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Wir laden Sie ein, in die italienische Kultur einzutauchen! Wie? Lernen Sie die schönsten Opernhäuser des Landes kennen.

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In Italien gibt es mehr als 60 Opernhäuser. Neben der weltberühmten Mailänder Scala, dem Fenice in Venedig und Neapolitaner San Carlo, die anerkannte Meisterwerke der Architektur sind, gibt es in Italien Dutzende Theater mit einer langen Geschichte, die einen bedeutenden Beitrag zur nationalen und europäischen Oper leisten.

Nationale Akademie der Heiligen Cäcilia in Rom

Die Nationale Akademie der Heiligen Cäcilia in Rom ist eine der ältesten Musikinstitutionen der Welt und wurde 1585 von Papst Sixtus V. gegründet. Ihre Konzert- und Symphoniegruppe ist international anerkannt.

Im 19. Jahrhundert waren neben Musikern auch Dichter, Tänzer, Musikwissenschaftler, Philologen, Geigenbauer, Regierende und Botschafter als Mäzene der Künste.

Als Ehrenmitglieder zählte die Akademie die Hauptfiguren der europäischen Musikszene: Cherubini, Morlacchi, Mercadante, Donizetti, Mayer, Rossini, Pacini, Paer, Paganini, Spohr, Auben, Adam, Bayo, Liszt, Mahler, Kramer, Thalberg, Czerny , Moshales, Mendelssohn, Berlioz, Thomas, Halévy, Gounod, Meyerbeer; Tänzerinnen Maria Taglioni, Fanny Cerrito, Schauspielerin Adelaide Ristori, Librettisten Jacopo Ferretti und Carlo Pepoli. Unter den regierenden Personen: Königin Victoria von England mit ihrem Ehemann Albert, König Wilhelm IV. von Preußen mit seiner Frau Elisabeth Louise, neapolitanische Könige Ferdinand II. mit seiner Frau Maria Theresia Isabella von Österreich.

Die Akademie hat sich weiterentwickelt aktuellen Zustand, wenn es aus 70 ordentlichen und 30 Ehrenmitgliedern besteht – den besten italienischen und ausländischen Musikern, Symphonieorchester und ein weltberühmter Chor.

Seit 2005 ist Antonio Pappano der Dirigent des Orchesters. Die Akademie hat ihren Sitz im Parco della Musica, der von einem der größten Architekten des 20. Jahrhunderts, Renzo Piano, geschaffen wurde.

Arena von Verona

Die Arena in Verona ist ein perfekt erhaltenes römisches Amphitheater, das drittgrößte in Italien und das Wahrzeichen von Verona.

Es wurde im 1.-3. Jahrhundert n. Chr. erbaut. und wurde, wie das Kolosseum, als Austragungsort verschiedener Aufführungen genutzt, darunter Zirkus- und Gladiatorenkämpfe.

Die Geschichte der Arena als Opernhaus beginnt im Jahr 1913, als hier am 10. Oktober Aida aufgeführt wurde. Die Wahl der Oper fiel an den veronesischen Tenor Giovanni Zenatello zu Ehren des 100. Geburtstages des Komponisten Giuseppe Verdi.

Seitdem empfängt die Arena jeden Sommer 50 Tage lang 6.000 Zuschauer und bietet abwechselnd 5-6 Opern, in denen die besten Opernsänger weltweit.

Diejenigen, die das Glück hatten, die Oper in der Arena zu sehen, bemerken die Erhabenheit der Szenerie, die sich während der Handlung schnell verändert. Erstaunliche Größe Orchestergraben Es bietet Platz für bis zu 150 Musiker und die Anzahl der beteiligten Künstler: Zusätzlich zum Orchester gibt es einen Chor mit 200 Personen, 100 Tänzer und Tänzerinnen sowie 200 Statisten!

Teatro Sferisterio in Macerata

Sferisterio ist architektonisch und akustisch ein einzigartiges Bauwerk. Der Bau des Theaters begann 1820 auf Initiative der Einwohner von Macerata, die Eröffnung erfolgte 1829. Seit mehr als einem Jahrhundert veranstaltet Sferisterio in seinen Mauern eine Vielzahl von Aufführungen. Hier finden Feiertage, Pferdeparaden sowie politische und sportliche Veranstaltungen statt.

1921 wurde dort die erste Oper aufgeführt. Es war Verdis Aida. Nach dem Zweiten Weltkrieg festigte das Theater unter der Leitung von Carlo Perucci seine Position und seine Opernsaisons erlangten weltweite Berühmtheit. Auf der Bühne traten die besten Künstler auf, darunter Mario del Monaco, Luciano Pavarotti, Katia Ricciarelli, Renato Bruzon, Montserrat Caballe und Placido d'Amigo.

Seit 2012 trägt das traditionelle Festival unter der Leitung von Francesco Michelli den Namen „Opernfestival von Macerata“.

Teatro alla Scala in Mailand

Die Scala ist zweifellos eines der berühmtesten Theater der Welt und das Wahrzeichen der Stadt Mailand.

Das Theater verdankt seinen Namen der Kirche Santa Maria alla Scala, die wiederum nach der Philanthropin Regina della Scala benannt wurde, die den Bau finanzierte. Im 18. Jahrhundert wurde die Kirche abgerissen, um Platz für den Bau eines Theaters zu machen, das am 3. August 1778 mit Antonio Salieris Oper „Europa anerkannt“ eröffnet wurde.

Seit 1812 ist die Scala dank der Produktion von Werken Rossinis zu einer Hochburg des italienischen Melodramas geworden. Das Repertoire entwickelte sich weiter, bis es daraus geformt wurde moderne Form. Das Theater ist vor allem mit dem Namen des Komponisten Giuseppe Verdi verbunden. Seine patriotische Oper Nabucco, die 1842 während des Kampfes um die Vereinigung Italiens auf der Bühne der Scala aufgeführt wurde, war ein phänomenaler Erfolg und stärkte die Position von Nationaloper auf der italienischen Bühne.

Die Theatergeschichte des 20. Jahrhunderts ist mit den Namen berühmter Künstler verbunden. Erwähnenswert sind auch die künstlerischen Leiter des Theaters wie Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Riccardo Muti und Daniel Barenboim. Künstler wie Maria Callas, Renata Tebaldi, Leila Jenser, Giulietta Simionato, Mirella Freni, Shirley Verrett, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Carlo Bergonzi, Luciano Pavarotti, Placido d'Amingo, Nikolai Ghiaurov und Piero Cappuccili arbeiteten mit dem Theater zusammen; Regisseure Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Luca Ronconi, große Choreografen und Tänzer Leonid Massine, George Balanchine, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Luciana Savignano.

Teatro Carlo Felice V Genua

Der Bau des Teatro Carlo Felice begann 1825 nach dem Entwurf des genuesischen Architekten Carlo Barabino. Die Eröffnung des Theaters fand am 7. April 1828 im Beisein der Herrscher des Königreichs Sardinien, Carlo Felice und Regina Maria Cristina, mit der Savoy Opera statt Vincenzo Bellini„Bianca und Fernando.“

Während des Zweiten Weltkriegs wurde der größte Teil des Theaters zerstört und die Wiederherstellung dauerte Jahrzehnte. Im Jahr 1991 erfolgte eine neue Entdeckung. Die Restauratoren haben die alten Elemente so weit wie möglich erhalten und die Inneneinrichtung wurde komplett modernisiert.

Im Theater finden Opern- und Ballettsaisonen statt. Sinfoniekonzerte und Autorenaufführungen.

Teatro Comunale in Bologna

Das Teatro Comunale wurde 1756 nach dem Entwurf des Architekten Antonio Galli da Bibbien gegründet, der das neue Stadttheater im Gebäude des Palazzo Bentivoglio platzierte.

Die Eröffnung des Theaters erfolgte 1763 mit der Aufführung der Oper „Der Triumph der Clelia“ nach dem Libretto von Pietro Metastasio. Die Musik zur Oper wurde von Gluck geschrieben.

In diesem Theater fand 1871 die italienische Erstaufführung von Wagners Oper „Lohengrin“, „Tannhäuser“ (1872), „ Fliegender Holländer„(1877), „Tristan und Isolde“ (1888), „Parsifal“ (1914). Aufgrund seiner Freundschaft mit Wagner wurde Bologna „Wagners Stadt“ genannt und der Komponist selbst wurde ihr Ehrenbürger.

Im 19. Jahrhundert wurden hier 20 Opern von Gioachino Rossini und 7 von 10 Opern von Vincenzo Bellini aufgeführt. Künstlerische Leiter des Theaters in andere Zeit es gab Mariani, Toscanini, Furtwängler, von Karajan, Gavazzeni, Celibidache, Solti, Delman und in der jüngeren Vergangenheit Muti, Abbado, Shelley, Thielemann, Sinopoli, Gatti und Jurowski.

Die meisten großen Sänger des 19. Jahrhunderts arbeiteten mit dem Teatro Comunale zusammen, darunter Stignani, Scipa, Gigli, Di Stefano, Christophe, Tebaldi, Del Monaco sowie Pavarotti, Freni, Bruzon, Horn, Ludwig, Anderson.

Musical City Theatre of Florence und das Florence Musical May Festival

Der Bau des Stadttheaters von Florenz war keine leichte Aufgabe und dauerte von 1861 bis 1968 mehr als ein Jahrhundert. Das erste Gebäude befand sich im offenen Amphitheater „Politeama di Barbano“, das 1862 vor etwa 7.000 Zuschauern eröffnet wurde.

Etwa ein Jahr nach der Eröffnung brach während eines Balls ein Feuer aus, das die Bühne zerstörte, das Gebäude beschädigte und Todesopfer forderte. Der Wiederaufbau des Theaters begann nach dem Entwurf des Ingenieurs Giulielmo Galanti. Nach Abschluss der Arbeiten begann das Theater wieder mit intensiver Arbeit. Allein im Jahr 1896 fanden 70 Aufführungen statt, darunter Opern wie „Honor Rusticana“, „Zanetto“, „Pagliacci“, „La Traviata“, „Il Trovatore“ und „Die Perlenfischer“.

Während des Ersten Weltkriegs wurde das Theatergebäude als Uniformlager genutzt. Die Restaurierungs- und Wiederaufbauarbeiten wurden auch nach dem Zweiten Weltkrieg fortgesetzt, in dem das Theater durch Bombenangriffe beschädigt wurde. Das Feuer zerstörte die Bühne, der Rest des Gebäudes blieb jedoch intakt.

Das Theater ist das schlagende Herz des renommierten jährlichen Opernfestivals „Musical May in Florence“, das 1933 vom Kunstmäzen Luigi Ridolfi Wei und dem Musiker Vittorio Gui gegründet wurde. Während des Festivals werden Opern, Konzerte, Ballette und Theaterstücke aufgeführt.

Mit dem Theater arbeiteten zusammen: berühmte Namen musikalische Welt wie Vittorio Gui, Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Zubin Mehta, von Karajan, Riccardo Muti, Maria Calla, Pietro Mascagni, Richard Strauss, Paul Hindemith, Bela Bartok, Igor Strawinsky, Luigi Dallapiccola, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen , Luciano Berio und andere. Zu den Regisseuren zählen Max Reinhart, Gustav Grundgens, Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Luca Rononi, Bob Wilson, Giorgio De Chirico und Oscar Kokoschka.

Italien, das der Welt so große Komponisten wie Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi und Puccini geschenkt hat, ist ein Land klassische Musik. Italien hat auch viele Ausländer inspiriert: So schuf Richard Wagner beispielsweise in Ravello seinen Parsifal, der der Stadt internationale Berühmtheit verschaffte, in der heute ein berühmtes Musikfestival stattfindet. Musikalische Jahreszeiten Geöffnet, je nach Theater, von November bis Dezember und ist ein wichtiges Ereignis in italienischer und internationaler Sprache Musikleben. TIO.BY und die italienische Tourismusagentur haben eine Auswahl der vielen italienischen Theater zusammengestellt. Wir haben für jedes Theater einen Link zum Programm angehängt.

Teatro La Scala in Mailand

Eines der berühmtesten Theater ist zweifellos die Mailänder Scala. Jedes Jahr wird die Saisoneröffnung zu einem hochkarätigen Ereignis, an dem berühmte Persönlichkeiten aus Politik, Kultur und Showbusiness teilnehmen.

Das Theater wurde auf Wunsch der österreichischen Königin Maria Theresia nach dem Stadtbrand im Jahr 1776 errichtet Königliches Theater Reggio Ducale. Die Jahreszeiten der Scala sind eines der bedeutendsten Ereignisse Kulturleben Milana. Auf dem Programm stehen abwechselnd Oper und Ballett sowie die Namen italienischer und ausländischer Komponisten.

Das Saisonprogramm finden Sie hier.

Teatro La Fenice in Venedig

Nicht weit hinter der Scala liegt das venezianische Opernhaus La Fenice, erbaut am Campo San Fantin im Viertel San Marco. Aus dem Italienischen übersetzt heißt das Theater „Phoenix“ – gerade weil es nach Bränden zweimal wiederbelebt wurde Feenvogel Phönix, aus der Asche. Letzte Restaurierung 2003 fertiggestellt.

Es beherbergt einen wichtigen Opernsalon und Internationales Festival zeitgenössische Musik sowie das jährliche Neujahrskonzert. Jede Jahreszeit ist reichhaltig und interessant und ihr Programm vereint Werke der Klassik und der Klassik modernes Repertoire. Bitte lesen Sie vor Ihrem Besuch das Saisonprogramm.

Teatro Real in Turin

Das Königliche Theater des Teatro Reggio in Turin wurde nach dem Willen von Viktor Amadeus von Savoyen erbaut. Fassade des Gebäudes XVIII Jahrhundert ist zusammen mit anderen Residenzen der Savoyer-Dynastie als UNESCO-Denkmal anerkannt.

Die Opern- und Ballettsaison beginnt im Oktober und endet im Juni, und jedes Jahr stehen auf dem Programm alle Arten von Musikveranstaltungen: Konzerte mit Chor- und Symphoniemusik, Kammermusikabende, Aufführungen im Teatro Piccolo Reggio für ein neues Publikum usw für Familienbesuche sowie ein Festival „MITO – Musical September“.

Rom bietet auch Liebhabern von Oper und Ballett viele Begegnungen mit Schönheit. Das wichtigste Zentrum der klassischen Musik ist die Römische Oper, auch Teatro Costanzi genannt, benannt nach ihrem Schöpfer Domenico Costanzi. Ein häufiger Gast dieses Theaters und künstlerischer Leiter der Saison 1909–1910 war Pietro Mascagni. Für Ballettliebhaber wird es interessant sein zu erfahren, dass hier am 9. April 1917 die italienische Erstaufführung von Igor Strawinskys Ballett „Der Feuervogel“ stattfand, aufgeführt von Mitgliedern der russischen Balletttruppe von Sergei Diaghilew.

Auf dem Programm des Theaters stehen zahlreiche Opernaufführungen, aber auch dem Ballett wird große Aufmerksamkeit geschenkt.
Während die Wintersaison der Römischen Oper im alten Gebäude an der Piazza Beniamino Gigli stattfindet, ist der atemberaubende archäologische Komplex der Caracalla-Thermen seit 1937 der Austragungsort der Open-Air-Sommersaison . Auf dieser Bühne aufgeführte Opernaufführungen erfreuen sich großer Beliebtheit beim Publikum, insbesondere bei Touristen, die von der Kombination dieses wunderbaren Ortes mit Opernaufführungen begeistert sind.

Teatro San Carlo in Neapel

Das wichtigste Theater in der Region Kampanien ist natürlich das Teatro San Carlo in Neapel. Es wurde 1737 auf Wunsch von König Karl aus der Bourbonen-Dynastie erbaut, der ein neues Theater als Repräsentation der königlichen Macht errichten wollte. San Carlo übernahm kleines Theater San Bartolomeo, und das Projekt wurde dem Architekten, Oberst der königlichen Armee Giovanni Antonio Medrano und dem ehemaligen Direktor des San Bartolomeo Theaters Angelo Carazale anvertraut. Zehn Jahre nach dem Bau des Theaters, in der Nacht des 13. Februar 1816, wurde das Gebäude durch einen Brand zerstört, wobei nur die Außenmauern und ein kleiner Anbau intakt blieben. Was wir heute sehen, ist ein Wiederaufbau, gefolgt von einer Sanierung.

Dieses wunderbare Theater empfängt Opernliebhaber immer mit einem sehr reichhaltigen Programm, das oft eine Reise in die neapolitanische Operntradition und die Rückkehr großer Klassiker des symphonischen Repertoires darstellt, einschließlich solcher, die durch das Prisma einer neuen Wahrnehmung und unter Beteiligung der Welt gelesen werden Prominente. In jeder Saison finden auf der Bühne des ältesten Opernhauses Europas glänzende Debüts und wunderbare Rückkehrer statt.

Natürlich ist es einfach unmöglich, die ganze Pracht des Theaters Italien zu beschreiben. Wir möchten Ihnen aber noch ein paar weitere Theater empfehlen, deren Programm Aufmerksamkeit verdient.

Philharmonisches Theater in Verona; Saisonprogramm unter dem Link.

Teatro Comunale in Bologna; Programme für die Opern-, Musik- und Ballettsaison.

Teatro Carlo Felice in Genua; Programme der Musical-, Opern- und Ballettsaison.

Königliches Theater von Parma; Saisonprogramm hier

Teatro Comunale in Treviso; Saisonprogramm hier

Giuseppe-Verdi-Opernhaus in Triest; Saisonprogramm hier

Konzertsaal-Auditorium im Park der Musik in Rom; Saisonprogramm

Der Inhalt des Artikels

ITALIENISCHES THEATER. Die Theaterkunst Italiens hat ihren Ursprung in Volksritualen und -spielen, Karneval, Kultliedern und Tänzen, die mit dem Naturkreislauf und der ländlichen Arbeit verbunden sind. Reich an Liedern und dramatische Aktion Es gab Maispiele , findet rund um ein loderndes Feuer statt, das die Sonne symbolisiert. Aus der Mitte des 13. Jahrhunderts. Lauda erscheint in Umbrien (lauda) , ein einzigartiges öffentliches Spektakel, -religiöse Lobgesänge, die nach und nach eine dialogische Form annahmen. Die Themen dieser Aufführungen waren überwiegend Evangelienszenen – die Verkündigung, die Geburt Christi, die Taten Christi … Unter den Verfassern von Laudas ragte der toskanische Mönch Jacopone da Todi (1230–1306) heraus. Sein berühmtestes Werk Madonnas Klage. Die Laudas dienten als Grundlage für die Entstehung geistlicher Darbietungen (sacre rappresentazioni), die sich im 14.–15. Jahrhundert entwickelten. (ursprünglich auch in Mittelitalien), ein mysteriöses Genre, das in nordeuropäischen Ländern verbreitet ist. Der Inhalt der geistlichen Darbietungen orientierte sich an den Handlungssträngen des Alten und Neuen Testaments, denen märchenhafte und realistische Motive hinzugefügt wurden. Die Aufführungen fanden auf einem auf dem Stadtplatz installierten Podium statt. Die Bühne wurde nach dem anerkannten Kanon gebaut – unten ist „Hölle“ (das offene Maul des Drachen), oben ist „Paradies“ und dazwischen liegen weitere Handlungsorte – „Berg“, „Wüste“. , „Königspalast“ usw. Einer der meisten berühmte Autoren Vertreter dieses Genres war Feo Belkari - Das Konzept von Abraham und Isaak (1449), Der heilige Johannes in der Wüste(1470) usw. Auch der Herrscher von Florenz, Lorenzo Medici, komponierte geistliche Aufführungen.

Im Jahr 1480 verfasste der junge Hofdichter und Altertumsexperte Angelo Poliziano (1454–1494) im Auftrag von Kardinal Francesco Gonzaga ein auf der Handlung basierendes Pastoraldrama altgriechischer Mythos Die Geschichte von Orpheus. Dies war das erste Beispiel für die Hinwendung zu Bildern der Antike. Mit Polizianos Stück, das von einem hellen, heiteren Gefühl durchdrungen ist, begann das Interesse an mythologischen Stücken und eine allgemeine Faszination für die Antike.

Das italienische Literaturdrama, mit dem die Geschichte des westeuropäischen Renaissance-Dramas beginnt, basierte in seiner Ästhetik auf den Erfahrungen des antiken Dramas. Die Komödien von Plautus und Terenz bestimmten für italienische humanistische Dramatiker die Themen ihrer Werke, die Besetzung der Charaktere und kompositorische Struktur. Sehr wichtig Es gab Inszenierungen lateinischer Komödien durch Schüler und Studenten, insbesondere in Rom unter der Leitung von Pomponio Leto in den 1470er Jahren. Unter Verwendung traditioneller Handlungsstränge führten sie neue Charaktere, moderne Farben und Wertungen in ihre Werke ein. Sie machten das wirkliche Leben zum Inhalt ihrer Stücke und die Menschen der Gegenwart zu ihren Helden. Der erste Komiker der Neuzeit war der große Dichter der italienischen Spätrenaissance, Ludovico Ariosto. Seine Stücke sind voller realistischer Gemälde und scharfsinniger satirischer Skizzen. Er wurde zum Begründer der italienischen Nationalkomödie. Von ihm geht die Entwicklung der Komödie in zwei Richtungen aus – rein unterhaltsam ( Kalandria Kardinal Bibiena, 1513) und satirisch, vertreten durch Pietro Aretino ( Gerichtsmoral, 1534, Philosoph, 1546), Giordano Bruno ( Leuchter, 1582) und Niccolò Machiavelli, der die beste Komödie seiner Zeit schuf – Alraune(1514). Im Allgemeinen waren die dramatischen Werke italienischer Komödienautoren jedoch unvollkommen. Es ist kein Zufall, dass die gesamte Bewegung den Namen „Wissenschaftliche Komödie“ (commedia erudita) erhielt.

Neben der literarischen Komödie kommt auch die Tragödie vor. Die italienische Tragödie brachte keine großen Erfolge. Viele Stücke dieses Genres wurden komponiert; sie enthielten schreckliche Geschichten, kriminelle Leidenschaften und unglaubliche Grausamkeit. Sie wurden „Horrortragödien“ genannt. Das erfolgreichste Werk des Genres - Sofonisba G. Trissino, geschrieben in Leerversen (1515). Trissinos Erfahrung wurde weit über Italien hinaus weiterentwickelt. Die Tragödie von P. Aretino hatte auch gewisse Vorteile Horaz (1546).

Das dritte – das erfolgreichste und lebendigste – Genre des italienischen Literaturdramas des 16. Jahrhunderts. wurde zu einer Pastorale, die sich an den Höfen Europas schnell verbreitete (). Das Genre erhielt einen aristokratischen Charakter. Sein Geburtsort ist Ferrara. Das berühmte Gedicht von G. Sannazzaro Arkadien(1504), das das Landleben und die Natur als „Ort der Entspannung“ feierte, markierte den Beginn der Bewegung. Die berühmtesten Werke des pastoralen Genres waren Aminta Torquato Tasso (1573), ein Werk voller wahrer Poesie und Renaissance-Einfachheit, sowie Treuer Hirte D.-B.Guarini (1585), das sich durch Komplexität und Intrige auszeichnet, und poetische Sprache, daher wird es als Manierismus klassifiziert.

Die Trennung des literarischen Dramas vom Publikum trug nicht zur Entwicklung des Theaters bei. Die Bühnenkunst wurde auf dem Platz geboren – in den Auftritten mittelalterlicher Possenreißer (Giullari), Erben der Pantomimen des antiken Roms, in fröhlichen Possenaufführungen. Die Farce (Farsa) entstand schließlich im 15. Jahrhundert. und erhält alle Zeichen populärer Darstellung – Effektivität, Possenreißer, alltägliche Konkretheit, satirisches Freidenken, wird zum Thema einer Farce, verwandelt in eine Anekdote. Auf helle, groteske Weise verspottete die Farce die Laster der Menschen und Gesellschaft. Farce gerendert großer Einflussüber die Entwicklung des europäischen Theaters und trug in Italien zur Schaffung einer besonderen Art von Bühnenkunst bei – der improvisierten Komödie.

Bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts. In Italien gab es kein professionelles Theater. In Venedig, das bereits an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert Vorreiter bei der Schaffung aller Arten von Spektakeln war. Es gab mehrere Amateurtheatergemeinschaften. An ihnen nahmen Handwerker und Menschen aus gebildeten Schichten teil. Nach und nach entstanden aus diesem Umfeld Gruppen von Semiprofessionellen. Die bedeutendste Etappe in der Geburt des professionellen Theaters ist mit dem Schauspieler und Dramatiker Angelo Beolco, genannt Ruzzante (1500–1542), verbunden, dessen Aktivitäten die Entstehung der Commedia dell'arte vorbereiteten. Seine Stücke Anconitanka, Moschetta, Dialoge gehören bis heute zum Repertoire des italienischen Theaters.

Bis 1570 wurden die wichtigsten künstlerischen Komponenten des neuen Theaters festgelegt: Masken, Dialekte, Improvisation, Possenreißer. Auch sein Name Commedia dell'arte wurde etabliert, was „professionelles Theater“ bedeutete. Der Name „Maskenkomödie“ ist späteren Ursprungs. Die Charaktere dieses Theaters, die sogenannten. permanente Typen (tipi fissi) oder Masken. Die beliebtesten Masken waren Pantalone, der venezianische Kaufmann, der Doktor, der Bologneser Anwalt, der die Rollen der Zanni-Diener Brighella, Harlekin und Pulcinella spielte, sowie des Kapitäns Tartaglia, der Magd Servette und zweier Liebespaare. Jede Maske hatte ihre eigene Tracht und sprach ihren eigenen Dialekt, nur die Liebenden trugen keine Masken und sprachen korrektes Italienisch. Die Schauspieler spielten ihre Stücke nach dem Drehbuch und improvisierten im Verlauf des Stücks den Text. Die Aufführungen enthielten immer viel Faulpelz und Possenreißer. Normalerweise spielte der Schauspieler der Commedia dell'arte sein ganzes Leben lang nur seine Maske. Die berühmtesten Truppen sind Gelosi (1568), Confidenti (1574) und Fedeli (1601). Unter den Darstellern waren viele großartige Schauspieler – Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli usw. Die Kunst des Maskentheaters erfreute sich nicht nur in Italien, sondern auch im Ausland großer Beliebtheit wurde als V bewundert Oberschicht Gesellschaft und das einfache Volk. Die Maskenkomödie hatte großen Einfluss auf die Entstehung der Nationaltheater in Europa. Der Niedergang der Commedia dell'arte begann in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts und gegen Ende des 18. Jahrhunderts. es hört auf zu existieren.

Die Entwicklung von Tragödie, Komödie und Pastoral erforderte für ihre Aufführung ein besonderes Gebäude. Neuer Typ geschlossener Theaterbau mit Logenbühne, Auditorium und Tiers wurde in Italien auf der Grundlage des Studiums der antiken Architektur geschaffen. Zur gleichen Zeit im italienischen Theater des 17. Jahrhunderts. Forschungen im Bereich Bühnenbild wurden erfolgreich durchgeführt (insbesondere wurden vielversprechende Bühnenbilder geschaffen), Theatermaschinen wurden entwickelt und verbessert. Sowohl im 12. als auch im 13. Jahrhundert. Im ganzen Land wurden sogenannte Theater gebaut. Italienisch (all"italiana), das sich dann in ganz Europa verbreitete ().

Trotz seiner wirtschaftlichen und politischen Rückständigkeit war Italien reich und vielfältig Theaterleben. Bis zum 18. Jahrhundert Italien hatte das beste Musiktheater der Welt, in dem zwei Arten unterschieden wurden – die ernste Oper und die komische Oper (Opera buffa). Es gab ein Puppentheater und überall wurden Commedia dell'arte-Aufführungen aufgeführt. Allerdings bahnt sich die Reform des Schauspielhauses schon seit längerem an. Im Zeitalter der Aufklärung entsprach die improvisierte Komödie nicht mehr den Anforderungen der Zeit. Es brauchte ein neues, seriöses Literaturtheater. Die Maskenkomödie konnte in ihrer bisherigen Form nicht existieren, ihre Errungenschaften mussten jedoch bewahrt und behutsam übertragen werden neues Theater. Dies wurde von Carlo Goldoni durchgeführt. Er führte die Reform sorgfältig durch. Er begann, vollständig geschriebene und literarische Texte einzelner Rollen und Dialoge in seine Stücke einzuführen, und das venezianische Publikum nahm seine Innovation mit Begeisterung auf. Diese Methode verwendete er erstmals in der Komödie Momolo, das Leben der Party(1738). Goldoni schuf ein Figurentheater und verzichtete dabei auf Masken, Drehbücher und Improvisation im Allgemeinen. Die Figuren seines Theaters verloren ihren konventionellen Inhalt und wurden zu lebendigen Menschen – Menschen ihrer Zeit und ihres Landes, Italien des 18. Jahrhunderts. Goldoni führte seine Reform in einem erbitterten Kampf mit seinen Gegnern durch. Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. ging als eine Zeit der Theaterkriege in die Geschichte Italiens ein. Abt Chiari, ein mittelmäßiger und daher harmloser Dramatiker, stellte sich gegen ihn, aber sein Hauptgegner, ihm an Talent ebenbürtig, war Carlo Gozzi. Gozzi verteidigte das Maskentheater und stellte es sich zur Aufgabe, die Tradition der improvisierten Komödie wiederzubeleben. Und irgendwann schien es ihm gelungen zu sein. Und obwohl Goldoni in seinen Komödien Raum für Improvisation ließ und Gozzi schließlich fast alle seiner dramatischen Werke selbst niederschrieb, war ihr Streit grausam und kompromisslos. Denn der Hauptnerv der Konfrontation zwischen den beiden großen Venezianern ist ihre Unvereinbarkeit öffentliche Positionen, in unterschiedlichen Ansichten über die Welt und den Menschen.

Goldoni war in seinen Werken ein Vertreter der Ideen des Dritten Standes, ein Verteidiger seiner Ideale und Moral. Die gesamte Dramaturgie von Goldoni ist vom Geist des vernünftigen Egoismus und der Praktikabilität geprägt – den moralischen Werten der Bourgeoisie. Gozzi war der erste, der sich der Propaganda solcher Ansichten von der Bühne aus widersetzte. Er schrieb zehn poetische Erzählungen für das Theater, die sogenannten. fiaba (Fiaba/Märchen). Der Erfolg von Gozzis Theatergeschichten war überwältigend. Und das venezianische Publikum verlor unerwartet schnell das Interesse an ihrem jüngsten Lieblingsstück Goldoni. Erschöpft vom Kampf gab Goldoni seine Niederlage zu und verließ Venedig. Dies änderte jedoch nichts am Schicksal der italienischen Etappenreform Nationaltheater zu diesem Zeitpunkt war es bereits vorbei. Und das italienische Theater folgte diesem Weg.

Aus dem Ende des 18. Jahrhunderts. In Italien beginnt die Ära des Risorgimento – des Kampfes um nationale Unabhängigkeit, um die politische Einigung des Landes und bürgerliche Transformationen – die fast ein Jahrhundert dauerte. Im Theater wird die Tragödie zum wichtigsten Genre. Der größte Tragödienautor war Vittorio Alfieri. Mit seinem Namen ist die Geburtsstunde der italienischen Repertoire-Tragödie verbunden. Er schuf fast im Alleingang eine zivile Tragödie. Als leidenschaftlicher Patriot, der von der Befreiung seines Heimatlandes träumte, widersetzte sich Alfieri der Tyrannei. Alle seine Tragödien sind vom heroischen Pathos des Freiheitskampfes durchdrungen.

Die Ära des Risorgimento brachte eine neue künstlerische Bewegung hervor – die Romantik. Formal fiel sein Erscheinen mit der Wiederherstellung der österreichischen Vorherrschaft zusammen. Der Kopf und Ideologe der Romantik war der Schriftsteller Alessandro Manzoni. Die Originalität der Theaterromantik in Italien liegt in ihrer politischen und nationalpatriotischen Ausrichtung. Der Klassizismus galt als Ausdruck der österreichischen Orientierung, einer Richtung, die nicht nur Konservatismus, sondern auch ein fremdes Joch bedeutete, und die Romantik vereinte die Opposition. Fast alle Schöpfer des italienischen Theaters folgten im Leben den Idealen, die sie verkündeten: Sie waren wahre Märtyrer der Idee – sie kämpften auf den Barrikaden, saßen in Gefängnissen, litten unter Armut und lebten lange Zeit im Exil. Unter ihnen sind G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari und andere.

Der Held der Romantik ist eine starke Persönlichkeit, ein Kämpfer für Gerechtigkeit und Freiheit und nicht so sehr für die persönliche Freiheit, sondern für die universelle Freiheit – die Freiheit des Mutterlandes. Die Aufgabe der Zeit bestand darin, alle Italiener im Kampf für eine gemeinsame Sache zu vereinen. Deshalb soziale Probleme in den Hintergrund treten und unbemerkt bleiben. Auch die italienischen Romantiker interessierten sich deutlich weniger für Fragen der tatsächlichen Form. Einerseits lehnten sie die strengen Regeln des Klassizismus ab und proklamierten ein Bekenntnis zu freien Formen, andererseits waren die Romantiker in ihrem Werk immer noch stark von der klassizistischen Ästhetik abhängig. Die Hauptinspirationsquelle für romantische Dramatiker ist Geschichte und Mythologie; Die Handlungsstränge wurden aus heutiger Sicht interpretiert, so dass die Aufführungen meist einen scharfen politischen Unterton annahmen. Die besten Tragödien sind Caius Gracchus V. Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), Ajax U. Foscolo (1811), Graf von Carmagnolla(1820) und Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) und Arnold Breshiansky(1843) D. B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Die Stücke sind in vielerlei Hinsicht nach klassizistischen Vorbildern entstanden, sind jedoch voller politischer Anspielungen und Tyrannenkampf-Pathos. Der größte Erfolg war die Tragödie von Silvio Pellico Francesca da Rimini (1815).

In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts wich die Heldentragödie dem Melodram. Neben der Komödie wurde auch Melodram verwendet großer Erfolg vom Betrachter. Der erste Dramatiker war Paolo Giacometti (1816–1882), der Autor von etwa 80 Theaterstücken. Seine besten Stücke: Elisabeth, Königin von England (1853), Judith(1858) und eines der Repertoire-Melodramen des 19. Jahrhunderts. Ziviler Tod(1861). Giacomettis Dramaturgie ist bereits völlig vom Klassizismus befreit, seine Stücke vereinen frei die Züge von Komödie und Tragödie, sie haben realistisch umrissene Charaktere, sie haben Rollen, die von den Theatern gerne in die Produktion übernommen wurden. Unter den Komikern stach auch Paolo Ferrari (1822–1889) hervor, ein produktiver Dramatiker und Fortsetzung der Traditionen von Carlo Goldoni. Seine Stücke verließen die Bühne erst gegen Ende des Jahrhunderts. Seine beste Komödie Goldoni und sechzehn seiner neuen Komödien(1853) wird weiterhin in Italien aufgeführt.

In den 1870er Jahren entstand im siegreichen und vereinten Italien eine neue künstlerische Bewegung, der Verismus. Die Theoretiker des Verismus, Luigi Capuana und Giovanni Verga, argumentierten, dass der Künstler nur Fakten darstellen sollte, das Leben ohne Ausschmückung zeigen sollte, er sollte unparteiisch sein und sich seiner Einschätzungen und Kommentare enthalten. Die meisten Dramatiker hielten sich sehr strikt an diese Regeln, und vielleicht beraubte dies ihre Werke des echten Lebens. Beste Werke stammen aus der Feder von D. Verga (1840–1922), er hat häufiger als andere gegen die Vorschriften der Theorie verstoßen. Zwei seiner Stücke Landesehre(1884) und Wölfin(1896) gehören noch heute zum Repertoire italienischer Theater. Die Stücke sind meisterhaft gemacht. Das Genre ist eine Tragödie aus dem Volksleben. Sie zeichnen sich durch einen kraftvollen dramatischen Nerv, Strenge und Zurückhaltung der Ausdrucksmittel aus. 1889 schrieb P. Mascagni eine Oper Landesehre.

Ende des 19. Jahrhunderts. Es erscheint ein Dramatiker, dessen Ruhm über die Grenzen Italiens hinausgeht. Gabriele D'Annunzio schrieb ein Dutzend Stücke, die er Tragödien nannte. Alle wurden in sie übersetzt Europäische Sprachen. Um die Jahrhundertwende war D'Annunzio ein sehr beliebter Dramatiker, der üblicherweise als Symbolismus und Neoromantik klassifiziert wird, obwohl er auch Merkmale des Neoklassizismus aufweist.

Generell waren die dramaturgischen Leistungen jedoch mehr als bescheiden; Italienisch 19. Jahrhundert blieb als Schauspielzeitalter in der Geschichte des Theaters. Die große Tragödie brachte keine großen dramatischen Werke hervor. Aber das tragische Thema erklang immer noch im Theater, wurde gehört und aufgenommen weltweite Anerkennung. Dies geschah in der Oper (Giuseppe Verdi) und in der Kunst der großen italienischen Tragiker. Ihrem Erscheinen ging eine Theaterreform voraus.

Der dem Klassizismus nahestehende Schauspielertyp blieb lange Zeit im italienischen Theater erhalten: Die darstellende Kunst blieb von Deklamation, Rhetorik, kanonischen Posen und Gesten gefangen. Eine Reform der darstellenden Künste, die in ihrer Bedeutung der Reform von Carlo Goldoni gleichkam, wurde Mitte des Jahrhunderts von dem brillanten Schauspieler und Theaterregisseur Gustavo Modena (1803–1861) durchgeführt. In vielerlei Hinsicht war er seiner Zeit voraus. Modena brachte einen Mann mit all seinen Gesichtszügen, natürlicher Sprache, „ohne Firnis, ohne Buskins“ auf die Bühne. Er schuf einen neuen Schauspielstil, dessen Hauptmerkmale Einfachheit und Wahrheit waren. In seinem Theater wurde dem Ministerpräsidentenamt der Kampf angesagt, es gab eine Tendenz zur Abkehr von starren Rollenverhältnissen und erstmals stellte sich die Frage nach einem Schauspielensemble. Der Einfluss Gustavo Modenas auf seine Zeitgenossen und Kollegen war enorm.

Adelaide Ristori (1822–1906) war keine Schülerin von Modena, fühlte sich jedoch seiner Schule nahestehend. Als erste große tragische Schauspielerin, deren Kunst außerhalb Italiens Anerkennung fand, war sie eine wahre Heldin ihrer Zeit und drückte deren patriotisches revolutionäres Pathos aus. In der Geschichte des Theaters blieb sie die Darstellerin mehrerer tragischer Rollen: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Myrrhe Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Maria Stuart ( Maria Stuart Schiller). Ristori fühlte sich zu Charakteren hingezogen, die stark, integral, heroisch und voller großer Leidenschaft waren. Die Schauspielerin bezeichnete ihren Stil als realistisch und schlug den Begriff „farbenfroher Realismus“ vor, was „italienische Leidenschaft“, „feuriger Ausdruck von Leidenschaften“ bedeutet.

Das Gegenteil von Ristori war Clementina Cazzola (1832–1868), eine romantische Schauspielerin, die Bilder von subtiler Lyrik und psychologischer Tiefe schuf und zu komplexen Charakteren fähig war. Sie war im Gegensatz zu Ristori, der immer den Hauptcharakterzug der Figur hervorhob. Im italienischen Theater gilt Cazzola als Vorgänger von E. Duse. Zu ihren besten Rollen gehört Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Dame mit Kamelien Dumas), Adriene Lecouvreur ( Adriene Lecouvreur Schreiber) sowie die Rolle der Desdemona ( Othello Shakespeare), das sie zusammen mit ihrem Mann, dem großen Tragiker T. Salvini, spielte.

Tommaso Salvini, ein Schüler von G. Modena und L. Domeniconi, einer der prominentesten Vertreter des Bühnenklassizismus. Der Schauspieler hat kein Interesse ein gewöhnlicher Mensch, sondern ein Held, dessen Leben einem hohen Ziel gewidmet ist. Er schätzte Schönheit über die alltägliche Wahrheit. Er hob das Bild eines Mannes hoch. Seine Kunst verband auf organische Weise das Große und das Gewöhnliche, das Heroische und das Alltägliche. Er verstand es meisterhaft, die Aufmerksamkeit des Publikums zu kontrollieren. Er war ein Schauspieler mit starkem Temperament, ausgeglichen durch einen starken Willen. Bild von Othello ( Othello Shakespeare) ist Salvinis höchste Schöpfung, „ein Denkmal, ein Mahnmal, ein Gesetz für die Ewigkeit“ (Stanislawski). Er spielte sein ganzes Leben lang Othello. Zu den besten Werken des Schauspielers zählen auch Hauptrollen in Theaterstücken. Weiler, König Lear, Macbeth Shakespeare sowie Corrados Rolle in dem Stück Ziviler Tod Giacometti.

Das Werk eines anderen brillanten Tragikers, Ernesto Rossi (1827–1896), repräsentiert eine andere Etappe in der Entwicklung der italienischen Bühnenkunst. Er war der beliebteste und beständigste Schüler von G. Modena. In jeder Figur versuchte Rossi, keinen idealen Helden, sondern nur eine Person zu sehen. Als äußerst subtiler psychologischer Schauspieler konnte er gekonnt die innere Welt zeigen und die kleinsten Nuancen des Charakters der Figur vermitteln. Shakespeares Tragödien bilden die Grundlage von Rossis Repertoire; er widmete ihnen 40 Jahre seines Lebens und spielte sie bis zu seinem letzten Tag. Dies sind die Hauptrollen in Theaterstücken Weiler, Romeo und Julia, Macbeth, König Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Caesar, Der Kaufmann von Venedig. Er spielte auch in den Stücken von Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri und Corneille und spielte in den kleinen Tragödien von Puschkin und Iwan dem Schrecklichen im Drama von A. K. Tolstoi. Als realistischer Künstler, ein Meister der Transformation, akzeptierte er den Verismus nicht, obwohl er sich selbst mit all seiner Kunst auf sein Erscheinen vorbereitete.

Der Verismus als künstlerisches Phänomen kam auf der Bühne am deutlichsten zum Ausdruck durch Ermette Zacconi (1857–1948). Zacconis Repertoire besteht hauptsächlich aus modernen Stücken. Mit großem Erfolg spielte er in den Werken von Ibsen, A. K. Tolstoi, I. S. Turgenjew, Giacometti ... Eine wichtige Figur war auch sein älterer Zeitgenosse Ermette Novelli (1851–1919), ein Schauspieler von großem Ausmaß, ein brillanter Komiker. Sein kreativer Stil umfasste alles von Comedy dell'arte bis hin zu großer Tragödie und Naturalismus.

Die bedeutendste Tragödienschauspielerin der Jahrhundertwende war die legendäre Eleonora Duse. Die subtilste psychologische Schauspielerin, deren Kunst mehr zu sein schien als die Kunst der Transformation.

19. Jahrhundert – die Blütezeit der Dialektkultur. Am weitesten verbreitet ist es in Sizilien, Neapel, Piemont, Venedig und Mailand. Dialekttheater ist eine Idee der Commedia dell'arte, von der er vieles übernommen hat: den improvisatorischen Charakter des Spielens nach einem vorgefertigten Drehbuch, die Liebe zum Slapstick, zu Masken. Die Aufführungen erfolgten im lokalen Dialekt. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Dialektdramaturgie begann gerade erst, ihre literarische Grundlage zu erlangen. Das damalige Dialekttheater war in erster Linie ein Schauspieltheater. Der Sizilianer Giovanni Grasso (1873–1930), ein „primitiver Tragiker“, ein Schauspieler von elementarem Temperament, ein brillanter Darsteller blutiger Melodramen, war nicht nur in Italien, sondern auch im Ausland bekannt. Der Nordländer Edoardo Ferravilla (1846–1916), ein brillanter Komiker, Autor und Interpret seiner Texte, hatte enormen Erfolg. Antonio Petito (1822–1876) ist die legendärste Figur des neapolitanischen Theaters, ein brillanter Improvisator, der in der Technik der Commedia dell'arte arbeitete, und ein unübertroffener Darsteller der Pulcinella-Maske. Sein Schüler und Anhänger Eduardo Scarpetta (1853–1925), ein brillanter Schauspieler, „König der Komiker“, Schöpfer seiner Maske Felice Scioshamocchi, berühmter Dramatiker. Seine beste Komödie ist Die Armen und der Adel (1888).

20. Jahrhundert.

Frühes 20. Jahrhundert ging als Zeit der Theaterrevolution in die Geschichte der darstellenden Künste ein. In Italien übernahmen die Futuristen die Rolle der Innovatoren der Szene. Ihr Ziel ist es, die Kunst der Zukunft zu schaffen. Futuristen lehnten das akademische Theater und bestehende Theatergenres ab, versuchten, den Schauspieler aufzugeben oder seine Rolle auf eine Marionette zu reduzieren, und auch das Wort aufzugeben und es durch plastische Kompositionen und Szenografie zu ersetzen. Sie betrachteten das traditionelle Theater als statisch und glaubten, dass im Zeitalter der maschinellen Zivilisation die Bewegung das Wichtigste sei. Die bekanntesten Figuren des Futurismus waren F. T. Marinetti (1876–1944) und A. J. Bragaglia (1890–1961). Ihre Theatermanifeste: Manifest des Varietétheaters(1913) und Manifest des futuristischen synthetischen Theaters(1915) haben bis heute nicht an Bedeutung verloren. Die Dramaturgie der Futuristen besteht hauptsächlich aus Werken von Marinetti, sogenannten Synthesen ( kurze Sketche, öfter ohne Worte vorgetragen). Das größte Interesse gilt dem Bühnenbild: in futuristisches Theater Die besten Künstler dieser Zeit wirkten: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Beim Publikum hatte das futuristische Theater keinen Erfolg: Die Aufführungen sorgten oft für Empörung und waren nicht selten mit Skandalen verbunden. Die Rolle der Futuristen wurde später – in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts – deutlich: Damals wurden ihre Ideen weiterentwickelt. Zusammen mit dem sogenannten Als „groteske Dramatiker“ und „Twilight“-Dramatiker bereiteten die Futuristen den Auftritt der größten Theaterfigur des 20. Jahrhunderts vor. L. Pirandello. Von großer Bedeutung waren in den Jahren 1920–1930 auch die Aktivitäten ausländischer Regisseure: Dies waren Inszenierungen von M. Reinhardt, W.I Tatjana Pawlowa (1896–1975), die die Italiener mit der russischen Theaterschule und den Lehren Stanislawskis bekannt machte.

Luigi Pirandello begann 1910 mit dem Schreiben für das Theater. In seinen ersten Theaterstücken, die sich dem Leben in Sizilien widmeten und im sizilianischen Dialekt verfasst waren, war der Einfluss des Verismo deutlich zu spüren. Die Hauptthemen seiner Arbeit sind Illusion und Realität, Gesicht und Maske. Er geht davon aus, dass alles auf der Welt relativ ist und es keine objektive Wahrheit gibt.

Weitere bedeutende Schauspieler dieser Zeit sind Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) und die Gramatica-Schwestern Irma (1870–1962) und Emma (1875–1965). Unter den Dramatikern wurde Sem Benelli (1877–1949), Autor eines Repertoirestücks, berühmt Abendessen voller Witze(1909) und Ugo Betti (1892–1953), dessen bestes Stück Korruption im Justizpalast(1949).

Zwischen den beiden Weltkriegen nahm das Dialekttheater einen bedeutenden Platz in der italienischen Kultur ein (obwohl die Politik des faschistischen Staates auf die Unterdrückung von Dialekten abzielte). Besonders erfolgreich war das neapolitanische Theater. Im Jahr 1932 nahm das Humorvolle Theater der Gebrüder De Filippo seinen Betrieb auf. Die größte Figur dieser Zeit war jedoch Raffaele Viviani (1888–1950), ein Mann mit „leidendem Gesicht und den funkelnden Augen eines Landstreichers“, der Schöpfer seines eigenen Theaters, Schauspieler und Dramatiker. Vivianis Stücke erzählen vom Leben gewöhnlicher Neapolitaner; sie enthalten viel Musik und Lieder. Zu seinen besten Komödien gehören Toledo-Straße bei Nacht(1918), Neapolitanisches Dorf (1919), Fischer (1924), Der letzte Straßengammler (1932).

Die Zeit des Widerstands und die ersten Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg gingen als zweites Risorgimento in die Geschichte Italiens ein – so entscheidend und unumkehrbar waren die Veränderungen in allen Lebens- und Kunstbereichen. Nach vielen Jahren gesellschaftlicher Stagnation geriet alles in Bewegung und verlangte nach Veränderung. Und wenn das Theater in den Jahren der faschistischen Diktatur buchstäblich von Lügen, Rhetorik und Pomp erstickt wurde (das war die Linie der offiziellen Kunst), spricht es nun endlich in menschlicher Sprache und spricht einen lebenden Menschen an. Die Kunst des Nachkriegsitaliens überraschte die Welt mit ihrer Aufrichtigkeit. Das Leben kam so auf die Leinwand und die Bühne, wie es ist, mit all seiner Armut, seinem Kampf, seinen Siegen und Niederlagen und seinen einfachen menschlichen Gefühlen. Nach dem Krieg entwickelte sich das Theater im Einklang mit dem Neorealismus, einer der demokratischsten und humanistischsten Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts. Das Dialekttheater erwacht zu neuem Leben. Der Neapolitaner Eduardo De Filippo erlangt nationale Anerkennung und sein Drama erobert schnell die Bühnen der Welt. Er nannte seine Stücke „Dramatisierungen des wirklichen Lebens“. In seinen traurigen Komödien wir reden überüber das Leben, über familiäre Beziehungen, über Moral und den Zweck des Menschen, über die Probleme von Krieg und Frieden.

Der Beruf des Regisseurs, der um die Jahrhundertwende im europäischen Theater auftauchte, etablierte sich in Italien erst in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. Der erste Regisseur im europäischen Sinne war Luchino Visconti (1906–1976), ein realistischer Künstler mit ausgeprägtem Sinn für Schönheit, überzeugter Antifaschist und Humanist, der sowohl im Theater als auch im Kino tätig war. Im Visconti-Theater wird die Aufführung als Ganzes verstanden, einem einzigen Konzept untergeordnet, dem Ministerpräsidentenamt wird der Kampf angesagt und die Schauspieler lernen, im Ensemble zu arbeiten. Am meisten bedeutende Arbeit Visconti im Schauspielhaus: Verbrechen und Strafe Dostojewski (1946), Der Glaszirkus (1946), Straßenbahnwunsch T. Williams (1949), Rosalind oder Wie es euch gefällt (1948), Troilus und Cressida Shakespeare, Orest Alfieri (1949), Gastwirt Goldoni (1952), Drei Schwestern (1952), Onkel Ivan (1956), Der Kirschgarten(1965) Tschechow.

In den ersten Nachkriegsjahren begann in Europa eine Bewegung für zugängliches und verständliches Volkstheater. In Italien verschmolz es mit dem Kampf für stationäre Theater, genannt Stabile (stabil/permanent). Der erste Stabile war das Piccolo Teatro in Mailand, das 1947 von P. Grassi und G. Strehler gegründet wurde. Kunsttheater im Dienste der Gesellschaft – dieser Aufgabe hat sich das Piccolo Teatro gestellt. In Strehlers Werk finden sich mehrere Linien europäischer Theaterkultur: nationale Tradition Commedia dell'arte, die Kunst des psychologischen Realismus und des epischen Theaters.

In den 1960er und 1970er Jahren erlebte das europäische Theater einen Aufschwung. Eine neue Generation von Regisseuren und Schauspielern kam ins italienische Theater. Junge Menschen, die sich der Erschöpfung der traditionellen Bühnensprache am deutlichsten bewusst waren, begannen, den neuen Raum zu meistern, anders mit Licht und Ton zu arbeiten und nach neuen Formen der Beziehung zum Publikum zu suchen. In diesen Jahren arbeiteten Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico und Leo De Berardinis aktiv. Die bedeutendsten Persönlichkeiten der Sechziger-Generation sind jedoch: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Sie alle haben viel getan, um sich zu bereichern Theatersprache Ihre Entdeckungen werden in der Theaterpraxis häufig genutzt.

Dario Fo ist der prominenteste Vertreter des politischen Theaters. Fo interessiert sich für den Menschen als sozialen Typus mit hellen, spitzen, übertriebenen Gesichtszügen, der sich in einer akuten, absurden, paradoxen Situation befindet. Er verwendet häufig Techniken des Volkstheaters wie Improvisation und Slapstick.

Carmelo Bene (geb. 1937) ist der anerkannte Kopf der italienischen Avantgarde der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Bene wird als großartiger Schauspieler bezeichnet. Er selbst schreibt, führt Regie und spielt die Hauptrollen in seinen Werken. Sein Werk besteht in der untrennbaren Einheit von Autor, Schauspieler und Regisseur. Bene ist Autor zahlreicher Aufführungen, die überwiegend auf Werken der Weltliteratur und des Theaters basieren: Pinocchio Callodi (1961), Faust und Margarita (1966), Salome Wilde (1972), Türkische Muttergottes Bene (1973), Romeo und Julia (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979), Macbeth (1983), Weiler(wiederholt eingestellt) usw. Dies sind alles Originalkompositionen von Bene, basierend auf Berühmte Werke und erinnert sehr vage an sie. Bene lehnt die traditionelle dramatische Form ab: In seinen Aufführungen gibt es keine Ereignisse, die auf dem Prinzip von Ursache und Wirkung basieren, es gibt keine Handlung und keinen Dialog im üblichen Sinne, das Wort wird manchmal durch Ton ersetzt und das Bild zerfällt buchstäblich in Stücke. wird zu einem unbelebten Objekt oder verschwindet ganz. Requiem für einen Mann – so könnte man den Hauptinhalt seiner Kunst definieren.

Zu den Jüngeren, die derzeit erfolgreich im italienischen Theater arbeiten, zählen der Regisseur Federico Tiezzi (1951), der Regisseur und Schauspieler Giorgio Barberio Corsetti (1951) und der Regisseur Mario Martone (1962), der mehrere Jahre lang das römische Theater „Stabile“ leitete. , das eine Reihe sehr interessanter Aufführungen inszenierte, darunter das äußerst erfolgreiche Theaterstück Zehn Gebote R. Viviani (2001).

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Das italienische Theater, das zu einem Regietheater geworden war, hörte nicht auf, ein Theater großer Schauspieler zu sein. Die besten Schauspieler des Landes haben schon immer in den Produktionen der größten Regisseure mitgewirkt. Das gilt für Eduardo de Filippo, Giorgio Strehler und Luchino Visconti ebenso wie für die Regisseure der Sechzigerjahre, die im Zuge des Protests ins Theater kamen. Der Kern von Viscontis Truppe war das Ehepaar Rina Morelli und Paolo Stoppa, subtile psychologische Schauspieler, die in allen seinen Aufführungen im dramatischen Theater mitwirkten. Auch Vittorio Gassman hatte bei Viscontis Auftritten (insbesondere bei Auftritten) enormen Erfolg Orest Alfieri und Troilus und Cressida Shakespeare). Nachdem er Visconti verlassen hatte, spielte Gassman viel im klassischen Repertoire; Seine bemerkenswertesten Werke waren Theaterstücke Othello Und Macbeth Shakespeare.

Gemäß der langjährigen Tradition des italienischen Theaters gruppierte sich die Truppe in der Regel um einen großen Schauspieler (oder eine große Schauspielerin) und die Aufführungen orientierten sich in der Regel an der Aufführung der Uraufführung. In einer solchen Theatergruppe war der erste Schauspieler, der Starschauspieler (in Italien Divo oder Mattatore genannt), oft von sehr schwachen Darstellern umgeben.

Seit mehreren Jahrzehnten (bis jetzt) ​​treten die sehr beliebten Schauspieler Giorgio Albertazzi und Anna Proklemer auf den Bühnen italienischer Theater auf und spielen Hauptrollen hauptsächlich in Stücken des klassischen Weltrepertoires. Viele sehr berühmte und vom italienischen Publikum geliebte Schauspieler arbeiteten viel im Theater verschiedene Generationen, darunter Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi und Franco Parenti, dessen Name heute nach einem der Theater in Mailand benannt ist. Parenti arbeitete auch am Piccolo Teatro mit Giorgio Strehler. Im Strehler Theater spielten schon immer großartige Schauspieler. Das ist Tino Buazzelli, der berühmte Darsteller der Rolle des Galileo in dem Stück Leben von Galileo B. Brecht. Tino Carraro, der viele Jahre lang Hauptrollen in Shakespeares Stücken spielte ( König Lear, Sturm), Brecht, Strindberg und andere. Eine herausragende Darstellerin weiblicher Rollen im Regietheater war Valentina Cortese, zu deren Höhepunkten die Rolle der Ranevskaya gehörte Kirschgarten(Produktion 1974). Unter den Jüngeren sticht Pamella Villoresi hervor, eine wunderbare Darstellerin weiblicher Charaktere in den Komödien von Carlo Goldoni, in den Stücken von Lessing, Marivaux und anderen. letzte Periode Seine Muse im Schaffen des Regisseurs war die Schauspielerin Andrea Jonasson, die in Inszenierungen von Brecht, Lessing, Pirandello und anderen dramatische Rollen spielte. Spezieller Ort Zu den Schauspielern des Piccolo Teatro gehören zwei großartige Darsteller der Harlekin-Maske – Marcello Moretti und Ferruccio Soleri in der legendären Aufführung Harlekin basierend auf Goldonis Komödie Diener zweier Herren.

Auch Luca Ronconi versammelt eine Gruppe seiner Schauspieler um sich. Dies sind vor allem zwei Schauspielerinnen der älteren Generation, Franca Nuti und Marisa Fabbri, die in Produktionen des Regisseurs die Hauptrollen spielten Bacchae Euripides (1978), Geister Ibsen, Letzten Tage Menschheit Kraus und andere, Mariangela Melato, die mitspielten beste Werke Regisseur wie Wütender Roland Und Orestie. Er arbeitete viel mit Ronconi und Massimo de Francovich zusammen, zu dessen größten Erfolgen die Rolle des Lear in dem Stück gehörte König Lear, sowie der junge Massimo Popolizio, ein Schauspieler mit breitem Spektrum, der sowohl mit den Rhythmen des Dramas als auch der Komödie umgehen kann (seine Rolle als zwei Brüder in Goldonis Komödie brachte ihm enormen Erfolg). Venezianische Zwillinge).

Besonders hervorzuheben sind die Akteure der neapolitanischen Schule. Zu den bekanntesten zählen die Schauspieler der älteren Generation Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo und Pupella Maggio, die viel im Eduardo de Filippo-Theater arbeiteten. Zu den jüngeren Schauspielern zählen Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone und andere.

Zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts. trat als eine Zeit der Renaissance der Szenografiekunst in die Geschichte des italienischen Theaters ein. Die besten Künstler haben immer mit den besten Regisseuren des Landes zusammengearbeitet. Die auffälligsten Figuren sind Luciano Damiani und Ezio Frigerio; Ihre Namen erscheinen auf den Plakaten aller besten Auftritte Strehlers. Und auch das – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornyakova

Theater La Scala - Teatro alla Scala(MAILAND)

Perle der Welt Musikkultur. Man kann sich kaum ein Theater mit einer glänzenderen Geschichte als die berühmte Mailänder Scala vorstellen. In den mehr als 300 Jahren ihres Bestehens haben diese Mauern viel gesehen, aber es ist ihnen gelungen, das vielleicht Wichtigste für das Theater zu bewahren – seinen einzigartigen Charme und sein Geheimnis. Die Konzertsaison an der Scala dauert von Dezember bis Juni (im Herbst finden auf der Bühne Sinfoniekonzerte statt). Die Saisoneröffnung ist besonders feierlich. Es ist immer der 7. Dezember – der Tag des Heiligen Ambrosius, dem Schutzpatron von Mailand. Leider sind die Tickets manchmal sechs Monate im Voraus ausverkauft, also buchen Sie im Voraus. Ungefährer Preis einer Eintrittskarte – Oper/Ballett: Parkett 260/150; Amphitheater 80-260/125; Balkon 40-105/30-80 Euro

Amphitheater – Arena di Verona(VERONA)

Das antike römische Amphitheater ist berühmt für seine dort stattfindenden Opern- und Konzertaufführungen. Erbaut im 1. Jahrhundert v. Chr. Das Gebäude aus rosafarbenem Verona-Stein übertrifft in seiner Größe nur das römische Kolosseum. In der Antike fanden hier Gladiatorenkämpfe statt, im Mittelalter Ritterturniere. Im 16. und 17. Jahrhundert. Die Zuschauertribünen wurden komplett umgebaut und die heutige Arena ist ein grandioser Zuschauerraum mit 25.000 Sitzplätzen, auf dessen Bühne bezaubernde Opernaufführungen unter freiem Himmel stattfinden. Verfügt über eine außergewöhnliche Bauakustik. Heutzutage finden jedes Jahr zwischen Juni und August in der Regel vier verschiedene Bühnenproduktionen statt. Mitte Juli finden fast täglich Aufführungen statt. In den Wintermonaten finden in der Akademischen Philharmonie Opern- und Ballettaufführungen statt.

Ungefährer Preis für Eintrittskarten für Premieren in der Philharmonie: Opern-/Ballettbude – 90/60 Euro; Amphitheater-Oper/Ballett - 70/50; Benoir-Box Oper/Ballett – 60/35; Balkon Oper/Ballett -55/40. Der Kartenpreis für Wiederholungsaufführungen beträgt ca. minus 10 Euro. Eintrittspreise für die Arena: Erdgeschoss 220 Euro, Amphitheater 95, Balkon 40. Kinder unter 4 Jahren haben keinen Zutritt.

San Carlo – Teatro di San Carlo(NEAPEL)

Das Opernhaus in Neapel wurde im Auftrag von Karl III. als Ersatz für das heruntergekommene Teatro San Bartolomeo erbaut. Der 1737 eröffnete Theatersaal bot damals Platz für bis zu 3.300 Zuschauer und war damit das geräumigste Theater der Welt.

Ungefährer Eintrittspreis für Premieren: Opern-/Ballettbude – 170/130 Euro; Amphitheater-Oper/Ballett – 110/100; Benoir-Box Oper/Ballett – 90/50; Balkon Oper/Ballett -60/40. Der Kartenpreis für Wiederholungsaufführungen beträgt ca. minus 10 Euro. .

Theater La Fenice(VENEDIG)

Das Herz des Musiklebens Venedigs. Ein ungewöhnliches Theater mit einem Wassersteg und einer eleganten Promenade. Das 1792 erbaute Theater überlebte zwei Brände und jedes Mal wurde es, seinem Namen alle Ehre machend, wie ein Phönixvogel aus der Asche wiedergeboren. Nach einem letzten schrecklichen Flammenschlag, der das Theater fast vollständig zerstörte, öffnete das neue, restaurierte La Fenice am 14. Dezember 2003 seine Türen für die Öffentlichkeit.

Ungefährer Eintrittspreis für Premieren: Opern-/Ballettbude – 190/140 Euro; Amphitheater-Oper/Ballett – 160/100; Benoir-Box Oper/Ballett – 110/90; Balkon Oper/Ballett -70/50. Der Kartenpreis für Wiederholungsaufführungen beträgt ca. minus 10 Euro.

Opernhaus – Teatro dell’Opera di Roma(ROM)

Eines der größten Opernhäuser Europas, das bis zu zweitausendzweihundert Musikliebhabern Platz bietet. Hier kommen die Oper und Ballettaufführungen in Produktionen weltberühmter Regisseure. An der Oper von Rom fanden die Weltpremiere von Puccinis „Tosca“ und einer Reihe von Mascagnis Opern statt, darunter „Honor Rusticana“, „Iris“ und „Masques“. Amelita Galli-Curci, die Besitzerin der berühmtesten Koloratursopranistin des frühen letzten Jahrhunderts, sang auf ihrer Bühne, die Tenöre Beniamino Gigli, Enrico Caruso und Tito Skipa.

Im Sommer finden in den Caracalla-Thermen Opernaufführungen im Freien statt. Sie galten einst als das achte Weltwunder. Im Sommer 1990 fand in den Ruinen der Caracalla-Thermen ein legendäres Konzert der drei Tenöre Placido Domingo, Jose Carreras und Luciano Pavarotti statt.

Ungefährer Eintrittspreis für Premieren: Opern-/Ballettbude – 160/90 Euro; Amphitheater Oper/Ballett – 130/80; Benoir-Box Oper/Ballett – 60/35; Opern-/Ballettbalkon - 35/30. Der Kartenpreis für wiederholte Vorstellungen beträgt etwa minus 20 Euro.

Italienisches Theater

Nachdem die Commedia dell'arte in Italien geschaffen wurde, führten die Italiener sie 200 Jahre lang nicht ein Weltkultur wesentlicher Beitrag. Italien wurde in dieser Zeit durch interne politische Kämpfe erheblich geschwächt.

In Europa waren antike italienische Denkmäler bekannt; neben römischen Antiquitäten gab es dort auch Kunstwerke, die während der Renaissance entstanden. Aber es gab in Italien keinen kulturellen Aufschwung mehr; die Italiener demonstrierten häufiger die Errungenschaften ihrer Vorfahren.

In dieser Zeit war Venedig die attraktivste Stadt Italiens. Während der Staat unter mehreren ausländischen Mächten aufgeteilt wurde, blieb Venedig eine unabhängige Stadt unter republikanischer Herrschaft. Natürlich waren die früheren Einnahmen aus dem Überseehandel nicht mehr vorhanden, aber die Venezianer ließen weder Italien noch Europa ihre Existenz vergessen.

Diese Stadt wurde zu einem Zentrum der Unterhaltung; der venezianische Karneval dauerte sechs Monate. Zu diesem Zweck wurden in der Stadt mehrere Theater und viele Werkstätten zur Herstellung von Masken betrieben. Menschen, die in diese Stadt kamen, wollten das Italien der guten alten Zeit sehen.

Die Maskenkomödie wurde nicht mehr als ein Museumsspektakel, weil die Schauspieler ihr Können behielten, aber ohne die gleiche öffentliche Begeisterung spielten. Die Bilder der Maskenkomödie stimmten nicht überein wahres Leben und trug keine modernen Ideen.

Im sehr Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhundert in der Öffentlichkeit und politisches Leben In Italien sind Veränderungen im Gange. Es fanden einige bürgerliche Reformen statt und nach der Ausweitung des Handels begann allmählich das wirtschaftliche und kulturelle Wachstum. Die Aufklärungsideologie begann eine ziemlich starke Stellung zu erlangen und drang in alle Bereiche des spirituellen Lebens ein.

Das italienische Theater musste eine literarische Sittenkomödie schaffen. Mit seiner Hilfe könnten Pädagogen ihre Sicht auf das Leben verteidigen und dabei den leuchtenden Farbenreichtum bewahren, der dem italienischen Publikum vertraut ist Theaterproduktionen. Aber so einfach war es nicht.

Aus dem zuvor Gesagten geht hervor, dass die Schauspieler der Maskenkomödie Improvisatoren waren und nicht wussten, wie sie sich einen vorgefertigten literarischen Text merken sollten. Darüber hinaus spielte jeder Schauspieler sein ganzes Leben lang dieselbe Maske und wusste nicht, wie er andere Bilder erstellen sollte. In der Maskenkomödie sprachen die Figuren jeweils in ihrem eigenen Dialekt, und die Sittenkomödie nahm eine literarische Sprache an. Dies war, wie jeder glaubte, ein Mittel zur kulturellen Vereinigung von Nation und Staat.

Goldoni

Die erste Reform des italienischen Theaters wurde von Carlo Goldoni (1707-1793) durchgeführt ( Reis. 54). Er wurde in eine intelligente Familie hineingeboren, in der sich alle schon lange für Theater interessierten. Bereits im Alter von 11 Jahren komponierte er sein erstes Theaterstück, mit 12 Jahren stand er erstmals auf der Bühne. Wie Goldoni selbst sagte, begann er im Alter von 15 Jahren darüber nachzudenken, dass Reformen im Theater nötig seien. Er begann darüber nachzudenken, nachdem er Machiavellis Komödie Mandrake gelesen hatte.

Reis. 54. Carlo Goldoni

Carlo selbst konnte solche Reformen nicht durchführen, da seine Eltern zunächst wollten, dass er Arzt wird, und ihn dann an die Universität schickten, wo er studierte, um Anwalt zu werden. Im Alter von 24 Jahren schloss Goldoni sein Studium ab und begann drei Jahre später, während er als Anwalt arbeitete, ständig Theaterstücke für die Truppe von Giuseppe Imera zu schreiben, der am Teatro San Samuele in Venedig arbeitete. Dies dauerte von 1734 bis 1743. Die nächsten fünf Jahre waren literarisch unfruchtbar, das heißt, Carlo schrieb fast nichts. In dieser Zeit unternahm er den Versuch, sich als Anwalt zu etablieren, das heißt, er erwarb eine große Kanzlei in Pisa.

Gleichzeitig erreichte ihn ein Bote des Unternehmers Giloramo Medebak mit einem Jobangebot. Und Goldoni konnte der Versuchung nicht widerstehen. Er schloss eine Vereinbarung mit Medebak, wonach er fünf Jahre lang jährlich acht Stücke für das venezianische Theater von Sant'Angelo schreiben musste.

Goldoni hat diese Aufgabe gemeistert. Als das Theater eine schwierige Saison hatte, schrieb er außerdem 16 Komödien, um die schwierige Situation des Theaters zu verbessern! Danach bat er Medebak um eine Gehaltserhöhung. Doch der geizige Unternehmer lehnte den Dramatiker ab. Aus diesem Grund ging Goldoni nach Ablauf seines Vertrages an das San Luca Theater, wo er von 1753 bis 1762 arbeitete.

Goldoni beschloss, die Theaterreform schnell und entschlossen durchzuführen. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits einige dramatische Erfahrungen gemacht. Dennoch hat er die Änderungen sehr sorgfältig und umsichtig durchgeführt.

Zunächst schuf er ein Stück, in dem nur eine Rolle vollständig geschrieben war. Es war die Komödie „The Socialite oder Momolo, die Seele der Gesellschaft“. Die Produktion erfolgte im Jahr 1738. Danach inszenierte Goldoni 1743 ein Theaterstück, in dem bereits alle Rollen ausgeschrieben waren. Doch das war erst der Anfang der Reform. Da es keine Schauspieler gab, die wussten, wie man vorgefertigte Rollen spielt, musste der Dramatiker eine ganze Generation neuer Schauspieler umschulen oder neu unterrichten. Für Goldoni war das keine große Sache, denn er war ein ausgezeichneter Theaterlehrer und ein unermüdlicher Mensch. Er erfüllte die von ihm selbst gestellte Aufgabe, obwohl es mehrere Jahre dauerte.

Der italienische Dramatiker folgte dem von ihm erfundenen Reformplan. Im Jahr 1750 entstand das Stück „Comic Theatre“, dessen Handlung die Ansichten des Autors zu Dramaturgie und Dramaturgie darstellte darstellende Künste. Goldoni sprach in seinem Aufsatz über die Notwendigkeit, bei den von ihm geplanten Veränderungen beharrlich, aber vorsichtig zu handeln. Bei der Beeinflussung von Schauspielern und Zuschauern sollten deren Vorlieben und Wünsche berücksichtigt werden.

Im wirklichen Leben verhielt sich der Dramatiker genauso. Seine ersten Stücke waren mit alten Masken, die Figuren sprachen im Dialekt. Dann begannen die Masken allmählich zu verschwinden oder sich fast vollständig zu verändern; wenn irgendwo Improvisation blieb, wurde sie durch einen geschriebenen Text ersetzt; Die Komödie wurde nach und nach aus dem Dialekt in die Literatursprache übersetzt. Mit diesen Neuerungen begann sich auch die Schauspieltechnik zu verändern.

Goldonis System erforderte keineswegs eine völlige Ablehnung der Traditionen der Maskenkomödie. Dieses System schlug vor, alte Traditionen weiterzuentwickeln, und zwar sehr schnell, aber nicht in allen Bereichen. Der Dramatiker lebte wieder auf und begann, alles Realistische in der Maskenkomödie zu verwenden. Von diesem Genre lernte er die Fähigkeit der Intrige und Eindringlichkeit. Aber gleichzeitig interessierte ihn alles Fantastische und Possenreißer überhaupt nicht.

Goldoni wollte in seinen Komödien bestehende Bräuche darstellen und kritisieren, das heißt, er wollte, dass seine Werke zu einer Art Schule der Moral werden. In diesem Zusammenhang nannte er seine Schöpfungen „Umweltkomödien“ oder „Kollektivkomödien“, statt sie Sittenkomödien zu nennen. Eine solche spezifische Terminologie spiegelte sich auf ihre eigene Weise in Goldonis Theatern wider.

Der Dramatiker mochte keine Stücke, in denen die Handlung von Ort zu Ort übertragen wurde. Er war ein Fan von Moliere. Dennoch glaubte Goldoni, dass die Harmonie der Inszenierung nicht in Enge umschlagen dürfe. Manchmal baute er auf der Bühne ein sehr komplexes, vielschichtiges Bühnenbild.

Hier ist eine in der Literatur verfügbare Beschreibung der Kulisse für die 1750 inszenierte Komödie „Coffee Room“: „Die Bühne ist eine breite Straße in Venedig; im Hintergrund sind drei Läden zu sehen: der mittlere ist ein Café, rechts ein Friseur, links ein Glücksspielladen; über den Bänken befinden sich Räume, die zur unteren Bank gehören, mit Fenstern zur Straße hin; rechts, näher am Publikum (auf der anderen Straßenseite), das Haus der Tänzerin; Auf der linken Seite ist das Hotel.“

In einer solchen Umgebung spielt sich die reichhaltige und faszinierende Handlung des Stücks ab. Menschen kommen und gehen, streiten, schließen Frieden usw. In solchen Komödien sollte es, wie Goldoni glaubte, keine Hauptfiguren geben, niemandem sollte der Vorzug gegeben werden. Die Aufgabe des Dramatikers ist eine andere: Er muss die reale Situation der damaligen Zeit darstellen.

Der Dramatiker zeigt in seinen Werken gerne Szenen des städtischen Lebens und schildert den Alltag von Menschen unterschiedlicher Schichten. Nach seinem ersten Stück folgte er strikt den Prinzipien der kollektiven Komödie in Werken wie „Coffee Shop“, „New Apartment“, „Kyojin Skirmishes“, „Fan“ und vielen anderen. An spezielle Situation Es gab ein Theaterstück „Kyojin Skirmishes“, weil noch nie jemand das Leben so niedriger Gesellschaftsschichten gezeigt hatte. Es war eine sehr lustige Komödie aus dem Leben der Fischer.

Goldoni hatte auch Werke, in denen er seine Prinzipien verriet. Und dann erschien in der Komödie ein Held, der so brillant war, dass er alle um ihn herum in den Schatten stellte. In einer seiner frühen Komödien, „Der Diener zweier Herren“ aus dem Jahr 1749, schuf der Dramatiker beispielsweise ein einfach hervorragendes Bild von Truffaldino mit vielen komischen Möglichkeiten. Diese Figur war die erste auf dem Weg der zunehmenden Komplexität der Bilder der Commedia dell'arte. Nach dem Bild von Truffaldino kombinierte Goldoni zwei Zanis – ein kluges Wiesel und einen einfältigen Stümper. Der Charakter dieses Helden erwies sich als voller Widersprüche.

Diese Kombination von Gegensätzen wurde später zur Grundlage für eine offenere Darstellung innerlich gegensätzlicher, voller Überraschungen und zugleich konsistenter Charaktere in Goldonis bereits ausgereiften Komödien. Die beste dieser Figuren ist Mirandolina in der Komödie „Die Wirtin im Gasthaus“ (1753). Dies ist ein einfaches Mädchen, das ein mutiges, talentiertes und nicht ohne Berechnungen gespieltes Spiel mit dem Grafen von Albafiorita, dessen Titel erworben wurde, dem Marquis von Forlipopoli und dem Herrn von Ripafratta führt. Nachdem Mirandolina dieses Spiel gewonnen hat, heiratet sie den Diener Fabrizio, einen Mann aus ihrem Umfeld. Diese Rolle ist eines der berühmtesten und gefeiertsten Comedy-Repertoires der Welt.

Theaterkritiker halten Goldoni für den aufmerksamsten und unparteiischsten Moralkritiker. Er wusste wie kein anderer, alles Lustige, Unwürdige und Dumme an einer Person zu bemerken, die einer Gesellschaftsschicht angehörte. Dennoch war das Hauptobjekt seiner Lächerlichkeit der Adel, und dieser Spott war keineswegs gutmütig.

Die Aktivitäten nicht nur Goldonis, sondern auch anderer italienischer Pädagogen, ihre Propaganda der Klassengleichheit, der Kampf gegen die alte Lebensweise und die Verkündigung der Weisheit fanden außerhalb Italiens lebhafte Resonanz. Die Bedeutung der italienischen Kultur hat wieder zugenommen.

Im Jahr 1766 schrieb Voltaire: „Vor zwanzig Jahren reisten sie nach Italien, um antike Statuen zu sehen und ihnen zuzuhören neue Musik. Jetzt können Sie dorthin gehen, um Menschen zu treffen, die Vorurteile und Fanatismus denken und hassen.“

Die von Carlo Goldoni geschaffene Art der Sittenkomödie erwies sich als einzigartig Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert. Dies erklärt die europaweite Anerkennung, die Goldonis Werken zu seinen Lebzeiten zuteil wurde. Aber in seiner Heimatstadt machte er sich einige ziemlich ernsthafte Feinde. Sie konkurrierten mit ihm, sie schrieben Parodien und Broschüren über ihn. Goldoni waren solche Angriffe natürlich nicht gleichgültig. Doch da er der erste Komiker Italiens war, konnte er sich diese Machenschaften nicht zu Herzen nehmen.

Im Jahr 1761 geriet seine scheinbar unerschütterliche Position jedoch leicht ins Wanken. Die Inszenierung von Carlo Gozzis Theatermärchen (Fiaba) „Die Liebe zu drei Orangen“ war ein großer Erfolg. Goldoni sah darin einen Verrat der venezianischen Öffentlichkeit an sich. Er stimmte dem Angebot zu, die Stelle des Dramatikers des Theaters zu übernehmen Italienische Komödie in Paris und verließ Venedig 1762 für immer.

Doch schon bald musste sich der Dramatiker von diesem Theater trennen. Der Grund dafür war, dass die Theaterleitung von ihm verlangte, Drehbücher für die Commedia dell'arte zu schreiben. Mit anderen Worten: Er musste das Genre unterstützen, gegen das er in seinem Heimatland kämpfte. Goldoni konnte sich mit dieser Situation nicht abfinden und begann, sich nach einer anderen Beschäftigung umzusehen.

Eine Zeit lang unterrichtete er Italienisch. Zu seinen Schülern zählten unter anderem die Prinzessinnen, Töchter Ludwigs XV., die ihm eine königliche Pension ermöglichten. Bringen Sie anderen das Ihre bei Muttersprache, Goldoni lernte perfekt Französisch.

Im Jahr 1771, anlässlich der Hochzeit des Dauphin, des späteren Königs Ludwig XVI., wurde im Theater Comedie Française Goldonis auf Französisch verfasste Komödie „Der mürrische Wohltäter“ aufgeführt. Sie wurde einfach wunderbar aufgenommen, doch dies war Goldonis letzter Theatererfolg.

1787 schrieb und veröffentlichte er seine dreibändigen Memoiren. Dieses Werk ist bis heute eine sehr wertvolle Informationsquelle über die italienischen und französischen Theater des 18. Jahrhunderts.

Zu Zeiten Französische Revolution Goldonis königliche Pension wurde ihm entzogen. Laut einem Bericht der französischen Dramatikerin Marie Joseph Chénier beschloss der Konvent daraufhin, seine Rente zurückzuerstatten. Davon erfuhr Goldoni jedoch nie, da er am Tag zuvor gestorben war.

Carlo Gozzi (1720-1806) ( Reis. 55) begann seine Rivalität mit Goldoni mit den Parodien, die er gemeinsam schrieb Literaturgruppe genannt „Akademie der Granellesken“. Dieser clowneske Name lässt sich mit „Akademie der müßigen Redner“ übersetzen.

Reis. 55. Carlo Gozzi

Gozzi war kategorisch gegen Goldonis Theaterreform, weil er darin (und nicht ohne Grund) einen Angriff auf bestehende Ansichten über Kunst und deren Grundlagen sah moderne Welt. Gozzi trat mit ganzer Seele für die alte, feudale Lebensweise ein, dafür, dass jede Schicht der Gesellschaft ihren rechtmäßigen Platz einnimmt. In dieser Hinsicht schienen ihm Goldonis Volkskomödien völlig inakzeptabel, zumal er darin die unteren Schichten der Gesellschaft schilderte.

Gozzi war nicht nur ein Gegner des aufklärerischen Vernunftkults. Emotionen spielten in seinen Ansichten und Handlungen eine viel größere Rolle als ein kalter und nüchterner Geist.

Gozzi wurde in eine alte, einst sehr reiche, dann aber verarmte Patrizierfamilie hineingeboren. Natürlich lebte er in der Vergangenheit. Er hasste Frankreich und die Franzosen, weil sie an der Spitze der Aufklärung standen. Gleichzeitig hasste er diejenigen seiner Landsleute, die nicht auf die alte Art und Weise leben wollten.

Er selbst folgte nie einer Mode – weder in seinen Gedanken, noch in seiner Lebensweise, noch in der Kleidung. Er liebte seine Heimatstadt Venedig, weil dort, wie es ihm schien, die Geister der Vergangenheit lebten. Diese Worte waren für ihn keine leere Floskel, denn er glaubte fest an die Existenz der anderen Welt und führte schon im hohen Alter all seine Nöte darauf zurück, dass die Geister Rache an ihm – dem Mann, der gelernt hatte – nahmen und erzählten anderen ihre Geheimnisse.

Mitglieder der Academy of Granellesques veröffentlichten Parodieblätter, in denen sie raffinierten Witz an den Tag legten. Aber diese Art von Aktivität befriedigte Gozzi bald nicht mehr. Anfang 1761 erhielt er die Gelegenheit, seinem Rivalen als Dramatiker entgegenzutreten. Und Gozzi ließ sich diese Chance nicht entgehen.

Sein Werk „Die Liebe zu den drei Orangen“ wurde von der Truppe von Antonio Sacchi sehr erfolgreich aufgeführt. Die Parodie wurde auf die Bühne übertragen, und Goldoni wurde auf der venezianischen Bühne, die er scheinbar für immer erobert hatte, geächtet. Aber die Bedeutung dieser Aufführung ging weit über den Rahmen einer einfachen literarischen Polemik hinaus.

Im Grunde war Gozzi ein Rückschritt. Deshalb verteidigte er die Vergangenheit so eifrig. Aber er hatte enormes Talent und eine aufrichtige Liebe zum Theater. Nachdem ich meine erste Fyaba geschrieben habe ( Theatermärchen) markierte er den Beginn einer neuen und durchaus fruchtbaren Richtung in der Kunst.

1772 veröffentlichte der Dramatiker eine Sammlung seiner Werke mit einem sehr umfangreichen Vorwort. Darin schrieb er: „Solange die Theater in Italien nicht schließen, wird die improvisierte Komödie niemals verschwinden und ihre Masken werden niemals zerstört.“ Ich sehe in der improvisierten Komödie den Stolz Italiens und betrachte sie als Unterhaltung, die sich deutlich von geschriebenen und absichtlichen Theaterstücken unterscheidet.

In mancher Hinsicht hatte Gozzi natürlich recht. Schließlich haben sich die Traditionen der Commedia dell'arte tatsächlich als sehr fruchtbar und beharrlich erwiesen. Gozzis Stücke waren keine Beispiele der traditionellen Commedia dell'arte. Er trug nicht zur Stagnation, sondern zur Entwicklung dieses Genres bei. Der Dramatiker wollte leidenschaftlich die Maskenkomödie von den von Goldoni vorgeschlagenen Neuerungen befreien und das Theater wieder zu einem „Ort unschuldiger Unterhaltung“ machen. Doch bei ihm hat nichts geklappt. Stattdessen hat Gozzi ein neues geschaffen Theatergenre, das mit der Maskenkomödie verwandt war, sich jedoch stark von dieser unterschied, da die Komödie nicht improvisiert, sondern geschrieben wurde. Unter den Masken verbargen sich von nun an ganz unterschiedliche Charaktere, teilweise waren überhaupt keine Masken im Vordergrund zu sehen. Gozzi wollte das Theater von neuen ästhetischen Tendenzen befreien, doch diese hatten sich bereits so weit etabliert, dass er nur noch versuchen konnte, sie zu seinem Vorteil zu nutzen.

Der Dramatiker hasste die Pädagogen so sehr, dass er keine Zeit mit ihnen verbringen und ihre Ideen nicht verstehen wollte. Es schien ihm, als würde er die besten Ideale der Menschheit vor den Aufklärern verteidigen: Ehre, Ehrlichkeit, Dankbarkeit, Selbstlosigkeit, Freundschaft, Liebe, Selbstlosigkeit. Aber im Großen und Ganzen gab es keine Meinungsverschiedenheiten. In vielen Werken Gozzis wurde die Treue zu den Traditionen der Volksmoral gefordert, d. h. in diesem Sinne tat Carlo das Gleiche wie seine Feinde – die Aufklärer. Ein Beispiel hierfür ist das Märchen „Der Hirschkönig“ aus dem Jahr 1762. Andiana, die König Deramo zu seiner Frau wählte, hörte nicht auf, ihn zu lieben, selbst als seine Seele im Körper eines Bettlers wiedergeboren wurde. Dieses Werk wurde zu Ehren hoher Spiritualität und hingebungsvoller, selbstloser Liebe geschrieben.

Manche Stücke wurden, unabhängig vom Willen des Autors, völlig anders gelesen, als er wollte. Im Märchen „Der grüne Vogel“ griff Gozzi beispielsweise die Pädagogen häufig an, doch seine Angriffe führten nicht zum Ziel, da keiner der Pädagogen sich der Predigt von Egoismus und Undankbarkeit schuldig machte, die er ihnen vorwarf. Aber er entpuppte sich als wunderbares Märchen über undankbare, verwöhnte Kinder, die nach vielen Strapazen im Leben Einfühlungsvermögen, Dankbarkeit und Ehrlichkeit lernten.

Gozzi wollte von der Bühne aus die menschlichen Moralvorstellungen und die, wie es ihm schien, falschen Lehren der damaligen Zeit kritisieren. Und wenn er mit den Lehren nichts anfangen konnte, dann gelang es ihm einfach, die Moral zu kritisieren. In seinen Märchen macht er viele pointierte und böswillige Bemerkungen über das Bürgertum. So nannte er beispielsweise den Wurstmacher Truffaldino aus dem Märchen „Der grüne Vogel“ einen Stricher, einen Schleicher und einen verrückten Redner.

Der Dramatiker nutzte bei der Inszenierung seiner Stücke viele Inszenierungseffekte. Anschließend begann er, den Erfolg seiner Stücke auf strenge Moral, intensive Leidenschaften und ernsthafte Darbietungen zurückzuführen. Und das war durchaus fair. Manchmal schrieb er ganze Gleichnisse, manchmal war er von der Logik der Bilder fasziniert, manchmal bediente er sich der Magie, manchmal bevorzugte er ganz reale Beweggründe. Eines hat er nie geändert: seine unerschöpfliche Fantasie. Es äußerte sich auf unterschiedliche Weise, war aber in all seinen Märchen immer präsent.

In puncto Fantasie erwies sich Gozzis Dramaturgie als hervorragende Ergänzung zur vitalen, intelligenten, aber sehr trockenen Dramaturgie seiner Konkurrenten. Es war diese Fantasie, die auf der Bühne des Teatro San Samuele in Venedig blühte, wo Gozzis erste Stücke aufgeführt wurden.

Gozzis Fiabs hatten in ihrem Heimatland großen Erfolg, außerhalb Italiens wurden sie jedoch nicht aufgeführt. Nachdem der Dramatiker in fünf Jahren zehn Märchen geschrieben hatte, gab er dieses Genre auf. Danach schrieb er noch mehrere Jahre, hatte aber nicht mehr die gleiche Inspiration. 1782 löste sich Sacchis Truppe auf und Gozzi verließ das Theater vollständig. Gozzi starb im Alter von 86 Jahren, verlassen und von allen vergessen.

Goldonis Stücke eroberten bald die venezianische Bühne zurück. Gozzis Werke wurden von Schiller und vielen Romantikern, die ihn als ihren Vorgänger betrachteten, wieder zum Leben erweckt. Sein Werk enthielt alle Voraussetzungen für romantische Strömungen, die sich zu dieser Zeit in ganz Europa auszubreiten begannen.

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