüber der Realität. Charakteristisch für die Barockliteratur ist der Wunsch nach Vielfalt, die Zusammenfassung des Wissens über die Welt, Inklusivität, Enzyklopädismus, der manchmal in Chaos und das Sammeln von Kuriositäten umschlägt, der Wunsch, das Sein in seinen Gegensätzen (Geist und Fleisch, Dunkelheit und Licht, Zeit und…) zu studieren Ewigkeit). Die barocke Ethik ist geprägt von der Sehnsucht nach der Symbolik der Nacht, dem Thema Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit, dem Leben als Traum (F. de Quevedo, P. Calderon). Calderons Stück „Das Leben ist ein Traum“ ist berühmt. Auch Genres wie der galant-heroische Roman (J. de Scudéry, M. de Scudéry) und der alltägliche und satirische Roman (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) entwickeln sich. Im Rahmen des Barockstils entstehen seine Varianten und Richtungen: Marinismus, Gongorismus (Culteranismus), Konzeptismus (Italien, Spanien), die metaphysische Schule und Euphuismus (England) (siehe Präzisionsliteratur).

Die Handlung der Romane wird oft in die fiktive Welt der Antike, nach Griechenland, übertragen, Hofherren und -damen werden als Hirten und Schäferinnen dargestellt, was man als Hirten (Honoré d’Urfe, „Astraea“) bezeichnet. Anmaßung und die Verwendung komplexer Metaphern gedeihen in der Poesie. Zu den gebräuchlichen Formen gehören Sonett, Rondo, Concetti (ein kurzes Gedicht, das einen witzigen Gedanken zum Ausdruck bringt) und Madrigale.

Ein herausragender Vertreter im Bereich des Romans ist im Westen G. Grimmelshausen (der Roman „Simplicissimus“), im Bereich des Dramas P. Calderon (Spanien). In der Poesie wurden V. Voiture (Frankreich), D. Marino (Italien), Don Luis de Gongora y Argote (Spanien) und D. Donne (England) berühmt. In Russland gehören S. Polotsky und F. Prokopovich zur Barockliteratur. In Frankreich blühte in dieser Zeit die „kostbare Literatur“ auf. Es wurde damals hauptsächlich im Salon von Madame de Rambouillet gepflegt, einem der aristokratischen Salons in Paris, dem modischsten und berühmtesten. In Spanien wurde die barocke Strömung in der Literatur nach dem Namen ihres prominentesten Vertreters „Gongorismus“ genannt (siehe oben).
Barockliteratur (allgemeine Merkmale).

die Universalien der Epoche erscheinen im Barock und Klassizismus. In der europäischen Literatur wird der Klassizismus als vereinfachte Version des Barock dargestellt; in der russischen Literatur werden Barock und Klassizismus als unterschiedliche künstlerische Strömungen betrachtet. Aber im Werk eines Autors können beide Richtungen zusammenlaufen. In Spanien nahm der Barock eine dominierende Stellung ein. Seine Ästhetik und Poetik wurden von Vertretern der Lope de Vega-Schule entwickelt. Der Klassizismus entwickelte sich dort nur theoretisch. In England war keine der Methoden vorherrschend, da dort die Traditionen der Renaissance stark ausgeprägt waren. Erst Mitte des Jahrhunderts Englische Kunst Klassische Züge nehmen zu (die Theorie von Ben Jonson), aber sie schlagen in diesem Land keine Wurzeln. In Deutschland entwickelt sich ein Barock auf niedrigem Niveau, dessen bevorzugte Genres Blutdrama und Schelmenromantik sind. Der Klassizismus wird in Frankreich zur grundlegenden Methode, aber auch barocke Tendenzen treten hier auf. Neben dem Klassizismus gibt es auch Salonliteratur und freizügige Poesie.

Barock wird nicht nur in der Literatur verwirklicht. Zunächst wurde es in der Architektur hervorgehoben (die Werke von Bernini, die Brunnen von Versailles). In der Musik wurde der Barock durch die Werke von Bach und Händel repräsentiert, in der Malerei durch Tizian und Caravaggio, in der Literatur durch Jean-Baptiste Marino und Calderon. Der Barock ist eng mit der Renaissance verbunden. Yu.B. Whipper spricht über Manierismus – den tragischen Humanismus der Spätrenaissance. Dies ist ein Ausgang in allegorische Räume mit philosophischen Konflikten, die den Glauben an den Menschen und die Tragödie der menschlichen Existenz demonstrieren.

Für das Wort „Barock“ selbst gibt es keine genaue Erklärung. Unter diesem Begriff versteht man ein breites Spektrum an Phänomenen. Im Barock gibt es per Definition keine Kanons. Der Kanon ist individuell, hier herrscht Vielfalt.
Weltanschauungen des Barock:
1. Ein Gefühl für die widersprüchliche Natur der Welt, das Fehlen etablierter Formen und den endlosen Kampf. Aufgabe des Autors ist es, die Realität in ihrer Variabilität einzufangen.

2. Pessimistischer emotionaler Ton. Es kommt von der Fragmentierung, der Dualität der Welt. In der Literatur dieser Richtung findet sich häufig das Motiv des Doubles.

3. Die Hauptmotive sind der sichtbare und wesentliche Kampf von Fleisch und Geist. Ein beliebtes Thema ist der Kampf um Leben und Tod. Barockautoren schildern oft einen Menschen in seinen Grenzzuständen (Schlaf, Krankheit, Wahnsinn, Fest während der Pest).

4. Theatralik, Spiel, Experimente der Helden mit dem Leben, ehrfürchtige Haltung gegenüber irdischen Freuden, Bewunderung der kleinen Dinge des Alltags. Barocke Werke zeigen ein Kaleidoskop des Lebens.

5. Der Barockheld ist ein absoluter Individualist. Dies ist entweder ein kluges, aber zunächst bösartiges Wesen, das für seine Sünden büßen muss, oder ein zunächst freundlicher Mensch, der jedoch durch die Lebensumstände entstellt ist. Der zweite Heldentyp strebt danach, der Welt zu entfliehen, entweder durch Kreativität oder durch die Schaffung von Lebensutopien.
Die Ästhetik des Barock wird in den Abhandlungen „Wit or the Art of the Quick Mind“ (Balthasar Grassian) und „Wit or the Art of the Quick Mind“ (Balthasar Grassian) umrissen. Fernrohr Aristoteles“ (Emmanuel Tesauro). Kunst aus barocker Sicht ist subjektive Kreativität. Es drückt nicht die Wahrheit aus, sondern erzeugt eine Illusion und gehorcht dem Willen des Autors. Die Aufgabe des Schriftstellers besteht darin, die Realität zu verändern. Der Gedankengang muss übertrieben sein. Barockautoren interessieren sich für alles Ungewöhnliche. Beim Kennenlernen des Beispiellosen kann der Leser überrascht sein. Grundlagen künstlerisches Medium– Metapher. Metapher überschneidet sich mit Verstärkung – Übertreibung. Das gleiche Objekt wird von verschiedenen Seiten gedreht.
^ Merkmale der englischen Literatur des 17. Jahrhunderts.

Die erste Hälfte des 17. Jahrhunderts war in England von der Blüte der Barockpoesie geprägt, die vor allem durch die Schule der metaphysischen Dichter repräsentiert wurde. Einer der talentiertesten Dichter dieser Bewegung, der der europäischen Poesie der Neuzeit neue Horizonte eröffnete, war John Donne (1572 – 1631), dessen Werk den Studierenden zum Kennenlernen empfohlen wird. Die englische bürgerliche Revolution (1640 – 1650) hatte einen entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung der englischen Literatur im 17. Jahrhundert. Es fand unter religiösen puritanischen Parolen statt, die die Einzelheiten bestimmten künstlerisches Denken Epoche.

Beim Studium der englischen Literatur des 17. Jahrhunderts sollte das Hauptaugenmerk auf das Werk von D. Milton (1608 - 1674) gelegt werden. Milton, ein herausragender revolutionärer Publizist, reflektierte in seinen Gedichten die dringendsten politischen Konflikte unserer Zeit. Sein Gedicht „Paradise Lost“ ist ein Versuch eines sozialphilosophischen Verständnisses der Entwicklung der Welt und der Menschheit als Ganzes. In der künstlerischen Welt des Gedichts verbinden sich organisch barocke und klassizistische Tendenzen, auf die bei der Analyse geachtet werden muss.

KOZLOVA G.A.

AUSLÄNDISCHE LITERATUR 17.-18. Jahrhundert. 2 GÄNGE, OZO

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41. Svasyan, K. A. Johann Wolfgang Goethe / K. A. Svasyan. - M., 1989.

42. Chameev, A. A. John Milton und sein Gedicht „Paradise Lost“ / A. A. M. A. M. A. M. A. Chameev. - L., 1986.

43. Chernozemova, E. N. Geschichte der englischen Literatur: Pläne. Entwicklungen. Material. Aufgaben / E. N. Chernozemova. - M., 1998.

44. Shaitanov, I. O. Denkende Muse: „Entdeckung der Natur“ in Poesie XVIII Jahrhundert / I. O. Shaitanov. - M., 1989.

45. Schiller, F. P. Geschichte der westeuropäischen Literatur der Neuzeit. In 3 Bänden. T. 1. / F. P. Schiller. - M., 1935.

46. ​​​​Stein, A. L. Literatur des spanischen Barock / A. L. Stein. - M., 1983.

47. Stein, A. L. Geschichte der spanischen Literatur / A. L. Stein. - M., 1994.

48. Stein, A. L. Geschichte der deutschen Literatur: Teil 1. / A. L. Stein. - M., 1999

49. Stein, A. L. Geschichte der französischen Literatur / A. L. Stein, M. N. Chernevich, M. A. Yakhontova. - M., 1988.

Leser

1. Artamonov, S. D. Ausländische Literatur des 17.-18. Jahrhunderts: Anthologie; Lehrbuch / S. D. Artamonov. – M.: Bildung, 1982.

2. Purishev, B. I. Reader zur ausländischen Literatur des 18. Jahrhunderts: Lehrbuch / B. I. Purishev. – M.: Höher. Schule, 1973 / (Nachdruck 1998)

3. Ausländische Literatur des 18. Jahrhunderts: Anthologie: ein Lehrbuch für Universitäten in 2 Bänden / Ed. B. I. Purisheva - M.: Höhere Schule, 1988. PLÄNE UND INHALTE PRAKTISCHE LEKTIONEN

Thema Nr. 1.Theater des französischen Klassizismus. Corneille. Racine. Moliere.

1. 
   Ästhetische Prinzipien des Klassizismus des 17. Jahrhunderts. „Ewige Bilder“ und „ewige Handlungen“.

1. 
   Aristoteles' Entwicklung der ästhetischen Prinzipien des Klassizismus in der Poetik.
2. 
   Die Philosophie des Rationalismus und Klassizismus des 17. Jahrhunderts. Descartes, Bacon.
3. 
   „Poetische Kunst“ von N. Boileau und die Ästhetik des Klassizismus des 17. Jahrhunderts.

1. 
   Die große Tragödie des Theaters des französischen Klassizismus.

1. 
   Reflexion der dramatischen Prinzipien von P. Corneille in der Tragödie „The Cid“. Bilder der Tragödie.
2. 
   Ästhetische Ansichten J. Racine. Antike griechische Mythen in den Tragödien von Racine („Andromache“, „Phaedra“).

1. 
   Hohe Komödie des Klassizismus.

1. 
   Molieres ästhetische Ansichten. „Ewige Handlungen in Molieres Komödien.
2. 
   Probleme von Molières Komödie „Der Bürger im Adel“. Comedy-Bilder.
3. 
   Probleme beim Studium von Molieres Werk in der Schule.

1. 
   Das Problem des Studiums des Klassizismus in der Schule. Russische Kritik und russische Schriftsteller über Klassizismus, Klassiker und Klassizisten (Puschkin und andere)

.

Formen und Methoden der Unterrichtsdurchführung, Arten der Bildungsaktivitäten der Studierenden:

- Interview zum Unterrichtsthema;

- Antworten auf Fragen;

Anhören von Berichten zu den Themen „Russische Literatur über den französischen Klassizismus“, „Probleme beim Studium von Molieres Werk in der Schule“ und deren Diskussion.

1. Lesen Sie das Vorlesungsmaterial und die Lehrbücher zu einem bestimmten Thema sorgfältig durch.

2. Beantworten Sie die Fragen im Plan.

3. Machen Sie Präsentationen.

Literatur

1. 
   Boileau N. Poetische Kunst. – M., 2005.
2. 
   Geschichte der ausländischen Literatur des 17. Jahrhunderts. / Hrsg. M.V. Razumovskaya. – M.: Höhere Schule, 2001.
3. 
   Lukov V.A. Geschichte der Literatur. Ausländische Literatur von ihren Anfängen bis heute. – M.: Academia, 2009.
4. 
   Mikhailov A.V., Shestopalov D.P. Tragödie // Kurze literarische Enzyklopädie. – M., 1972. – T. 7. – S. 588-593.
5. 
   Nikoljukin A.N. Literarische Enzyklopädie der Begriffe und Konzepte. – M.: NPK Intelvac, 2001.

Aufgaben für SRS. Bereiten Sie kritisches Material zum Thema der Lektion vor. Lesen Sie Kunstwerke von Moliere, Corneille, Racine...

Themen der Berichte, Abstracts.

1. Bürgerliche Revolution und Literatur.

2. Der Einfluss der Ideen des Puritanismus auf die Literatur des 17.-18. Jahrhunderts.

3. Philosophie des 17.-18. Jahrhunderts und Literatur.

4. Russische Schriftsteller über westeuropäische Literatur des 17. Jahrhunderts.

5. Westeuropäische Aufklärung und russische Literatur.

6. Westeuropäische Poesie des 17. Jahrhunderts. im Kontext christlichen Denkens.

7. Kreativität von Schriftstellern (Dichter) des 17.-18. Jahrhunderts. im Kontext christlichen Denkens.

8. Westeuropäische Lyrik des 17.-18. Jahrhunderts. im Kontext christlichen Denkens

Zwischenzertifizierung nach Disziplin - prüfen .

Voraussetzungen für die Kreditwürdigkeit. Verfügbarkeit von Notizen, Qualität der Hausaufgaben, Wissen literarische Texte, Durchführung von Tests und Tests, Beherrschung von Fähigkeiten begründete Rede und Arbeit mit Primärquellen, Internetressourcen.

Literarische Texte zur Pflichtverwendung(2. Jahr OZO, 4. Semester. 3. Jahr ZSVL, 5. Semester).

1. 
   Barocke Lyrik. Marino. Gongora.
2. 
   Lope de Vega. Schafquelle.
3. 
   P. Calderon. Anbetung des Kreuzes. Das Leben ist ein Traum.
4. 
   Boileau. Poetische Kunst.
5. 
   P. Corneille. Sid.
6. 
   J. Racine. Phädra.
7. 
   J. B. Moliere. Tartuffe. Ein Händler unter dem Adel.
8. 
   D. Milton. Verlorener Himmel.
9. 
   D. Donn. Text.
10. 
    D. Defoe. Robinson Crusoe.
11. 
    D. Swift. Gullivers Reisen.
12. 
    G. Fielding. Die Geschichte von Tom Jones, dem Findelkind“ (Auszüge).
13. 
    R. Burns. Text.
14. 
    D. Diderot. Das Paradoxon über den Schauspieler. Neffe von Ramo.
15. 
    Voltaire. Candide.
16. 
    Rousseau. Neue Eloise. Geständnis.
17. 
    Schiller. Räuber.
18. 
    Goethe. Faust.

1. 
   allgemeine Charakteristiken ausländische Literatur des 17. Jahrhunderts.
2. 
   Puritanismus und sein Einfluss auf die Literatur.
3. 
   Die englische bürgerliche Revolution und der literarische Weltprozess.
4. 
   Allgemeine Merkmale literarischer Strömungen des 17. Jahrhunderts.
5. 
   Allgemeine Merkmale der Literatur des 18. Jahrhunderts. Das Konzept der Aufklärung.
6. 
   Ästhetisches Programm der Aufklärer. Theorien des „Naturrechts“, des „natürlichen Menschen“, des „Gesellschaftsvertrags“.
7. 
   Philosophie und Literatur des 17. Jahrhunderts. V. Kozhinov über den Einfluss der westeuropäischen Philosophie auf die Literatur. Descartes, Bacon.
8. 
   Philosophie und Literatur des 18. Jahrhunderts. Hobbes, Locke, Hume.
9. 
   Allgemeine Merkmale der Barockliteratur. Barock in der Architektur. Vertreter.
10. 
    Allgemeine Merkmale der Literatur des Klassizismus. Architektur, Malerei. Vertreter.
11. 
    Die Dramaturgie von Lope de Vega als Spiegelbild einer neuen Periode in der Entwicklung des Theaters. Probleme des Dramas „Sheep Spring“.
12. 
    Komödien „Umhang und Schwert“ von Lope de Vega.
13. 
    Barock in der Poesie Italiens und Spaniens. Marinismus, Gongorismus.
14. 
    Poesie des spanischen Barock. Luis de Gongora. Francisco de Quevedo.
15. 
    Ästhetik von Calderon. Turgenjew über Calderon. Christliche Motive des Dramas „Anbetung des Kreuzes“.
16. 
    Probleme von Calderons Drama „Das Leben ist ein Traum“. Christlich-philosophischer Kontext des Dramas. Bilder des Dramas.
17. 
    Englische Literatur des 17. Jahrhunderts und die englische bürgerliche Revolution. Puritanismus und englische Literatur.
18. 
    Poesie der Metaphysiker. Kreativität von D. Donne.
19. 
    Milton und die englische bürgerliche Revolution. Miltons Ästhetik im Gedicht „Paradise Lost“.
20. 
    Merkmale der biblischen Handlung in Miltons Gedicht „Paradise Lost“. Bilder zum Gedicht.
21. 
    Allgemeine Merkmale der deutschen Literatur des 17. Jahrhunderts.
22. 
    Künstlerische Besonderheiten von Grimmelshausens Roman „Simplicius Simplicissimus“.
23. 
    Traditionen der Poetik des Aristoteles. „Poetische Kunst“ von Boileau und die Ansprüche des Klassizismus.
24. 
    Entwicklung der Ästhetik des klassischen Theaters in den Werken von P. Corneille. Der Konflikt zwischen Pflicht und Leidenschaft in der Tragödie „Sid“.
25. 
    Racine und die Traditionen der antiken Tragödie. Euripides und Racine. Probleme von Racines Tragödie „Phaedra“.
26. 
    Merkmale der „hohen“ Komödie des Klassizismus. Moliere über die Ästhetik der Komödie.
27. 
    Themen und Probleme von Molieres Komödien „Tartuffe“, „Don Juan“, „Der Menschenfeind“.
28. 
    Problematik der Komödie „Der Bürger im Adel“. Besonderheiten des Moliere-Studiums in der Schule.
29. 
    „Ewige Handlungen“ und „ewige Bilder“ in Molieres Komödien.
30. 
    Merkmale der Literatur der englischen Aufklärung und ihrer Romantheorie. Probleme des Romans „Die Geschichte von Tom Jones, dem Findelkind“.
31. 
    Englisches Drama des 18. Jahrhunderts. Sheridans Schule des Skandals.
32. 
    Die Arbeitsmoral der Puritaner und die Probleme von Defoes Roman „Robinson Crusoe“. Probleme beim Studium von Defoes Werk in der Schule.
33. 
    Swift und die englische Aufklärung. Probleme des Romans „Gullivers Reisen“. Den Roman in der Schule studieren.
34. 
    Englischer Sentimentalismus. Stern, Smollett, R. Burns. Probleme beim Lernen der Texte von Burns in der Schule.
35. 
    Sterns Buch „A Sentimental Journey“.
36. 
    Literatur der französischen Aufklärung. Voltaires ästhetische Ansichten. Probleme philosophischer Geschichten.
37. 
    Merkmale von Diderots Ästhetik. Probleme der philosophischen Erzählung „Ramos Neffe“.
38. 
    Soziale, politische und philosophische Ansichten von Rousseau. Künstlerische Merkmale von „Confession“.
39. 
    Rousseau und Sentimentalismus. Allgemeine Merkmale des Sentimentalismus.
40. 
    Probleme von Rousseaus Roman „Die neue Heloise“.
41. 
    Künstlerische Besonderheiten der Komödien „Der Barbier von Sevilla“ und „Die Hochzeit des Figaro“ von Beaumarchais.
42. 
    Merkmale der Entwicklung der deutschen Aufklärung. Literatur von Sturm und Drang.
43. 
    Weimarer Klassizismus“: Ästhetische Merkmale, Neudenken des Erbes der Antike.
44. 
    Lessings Abhandlung „Laokoon“ und sein Einfluss auf die Ästhetik der Aufklärung.
45. 
    Probleme von Schillers Drama „Die Räuber“. Studieren von Schillers Werk in der Schule.
46. 
    Philosophische Ansichten Goethes. Goethe und russische Literatur. Goethes Werke in der Schule studieren.
47. 
    Deutscher Sentimentalismus. Goethe „Die Leiden des jungen Werther“.

Richtlinien für SRS

Die selbstständige Arbeit der Studierenden hängt davon ab, ob sie sich auf die in der Vorlesung behandelten Probleme bezieht oder ob die Themen nur im SRS enthalten sind. Die Vorlesung erleichtert den Studierenden die Arbeit erheblich und die erste Stufe des SRS wird das Studium der Vorlesungsmaterialien und Lehrbücher sein.

Sind im Lehrplan keine Vorlesungen zu SRS-Materialien vorgesehen, greift der Studierende auf Materialien aus Lehrbüchern, wissenschaftlicher und praktischer Literatur sowie literarischen Texten zurück.

Wichtig ist in beiden Fällen bibliographische Arbeit. Der Dozent stellt in der Vorlesung die notwendigen Quellen zur Verfügung oder gibt in den Methodenplänen der Lehrveranstaltungen in der Liste der verfügbaren wissenschaftlichen und praktischen Literatur an. Besonderes Augenmerk sollte auf die Arbeit mit Begriffen gelegt werden, in denen der Student nicht nur Kommentare verwenden muss, sondern auch auch Referenzliteratur: „Concise Literary Encyclopedia“, „Dictionary“. literarische Begriffe", "Poetisches Wörterbuch", "Philosophische Enzyklopädie". Bei der Analyse von Werken werden Grundbegriffe aufgeschrieben und angewendet.

Die bibliografische Kultur des Studenten zeigt sich sowohl im Erscheinungszeitpunkt des Werkes als auch im Widerspruch zwischen der Position des Kritikers und seiner eigenen Meinung.

Eine nützliche Form ist die Erstellung chronologischer Tabellen, beispielsweise Tabellen mit den Lebens- und Werkdaten des Schriftstellers.

Notizen– ein wichtiges Element der Arbeit an einem theoretischen und kritischen Text. Notizen werden regelmäßig überprüft.

Die Zusammenfassung sollte aus einem Plan der untersuchten Arbeit und einer kurzen Zusammenfassung bestehen. Die Zusammenfassung sollte mehrere Zitate enthalten, die die wesentlichen Aussagen der Arbeit und deren Belege formulieren.

Auch bei der Lektüre von Belletristik sollten Notizen gemacht werden.

Zur Vorbereitung auf den Unterricht muss der Schüler eine Ausarbeitung erstellen Reaktionsplan auf die vom Lehrer gestellten Fragen, schreiben Sie die Argumentation der Antworten auf, klären Sie die Terminologie, mit der er operieren möchte.

Der Lehrer muss den Schülern auch das Recht einräumen, selbständig zu handeln. Der Studierende ist verpflichtet, die Lücke, die durch den Vorlesungsstoff nicht geschlossen wird, selbständig zu füllen.

Zu den Formen der SRS gehört die Erstellung eines Unterrichtsplans, einer Wahlpflichtstunde nach den Anforderungen der Schulmethodik. Es können Berichte und Abstracts erstellt werden, die in praktischen Kursen, Clubs, wissenschaftlichen Konferenzen und Problemgruppentreffen gelesen werden können. Bestimmte Themen können in Studien- und Abschlussarbeiten verwendet werden. Von Studierenden verfasste Abstracts oder Aufsätze dürfen veröffentlicht werden. Ähnlich wissenschaftlich studentische Arbeit kann sein Zwischenkontrolle und Einflüsse Zwischenabschlusszeugnis.

Personalisierung Ist wichtiger Grundsatz SRS

Bncz&Prüfung: Geschichte der ausländischen Literatur. 17.-18. Jahrhundert

Lehrer: Ninel Ivanovna Vannikova

Ort: 320 Zimmer

1. Phaedra – es gibt die Worte „Leidenschaft befiehlt“, eine Diskussion über den Adel von Hippolytus.

2. Standhafter Prinz – es gibt die Worte von Don Fernando: „Ich habe Qualen erlitten, aber ich glaube...“;

3. Standhafter Prinz – Sonett über Blumen.

4. Sid – es gibt die Worte „Verzichte auf die Liebe, steh für deinen Vater ein“;.

5. Boileau – eine Diskussion über die Tragödie, es gibt die Worte „Horror und Mitgefühl“.

6. Fielding – Beschreibung der Tabelle, die Natur hat dem Helden etwas geschickt.

7. Standhafter Prinz – es gibt die Worte „Du hast den Glauben nicht besiegt, sondern mich trotz.“

dass ich sterbe.

8. Faust – die Worte des Mephistopheles „Ich bin dieser...“;. Dieses Zitat war bereits in diesem Thread.

9. Swift – der Held landet auf der Insel Liliputaner.

10. Sid – die Worte von Jimena, es gibt die Worte „den Vater rächen“, Ehre wird erwähnt.

11. Räuber – Karls Worte „Sie zwangen mich, einen Engel zu töten.“

12. Faust – ein Gespräch zwischen Faust und Wagner über die Aufteilung der Liebe in irdische und himmlische.

13. Faust - Kraniche werden in der letzten Zeile erwähnt.

14. Lope de Vega – der Minotaurus wird erwähnt. (Anscheinend dieses Stück:

Eine Mischung aus Tragischem und Lustigem...

Terence mit Seneca – aber in vielerlei Hinsicht

Was soll ich sagen, wie der Minotaurus,

Aber eine Mischung aus Erhabenem und Lächerlichem

Es erfreut das Publikum mit seiner Vielfalt.

Schließlich ist die Natur für uns so schön,

Welche Extreme treten jeden Tag auf?

15. Nonne – Mutter wird erwähnt.

16. Phaedra – Athen wird erwähnt.

17. Faust – Mephistopheles über Böses und Laster.

18. Boileau – der „Bastard der Kunst“ wird erwähnt.

19. Faust – weigert sich, die Lehre zu meistern, Glück wird erwähnt.

20. Das Leben ist ein Traum – es gibt die Worte „Wenn ich schlafe, wecke mich nicht.“

21. Andromache – Hector wird erwähnt.

22. Phaedra – Gift in den Adern wird erwähnt (Auszug:

Fließt durch meine entzündeten Adern

Medea brachte uns einst Gift).

23. Phaedra – es gibt die Worte „die Unschuldigen rechtfertigen“.

24. Horaz – es gibt die Worte „;O Rom...“;.

25. Ruf von Cthulhu – Es gibt die Worte „Pkh“nglui mglv“nafkh Cthulhu R“lieh vgah“nagl fhtagn.“

26. Fielding – Wenn Sie in Schwierigkeiten sind und das Zitat mit „HE“ beginnt oder endet, sagen Sie Fielding.

27. Zadig – der Einsiedler, mit dem Zadig reist, wirft einen Teenager von einer fragilen Brücke in den Fluss, er ertrinkt.

28. Boileau – es gibt die Worte „wunderschön unter dem Pinsel des Meisters“.

29. Sid – es gibt so etwas wie „;muss im Gegenzug meine Pflicht erfüllen“;.

30. Emilia Galotti – so heißt es über das Porträt.

31. Fielding – ein Hogarth-Gemälde wird erwähnt, mit dem die Figur (Partridges Frau) verglichen wird.

17. Jahrhundert

1. Merkmale des 17. Jahrhunderts als besondere Epoche in der Geschichte der abendländischen Literatur (das Verhältnis von Barock und Klassizismus)

Laut Vorträgen von Ninell Ivanna:

K con. 16. Jahrhundert Kunst und Literatur befinden sich in einer kreativen Krise. Die Renaissance-Idee der menschlichen Herrschaft in der Welt ist sicher gestorben. In der Renaissance glaubte man, dass die Welt ein Ort sei, an dem der Mensch sein „Ich“ verwirklichen sollte. Humanisten glaubten, dass sich die Menschheit dem kreativen Prozess widmen würde. Tatsächlich erwies sich die Welt jedoch als Schauplatz blutiger Kriege – religiöser, ziviler, aggressiver („Der Tod ist unser Handwerk“). In der Gesellschaft herrscht eine Atmosphäre der Strenge und Gewalt. Verstärkte Verfolgung von Ketzern, Erstellung von Verzeichnissen verbotener Bücher, Verschärfung der Zensur => menschliche Harmonie mit der Welt ist unerreichbar, ein echter Mensch war in seinen Handlungen unvollkommen (nach dem Prinzip „Alles ist erlaubt“ zu handeln, erwies er sich als fehlerhaft + der wissenschaftliche und psychologische Aspekt der Krise: Sie dachten, dass wir ohne das Mittelalter alles über die Ideologie verstehen könnten, aber wir könnten nichts verstehen). Geographische Entdeckungen, Entdeckungen in der Physik (die Theorie von Kopernikus und mehr) usw. zeigte, dass Cthulhu jeden zerstört, und die Welt ist komplexer als es schien, das Geheimnis des Universums ist für den Menschen nicht zugänglich, die Welt ist unmöglich zu verstehen. Neues Universum: Der Mensch ist nicht mehr der Mittelpunkt des Universums, sondern ein Sandkorn im Chaos der Welt und eine Weltanschauung mit stark tragischen Untertönen. Lassen Sie einen Menschen noch einmal über sich selbst nachdenken und vergleichen Sie seine Existenz mit allem, was existiert. Die Ära zeugt von der Unendlichkeit des Raumes, der Vergänglichkeit der Zeit, der Mensch ist nicht allmächtig => die Renaissance wird abgelöst Barock.

Anstelle einer linearen Renaissance-Perspektive gab es eine „seltsame Barockperspektive“: Doppelraum, Spiegelung, die den illusorischen Charakter von Weltvorstellungen symbolisierte.

Die Welt ist gespalten. Aber nicht nur das, es bewegt sich auch, aber es ist nicht klar, wohin. Daher das Thema der Vergänglichkeit des menschlichen Lebens und der Zeit im Allgemeinen, der Kurzfristigkeit der menschlichen Existenz.

Die Verwendung historischer und mythologischer Reminiszenzen, die in Form von Anspielungen gegeben werden und entschlüsselt werden müssen.

Barockdichter liebten Metaphern sehr. Sie hat die Atmosphäre geschaffen intellektuelles Spiel. Und das Spiel ist eine Eigenschaft aller barocken Genres (in Metaphern, in der Kombination unerwarteter Ideen und Bilder).

Die Dramaturgie zeichnete sich durch ihr außergewöhnliches Spektakel, den Übergang von der Realität zur Fantasie aus. In der Dramaturgie führte das Spiel zu einer besonderen Theatralik à der „Szene auf der Bühne“-Technik + der „Lebenstheater“-Metapher. Theater wird auch verwendet, um die Flüchtigkeit der Welt und die illusorische Natur der Vorstellungen darüber aufzuzeigen.

In Calderon: „dem großen Theater der Welt“, wo sich auf der Bühne Leben unter dem Vorhang des Chaos abspielen. Es gibt eine klare Trennung: Die göttliche Sphäre und die irdische Sphäre, und auf dem Thron sitzt der Schöpfer des Stücks, das die gesamte Illusion der menschlichen Existenz zum Ausdruck bringen soll.

Die barocke Kunst versuchte, den Menschen mit der Natur, dem Kosmos, in Beziehung zu setzen; sie ist durchdrungen von der Erfahrung der Endlichkeit der menschlichen Existenz vor der Unendlichkeit des Universums. Das ist der gravierendste innere Widerspruch.

Deutscher Barock tritt in Bedingungen auf 30-jähriger Krieg, Tragödie soziales Leben. Die Ewigkeit ist eine Fortsetzung der Zeitlosigkeit. Schaffung einer neuen barocken Harmonie, Einheit, Verherrlichung der moralischen Stärke des menschlichen Geistes (weite Verbreitung der Ideen des Stoizismus). Und unter solchen Bedingungen, wenn alles schlecht ist, entsteht ein gewisser Anfang, auf dessen Grundlage das natürliche Chaos überwunden wird – die Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes.

Es wird angenommen, dass der Mensch eine innere Unabhängigkeit des Geistes besitzt (was mit dem katholischen Konzept des freien Willens übereinstimmt). In der christlichen Religion gibt es einen Gegensatz zwischen den Vorstellungen der Prädestination und des freien Willens (zwei Arten des Bewusstseins). Luther hielt an der Idee der Prädestination fest (er glaubte, dass nach dem Sündenfall die Korruption in die menschliche Natur überging => der Mensch ist sündig). Reformation – der Weg eines jeden Menschen ist von Geburt an vorbestimmt.

Die Lehre vom freien Willen entstand im 16. Jahrhundert. Seine Anhänger argumentierten, dass allen Menschen von Geburt an Gnade geschenkt wird und jeder seinen eigenen Weg wählt.

Gleichzeitig gibt es Klassizismus. Beide Systeme entstehen als Bewusstsein für die Krise der Ideale der Renaissance.

Der Klassizismus scheint den Stil der Hochrenaissance wiederzubeleben. Bei allem ist auf Mäßigung und guten Geschmack zu achten. Ein strenges Regelsystem => die Wildheit der Fantasie eindämmen. Regeln sind jeder Kreativität inhärent und Kunst ist eine Form Spielaktivität Mensch => es gibt kein Spiel ohne Regeln. Die Aufgabe des Klassizismus besteht darin, die Regeln verbindlich zu machen. Sie werden vom menschlichen Geist geschaffen, um dem Chaos der Dinge Herr zu werden. Regeln sind ungeschriebene Gesetze; sie sind konventionell und beziehen sich auf die formale Organisation eines Werkes.

Laut Plavskin:

17. Jahrhundert – das Jahrhundert des Absolutismus (die vorherrschende Staatsform ist der Absolutismus).

17. Jahrhundert - eine Ära andauernder Kriege in Europa. Die alten Kolonialmächte – Spanien, Portugal – werden von den jungen bürgerlichen Staaten – Holland, England; Die Ära des Kapitalismus beginnt.

Geschichte Europas im 17. Jahrhundert. Gekennzeichnet durch Übergang und Krise.

17. Jahrhundert – Veränderungen im Bereich der Wissenschaft; wissenschaftliche Zeitschriften werden veröffentlicht; Scholastik des Mittelalters => experimentelle Methode; die Dominanz der Mathematik und der metaphysischen Denkweise.

Die Grenzen der umgebenden Welt erweitern sich in kosmische Ausmaße, die Konzepte von Zeit und Raum werden als abstrakte, universelle Kategorien neu gedacht. Für das 17. Jahrhundert. gekennzeichnet durch eine starke Verschärfung von Philosophie, Politik, Ideologie. Kampf, Katze Reflektiert in der Entstehung und Konfrontation der beiden dominanten künstlerischen Systeme dieses Jahrhunderts – Klassizismus und Barock.

Sie entstehen als Bewusstsein für die Krise der Ideale der Renaissance. Sowohl Künstler des Barock als auch des Klassizismus lehnen die Idee der Harmonie ab; Sie offenbaren eine komplexe Wechselwirkung zwischen Persönlichkeit und Sozialpolitik. Umfeld; die Idee vertreten, Leidenschaften dem Diktat der Vernunft unterzuordnen; Intelligenz und Vernunft werden in den Vordergrund gerückt. Die Rolle eines Werkes als Mittel zur Aufklärung des Lesers oder Betrachters => „Journalismus“ der Literatur.

2. Merkmale des Barock.

Italienisch barocco – skurril

Die Entstehung des Barock. Nach der Renaissance kam es zu einer Krise der Ideen. Das Prinzip des Humanismus ist mit den Ideen der Harmonie verbunden; im Zentrum des Universums steht anstelle von Gott der Mensch. Alles steht einem Menschen zu, wenn er mutig und talentiert ist. Im Mittelalter war der Mensch gegen die Natur, in der Neuzeit wurde die Natur poetisiert. Die Kunst der Renaissance zeichnet sich durch Harmonie in Komposition und Bildern aus. Doch bald kollidierte der Humanismus mit der harten Realität. Die Welt hat sich nicht in ein Königreich der Freiheit und Vernunft verwandelt, sondern in eine Welt blutiger Kriege. „Wir sind geistig arm und unsere Gefühle sind arm.“ Die Atmosphäre des Fanatismus, der Grausamkeit und der Gewalt etablierte sich im 16. Jahrhundert nach dem Konzil von Trient, das 1545 auf Initiative von Papst Paul III., hauptsächlich als Reaktion auf die Reformation, in Trient eröffnet und dort 1563 geschlossen wurde Die Verfolgung von Ketzern verschärft sich, ein Verzeichnis verbotener Bücher wurde erstellt. Das Schicksal der Humanisten war dramatisch. Harmonie ist unzugänglich, Frieden steht im Widerspruch zu den Idealen des Einzelnen. Die Ideen des Humanismus offenbarten ihre Widersprüchlichkeit. Menschliche Eigenschaften begannen sich in negative zu verwandeln: Selbstverwirklichung ist gleichbedeutend mit Unmoral und Kriminalität. Ein weiterer wichtiger Aspekt der Krise- psychologisch. Die Menschen glaubten, alles herausfinden zu können, nur die Kirche und mittelalterliche Vorurteile störten sie. Geografische und physikalische Entdeckungen, die Theorie von Kopernikus besagte, dass die Welt komplexer sei. Nachdem man ein Rätsel gelöst hat, stößt man auf zehn neue. „Der Abgrund hat sich geöffnet und ist voller Sterne.“ Unendlichkeit ist eine Eigenschaft des Universums und der Mensch ist ein Sandkorn in einer riesigen Welt. Die Illusionen der Renaissance werden durch eine neue Weltanschauung ersetzt. Die Renaissance wird ersetzt Barock, was „zwischen Zweifeln und Widersprüchen wirft“. Bizarre, ausdrucksstarke Formen, wichtig für die Barockkunst Dynamik, Disharmonie, Ausdruck. Die lineare Perspektive wird ersetzt durch „ seltsame barocke Perspektive": Doppelwinkel, Spiegelbilder, verschobene Maßstäbe. Entwickelt, um die Flüchtigkeit der Welt und die illusorische Natur unserer Vorstellungen darüber auszudrücken. „Der Mensch ist nicht mehr der Mittelpunkt der Welt, sondern die Quintessenz des Staubes“ (Hamlet). Im Gegensatz dazu: erhaben und wissenschaftlich, irdisch und himmlisch, spirituell und physisch, Realität und Illusion. Es gibt keine Klarheit oder Integrität in irgendetwas. Die Welt ist gespalten, in endloser Bewegung und Zeit. Dieses Laufen macht das menschliche Leben furchtbar vergänglich, daher das Thema der Kurzfristigkeit des Menschen, der Zerbrechlichkeit von allem, was existiert.

Spanische Poesie. Zeitgenossen betrachteten Poesie Gongora(1561-1627) schwierig. Alluchias, metaphorische Beschreibungen. Romanze „Über Angelica und Medora“. (Wenn Sie lesen möchten: /~lib/gongora.html#0019). Unverständlichkeit. Verwelkte Rosen sind die Röte auf Medoras Wangen. Chinesischer Diamant - Prinzessin Angelica, die noch keine Liebe erfahren hat. Kompliziert literarische Beschreibung– die Geschlossenheit von Gongoras Poesie, die Atmosphäre des Spiels. Anspruchsvolle Metaphorik, konzeptionelle Annäherung entfernter Bilder - Barockspiel(charakteristisch für Gongora, Grassian, Calderon, Fhtagn).

Vom Horn:

Barockdichter liebten Metaphern sehr. Es entstand eine Atmosphäre des intellektuellen Spiels. Und das Spiel ist eine Eigenschaft aller barocken Genres (in Metaphern, in der Kombination unerwarteter Ideen und Bilder). In der Dramaturgie führte das Spiel zu einer besonderen Theatralik à der Technik der „Szene auf der Bühne“ + der Metapher „Lebenstheater“ (Calderons Autogramm „Das große Theater der Welt“ ist die Apotheose dieser Metapher). Theater wird auch verwendet, um die Flüchtigkeit der Welt und die illusorische Natur der Vorstellungen darüber aufzuzeigen.

Und unter solchen Bedingungen, wenn alles schlecht ist, entsteht ein gewisser Anfang, auf dessen Grundlage das natürliche Chaos überwunden werden kann – die Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes.

Gleichzeitig entsteht der Klassizismus. Beide Systeme entstehen als Bewusstsein für die Krise der Ideale der Renaissance.

Sowohl Künstler des Barock als auch des Klassizismus lehnten die Idee der Harmonie ab, die dem humanistischen Renaissance-Konzept zugrunde lag. Doch gleichzeitig stehen sich Barock und Klassizismus klar gegenüber.

Vorlesung. In der Dramaturgie manifestiert sich die barocke Schauspielkunst zunächst in Unterhaltung, Illusionismus, Übergang von der Realität zur Fantasie. Theater der Metapher – Vergleich des menschlichen Lebens mit Theater (Shakespeares „Wie es euch gefällt“). Vorstellungen vom Theater bestimmten daher die Vorstellungen von der Welt Thema Lebenstheater. Besonders Calderon – „Das große Theater der Welt“. Gott spielt das Theater des Lebens und lüftet den Vorhang des Chaos. Die illusorische Natur der menschlichen Existenz. Der Barock vermittelte eine dramatischere Vorstellung von der Welt und dem Menschen. Das Illusorische wird vom Menschen nicht nur mehr mit der Natur, sondern auch mit der Gesellschaft in Verbindung gebracht (ein seltsamer Ausdruck). Die Komik der menschlichen Existenz. Tragische Dissonanz: Das Streben nach Glück ist grausam historischer Prozess. Dies wird in der Poesie des deutschen Barocks (sie schrieb während des 30-jährigen Krieges) viel diskutiert.

Gryphius, „Tränen des Vaterlandes“, 1636 d. Angesichts der Katastrophe gab es keine Hoffnung mehr. Der Schatz der Seele wurde in die Zeitlosigkeit geplündert. Angesichts intensiver Erfahrungen und tragischer Widersprüche ist das organisierende Prinzip, das unerschütterliche Fundament der menschlichen Existenz: innere moralische Stärke des menschlichen Geistes. Die Philosophie des Stoizismus ist die Unabhängigkeit des menschlichen Geistes, die Fähigkeit, allen Umständen standzuhalten.

Katholisches Konzept des freien Willens. Prädestination (Aurelius Augustinus) und die Lehre vom freien Willen werden gegenübergestellt. Die Reformation, vertreten durch Luther, entwickelte die Ideen der Prädestination. Ein Mensch ist glücklich und sündig, wenn er Hilfe von oben in Form der göttlichen Gnade benötigt. Eine andere Idee (unter Katholiken): Jeder trifft seine eigene Entscheidung, zugunsten der Gnade oder des Bösen. Diese Ideen wurden zur philosophischen Grundlage von Calderons Dramen. In „Der standhafte Prinz“ beispielsweise werden die christliche und die maurische Welt gegenübergestellt

In der Dramaturgie gibt es keine strenge Normierung, keine Einheit von Ort und Zeit, die Vermischung von Tragischem und Komischem in einem Werk ist das Hauptgenre Tragikomödie, Barocktheater - Aktionstheater. Lope de Vega schreibt darüber in „A New Guide to Writing Comedies“.

3. Merkmale von Calderons philosophischen Tragödien („Das Leben ist ein Traum“ usw.) Das 17. Jahrhundert in Spanien ist das goldene Zeitalter des Dramas. Es wurde von Lope de Vega eröffnet und von Calderon geschlossen

Biografie : Calderon wurde in Madrid in der Familie von Don Diego Calderon, dem Finanzminister, einem Adligen der Mittelschicht, geboren. Die Mutter der zukünftigen Dramatikerin, Anna Maria de Henao, war die Tochter eines Büchsenmachers. Sein Vater bereitete Calderon auf eine spirituelle Karriere vor: Er wurde am Madrider Jesuitenkolleg ausgebildet und studierte außerdem an den Universitäten Salamanca und Alcala de Henares. Im Jahr 1620 brach Calderon jedoch sein Studium ab, um Militärdienst zu leisten.

Als Dramatiker debütierte Calderon mit dem Stück Liebe, Ehre und Macht, für das er von seinem Lehrer Lope de Vega Lob erhielt, und galt zum Zeitpunkt seines Todes bereits als Spaniens erster Dramatiker. Darüber hinaus erhielt er gerichtliche Anerkennung. Philipp IV. erhob Calderon zum Ritter des Jakobsordens (Santiago) und beauftragte ihn, Theaterstücke für das im neu erbauten Buen-Retiro-Palast eingerichtete Hoftheater zu spielen. Calderon konnte auf die Dienste der besten Musiker und Bühnenbildner seiner Zeit zurückgreifen. In den Stücken, die Calderon als Hofdramatiker schrieb, fällt der Einsatz komplexer Bühneneffekte auf. So wurde beispielsweise das Theaterstück „Das Biest, der Blitz und der Stein“ auf einer Insel mitten in einem See im Schlosspark aufgeführt und das Publikum sah es sich in Booten sitzend an.

In den Jahren 1640–1642 beteiligte sich Calderón während seiner militärischen Tätigkeit an der Niederschlagung des „Aufstands der Schnitter“ (nationale Separatistenbewegung) in Katalonien. 1642 schied er aus gesundheitlichen Gründen aus dem Militärdienst aus und erhielt drei Jahre später eine Pension. Später wurde er Tertiär des Ordens des Hl. Franziskus (das heißt, er legte die Mönchsgelübde des Ordens ab, blieb aber in der Welt) und 1651 wurde Calderon zum Priester geweiht; Ursache dafür waren wahrscheinlich Ereignisse in seinem Privatleben (Tod seines Bruders, Geburt eines unehelichen Sohnes), über die nur wenige verlässliche Informationen erhalten sind, sowie die einsetzende Verfolgung des Theaters. Nach seiner Priesterweihe gab Calderon die Komposition weltlicher Theaterstücke auf und wandte sich allegorischen Theaterstücken zu, die auf Handlungssträngen basierten, die hauptsächlich aus der Bibel und der Heiligen Überlieferung entlehnt waren, den sogenannten Autos, Aufführungen, die während religiöser Feste aufgeführt wurden. Allerdings interpretierte er, indem er sich religiösen Themen zuwandte, viele Probleme im Geiste des frühen Christentums mit seiner Demokratie und Askese und folgte nie den Prinzipien der orthodoxen Kirche. 1663 wurde er zum persönlichen Beichtvater Philipps IV. (königlicher Kaplan) ernannt; Dieses Ehrenamt behielten Calderon und der Nachfolger des Königs, Karl II., bei. Trotz der Popularität der Stücke und der Gunst des königlichen Hofes, letzten Jahren Calderon lebte in spürbarer Armut. Calderon starb am 25. Mai 1681. Das ist schon ein ziemlicher Kontrast, nicht wahr?

Calderon übernimmt die Traditionen der spanischen Renaissanceliteratur. Gleichzeitig äußerte er seine Enttäuschung über den Humanismus der Renaissance. Calleron sieht in der Natur des Menschen die Quelle des Bösen und der Grausamkeit, und das einzige Mittel zur Versöhnung mit dem Leben ist der christliche Glaube mit ihm die Anforderung, den Stolz zu zügeln. Die Arbeit des Autors ist widersprüchlich vereint Renaissance- und Barockmotive.

Calderons Dramen (einschließlich 51 Theaterstücke) werden normalerweise in mehrere Kategorien unterteilt: Dramen historische, philosophische, religiöse, biblische, mythologische und „Ehrendramen“ . Aber der Geist des spanischen Barocks und das Genie Calderons kamen am deutlichsten in den philosophischen Dramen zum Ausdruck, die im 17. Jahrhundert in Spanien produziert wurden. nahm die Form eines religionsphilosophischen oder historisch-philosophischen Dramas an.

Stücke dieser Art berühren zunächst grundlegende Fragen der Existenz - menschliches Schicksal, freier Wille, Ursachen menschlichen Leidens. Die Aktion findet am häufigsten in für Spanien „exotischen“ Ländern statt (z. B. Irland, Polen, Moskau); Der historische und lokale Geschmack ist betont konventionell und soll ihre zeitlosen Themen hervorheben. In „Umhang- und Schwertkomödien“ sind ihm konkrete Gefühle und Handlungen wichtiger, in philosophischen Komödien war dies jedoch nicht so wichtig. In ihnen vereint er Merkmale historisches Drama, religiöse, philosophische und theologische Allegorie vom Autotyp (Aufführungen an kirchlichen Feiertagen). Im Zentrum des Problems der Sinn des Lebens, der freie Wille, die Freiheit der menschlichen Existenz, die Erziehung zu einem humanen und weisen Herrscher. Hier setzt er die Ideen der Renaissance mit ihrem Humanismus und im Allgemeinen fort, beginnt aber mit den Ideen des Barock, auf die ich noch etwas näher eingehen werde. Beispiele: „Das Leben ist ein Traum“, „Der Zauberer“, „Fegefeuer des Heiligen Patrick“.

Calderon hatte in seinen Werken die wunderbare Fähigkeit, ein reales Weltbild mit seiner abstrakten, philosophischen Verallgemeinerung zu verbinden. Die Parallelen sind leicht zu erraten, besonders leicht zu erraten, weil ich geschrieben habe, wenn nicht über das Thema des Tages, dann. zumindest auf die Probleme, die die Gesellschaft beunruhigten, und schilderte tragische Widersprüche und andere Probleme in der Gesellschaft.

Haltung im Barockstil: Pessimismus(Das Leben ist voller Probleme, es ist im Allgemeinen ein Traum, außerdem widersprechen sich diese Probleme auch), aber mit Merkmalen n Neostoizismus(Jeder erinnerte sich schnell an die Philosophie!). Ihr Leben ist chaotisch, illusorisch, unvollkommen. („Was ist Leben? Wahnsinn, ein Fehler. Was ist Leben? Die Täuschung des Schleiers. Und der beste Moment ist der Irrtum, denn das Leben ist nur ein Traum und Träume sind nur Träume“). Das Leben ist eine Komödie, das Leben ist ein Traum. Allerdings ist die Formel für den Dichter nicht absolut und gilt nicht für die Liebe.

Zweifel an irdischen Werten Und Verlangen nach dem Übersinnlichen in Calderons Drama werden durch theologischen Dogmatismus erklärt und waren im 17. Jahrhundert in Spanien weit verbreitet. Verlust des Vertrauens in die historische Perspektive und ein Gefühl des Chaos in der Welt.Gefühl tragische Lebensstörung Das Thema, das sich durch die Stücke zieht, macht bereits in den ersten Versen deutlich, mit welcher Beharrlichkeit die Idee „Das Leben ist ein Traum“ verfolgt wird. Das gleiche tragische Gefühl erklärt das erhöhte Bewusstsein der „Geburtsschuld“ – der Sündhaftigkeit des Menschen. Gleichzeitig brachte Calderon seine barocke Philosophie hervor Bereitschaft, sich einem schwierigen Schicksal mutig zu stellen, bedeutete nicht unbedingt eine Unterwerfung unter die Vorsehung. Vom Beginn des Dramas an taucht neben dem Thema der Unordnung der Welt, der Schuld der Geburt, auch das Thema der Rebellion auf, das im Monolog des von seinem Vater im Turm eingesperrten Segismundo energisch zum Ausdruck kommt („... Und mit einem expansiveren Geist, / Brauche ich weniger Freiheit?“)

Es hängt nur von der Person ab, wie sie ihre Rolle in diesem Lebenstheater spielen wird. Es ist nicht die göttliche Vorsehung, die einem Menschen hilft, seine Rolle gut oder schlecht zu spielen, sondern ein Geist, der sich dem Chaos des Lebens stellt, auf dem Weg zur Wahrheit. Er sieht im Geist eine Kraft, die einem Menschen helfen kann Leidenschaften zügeln. In Dramen zeigt er Schmerzhaftes das Hin und Her dieses Geistes, der erschöpft ist, Ordnung in dieses Chaos zu bringen. Das Leben ist Bewegung, ein scharfes Aufeinandertreffen von Kontrasten. Trotz seines Klerus und seines Studiums als Theologe ruft er nicht zur Demut auf, da ihm, wie ich wiederhole, Konformismus fremd ist, sondern er ruft zur Beharrlichkeit auf, lobt die Willenskraft, im Allgemeinen steht er den frühen theologischen Ansichten nahe. Sogar in „Der standhafte Fürst“ (1629), wo religiöse und absolutistische Gefühle bis zum Fanatismus getrieben zu sein scheinen, denkt Calderon in universelleren Begriffen als der Katholizismus. Menschen unterschiedlichen Glaubens können zusammenarbeiten.

Die Pläne der Helden werden auf den ersten Blick durch etwas durchkreuzt unerklärlich, aber tatsächlich ziemlich materiell (wie in Das Leben ist ein Traum).

Im Vergleich zum Klassizismus bietet das Drama „Life is a Dream“. mehr Raum für Emotionen und Fantasie. Seine Form ist frei, und der Bühnenraum ist nicht weniger offen zur Unendlichkeit als in „Der standhafte Prinz“. Nicht umsonst waren die Romantiker von solchen Beispielen der Darstellung eines Menschen im Angesicht der Unendlichkeit so fasziniert. Der gegenreformatorischen Ideologie der spirituellen Gewalt stand nicht die Selbstverständlichkeit der Korrektheit harmonisch entwickelter, edler Menschen voller Vitalität, körperlicher und geistiger Schönheit entgegen, wie bei Shakespeare oder Lope, sondern ein entschlossener Wille in der Niederlage, ein verwirrter und suchender Intellekt.

Calderons philosophisches Drama zeigt die Tiefe des spirituellen und intellektuellen Lebens eines Mannes aus dem 17. Jahrhundert, seines der Wunsch, das Meer der Probleme zu durchbrechen Finden Sie einen Weg aus dem schrecklichen Labyrinth des Schicksals.

4. Calderons Ehrendramen

Das Problem der Ehre war vielen Dramen des 16.-17. Jahrhunderts gemeinsam (in Spanien war dieses Problem sehr akut, da im Zusammenhang mit der Reconquista eine große Anzahl von „Caballeros“ („Reitern“), Rittern, die sich auf den Weg zur Rückeroberung machten Spanische Länder von den Mauren; nach der Rückkehr von den Feindseligkeiten brachten diese Leute und ständiges Verlangen und die Bereitschaft, bis zum Tod zu kämpfen, und hohe Vorstellungen von der Ehre, die sie angeblich in Schlachten erlangten – was in der spanischen High Society zur Praxis häufiger Duelle führte) und Calderons Lehrbuch „Geschichte der ausländischen Literatur des 17. Jahrhunderts“ Neben Komödien über die Liebe (Dama – unsichtbar) und philosophischen Dramen (Das Leben ist ein Traum) stechen vor allem Dramen über die Ehre hervor: „Der Arzt seiner Ehre“ (die Frage der ehelichen Ehre), „Der standhafte Prinz“ (Ehre als Ich). -Respekt, Loyalität gegenüber der Idee (Bewahrung der Festung Ceuta für Spanien)), „Die Alcalde von Salamea“ (Ehre als Würde aller Menschen, die aus der Tugend erwächst und nicht nur Adligen innewohnt) usw. Von den aufgeführten: nur die ersten beiden Dramen dürften uns bekannt sein.

In „Der Doktor seiner Ehre“ ist Ehre praktisch ein Lebewesen (Gutierre sagt: „Wir beide, Ehre, bleiben übrig“), ein Totem, dessen Bewahrung zur höchsten Pflicht erklärt wird (entehrt, wie er sagt). glaubt, dass Don Gutierre zweifellos seine vermeintlich schuldige Frau durch fremde Hände töten wird), Handlungen im Rahmen ihres Schutzes - sogar Mord! - als legal anerkannt werden (der König, der vom Friseur über den Mord informiert wurde, bestraft Don Gutierre nicht, außerdem heiratet er Dona Leonor für ihn, und am Ende des Dramas kommt es zu folgendem Dialog zwischen den verheirateten Ehegatten: ( Don Gutierre) Aber denk dran, Leonor, / Meine Hand ist mit Blut gewaschen.(Dona Leonor) Ich bin weder überrascht noch verängstigt. (Don Gutierre) Aber ich war ein Arzt zu meiner Ehre, / Und ich habe die Heilung nicht vergessen.(Dona Leonor) Denken Sie daran, wenn nötig.(Don Gutierre) Ich akzeptiere diese Bedingung. Scheinbar ist es niemandem peinlich, was passiert ist – Töten im Namen der Wahrung der Ehre wird als selbstverständlich angesehen und die „Jungen“ werden überredet, sich auch in Zukunft an diese Regel zu halten. Darüber hinaus ist das Aussehen wichtig (Don Gutierre, der ohnehin von schrecklicher Eifersucht geplagt wird, spricht vor dem König von seiner Frau als Vorbild der Unschuld und der Abwesenheit jeglichen Verdachts in ihrer Beziehung) und die Einleitung von Schutzmaßnahmen Ehre, es reicht nicht einmal das Verbrechen selbst, sondern der Verdacht, der kleinste Blick: Dona Mencia, nicht aus Liebe verheiratet, sondern ihrem Ehemann Don Gutierre treu, weist die Annäherungsversuche ihres geliebten Don Enrique auf jede erdenkliche Weise beiseite die Vergangenheit; Allerdings Gutierres Verdacht, Don Enriques Dolch, der in seinem Haus entdeckt wurde, und Gutierres belauschte, mit Don Enrique Mencia verwechselte Rede seiner Frau an die Infantin, in der sie ihn aufforderte, seine „Angriffe“ einzustellen – all dies plus Mencias von Gutierre entdeckter Brief an die Infantin mit der Bitte, nicht aus dem Land zu fliehen, um keinen Anlass zu Klatsch zu geben, der die Ehre von Mencia und ihrem Ehemann schädigt – genug, damit der Don seine geliebte und verehrte Frau zum Tode verurteilen kann – denn, wie er schreibt seine Frau, die bereits beschlossen hatte, sie zu töten, Gutierre: „Die Liebe betet dich an, die Ehre hasst dich, und deshalb tötet dich einer und der andere informiert dich.“ Aber selbst Mencia selbst, die im Sterben liegt, wie Ludovico, der ihre Adern öffnete, ihre Worte zum Ausdruck bringt, gibt ihrem Mann nicht die Schuld für das, was passiert ist.

Die Ehre erscheint in diesem Drama als furchterregender Tyrann, dessen Macht von allen anerkannt wird und der auch alle Maßnahmen zu ihrer Erhaltung und ihrem Schutz sanktioniert.

Es ist wichtig anzumerken, dass solche Praktiken, die ungestrafte Ermordung von Ehefrauen, in Wirklichkeit kein konstantes Phänomen waren (Chroniken beweisen dies), d. h. Drama ist kein Abbild des Typischen. Vielmehr dient es dazu, den kritischen Zustand der Starrheit und Unnachgiebigkeit im Verständnis edler Ehre widerzuspiegeln.

Dem „standhaften Prinzen“ Don Fernando und dem muslimischen Feldherrn Muley ist das Wort Ehre gleichermaßen geläufig und verständlich – und das vereint zwei Helden aus gegensätzlichen Welten – der strengen und klaren, sonnigen katholischen Welt Spaniens, deren Missionare die ankommenden Truppen sind später von Don Fernando angeführt - mit König Alfonso, und der mysteriösen und schönen „nächtlichen“ muslimischen Welt. Und vom Moment ihrer ersten Begegnung an – Don Fernando gewinnt ein Duell auf dem Schlachtfeld von Muley, lässt ihn aber nach den Regeln der Ehre frei, was den echten Respekt der Mauren hervorruft – und später – als Muley Don Fernando anvertraut wird, wer tatsächlich zum Tode verurteilt wurde, - Helden wie sie würden darum wetteifern, wer mehr Respekt vor der Ehre zeigen würde, wer sie mehr verdient. In dem Streit zwischen dem Mauren und dem Infanten, in dem Muley einerseits dem Infanten anbietet, aus dem Gefängnis zu fliehen, damit er, Muley, dem König von Fetz mit seinem Kopf für die Flucht des Gefangenen antworten muss, und so weiter Andererseits sagt das Kind Muley, er solle keine Versuche unternehmen, ihn zu befreien, und den Rest seines Lebens glücklich mit seinem geliebten Phönix leben – es ist Fernando, der den Streit gewinnt, und es gibt kein Entrinnen, also opfert der spanische Prinz sein Leben Freiheit und Leben für das Glück seines Freundes. Darüber hinaus trägt der Geist des Prinzen nach dem Tod zur Erfüllung des Ziels dieses Opfers bei – er vereint dennoch Muley und Phoenix in der Ehe.

Aber das Engagement für die höchste Ehre spiegelt sich nicht nur darin wider: Don Fernando opfert sein Leben und weigert sich, ein Lösegeld für Ceuta zu werden, das den Christen gehört (er zerreißt einen Brief von König Alfonso an König Fetz, in dem er ein ähnliches „Handel“ anbietet). “ und weigert sich, sein Leben weiter gegen Ceuta einzutauschen, wofür er unter unerträglichen Bedingungen ins Gefängnis geworfen wird), denn der Säugling gibt sein Leben im Namen einer Idee, dem Triumph der „sonnigen“ christlichen Welt, und damit er lebt unter schwierigsten Bedingungen und stirbt, ohne sein bitteres Schicksal zu bereuen.

In „The Alcalde of Salamey“, geschrieben mit erheblichen Veränderungen, basierend auf dem Werk von Lope de Vega, erscheint Ehre als die Fähigkeit zu Tugend, moralischer Reinheit und Unschuld, die einigen Adligen fehlt (im Gegensatz zu der Meinung, dass „Ehre“ weitergegeben wird). nur durch Erbschaft in einer Adelsfamilie), die aber besitzen und einfache Leute, zum Beispiel der Bauer Pedro (Alcalde – so etwas wie ein Häuptling-Richter), dessen Tochter von einem vorbeikommenden Armeehauptmann die Ehre gestohlen wird. Ehre erscheint im Verständnis von Calderon in „Alcalde“ als das höchste Gut, um sie seiner Tochter zurückzugeben, und dafür ist der Kapitän verpflichtet, sie, den Bauern Pedro, zu heiraten, da er Ehre als großen moralischen Schatz ansieht Er ist bereit, sein gesamtes Eigentum dem Kapitän zu übergeben, und wenn dies nicht ausreicht, dann übergibt er sich und seinen Sohn in die Sklaverei. Im Namen der Ehre, deren Vorhandensein unter den Bauern von einigen negativen Charakteren des Dramas bestritten wird, ist Pedro bereit, alle materiellen Vorteile und sogar die Freiheit zu opfern.

Französische Geschichte Literatur/ A.L. Stein, M.N. Chernevich, M.A. Yakhontova. - M., 1988. Leser 1. Artamonov, S.D. AusländischLiteratur17 -18 bb.: Leser; lehrreich...

Kommentiertes Programm der Disziplin/Modul „Geschichte der ausländischen Literatur“

Disziplinprogramm

GeschichteausländischLiteratur17 -18 bb GeschichteausländischLiteratur XVII-XVIII bb

Kommentiertes Programm der Disziplin/Modul „Geschichte der ausländischen Literatur“ (1)

Lösung

Zerstörung des optimistischen Modells. Besonderheiten des Austauschs GeschichteausländischLiteratur17 -18 bb. (10 Stunden) Thema 1. Barocke Poetik in... Moskauer Staatsuniversität. Ser. 9. 1995. Nr. 1. Melikhov O. V. GeschichteausländischLiteratur XVII-XVIII bb. Methodische Anleitung. M., 1968. Mering...