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ITALIENISCHES THEATER. Die Theaterkunst Italiens mit ihren Ursprüngen geht auf zurück Volksrituale und Spielen bis hin zu Karneval, kultischen Gesängen und Tänzen rund um den natürlichen Kreislauf und die ländliche Arbeit. Die Maispiele waren reich an Liedern und dramatischer Action. , von einem lodernden Feuer gehalten, das die Sonne symbolisiert. Ab Mitte des 13. Jahrhunderts Lauda entsteht in Umbrien (Lauda) , eine Art quadratisches Spektakel, -religiöse Lobgesänge, die allmählich eine dialogische Form annahmen. Die Handlungen dieser Aufführungen waren hauptsächlich Szenen des Evangeliums - die Verkündigung, die Geburt Christi, die Taten Christi ... Unter den Komponisten von Lobpreisen stach der toskanische Mönch Jacopone da Todi (1230-1306) hervor. Sein bekanntestes Werk Klage der Madonna. Laudas dienten als Grundlage für die Entstehung sakraler Darbietungen (sacre rappresentazioni), die im 14.-15. Jahrhundert entwickelt wurden. (ursprünglich auch in Mittelitalien), ein mysteriöses Genre, das in den Ländern Nordeuropas verbreitet ist. Der Inhalt sakraler Darstellungen orientierte sich an den Handlungen des Alten und Neuen Testaments, in denen märchenhafte und realistische Motive hinzugefügt wurden. Die Aufführungen wurden auf einem Podium gespielt, das auf dem Stadtplatz installiert war. Die Szene wurde nach dem akzeptierten Kanon gebaut - unten ist „Hölle“ (das offene Maul eines Drachen), oben ist „Paradies“ und dazwischen sind andere Handlungsszenen – „Berg“, „Wüste“ , „Königlicher Palast“ usw. Einer der bekanntesten Autoren dieses Genres war Feo Belcari - Darstellung von Abraham und Isaak (1449), Johannes in der Wildnis(1470) ua Auch der Herrscher von Florenz, Lorenzo Medici, verfasste heilige Darstellungen.

1480 schrieb der junge Hofdichter und Antikenkenner Angelo Poliziano (1454–1494) im Auftrag von Kardinal Francesco Gonzaga ein Hirtendrama, das auf der Handlung eines antiken griechischen Mythos basiert. Die Legende von Orpheus. Dies war das erste Beispiel einer Berufung auf die Bilder der Antike. Mit einem Stück von Poliziano, durchdrungen von einem heiteren, heiteren Gefühl, beginnt das Interesse an mythologischen Stücken und allgemein die Faszination für die Antike.

Das italienische Literaturdrama, mit dem die Geschichte der westeuropäischen Dramaturgie der Renaissance beginnt, basierte in seiner Ästhetik auf den Erfahrungen der antiken Dramaturgie. Die Komödien von Plautus und Terenz bestimmten für die italienischen humanistischen Dramatiker die Themen ihrer Werke, die Komposition der Figuren und die kompositorische Struktur. Sehr wichtig hatte Aufführungen lateinischer Komödien durch Schüler und Studenten, insbesondere in Rom unter der Leitung von Pomponio Leto in den 1470er Jahren. Unter Verwendung traditioneller Plots führten sie neue Charaktere, moderne Farben und Einschätzungen in ihre Kompositionen ein. Sie machten das wirkliche Leben zum Inhalt ihrer Stücke und die Charaktere ihres zeitgenössischen Menschen. Der erste Komiker der Neuzeit war der große Dichter der italienischen Spätrenaissance Ludovico Ariosto. Seine Stücke sind voll von realistischen Bildern, scharfen satirischen Skizzen. Er wurde zum Begründer der italienischen Nationalkomödie. Von ihm geht die Entwicklung der Komödie in zwei Richtungen aus - rein unterhaltsam ( calandria Kardinal Bibiena, 1513) und eine satirische von Pietro Aretino ( Hofmanieren, 1534, Philosoph, 1546), Giordano Bruno ( Leuchter, 1582) und Niccolo Machiavelli, der die beste Komödie seiner Zeit schuf - Alraune(1514). Im Allgemeinen waren die dramatischen Schriften der italienischen Komödianten jedoch unvollkommen. Nicht umsonst hieß die ganze Regie "Gelehrte Komödie" (commedia erudita).

Gleichzeitig mit Literarische Komödie kommt Tragödie. Die italienische Tragödie brachte keinen großen Erfolg. Viele Stücke dieses Genres wurden komponiert, sie enthielten schreckliche Geschichten, kriminelle Leidenschaften und unglaubliche Grausamkeiten. Sie wurden "Tragödien des Grauens" genannt. Das erfolgreichste Werk des Genres - Sofonisba G. Trissino, in Blankvers geschrieben (1515). Trissinos Erfahrung wurde weit über die Grenzen Italiens hinaus weiterentwickelt. Die Tragödie von P. Aretino hatte auch gewisse Vorteile. Horaz (1546).

Die dritte - die erfolgreichste und lebhafteste - Gattung des italienischen Literaturdramas des 16. Jahrhunderts. wurde ein Pastoral, das sich schnell an den Höfen Europas verbreitete (). Das Genre hat einen aristokratischen Charakter angenommen. Sein Geburtsort ist Ferrara. berühmtes gedicht J.Sannazzaro Arkadien(1504), die Verherrlichung des ländlichen Lebens und der Natur als "Ecke der Entspannung", markierte den Beginn der Richtung. bei den meisten Berühmte Werke pastoraler Stahl Amint Torquato Tasso (1573), ein Werk voller wahrer Poesie und Renaissance-Schlichtheit, und treuer Hirte D.-B. Guarini (1585), der sich durch die Komplexität sowohl der Intrigen als auch der poetischen Sprache auszeichnet, wird daher als Manierismus bezeichnet.

Die Trennung des literarischen Dramas vom Publikum trug nicht zur Entwicklung des Theaters bei. Die Bühnenkunst wurde auf dem Platz geboren - in den Aufführungen mittelalterlicher Possenreißer (giullari), Erben der Pantomimen antikes Rom, in lustigen Possendarbietungen. Farce (farsa) wird schließlich im 15. Jahrhundert gebildet. und erwirbt alle Zeichen Volksaufführung- Effektivität, Possenreißer, alltägliche Konkretheit, satirisches Freidenken Die Ereignisse des wirklichen Lebens, die zum Thema einer Farce wurden, wurden zum Witz. Auf anschauliche, groteske Weise verspottete die Farce die Laster der Menschen und Gesellschaft. Die Farce hatte einen großen Einfluss auf die Entwicklung des europäischen Theaters und trug in Italien zur Entstehung einer besonderen Art von Bühnenkunst bei - der improvisierten Komödie.

Bis Mitte des 16. Jahrhunderts. In Italien gab es kein professionelles Theater. In Venedig, das bereits um die Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert in der Herstellung von Brillen aller Art führend war. Es gab mehrere Amateurtheatergemeinschaften. Sie wurden von Handwerkern und Menschen aus den gebildeten Schichten der Gesellschaft besucht. Allmählich begannen sich aus einem solchen Umfeld Gruppen von Semi-Profis zu entwickeln. Die bedeutendste Phase in der Geburt des professionellen Theaters ist mit dem Schauspieler und Dramatiker Angelo Beolco mit dem Spitznamen Ruzzante (1500–1542) verbunden, dessen Werk den Weg für die Entstehung der Commedia dell'arte ebnete. seine Theaterstücke, Anconitanka, Moscheta, Dialoge sind im Repertoire des italienischen Theaters und in der Gegenwart enthalten.

Bis 1570 wurden die künstlerischen Hauptkomponenten des neuen Theaters festgelegt: Masken, Dialekte, Improvisation, Possenreißer. Auch der Name commedia dell'arte, was "professionelles Theater" bedeutet, wurde etabliert. Der Name "Maskenkomödie" ist späteren Ursprungs. Die Charaktere dieses Theaters, der sogenannten. konstante Typen (tipi fissi) oder Masken. Die beliebtesten Masken waren Pantalone, ein venezianischer Kaufmann, der Doktor, ein Anwalt aus Bologna, der die Rollen der Zanni-Diener Brigella, Harlekin und Pulcinella spielte, sowie der Kapitän, Tartaglia, Servettes Magd und zwei Liebespaare. Jede Maske hatte ihre eigene Tracht und sprach ihren eigenen Dialekt, nur die Liebenden trugen keine Masken und sprachen korrektes Italienisch. Die Schauspieler spielten ihre Stücke nach Drehbuch und improvisierten den Text im Laufe des Stücks. Die Aufführungen hatten immer viel Lazzi und Possenreißer. Normalerweise spielte der Schauspieler der Commedia dell'arte sein ganzes Leben lang nur seine Maske. Die bekanntesten Truppen sind Gelosi (1568), Confidenti (1574) und Fedeli (1601). Unter den Darstellern waren viele großartige Schauspieler - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli u.a. Die Kunst des Maskentheaters war nicht nur in Italien, sondern auch im Ausland sehr beliebt. Sie wurden wie in den oberen Schichten der Gesellschaft und dem einfachen Volk bewundert. Die Maskenkomödie hatte einen großen Einfluss auf die Entstehung der Nationaltheater in Europa. Der Niedergang der Commedia dell'arte begann in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts und gegen Ende des 18. Jahrhunderts. sie hört auf zu existieren.

Die Entwicklung von Tragödie, Komödie, Pastoral erforderte ein besonderes Gebäude für ihre Aufführung. Basierend auf dem Studium der antiken Architektur entstand in Italien ein neuartiger geschlossener Theaterbau mit Logenbühne, Zuschauerraum und Rängen. Zur gleichen Zeit im italienischen Theater des 17. Jahrhunderts. Im Bereich Bühnenbild wurde erfolgreich gesucht (insbesondere vielversprechende Kulissen geschaffen), Theatermaschinen entwickelt und verbessert. Sowohl im 12. als auch im 13. Jahrhundert. Im ganzen Land wurden Theater gebaut, die sogenannten. Italienisch (alle „italiana“), die sich dann in ganz Europa ausbreiteten ().

Trotz der wirtschaftlichen und politischen Rückständigkeit zeichnete sich Italien durch den Reichtum und die Vielfalt des Theaterlebens aus. Bis zum 18. Jahrhundert Italien hatte das beste Musiktheater der Welt, in dem zwei Arten unterschieden wurden - ernsthafte Oper und komische Oper (Opernbuff). Es gab ein Puppentheater, überall wurden Aufführungen der Commedia dell'arte aufgeführt. Die Reform des Schauspielhauses brodelt jedoch schon lange. Im Zeitalter der Aufklärung entsprach die improvisierte Komödie nicht mehr den Anforderungen der Zeit. Ein neues, ernsthaftes, literarisches Theater musste her. Die Maskenkomödie konnte in ihrer früheren Form nicht existieren, aber ihre Errungenschaften mussten bewahrt und sorgfältig auf das neue Theater übertragen werden. Dies wurde von Carlo Goldoni durchgeführt. Er führte die Reform sorgfältig durch. Er begann, vollständig geschriebene und literarische Texte einzelner Rollen und Dialoge in seine Stücke einzuführen, und das venezianische Publikum nahm seine Neuerung mit Begeisterung an. Er wandte diese Methode erstmals in der Komödie an Momolo, Seele der Gesellschaft(1738). Goldoni schuf ein Theater der Figuren, indem er Masken, das Drehbuch und im Allgemeinen die Improvisation aufgab. Die Figuren seines Theaters verloren ihren bedingten Gehalt und wurden zu lebendigen Menschen – Menschen ihrer Zeit und ihres Landes, Italien des 18. Jahrhunderts. Goldoni führte seine Reform in einem erbitterten Kampf mit Gegnern durch. Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts ging als Zeit der Theaterkriege in die Geschichte Italiens ein. Ihm gegenüber stand der Abbe Chiari, ein mittelmäßiger Dramatiker und daher nicht gefährlich, aber sein Hauptgegner, ihm an Talent ebenbürtig, war Carlo Gozzi. Gozzi verteidigte das Maskentheater und stellte sich die Aufgabe, die Tradition der spontanen Komödie wiederzubeleben. Und irgendwann schien es ihm gelungen zu sein. Und obwohl Goldoni in seinen Komödien der Improvisation Raum ließ und Gozzi schließlich fast alle seine dramatischen Werke selbst einspielte, war ihr Streit grausam und kompromisslos. Weil die Hauptnerv Konfrontation der beiden großen Venezianer - in der Unvereinbarkeit ihrer gesellschaftlichen Positionen, in unterschiedlichen Welt- und Menschenbildern.

Goldoni war in seinen Werken ein Sprecher der Ideen des Dritten Standes, ein Verteidiger seiner Ideale und Moral. Die ganze Dramaturgie von Goldoni wird mit dem Geist des vernünftigen Egoismus und der Praktikabilität herabgesetzt - Moralvorstellungen Bourgeoisie. Gegen die Propaganda aus der Szene richteten sich solche Ansichten in erster Linie und Gozzi. Er schrieb zehn poetische Geschichten für das Theater, die sogenannten. Fiaba (Fiaba / Märchen). Erfolg Theatergeschichten Gozzi war umwerfend. Und zu ihrem jüngsten Favoriten Goldoni kühlte das venezianische Publikum unerwartet schnell ab. Erschöpft vom Kampf räumte Goldoni die Niederlage ein und verließ Venedig. Doch am Schicksal der italienischen Szene – der Reform – änderte dies nichts nationales Theater war zu diesem Zeitpunkt bereits beendet. Und das Theater Italiens folgte diesem Weg.

Ab Ende des 18. Jahrhunderts in Italien beginnt die Ära des Risorgimento – der Kampf um die nationale Unabhängigkeit, um die politische Einigung des Landes und die bürgerlichen Umwälzungen – die fast ein Jahrhundert dauerte. Die Tragödie wird zum wichtigsten Genre im Theater. Der größte Autor von Tragödien war Vittorio Alfieri. Mit seinem Namen ist die Geburt der italienischen Repertoire-Tragödie verbunden. Fast im Alleingang schuf er eine Tragödie zivilen Inhalts. Als leidenschaftlicher Patriot, der von der Befreiung seines Heimatlandes träumte, widersetzte sich Alfieri der Tyrannei. Alle seine Tragödien sind vom heroischen Pathos des Freiheitskampfes durchdrungen.

Die Ära des Risorgimento brachte eine neue künstlerische Richtung zum Leben - die Romantik. Formal fiel sein Erscheinen mit der Wiederherstellung der österreichischen Herrschaft zusammen. Kopf und Ideologe der Romantik war der Schriftsteller Alessandro Manzoni. Die Originalität der Theaterromantik in Italien in ihrer politischen und nationalpatriotischen Ausrichtung. Der Klassizismus galt als Ausdruck der österreichischen Orientierung, einer Richtung, die nicht nur Konservativismus, sondern auch ein fremdes Joch bedeutete, und die Romantik vereinte die Opposition. Fast alle Schöpfer des italienischen Theaters folgten in ihrem Leben den Idealen, die sie verkündeten: Sie waren wahre Märtyrer der Idee - sie kämpften auf den Barrikaden, waren in Gefängnissen, ertrugen Not, lebten lange Zeit im Exil. Unter ihnen sind G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari und andere.

Der Held der Romantik ist eine starke Persönlichkeit, ein Kämpfer für Gerechtigkeit und Freiheit und nicht so sehr für persönliche Freiheit als für universelle Freiheit - die Freiheit des Mutterlandes. Die damalige Aufgabe bestand darin, alle Italiener im Kampf für eine gemeinsame Sache zu sammeln. Daher treten soziale Probleme in den Hintergrund und bleiben unbemerkt. Auch Fragen der eigentlichen Form interessierten die italienischen Romantiker weitaus weniger. Einerseits leugneten sie die strengen Regeln des Klassizismus und beteuerten ihr Festhalten an freien Formen, andererseits waren die Romantiker in ihrer Arbeit noch stark von der klassizistischen Ästhetik abhängig. Die Hauptinspirationsquelle für romantische Dramatiker sind Geschichte und Mythologie; Die Handlungen wurden aus heutiger Sicht interpretiert, so dass die Aufführungen meist einen scharfen politischen Unterton annahmen. Die besten Tragödien sind Kai Gracchus V.Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), ajax W. Foscolo (1811), Graf von Carmagnoll(1820) u Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) u Arnold Brescian(1843) D. B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Die Stücke orientieren sich weitgehend an klassizistischen Vorbildern, sind aber voller politischer Anspielungen und tyrannischen Pathos. Den größten Erfolg hatte die Tragödie von Silvio Pellico Francesca von Rimini (1815).

Die heroische Tragödie in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts weicht dem Melodrama. Neben der Komödie erfreute sich das Melodram großer Beliebtheit beim Publikum. Der erste Dramatiker war Paolo Giacometti (1816–1882), der etwa 80 Werke für das Theater schrieb. Seine besten Stücke: Elisabeth, Königin von England (1853), Judith(1858) und eines der bekanntesten Melodramen des 19. Jahrhunderts. Ziviler Tod(1861). Die Dramaturgie von Giacometti ist bereits völlig vom Klassizismus befreit, seine Stücke kombinieren frei die Merkmale von Komödie und Tragödie, sie haben realistisch umrissene Charaktere, sie haben Rollen, also nahmen die Theater sie bereitwillig auf, um sie zu inszenieren. Paolo Ferrari (1822–1889), ein produktiver Dramatiker und Nachfolger der Traditionen von Carlo Goldoni, stach auch unter den Komikern hervor. Seine Stücke verließen die Bühne erst gegen Ende des Jahrhunderts. Seine beste Komödie Goldoni und seine sechzehn neuen Komödien(1853) wird weiterhin in Italien aufgeführt.

In den 1870er Jahren entstand in einem siegreichen und vereinten Italien eine neue künstlerische Bewegung, Verismo. Die Theoretiker des Verismo, Luigi Capuana und Giovanni Verga, argumentierten, dass der Künstler nur Tatsachen darstellen, das Leben ohne Ausschmückung zeigen, unparteiisch sein und sich seiner Einschätzungen und Kommentare enthalten sollte. Die meisten Dramatiker befolgten diese Regeln sehr streng, und vielleicht war es das, was ihren Schöpfungen das wahre Leben nahm. Die besten Werke aus der Feder von D. Verga (1840–1922) stammen, verletzte er häufiger als andere die Vorschriften der Theorie. Zwei seiner Theaterstücke ländliche Ehre(1884) u Wölfin(1896) gehören heute zum Repertoire italienischer Theater. Die Stücke sind meisterhaft gemacht. Genre ist Tragödie. Volksleben. Sie zeichnen sich durch einen starken dramatischen Nerv, Strenge und Zurückhaltung der Ausdrucksmittel aus. 1889 schrieb P. Mascagni eine Oper ländliche Ehre.

Ende des 19. Jahrhunderts ein Dramatiker erscheint, dessen Ruhm die Grenzen Italiens überschreitet. Gabriele D "Annunzio schrieb anderthalb Dutzend Theaterstücke, die er Tragödien nannte. Alle wurden übersetzt Europäische Sprachen. Um die Jahrhundertwende war D'Annunzio ein sehr beliebter Dramatiker, dessen Dramaturgie üblicherweise dem Symbolismus und der Neoromantik zugeordnet wird, obwohl sie auch Züge des Neoklassizismus aufweist: Veristische Motive werden mit Ästhetizismus kombiniert.

Insgesamt waren die Leistungen der Dramaturgie jedoch mehr als bescheiden; Italienisch 19. Jahrhundert blieb in der Geschichte des Theaters als ein Jahrhundert der Schauspielerei. Große Tragödien brachten keine großen dramaturgischen Werke hervor. Aber das tragische Thema im Theater ertönte trotzdem, wurde gehört und aufgenommen Weltanerkennung. Es geschah in der Oper (Giuseppe Verdi) und in der Kunst der großen italienischen Tragiker. Ihrem Erscheinen ging eine Theaterreform voraus.

Der dem Klassizismus nahe stehende Schauspielertyp blieb lange Zeit im italienischen Theater: darstellende Künste blieben in der Gefangenschaft von Deklamation, Rhetorik, kanonischen Haltungen und Gesten. Die Bühnenkunstreform, die an Bedeutung mit der von Carlo Goldoni gleichkommt, wurde Mitte des Jahrhunderts von dem brillanten Schauspieler und Theaterdirektor Gustavo Modena (1803–1861) durchgeführt. In vielerlei Hinsicht war er seiner Zeit voraus. Modena brachte einen Mann auf die Bühne mit all seinen Zügen, natürlicher Sprache, "ohne Lackierung, ohne Cothurns". Er schuf einen neuen Schauspielstil, dessen Hauptmerkmale Einfachheit und Wahrheit waren. In seinem Theater wurde dem Ministerpräsidentenamt der Kampf angesagt, es gab eine Tendenz zur Abkehr von einer starren Rolle, erstmals stellte sich die Frage nach einem Schauspielensemble. Der Einfluss von Gustavo Modena auf seine Zeitgenossen war enorm.

Adelaide Ristori (1822-1906) war keine Schülerin Modenas, betrachtete sich aber als eng mit seiner Schule verbunden. Als erste große tragische Schauspielerin, deren Kunst außerhalb Italiens anerkannt wurde, war sie eine wahre Heldin ihrer Zeit, die ihr patriotisches revolutionäres Pathos zum Ausdruck brachte. In der Geschichte des Theaters blieb sie die Darstellerin mehrerer tragischer Rollen: Francesca ( Francesca von Rimini Pellico), Mirra ( Myrrhe Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Maria Stuart Schiller). Ristori wurde von Charakteren angezogen, die stark, solide, heldenhaft und voller großer Leidenschaften waren. Die Schauspielerin nannte ihren Stil realistisch und schlug den Begriff „farbenfroher Realismus“ vor, der sich auf „italienische Begeisterung“, „feuriger Ausdruck von Leidenschaften“ bezog.

Das Gegenteil von Ristori war Clementine Cazzola (1832-1868), eine romantische Schauspielerin, die Bilder von feinster Lyrik und psychologischer Tiefe schuf, sie verstand es, Charaktere zu komplex zu machen. Sie konfrontierte Ristori, der immer die Hauptcharaktereigenschaft der Figur an die Oberfläche brachte. Im italienischen Theater gilt Cazzola als Vorläufer von E. Duse. Zu ihren besten Rollen gehören Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier ( Dame mit Kamelien Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvrere Scribe), sowie die Rolle der Desdemona ( Othello Shakespeare), das sie zusammen mit ihrem Ehemann T. Salvini, dem großen Tragiker, spielte.

Tommaso Salvini, ein Schüler von G. Modena und L. Domeniconi, einem der prominentesten Vertreter der Bühnenklassik. Der Schauspieler ist nicht interessiert ein gewöhnlicher Mensch, sondern ein Held, dessen Leben einem hohen Ziel gewidmet ist. Er stellte das Schöne über die weltliche Wahrheit. Er hob das Menschenbild hoch. Seine Kunst verband auf organische Weise das Große und das Gewöhnliche, das Heroische und das Alltägliche. Er verstand es meisterhaft, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit zu kontrollieren. Er war ein Schauspieler mit starkem Temperament, ausgeglichen durch einen starken Willen. Das Bild von Othello ( Othello Shakespeare) - die höchste Schöpfung von Salvini, "ein Denkmal, ein Denkmal, ein Gesetz für alle Zeiten" (Stanislavsky). Othello spielte er sein ganzes Leben lang. Zu den besten Werken des Schauspielers gehören auch die Hauptrollen in Theaterstücken. Weiler, König Lear, Macbeth Shakespeare sowie die Rolle des Corrado in dem Stück Ziviler Tod Giacometti.

Das Werk eines anderen brillanten Tragikers, Ernesto Rossi (1827–1896), repräsentiert bereits eine andere Etappe in der Entwicklung der darstellenden Künste in Italien. Er war der beliebteste und beständigste Schüler von G. Modena. In jeder Figur versuchte Rossi, keinen idealen Helden zu sehen, sondern nur eine Person. Als subtilster psychologischer Schauspieler konnte er gekonnt die innere Welt zeigen und die kleinsten Nuancen des Charakters der Figur vermitteln. Shakespeares Tragödien sind die Grundlage von Rossis Repertoire, er widmete ihnen 40 Jahre seines Lebens und spielte in ihnen bis zum letzten Tag. Dies sind die Hauptrollen in den Stücken Weiler, Romeo und Julia, Macbeth, König Lear, Koriolan, Richard III, Julius Caesar, Der Kaufmann von Venedig. Er spielte auch in den Stücken von Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, spielte in den kleinen Tragödien von Puschkin und Iwan der Schreckliche im Drama von A. K. Tolstoi. Als realistischer Künstler, als Meister der Reinkarnation akzeptierte er den Verismus nicht, obwohl er selbst mit all seiner Kunst dessen Erscheinen vorbereitete.

Verismo als künstlerisches Phänomen wurde von Ermette Zacconi (1857–1948) auf der Bühne am umfassendsten zum Ausdruck gebracht. Zacconis Repertoire ist vor allem ein zeitgenössisches Stück. Mit großem Erfolg spielte er in den Werken von Ibsen, A. K. Tolstoi, I. S. Turgenjew, Giacometti ... Seine ältere Zeitgenossin Ermette Novelli (1851–1919), eine vielseitige Schauspielerin, eine brillante Komikerin, war ebenfalls eine bedeutende Figur. Sein kreativer Stil umfasste alles von Comedy dell'arte bis hin zu großer Tragödie und Naturalismus.

Die bedeutendste tragische Schauspielerin der Jahrhundertwende war die legendäre Eleonora Duse. Die dünnste psychologische Schauspielerin, deren Kunst mehr zu sein schien als die Kunst der Reinkarnation.

19. Jahrhundert - die Blütezeit der Dialektkultur. Es erhält die größte Entwicklung in Sizilien, Neapel, Piemont, Venedig, Mailand. Das Dialekttheater ist die Idee der Commedia dell'arte, es hat ihr viel abverlangt: die improvisatorische Natur des Spiels nach einem vorgefertigten Szenario, die Liebe zum Possenreißer, Masken. Die Aufführungen wurden im lokalen Dialekt aufgeführt. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts die dialektische Dramaturgie begann gerade, sich zu behaupten Literarische Grundlage. Das damalige Mundarttheater war in erster Linie ein Schauspieltheater. Der Sizilianer Giovanni Grasso (1873-1930), ein "primitiver Tragiker", ein Schauspieler von spontanem Temperament, ein brillanter Darsteller blutiger Melodramen, war nicht nur in Italien, sondern auch im Ausland bekannt. Der Nordländer Edoardo Ferravilla (1846-1916), ein brillanter Komiker, Autor und Interpret seiner Texte, hatte großen Erfolg. Antonio Petito (1822-1876) ist die legendärste Figur des neapolitanischen Theaters, ein brillanter Improvisator, der in der Technik der Commedia dell'arte arbeitete, ein unübertroffener Darsteller der Pulcinella-Maske. Sein Schüler und Nachfolger Eduardo Scarpetta (1853-1925), ein brillanter Schauspieler, "der König der Komiker", der Schöpfer seiner Maske Felice Xoshamocchi, ein berühmter Dramatiker. Seine beste Komödie Die Armen und der Adel (1888).

20. Jahrhundert.

Frühes 20. Jahrhundert ging als Zeit der Theaterrevolution in die Geschichte der darstellenden Künste ein. In Italien übernahmen die Futuristen die Rolle der Erneuerer der Szene. Ihr Ziel ist es, die Kunst der Zukunft zu schaffen. Futuristen leugneten das existierende akademische Theater theatralische Genres, versuchte, den Schauspieler aufzugeben oder seine Rolle auf eine Marionette zu reduzieren, auch das Wort aufzugeben und es durch plastische Kompositionen und Szenografie zu ersetzen. Sie betrachteten das traditionelle Theater als statisch und glaubten, dass es im Zeitalter der Maschinenzivilisation vor allem auf Bewegung ankomme. Die prominentesten Persönlichkeiten des Futurismus waren F. T. Marinetti (1876–1944) und A. J. Bragaglia (1890–1961). Ihre Theatermanifeste: Varieté-Theater-Manifest(1913) u Manifest des futuristischen Synthetischen Theaters(1915) haben bis heute nicht an Bedeutung verloren. Die Dramaturgie der Futuristen basiert hauptsächlich auf den Werken von Marinetti, den sogenannten Synthesen (kurze Szenen, die oft ohne Worte aufgeführt werden). Die Szenografie ist von größtem Interesse: Die besten Künstler dieser Zeit arbeiteten im futuristischen Theater: J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Das Theater der Futuristen war beim Publikum nicht erfolgreich: Die Aufführungen erregten oft Empörung und gingen nicht selten mit Skandalen einher. Die Rolle der Futuristen wurde erst später – in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts – deutlich: Damals wurden ihre Ideen weiterentwickelt. Zusammen mit den sog. Mit den „Dramatikern der Groteske“ und Dramatikern der „Dämmerung“ bereiteten die Futuristen den Auftritt der größten Figur des Theaters des 20. Jahrhunderts vor. L. Pirandello. Von großer Bedeutung in den Jahren 1920–1930 war die Tätigkeit ausländischer Regisseure: Dies sind die Produktionen von M. Reinhardt, V.I. (1896–1975), der Italienern das Russische vorstellte Theaterschule und die Lehren von Stanislawski.

Luigi Pirandello begann 1910 mit dem Schreiben für das Theater. In den ersten Stücken, die dem Leben in Sizilien gewidmet und im sizilianischen Dialekt geschrieben waren, ist der Einfluss des Verismo deutlich zu spüren. Die Hauptthemen seiner Arbeiten sind Illusion und Wirklichkeit, Gesicht und Maske. Er geht davon aus, dass alles in der Welt relativ ist und es keine objektive Wahrheit gibt.

Andere bedeutende Schauspieler dieser Zeit sind Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) und die Gramatika-Schwestern: Irma (1870–1962) und Emma (1875–1965). Von den Dramatikern Sem Benelli (1877–1949), Autor des Repertoirestücks Abendessen der Witze(1909) und Hugo Betti (1892–1953), dessen bestes Stück Korruption im Justizpalast(1949).

Zwischen den beiden Weltkriegen nahm das Dialekttheater einen bedeutenden Platz in der Kultur Italiens ein (obwohl die Politik des faschistischen Staates darauf abzielte, Dialekte zu unterdrücken). Besonders erfolgreich Neapolitanisches Theater. Seit 1932 wurde das Humoristische Theater der Gebrüder De Filippo in Betrieb genommen. Die wichtigste Figur jener Zeit war jedoch Raffaele Viviani (1888–1950), ein Mann mit „leidendem Gesicht und funkelnden Vagabundenaugen“, Schöpfer seines eigenen Theaters, Schauspieler und Dramatiker. Vivianis Stücke erzählen vom Leben der gewöhnlichen Neapolitaner, sie enthalten viel Musik und Lieder. Einige seiner besten Komödien sind Toledo-Straße nachts(1918), Neapolitanisches Dorf (1919), Fischer (1924), Der letzte Straßenstreicher (1932).

Die Widerstandszeit und die ersten Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg gingen als zweites Risorgimento in die Geschichte Italiens ein – so einschneidend und unumkehrbar waren die Veränderungen, die sich in allen Bereichen des Lebens und der Kunst vollzogen. Nach Jahren des gesellschaftlichen Stillstands war alles in Bewegung und verlangte nach Veränderung. Und wenn das Theater in den Jahren der faschistischen Diktatur buchstäblich an Lüge, Rhetorik und Wichtigtuerei erstickte (das war die Linie der offiziellen Kunst), hat es jetzt endlich begonnen, menschliche Sprache zu sprechen und sich einer lebenden Person zuzuwenden. Die Kunst des Nachkriegsitaliens überraschte die Welt mit ihrer Aufrichtigkeit. Das Leben, wie es ist, mit all seiner Armut, seinen Kämpfen, Siegen und Niederlagen und einfachen menschlichen Gefühlen, kam auf die Leinwand und Bühne. Nach dem Krieg entwickelte sich das Theater im Einklang mit dem Neorealismus, einer der demokratischsten und humanistischsten Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts. Mundarttheater bekommt einen neuen Atem. Der Neapolitaner Eduardo De Filippo erlangt nationale Anerkennung, und seine Dramaturgie erobert schnell die Bühnen der Welt. Er nannte seine Stücke „inszeniertes wahres Leben“. Seine traurigen Komödien handeln vom Leben, von familiären Beziehungen, von Moral und der Bestimmung eines Menschen, von den Problemen von Krieg und Frieden.

Der Beruf des Regisseurs, der um die Jahrhundertwende im europäischen Theater auftauchte, etablierte sich in Italien erst in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. Der erste Regisseur im europäischen Sinne war Luchino Visconti (1906–1976), ein realistischer Künstler mit ausgeprägtem Sinn für Schönheit, überzeugter Antifaschist und Humanist, der sowohl im Theater als auch im Kino tätig war. Im Visconti-Theater wird die Aufführung als Ganzes verstanden, einem einzigen Plan unterworfen, dem Ministerpräsidenten wird der Kampf angesagt, die Schauspieler lernen, im Ensemble zu arbeiten. Viscontis bedeutendstes Werk in Schauspiel Theater: Verbrechen und Strafe Dostojewski (1946), gläserne Menagerie (1946), Straßenbahn Wunsch T. Williams (1949), Rosalind oder wie es euch gefällt (1948), Troilus und Cressida Shakespeare Orest Alfieri (1949) Gastwirt Goldoni (1952) Drei Schwestern (1952), Onkel Ivan (1956), Der Kirschgarten(1965) Tschechow.

Zuerst Nachkriegsjahre in Europa begann eine Bewegung für zugängliche und verständliche Volkstheater. In Italien verschmolz es mit dem Kampf um stationäre Theater, genannt Stabile (stabil / dauerhaft). Der erste Stabile war das Piccolo Teatro in Mailand, das 1947 von P. Grassi und J. Strehler gegründet wurde. Künstlerisches Theater im Dienst der Gesellschaft – dieser Aufgabe hat sich das Piccolo Teatro gestellt. Im Werk von Strehler liefen mehrere Linien der europäischen Theaterkultur zusammen: nationale Überlieferung Commedia dell'arte, die Kunst des psychologischen Realismus und des epischen Theaters.

In den 1960er und 1970er Jahren erlebte das europäische Theater einen Aufschwung, eine neue Generation von Regisseuren und Schauspielern betrat das italienische Theater. Junge Menschen, die sich am deutlichsten erschöpft fühlen traditionelle Sprache Szenen begannen, einen neuen Raum zu erkunden, anders mit Licht und Ton zu arbeiten, nach neuen Formen der Beziehung zum Publikum zu suchen. In diesen Jahren arbeiteten Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko und Leo De Berardinis aktiv. Die bedeutendsten Persönlichkeiten der Generation der sechziger Jahre: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Sie alle haben viel getan, um die Theatersprache zu bereichern, ihre Entdeckungen finden in der Theaterpraxis breite Anwendung.

Dario Fo ist am meisten prominenter Vertreter politisches Theater. Fo interessiert sich für den Menschen als Gesellschaftstyp, mit hellen, spitzen, übertriebenen Gesichtszügen, platziert in einer akuten, absurden, paradoxen Situation. Er macht ausgiebigen Gebrauch von Volkstheatertechniken wie Improvisation und Possenreißer.

Carmelo Bene (geb. 1937) ist der anerkannte Kopf der italienischen Avantgarde der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Bene wird als großer Schauspieler bezeichnet. Er selbst schreibt, inszeniert und spielt die Hauptrollen in seinen Werken. Sein Werk besteht in der untrennbaren Einheit von Autor, Schauspieler und Regisseur. Bene ist Autor zahlreicher Performances, hauptsächlich basierend auf Werken der Weltliteratur und des Theaters: Pinocchio Kallodi (1961) Faust und Margarete (1966), Salome Wilde (1972) Türkische Gottesmutter Bene (1973) Romeo und Julia (1976), Richard Sch (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979) Macbeth (1983), Weiler(wiederholt einstellen) usw. Das sind alles Eigenkompositionen von Bene, die auf bekannten Werken basieren und ganz entfernt an diese erinnern. Bene verlässt die traditionelle dramatische Form: In seinen Performances gibt es keine Ereignisse, die auf dem Prinzip von Ursache und Wirkung aufgebaut sind, es gibt keine Handlung und keinen Dialog im üblichen Sinne, das Wort wird manchmal durch Ton ersetzt, und das Bild fällt buchstäblich auseinander, wird ein lebloses Objekt oder verschwindet ganz. Requiem for a Man – so könnte man den Hauptinhalt seiner Kunst definieren.

Von den jüngeren, die derzeit erfolgreich im italienischen Theater arbeiten, können wir den Regisseur Federico Tiezzi (1951), den Regisseur und Schauspieler Giorgio Barberio Corsetti (1951) und den Regisseur Mario Martone (1962) nennen, der mehrere Jahre lang leitete das römische Theater "Stabile", das eine Reihe sehr interessanter Aufführungen veranstaltete, darunter die Aufführung Zehn Gebote R. Viviani (2001).

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts das italienische Theater, das zu einem Regietheater geworden ist, hat nicht aufgehört, ein Theater großer Schauspieler zu sein. Die besten Schauspieler des Landes haben immer in den Aufführungen der größten Regisseure gearbeitet. Das gilt für Eduardo de Filippo ebenso wie für Giorgio Strehler und Luchino Visconti ebenso wie für Regisseure der sechziger Jahre, die auf der Welle der Anfechtung ans Theater kamen. Den Kern der Visconti-Truppe bildete das Ehepaar Rina Morelli und Paolo Stoppa, subtile psychologische Schauspieler, die bei all seinen Auftritten im Schauspieltheater mitspielten. Vittorio Gassman hatte auch einen großen Erfolg in den Aufführungen von Visconti (insbesondere in den Aufführungen Orest Alfieri und Troilus und Cressida Shakespeare). Nachdem er Visconti verlassen hatte, spielte Gassman viel im klassischen Repertoire; Am bemerkenswertesten waren seine Leistungen Othello und Macbeth Shakespeare.

In der langen Tradition des italienischen Theaters war die Truppe normalerweise um einen großen Schauspieler (oder eine Schauspielerin) gruppiert, und die Aufführungen wurden normalerweise auf der Grundlage der gegebenen Premiere inszeniert. In einer solchen Theatergruppe war der erste Schauspieler, der Starschauspieler (in Italien Divo oder Mattatore genannt), oft von sehr schwachen Darstellern umgeben.

Seit mehreren Jahrzehnten (bis heute) treten die sehr beliebten Schauspieler Giorgio Albertazzi und Anna Proklemer auf den Bühnen italienischer Theater auf und spielen die Hauptrollen hauptsächlich in Stücken des klassischen Weltrepertoires. Viele sehr berühmte und von der italienischen Öffentlichkeit geliebte Schauspieler arbeiteten viel im Theater verschiedene Generationen, darunter Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, dessen Name heute eines der Theater in Mailand genannt wird. Parenti arbeitete auch am Piccolo Teatro mit Giorgio Strehler. Im Strehler Theater haben schon immer wunderbare Schauspieler gespielt. Das ist Tino Buazzelli, der berühmte Darsteller der Rolle des Galileo in dem Stück Leben von Galileo B. Brecht. Tino Carraro, der viele Jahre die Hauptrollen in Shakespeares Stücken spielte ( König Lear, Sturm), Brecht, Strindberg und andere. Eine herausragende Darstellerin weiblicher Rollen im Regietheater war Valentina Cortese, unter den Gipfeln, deren Arbeit die Rolle von Ranevskaya war Kirschgarten(Produktion 1974). Unter den jüngeren sticht Pamela Villoresi hervor, eine wunderbare Darstellerin weiblicher Bilder in den Komödien von Carlo Goldoni, in den Stücken von Lessing, Marivaux und anderen. letzte Periode Schauspielerin Andrea Jonasson, die dramatische Rollen in den Produktionen von Brecht, Lessing, Pirandello und anderen spielte, wurde zu seiner Muse.Zwei große Darsteller der Harlekin-Maske - Marcello Moretti und Ferruccio Soleri in der legendären Aufführung Harlekin nach der Komödie Goldoni Diener zweier Herren.

Luca Ronconi stellt auch eine Gruppe seiner Schauspieler zusammen. Dies sind vor allem zwei ältere Schauspielerinnen Franka Nuti und Marisa Fabbri, die die Hauptrollen in solchen Aufführungen des Regisseurs spielten Bacchanten Euripides (1978) Geister Ibsen, Letzte Tage der Menschheit Kraus und andere, Mariangela Melato, die mitspielte die besten Werke Regisseur wie z Wütender Roland und orestea. Er arbeitete viel mit Ronconi und Massimo de Francovich zusammen, zu deren größten Erfolgen die Rolle des Lear in dem Stück gehört König Lear, sowie der junge Massimo Popolicio, ein vielseitiger Schauspieler, der Zugang zu Rhythmen, Drama und Komödie hat (großer Erfolg brachte ihm die Rolle zweier Brüder in der Komödie Goldoni Venezianische Zwillinge).

Besonders hervorzuheben sind die Akteure der neapolitanischen Schule. Zu den bekanntesten gehören die älteren Schauspieler Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo und Pupella Maggio, die viel im Theater von Eduardo de Filippo gearbeitet haben. Unter den jüngeren sind die Schauspieler Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone und andere.

Zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts als die Zeit der Renaissance der Bühnenbildkunst in die Geschichte des italienischen Theaters einging. Die besten Künstler haben schon immer mit den besten Regisseuren des Landes zusammengearbeitet. Die hellsten Figuren sind Luciano Damiani und Ezio Frigerio; Ihre Namen stehen auf den Plakaten aller die besten Leistungen Streler. Und das sind auch Enrico Job, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornjakowa

Italien, das der Welt so große Komponisten wie Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini schenkte, ist ein Land der klassischen Musik. Italien hat auch viele Ausländer inspiriert: So schuf beispielsweise Richard Wagner während seines Aufenthaltes in Ravello seinen Parsifal, der dieser Stadt, in der heute die berühmten Musikfestspiele stattfinden, internationale Berühmtheit einbrachte. Die Musical-Saisons öffnen, je nach Theater, von November bis Dezember und sind wichtige Veranstaltung Italienisches und internationales Musikleben. TIO.BY und die italienische nationale Tourismusagentur haben eine Auswahl vorbereitet, welches der vielen italienischen Theater zur Auswahl steht. Wir haben für jedes Theater einen Link zum Programm beigefügt.

La Scala-Theater in Mailand

Einer der meisten berühmte Theater, ohne Zweifel - die Mailänder Scala. Jedes Jahr wird die Saisoneröffnung zu einem hochkarätigen Event berühmte Menschen aus Politik, Kultur und Showbusiness.

Das Theater wurde auf Geheiß der österreichischen Königin Maria Teresa nach dem Brand errichtet, der 1776 das Königliche Theater Reggio Ducale der Stadt zerstörte. Die Jahreszeiten der Mailänder Scala sind eines der wichtigsten Ereignisse im kulturellen Leben Mailands. Das Programm wechselt zwischen Oper und Ballett sowie den Namen italienischer und ausländischer Komponisten.

Das Saisonprogramm finden Sie hier.

Teatro La Fenice in Venedig

Nicht weit hinter der Scala und dem venezianischen Opernhaus La Fenice, das auf dem Platz Campo San Fantin im Viertel San Marco erbaut wurde. Aus dem Italienischen übersetzt heißt das Theater „Phönix“ – gerade weil es nach Bränden zweimal wie ein sagenhafter Phönixvogel aus der Asche wiedergeboren wurde. Letzte Restaurierung endete 2003.

Königliches Theater in Turin

Das Königliche Theater des Teatro Regio in Turin wurde auf Geheiß von Victor Amadeus von Savoyen erbaut. Fassade des Gebäudes XVIII Jahrhundert, zusammen mit anderen Residenzen der Savoyer-Dynastie, ist als UNESCO-Denkmal anerkannt.

Die Opern- und Ballettsaison beginnt im Oktober und endet im Juni, und jedes Jahr finden Sie auf dem Plakat alle Arten von Musikveranstaltungen: Konzerte von Chor und symphonische Musik, Kammermusikabende, Aufführungen im Teatro Piccolo Regio, die für ein neues Publikum und für Familien bestimmt sind, sowie das Festival "MITO - Musikalischer September".

Auch Opern- und Ballettliebhabern bietet Rom viele schöne Begegnungen. Das wichtigste Zentrum der klassischen Musik ist die Oper von Rom, nach ihrem Schöpfer Domenico Costanzi auch Costanzi-Theater genannt. Ein häufiger Gast dieses Theaters, sowie künstlerischer Leiter Saison 1909-1910 war Pietro Mascagni. Ballettliebhaber werden wissen, dass hier am 9. April 1917 die italienische Erstaufführung des Balletts Der Feuervogel von Igor Strawinsky stattfand, aufgeführt von den Künstlern der russischen Balletttruppe Sergei Diaghilev.

Auf dem Programm dieses Theaters stehen viele Opernaufführungen, aber auch dem Ballett wird große Aufmerksamkeit geschenkt.
Wenn die Wintersaison der Oper von Rom im alten Gebäude an der Piazza Beniamino Gigli stattfindet, ist dies seit 1937 der Veranstaltungsort für die Sommersaison offener Himmel wurde zu einem atemberaubenden archäologischen Komplex der Caracalla-Thermen . Opernaufführungen, die auf dieser Bühne aufgeführt werden, sind ein großer Erfolg beim Publikum, insbesondere bei Touristen, die von der Kombination dieses wunderbaren Ortes mit Opernaufführungen begeistert sind.

Teatro San Carlo in Neapel

Das bedeutendste Theater der Region Kampanien ist natürlich das Teatro San Carlo in Neapel, das 1737 auf Geheiß von König Karl der Bourbonen-Dynastie erbaut wurde, der ein neues Theater schaffen wollte, das die königliche Macht repräsentiert. San Carlo trat an die Stelle des kleinen Theaters von San Bartolomeo, und das Projekt wurde dem Architekten, Oberst der königlichen Armee, Giovanni Antonio Medrano, anvertraut ehemaliger Direktor Theater von San Bartolomeo Angelo Carazale. Zehn Jahre nach dem Bau des Theaters wurde das Gebäude in der Nacht zum 13. Februar 1816 durch einen Brand zerstört, der nur die Außenmauern und einen kleinen Anbau intakt ließ. Was wir heute sehen, ist ein Wiederaufbau, gefolgt von einer Sanierung.

Dieses wundervolle Theater empfängt Opernliebhaber immer mit einem sehr reichhaltigen Programm, das oft eine Reise ins Neapolitanische ist Operntradition und die Rückkehr der großen Klassiker des symphonischen Repertoires, einschließlich derjenigen, die durch das Prisma einer neuen Wahrnehmung und unter Beteiligung von Weltstars gelesen werden. Auf der Bühne des ältesten Opernhauses Europas gibt es in jeder Spielzeit strahlende Debüts und wunderbare Rückkehrer.

Natürlich ist es einfach unmöglich, die ganze Pracht des Theateritaliens zu beschreiben. Aber wir möchten Ihnen noch ein paar Theater mit Programmen empfehlen, die Aufmerksamkeit verdienen.

Philharmonisches Theater in Verona; Saisonprogramm unter dem Link.

Teatro Comunale in Bologna; Programme der Opern-, Musik- und Ballettsaison.

Theater Carlo Felice in Genua; Programme der Musical-, Opern- und Ballettsaison.

Königliches Theater in Parma; Link zum Saisonprogramm

Teatro Comunale in Treviso; Link zum Saisonprogramm

Giuseppe Verdi Opernhaus in Triest; Link zum Saisonprogramm

Konzertsaal Auditorium im Musikpark in Rom; Programm der Saison

Warum buchen Liebhaber klassischer Musik Flüge nach Europa, um Opernaufführungen zu besuchen? In europäischen Städten liegt das Niveau der Oper bei hohes Level, die Architektur der Theater ist erstaunlich. Für alle, die diese Art von Kunst lieben, bieten wir einen Überblick über die bedeutendsten Opernhäuser Europas.

Mailänder Scala
Das Opernhaus La Scala öffnete 1778 seine Türen für Besucher. Heute, nachdem Sie Flugtickets nach Mailand gebucht und das berühmteste Opernhaus besucht haben, können Sie die Weltmeisterwerke von Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti und Rossini hören. Das Fassungsvermögen des Auditoriums beträgt übrigens 2.030 Zuschauer, und die Eintrittspreise variieren zwischen 35 und 300 Euro. Die Scala ist insofern einzigartig, als die Saison am 7. Dezember eröffnet wird (dies ist der Tag des Heiligen Ambrosius, des Schutzpatrons von Mailand) und bis November dauert. Die Mailänder Scala hat eine strenge Kleiderordnung, nur ein schwarzes Kleid oder ein Smoking dürfen das Theater betreten.

San Carlo, Neapel
San Carlo ist das größte Opernhaus nicht nur in Italien, sondern auch in Europa. Nur Theater in New York und Chicago übertreffen es an Größe. Das Theater wurde 1737 in Betrieb genommen. 1817 wurde es nach einem Brand wieder aufgebaut. Unglaublich luxuriöses Theater mit 3.283 Sitzplätzen, Eintrittspreise ab 25 Euro. Wenn Sie sich entscheiden, Flüge in diese wundervolle Stadt zu buchen und diese zu besuchen, dann hören Sie unbedingt Giuseppe Verdis Otello in San Carlo – Sie werden große Freude daran haben.

Covent Garden, London
Wenn Sie ein Ticket für buchen, können Sie nicht nur die Tower Bridge und die königliche Wache sehen, sondern auch das königliche Theater. Das 1732 unter der Leitung von Händel eröffnete Theater überstand mehr als 3 Brände und wurde jedes Mal restauriert, wobei die exquisite Architektur erhalten blieb. Die Exklusivität des Theaters liegt darin, dass viele Inszenierungen auf Englisch gezeigt werden. Tickets kosten zwischen 10 und 200 Pfund. In Covent Garden empfehlen wir, sich die Oper Norma von Vincenzo Bellini anzuhören.

Große Oper, Paris
Um die Größe des Theaters zu würdigen, genügt es, die großen Komponisten aufzuzählen, die ihre Werke darin aufgeführt haben: Deelib, Rossini, Meyerbeer. Im meistbesuchten Theater der Welt kosten Tickets bis zu 350 Euro, und die Kapazität des Saals beträgt 1900 Zuschauer. Fassade mit 7 Bögen, Skulpturen aus Drama, Musik, Poesie und Tanz und Innenraum mit Marmortreppen, Fresken von Pils, Gemälde von Chagall und Baudry. Es lohnt sich, Flüge nach zu buchen, um die Grand Opera mindestens einmal zu besuchen

Königliche Oper, Versailles
Die Königliche Oper von Versailles befindet sich in einem großen luxuriösen Palast und ist das größte Palasttheater der Welt. Seine architektonische Einzigartigkeit liegt darin, dass es komplett aus Holz gebaut ist und alle Marmoroberflächen nur Nachahmungen sind. Das Theater veranstaltete Premieren brillanter Opern, darunter Glucks Iphigenie auf Tauris. Jetzt ist dieses Theater ein obligatorischer Bestandteil des Kulturprogramms für diejenigen, die Flüge nach Paris gebucht haben. Der Mindestkartenpreis beträgt 20 Euro.

Wiener Staatsoper, Wien
Das Wiener Opernhaus ist ein wahrhaft königlicher Stil und Umfang. Zur Eröffnung des Theaters führten sie Mozarts Don Giovanni auf. Alles im Opernhaus ist vom Geist der Großen durchdrungen Österreichischer Komponist: Die Fassade des Theaters im Stil der Neorenaissance ist mit Fresken bemalt, die auf der Oper „Die Zauberflöte“ basieren. Und der beliebteste künstlerische Leiter war der Dirigent Gustav Mahler. Alljährlich im Februar findet im Theater der Wiener Ball statt. Nachdem Sie ein Ticket nach Wien gebucht haben, besuchen Sie unbedingt das Opernhaus!

Teatro Carlo Felice, Genua
Das Carlo-Felice-Theater in Genua ist ein Wahrzeichen der Stadt, für das weder Geld noch Mühen gescheut wurden. Das Design der Bühne stammt zum Beispiel von Luigi Canonica, der die Mailänder Scala gebaut hat. Das Theater ist untrennbar mit dem Namen von Giuseppe Verdi verbunden, der viele Spielzeiten hintereinander die Uraufführungen seiner Opern veranstaltete. Und bis heute sind auf dem Programmzettel des Theaters die Kreationen des genialen Komponisten zu sehen. Wenn Sie Flüge nach Genua gebucht haben, empfehlen wir Ihnen, sich die Oper „Maria Stuart“ von Gaetano Donizetti anzuhören. Die Ticketpreise sind übrigens recht demokratisch und beginnen bei 7 Euro.

Gran Teatro Liceu, Barcelona
, Oper lieben und am „Grand Teatro Liceo“ vorbeigehen, ist einfach unmöglich! Das Theater ist sowohl für das klassische Repertoire als auch für den modernen Ansatz der Werke berühmt. Das Theater überstand eine Explosion, einen großen Brand und wurde exakt nach den Originalzeichnungen restauriert. Die Sitze im Auditorium sind aus Gusseisen mit roten Samtpolstern und die Kronleuchter aus drachenförmigem Messing mit Kristallschirmen.

Ständetheater, Prag
Das Prager Theater ist das einzige in Europa, das fast unverändert erhalten geblieben ist. Im Ständetheater präsentierte Mozart der Welt erstmals seine Opern „Don Giovanni“ und „Die Barmherzigkeit des Titus“. Bis heute bilden die Werke des österreichischen Klassikers die Basis des Repertoires des Theaters. Zu den Virtuosen, die auf dieser Bühne auftraten, gehören Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. Neben Oper werden hier auch Ballett- und Schauspielaufführungen aufgeführt. Und der tschechische Regisseur Milos Forman drehte hier seinen Film Amadeus, der viele Oscars einbrachte.

Bayerische Staatsoper, München
Die Staatsoper in Bayern gilt als eines der ältesten Theater der Welt, sie wurde bereits 1653 eröffnet! Das Theater fasst 2.100 Zuschauer, die Eintrittspreise beginnen bei 11 Euro und enden bei 380 Euro. Hier wurden die Premieren von Wagner präsentiert - "Tristan und Isolde", "Rheingold", "Walküre". Gibt jährlich 350 Vorstellungen (einschließlich Ballett). Wer einen Flug nach München gebucht hat, muss die Bayerische Oper gesehen haben.