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Der ihn für einen schlechten, undisziplinierten Schüler hielt und ihn, wie ein moderner Biograph des Komponisten schreibt, für jede falsche Note mit einem schmerzhaften Tritt gegen das Schienbein belohnte, woraufhin Puccini sein ganzes Leben lang reflexartig Schmerzen im Bein durch falsche Noten hatte. Anschließend erhielt Puccini die Stelle eines Kirchenorganisten und Chorleiters. Als er zum ersten Mal eine Aufführung der Oper von Giuseppe Verdi hörte, wollte er Opernkomponist werden. „Aida“ in Pisa.

Puccini studierte vier Jahre lang am Mailänder Konservatorium. 1882 nahm er an einem Wettbewerb für Einakter teil. Seine Oper, die nicht den ersten Preis erhielt „Willis“ wurde 1884 geliefert Dal Verme Theater. Diese Oper erregte Aufmerksamkeit Giulio Ricordi, Leiter eines einflussreichen Verlags, der sich auf die Veröffentlichung von Partituren spezialisiert hat. Ricordi bestellte bei Puccini eine neue Oper. wurde sie „Edgar“.

Puccinis nächste Oper, "Böhmen"(geschrieben nach dem Roman von Henri Murget) machte Puccini weltweit bekannt. Zur gleichen Zeit schrieb Ruggero Leoncavallo eine Oper mit demselben Namen und basierend auf demselben Roman, in deren Folge es zu einem Konflikt zwischen den beiden Komponisten kam und sie die Kommunikation abbrachen.

Es folgte „Böhmen“. „Sehnsucht“, das um die Jahrhundertwende im Jahr 1900 uraufgeführt wurde. Unter dem Druck der Scala-Diva Darcle, die in dieser Oper die Hauptrolle spielte, bestand sie darauf Hauptfigur Als Arie, die in einem Konzert hätte aufgeführt werden können, ergänzte Puccini den zweiten Akt der Oper mit der heute berühmten „Vissi d’arte“. Er erlaubte auch Darkle, einer Blondine, keine Perücke zu tragen (im Libretto ist Tosca eine Brünette).

Im Jahr 1918 fand die Uraufführung der Oper „Triptychon“ statt. Dieses Werk besteht aus drei einaktigen Opern (im Pariser Stil, bekannt als Grand Guignol: Horror, sentimentale Tragödie und Farce). Der letzte, absurde Teil mit dem Titel „Gianni Schicchi“ erlangte Berühmtheit und wird manchmal am selben Abend wie Mascagnis Oper aufgeführt „Ländliche Ehre“, oder mit der Oper Leoncavallo „Pagliacci“.

Ende 1923 begann sich Puccini, der ein großer Fan toskanischer Zigarren und Zigaretten war, darüber zu beschweren chronische Schmerzen im Hals. Bei ihm wurde Kehlkopfkrebs diagnostiziert, und die Ärzte empfahlen eine neue experimentelle Behandlung, die Strahlentherapie, die in Brüssel angeboten wurde. Weder Puccini selbst noch seine Frau waren sich der Schwere der Krankheit bewusst; diese Information wurde nur an ihren Sohn weitergegeben.
Puccini starb am 29. November 1924 in Brüssel. Todesursache waren Komplikationen durch die Operation – unkontrollierte Blutungen führten am Tag nach der Operation zu einem Herzinfarkt. Sein letzter Akt letzte Oper(„Turandot“) blieb unvollendet. Es gibt mehrere Versionen des Schlusses, wobei die von Franco Alfano geschriebene Version am häufigsten aufgeführt wird. Bei der Uraufführung dieser Oper hielt der Dirigent, ein enger Freund des Komponisten Arturo Toscanini, das Orchester an der Stelle an, an der der von Alfano geschriebene Teil begann. Der Dirigent legte seinen Taktstock nieder, wandte sich an das Publikum und sagte: „Hier unterbrach der Tod die Arbeit an der Oper, für deren Fertigstellung der Maestro keine Zeit hatte.“

Stil

Puccini war außerordentlich melodisch begabt und vertrat fest die Überzeugung, dass Musik und Handlung in der Oper untrennbar miteinander verbunden sein sollten. Insbesondere aus diesem Grund gibt es in Puccinis Opern keine Ouvertüren. Bekannt sind die sogenannten „Puccinischen Oktaven“ – eine beliebte und anerkannte Orchestrierungstechnik, bei der die Melodie in verschiedenen Registern von verschiedenen Instrumenten (oder innerhalb derselben Orchestergruppe) gespielt wird. Sehr interessant ist auch die harmonische Sprache des Komponisten; es gibt für den Komponisten typische Bewegungen, zum Beispiel die Auflösung der Dominante in die Subdominante statt in die Tonika, parallele Quinten usw. Der Einfluss der impressionistischen Musik ist in den hellen Klangfarbenlösungen zu hören und das ständige Spiel der Orchesterfarben. In „Tosca“ werden akustische Effekte meisterhaft eingesetzt, um die Illusion eines mehrdimensionalen Raums zu erzeugen. Besonders schön ist die Melodie von Puccini. Aufgrund des Reichtums ihrer Melodien sind Puccinis Opern neben denen von Verdi und Mozart die am häufigsten gespielten Opern der Welt. Es kommt heute nur noch selten vor, dass ein Opernhaus es wagt, das Repertoire einer Saison zusammenzustellen, ohne mindestens ein Werk dieses Komponisten einzubeziehen. Eine Ausnahme bilden hier Russland und die Länder des postsowjetischen Raums, wo russische Klassiker bevorzugt werden.

Anhänger

Puccinis melodischer Einfluss war enorm. Der berühmte Musikkritiker Ivan Sollertinsky nannte seine Anhänger Pucciniisten und stellte fest, dass Imre Kalman der „leidenschaftlichste“ Vertreter dieser Bewegung sei. Zu den „Pucciniisten“ gehörten auch Franz Lehár und Isaac Dunaevsky. In den Werken von Dmitri Schostakowitsch ist manchmal der Einfluss von Puccinis Stil zu hören. Dies betrifft vor allem das ähnliche Gefühl der Kantilene und die koloristischen Techniken der Orchestrierung.

Antworten und Meinungen einiger Zeitgenossen Puccinis

Im Jahr 1912 schrieb ein sehr berühmter italienischer Kritiker im Zusammenhang mit der Inszenierung einer von Puccinis Opern in seinem Artikel: „Es ist einfach eine Schande, dass die Welt denkt, italienische Musik sei hauptsächlich das Werk dieses altmodischen Melodikers.“ , damals gab es ebenso wie in Italien intellektuelle Komponisten wie Ildebrando Pizzetti.“

Ein anderer Kritiker, Carlo Bersesio, beschrieb seine Eindrücke von der Uraufführung von La Bohème (in La gazetta): „La Bohème wird keine Spuren in der Geschichte hinterlassen Opernhaus. Der Autor dieser Oper sollte sein Werk als Fehler betrachten.“

Der Verleger Ricordi, der bei den ersten Proben von La bohème von den Zweifeln erfahren hatte, die den Komponisten quälten, schrieb ihm: „Wenn Sie mit dieser Oper nicht ins Schwarze getroffen haben, Maestro, werde ich meinen Beruf wechseln und anfangen, Salami zu verkaufen.“ ”

Librettist Illica schrieb an Puccini: „Mit dir zu arbeiten, Giacomo, ist wie ein Leben in der Hölle. Hiob selbst hätte solche Qualen nicht ertragen müssen.“

Zitat, das wir zu vergessen versuchten

Politik

Während des Ersten Weltkriegs war Puccinis mangelndes Interesse an aktuellen Themen für ihn von Nachteil. Seine lange Freundschaft mit Toscanini wurde für fast ein Jahrzehnt durch Puccinis Bemerkung im Sommer 1914 unterbrochen, dass Italien von einer deutschen Organisation profitieren würde. Puccini arbeitete weiterhin an der Oper La Rondine, im Auftrag des österreichischen Theaters im Jahr 1913 und nach der Feindschaft zwischen Italien und Österreich-Ungarn im Jahr 1914 (der Vertrag wurde jedoch schließlich gekündigt). Puccini beteiligte sich während des Krieges nicht an öffentlichen Aktivitäten, sondern half privat den vom Krieg betroffenen Menschen und Familien

1919 erhielt Puccini den Auftrag, Musik für die Ode zu schreiben Fausto Salvatori zu Ehren der Siege Italiens im Ersten Weltkrieg. Die Uraufführung dieses Werkes Inno a Roma(„Hymne an Rom“) sollte am 21. April 1919 anlässlich der Feierlichkeiten zum Jahrestag der Gründung Roms stattfinden. Wie dem auch sei, die Uraufführung wurde auf den 1. Juni 1919 verschoben und zur Eröffnung des Wettbewerbs aufgeführt Leichtathletik. Obwohl die Hymne an Rom nicht für die Faschisten geschrieben wurde, wurde sie häufig bei Straßenparaden und öffentlichen Zeremonien der italienischen Faschisten verwendet.

In seinem letzten Lebensjahr hatte Puccini mehrere Kontakte zu Benito Mussolini und anderen Mitgliedern der Faschistischen Partei Italiens, und Puccini wurde sogar Ehrenmitglied. Andererseits sind die Angaben darüber, ob Puccini tatsächlich Mitglied der Faschistischen Partei war, widersprüchlich. Dem italienischen Senat gehören traditionell mehrere Mitglieder an, die aufgrund ihrer Beiträge zur Kultur des Landes ernannt wurden. Puccini hoffte, sich diese Ehre zu verdienen (wie bereits Verdi zuvor) und nutzte dafür seine bestehenden Verbindungen. Obwohl Ehrensenatoren Stimmrecht hatten, gibt es keine Hinweise darauf, dass Puccini diese Ernennung anstrebte, um das Stimmrecht auszuüben. Puccini träumte von einer Gründung Nationaltheater in seiner Heimatstadt Viareggio und natürlich brauchte er für dieses Projekt staatliche Unterstützung. Puccini traf Mussolini zweimal im November und Dezember 1923. Obwohl das Theater nie gegründet wurde, erhielt Puccini den Titel eines Senators ( Senator eine Vita) wenige Monate vor seinem Tod.

Als Puccini Mussolini traf, war Mussolini seit etwa einem Jahr Premierminister, aber seine Partei hatte noch nicht die volle Kontrolle über das Parlament erlangt. Das Ende des repräsentativen Regierungsstils und den Beginn der faschistischen Diktatur verkündete Mussolini in seiner Rede vor der Abgeordnetenkammer am 3. Januar 1925, nach dem Tod des Komponisten

Opern

• „Willis“ (italienisch: Le Villi), . Premiere Oper in einem Akt fand am 31. Mai 1884 im Teatro Verme in Mailand statt. Basierend auf der gleichnamigen Geschichte von Alfonso Carr über die Willia-Meerjungfrauen.
• „Edgar“ (italienisch: Edgar),. Die Oper in vier Akten wurde am 21. April 1889 an der Mailänder Scala uraufgeführt. Basierend auf dem Theaterstück „La Coupe et les lèvres“ von Alfred de Musset
• „Manon Lescaut“ (italienisch: Manon Lescaut),. Die Oper wurde am 1. Februar 1893 im Teatro Regio in Turin uraufgeführt. Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Abt Prevost
• „Böhmen“ (italienisch: La bohème),. Die Oper wurde am 1. Februar 1896 im Teatro Regio in Turin uraufgeführt. Basierend auf dem Buch „Scènes de la vie de Bohème“ von Henri Murger
• „Tosca“ (italienisch Tósca),. Die Oper wurde am 14. Januar 1900 im Teatro Costanzi in Rom uraufgeführt. Basierend auf dem Theaterstück „La Tosca“ von Victorien Sardou
• „Madama Butterfly“ (italienisch: Madama Butterfly). Die Oper in zwei Akten wurde am 17. Februar 1904 an der Mailänder Scala uraufgeführt. Basierend auf dem gleichnamigen Theaterstück David Belasco. In Russland wurde die Oper auch unter dem Titel „Chio-Chio-san“ aufgeführt.
• „Das Mädchen aus dem Westen“ (italienisch: La fanciulla del West),. Die Oper wurde am 10. Dezember 1910 in New York City uraufgeführt. Basierend auf dem Stück von D. Belasco „Das Mädchen aus dem Goldenen Westen“.
• „Schwalbe“ (italienisch: La rondine),. Die Oper wurde am 27. März 1917 an der Opéra in Monte Carlo uraufgeführt.
• Triptychon: „Umhang“, „Schwester Angelica“, „Gianni Schicchi“ (italienisch. Il Trittico: Il Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi), . Die Oper wurde am 14. Dezember 1918 im Metropolitan Opera Theatre in New York uraufgeführt.
• „Turandot“ (italienisch: Turandot). Die Oper wurde am 25. März 1926 an der Mailänder Scala uraufgeführt. Basierend auf dem gleichnamigen Theaterstück von C. Gozzi. Aufgrund des Todes des Komponisten unvollendet geblieben, 1926 von F. Alfano fertiggestellt.

Erkundung von Puccinis Erbe

1996 wurde in Lucca das „Centro Studi Giacomo Puccini“ (Zentrum für das Studium von Giacomo Puccini) gegründet weiter Kreis Ansätze zum Studium von Puccinis Werk. In den Vereinigten Staaten ist das American Center for Puccini Studies auf ungewöhnliche Aufführungen der Werke des Komponisten spezialisiert und bringt bisher unbeachtete oder unbekannte Auszüge von Puccinis Werken der Öffentlichkeit zugänglich. Dieses Zentrum wurde 2004 vom Sänger und Dirigenten Harry Dunstan gegründet.

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Notizen

Literatur

• Ashbrook W., Powers H. Puccinis Turandot: Das Ende der großen Tradition,Princeton Univ. Presse, 1991.
• Autor unbekannt, Hamptons Magazin Bd. 26 Nr. 3. März 1911.
• Autor unbekannt, „The Stage“, Munseys Magazin Bd. 44 S. 6., 1911.
• Autor unbekannt, „New York lobt Puccinis neue Oper“ Theatermagazin, Bd. 13 Nr. 119, Januar 1911.
• Berger, William Puccini ohne Ausreden: Eine erfrischende Neubewertung des beliebtesten Komponisten der Welt, Random House Digital, 2005, ISBN 1-4000-7778-8.
• Budden, Julian Puccini: Sein Leben und Werk, Oxford University Press, 2002 ISBN 978-0-19-816468-5
• Carner, Moskau, Puccini: Eine kritische Biographie, Alfred Knopf, 1959.
• Centro di Studi Giacomo Puccini, „Catedrale di S. Martino“, Puccini.it, abgerufen am 3. November 2012.
• Checchi, Eugenio, in Nuova Antologia, Francisco Protonotari. Hrsg. (auf Italienisch), Dezember 1897, S. 470-481.
• Trocken, aufwachend Giacomo Puccini, London und New York: John Lane, 1905.
• Eaton, W.P., „Where We Stand in Opera“, Amerikanisches Magazin, Bd. 71 Nr. 5. März 1911.
• Espinoza, Javier, „Enthüllt: die Identität von Puccinis heimlichem Liebhaber“, Der Wächter(London), 29. September 2007.
• Fisher, Burton D., Puccinis IL TRITTICO, Miami: Opera Journeys Pub., 2003, ISBN 0-9771455-6-5.
• Kendell, Colin (2012), Der komplette Puccini: Die Geschichte des beliebtesten Opernkomponisten der Welt, Stroud, Gloucestershire: Amberley Publishing, 2012. ISBN 9781445604459 ISBN 1-4456-0445-0
• Keolker, James, „Letzte Akte, die Opern von Puccini und seinen italienischen Zeitgenossen“, 2001.
• Gervasoni, Carlo, Neue Theorie der Musik, die in der Praxis umgesetzt wird(Neue Musiktheorie, destilliert aus der modernen Praxis) Mailand: Blanchon, 1812.
• Phillips-Matz Mary Jane. Puccini: Eine Biographie. – Boston: Northeastern University Press, 2002. – ISBN 1-55553-530-5.
• Montgomery, Alan Operncoaching: Professionelle Techniken und Überlegungen, New York: Routledge Taylor und Francis Group, 2006, ISBN 9780415976015.
• Mourby, Adriano, „Scandalissimo! Puccinis Sexualleben enthüllt“, Der Unabhängige, 6. Juli 2008.
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• Siff, Ira, „Puccini: La Fanciulla del West“, Opernnachrichten, Bd. 77 Nr. 1. Juli 2012.
• Sadie, Stanley; Laura Williams Macy Das Grove-Buch der Opern.
• Sadie, Stanley (Hrsg.), Das New Grove Dictionary of Music und Musiker, London: Macmillan/New York: Grove, 1980, ISBN 1-56159-174-2.
• Smith, Peter Fox. Eine Leidenschaft für die Oper. Trafalgar Square Books, 2004. ISBN 1-57076-280-5.
• Streatfield, Richard Alexander, Meister der italienischen Musik, C. Scribners Söhne, 1895.
• Weaver, William und Simonetta Puccini, Hrsg. Der Puccini-Begleiter, W.W. Norton & Co., 1994 ISBN 0-393-029-30-1
• Wilson, Alexandra, Das Puccini-Problem: Oper, Nationalismus und Moderne, Cambridge University Press (2007)

Links

• Giacomo Puccini: Noten von Werken des International Music Score Library Project

Opern Giacomo Puccini

Auszug über Puccini, Giacomo

- UND! „Was für ein Spaß Sie haben“, sagte Rostow lachend.
- Warum gähnst du?
- Gut! So fließt es aus ihnen! Machen Sie unser Wohnzimmer nicht nass.
„Man darf Marya Genrichownas Kleid nicht schmutzig machen“, antworteten die Stimmen.
Rostow und Iljin beeilten sich, eine Ecke zu finden, wo sie ihr nasses Kleid wechseln konnten, ohne Marya Genrichownas Bescheidenheit zu stören. Sie gingen hinter die Trennwand, um sich umzuziehen; aber in einem kleinen Schrank, der ihn völlig füllte, mit einer Kerze auf einer leeren Kiste, saßen drei Offiziere, spielten Karten und wollten ihren Platz für nichts hergeben. Marya Genrichowna verzichtete für eine Weile auf ihren Rock, um ihn anstelle eines Vorhangs zu verwenden, und hinter diesem Vorhang zogen Rostow und Iljin mit Hilfe von Lawruschka, die Rucksäcke mitbrachte, das nasse Kleid aus und zogen ein trockenes Kleid an.
Im kaputten Ofen wurde ein Feuer angezündet. Sie holten ein Brett heraus, befestigten es auf zwei Sätteln, bedeckten es mit einer Decke, holten einen Samowar, einen Keller und eine halbe Flasche Rum heraus und baten Marya Genrichowna, die Gastgeberin zu sein, und alle drängten sich um sie. Manche boten ihr ein sauberes Taschentuch an, um ihre schönen Hände abzuwischen, manche legten ihr einen ungarischen Mantel unter die Füße, damit es nicht feucht wurde, manche verhängten einen Vorhang vor dem Fenster, damit es nicht wehte, manche wischten ihr die Fliegen ab Das Gesicht meines Mannes, damit er nicht aufwacht.
„Lass ihn in Ruhe“, sagte Marya Genrichowna und lächelte schüchtern und glücklich, „er schläft schon gut nach einer schlaflosen Nacht.“
„Das geht nicht, Marya Genrichowna“, antwortete der Beamte, „Sie müssen dem Arzt dienen.“ Das ist es, vielleicht wird er Mitleid mit mir haben, wenn er anfängt, mein Bein oder meinen Arm aufzuschneiden.
Es gab nur drei Gläser; das Wasser war so schmutzig, dass man nicht entscheiden konnte, ob der Tee stark oder schwach war, und im Samowar reichte das Wasser nur für sechs Gläser, aber es war umso angenehmer, abwechselnd und je nach Dienstalter, sein Glas zu erhalten von Marya Genrikhovnas dicken Händen mit kurzen, nicht ganz sauberen Nägeln. Alle Offiziere schienen an diesem Abend wirklich in Marya Genrichowna verliebt zu sein. Sogar die Offiziere, die hinter der Trennwand Karten spielten, gaben bald das Spiel auf und gingen zum Samowar über, der allgemeinen Stimmung gehorchend, Marya Genrichowna zu umwerben. Marya Genrichowna, die sich von solch einer brillanten und höflichen Jugend umgeben sah, strahlte vor Glück, egal wie sehr sie versuchte, es zu verbergen, und egal wie offensichtlich schüchtern sie bei jeder schläfrigen Bewegung ihres Mannes war, der hinter ihr schlief.
Es gab nur einen Löffel, es gab mehr Zucker, aber es war keine Zeit, ihn umzurühren, und deshalb wurde beschlossen, dass sie den Zucker nacheinander für alle umrühren würde. Nachdem Rostow sein Glas erhalten und Rum hineingegossen hatte, bat er Maria Genrichowna, es umzurühren.
- Aber du hast keinen Zucker? - sagte sie lächelnd, als ob alles, was sie sagte, und alles, was andere sagten, sehr lustig wäre und eine andere Bedeutung hätte.
- Ja, ich brauche keinen Zucker, ich möchte nur, dass du ihn mit deinem Stift umrührst.
Marya Genrichowna stimmte zu und begann, nach dem Löffel zu suchen, den sich bereits jemand geschnappt hatte.
„Dein Finger, Marya Genrichowna“, sagte Rostow, „es wird noch angenehmer.“
- Es ist heiß! - sagte Marya Genrikhovna und errötete vor Vergnügen.
Iljin nahm einen Eimer Wasser, träufelte etwas Rum hinein, kam zu Maria Genrichowna und bat ihn, ihn mit dem Finger umzurühren.
„Das ist meine Tasse“, sagte er. - Steck einfach deinen Finger rein, ich trinke alles aus.
Als der Samowar ausgetrunken war, nahm Rostow die Karten und bot an, mit Maria Genrichowna Könige zu spielen. Sie entschieden per Los, wer zu Marya Genrichownas Gruppe gehören würde. Die Spielregeln lauten nach Rostows Vorschlag, dass derjenige, der König werden würde, das Recht hätte, Marya Genrichowna die Hand zu küssen, und dass derjenige, der ein Schurke bleiben würde, hingehen und dem Arzt einen neuen Samowar stellen würde, wenn er aufgewacht.
- Was wäre, wenn Marya Genrichowna König wird? – fragte Iljin.
- Sie ist bereits eine Königin! Und ihre Befehle sind Gesetz.
Das Spiel hatte gerade begonnen, als plötzlich der verwirrte Kopf des Arztes hinter Marya Genrichowna hervorkam. Er hatte lange Zeit nicht geschlafen und nicht zugehört, was gesagt wurde, und anscheinend fand er in allem, was gesagt und getan wurde, nichts Fröhliches, Lustiges oder Amüsantes. Sein Gesicht war traurig und mutlos. Er begrüßte die Beamten nicht, kratzte sich und bat um Erlaubnis zum Verlassen, da ihm der Weg versperrt war. Sobald er herauskam, brachen alle Offiziere in lautes Gelächter aus, und Marya Genrichowna errötete zu Tränen und wurde dadurch in den Augen aller Offiziere noch attraktiver. Als der Arzt vom Hof ​​zurückkehrte, sagte er zu seiner Frau (die aufgehört hatte, so glücklich zu lächeln und ihn ansah und ängstlich auf das Urteil wartete), dass der Regen vorüber sei und sie die Nacht im Zelt verbringen müsse, sonst wäre alles gut gestohlen.
- Ja, ich schicke einen Boten ... zwei! - sagte Rostow. - Kommen Sie, Doktor.
– Ich werde selbst auf die Uhr achten! - sagte Iljin.
„Nein, meine Herren, Sie haben gut geschlafen, aber ich habe zwei Nächte lang nicht geschlafen“, sagte der Arzt und setzte sich düster neben seine Frau, während er auf das Ende des Spiels wartete.
Beim Anblick des düsteren Gesichts des Arztes, der seine Frau schief ansah, wurden die Beamten noch fröhlicher, und viele konnten sich ein Lachen nicht verkneifen, für das sie hastig nach plausiblen Ausreden suchten. Als der Arzt ging, seine Frau mitnahm und sich mit ihr im Zelt niederließ, legten sich die Offiziere in die Taverne, bedeckt mit nassen Mänteln; Aber sie schliefen lange Zeit nicht, redeten entweder, erinnerten sich an den Schrecken und die Belustigung des Arztes oder rannten auf die Veranda und berichteten, was im Zelt passierte. Mehrmals wollte Rostow, den Kopf umdrehend, einschlafen; aber wieder unterhielt ihn jemandes Bemerkung, wieder begann ein Gespräch, und wieder war grundloses, fröhliches, kindisches Gelächter zu hören.

Um drei Uhr war noch niemand eingeschlafen, als der Sergeant mit dem Befehl erschien, in die Stadt Ostrovne zu marschieren.
Mit dem gleichen Geplapper und Gelächter machten sich die Offiziere hastig bereit; Setzen Sie den Samowar wieder auf schmutziges Wasser. Aber Rostow ging, ohne auf den Tee zu warten, zum Geschwader. Es dämmerte bereits; der Regen hörte auf, die Wolken lösten sich auf. Es war feucht und kalt, besonders in einem nassen Kleid. Als Rostow und Iljin in der Dämmerung der Morgendämmerung aus der Taverne kamen, blickten sie in das vom Regen glänzende Lederzelt des Arztes, aus dessen Schürze die Beine des Arztes herausragten und in dessen Mitte sich die Mütze des Arztes befand auf dem Kissen sichtbar und schläfriges Atmen war zu hören.
- Wirklich, sie ist sehr nett! - sagte Rostow zu Iljin, der mit ihm ging.
- Was für eine Schönheit diese Frau ist! – Iljin antwortete mit sechzehnjährigem Ernst.
Eine halbe Stunde später stand das aufgereihte Geschwader auf der Straße. Der Befehl war zu hören: „Setz dich! – Die Soldaten bekreuzigten sich und begannen sich zu setzen. Rostow ritt vorwärts und befahl: „März! - und die Husaren streckten sich zu viert aus und machten sich mit dem Geräusch von Hufschlägen auf der nassen Straße, dem Klirren von Säbeln und leisem Reden auf den Weg, die große, von Birken gesäumte Straße entlang und folgten der vorausgehenden Infanterie und Batterie.
Zerrissene blauviolette Wolken, die sich bei Sonnenaufgang rot färbten, wurden schnell vom Wind vertrieben. Es wurde immer leichter. Das lockige Gras, das immer an Landstraßen wächst und noch nass vom gestrigen Regen ist, war deutlich zu erkennen; Die herabhängenden Äste der Birken, ebenfalls nass, wiegten sich im Wind und ließen leichte Tropfen zu ihren Seiten fallen. Die Gesichter der Soldaten wurden immer klarer. Rostow ritt mit Iljin, der nicht hinter ihm zurückblieb, am Straßenrand zwischen einer doppelten Birkenreihe.
Während des Feldzugs nahm sich Rostow die Freiheit, nicht auf einem Frontpferd, sondern auf einem Kosakenpferd zu reiten. Er ist sowohl ein Experte als auch ein Jäger und hat sich kürzlich einen schneidigen Don zugelegt, ein großes und freundliches Wildpferd, auf das ihn noch niemand aufgesprungen war. Für Rostow war es eine Freude, dieses Pferd zu reiten. Er dachte an das Pferd, an den Morgen, an den Arzt und dachte nicht ein einziges Mal an die drohende Gefahr.
Vorher hatte Rostow Angst, als er ins Geschäft ging; Jetzt verspürte er nicht das geringste Gefühl der Angst. Das lag nicht daran, dass er keine Angst hatte, weil er es gewohnt war zu schießen (man kann sich nicht an Gefahren gewöhnen), sondern daran, dass er gelernt hatte, seine Seele angesichts der Gefahr zu kontrollieren. Wenn er Geschäfte machte, war er es gewohnt, an alles zu denken, außer an das, was ihm interessanter erschien als alles andere – an die drohende Gefahr. Egal wie sehr er sich in der ersten Zeit seines Dienstes auch bemühte oder sich Feigheit vorwarf, es gelang ihm nicht; aber im Laufe der Jahre ist es mittlerweile selbstverständlich geworden. Er ritt nun neben Ilyin zwischen den Birken, riss gelegentlich Blätter von den Zweigen, die ihm zur Hand kamen, berührte manchmal mit dem Fuß die Leistengegend des Pferdes, manchmal, ohne sich umzudrehen, gab er seine fertige Pfeife dem hinter ihm reitenden Husaren mit einem solchen ruhiger und unbeschwerter Blick, als würde er reiten. Es tat ihm leid, Iljins aufgeregtes Gesicht zu sehen, der viel und unruhig sprach; Er kannte aus Erfahrung den schmerzhaften Zustand des Wartens auf Angst und Tod, in dem sich der Kornett befand, und wusste, dass ihm nichts außer der Zeit helfen würde.
Die Sonne war gerade auf einem klaren Streifen unter den Wolken hervorgekommen, als der Wind nachließ, als ob er es nicht wagen würde, diesen schönen Sommermorgen nach dem Gewitter zu verderben; die Tropfen fielen immer noch, aber senkrecht, und alles wurde still. Die Sonne kam vollständig heraus, erschien am Horizont und verschwand in einer schmalen und langen Wolke, die darüber stand. Wenige Minuten später erschien die Sonne noch heller am oberen Rand der Wolke und durchbrach deren Ränder. Alles leuchtete und funkelte. Und zusammen mit diesem Licht waren vor uns Schüsse zu hören, als ob sie darauf antworten würden.
Bevor Rostow Zeit hatte, darüber nachzudenken und festzustellen, wie weit diese Schüsse entfernt waren, galoppierte der Adjutant des Grafen Osterman Tolstoi aus Witebsk mit dem Befehl, die Straße entlang zu traben.
Das Geschwader umging die Infanterie und die Batterie, die es ebenfalls eilig hatten, schneller zu werden, stieg den Berg hinunter und stieg durch ein leeres Dorf ohne Einwohner wieder auf den Berg. Die Pferde begannen zu schäumen, die Menschen wurden rot.
- Hör auf, sei gleich! – Der Befehl des Divisionskommandeurs war vor uns zu hören.
- Linke Schulter nach vorne, Schrittmarsch! - Sie befahlen von der Front.
Und die Husaren entlang der Truppenlinie gingen zur linken Flanke der Stellung und stellten sich hinter unsere Lanzenreiter, die in der ersten Reihe standen. Rechts stand in einer dichten Kolonne unsere Infanterie – das waren Reserven; Darüber auf dem Berg waren unsere Geschütze in der sauberen, klaren Luft zu sehen, am Morgen, schräges und helles Licht, direkt am Horizont. Vor ihnen, hinter der Schlucht, waren feindliche Kolonnen und Kanonen zu sehen. In der Schlucht konnten wir unsere Kette hören, die bereits im Einsatz war und fröhlich mit dem Feind klapperte.
Als würde Rostow die Klänge der fröhlichsten Musik hören, empfand er in seiner Seele Freude über diese Klänge, die er schon lange nicht mehr gehört hatte. Tap ta ta tap! – Mehrere Schüsse ertönten plötzlich, dann schnell einer nach dem anderen. Wieder wurde es still, und wieder war es, als würden Feuerwerkskörper knallen, wenn jemand darauf lief.
Die Husaren standen etwa eine Stunde lang an einem Ort. Die Kanonade begann. Graf Osterman und sein Gefolge ritten hinter dem Geschwader her, hielten an, unterhielten sich mit dem Regimentskommandeur und ritten zu den Geschützen auf dem Berg.
Nach Ostermans Abreise hörten die Lanzenreiter einen Befehl:
- Bilden Sie eine Kolonne und stellen Sie sich zum Angriff auf! „Die Infanterie vor ihnen verdoppelte ihre Züge, um die Kavallerie durchzulassen. Die Lanzenreiter machten sich mit schwankenden Hechtwetterfahnen auf den Weg und trabten bergab auf die französische Kavallerie zu, die links unter dem Berg auftauchte.
Sobald die Ulanen den Berg hinuntergingen, wurde den Husaren befohlen, den Berg hinaufzurücken, um die Batterie zu decken. Während die Husaren an die Stelle der Lanzenreiter traten, flogen entfernte, verfehlte Kugeln kreischend und pfiffend aus der Kette.
Dieses lange nicht gehörte Geräusch hatte auf Rostow eine noch freudigere und aufregendere Wirkung als die vorherigen Schießgeräusche. Er richtete sich auf, blickte vom Berg aus auf das Schlachtfeld und beteiligte sich mit ganzer Seele an der Bewegung der Lanzenreiter. Die Lanzenreiter näherten sich den französischen Dragonern, dort verhedderte sich etwas im Rauch, und fünf Minuten später stürmten die Lanzenreiter nicht dorthin zurück, wo sie standen, sondern nach links. Zwischen den orangefarbenen Lanzenreitern auf roten Pferden und dahinter waren in einem großen Haufen blaue französische Dragoner auf grauen Pferden zu sehen.

Rostow war mit seinem scharfen Jagdauge einer der ersten, der diese blauen französischen Dragoner sah, wie sie unsere Lanzenreiter verfolgten. Die Ulanen und die sie verfolgenden französischen Dragoner rückten in aufgebrachten Massen immer näher heran. Man konnte bereits sehen, wie diese Menschen, die unter dem Berg klein wirkten, zusammenstießen, sich überholten und mit den Armen oder Säbeln wedelten.
Rostow betrachtete das, was vor ihm geschah, als würde er verfolgt. Er hatte instinktiv das Gefühl, dass sie keinen Widerstand leisten würden, wenn er jetzt mit den Husaren die französischen Dragoner angriff; aber wenn du zuschlägst, musst du es jetzt tun, in dieser Minute, sonst ist es zu spät. Er sah sich um. Der Kapitän, der neben ihm stand, ließ die Kavallerie unten nicht in gleicher Weise aus den Augen.
„Andrei Sewastjanich“, sagte Rostow, „wir werden daran zweifeln...“
„Es wäre eine schneidige Sache“, sagte der Kapitän, „aber tatsächlich...
Ohne auf ihn zu hören, schob Rostow sein Pferd an, galoppierte vor dem Geschwader, und bevor er Zeit hatte, die Bewegung zu befehligen, machte sich das gesamte Geschwader, das dasselbe erlebte wie er, auf den Weg, ihm nachzulaufen. Rostow selbst wusste nicht, wie und warum er das tat. Er tat dies alles, wie er es auf der Jagd tat, ohne nachzudenken, ohne nachzudenken. Er sah, dass die Dragoner nahe waren, dass sie aufgeregt galoppierten; Er wusste, dass sie es nicht ertragen konnten, er wusste, dass es nur eine Minute gab, die nicht zurückkehren würde, wenn er sie verpasste. Die Kugeln kreischten und pfiffen so aufgeregt um ihn herum, dass das Pferd so eifrig bettelte, dass es es nicht ertragen konnte. Er berührte sein Pferd, gab den Befehl und begann im selben Moment, als er hinter sich das Stampfen seiner eingesetzten Schwadron hörte, im vollen Trab den Berg hinab auf die Dragoner zu. Sobald sie bergab gingen, verwandelte sich ihr Trabgang unwillkürlich in einen Galopp, der immer schneller wurde, je näher sie ihren Ulanen und den hinter ihnen galoppierenden französischen Dragonern kamen. Die Dragoner waren nahe. Als die Vorderen die Husaren sahen, begannen sie umzukehren, die Hinteren blieben stehen. Mit dem Gefühl, mit dem er über den Wolf stürmte, galoppierte Rostow, seinen Hintern mit voller Geschwindigkeit loslassend, über die frustrierten Reihen der französischen Dragoner. Ein Lanzenreiter blieb stehen, ein Fuß fiel zu Boden, um nicht zerquetscht zu werden, ein reiterloses Pferd geriet unter die Husaren. Fast alle französischen Dragoner galoppierten zurück. Nachdem Rostow einen von ihnen auf einem grauen Pferd ausgewählt hatte, machte er sich auf den Weg, ihm nachzulaufen. Unterwegs stieß er auf einen Busch; Ein gutes Pferd trug ihn hinüber, und da er im Sattel kaum zurechtkam, sah Nikolai, dass er in wenigen Augenblicken den Feind einholen würde, den er als Ziel ausgewählt hatte. Dieser Franzose war wahrscheinlich ein Offizier – seiner Uniform nach zu urteilen, galoppierte er gebückt auf seinem grauen Pferd und trieb es mit einem Säbel voran. Einen Moment später traf Rostows Pferd mit der Brust den Hintern des Pferdes des Offiziers und warf es fast um, und im selben Moment hob Rostow, ohne zu wissen warum, seinen Säbel und schlug damit auf den Franzosen ein.
In dem Moment, in dem er dies tat, verschwand plötzlich die ganze Lebendigkeit in Rostow. Der Offizier stürzte nicht so sehr durch den Schlag des Säbels, der seinen Arm oberhalb des Ellenbogens nur leicht verletzte, sondern durch den Stoß des Pferdes und aus Angst. Rostow hielt sein Pferd zurück und suchte mit den Augen nach seinem Feind, um zu sehen, wen er besiegt hatte. Der französische Dragoneroffizier sprang mit einem Fuß auf den Boden, der andere blieb im Steigbügel hängen. Er blinzelte vor Angst, als erwarte er jede Sekunde einen neuen Schlag, runzelte das Gesicht und blickte mit einem Ausdruck des Entsetzens zu Rostow auf. Sein Gesicht, blass und dreckig, blond, jung, mit einem Loch im Kinn und hellblauen Augen, war nicht das Gesicht eines Schlachtfeldes, nicht das Gesicht eines Feindes, sondern ein ganz einfaches Innengesicht. Noch bevor Rostow sich entschied, was er mit ihm machen würde, rief der Offizier: „Je me rends!“ [Ich gebe auf!] In Eile wollte und konnte er sein Bein nicht vom Steigbügel lösen und blickte, ohne seine verängstigten blauen Augen abzuwenden, Rostow an. Die Husaren sprangen auf, befreiten sein Bein und setzten ihn auf den Sattel. Husaren von verschiedenen Seiten spielten mit den Dragonern: Einer wurde verwundet, gab aber mit blutüberströmtem Gesicht sein Pferd nicht auf; der andere saß, den Husaren umarmend, auf der Kruppe seines Pferdes; der Dritte stieg, unterstützt von einem Husaren, auf sein Pferd. Die französische Infanterie rannte schießend voraus. Die Husaren galoppierten mit ihren Gefangenen hastig zurück. Rostow galoppierte mit den anderen zurück und verspürte ein unangenehmes Gefühl, das ihm das Herz drückte. Die Gefangennahme dieses Offiziers und der Schlag, den er ihm versetzte, offenbarten ihm etwas Unklares, Verwirrendes, das er sich selbst nicht erklären konnte.
Graf Osterman Tolstoi traf die zurückkehrenden Husaren, rief Rostow an, dankte ihm und sagte, er werde dem Herrscher über seine tapfere Tat berichten und um das St.-Georgs-Kreuz für ihn bitten. Als Rostow aufgefordert wurde, vor Graf Osterman zu erscheinen, erinnerte er sich daran, dass sein Angriff ohne Befehl gestartet worden war, und war völlig davon überzeugt, dass der Chef ihn aufforderte, ihn für seine unerlaubte Tat zu bestrafen. Daher hätten Ostermans schmeichelhafte Worte und das Versprechen einer Belohnung Rostow umso freudiger treffen müssen; aber das gleiche unangenehme, unklare Gefühl machte ihn moralisch krank. „Was zum Teufel quält mich? – fragte er sich und fuhr vom General weg. - Iljin? Nein, er ist intakt. Habe ich mich irgendwie blamiert? NEIN. Alles ist falsch! „Etwas anderes quälte ihn, zum Beispiel Reue.“ - Ja, ja, dieser französische Offizier mit einem Loch. Und ich erinnere mich noch gut daran, wie meine Hand stehen blieb, als ich sie hob.“
Rostow sah, wie die Gefangenen abgeführt wurden, und galoppierte hinter ihnen her, um seinen Franzosen mit einem Loch im Kinn zu sehen. Er saß in seiner seltsamen Uniform auf einem gewundenen Husarenpferd und blickte sich ruhelos um. Die Wunde an seiner Hand war fast keine Wunde. Er täuschte Rostow ein Lächeln vor und wedelte zur Begrüßung mit der Hand. Rostow fühlte sich immer noch unbehaglich und schämte sich für etwas.
Den ganzen Tag und den nächsten bemerkten Rostows Freunde und Kameraden, dass er nicht langweilig, nicht wütend, sondern still, nachdenklich und konzentriert war. Er trank widerwillig, versuchte allein zu bleiben und dachte ständig über etwas nach.
Rostow dachte immer wieder über seine brillante Leistung nach, die ihm zu seiner Überraschung das St.-Georgs-Kreuz einbrachte und ihm sogar den Ruf eines tapferen Mannes einbrachte – und er konnte einfach etwas nicht verstehen. „Also haben sie noch mehr Angst vor uns! - dachte er. – Das ist also alles, was man Heldentum nennt? Und habe ich das für das Vaterland getan? Und woran ist er mit seinem Loch und seinen blauen Augen schuld? Und was für eine Angst hatte er! Er dachte, ich würde ihn töten. Warum sollte ich ihn töten? Meine Hand zitterte. Und sie gaben mir das St.-Georgs-Kreuz. Nichts, ich verstehe nichts!“
Doch während Nikolai diese Fragen in sich selbst verarbeitete und sich immer noch nicht klar machen konnte, was ihn so verwirrt hatte, drehte sich das Rad des Glücks in seiner Karriere, wie so oft, zu seinen Gunsten. Nach der Ostrovnensky-Affäre wurde er nach vorne gedrängt, man stellte ihm ein Husarenbataillon zur Verfügung und wenn es notwendig war, einen tapferen Offizier einzusetzen, gab man ihm Anweisungen.

Hier wurde am 22. Dezember 1858 Giacomo Puccini geboren, der aus einer alten Musikerfamilie stammte und den immer lebendigen Traditionen seines Heimatlandes würdig war. Er schuf leicht einprägsame Melodien und bereicherte sie mit neuen Lebensstimmen. Als renommierter Meister bekräftigte er durch stilistisch perfekte und flexible Formen den nationalen Inhalt der Kunst weltweit.
Eine Stadt, die stolz auf ihren Sohn ist, am dreißigsten Tag nach seinem Tod
29. Dezember 1924.

Diese feierliche Inschrift ist jetzt auf einer Gedenktafel zu lesen, die an der Wand eines alten Hauses an der Via di Poggia in der toskanischen Stadt Lucca angebracht ist. Hier wurde in der Familie des Erbmusikers Michele Puccini nach vier Töchtern ein Junge geboren, der zu Ehren seines Ururgroßvaters, des ersten Komponisten ihrer Familie, den Namen Giacomo erhielt. Es war ihm bestimmt, die Familie Puccini auf der ganzen Welt zu verherrlichen.

Nachdem er seinen Vater früh verloren hatte, war Giacomo von Kindheit an gezwungen, seinen Lebensunterhalt als Kirchensänger zu verdienen. Im Alter von vierzehn Jahren erhielt er die Stelle eines Kirchenorganisten. Seine Improvisationen, die oft toskanische Volksmelodien und manchmal Opernmelodien enthielten, erfreuten die Gemeindemitglieder, missfielen jedoch den örtlichen Geistlichen aufgrund ihrer übermäßigen „Theatralik“. Die Werke schrieb der junge Mann unter der Leitung von C. Angeloni, in dessen Klasse er am Lucca Musical Institute studierte. G. Pacini. Die Aufführung der für den Abschluss des Instituts komponierten Messe im Jahr 1880 bescherte Giacomo seinen ersten Erfolg. Im Herbst desselben Jahres ging er nach Mailand und wurde, nachdem er die Aufnahmeprüfungen problemlos bestanden hatte, in das Konservatorium aufgenommen.

Während seiner schwierigen Studienzeit musste Puccini oft in einem ungeheizten Raum frieren, war unterernährt und jeder Theaterbesuch wurde aufgrund der hohen Eintrittspreise zu einem Ereignis, aber er verlor nicht den Mut. Ich habe von morgens bis spät abends gelernt. Er fühlte sich besonders vom Kompositionsunterricht bei A. Ponchielli angezogen, der durch die Oper La Gioconda berühmt wurde. Zu Giacomos Freunden zählen der Komponist A. Catalani und der zukünftige Autor von „Rural Honor“ – P. Mascagni.

Während seines Studiums schrieb Puccini viel verschiedene Werke; Das beste davon ist das Symphonische Capriccio, das bei der Abschlussprüfung am Konservatorium am 14. Juli 1883 erfolgreich aufgeführt wurde und in der Presse positive Kritiken erhielt. Aber der Komponist hatte das Gefühl, dass sein Genre nicht instrumental sei, nicht symphonische Musik und Musik fürs Theater, verbunden mit Worten, mit Gesten, mit Live-Action auf der Bühne.

Die ersten beiden Opern „Willis“ (1883) und „Edgar“ (1885-88) sind noch immer nur Ansätze für einen eigenständigen Weg in der Kunst. Ihre traditionellen romantischen Handlungen, die vom Librettisten F. Fontana entwickelt wurden, waren wenig geeignet kreative Individualität Puccini. Dennoch machte die Uraufführung von „Willis“ im Dal Verme Theater den aufstrebenden Autor in Mailänder Musikkreisen berühmt. Kritiker schrieben über das Vorhandensein einer Reihe lebendiger dramatischer Szenen und lyrischer Episoden in der Oper, die sich durch melodischen Reichtum auszeichneten. Ein talentierter Komponist Der Verleger G. Ricordi interessierte sich für ihn und wurde sein lebenslanger Förderer und Freund.

Puccini erkennt, dass die Grundlage des Opernlibrettos ein starkes Lebensdrama sein sollte, das das Publikum begeistern kann, und macht sich auf die Suche nach einer Handlung für eine neue Oper. Er wählt „Die Geschichte des Cavalier Des Grieux und Manon Lescaut“ von A. Prevost. Die enorme Popularität von „Manon“ von J. Massenet ist ihm nicht peinlich. „Das werden zwei völlig unterschiedliche Schwestern“, überzeugt er die Librettisten. - „Massenets Musik ist französisch – mit gepuderten Perücken und Menuett, aber meine wird italienisch sein – mit Verzweiflung und Leidenschaft.“

„Manon Lescaut“ unterscheidet sich von Puccinis ersten Opern durch eine größere dramatische Integrität und eine vielfältigere musikalische Sprache. Das wichtigste Ausdrucksmittel ist die Melodie – melodisch, flexibel, rhythmisch reich. Im Zentrum der Oper stehen lyrische Szenen, die sich auf die Eigenschaften der Hauptfiguren beziehen und deren Gefühle und Stimmungen vermitteln. Nach der triumphalen Turiner Uraufführung am 1. Februar 1893 gewann Manon Lescaut schnell die Sympathie der Zuhörer weit über die Grenzen Italiens hinaus.

Das kreative Bild des jungen Puccini entstand in einer Zeit, als im italienischen Musiktheater eine neue Richtung etabliert wurde – der Verismo, der sich mit den Opern „Honor Rusticana“ von P. Mascagni (1890) und „Pagliacci“ von R. lautstark ausdrückte . Leoncavallo (1892). Bestimmte veristische Tendenzen, die in einigen Opern Puccinis („Tosca“, „Das Mädchen aus dem Westen“, „Umhang“) zum Ausdruck kamen, waren für den Komponisten jedoch nicht entscheidend. Wie die Veristen wendet sich Puccini der Verkörperung des Alltags mit seinen inhärenten akuten Konflikten zu, aber seine Werke voller subtiler Poesie und tiefem Psychologismus übertreffen typische Beispiele der Veristenoper mit ihrer extremen Handlungskonzentration und dem betont ausdrucksstarken musikalischen Ausdruck deutlich .

Ein Aufsatz, der ein neues eröffnete, Reifezeit im Werk von Puccini wurde „La Bohème“, geschrieben nach dem Roman von A. Murger „Szenen aus dem Leben Böhmens“. „Ich habe eine Handlung gefunden, in die ich mich völlig verliebt habe“, sagte der Komponist. Schließlich war diese Handlung für ihn, der in seiner Jugend Armut und Entbehrungen erlebte, gewissermaßen autobiografisch. Mit aufrichtiger Wärme, sanftem Humor und tief empfundener Lyrik erzählt Puccini die berührende Liebesgeschichte der armen Näherin Mimi und des arbeitslosen Künstlers Rudolf. In der Oper vermischen sich lyrische Episoden mit heiter-lebendiger Genremalerei. Die Musik folgt flexibel den wechselnden Bühnenbildern. In La Bohème gibt es fast keine abgeschlossenen Opernnummern: Kleine Arios gehen organisch in melodische Rezitation über – Rezitative und Dialoge. Leitmotive und ihre Entwicklung sind in der Opernmusik wichtig.

Die Uraufführung von La Bohème am 1. Februar 1896 in Turin löste heftige Kontroversen aus. Der Autor wurde verurteilt, weil er sich einer „nicht-opernhaften“ Handlung zuwandte; sein Werk wurde als „Oper der Ragamuffins“ bezeichnet. A. Toscanini verteidigte La Bohème und sagte ihm eine glänzende Zukunft voraus. Die Zeit hat ihm Recht gegeben. Gleichzeitig mit Puccini arbeitete Leoncavallo an der Handlung von La Bohème. Dies führte zu einem langjährigen Streit zwischen den beiden zuvor freundschaftlich verbundenen Komponisten. Leoncavallos La bohème, ein Jahr nach Puccinis Oper aufgeführt, war kein Erfolg.

Noch bevor er mit der Arbeit an „Manon Lescaut“ begann, dachte Puccini über die Oper „Tosca“ nach, die auf der Handlung des Dramas von V. Sardou basiert. Nach der Uraufführung von La Bohème begann er zusammen mit seinen Stammlibrettisten L. Illica und J. Giacosa mit der Entwicklung des Drehbuchs. Im Mittelpunkt des Werkes steht, wie immer bei Puccini, ein Liebesdrama. Doch hier berührt der Komponist zum ersten Mal das Thema des Kampfes gegen die Tyrannei: Die Hauptfiguren – Sängerin Floria Tosca und Künstler Mario Cavaradossi – sterben im Zusammenstoß mit der Welt der Tyrannei.

Die Uraufführung von „Tosca“ fand am 14. Januar 1900 in Rom statt. Die Oper wurde sofort von Anhängern der Veristenbewegung an die Spitze erhoben, die von der hektischen Dramatik der einzelnen Szenen angezogen wurden. Aber das war es nicht, was den Erfolg von „Tosca“ beim Publikum ausmachte – es war fasziniert von Puccinis wunderschöner, ausdrucksstarker, melodischer Musik, die untrennbar mit der Handlung verbunden war. In einem Jahr übertraf „Tosca“. größten Theater Frieden.

Die Idee, eine Oper nach dem Stück „Geisha“ des amerikanischen Dramatikers D. Belasco zu schreiben, entstand unter dem Eindruck einer Aufführung in London, wohin Puccini im Sommer 1900 im Zusammenhang mit der Inszenierung von „Tosca“ reiste “ im Covent Garden Theatre. Wahre Geschichteüber das tragische Schicksal des armen japanischen Mädchens Cio-Cio-san, oder wie sie genannt wurde, Madame Butterfly (Motte), berührte den Komponisten zutiefst. „Madama Butterfly“ vollendet die zentrale und intensivste Phase von Puccinis Schaffen – die Zeit ständiger kreativer Suche und Entscheidungen. Es nimmt den charakteristischen Stil der Oper des 20. Jahrhunderts vorweg. eine Art Monodrama, bei dem sich alle Ereignisse um die Hauptfigur drehen.

Das Bild des „kleinen japanischen Mädchens aus Nagasaki“, das hohe moralische Ideale bekräftigt, ist das komplexeste und vielfältigste in der Galerie Puccinis weibliche Charaktere. Das Hauptaugenmerk des Komponisten liegt auf der Enthüllung spirituelles Drama Cio-Cio-san, in der Oper gibt es fast keine äußere Bühnenhandlung.

Puccini ist einer der ersten europäischen Komponisten, der sich der japanischen Handlung zuwandte. Um das lokale Flair in der Musik so authentisch wie möglich zu vermitteln, verwendet er authentische japanische Melodien, ungewöhnliche Kombinationen von Zsuks und fragile, klingende Orchesterklangfarben.

Die Uraufführung von Madama Butterfly am 17. Februar 1904 an der Mailänder Scala war ein echter Misserfolg. Dies war größtenteils auf eine dramatische Fehleinschätzung von Puccini selbst zurückzuführen, die zur Folge hatte, dass der zweite Akt zu langwierig ausfiel. Drei Monate nachdem der Autor geringfügige Änderungen vorgenommen hatte, errang die Oper in Brescia einen glänzenden Sieg. Die Hauptrolle spielte die junge ukrainische Sängerin Solomiya Krushelnitskaya, die zu diesem Zeitpunkt bereits als hervorragende Interpretin der Opern von R. Wagner bekannt geworden war. Wenige Tage später erhielt sie als Geschenk ein Porträt des Komponisten mit der Inschrift: „Der prächtigste und bezauberndste Schmetterling. Giacomo Puccini, Torre del Lago“, 1904.

Der Erfolg von Madama Butterfly stärkte Puccinis weltweiten Ruhm. Seine Opern werden überall aufgeführt, sein Name wird neben den Namen bedeutender Komponisten ausgesprochen.

„Wie singen die Indianer?“ - fragte sich der Komponist, nachdem er in New York Belascos Drama „The Girl from the Golden West“ über das Leben kalifornischer Goldgräber gesehen hatte. In der Oper zu dieser Handlung setzt Puccini die Linie von „Tosca“ fort – darin kommt der Einfluss veristischer Tendenzen noch deutlicher zum Ausdruck. Am besten gelang dem Autor die stark dramatischen Szenen, in denen die Charaktere der Hauptfiguren – Minnie und Johnson – enthüllt werden; Hier herrscht eine spannungsgeladene melodische Deklamation vor. Einen bedeutenden Platz nehmen Genreepisoden ein, in denen dank subtil in die Musik eingewobener Jazzelemente, Intonationen und Rhythmen der Neger- und Indianerfolklore das eigentümliche Leben des „Wilden Westens“ anschaulich eingefangen wird. Die Uraufführung von „The Girl from the West“ am 10. Dezember 1910 in New York fand in einer Aufsehen erregenden Atmosphäre statt, doch die Oper erreichte nicht die Popularität ihrer Vorgänger.

Zweites Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. war für Puccini schwierig. Die bedrückende Situation des Ersten Weltkriegs schwächte seine schöpferische Tätigkeit erheblich. Die lyrische Komödie „Schwalbe“ (1914-16) wurde nicht zu einer großen künstlerischen Leistung des Komponisten. Nachdem er viele verschiedene Themen durchgegangen war (darunter Werke der russischen Literatur – L. Tolstoi, M. Gorki), kam Puccini auf die Idee, ein Triptychon zu schaffen – einen Zyklus, der aus drei kontrastierenden Opern besteht. Der erste Teil – „Cloak“, der auf der rasanten Entwicklung des Dramas um Liebe und Eifersucht basiert, steht sowohl in der Art der Dramaturgie als auch im musikalischen Ausdruck den Verist-Opern nahe.

Der lyrische Mittelteil – „Schwester Angelica“, der vom traurigen Schicksal einer jungen Nonne erzählt – ist in sanften, gedämpften Tönen gestaltet. Und schließlich das prickelnde Finale – heiter, verschmitzt, im Geiste alter komischer Opern – „Gianni Schicchi“, dessen Handlung von Zeilen aus Dantes „Göttlicher Komödie“ inspiriert ist.

Dieses Puccini-Meisterwerk, das bei seiner Premiere an der New Yorker Metropolitan Opera einen begeisterten Empfang erhielt, bleibt der beste Teil des Zyklus.

Puccini ist bereits schwer erkrankt (Kehlkopfkrebs) und arbeitet an seiner Krankheit letzter Aufsatz- die monumentale exotische Opernlegende „Turandot“ nach dem Stück von C. Gozzi. Der Komponist verleiht den Helden der konventionellen Märchenwelt lebendige menschliche Leidenschaften. Die Haupthandlung ist mit der Geschichte der unnahbaren, stolzen und grausamen chinesischen Prinzessin Turandot verbunden, die von der großen Liebe eines unbekannten Prinzen – Calaf – besiegt wird. Die Größe und Vielseitigkeit von „Turandot“ bestimmte seine Besonderheiten Musikalische Dramaturgie: kontrastierende Vergleiche verschiedener Genrebereiche – lyrisch-dramatisch, komisch, episch; das Vorhandensein umfangreicher Chorszenen; die ungewöhnliche Natur der Musik, die aus europäischen Melodien und authentischen chinesischen Motiven verschmolzen ist; Vielfalt an Orchesterfarbeffekten.

Der Komponist hatte keine Zeit, die Oper fertigzustellen; am vierten Tag nach der schmerzhaften Operation starb Puccini. Sein Leichnam wurde nach Italien überführt und in der Kapelle von Torre del Lago beigesetzt. Die Uraufführung von „Turandot“, fertiggestellt nach den Skizzen des Autors vom Komponisten F. Alfano, fand am 25. April 1926 an der Scala unter der Leitung von A. Toscanini statt. Als der letzte von Puccini geschriebene Akkord erklang, senkte Toscanini seinen Taktstock und sagte zum Publikum: „Hier entriss der Tod dem Meister die Feder.“ Alle standen auf. Das Publikum zerstreute sich in tiefem Schweigen.

Puccini war der letzte Vertreter der italienischen Opernklassiker. Er war sensibel für die Trends der Zeit und suchte ständig nach Möglichkeiten, die künstlerischen und ausdrucksstarken Mittel der Oper zu aktualisieren. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der europäischen Oper im 20. Jahrhundert. Getreu den Traditionen der realistischen Kunst schuf der humanistische Künstler Puccini unsterbliche Werke, das für immer in die Schatzkammer der Weltmusikkultur einging.

T. Keldysh

Als Nachkomme einer alten Musikerfamilie, der fünfte von sieben Brüdern, verlor er im Alter von sechs Jahren seinen Vater, den Organisten und Regenten der Kathedrale von Lucca. Er studierte Musik am örtlichen Pacini-Institut und am Mailänder Konservatorium (bei Ponchielli und Bazzini). In Mailand trat er 1884 mit seiner ersten Oper „Willis“ auf, die ein großer Erfolg war. Die Oper Manon Lescaut fand 1893 in Turin eine noch größere Resonanz. Es folgte eine Affäre mit Elvira Bonturi in Gemignani, die erst nach dem Tod ihres Mannes im Jahr 1904 ihre Beziehung zu Puccini legalisierte – diese Beziehung war trotz der zahlreichen Liebesinteressen des Komponisten stark. Seit 1891 lebt er in Torre del Lago (ein idealer Ort zum Jagen und Angeln) und der Umgebung, wo seine anderen berühmten Opern entstanden. Nachdem er mit seiner Rede gegen den Ersten Weltkrieg internationale Berühmtheit erlangte und den Angriffen nationaler Kritik standhielt, unternahm er zahlreiche Reisen ins Ausland, auch auf der Suche nach Material für seine Werke.

Als Opernkomponist im wahrsten Sinne des Wortes gilt Puccini als wahrer Nachfolger von Verdis Traditionen im italienischen Musiktheater. Gleichzeitig unterscheidet sich seine künstlerische Welt von der Welt Verdis, da sie in einer anderen historischen Epoche entstanden ist. Diese Periode des Fin de Siecle (Ende des Jahrhunderts – französisch), die auch in Italien durch oberflächliche Ruhe und die Suche nach äußerem Schmuck gekennzeichnet war, war vom Beginn einer Krise geprägt, die durch die sich ständig weiterentwickelnde Wissenschaft noch verschärft wurde ( insbesondere Marxismus und Psychoanalyse). Puccini war ein Vertreter verschiedener ideologischer Tendenzen und Stimmungen, die er bei all seinem seltenen dramatischen Gespür mit Geschick und ständiger Erneuerung der Ausdrucksmittel nutzen und vereinen konnte (was teilweise auch Komponisten aus anderen Ländern gelang, die ein fortschrittliches Musical schufen). Sprache - vor allem Massenet, Debussy und andere), der sich so sehr in die Strömung der gesamteuropäischen Kunst integriert hatte, dass man ihm vorwerfen konnte, er verzichte auf „nationale Kunst“ zugunsten eines faden, wenn auch gut entwickelten „internationalen Genres“. “.

Eine Vorliebe für Malerei, die eine bestimmte Umgebung nachbildet (mit bemerkenswerten Anspielungen auf das Exotische), Chromatik, die auf Wagner und Impressionismus zurückgeht, „Zwielichtismus“ (vom italienischen Crepuscolarismo – ein Trend im italienischen Theater des späten 19. Jahrhunderts) und Dekadenz , ausgedrückt in der ständigen Melancholie, mit der manchmal die strahlende Freude an Einschubnummern, die düstere Ausleuchtung der Realität gemäß den Techniken des Naturalismus und Verismo, der Hang zur „tränenreichen Komödie“ erfolgreich kontrastiert werden – das sind die offensichtlichsten Komponenten von Puccini Opern, gekleidet in eine solide musikalische Sprache, in der seine Persönlichkeit offen zum Ausdruck kam. Alle Ausdrucksmittel Ohne jeglichen Schnickschnack vermitteln sie die Essenz der lateinamerikanischen Seele, sinnlich und leidenschaftlich im Ausdruck von Trauer und Freude, begierig darauf, sich in melodischem Gesang zu ergießen, wie es bei den großen italienischen Opernkomponisten des 19. Jahrhunderts der Fall war, also natürlich und direkt. Es ist seiner Melodie und seinen Leistungen im Gesangsbereich zu verdanken, dass Puccini seinen anderen Zeitgenossen weit voraus ist. Obwohl sich seine Persönlichkeit deutlich in den Eigenschaften der harmonischen Palette und in der geschickten Orchestrierung manifestierte (plastisch und streng architektonisch, aber gleichzeitig Skizzenhaftigkeit und Improvisation nicht fremd), ist es die menschliche Stimme, der er die Aufgabe anvertraut, seine auszudrücken Seele: vom flexiblen Rezitativ (dem sogenannten „Singen mit der Zunge“) bis zum Schrei und Schluchzen oder einer blutleeren Kantilene, die die Spannung eines melodischen Bogens mit kräftig aufsteigenden Zähnen, wie Drop-Caps, überwindet. Als sorgfältiger und methodischer Schnitzer zeigte sich Puccini stets unzufrieden mit dem, was er getan hatte. Er arbeitete intensiv an seinen Kompositionen und nahm anschließend zahlreiche Änderungen an ihnen vor.

Puccinis Theatertalent zeigte sich auch in der Auswahl und Entwicklung der Libretti, denen er großes Interesse entgegenbrachte, was angesichts der Bedeutung der Handlung in seinen Opern verständlich ist. Fast jeder konzentriert sich darauf weibliches Bild Durchdrungen von einer gesunden Atmosphäre mit klaren Bildabsichten zeugen diese Handlungen von der tadellosen Technik, Ereignisse zu entwickeln und das Schicksal und die Psychologie der Hauptdarsteller zu enthüllen Charaktere, neben die Puccini gelungene, originelle Nebenfiguren stellt. Mit Ausnahme einer einzigen großartigen Opera buffa, Gianni Schicchi (was auf den Einfluss von Verdis Falstaff hinweist), enden seine anderen typischsten Werke in einer Tragödie oder werden mit der Bürde einer Tragödie belastet, da die Liebe, der große Spinner von Puccinis Opern, dem Untergang geweiht ist eine Art erlösende Strafe werden. Vielleicht hätte der Komponist in Turandot diese schmerzliche Notwendigkeit überwinden können, indem er das Bild einer Eisprinzessin geschaffen hätte, die den Gefühlen der Leidenschaft und Liebe erlag. Doch die Oper endet, als könnte es nicht anders sein, mit der Selbstverbrennung der kleinen Liu, die ihre Liebe und ihr Leben für das Glück ihrer Liebsten opfert. (Die einzige Ausnahme ist glückliche Liebe Minnie, ein Mädchen aus dem Westen, aber sie findet es um den Preis eines scharfen Verzichts auf die Hauptrolle, auf ihr wahres Wesen.)

G. Marchesi (übersetzt von E. Greceanii)

Giacomo Puccini wurde am 22. Dezember 1858 in der Stadt Lucca in der Toskana in Norditalien geboren. Puccini ist ein erblicher Intellektueller, Sohn und Enkel von Musikern. Auch Urgroßvater Giacomo, der im selben Jahr in Lucca lebte Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert, war ein berühmter Kirchenkomponist und Dirigent des Domchores. Seitdem haben alle Puccinis – wie auch die Bajas – den Beruf des Komponisten und den Titel „Musiker der Republik Lucca“ von Generation zu Generation geerbt. Vater Michele Puccini, der zwei seiner Opern inszenierte und in Lucca eine Musikschule gründete, genoss in der Stadt hohes Ansehen. Doch als dieser begabte Musiker plötzlich starb, blieb seine 33-jährige Witwe Albina mittellos und mit sechs kleinen Kindern zurück.

Nach Familientradition und auf Wunsch seines Vaters sollte er, der älteste Junge der Familie, eine ernsthafte Ausbildung als Komponist erhalten. Für eine arme Witwe, die außer einer Penny-Rente kein Einkommen hatte, war dies eine fast unmögliche Idee. Aber Albina Puccini-Maggi, die über erstaunliche Energie und Lebenssinn verfügte, tat alles, um den Willen ihres verstorbenen Mannes zu erfüllen.

Im kleinen Lucca war der Weg zur musikalischen Ausbildung besonders schwierig. Der junge Giacomo sang die Altstimme im Kirchenchor und verdiente ab seinem zehnten Lebensjahr Geld mit dem Orgelspiel in der Kirche des Benediktinerordens. Die Kunst des talentierten Organisten erregte die Aufmerksamkeit der Gemeindemitglieder und er wurde eingeladen, in anderen Kirchen in Lucca und sogar in anderen Städten aufzutreten. Giacomo hatte das Glück, einen intelligenten und fürsorglichen Lehrer zu bekommen – den Organisten Carlo Angeloni. Innerhalb der Mauern des Paccini-Musikinstituts in Lucca lernte der junge Mann die Grundlagen der Harmonie und Instrumentierung kennen. Hier komponierte er seine ersten Werke, hauptsächlich Chöre mit religiösem Inhalt. Im Jahr 1876 ereignete sich ein Ereignis, das das Schicksal von Puccini bestimmte: Er sah eine Aufführung von Aida, die Oper machte großen Eindruck auf ihn und an diesem Abend beschloss Giacomo fest, Komponist zu werden und Opern zu komponieren. Während seiner Studienzeit in Lucca hatte der junge Giacomo jedoch noch keine Gelegenheit, sich an der Oper zu versuchen.

Im Alter von 22 Jahren verließ Giacomo seine Heimatstadt Lucca, nachdem er ein Diplom vom Paccini-Institut erhalten hatte. Mit der Unterstützung eines örtlichen Philanthropen erhielt seine Mutter ein königliches Stipendium für den Eintritt in das Mailänder Konservatorium. Verwandte aus Lucca leisteten außerdem einen kleinen monatlichen Zuschuss. Giacomo wurde ohne Schwierigkeiten in das berühmteste Konservatorium Italiens aufgenommen Aufnahmeprüfung. Hier studierte er von 1880 bis 1883 bei so bedeutenden Meistern wie dem Komponisten Amilcare Ponchielli und dem Geiger-Theoretiker Antonio Bazzini. Zu Giacomos Kollegen am Mailänder Konservatorium gehörte der Sohn des Livornoer Bäckers Pietro Mascagni, der bald zum Begründer der veristischen Oper werden sollte. Mascagni und Puccini wurden enge Freunde und teilten gemeinsam die Strapazen des Studentenlebens.

Das Leben des jungen Puccini in Mailand war von ständigen finanziellen Schwierigkeiten geprägt. Ein Jahrzehnt später, während er an La Bohème arbeitete, erinnerte sich Puccini mit einem Lächeln an die schelmischen und bettelnden Tage seiner Studentenjugend.

Der sensible Ponchielli erkannte die Begabung seines Schülers richtig. Schon während seiner Studienzeit sagte er Giacomo immer wieder, dass symphonische Musik nicht sein Weg sei und dass er hauptsächlich im Operngenre arbeiten sollte, das für italienische Komponisten so traditionell sei. Puccini selbst träumte ständig davon, eine Oper zu schaffen, aber dafür war es notwendig, ein Libretto zu besorgen, und das kostete großes Geld. Ponchielli kam zu Hilfe und lockte den jungen Dichter und Librettisten Ferdinando Fontana an, der noch nicht berühmt geworden war und daher keine hohen Honorare verlangte. So hatte Puccini 1883, im Jahr seines Abschlusses am Konservatorium, die Gelegenheit, mit der Schaffung seiner ersten Oper „The Willies“ zu beginnen. Anschließend erinnerte er sich lächelnd in einem Brief an Giuseppe Adami daran:

„Vor vielen Jahren berührte mich der Herr mit seinem kleinen Finger und sagte: „Schreibe für das Theater, nur für das Theater.“

1883 war ein Meilenstein in Puccinis Leben. In diesem Jahr schloss er sein Studium am Mailänder Konservatorium erfolgreich ab und fungierte erstmals als Autor einer Oper. „Jeeps“ wurde am 31. Mai 1884 auf der Bühne des Mailänder Teatro Dal Verme aufgeführt. Dieses Operndebüt des 25-jährigen Puccini war sehr erfolgreich. In seinem an seine Mutter in Lucca gerichteten Telegramm hieß es: „Das Theater ist voll, beispielloser Erfolg... Sie haben 18 Mal angerufen, das Finale des ersten Films war dreimal Zugabe.“ Aber vielleicht das wichtigste Ergebnis des ersten Opernwerk Puccini knüpfte eine enge Verbindung zum größten Verleger Giulio Ricordi – einem Mann mit unternehmerischem Weitblick und künstlerischem Flair. Man kann argumentieren, dass Ricordi einer der ersten war, der Puccinis Talent „entdeckte“ und die Originalität seiner musikalischen und dramatischen Neigungen in den unreifen Formen von „Willis“ erkannte.

Die fünf Jahre, die zwischen den Uraufführungen von „Willis“ und „Edgar“, Puccinis zweiter Oper, vergingen, waren vielleicht die schwierigsten im Leben des Komponisten. Er befand sich in akuten finanziellen Schwierigkeiten und war mit rücksichtslosen Gläubigern konfrontiert. Er war bereit, seinem Bruder in die Emigration aus Italien zu folgen, falls auch nur seine zweite Oper scheiterte. Ein schwerer Schlag für den jungen Mann war der Tod seiner Mutter, die viel zu seiner musikalischen Entwicklung beitrug, die ersten Triumphe ihres geliebten Sohnes jedoch nicht mehr erlebte.

Trotz seiner Unzufriedenheit mit Fontanas literarischem Geschmack war Puccini gezwungen, sich zum zweiten Mal mit diesem begrenzten und altmodischen Librettisten zu verbünden. Nach vier Jahren harter Arbeit an einer neuen Oper erlebte Puccini endlich eine Aufführung an der Mailänder Scala.

Die Uraufführung am 21. April 1889 verlief ohne großen Erfolg. Kritiker kritisierten scharf die Ungereimtheiten des Librettos, seine Pomposität und Komplexität der Handlung. Sogar Ricordi, der die Arbeit seines Mündels stets leidenschaftlich verteidigte, musste sich diesen Vorwürfen anschließen.

Doch Giacomo gibt nicht auf. Die Aufmerksamkeit des Komponisten wird auf die dramatische Handlung von „Floria von Tosca“ gelenkt – einem Stück des beliebten französischen Dramatikers Victorien Sardou. Als er kurz nach der Premiere von „Edgar“ das Stück „Tosca“ besuchte, interessierte er sich sofort für dieses Thema. Doch die Idee, eine gleichnamige Oper zu schaffen, musste um ein ganzes Jahrzehnt verschoben werden. Schließlich war die Suche nach einem Thema für eine neue Oper von Erfolg gekrönt: Die Handlung des französischen Romans „Manon Lescaut“ von Abt Prevost fesselte die kreative Fantasie des Komponisten ernsthaft und diente als Grundlage für seine erste voll ausgereifte Komposition.

Zu diesem Zeitpunkt hatte sich Puccinis finanzielle Situation stabilisiert, die Jahre der Not und Entbehrung waren vorbei. Unzufrieden mit der lauten Atmosphäre Mailands erfüllt er sich seinen alten Traum – er lässt sich abseits der Stadt im ruhigen Torre del Lago – zwischen Pisa und Viareggio – nieder. Dieser Ort wurde in den nächsten drei Jahrzehnten zum bevorzugten Zufluchtsort des Komponisten. Er lebt in einem Dorfhaus am Ufer des Massaciucoli-Sees, umgeben von wunderschöner Natur. Hier hat er die Möglichkeit, sich ganz der Kreativität zu widmen und lässt sich nur von seinen Lieblingsbeschäftigungen – Jagen und Angeln – ablenken.

Eine bedeutende Rolle in Puccinis Leben spielte seine Ehe mit Elvira Bonturi, einer temperamentvollen und energischen Frau, die alles tat, um für ihn etwas zu schaffen ideale Bedingungen für Kreativität. Um ihrer Auserwählten willen verließ Elvira ihren ungeliebten Ehemann – einen Mailänder Bürger, den Vater ihrer beiden Kinder. Erst viele Jahre später, nach dem Tod ihres rechtmäßigen Ehemanns, hatte sie die Gelegenheit, ihre Ehe mit Puccini zu formalisieren. Ihre Beziehung war uneinheitlich: Ausbrüche großer Leidenschaft wurden durch Streit und Streit ersetzt; doch Elvira blieb stets die treue Freundin und Assistentin des Komponisten und trug maßgeblich zu seinem Erfolg bei.

Die Jahre der Arbeit an Manon waren die glücklichste Zeit in Puccinis Leben. Dies waren die Jahre seiner romantischen Verliebtheit in Elvira, die Geburt ihres ersten Kindes – Sohn Antonio – Jahre der freudigen Kommunikation mit der toskanischen Natur, die ihm am Herzen lag.

Er komponierte die Oper schnell und mit außerordentlicher Begeisterung und vollendete sie in anderthalb Jahren (im Herbst 1892). Puccini schrieb es entweder in Mailand, dann in Lucca oder in seinem geliebten Torre del Lago.

In „Manon“ zeigte sich Puccini als reifer Dramatiker, der ganz bewusst Forderungen an seine Librettisten stellte. Tragische Geschichte Das Provinzmädchen Manon Lescaut, das zur Gefolgsfrau eines wohlhabenden Bankiers wurde, ist typisch für die europäische Oper der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Aber Puccini konzipierte seine „Manon“. Er wollte seine ganze Aufmerksamkeit auf die Erfahrungen von Manon und ihrem Liebhaber richten. Die musikalische Dramaturgie von „Manon“ ist im Vergleich zu Puccinis beiden frühen Opern flexibler und perfekter. In dieser Oper nahm Puccinis völlig eigenständiger Melodiestil, der eng mit den Traditionen des modernen italienischen Alltagsliedes verbunden ist, endgültig Gestalt an.

Puccini selbst war sehr stolz auf Manon Lescaut. Dies war seine „erste Liebe“ – die einzige Oper, die problemlos Erfolg hatte. Bis zu seinem Lebensende betrachtete er „Manon“ als eine seiner Lieblingskreationen, seine zweite „innige Zuneigung“ nach „Madama Butterfly“.

Die Autorin von „Manon Lescaut“ wird zur berühmtesten Musikerin Italiens. Er wird eingeladen, eine Kompositionsklasse am Mailänder Konservatorium zu unterrichten und das Lyceum Benedetto Marcello in Venedig zu leiten. Doch er lehnt beide Angebote ab und zieht das ruhige Leben eines Einsiedlers in der Stille von Torre del Lago vor. Eine neue erfolgreiche Entdeckung für Puccini waren „Szenen aus dem Leben Böhmens“ – eine Reihe von Kurzgeschichten des französischen Schriftstellers Henri Murget (1851). „Ich bin auf eine Handlung gestoßen, in die ich völlig verliebt bin“, gab der Komponist zu. Schon während der ersten Aufführungen von „Manon“ begann Puccini mit seiner ihm eigenen Leidenschaft, einen Plan für die Zukunft von „La Bohème“ zu entwickeln.

Die Musik von La Bohème wurde im Laufe von acht Monaten geschrieben, und einige Episoden, wie Musettas beliebtester Walzer, wurden von Puccini nach seinem eigenen Text geschrieben, ohne auf die nächsten Seiten des Librettos zu warten. Im Herbst 1895 war La Bohème fertiggestellt und am 1. Februar 1896 erstmals auf der Bühne aufgeführt. Königliches Theater in Turin.

Kritiker waren mit Puccinis neuer Oper nicht einverstanden. Man muss dem italienischen Publikum zugute halten, dass es trotz der böswilligen Angriffe der Rezensenten schnell die Vorzüge der neuen Oper erkannte. Noch vor Saisonende hatte La Bohème 24 Vollzeitaufführungen absolviert – eine für eine neue Oper ungewöhnliche Tatsache. Schon bald wurde es von den größten Theatern der Welt erfolgreich aufgeführt, darunter in London, Paris, Buenos Aires, Moskau, Berlin, Wien, Budapest und Barcelona. La Bohème sorgte in Paris für außerordentliches Aufsehen. Die französische Kritik hat es in die Höhe getrieben. La Bohème wurde im Januar 1897 an der Moskauer Privatoper (Solodownikow-Theater) aufgeführt – weniger als ein Jahr nach der italienischen Erstaufführung.

Puccinis Innovation manifestierte sich vielleicht am direktesten und ursprünglichsten in La Bohème. Mit diesem Werk vollzog der Komponist eine radikale Wende in der italienischen Oper vom romantischen, hektischen Pathos hin zu einer bescheidenen Verkörperung des wirklichen Alltags.

Während La Bohème auf europäischen Bühnen Einzug hielt, war Puccini bereits von einer neuen Opernidee völlig fasziniert: Es war endlich an der Zeit, die bereits in den 1880er Jahren konzipierte Tosca zu schreiben. Kaum hatte er Zeit, die Partitur von La Bohème fertigzustellen und dem Turiner Theater vorzulegen, eilten der Komponist und seine Frau nach Florenz, um Sardous Drama mit der berühmten Sarah Bernhardt in der Rolle der Floria Tosca noch einmal zu sehen.

Bereits im Frühjahr 1896 – zwischen den lärmenden Uraufführungen von La Bohème – begann er mit der Arbeit am Libretto einer neuen Oper. Die Musik von Tosca war relativ einfach zu komponieren – basierend auf Vorskizzen und einem detaillierten dramatischen Plan. Die Partitur wurde von Juni 1898 bis September 1899 geschrieben.

Die Uraufführung von Tosca fand am 14. Januar 1900 in Rom im Costanzi-Theater unter der Leitung des Dirigenten Leapoldo Muigone statt, einem langjährigen Freund des Komponisten und Mitglied des Bohemian Club. Das begeisterte Publikum rief den Autor zweiundzwanzig Mal an! Die Produktion von Tosca im selben Jahr in London war ein voller Erfolg.

Puccini verwirklichte seinen Traum, da er bereits mit der Erfahrung seiner Veristen-Suchen vertraut war, und brachte in diese neue Partitur den Reichtum der Leitmotiventwicklung, den Mut des harmonischen Denkens, die Flexibilität und Vielfalt der Deklamationstechniken ein. Die Kombination aus heller Theatralik, Bühnendynamik mit der Schönheit und Leidenschaft des lyrischen Gesangs bescherte „Tosca“ ein langes Repertoireleben.

In London besuchte Puccini das Prince of York Theater, wo das Stück „Geisha“ des amerikanischen Dramatikers David Belasco aufgeführt wurde. Der Komponist fand eine neue Handlung für sich. Die tragische Geschichte einer jungen japanischen Geisha erregte sofort Puccinis Fantasie. Illica und Giacosa wurden erneut hinzugezogen und verwandelten Belascos Melodram problemlos in ein Libretto mit zwei Akten namens Madame Butterfly. Puccini war ungewöhnlich berührt vom traurigen Schicksal der kleinen Japanerin. Kein einziges Opernbild, das er zuvor geschaffen hatte, lag ihm so am Herzen.

Das Schreiben von Madama Butterfly zog sich lange hin – Puccini musste oft zu Proben und Aufführungen seiner Opern in verschiedene Städte in Italien oder im Ausland reisen. Zu seinen bisherigen Hobbys kam eine weitere Leidenschaft hinzu: Er kaufte ein Auto und wurde ein echter Rennfahrer. Das gefährliche Hobby endete traurig: Im Februar 1903, mitten in der Arbeit an einer neuen Partitur, verunglückte der Komponist und brach sich das Bein.

Ende 1903 war die Partitur fertig und am 17. Februar 1904 erblickte „Madama Butterfly“ das Licht der Bühne der Mailänder Scala. Diesmal war die Premiere erfolglos. Im Saal waren Pfiffe zu hören und in den Reaktionen der Presse herrschte völlige Enttäuschung. Nach der abenteuerlichen und pointierten Handlung von Tosca wirkte die neue Oper auf die Mailänder inaktiv und gedämpft lyrisch. Als Hauptgrund für das Halb-Misserfolg von „Butterfly“ wurde die für das italienische Publikum ungewöhnliche Langwierigkeit beider Akte angesehen. Puccini hat eine Neuauflage gemacht. Die aktualisierte Oper, die im Mai 1904 im Brescia-Theater aufgeführt wurde, erlangte volle Anerkennung. Von nun an trat „Madama Butterfly“ seinen Siegeszug durch die Kinos in Europa und Amerika an.

Der Triumph von „Madama Butterfly“ beendete die intensivste Phase in Puccinis Schaffensbiografie und leitete eine Phase der Depression ein, die fast anderthalb Jahrzehnte andauerte. In diesen Jahren war er weniger produktiv und das, was aus seiner Feder kam – „Das Mädchen aus dem Westen“ (1910), „Schwalbe“ (1917) – war den zuvor geschaffenen Meisterwerken unterlegen. Die Auswahl der Opernhandlungen wurde für den alternden Meister immer schwieriger. Sein künstlerischer Instinkt sagte ihm, dass es notwendig sei, nach neuen, unbekannten Wegen zu suchen, denn die Gefahr, bereits erreichte stilistische Entdeckungen zu wiederholen, sei sehr groß. Die materielle Sicherheit ermöglichte es dem berühmten Maestro, seine nächsten Werke nicht überstürzt zu schaffen, und triumphale Reisen ins Ausland und eine Leidenschaft für Sport prägten seine Zeit.

Die letzte Etappe in Puccinis Leben (1919-1924) fällt mit der Zeit der Nachkriegsveränderungen in der Geschichte Italiens zusammen. Man kann argumentieren, dass Puccini nach „Die Schwalbe“ die langwierige Krise entscheidend überwunden hat. In diesen späteren Jahren gelang es ihm, neue unübertroffene Höhen zu erreichen – er schrieb die Opern „Gianni“ und „Turandot“ und bereicherte die italienischen Opernklassiker mit neuen strahlenden Meisterwerken. Dabei wiederholt der Komponist nicht seine bisherigen Erfolge, sondern findet neue Wege; Das zutiefst menschliche, aber sentimentale Melodrama von La Boheme und Butterfly wird durch den reichen Humor und die Satire von Gianni Schicchi, die farbenfrohe Fantasie und dramatische Ausdruckskraft von Turandot ersetzt. Dies war ein äußerst fruchtbarer letzter Höhepunkt von Puccinis kreativem Genie.

Puccinis Arbeit an seinem „Schwanengesang“ war noch nicht abgeschlossen. Während er „Turandot“ komponierte, verschlimmerte sich seine langjährige Halskrankheit und entwickelte sich zu Krebs. Obwohl die Ärzte ihm diese schreckliche Diagnose verheimlichten, spürte er, dass ein tragischer Ausgang bevorstand.

Im Herbst 1924 war die Oper weitgehend fertiggestellt. Puccini war todkrank und arbeitete fieberhaft an der Orchestrierung von Turandot. Eine Behandlung mit Radiumbestrahlung brachte zunächst eine gewisse Linderung. Doch am 29. November kam das fatale Ende: Die Besserung erwies sich als vorübergehend – das Herz hielt es nicht aus und der große Musiker verstarb.

„Gott berührte mich mit seinem kleinen Finger und sagte: „Schreibe für das Theater und nur für das Theater“ – so formulierte Giacomo Puccini sein kreatives Credo. Er wird manchmal als der letzte große Opernkomponist bezeichnet – und tatsächlich gab es nach seinem Tod unter seinen Zeitgenossen auf diesem Gebiet keinen Vergleichbaren.

Puccini beschloss im Alter von achtzehn Jahren, sein kreatives Leben mit dem Operngenre zu verbinden, nachdem er in Pisa Giuseppe Verdis „Aida“ gehört hatte (dafür musste er vier Dutzend Kilometer laufen), aber sein Schicksal als Komponist war sogar für ihn bestimmt vor der Geburt. In seiner Familie wurden der Komponistenberuf und der Ehrentitel „Musiker der Republik Lucca“ ab dem 18. Jahrhundert von Generation zu Generation vom Vater an den ältesten Sohn weitergegeben. Für seine Mutter, eine Witwe mit vielen Kindern, war es nicht einfach, ihm eine musikalische Ausbildung zu ermöglichen, aber ihr Bruder, ein Kirchenorganist, der Giacomos erster Lehrer wurde, kam zu Hilfe. Ab seinem zehnten Lebensjahr spielte der Junge Orgel in der Kirche und sang im Chor – man ging davon aus, dass er wie seine Vorfahren Kirchenkomponist und Organist werden würde, doch nach einem schicksalhaften Besuch im Opernhaus in Pisa wurde er beschloss, sein Leben dem Schaffen von Opern zu widmen, und vier Jahre später - dank finanzielle Unterstützung Cousin - wurde Student am Mailänder Konservatorium. Sein Mentor war Amilcare Ponchielli, der den Wunsch des Studenten, Opern zu schaffen, voll und ganz unterstützte, da er verstand, dass symphonische Musik kein Bereich war, in dem sich Puccinis Talent voll entfalten konnte.

Während seiner Studienzeit – im Jahr 1882 – präsentierte er seine erste Komposition im Operngenre – „Willis“ – für einen Wettbewerb einaktiger Opern. Er wurde kein Gewinner, aber 1884 erblickte das Werk das Licht der Bühne und war ein großer Erfolg – ​​der Autor wurde achtzehn Mal auf die Bühne gerufen. Giulio Ricordi machte auf das Werk aufmerksam, und im Auftrag dieses Verlegers schuf der Komponist eine neue Oper – „Edgar“, die erstmals 1889 der Öffentlichkeit präsentiert wurde. Sie hatte keinen Erfolg; später überarbeitete der Autor die Oper mehrmals , aber das machte es nicht populärer, und die Autorin wurde mit der Zeit völlig desillusioniert von ihr.

Das Scheitern von „Edgar“ verschlechterte Puccinis ohnehin schwierige finanzielle Situation: Die Beziehung des Komponisten zu einer Frau, die ihren Mann für ihn verließ, löste in Lucca einen Skandal aus, und dies veranlasste einen Wohltäter, die Rückerstattung des Geldes zu fordern, das er für Giacomos Studium ausgegeben hatte Wintergarten. Mehrere Jahre lang wanderten Puccini und seine Familie in Mietwohnungen umher. Der Erfolg der nächsten Oper, Manon Lescaut, die 1893 in Mailand uraufgeführt wurde, trug dazu bei, seine finanzielle Situation zu verbessern. Als er sie schuf, war sich der Komponist bewusst, dass er ein Risiko einging, da es bereits eine weitere Oper zu derselben Oper gab literarische Grundlage, die großen Ruhm genießt – „Manon“ von Jules Massenet, aber Puccini sagte: „Das werden zwei völlig unterschiedliche Schwestern.“ Der Komponist sollte Recht behalten: Beide Kompositionen haben sich bewährt und erfreuen sich heute gleichermaßen großer Beliebtheit beim Publikum.

Reifezeit kreativer Weg Puccini beginnt mit dem Schreiben der Oper La Bohème, die auf dem Roman Szenen aus dem Leben Böhmens von Henri Murger basiert. Puccini arbeitete mit solcher Leidenschaft daran, dass er den Text für einige Fragmente (z. B. für den Walzer von Musetta) selbst verfasste, ohne auf die Arbeit des Librettisten zu warten. Die Handlung, die Puccini so faszinierte, „suggerierte“ ihn unwillkürlich, der sich schon etwas früher für ihn interessiert hatte – doch Puccinis Oper erwies sich als erfolgreicher, und dies beendete die Freundschaft der Komponisten: Leoncavallo konnte nicht verzeihen Puccini für die „gestohlene“ Idee. Die Kritiker beurteilten La Bohème mehr als zurückhaltend und nannten es „eine Oper voller Ragamuffins“, doch das Publikum nahm es mit Freude auf. Puccinis Opern faszinierten das Publikum mit ihrem melodischen Reichtum – Tosca, uraufgeführt im Jahr 1900, bildete da keine Ausnahme.

Auch Puccinis Opern wurden dort aufgeführt Europäische Länder, und auf anderen Kontinenten. Er besuchte Argentinien, die USA, Ungarn und auch England, wo er David Belascos Stück „Geisha“ im Prince of York Theater sah. So entstand die Idee zu Madama Butterfly. Die Uraufführung, die 1904 in Mailand stattfand, scheiterte, doch die aktualisierte Fassung, die bald in Brescia präsentiert wurde, war ein großer Erfolg.

Die folgenden Jahre sind nicht so fruchtbar. „Das Mädchen aus dem Westen“ aus dem Jahr 1917 galt für Puccini selbst als eines seiner kraftvollsten Werke, konnte sich aber in seiner Beliebtheit nicht mit „Tosca“ oder „La Bohème“ messen. Er versuchte sich auch am Genre der Operette, hatte jedoch keinen Erfolg und 1917 überarbeitete er die erfolglose Operette zur Oper „Schwalbe“.

Die Überwindung der kreativen Krise ist mit der Entstehung des „Triptychons“ im Jahr 1918 verbunden, das aus drei Opern in einem Akt besteht – „Der Umhang“, „Schwester Angelica“ und „Gianni Schicchi“, und der letzte „kreative Start“ war „Turandot“. Der Tod verhinderte, dass der Komponist die Oper fertigstellen konnte, und so wurde sie – unvollendet – der Öffentlichkeit präsentiert. Bei der Aufführung wandte sich der Dirigent mit den Worten an das Publikum: „Hier fiel dem Komponisten die Feder aus den Händen.“ Das Ende wurde später von Franco Alfano vervollständigt.

Bei der Beerdigung des Komponisten wurde ein Trauermarsch aus seiner frühen Oper Edgar gespielt.

Während Puccinis Lebzeiten ein gewisser Kritiker ihn verächtlich als „altmodischen Melodiker“ bezeichnete, gehören die Werke des „altmodischen Melodikers“ heute zu den zehn am häufigsten aufgeführten Meisterwerken der Oper.

Seit 1930 findet das Puccini-Festival in der italienischen Stadt Torre del Lago in der Nähe von Lucca, der Heimatstadt des Komponisten, statt.

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Italienischer Opernkomponist

Kurze Biographie

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini(Italienisch: Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini; 22. Dezember 1858, Lucca – 29. November 1924, Brüssel) – italienischer Opernkomponist, einer von prominente Vertreter„Verismus“-Trends in der Musik. Einige Forscher glauben, dass er nach Verdi der größte italienische Opernkomponist ist.

Puccini wurde in Lucca als eines von sieben Kindern in eine musikalische Familie hineingeboren. Die Musikerdynastie der Familie Puccini wurde in Lucca von seinem Ururgroßvater Giacomo (1712-1781) und seinem Namensvetter gegründet. Nach dem Tod seines Vaters Michele Puccini (1813-1864) wurde der fünfjährige Puccini zum Studium zu seinem Onkel Fortunato Maggi geschickt, der ihn für einen schlechten, undisziplinierten Schüler hielt und einem modernen Biographen des Komponisten zufolge belohnte ihn für jede falsche Note mit einem schmerzhaften Tritt gegen das Schienbein, nachdem Puccini sein ganzes Leben lang reflexartig Schmerzen im Bein aufgrund falscher Noten hatte. Anschließend erhielt Puccini die Stelle eines Kirchenorganisten und Chorleiters. Als er zum ersten Mal eine Aufführung der Oper von Giuseppe Verdi hörte, wollte er Opernkomponist werden. „Aida“ in Pisa.

Gott berührte mich mit seinem kleinen Finger und sagte: „Schreibe für das Theater und nur für das Theater.“

Puccini studierte vier Jahre lang am Mailänder Konservatorium. 1882 nahm er an einem Wettbewerb für Einakter teil. Seine Oper, die nicht den ersten Preis erhielt „Willis“ wurde 1884 im Dal Verme Theater aufgeführt. Diese Oper erregte die Aufmerksamkeit von Giulio Ricordi, dem Leiter eines einflussreichen Verlags, der sich auf die Veröffentlichung von Partituren spezialisiert hatte. Ricordi bestellte bei Puccini eine neue Oper. wurde sie „Edgar“.

Seine dritte Oper „Manon Lescaut“ 1893 fertiggestellt, war ein großer Erfolg. Trotz des offensichtlichen Einflusses von Richard Wagner kam Puccinis Talent in dieser Oper nahezu in voller Brillanz zum Vorschein. Dieselbe Oper markiert den Beginn von Puccinis Arbeit mit den Librettisten Luigi Illica und Giuseppe Giacosa.

Puccinis nächste Oper, "Böhmen"(geschrieben nach dem Roman von Henri Murget) machte Puccini weltweit bekannt. Zur gleichen Zeit schrieb Ruggero Leoncavallo eine Oper mit demselben Namen und basierend auf demselben Roman, in deren Folge es zu einem Konflikt zwischen den beiden Komponisten kam und sie die Kommunikation abbrachen.

Es folgte „Böhmen“. "Sehnsucht", das um die Jahrhundertwende 1900 uraufgeführt wurde. Unter dem Druck der Scala-Diva Darcle, die in dieser Oper die Titelrolle spielte, und darauf bestand, dass die Hauptfigur eine Arie haben sollte, die im Konzert aufgeführt werden konnte, ergänzte Puccini den zweiten Akt der Oper durch das mittlerweile berühmte „Vissi d „arte“. Er erlaubte auch Darkle, einer Blondine, keine Perücke zu tragen (im Libretto ist Tosca eine Brünette).

Am 17. Februar 1904 präsentierte Giacomo Puccini seine neue Oper an der Mailänder Scala. „Madama Butterfly“ (Chio-chio-san)(„Madama Butterfly“, basierend auf dem Stück von David Belasco). Trotz der Teilnahme der herausragenden Sänger Rosina Storchio, Giovanni Zenatello und Giuseppe de Luca war der Auftritt ein Misserfolg. Der Maestro fühlte sich niedergeschlagen. Freunde überredeten Puccini, sein Werk zu überarbeiten und Solomea Krushelnitskaya einzuladen, die Hauptrolle zu spielen. Am 29. Mai fand auf der Bühne des Grande Theatre in Brescia die Premiere des aktualisierten Stücks „Madama Butterfly“ statt, diesmal ein Triumph. Sieben Mal rief das Publikum die Schauspieler und Komponisten auf die Bühne.

Danach erschienen seltener neue Opern. Im Jahr 1903 war Puccini, ein begeisterter Autofahrer, in einen Unfall verwickelt. Im Jahr 1909 kam es zu einem Skandal, als die Frau des Komponisten, Elvira, unter Eifersuchtsanfällen litt und die Haushälterin Doria Manfredi beschuldigte, eine Affäre mit Puccini zu haben, woraufhin die Haushälterin Selbstmord beging. (Ob tatsächlich ein Zusammenhang bestand, ist unbekannt.) Manfredis Verwandte klagten und Puccini zahlte den vom Gericht angeordneten Betrag. Im Jahr 1912 starb Puccinis Verleger Giulio Ricordi, der maßgeblich zum Ruhm des Komponisten beigetragen hatte.

Doch 1910 vollendete Puccini die Oper „Das Mädchen aus dem Westen“, die er später als sein kraftvollstes Werk bezeichnete. Der Versuch, eine Operette zu schreiben, scheiterte (offensichtlich aufgrund der damals unglaublichen Popularität des Genres, das damals von Franz Lehár und Imre Kalman dominiert wurde). 1917 beendete Puccini die Umarbeitung seiner Operette in eine Oper (Die Schwalbe).

1918 wurde die Oper „Triptychon“ uraufgeführt. Dieses Stück besteht aus drei einaktigen Opern (im Pariser Stil, bekannt als Grand Guignol: Horror, sentimentale Tragödie und Farce). Der letzte, skurrile Teil mit dem Titel „Gianni Schicchi“ erlangte Berühmtheit und wird manchmal am selben Abend wie Mascagnis Oper aufgeführt. „Ländliche Ehre“, oder mit der Oper Leoncavallo „Pagliacci“.

Ende 1923 begann Puccini, der ein großer Fan toskanischer Zigarren und Zigaretten war, über chronische Halsschmerzen zu klagen. Bei ihm wurde Kehlkopfkrebs diagnostiziert und die Ärzte empfahlen eine neue experimentelle Behandlung, die Strahlentherapie, die in Brüssel angeboten wurde. Weder Puccini selbst noch seine Frau waren sich der Schwere der Krankheit bewusst; diese Information wurde nur an ihren Sohn weitergegeben.

Puccini starb am 29. November 1924 in Brüssel. Todesursache waren Komplikationen durch die Operation – unkontrollierte Blutungen führten am Tag nach der Operation zu einem Herzinfarkt. Der letzte Akt seiner letzten Oper (Turandot) blieb unvollendet. Es gibt mehrere Versionen des Schlusses, wobei die von Franco Alfano geschriebene Version am häufigsten aufgeführt wird. Bei der Uraufführung dieser Oper hielt der Dirigent, ein enger Freund des Komponisten Arturo Toscanini, das Orchester an der Stelle an, an der der von Alfano geschriebene Teil begann. Der Dirigent legte seinen Taktstock nieder, wandte sich an das Publikum und sagte: „Hier unterbrach der Tod die Arbeit an der Oper, für deren Fertigstellung der Maestro keine Zeit hatte.“

Kurz vor seinem Tod bemerkte Puccini in einem seiner Briefe, dass „die Oper als Genre zu Ende gegangen ist, weil die Menschen den Geschmack für Melodien verloren haben und bereit sind, zu ertragen.“ Musikalische Kompositionen, enthält nichts Melodisches.

Stil

Puccini war außerordentlich melodisch begabt und vertrat fest die Überzeugung, dass Musik und Handlung in der Oper untrennbar miteinander verbunden sein sollten. Insbesondere aus diesem Grund gibt es in Puccinis Opern keine Ouvertüren. Bekannt sind die sogenannten „Puccinischen Oktaven“ – eine beliebte und anerkannte Orchestrierungstechnik, bei der die Melodie in verschiedenen Registern von verschiedenen Instrumenten (oder innerhalb derselben Orchestergruppe) gespielt wird. Sehr interessant ist auch die harmonische Sprache des Komponisten; es gibt für den Komponisten typische Bewegungen, zum Beispiel die Auflösung der Dominante in die Subdominante statt in die Tonika, parallele Quinten usw. Der Einfluss der impressionistischen Musik ist in den hellen Klangfarbenlösungen zu hören und das ständige Spiel der Orchesterfarben. „Tosca“ nutzt gekonnt akustische Effekte, um die Illusion eines mehrdimensionalen Raums zu erzeugen. Besonders schön ist die Melodie von Puccini. Aufgrund des Reichtums ihrer Melodien sind Puccinis Opern neben denen von Verdi und Mozart die am häufigsten gespielten Opern der Welt.

Anhänger

Puccinis melodischer Einfluss war enorm. Der berühmte Musikkritiker Ivan Sollertinsky nannte seine Anhänger Pucciniisten und stellte fest, dass Imre Kalman der „leidenschaftlichste“ Vertreter dieser Bewegung sei. Zu den „Pucciniisten“ gehörten auch Franz Lehár und Isaac Dunaevsky. In den Werken von Dmitri Schostakowitsch ist manchmal der Einfluss von Puccinis Stil zu hören. Dies betrifft vor allem das ähnliche Gefühl der Kantilene und die koloristischen Techniken der Orchestrierung.

Antworten und Meinungen einiger Zeitgenossen Puccinis

Im Jahr 1912 schrieb ein sehr berühmter italienischer Kritiker im Zusammenhang mit der Inszenierung einer von Puccinis Opern in seinem Artikel: „Es ist einfach eine Schande, dass die Welt denkt, italienische Musik sei hauptsächlich das Werk dieses altmodischen Melodikers.“ , wie es damals in Italien so intellektuelle Komponisten wie Ildebrando Pizzetti gab.“

Ein anderer Kritiker, Carlo Bersesio, beschrieb seine Eindrücke von der Premiere von La Bohème (in La gazetta): „La Bohème wird keine Spuren in der Geschichte des Opernhauses hinterlassen. Der Autor dieser Oper sollte sein Werk als Fehler betrachten.“

Der Verleger Ricordi, der bei den ersten Proben von La bohème von den Zweifeln erfahren hatte, die den Komponisten quälten, schrieb ihm: „Wenn Sie mit dieser Oper nicht ins Schwarze getroffen haben, Maestro, werde ich meinen Beruf wechseln und anfangen, Salami zu verkaufen.“ ”

Librettist Illica schrieb an Puccini: „Mit dir zu arbeiten, Giacomo, ist wie ein Leben in der Hölle. Hiob selbst hätte solche Qualen nicht ertragen müssen.“

Im Jahr 2006 feierte die Oper des „altmodischen Melodikers“ La Bohème ihr hundertjähriges Jubiläum. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts nahm sie einen Platz unter den fünf meistgespielten Opern der Welt ein und hat diese Top fünf seitdem nicht mehr verlassen.

Ein Krater auf dem Merkur ist nach Puccini benannt.

Politik

Im Gegensatz zu Verdi beteiligte sich Puccini nicht am politischen Leben des Landes. Sein Biograf hat das sein ganzes Leben lang geschrieben. Ein anderer Biograph glaubt, dass Puccini ein eigenes hätte politische Philosophie, dann wäre er höchstwahrscheinlich ein Monarchist

Während des Ersten Weltkriegs war Puccinis mangelndes Interesse an aktuellen Themen für ihn von Nachteil. Seine lange Freundschaft mit Toscanini wurde für fast ein Jahrzehnt durch Puccinis Bemerkung im Sommer 1914 unterbrochen, dass Italien von einer deutschen Organisation profitieren würde. Puccini arbeitete weiterhin an der Oper La Rondine, im Auftrag des österreichischen Theaters im Jahr 1913 und nach der Feindschaft zwischen Italien und Österreich-Ungarn im Jahr 1914 (der Vertrag wurde jedoch schließlich gekündigt). Puccini beteiligte sich während des Krieges nicht an öffentlichen Aktivitäten, sondern half privat den vom Krieg betroffenen Menschen und Familien

1919 erhielt Puccini den Auftrag, Musik für eine Ode an Fausto Salvatori zu Ehren der Siege Italiens im Ersten Weltkrieg zu schreiben. Die Uraufführung dieses Werkes Inno a Roma(„Hymne an Rom“) sollte am 21. April 1919 anlässlich der Feierlichkeiten zum Jahrestag der Gründung Roms stattfinden. Wie dem auch sei, die Uraufführung wurde auf den 1. Juni 1919 verschoben und zur Eröffnung des Leichtathletikwettbewerbs aufgeführt. Obwohl die Hymne an Rom nicht für die Faschisten geschrieben wurde, wurde sie häufig bei Straßenparaden und öffentlichen Zeremonien der italienischen Faschisten verwendet.

In seinem letzten Lebensjahr hatte Puccini mehrere Kontakte zu Benito Mussolini und anderen Mitgliedern der Faschistischen Partei Italiens, und Puccini wurde sogar Ehrenmitglied. Andererseits sind die Angaben darüber, ob Puccini tatsächlich Mitglied der Faschistischen Partei war, widersprüchlich. Dem italienischen Senat gehören traditionell mehrere Mitglieder an, die aufgrund ihrer Beiträge zur Kultur des Landes ernannt wurden. Puccini hoffte, sich diese Ehre zu verdienen (wie bereits Verdi zuvor) und nutzte dafür seine bestehenden Verbindungen. Obwohl Ehrensenatoren Stimmrecht hatten, gibt es keine Hinweise darauf, dass Puccini diese Ernennung anstrebte, um das Stimmrecht auszuüben. Puccini träumte davon, in seiner Heimatstadt Viareggio ein Nationaltheater zu gründen, und für dieses Projekt brauchte er natürlich staatliche Unterstützung. Puccini traf Mussolini zweimal im November und Dezember 1923. Obwohl das Theater nie gegründet wurde, erhielt Puccini den Titel eines Senators ( Senator eine Vita) wenige Monate vor seinem Tod.

Als Puccini Mussolini traf, war Mussolini seit etwa einem Jahr Premierminister, aber seine Partei hatte noch nicht die volle Kontrolle über das Parlament erlangt. Das Ende des repräsentativen Regierungsstils und den Beginn der faschistischen Diktatur verkündete Mussolini in seiner Rede vor der Abgeordnetenkammer am 3. Januar 1925, nach dem Tod des Komponisten

Opern

• „Jeeps“ (italienisch: Le Villi), 1884. Die Einakter-Oper wurde am 31. Mai 1884 im Teatro Verme in Mailand uraufgeführt. Basierend auf der gleichnamigen Geschichte von Alfonso Carr über Willia-Meerjungfrauen.
• „Edgar“ (italienisch: Edgar), 1889. Die Oper in 4 Akten wurde am 21. April 1889 an der Mailänder Scala uraufgeführt. Basierend auf dem Theaterstück „La Coupe et les lèvres“ von Alfred de Musset
• „Manon Lescaut“ (italienisch: Manon Lescaut), 1893. Die Oper wurde am 1. Februar 1893 im Teatro Regio in Turin uraufgeführt. Von gleichnamiger Roman Abt Prevost
• „Böhmen“ (italienisch: La bohème), 1896. Die Oper wurde am 1. Februar 1896 im Teatro Regio in Turin uraufgeführt. Basierend auf dem Buch „Scènes de la vie de Bohème“ von Henri Murger
• „Tosca“ (italienisch: Tosca), 1900. Die Oper wurde am 14. Januar 1900 im Teatro Costanzi in Rom uraufgeführt. Basierend auf dem Theaterstück „La Tosca“ von Victorien Sardou
• „Madama Butterfly“ (italienisch: Madama Butterfly). Die Uraufführung der Oper in zwei Akten fand am 17. Februar 1904 an der Mailänder Scala statt. Basierend auf dem gleichnamigen Theaterstück von David Belasco. In Russland wurde die Oper auch unter dem Titel „Chio-Chio-san“ aufgeführt.
• „Das Mädchen aus dem Westen“ (italienisch: La fanciulla del West), 1910. Die Oper wurde am 10. Dezember 1910 im Metropolitan Opera Theatre in New York uraufgeführt. Basierend auf dem Stück von D. Belasco „Das Mädchen aus dem Goldenen Westen“.
• „Schwalbe“ (italienisch: La rondine), 1917. Die Oper wurde am 27. März 1917 im Opéra Theatre in Monte Carlo uraufgeführt.
• Triptychon: „Umhang“, „Schwester Angelica“, „Gianni Schicchi“ (italienisch: Il Trittico: Il Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi), 1918. Die Oper wurde am 14. Dezember 1918 im Metropolitan Opera Theatre in New York uraufgeführt.
• „Turandot“ (italienisch: Turandot). Die Oper wurde am 25. März 1926 an der Mailänder Scala uraufgeführt. Basierend auf dem gleichnamigen Theaterstück von C. Gozzi. Aufgrund des Todes des Komponisten unvollendet geblieben, 1926 von F. Alfano fertiggestellt.

Erkundung von Puccinis Erbe

1996 wurde in Lucca das „Centro Studi Giacomo Puccini“ (Zentrum für das Studium von Giacomo Puccini) gegründet, das ein breites Spektrum an Ansätzen zur Erforschung von Puccinis Werk abdeckt. In den Vereinigten Staaten ist das American Center for Puccini Studies auf ungewöhnliche Aufführungen der Werke des Komponisten spezialisiert und bringt bisher unbeachtete oder unbekannte Auszüge von Puccinis Werken der Öffentlichkeit zugänglich. Dieses Zentrum wurde 2004 vom Sänger und Dirigenten Harry Dunstan gegründet.