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Liszts symphonische Dichtungen sind eine der hellsten Seiten der europäischen romantischen Musik, ein Bereich unermüdlicher kreativer Suche, erstaunlicher Aktualisierungen auf dem Gebiet der Thematik, Form, Orchestrierung und Interaktion mit verschiedenen nationalen Quellen. Der für den Komponisten charakteristische Wunsch nach Synthese mit anderen Künsten, nach der Schaffung programmatischer Werke kam in den Gedichten deutlich zum Ausdruck. Bilder antiker Mythen („Prometheus“ und „Orpheus“), Bilder von Meisterwerken der Weltliteratur („Tasso“ von Goethe, „Mazeppa“ und „Was auf dem Berg gehört wird“ von Hugo, „Hamlet“ von Shakespeare, „Ideale „von Schiller, „Präludien“ nach Lamartine), Bilder der bildenden Kunst („Hunnenschlacht“ nach Kaulbach, „Von der Wiege bis zur Bahre“ nach Zichy) und schließlich Bilder der Heimat („Ungarn“, „Lament for Heroes“) – all dies wurde in Liszts symphonische Werke übersetzt. Bei aller Vielfalt an Handlungssträngen und Charakteren, den Hauptthemen, die der Komponist hier verkörpert, der Größe des Menschen und seiner Taten, dem leidenschaftlichen Wunsch nach Freiheit und Glück, dem unvermeidlichen Triumph von Güte und Gerechtigkeit, der heilenden Wirkung der Kunst, die dazu beiträgt die Verbesserung der Menschheit, deutlich hervorheben.

Verblüfft schon früh mit der Schönheit des Klangs Symphonische Dichtung Nr. 1 „Was man am Berg hört“, ursprünglich mit dem Titel „Mountain Symphony“. Liszt ließ sich hier vom gleichnamigen Gedicht von Victor Hugo inspirieren. Das Programm des Gedichts basiert auf der romantischen Idee, majestätische Natur mit menschlichen Sorgen und Leiden zu kontrastieren. Was hört man in den Bergen an der Küste der Bretagne? Das Rauschen des Windes aus frostigen Höhen, das Rauschen der Meereswellen, die gegen die Felsen schlagen, Hirtenmelodien von den grünen Wiesen am Fuße der Klippen ... und der Schrei der leidenden Menschheit. Und das alles kann man in der Musik hören.

Held Symphonische Dichtung Nr. 2 „Tasso“- der große italienische Renaissance-Dichter Torquato Tasso (1544-1595), dessen Epos „Jerusalem befreit“ im Laufe der Jahrhunderte viele inspirierte, darunter auch Goethe. Im Alter von 35 Jahren befand sich der Dichter in einer Nervenheilanstalt und gleichzeitig im Gefängnis, nachdem er aufgrund einer Gerichtsintrige dort gelandet war. Als Grund für die inhaftierte Liebe nannte die Legende die kühne, alle Standesgrenzen zerstörende Liebe des Dichters zu Herzog Alfonsos Schwester Eleonora d'Este. Sieben Jahre später, dank der Fürsprache des Papstes aus dem Gefängnis entlassen, war Tasso bereits ein völlig gebrochener Mann - wurde verkündet der größte Dichter Italien und ausgezeichnet Lorbeerkranz, zuvor nur einmal an den großen Petrarca verliehen. Der Tod kam jedoch früher, und bei einer feierlichen Zeremonie im römischen Kapitol wurde nur der Sarg des Dichters mit Lorbeeren gekrönt. „Klage und Triumph: das sind die beiden großen Gegensätze im Schicksal der Dichter, von denen man mit Recht sagt, wenn a Der Fluch lastet oft auf ihrem Leben, dann verlässt der Segen nie ihre Gräber“, schrieb Liszt im Programmheft zu diesem dramatischen Gedicht, in dem er alle Wechselfälle im Leben des Dichters schilderte – vom Gefängnis über Erinnerungen an die Liebe bis hin zum wohlverdienten Ruhm.

Sinfonische Dichtung Nr. 3 – „Präludien“. Titel und Programm entlehnte der Komponist dem gleichnamigen Gedicht Französischer Dichter Lamartine. Allerdings entfernte sich Liszt deutlich von der Grundidee des Gedichts, das sich dem Nachdenken über die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz widmete. Er schuf Musik voller heroischem, lebensbejahendem Pathos. Bilder des Lebens verkörpert Liszt in einer Reihe heller, farbenfroher Episoden, gefüllt mit Genre- und visuellen Details (Marsch, Pastoral, Sturm, Schlacht, Trompetensignale, Hirtenmelodien). Sie werden nach dem Prinzip des Kontrasts verglichen und sind gleichzeitig eng miteinander verbunden: Im gesamten Gedicht transformiert Liszt das Leitthema gekonnt und wendet dabei sein charakteristisches Prinzip des Monothematismus an

IN Sinfonische Dichtung Nr. 4 „Orpheus“, konzipiert als Ouvertüre zu Glucks gleichnamiger Oper, wurde die mythische Geschichte der Sängerin mit der süßen Stimme in einem verallgemeinerten philosophischen Sinne verkörpert. Orpheus wird für Liszt zum kollektiven Symbol der Kunst. Dies ist eines von Liszts lapidarsten und prägnantesten Werken. Das Gedicht ist thematisch vielschichtig, aber alle Themen sind intonatorisch miteinander verbunden und gehen ineinander über. Der lang anhaltende Ton „G“ der Hörner weicht dem Zupfen der Harfen – dies ist offensichtlich ein Bild des Leierspielers Orpheus, der auf die Welt um ihn herum lauscht. Der magische Klang dieser Hörnerklänge versetzt Sie in gehobene Stimmung und entführt Sie in eine poetische Atmosphäre. Der Hauptteil der diatonischen Bläser und Streicher tendiert zur epischen Breite, erreicht diese jedoch nicht. Dies ist das Bild des Universums, das der Künstler zu verstehen versucht, eine objektivierte, außerpersönliche Realität. Das an seine Stelle tretende, nicht erweiterte Verbindungsthema symbolisiert die Suche des Künstlers. Mit einer absteigenden melodischen Figur beschreibt Liszt das Bild der Musik-Eurydike, nach der Orpheus sucht. Um diesem Thema eine besondere klangliche Wärme und Erhellung zu verleihen, vertraut Liszt das Thema der Solovioline und dann dem Solocello an. Die programmatische Absicht des Komponisten ist hier transparent und klar: Das Ideal ist unerreichbar, Eurydike ist nur eine Fata Morgana, die nicht aufrechtzuerhalten ist. Kunst ist zu einer ewigen Suche ohne Erfolg verdammt.

Sinfonische Dichtung Nr. 5 „Prometheus“ gewidmet dem legendären Leidenden und Humanisten, der seit Jahrhunderten die Fantasie der kreativen Elite der Menschheit beflügelt. Das Gedicht entstand als Ouvertüre zum Drama des berühmten deutschen Dichters Gottfried Herder. „Leid (Unglück) und Herrlichkeit (Glückseligkeit)! Auf diese Weise kann der Hauptgedanke dieser allzu wahren Geschichte in komprimierter Form ausgedrückt werden, und in dieser Form wird sie wie ein Sturm, wie zuckende Blitze. Trauer, überwunden durch die Beharrlichkeit unzerstörbarer Energie, ist in diesem Fall das Wesen des musikalischen Inhalts.“

Sinfonische Dichtung Nr. 6 „Mazeppa“, gewidmet historische Figur im Schicksal, das den von den Romantikern geliebten Gegensatz von Leiden und Triumph deutlich zum Vorschein brachte. Hugos Gedicht wird vollständig als Programm in der Partitur veröffentlicht. Liszt ließ sich vor allem vom ersten Hauptteil des Gedichts inspirieren, voller farbenfroher Bilder, unheimlicher Details, einem Gefühl des Schreckens des Todes – im Vergleich zum Triumph eines ungebrochenen Helden, der vom ganzen Volk begrüßt wird: „Er eilt, er fliegt, er fällt und erhebt sich wie ein König!“

Softwarekonzept Sinfonische Dichtung Nr. 7 „Festliche Klänge“ nicht im Zusammenhang mit historische Ereignisse oder literarische Themen. Es ist bekannt, dass der Komponist hier seine Verbindung (also Hochzeit) mit Prinzessin Caroline Wittgenstein besang und auf Porträtmerkmale von sich und seiner Freundin nicht verzichten konnte.

Sinfonische Dichtung Nr. 8 „Klage um Helden“ entstanden auf der Grundlage der „Revolutionären Symphonie“ (1830), unvollendet vom jungen Liszt, gewidmet Französische Revolution. Bittere Klagen und Verherrlichungen des revolutionären Kampfes, des Weltschmerzes und des sozialen Protests sind in diesem dramatischen Gedicht von ungewöhnlicher Form zu hören, in dem der unheimliche Trommelwirbel und die Hinrichtungsszenen in der Mitte einem der besten lyrischen Themen im Werk des Komponisten weichen . Es besteht eine allgemeine künstlerische Verbindung zwischen diesem Werk und einem der beliebtesten Klavierstücke Liszts – „Trauerzug“, das als musikalisches Denkmal für das Tragische geschaffen wurde an die gefallenen Helden Revolution, die in seiner Heimat Ungarn stattfand. Das Erscheinen dieses Werkes trägt den Stempel der tragischen Enttäuschung des romantischen Künstlers und hängt vor allem mit der Niederlage der Revolution zusammen, die 1848–49 über die Länder Mitteleuropas fegte.

Sinfonische Dichtung Nr. 9 „Ungarn“ oft als Orchester-„Ungarische Rhapsodie“ bezeichnet. Es entstand als Reaktion auf ein Liszt gewidmetes Gedicht des ungarischen Dichters Veresmarty. Mit diesem Gedicht begrüßte Vörösmarty vor anderthalb Jahrzehnten, im Januar 1840, die Ankunft eines jungen, noch nicht einmal 30 Jahre alten, aber bereits weltberühmten Pianisten in seiner Heimat. Liszts Tour bekam dann den Charakter einer nationalen Feier. Ihm wurde der Titel eines Ehrenbürgers der Stadt Pest verliehen; nach einem Konzert im Nationaltheater, wo Liszt in ungarischer Sprache auftrat Nationaltracht, wurde ihm im Namen der Nation ein „Ehrensäbel“ überreicht. Diese Eindrücke spiegelten sich in den gleichzeitig erschienenen Werken des Komponisten zu nationalen Themen wider: „Heldenmarsch im ungarischen Stil“ und „Ungarische Nationalmelodien und Rhapsodien“. Viele Jahre später entlehnte Liszt von dort drei Themen für die symphonische Dichtung „Ungarn“: zwei heroische, marschierende und eines im Geiste des Aufrührers Volkstanz Czardascha.

Sinfonische Dichtung Nr. 10 „Hamlet“- das zeitlich jüngste Gedicht der Weimarer Zeit, allerdings bei Veröffentlichung unter Nummer zehn platziert. Wie viele andere auch Symphonische Gedichte Liszt entstand es auf der Grundlage einer Ouvertüre zur Inszenierung einer Shakespeare-Tragödie. Alle Helden von Shakespeares Tragödie sind in der Musik eingefangen – Hamlet, Ophelia usw.

Software-Prototyp der Schlacht Symphonische Dichtung Nr. 11 - „Hunnenschlacht“ ziemlich ungewöhnlich. Es ist bildlich. Geschrieben in den Jahren 1834-1835 von Mod Historienmaler Das gleichnamige Fresko von Wilhelm von Kaulbach schmückte das Haupttreppenhaus des neuen Berliner Museums. Das Gemälde zeigt eine blutige Schlacht, die den ganzen Tag tobte und nur wenige Verwundete am Boden hinterließ. Es geht weiter im Himmel, wo in der Mitte einer Gruppe ein mächtiger Hunne mit Helm und erhobenem Schwert steht und eine andere Gruppe von einem fliegenden Engel mit Kreuz überschattet wird. Liszt war fasziniert von der zutiefst humanistischen Bedeutung des Schaffens des Künstlers: dem Triumph christlicher Liebe und Barmherzigkeit über heidnische Grausamkeit und Blutdurst
http://s017.radikal.ru/i441/1110/09/f47e38600605.jpg

Sinfonische Dichtung Nr. 12 „Ideale“ inspiriert von Schillers gleichnamigem Gedicht: „Das Ideal ist nicht wünschenswerter und nicht unerreichbarer. Den Weg dorthin wird nur finden, wer langsam schafft und niemals zerstört“...

Im Sommer 1881 schrieb der Komponist, überwältigt von Gedanken an den bevorstehenden Tod, sein letztes Werk Symphonische Dichtung Nr. 13 „Von der Wiege bis zur Bahre“, inspiriert von den Federzeichnungen von „Cradle to Grave“, die ihm der berühmte ungarische Künstler Mihaly Zichy geschenkt hatte. http://s017.radikal.ru/i403/1110/71/363fe132803b.jpg Auf Wunsch von Prinzessin Wittgenstein wurde das Wort „Sarg“ durch „Grab“ ersetzt und das Gedicht schließlich „From the Cradle to the“ genannt Grab". Die Musik von Liszts letztem Gedicht ist traurig und fröhlich...

Zwei Episoden aus Lenaus „Faust“ – „Nachtprozession“ und „Tanz in der Dorfschenke (Mephisto-Walzer)“. Die Bilder von Faust und Mephistopheles begeisterten Liszt während seines gesamten kreativen Lebens. Lenau wird von Mephistopheles dominiert, dem Geist der Verneinung und Zerstörung, ausgestattet mit einem unnachgiebigen Willen und einer ungezügelten Kraft der Leidenschaften. Der Triumph des Bösen ist unbestreitbar: Ein solcher Mephistopheles unterwirft Faust mit Leichtigkeit – einen verwirrten Mann, manchmal von Freude überwältigt, manchmal in den Abgrund der Verzweiflung gestürzt, unfähig, weder seine Gefühle noch seine Lebensumstände zu kontrollieren. Der Eröffnungsabschnitt von „Night Procession“ basiert auf scharfen Kontrasten. Sein erstes, trauriges und düsteres Thema ist die Charakterisierung Geisteszustand Faust. Der Held wird mit der heiteren Frühlingsnatur konfrontiert: Im transparenten Klang von Streichern, Holzbläsern und Hörnern hört man das Trillern einer Nachtigall, das Rauschen der Bäume und das Plätschern von Bächen. Das ferne Läuten einer Glocke lässt die zentrale Episode ahnen – die Prozession selbst. Liszt orientierte sich dabei am Thema des katholischen Chorals „Pange lingua gloriosi“ („Singe, o Zunge“), dessen Text Thomas von Aquin zugeschrieben wird. Weitere Instrumente kommen hinzu, die Prozession nähert sich und verschwindet dann in der Ferne. Wieder herrscht Stille. Und es klingt wie eine Explosion der Verzweiflung Eröffnungsthema: „heftig schluchzend“, nach der Bemerkung des Autors fallen die Motive der Violinen, Flöten und Oboen. Sie gehen in tiefe Bässe über String-Gruppe und umrahmt so das gesamte Werk mit einem Bild der Seele des Helden, das für Liszt wichtiger ist als Bildskizzen. Der Mephisto-Walzer bildet einen scharfen Kontrast zur ersten Folge. Dies ist ein echtes Walzergedicht – schnell, spannend, völlig ohne langsame Tempi. Zwei Bilder werden meisterhaft gegenübergestellt: ein echter Alltagstanz mit komischen Effekten und ein fantastischer Tanz. Das erste verkörpert das Spiel von Dorfmusikanten, und ein komplettes Symphonieorchester imitiert den Klang eines Bauernensembles. Musiker brauchen viel Zeit, um sich vorzubereiten, sich einzustimmen und ihren Mut zu sammeln. Schließlich tragen die Bratschen und Celli souverän das ländliche, je nach Anweisung des Autors raue, scharf akzentuierte Thema vor. Der Spaß wächst, immer mehr neue Tänzer rasen wie ein Wirbelwind in einem ausgelassenen Tanz vorbei. Dann bleiben sie müde stehen. Es beginnen Celli in ungewöhnlich hoher Lage neues Thema(Bemerkung des Autors „zärtlich, liebevoll“) – träge, sinnlich, chromatisch, passt nicht in ein klares Tanzraster. Es war Mephistopheles, der erschien; Das Thema wird durch den verklingenden Klang einer Solovioline vervollständigt. Eine noch rasantere Fantasy-Episode beginnt. Und als der Dorftanz zurückkehrt, lässt der teuflische Gesang ihn nicht entfalten, verzerrt seine Motive – sie gehorchen dem Willen des Mephistopheles und werden ebenso gebrochen, chromatisch. Jetzt regiert der Teufel selbst das Sagen. Der Tanz verwandelt sich in eine hektische Bacchanie, der Dreitakt wird durch einen Zweitakt ersetzt, „die Bewegung des Walzers verwandelt sich in eine Art wilden Czardash, voller Feuer und ungezügelter Leidenschaft.“ Auf dem Höhepunkt bricht der Tanz ab und die fantastische Episode wiederholt sich noch einmal; Stark gekürzt endet es mit den friedlichen Stimmen der Natur (Kadenz der Soloflöte, Glissando der Harfe). Aber das letzte Wort bleibt bei Mephistopheles: Der hektische Tanz explodiert erneut, bedrohlich triumphierend, das teuflische Motiv wird im Bass des Orchesters immer wieder bekräftigt. Plötzlich wird alles still, verschwindet in der Ferne; Übrig bleiben nur das verklingende Rascheln der Pauken und das Pizzicato der Celli und Kontrabässe. Nach einem Harfenglissando schrieb Liszt die letzte Zeile aus Lenau: „Und tobend verschlingt das Meer der Leidenschaft sie.“

Dirigent Arpad Joó (ungarisch: Árpád Joó) geboren am 8. Juni 1948 in Budapest, stammt aus einer alten ungarischen Familie, ein Wunderkind. Schon in seiner Kindheit wurde er von Zoltan Kodály auf ihn aufmerksam und geriet unter seine Schirmherrschaft; er studierte an der Budapester Musikakademie. Franz Liszt von Pal Kadosy und József Gat. 1962 gewann er den Liszt- und Bartók-Klavierwettbewerb in Budapest. Anschließend studierte er Dirigieren an der Juilliard School und der Indiana University und studierte bei Igor Markevich in Monte Carlo. 1973-1977 Chefdirigent Knoxville Symphony Orchestra, 1977-1984. - Philharmonisches Orchester Calgary, 1988-1990 - Sinfonieorchester des spanischen Rundfunks und Fernsehens. Aufgeführt mit dem London Symphonieorchester. Er arbeitete als Gastdirigent beim European Community Orchestra. Die Einspielung des gesamten Werkzyklus von Kodály und Bartók durch den Dirigenten wurde nicht nur in Ungarn zu einem Ereignis. 1985, zum 100. Todestag von Liszt, nahm er mit dem Budapester Symphonieorchester die vollständige Sammlung seiner symphonischen Gedichte auf, wofür er den begehrten Preis erhielt „Grand Prix du Disque“ in Paris, direkt aus den Händen des französischen Kulturministers Leotard. Warum mochten die Franzosen den von den Budapestern und Arpad Joo gespielten Liszt so sehr? Wahrscheinlich aufgrund der Weichheit und Plastizität der Interpretation. Hier gibt es keine üblichen atemberaubenden „Spezialeffekte“ und künstliches äußeres Pathos, dafür aber gefühlvolle Melodien.

Hören:http://www.youtube.com/watch?v=yfhf7_mUccY

Ferenc Liszt – Symphonische Gedichte vollständig
Budapester Symphonieorchester / Arpad Joo
Aufgenommen in Budapest 1984/5 DDD
1987 „Grand Prix Du Disque“, Paris, Frankreich

Franz Liszt (1811-1886)

CD1
Sinfonische Dichtung Nr. 1. Was auf dem Berg zu hören ist („Bergsymphonie“) (nach Hugo, 1847-1857) (30:34)
Sinfonische Dichtung Nr. 2. Tasso. Klage und Triumph (nach Goethe, 1849-1856) (21:31)
Sinfonische Dichtung Nr. 3. Präludien (nach Lamartine, 1850-1856) (15:52)

CD2
Sinfonische Dichtung Nr. 4. Orpheus (als Einleitung und Abschluss zu Glucks Orpheus, 1856)(11:36)
Sinfonische Dichtung Nr. 5. Prometheus (nach Herder, 1850-1855) (13:29)
Sinfonische Dichtung Nr. 6. Mazepa (nach Hugo, 1851-1856) (15:54)
Sinfonische Dichtung Nr. 7. Festliche Klänge (Caroline Wittgenstein, 1853-1861) (19:47)

CD3
Sinfonische Dichtung Nr. 8. Lament for Heroes (basierend auf dem ersten Satz der „Revolutionären Symphonie“, 1830-1857) (24:12)
Sinfonische Dichtung Nr. 9. Ungarn (Antwort auf ein patriotisches Gedicht von Vörösmarty, 1839-1857) (22:22)
Sinfonische Dichtung Nr. 10. Hamlet (nach Shakespeare, 1858-1861)(14:35)

CD4
Sinfonische Dichtung Nr. 11. Hunnenschlacht (nach einem Fresko von Kaulbach, 1857-1861) (13:58)
Sinfonische Dichtung Nr. 12. Ideale (nach Schiller, 1857-1858)(26:55)
Sinfonische Dichtung Nr. 13. Von der Wiege bis zur Bahre (nach einer Zeichnung von M. Zichy, 1881-1883)
I. Wiege (6:31) / II. Der Kampf ums Dasein (3:14) / III. Grab (7:38)

CD5
Zwei Episoden aus „Faust“ von Lenau (1857-1866)
I. Nachtprozession (15:15)
II. Tanz in einer Dorfschenke (Mephisto-Walzer Nr. 1) (11:54)
Mephisto-Walzer Nr. 2 (1880-1881) (11:41)
Proklamation und ungarische Hymne (1873) (10:13)

Ewa Kwiatkowska () hat den Link zur Audioaufnahme aktualisiert:

SIND trackovo

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G. Krauklis „Sinfonische Dichtungen von F. Liszt“.
Moskau, 1974, 144 Seiten.
Das Buch ist ein populärwissenschaftlicher Essay über die symphonischen Gedichte von Liszt
INHALT
Programm Symphonie von F. Liszt und seinen symphonischen Gedichten 5
„Was man auf dem Berg hört“ („Ce qu’on entend sur la montagne“) 30
„Tasso. Klage und Triumph“ („Tasso. Lamento e trionfo“) 43
„Präludien“ („Les Préludes“) 53
„Orpheus“ 62
„Prometheus“ 71
„Mazeppa“ 77
„Fest-Klänge“ 85
„Klage um Helden“ („Héroїde funèbre“) 93
„Ungarn“ („Hungaria“) 99
„Hamlet“ 107
„Hunnenschlacht“ 114
„Die Ideale“ 122
Anmerkungen 135
Bewerbungen 140
Referenzen 141

SYMPHONIE-DICHT

Dieses Konzept erschien in Musikalische Kunst 1854: Der ungarische Komponist Franz Liszt definierte in seinem ursprünglich als Ouvertüre gedachten Orchesterwerk Tasso die „Symphonische Dichtung“. Mit dieser Definition wollte er betonen, dass es sich bei Tasso nicht nur um ein programmatisches Musikstück handelt. Es ist inhaltlich äußerst eng mit der Poesie verwandt. Anschließend verfasste Liszt zwölf weitere symphonische Gedichte. Das bekannteste unter ihnen ist „Preludes“. Es basiert auf dem Gedicht „Preludes“ (genauer „Preludes“) des französischen romantischen Dichters Lamartine, in dem das gesamte menschliche Leben als eine Reihe von Episoden betrachtet wird – „Preludes“, die zum Tod führen. Liszts Werk entwickelte auch eine Form, die für eine symphonische Dichtung am charakteristischsten ist: frei, aber mit offensichtlichen Merkmalen eines Sonaten-Symphonie-Zyklus (siehe die Geschichte zur Symphonie), wenn sie ohne Pause zwischen den Sätzen aufgeführt wird. Die verschiedenen Episoden der symphonischen Dichtung weisen Ähnlichkeiten mit den Hauptabschnitten der Sonatenform auf: dem Haupt- und Nebenteil der Exposition, Durchführung und Reprise. Gleichzeitig können einzelne Episoden des Gedichts als Teile einer Symphonie wahrgenommen werden. Nach Liszt wandten sich viele Komponisten der von ihm geschaffenen Gattung zu. Der Klassiker der tschechischen Musik Bedřich Smetana verfügt über einen Zyklus symphonischer Gedichte, vereint unter dem allgemeinen Titel „Mein Vaterland“. Ich habe dieses Genre wirklich geliebt Deutscher Komponist Richard Strauss. Sein „Don Juan“, „Don Quijote“ und „Die lustigen Streiche des Till Eulenspiegel“ sind weithin bekannt. Der finnische Komponist Jean Sibelius schrieb die symphonische Dichtung „Kalevala“, die auf dem finnischen Volksepos als literarischer Quelle basiert. Russische Komponisten mit ihren Orchesterwerke Für diesen Typ gaben sie lieber andere Definitionen: Ouvertüre-Fantasie, symphonische Ballade, Ouvertüre, symphonisches Bild. Das in der russischen Musik übliche symphonische Genre weist einige Unterschiede auf. Seine Programmierung bezieht sich nicht auf die Handlung, sondern malt eine Landschaft, ein Porträt, ein Genre oder eine Kampfszene. Jeder kennt wahrscheinlich symphonische Filme wie „Sadko“ von Rimsky-Korsakov, „In Zentralasien“ von Borodin, „Baba Yaga“, „Kikimora“ und „The Magic Lake“ von Lyadov. Eine andere Variante dieses Genres – die symphonische Fantasie – die auch von russischen Komponisten geliebt wird, zeichnet sich durch eine größere Konstruktionsfreiheit aus, oft durch das Vorhandensein fantastischer Elemente im Programm.

Kreative Porträts von Komponisten. - M.: Musik. 1990 .

Sehen Sie, was „SYMPHONIE-DICHT“ in anderen Wörterbüchern ist:

Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einsätziges Orchesterwerk, gem romantische Idee Gesamtkunstwerk unter Berücksichtigung vielfältiger Quellen des Programms (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte). Schöpfer des F-Genres... Großes enzyklopädisches Wörterbuch

- (Deutsche symphonische Dichtung, Französische poime symphonique, Englische Symphonische Dichtung, Italienische poeta sinfonica) einteilige Programmsymphonie. arbeiten. Das Genre des S. p. wurde vollständig im Werk von F. Liszt geformt. Der Name selbst stammt von ihm. S.p....... Musik-Enzyklopädie

- (deutsche symphonische Dichtung) eine Gattung symphonischer Musik, die die romantische Idee eines Gesamtkunstwerks zum Ausdruck bringt. Eine symphonische Dichtung ist ein einsätziges Orchesterwerk, das verschiedene Programmquellen (Literatur... ... Wikipedia) zulässt

Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einsätziges Orchesterwerk, ganz im Sinne der romantischen Idee eines Gesamtkunstwerks, das vielfältige Programmquellen (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte) berücksichtigt. Schöpfer des Genres... Enzyklopädisches Wörterbuch

Eine Orchesterkomposition, in der die Komponenten in enger, untrennbarer Verbindung stehen. S. Das Gedicht ist nach einem Programm geschrieben, für das einige poetische Werke ausgewählt werden. Das Programm beeinflusst auch die Form dieser Art von S.-Arbeit, nicht... ... Enzyklopädisches Wörterbuch F.A. Brockhaus und I.A. Efron

Sinfonische Dichtung für 100 Metronome von György Ligeti (1962). Das Stück wird von Hunderten von Metronomen „vorgetragen“, die vorprogrammiert sind, um ein bestimmtes Tempo und eine bestimmte musikalische Signatur zu spielen. Alle Metronome beginnen zu spielen... ... Wikipedia

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Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Also sprach Zarathustra (Bedeutungen). Also sprach Zarathustra (deutsch: Also sprach Zarathustra) ist ein symphonisches Gedicht des deutschen Komponisten Richard Strauss. Geschrieben im Jahr 1896 unter dem Einfluss von ... Wikipedia

Dieser Begriff hat andere Bedeutungen, siehe Isle of the Dead ... Wikipedia

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Bücher

• Sinfonische Dichtung, Op. 14, A. Dvorak. Nachdruck der Notenausgabe von „Symphonic Poem, Op. 14`. Genres: Symphonische Dichtungen; Für Orchester; Partituren mit Orchester. Wir haben speziell für Sie unter Verwendung unserer eigenen patentierten...
• Sinfonische Dichtung, Op. 14, A. Dvorak. Nachdruck der Notenausgabe von „Sinfonische Dichtung, Op. 14“. Genres: Symphonische Dichtungen; Für Orchester; Partituren mit Orchester. Wir haben speziell für Sie erstellt und dabei unsere eigenen...

Es treten Merkmale idealistischer Abstraktion, Rhetorik und äußerlich rednerischen Pathos hervor. Gleichzeitig ist die grundlegende Bedeutung von Liszts symphonischem Schaffen groß: Konsequent seiner Idee folgend, „die Musik durch ihre Verbindung mit der Poesie zu erneuern“, erreichte er in einer Reihe von Werken bemerkenswerte künstlerische Perfektion.

Die Programmierung liegt der überwältigenden Zahl von Liszts symphonischen Werken zugrunde. Die gewählte Handlung ließ neue Handlungsstränge vermuten Ausdrucksmittel, inspirierte zu kühnen Versuchen auf dem Gebiet der Form und Orchestrierung, die Liszt stets für ihre brillante Klangfülle und Farbigkeit schätzte. Der Komponist unterschied die drei Hauptgruppen des Orchesters – Streicher, Holzbläser und Blechbläser – meist klar und setzte Solostimmen einfallsreich ein. Im Tutti klingt sein Orchester harmonisch und ausgewogen, und in den Momenten des Höhepunkts setzte er, ähnlich wie Wagner, oft kräftige Blechbläser-Unisoni vor dem Hintergrund von Streicherfigurationen ein.

Liszt ging als Schöpfer einer neuen romantischen Gattung in die Musikgeschichte ein – der „Symphonischen Dichtung“: So nannte er erstmals neun Werke, die bis 1854 fertiggestellt und 1856-1857 veröffentlicht wurden; später wurden vier weitere Gedichte geschrieben.

Liszts symphonische Dichtungen sind große programmatische Werke in freier einstimmiger Form (Nur die letzte symphonische Dichtung – „Von der Wiege bis zur Bahre“ (1882) – ist in drei kleine Teile gegliedert, die ohne Unterbrechung laufen.), wo oft verschiedene Gestaltungsprinzipien kombiniert werden (Sonate, Variation, Rondo); manchmal „absorbiert“ diese einteilige Struktur Elemente eines vierteiligen symphonischen Zyklus. Die Entstehung dieser Gattung wurde durch die gesamte Entwicklung der romantischen Symphonie vorbereitet.

Einerseits gab es eine Tendenz zur Einheit eines mehrteiligen Zyklus, seiner Vereinheitlichung durch übergreifende Themen, der Verschmelzung von Teilen („Schottische Symphonie“ von Mendelssohn, Schumanns Symphonie in d-moll und andere). Andererseits war der Vorgänger der symphonischen Dichtung die programmatische Konzertouvertüre, die die Sonatenform frei interpretierte (Mendelssohns Ouvertüren und früher - Leonora Nr. 2 und Beethovens Coriolan). Um diesen Zusammenhang zu betonen, nannte Liszt viele seiner zukünftigen symphonischen Gedichte in ihren ersten Fassungen Konzertouvertüren. Die Geburt eines neuen Genres wurde auch durch große einsätzige Werke für Klavier ohne umfangreiches Programm vorbereitet – Fantasien, Balladen usw. (von Schubert, Schumann, Chopin).

Das Spektrum der von Liszt in symphonischen Gedichten verkörperten Bilder ist sehr breit. Er war inspiriert Weltliteratur aller Altersgruppen und Völker - von alter Mythos(„Orpheus“, „Prometheus“), englische und deutsche Tragödien des 17.-18. Jahrhunderts („Hamlet“ von Shakespeare, „Tasso“ von Goethe) bis hin zu Gedichten französischer und ungarischer Zeitgenossen („Was auf dem Berg gehört wird“) und „Mazeppa“ von Hugo, „Preludes“ „Lamartine“, „To Franz Liszt“ von Vörösmarty). Wie in Kreativität am Klavier Liszt verkörperte in seinen Gedichten häufig Bilder der Malerei („Hunnenschlacht“, basierend auf dem Gemälde). Deutscher Künstler Kaulbach, „Von der Wiege bis zur Bahre“ nach einer Zeichnung des ungarischen Künstlers Zichy) usw.

Aber in der bunten Vielfalt der Handlungsstränge ist eine Hinwendung zu heroischen Themen deutlich zu erkennen. Liszt fühlte sich zu darstellenden Themen hingezogen stark im Geiste Menschen, Bilder großer Volksbewegungen, Schlachten und Siege. Er verkörperte in seiner Musik das Bild des antiken Helden Prometheus, der zum Symbol für Mut und unnachgiebigen Willen wurde. Wie die romantischen Dichter verschiedener Länder (Byron, Hugo, Slovaksky) machte sich Liszt Sorgen um das Schicksal des jungen Mazepa – eines Mannes, der beispielloses Leid überwand und großen Ruhm erlangte (Solche Aufmerksamkeit galt der Jugend von Mazepa (der Legende nach war er an die Kruppe eines Pferdes gefesselt, das viele Tage und Nächte lang durch die Steppe raste) und nicht dem historischen Schicksal des Hetmans der Ukraine – eines Verräters an ihm Heimat - ist im Gegensatz zu Puschkin typisch für ausländische Romantiker.). In „Hamlet“, „Tasso“ und „Präludien“ verherrlichte der Komponist die Lebensleistung des Menschen, seine ewigen Impulse zu Licht, Glück, Freiheit; in „Ungarn“ besang er die glorreiche Vergangenheit seines Landes, seinen heroischen Befreiungskampf; „Lament for Heroes“ war den revolutionären Kämpfern gewidmet, die für die Freiheit ihres Heimatlandes starben; In „Die Hunnenschlacht“ zeichnete er ein Bild eines gigantischen Völkerkampfes (die Schlacht des christlichen Heeres mit den Horden Attilas im Jahr 451).

Liszt hat eine einzigartige Herangehensweise an die literarischen Werke, die die Grundlage des Programms der symphonischen Dichtung bildeten. Wie Berlioz leitet er die Partitur normalerweise mit einer detaillierten Darstellung der Handlung ein (oft recht ausführlich, einschließlich der Geschichte der Idee und abstrakter philosophischer Überlegungen); manchmal - Auszüge aus einem Gedicht und sehr selten nur auf einen allgemeinen Titel beschränkt („Hamlet“, „Holiday Bells“). Aber anders als Berlioz interpretiert Liszt das detaillierte Programm allgemein, ohne die sequenzielle Entwicklung der Handlung in Musik zu vermitteln. Normalerweise ist er bestrebt, ein helles, hervorstechendes Bild zu schaffen Hauptfigur und die gesamte Aufmerksamkeit des Zuhörers auf seine Erfahrungen richten. Auch dieses zentrale Bild wird nicht in einer konkreten Alltagssprache, sondern in einem verallgemeinerten und erhöhten Sinne interpretiert, als Träger einer großen philosophischen Idee.

In den besten symphonischen Gedichten gelang es Liszt, einprägsame musikalische Bilder zu schaffen und diese in verschiedenen Lebenssituationen darzustellen. Und je vielfältiger die Umstände sind, in denen die Kämpfe des Helden dargestellt werden und unter deren Einfluss sich verschiedene Seiten seines Charakters offenbaren, desto heller kommt sein Erscheinungsbild zum Vorschein, desto gehaltvoller ist der Inhalt des Gesamtwerks.

Die Charakteristika dieser Lebensumstände werden durch vielfältige musikalische und ausdrucksstarke Mittel geschaffen. Die Verallgemeinerung durch Genres spielt eine wichtige Rolle: Liszt verwendet bestimmte, historisch etablierte Genres wie Marsch, Choral, Menuett, Pastoral und andere, die zur Spezifizierung beitragen Musikalische Bilder und machen sie leichter wahrnehmbar. Er verwendet häufig visuelle Techniken, um Bilder von Stürmen, Schlachten, Pferderennen usw. zu erstellen.

Aus dem Primat des zentralen Bildes ergibt sich das Prinzip des Monothematismus – das gesamte Werk basiert auf einer Modifikation eines Leitthemas. So sind viele Heldengedichte Liszts aufgebaut („Tasso“, „Präludien“, „Mazeppa“). Monothematik ist weitere Entwicklung Variationsprinzip: Anstatt nach und nach die Möglichkeiten des Themas aufzuzeigen, erfolgt ein direkter Vergleich seiner in der Natur weit entfernten, oft gegensätzlichen Varianten. Dadurch entsteht ein einziges und zugleich vielschichtiges, wandelbares Bild des Helden. Die Transformation des Hauptthemas wird als Darstellung verschiedener Seiten seines Charakters wahrgenommen – als Veränderungen, die sich aus bestimmten Lebensumständen ergeben. Abhängig von der konkreten Situation, in der der Held agiert, ändert sich auch die Zusammensetzung seines Themas.

Liszt ist ein Erneuerer und Schöpfer des Genres der symphonischen Dichtung.

Eine symphonische Dichtung ist eine programmatische Orchesterkomposition – eine Gattung, die in der Epoche der Romantik weit verbreitet war und Features umfasst Programm Symphonie und Konzertouvertüre. Dieses Genre entwickelte sich vollständig im Werk von F. Liszt, der diesen Namen einführte. Er gab es erstmals 1854 in der Tasso-Ouvertüre. Danach begann er, alle seine einsätzigen symphonischen Werke Symphonische Dichtungen zu nennen. Der Name selbst weist auf die Verbindung zwischen Musik und Poesie hin. Eine weitere wichtige Art von Programmmusik ist die Programmsymphonie.

Liszt schrieb 13 symphonische Gedichte, die berühmtesten sind Präludien (1848), Tasso, Orpheus (1854), Hunnenschlacht (1857), Ideale (1867) und Hamlet (1858). Seine Gedichte vereinen verschiedene Strukturen und Merkmale verschiedener Instrumentalgenres.

Monothematismus (von mono... und Thema), das Prinzip der Konstruktion eines Musikwerks, das mit der Vereinigung eines Sonaten-Symphonie-Zyklus oder daraus abgeleiteter einstimmiger Formen mit einem Thema verbunden ist. Ein frühes Beispiel des Monothematismus ist Beethovens 5. Symphonie, deren Eröffnungsthema sich in veränderter Form durch alle Sätze zieht. Der Monothematismus erreichte in dieser Zeit seine höchste Entwicklung Musikalische Romantik, in den programmatischen Musikwerken von G. Berlioz und F. Liszt. In den symphonischen Gedichten von F. Liszt wird es verwendet neuer Typ Formen, die die Merkmale der Sonata Allegro und des Sonaten-Symphonie-Zyklus vereinen; Die Integrität der Werke wird durch die Verwendung eines Themas gewährleistet, das figurative Transformationen durchläuft und je nach unterschiedlichen Stadien der Handlungsentwicklung ein anderes Erscheinungsbild annimmt.

F. Liszt „Präludien“ – Symphonische Dichtung in C-Dur (1854)

Das Gedicht war als Ouvertüre zu vier Männerchören konzipiert und basiert auf Autrands Gedichten „Die vier Elemente“ („Erde“, „Winde“, „Wellen“, „Sterne“). Die erste Version wurde 1848 fertiggestellt. Bis 1854 wurde es umgestaltet als unabhängiger Aufsatz mit einem Epigraph von Lamartine. Liszts Gedicht ist viel heller und einfallsreicher als sein Programm. „Préludes“ ist eines von Liszts besten symphonischen Werken. Der Komponist ging als Schöpfer einer neuen romantischen Gattung in die Musikgeschichte ein – der „Symphonischen Dichtung“, einem einsätzigen symphonischen Werk freier Form.

Liszt gilt als wegweisende Persönlichkeit der Musikgeschichte. Als Komponist und Transkriptionist schuf er mehr als 1.300 Werke. In seiner kompositorischen Tätigkeit gab Liszt dem Soloklavier die Hand. Liszts vielleicht beliebtestes Werk ist „Träume der Liebe“, und zu seiner umfangreichen Liste weiterer Werke für Klavier gehören 19 Ungarische Rhapsodien, ein Zyklus von 12 Transzendentalen Etüden und drei Zyklen kurzer Stücke mit dem Titel „Die Jahre des Wanderns“. Liszt schrieb außerdem mehr als 60 Lieder und Romanzen für Gesang und Klavier sowie mehrere Orgelwerke, darunter eine Fantasie und eine Fuge zum Thema BACH.

Der größte Teil des Klaviererbes des Komponisten besteht aus Transkriptionen und Paraphrasen von Musik anderer Autoren. Zu Liszts Transkriptionen gehören Klaviertranskriptionen von Beethovens Sinfonien und Fragmente aus Werken von Bach, Bellini, Berlioz, Wagner, Verdi, Glinka, Gounod, Meyerbeer, Mendelssohn, Mozart, Paganini, Rossini, Saint-Saëns, Chopin, Schubert, Schumann und anderen.

Liszt wurde zum Schöpfer des Genres des einteiligen Halbprogramms symphonische Form, das er eine symphonische Dichtung nannte. Dieses Genre sollte außermusikalische Ideen zum Ausdruck bringen oder nacherzählen Musikalische Mittel Werke der Literatur und Bildende Kunst. Die Einheit der Komposition wurde durch die Einführung von Leitmotiven oder Leitthemen erreicht, die sich durch das gesamte Gedicht ziehen. Unter Orchesterwerke Liszts (oder Orchesterstücke) sind in seinen symphonischen Gedichten am interessantesten, insbesondere die Präludien (1854), Orpheus (1854) und Ideale (1857).

Für verschiedene Zusammensetzungen Unter Mitwirkung von Solisten, Chor und Orchester komponierte Liszt mehrere Messen, Psalmen und das Oratorium Die Legende der Heiligen Elisabeth (1861). Darüber hinaus sind die Faust-Symphonie mit Chorfinale (1857) und die Symphonie zu erwähnen Göttliche Komödie Dante mit einem Frauenchor am Ende (1867): Beide Werke basieren stark auf den Prinzipien symphonischer Dichtungen. Liszts Klavierkonzerte werden noch heute aufgeführt: A-Dur (1839, Ausgaben 1849, 1853, 1857, 1861) Es-Dur (1849, Ausgaben 1853, 1856). Liszts einzige Oper, der einaktige Don Sancho, wurde von einem 14-jährigen Komponisten geschrieben und gleichzeitig aufgeführt (sie lief über fünf Aufführungen). Opernpartitur, lange Zeit Es galt als verschollen und wurde 1903 entdeckt.

Die von Liszt verwendeten Chromismen waren nicht nur eine Bereicherung romantischer Stil Aber was noch wichtiger ist: Sie antizipierten die Krise der traditionellen Tonalität im 20. Jahrhundert. Liszt war ein Verfechter der Idee eines Gesamtkunstwerkes als höchste Form des künstlerischen Ausdrucks.

In den 30–40er Jahren des 19. Jahrhunderts neu Musikgenres: * Einteilige Programmsymphonische Dichtung, * Transkriptionen, Paraphrasen, Rhapsodien, für Klavier. Der Schöpfer dieser Genres ist der Komponist Franz Liszt (1811 – 1886). Gründer des ungarischen Profis klassische Musik. Liszt war Komponist herausragender Pianist Zusammen mit Chopin ist er der beste Pianist Europas. Liszt hat wie Chopin die Technik des Klavierspiels erheblich bereichert. Um die Klaviertechnik zu entwickeln, schuf er den Zyklus „Etudes of the Highest“. darstellende Fähigkeiten" Den größten Teil meines Lebens verbracht Solokonzerte V verschiedene Länder Europa. Dirigent, Förderer symphonischer Musik verschiedene Stile und Epochen. Blatt Musikkritiker, Musikwissenschaftler, veröffentlichte eine Reihe von Artikeln über Komponisten, hauptsächlich über die Romantiker. Lehrer an den Konservatorien Weimar und Genf, Aufnahme junger Komponisten, Popularisierung der Musik“ Mächtiger Haufen" Einsätziges Programm symphonischer Dichtung – Schöpfer Liszt. In diesem Genre verdichtete Liszt die Merkmale einer Symphonie in einem. Jedes Gedicht ist nach einem bestimmten Thema geschrieben Literarische Arbeit: „Hamlet“, „Tasso“, „Prometheus“, „Ideale“, „Orpheus“, „Was ist auf dem Berg zu hören?“, „Präludien“, „Ungarn“, Mazepa – die Hauptsache ist die Übermittlung des Allgemeinen Idee.

„Präludien“ – Gedichte von Lamartine, das Leben ist ein Vorspiel zum Tod. Sonatenform, in der Exposition des Hauptteils wird das Bild eines Menschen dargestellt, im Nebenteil - das Thema Liebe, in der Durchführung - eine Naturszene, in der Reprise - ein Marsch zur Überwindung aller Lebensprobleme, + feierliche FP und PP, mit erst PP, dann GP – eine Spiegelreprise.

Neuerung: 1) Ouvertüre – Einleitung – 3 Noten, der Eindruck ist, als würde ein Instrument gestimmt, und daraus entsteht das Thema Mensch und Liebe. Als Geburt verschiedener Themen werden Melodien ab dem 1. und gleicher Intonation bezeichnet Monothematismus. Die Genres Paraphrase und Transkription sind nicht neu, sie wurden in der Barockmusik in den Werken von I.S. gefunden. Bach. Transkription– eine Neuinterpretation der geschaffenen Musik durch einen anderen Autor, eine Klavierversion von Orchesterkonzerten unter Beibehaltung der Klänge des Originals. Leaf macht dasselbe. Im Barock entstand ein Genre (Bach verlagerte sich vom Konzert ins Heim – „Arrangements“). Paraphrase– + Element des Eigenen. Liszt übernimmt seine Lieblingsstücke aus Opern => Übertragung von Opernstücken auf das Klavier, + Einführung von Durchführungselementen (Kopierung des Quartetts und Variation von Schuberts Serenade). Rhapsody – Rapsod – reisender Volksmusikant, gebraucht Volksmotive. Freie Fantasie für die Menschen. Angesichts des kraftvollen Orchesterstils von Liszt wurden seine Rhapsodien für Sinfonieorchester arrangiert.

19. Romantische Instrumentalminiaturen.

(siehe Schumann)

20. Romantische Gesangsminiaturen.

(siehe Schubert)

21. Musikalische Helden der Ballade „Der Zar des Waldes“ von F. Schubert.

Siehe Schubert

22. „Präludien“ von F. Liszt – Merkmale des Genres.

Dieser Begriff tauchte 1854 in der Musikkunst auf: Der ungarische Komponist Franz Liszt definierte sein ursprünglich als Ouvertüre konzipiertes Orchesterwerk „Tasso“ als „symphonische Dichtung“. Mit dieser Definition wollte er betonen, dass es sich bei Tasso nicht nur um ein programmatisches Musikstück handelt. Es ist inhaltlich äußerst eng mit der Poesie verwandt. Anschließend verfasste Liszt zwölf weitere symphonische Gedichte.
Das bekannteste unter ihnen ist „Preludes“. Es basiert auf dem Gedicht „Preludes“ (genauer „Preludes“) des französischen romantischen Dichters Lamartine, in dem das gesamte menschliche Leben als eine Reihe von Episoden betrachtet wird – „Preludes“, die zum Tod führen. Liszts Werk entwickelte auch eine Form, die für eine symphonische Dichtung am charakteristischsten ist: frei, aber mit offensichtlichen Merkmalen eines Sonaten-Symphonie-Zyklus (siehe die Geschichte zur Symphonie), wenn sie ohne Pause zwischen den Sätzen aufgeführt wird. Die verschiedenen Episoden der symphonischen Dichtung weisen Ähnlichkeiten mit den Hauptabschnitten der Sonatenform auf: dem Haupt- und Nebenteil der Exposition, Durchführung und Reprise. Gleichzeitig können einzelne Episoden des Gedichts als Teile einer Symphonie wahrgenommen werden. Nach Liszt wandten sich viele Komponisten der von ihm geschaffenen Gattung zu. Der Klassiker der tschechischen Musik Bedřich Smetana verfügt über einen Zyklus symphonischer Gedichte, vereint unter dem allgemeinen Titel „Mein Vaterland“.
Der deutsche Komponist Richard Strauss liebte dieses Genre sehr. Sein „Don Juan“, „Don Quijote“ und „Die lustigen Streiche des Till Eulenspiegel“ sind weithin bekannt. Der finnische Komponist Jean Sibelius schrieb die symphonische Dichtung „Kalevala“, die auf dem finnischen Volksepos als literarischer Quelle basiert. Russische Komponisten zogen es vor, ihren Orchesterwerken dieser Art andere Definitionen zu geben: Fantasieouvertüre, symphonische Ballade, Ouvertüre, symphonisches Bild. Das in der russischen Musik übliche symphonische Genre weist einige Unterschiede auf. Seine Programmierung bezieht sich nicht auf die Handlung, sondern malt eine Landschaft, ein Porträt, ein Genre oder eine Kampfszene. Jeder kennt wahrscheinlich symphonische Filme wie „Sadko“ von Rimsky-Korsakov, „In Zentralasien“ von Borodin, „Baba Yaga“, „Kikimora“ und „The Magic Lake“ von Lyadov. Eine andere Variante dieses Genres – die symphonische Fantasie – die auch von russischen Komponisten geliebt wird, zeichnet sich durch eine größere Konstruktionsfreiheit aus, oft durch das Vorhandensein fantastischer Elemente im Programm.

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