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Englisches Theater

Im 19. Jahrhundert erfuhr das Theater wie alle anderen Bereiche der englischen Kultur eine Neuentwicklung. Die romantische Richtung in der Theaterkunst wurde durch den talentierten Tragiker Edmund Kean (1787-1833) verkörpert.

Edmund Kean ( Reis. 58) wurde in eine Schauspielfamilie hineingeboren. Seine Eltern starben, als er noch ein Kind war. Der junge Mann war gezwungen, seinen Lebensunterhalt zu verdienen und reiste mit einer Wandertruppe durch englische Städte und Dörfer. Diese Wanderungen wurden zu einer guten Schule für den jungen Künstler, der im Alter von zwanzig Jahren viele Teile Englands besucht hatte. Auf die Frage, was man tun muss, um ein großartiger Schauspieler zu werden, antwortete Keane, der bereits berühmt geworden ist: „Sei in der Lage zu verhungern.“

Reis. 58. Keane als Shylock

Edmund reiste mit einem Wandertheater und versuchte sich in verschiedenen Rollen und Theaterstücken verschiedener Genres.

Der in Armut aufgewachsene Schauspieler empfand Verachtung für müßige Aristokraten und Herrscher, die sich wenig um ihr eigenes Volk kümmerten. Das Lebenscredo des jungen Keane drückte sich in den Worten aus: „Ich hasse alle Herren außer Lord Byron.“ Hohe Gesellschaft konnte eine solche Haltung sich selbst gegenüber nicht verzeihen und verfolgte Keane ständig und nannte ihn einen Schauspieler der Menge.

Nachdem der Schauspieler auf der Provinzbühne berühmt geworden war, erhielt er 1914 eine Einladung, im Drury Lane Theatre in London aufzutreten, das in diesen Jahren schwierige Zeiten durchlebte. Sein Debüt im Theater der Hauptstadt war die Rolle des Shylock in Shakespeares „Der Kaufmann von Venedig“. Das Management von Drury Lane, das auf einen Provinzschauspieler setzte, traf die richtige Entscheidung: Mit seiner großartigen Leistung faszinierte Keane einfach das verwöhnte Londoner Publikum.

Shakespeare wurde Keanes Lieblingsdramatiker. Der Schauspieler wurde von den Qualitäten angezogen, die er selbst besaß: eine tragische Einstellung, ein gesteigertes Gefühl der Ungerechtigkeit, Ablehnung einer Welt, in der einige ein elendes Dasein führen, während andere im Luxus baden.

Es war Shakespeare, der Edmund berühmt machte. Der Schauspieler verkörperte die Bilder von Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Jago, Lear. Kritiker nannten seine großartige Leistung den besten Kommentar zum Werk des berühmten Dramatikers, und der Dichter Coleridge argumentierte: „Keans Leistung zu sehen ist, als würde man Shakespeare im Blitzlicht lesen.“

Das von Kean in Shakespeares „Der Kaufmann von Venedig“ geschaffene Bild von Shylock hinterließ beim englischen Publikum großen Eindruck. Sein Held vereint überraschenderweise eine ironische Haltung gegenüber den Menschen um ihn herum mit einem bitteren Gefühl der Einsamkeit, tiefer Melancholie und seelenzerreißendem Hass, der sich hinter äußerer Demut verbirgt. „Der Kaufmann von Venedig“, aufgeführt im Drury Lane, brachte dem gestrigen Provinzfilm den Ruhm des besten Schauspielers Englands ein.

Keene betrachtete die Rollen des Hamlet und des Othello als seine bedeutendsten Werke. Sein trauriger und melancholischer dänischer Prinz versteht, dass es unmöglich ist, gegen das in der Welt herrschende Böse zu kämpfen. Von Natur aus ungewöhnlich vertrauensvoll, aufrichtig und ganzheitlich stellt Othello die Liebe über alles andere, und deshalb bedeutet ihr Tod für ihn den völligen Zusammenbruch aller seiner Bestrebungen.

Keanes großer Erfolg verdankte er der Rolle des Geldverleihers Overrich in dem Stück „ Neuer Weg alte Schulden begleichen“ von F. Messinger. Das Publikum war von der Leistung des Schauspielers fasziniert und konnte seine Tränen nicht zurückhalten. Man sagt, dass Byron, der die Aufführung besuchte, so geschockt war, dass er ohnmächtig wurde.

Um das Verständnis des Publikums zu erreichen, arbeitete Keene sorgfältig und lange an jeder Rolle. Er übte alle seine Bewegungen und Mimik vor dem Spiegel, kehrte immer wieder zu den schwierigsten Episoden zurück, verfeinerte sich die kleinsten Details seine Rolle. Sportliche Aktivitäten verhalfen ihm zu außergewöhnlicher Plastizität (Keane galt damals als einer der besten Fechter Englands).

Das letzte Werk des großen Schauspielers war die Rolle des Othello. Nachdem er den Satz ausgesprochen hatte: „Othellos Werk ist beendet“, verlor der 46-jährige Schauspieler das Bewusstsein und stürzte. Drei Wochen später war er weg. Keanes Tod markierte das Ende des romantischen Trends Englisches Theater.

Edmund Keans Sohn Charles Kean (1811–1868) war ebenfalls Schauspieler und spielte hauptsächlich in Melodramen.

Die viktorianische Ära brachte Einzug Kulturleben England hat seine eigenen Anpassungen. Für die Literatur wurden diese Jahre zur Zeit der Herausbildung des kritischen Realismus (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Der Name des Schriftstellers Charles Dickens (1812-1870) ist mit dem Übergang des englischen Theaters vom Klassizismus zum modernen Drama verbunden. Für das Theater wurden melodramatische Stücke geschrieben (Village Coquettes, 1836; The Lamp Man, erstmals 1879 veröffentlicht usw.).

Die exzentrische Komödie „The Strange Gentleman“, die auf einer der Handlungsstränge des Essays „Sketches of Boz“ basiert, brachte dem Dramatiker Dickens großen Erfolg. Alle Stücke von Dickens, mit Ausnahme von „The Lampman“, wurden in der Saison 1836–1837 im St. James’s Theatre aufgeführt. Darüber hinaus schuf der Autor eine Dramatisierung seines Romans „Große Erwartungen“, das Stück wurde jedoch nicht inszeniert.

Dickens‘ Stücke erfreuten sich nicht nur in England, sondern auch im Ausland großer Beliebtheit. Die Handlung mehrerer seiner Romane bildet die Grundlage für eine Reihe von Opern.

1951 eröffnete der Schriftsteller ein Amateurtheater, dessen Repertoire klassische und klassische Stücke umfasste moderne Werke. Viele junge englische Dramatiker begannen ihre Kreative Aktivitäten aus genau diesem Theater. Dickens, der über hervorragende schauspielerische Fähigkeiten verfügte, spielte in seinem Theater die Rolle des Shallow in „Die lustigen Weiber von Windsor“. Große Bekanntheit erlangte der Schriftsteller auch als hervorragender Vorleser, der seine eigenen Werke auf der Bühne vortrug.

Der englische Dichter und Dramatiker Robert Browning (1812-1889), ein Zeitgenosse von Dickens, begann im Alter von 22 Jahren für das Theater zu arbeiten. Sein erstes Theaterstück, Paracelsius, wurde 1835 veröffentlicht. Dann kamen die historischen Dramen Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor und King Charles (1842), geschrieben für das Covent Garden Theatre. Die Hauptrollen in diesen Produktionen spielte der Schauspieler W. Macready.

Im Jahr 1843 wurde in Covent Garden Brownings Theaterstück „The Spot on the Coat of Arms“ aufgeführt. Und 1853 wurde auf seiner Bühne ein weiteres Stück dieses Autors aufgeführt, „Der Geburtstag des Kolumbus“.

Brownings romantische Werke wurzeln ebenso wie seine historischen Stücke in den Traditionen des poetischen Dramas von J. G. Byron und P. B. Shelley. Zu einer Zeit, als Melodram die englische Bühne dominierte, versuchte Browning, die Aufmerksamkeit des Publikums auf eine ernsthafte, bedeutungsvolle Aufführung zu lenken. Von seinen Zeitgenossen missverstanden, wechselte der Schriftsteller nach und nach vom Bühnendrama zum Genre des sogenannten Lesespiels.

Das Werk von Edward Bulwer-Lytton (1803–1873), einem englischen Schriftsteller und Dramatiker, der auch eine berühmte politische Persönlichkeit war, zeichnet sich auch durch seine Nähe zum modernen realistischen Theater aus. Seine Lieblingsgenres waren Romane und Dramen mit historischen Themen. Gleichzeitig beraubten melodramatische Motive und Methoden der äußeren Auffälligkeit Bulwer-Lyttons Werken den echten Historismus.

Die Dramen „Die Schönheit von Lyon“ (1838) und „Richelieu“ (1839) machten den Dramatiker weithin bekannt. Politisch relevant und gleichzeitig unterhaltsam, theatralisch und voller Dynamik erregten diese Stücke sofort die Aufmerksamkeit der großen englischen Regisseure der Zeit. „Richelieu“ unter der Regie von Henry Irving verließ die Bühne des Lyceum Theatre der Hauptstadt lange Zeit nicht. Und in den 1840er bis 1860er Jahren konnten russische Zuschauer das Drama von Bulwer-Lytto sehen (die Hauptfiguren wurden von den Schauspielern V. V. Samoilov und N. K. Miloslavsky gespielt).

Edward Bulwer-Lytton fühlte sich nicht nur zu historischen Theaterstücken hingezogen, sondern auch zu Komödien, die die Sitten der viktorianischen Gesellschaft persiflierten – We Are Not as Bad as We Look and Money (1840). Obwohl sich der Dramatiker nicht mit Gesellschaftskritik beschäftigte, erregte der Realismus seiner Werke die Aufmerksamkeit des Publikums. Bulwer-Lytton-Komödien lange Jahre gehörten zum Repertoire englischer Theater.

Bulwer-Lyttons historischer Roman „Rienzi“ interessierte die Berühmten Deutscher Komponist Richard Wagner, dessen Handlung auf der gleichnamigen Oper basierte, präsentierte sie 1840 dem Publikum.

Ende des 19. Jahrhunderts begann der berühmte englische Schriftsteller, Prosaschriftsteller und Dramatiker George Bernard Shaw (1856-1950) seine schöpferische Tätigkeit ( Reis. 59). Er wurde in Dublin in der Familie eines armen Angestellten geboren. Im Alter von zwanzig Jahren zog Shaw nach London, wo er einer der Gründer der Fabian Society wurde. Musikalisch arbeiten und Theaterkritiker, Bernard schrieb mehrere obskure Romane. Sein erstes Theaterstück, Das Haus des Witwers, erschien 1892. Das Stück thematisierte wichtige soziale und ethische Fragen und übte scharfe Kritik an Vermietern, die Wohnungen in Slums vermieten. Der Dramatiker forderte seine Leser dazu auf, sich selbst zu verbessern und die Welt um sie herum zu verändern. Das Publikum begrüßte das im Independent Theatre aufgeführte Stück „The Widower's House“ kühl und wurde nach nur zwei Vorstellungen von der Bühne entfernt.

Reis. 59. George Bernard Shaw

In den nächsten sechs Jahren schrieb der Dramatiker neun Theaterstücke (darunter einen Einakter). Das traurige Drama „Heartbreaker“ (1893) erzählt von einer profitablen Ehe, die endete völliger Zusammenbruch, wurde von keinem der Theater der Hauptstadt zur Produktion angenommen. 1894 erschien das Drama „Man and Arms“, das die Unmenschlichkeit und Grausamkeit des Krieges ans Licht brachte. 1897 entstand das Stück „The Devil's Disciple“ und 1898 erschien eine zweibändige Sammlung „The Pleasant and the Unpleasant“, die Stücke aus verschiedenen Jahren enthielt („Mrs. Warren's Profession“, 1894; „Man and „Wait and see“, 1899 usw.). Das Stück „Mrs. Warrens Beruf“, das die Prostitution thematisierte, wurde von der Zensur verboten, verließ aber später, als es endlich aufgeführt werden durfte, die Theaterbühnen erst 1902. Candida war 1903 in New York ein großer Erfolg. Und in seiner Heimat erfreute sich Shaw noch immer keiner Beliebtheit. Wirkliche Anerkennung beim englischen Publikum erlangte er 1904, als er zusammen mit seiner Frau sowie dem Schauspieler und Regisseur Harley Grenville-Barker das Gebäude des Royal Court Theatre mietete. Shaws Stücke wurden von Grenville-Barker und John Vedrenne inszeniert. Von den 988 Aufführungen, die zwischen 1904 und 1907 am Royal Court aufgeführt wurden, basierten mehr als siebenhundert auf Shaws Werken.

Unter beste Werke Das Stück des Dramatikers „Man and Superman“ (1905) ist eine philosophische Komödie, die dem Zuschauer die Einstellung des Autors zu Religion, Ehe und Familie präsentiert. Die Entwicklung der menschlichen Gesellschaft wird durch die Auseinandersetzungen zwischen Don Juan, der sich in der Unterwelt befand, und dem Teufel gezeigt.

Shaws berühmtestes Stück war Pygmalion (1913), eine antiromantische Komödie, die speziell für die Schauspielerin Patrick Campbell geschrieben wurde. Nach dem Tod des Dramatikers basierten Frederick Lowe und Alan Jay Lerner auf dem Musical My Fair Lady.

Zu Shaws späteren Stücken gehören Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), das historische Drama Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) und andere.

Shaw, der zum Inbegriff des englischen Witzes wurde, schuf mehr als 50 Werke für das Theater. Als der große Dramatiker starb, schalteten Theater in vielen Ländern der Welt als Zeichen der Trauer das Licht aus.

Der Schriftsteller Oscar Wilde (1854-1900) leistete einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des englischen Theaters. Wie Shaw wurde er in Dublin als Sohn eines berühmten Chirurgen geboren. Ausbildung an der Universität Oxford. Wildes erste Werke waren das Gedicht „Ravenna“ (1878) und die Sammlung „Poems“ (1881).

Berühmt wurde der Schriftsteller durch seine lyrischen Erzählungen und Märchen („ Sternenjunge" usw.), philosophischer Roman "Das Bildnis des Dorian Gray". Für das Theater schuf Wilde eine Reihe von Stücken mit gesellschaftskritischer Ausrichtung (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). An Französisch Das Stück „Salome“ wurde 1894 in England geschrieben und veröffentlicht, übersetzt von Alfred Douglas mit Illustrationen des Künstlers Aubrey Beardsley. Dieses Stück bildete die Grundlage für Richard Strauss‘ berühmte gleichnamige Oper (1904).

Ende des 19. Jahrhunderts begann der englische Dramatiker Henry Arthur Jones (1851–1929) für das Theater zu schreiben. Er stammte aus einer armen Bauernfamilie und verdiente seinen Lebensunterhalt als Schauspieler.

Da Jones als Schauspieler keinen Ruhm erlangte, wandte er sich dem Drama zu, doch auch seine ersten Stücke brachten nicht den gewünschten Erfolg. Die Theater weigerten sich, seine Werke aufzunehmen, und erst 1878 wurde Jones‘ Stück „It’s Just Around the Corner“ zur Aufführung in einem der Provinztheater angenommen.

Der lang erwartete Erfolg kam dem Dramatiker, nachdem sein „Silver King“ im Princess Theatre aufgeführt wurde. Unter den meisten bedeutende Arbeit Zu Johns Stücken gehören Saints and Sinners, Dancer, Rebel Susanna, Triumph of the Bigots, Michael and His Lost Angel und The Defense of Mrs. Dane. Viele Dramen von Jones enthüllen scheinheilige Moral Viktorianische Gesellschaft („Liars“, 1897; „Lies“, 1914), obwohl die Faszination für Melodramtechniken deren Bedeutung etwas schmälert. Trotzdem kann man mit Sicherheit sagen, dass Jones‘ Werk einen Einfluss auf die Bildung der realistischen Richtung in der Theaterkunst Englands am Ende des 19. Jahrhunderts hatte. Jones arbeitete mit Bernard Shaw zusammen, und dieser schätzte seine Werke hoch.

Die englische Bühnenkunst des späten 19. Jahrhunderts ist mit dem Namen des Schauspielers und Unternehmers Arthur Voucher (1863–1927) verbunden. Im Jahr 1884 wurde der junge Schauspieler, der in Eton und dann in Oxford studierte, einer der Gründer der Oxford University Dramatic Society. Auf seiner Bühne spielte er in Shakespeares Stücken (Heinrich IV., Zwölfte Nacht, Die lustigen Weiber von Windsor, Julius Cäsar).

Vouchers Debüt war die Rolle des Jacques in Shakespeares Komödie „Wie es euch gefällt“, die 1889 auf der professionellen Bühne in Wolverhampton aufgeführt wurde. Die Aufführung machte den Schauspieler berühmt und er spielte zwischen 1889 und 1894 in verschiedenen englischen und amerikanischen Theatern.

In den Jahren 1895–1896 leitete Voucher das Royal Theatre, und seine Frau E. Vanbrugh war eine Hauptdarstellerin und spielte Hauptrollen in Komödien und Farcen. Von 1900 bis 1906 war Voucher künstlerischer Leiter des Garrick Theatre. Zu dieser Zeit spielte er viele Rollen in Stücken von Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Im Jahr 1910 trat der Schauspieler der Truppe Beerbohm Three (His Majestis Theatre) bei, wo er die Bilder von Heinrich VIII. und der Stiftung in Shakespeares Stücken Heinrich VIII. und Ein Traum verkörperte Sommernacht" Als sehr temperamentvoller und emotionaler Künstler war Voucher besonders erfolgreich darin, helle Charakterrollen zu spielen (John Silver in „Die Schatzinsel“ nach dem Roman von R. L. Stevenson).

Ende des 19. Jahrhunderts begann der Schauspieler und Unternehmer Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873–1934) seine Karriere am Theater. Sein Debüt gab er als Fritz in dem Stück „The Old Jew“ von Grnadi, das 1895 im Garrick Theatre aufgeführt wurde. Im selben Jahr schloss er sich der Truppe Beerbohm Tree an und ging mit ihr auf Tournee in die USA. In den Jahren 1899–1901 besuchte er erneut Amerika, diesmal mit der berühmten englischen Schauspielerin Patrick Campbell.

Die bedeutendsten Bühnenwerke des Schauspielers zu dieser Zeit waren die Rollen des Sandford Cleve in „The Famous Mrs. Ebbsmith“ und des Captain Ardale in Pineros „The Second Mrs. Tanqueray“. Im Jahr 1902 wurde Du Maurier Unternehmer in der Truppe von Charles Froman (Duke of York Theatre), wo er mit großem Erfolg die Figuren von Ernest Wooller (The Admirable Crichton von J. Barry), Hook und Darling (Peter Pan von J. Barry) schuf gleicher Autor). ).

Am erfolgreichsten war Du Maurier in komödiantischen Rollen. Die Fähigkeit, sich natürlich, aufrichtig und einfach zu verhalten, half dem Schauspieler, die Liebe des Publikums zu gewinnen. Seine besten Werke waren die Bilder von Montgomery Brewster in McCutcheons Brewster's Millions und Hugh Drummond in Bulldog Drummond, einer Dramatisierung von McNeils Roman.

In der Zeit von 1910 bis 1925 leitete Du Maurier zusammen mit F. Curzon das Windham's Theatre und von 1925 bis 1929 zusammen mit G. Miller das St. James's Theatre. Die Theaterproduktion von Lonsdales Stück „ Letzten Tage Mrs. Cheney“ (1925). Anschließend inszenierte Du Maurier mehrere weitere Aufführungen in verschiedenen Theatern („The Ringer“ von Wallace, 1926, „Windham's Theater“; „The Letter“ von Maugham, 1927, „Playhouse Theater“; „Alibi“ von Morton nach dem Roman von Christie, 1928, „Prince of Wells“-Theater“; „Doctor Pygmalion“ von Owen, 1932, „Playhouse Theatre“ usw.).

Eine herausragende Persönlichkeit des englischen Theaters des späten 19. und der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts war der Schauspieler, Regisseur und berühmte Lehrer Frank Robert Benson (1858–1939). Von früher Jugend an beteiligte er sich aktiv an Amateuraufführungen aller Art. Seine erste professionelle Bühne war das London Lyceum Theatre unter der Leitung von G. Irving. Ein Jahr später eröffnete der junge Schauspieler sein eigenes Wandertheater, das nicht nur in London, sondern auch in Stratford und anderen Provinzstädten auftrat.

Bensons Lieblingsdramatiker war Shakespeare. In nur wenigen Jahren inszenierte der Regisseur fast alle Stücke des großen Dramatikers, mit Ausnahme von „Titus Andronicus“ und „Troilus und Cressida“. Von 1886 bis 1919 spielte das von Benson geleitete Ensemble im Shakespeare Memorial Theatre in Stratford-on-Avon. In Shakespeares Heimat fanden unter ihrer Beteiligung jährliche Festivals mit Shakespeares Stücken statt.

Benson war ein wunderbarer Schauspieler und Regisseur, aber auch ein talentierter Lehrer, der viele wunderbare Künstler ausgebildet hat. Er ist Autor einer Arbeit über die Schauspielerei. Benson schrieb auch ein Buch mit Memoiren. In den letzten Jahren seines Lebens beschäftigte er sich mit der Kinematographie.

Der berühmte englische Schauspieler, Regisseur und Dramatiker Harley Grenville-Barker (1877-1946) begann seine Theaterkarriere als Schauspieler. 1891 trat er der S. Thorne-Truppe in Margate bei. Im folgenden Jahr trat Grenville-Barker bereits im London Comedy Theatre auf.

Von 1904 bis 1907 leitete Grenville-Barker zusammen mit dem Dramatiker Bernard Shaw das Royal Court Theatre, Teil der Bewegung des „freien Theaters“, die sich auf ernsthafte realistische Dramen konzentrierte.

Grenville-Barker, der den Bühnenrealismus förderte, träumte davon, ein Nationaltheater mit einem festen Repertoire zu eröffnen, aber leider war der Versuch, es zu schaffen, nicht von Erfolg gekrönt.

Unter Grenville-Barkers Werken nehmen Aufführungen nach Shakespeares Stücken einen wichtigen Platz ein. Der Regisseur veröffentlichte ein fünfbändiges Werk mit dem Titel „Vorwort zu Shakespeare“, in dem er die am schwierigsten zu inszenierenden Shakespeare-Stücke im Detail untersuchte und praktische Ratschläge für deren Inszenierung im modernen Theater gab. Grenville-Barkers Stücke „The Marriage of Anna Lyth“ (1902), „The Voysey Inheritance“ (1905), „Madras House“ (1910), „Weather in Han“ und andere wurden weithin bekannt.

Nach dem Ersten Weltkrieg erhielt England eine Reihe deutscher Kolonien und einen Teil der zur Türkei gehörenden Länder des Nahen Ostens. Die durch den Krieg geschwächte englische Wirtschaft begann sich zu erholen, doch dies hielt nicht lange an. Bereits 1921 begannen ein inflationäres Wachstum und ein Rückgang des Lebensstandards der Bevölkerung.

Im Jahr 1924 kam die Labour-Regierung an die Macht, aber trotz aller Bemühungen änderte sich die wirtschaftliche und politische Situation im Land nicht, und die Konservativen, die Labour ablösten, verschlimmerten die Situation noch mehr. Im Mai 1924 begann in England ein Generalstreik. Fabriken und Fabriken blieben völlig stehen, Eisenbahnen und Bergwerke funktionierten nicht mehr. Der Regierung gelang es für einige Zeit, die Spannungen im Land zu lindern, doch bereits 1929 brach eine schwere Wirtschaftskrise aus.

Auch die 1930er Jahre waren unruhig. Hitler kam in Deutschland an die Macht, und in England begann mit der Duldung von Baldwin und Chamberlain, die ihn ersetzten, die Britische Union der Faschisten ihre Aktivitäten.

Wann begann der zweite? Weltkrieg Es stellte sich heraus, dass England darauf völlig unvorbereitet war. Nach der Niederlage bei Dünkirchen verließ das englische Expeditionskorps den Kontinent. Nach der Besetzung Frankreichs bereiteten die Nazis bereits eine Invasion der britischen Inseln vor, doch diese wurde durch die Luftschlacht um England, die von britischen Flugzeugen gewonnen wurde, und dann durch den Ausbruch der Feindseligkeiten gegen die UdSSR verhindert.

Am 26. Mai 1942 unterzeichneten England und die UdSSR ein Abkommen über ein Militärbündnis und eine Zusammenarbeit in Friedenszeiten, doch Churchill verzögerte die Eröffnung einer zweiten Front einige Zeit. Am Ende des Zweiten Weltkriegs enttäuschte die Politik der Konservativen das Volk völlig und bei den Wahlen 1945 errang Labour einen Erdrutschsieg.

Die soziale Situation im Land konnte das englische Drama in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts nur beeinflussen. In diesen Jahren wirkten im Land so berühmte Schriftsteller wie Somerset Maugham und John Boynton Priestley.

Reis. 60. Somerset Maugham

Der englische Schriftsteller William Somerset Maugham (1874-1965) ( Reis. 60) wurde in Paris in der Familie eines Rechtsberaters der englischen Botschaft geboren. Im Alter von zehn Jahren blieb er ohne Eltern und wuchs in England bei Verwandten auf. Nachdem er an Tuberkulose erkrankt war, ließ sich Maugham in Südfrankreich nieder und zog dann nach Deutschland, wo er Student an der Universität Heidelberg wurde. In Deutschland zukünftiger Schriftsteller kam Ibsen nahe

und Wagner. Es waren Ibsens Stücke, die Maughams Wunsch weckten, Dramatiker zu werden.

Nach seiner Rückkehr nach England begann Maugham ein Medizinstudium. Drei Jahre lang arbeitete er als Sanitäter in einem Krankenwagen, was ihm Einblicke in das Leben der einfachen Leute verschaffte (im Rahmen seines Berufes besuchte Somerset die ärmsten Gegenden Londons). Sein 1897 verfasster Roman Lisa of Lambeth erzählt die Geschichte der Londoner Slums. Er verschaffte dem jungen Schriftsteller seinen ersten Ruhm. Anschließend schuf Maugham eine Reihe von Romanen, die einen umfassenden Überblick über das Leben der englischen Gesellschaft bieten (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Das Theater zog Maugham schon immer an, aber auf diesem Gebiet erfolgreich zu sein, war nicht einfach. Der Wunsch nach einem realistischen Abbild der Realität schreckte Unternehmer manchmal vom Autor ab. Die Inszenierung seines Theaterstücks „Man of Honor“ (1903) trug nicht zur Popularität des Schriftstellers in der kommerziellen Kunst bei.

Schließlich gelang es Maugham 1907, die Komödie Lady Frederick zu inszenieren, die vom Publikum mit Freude aufgenommen wurde. Danach öffneten die Londoner Theater ihre Türen für den Dramatiker, und im selben Jahr, 1907, erschienen drei weitere Aufführungen, die auf seinen Stücken basierten.

Der Dramatiker schuf eine Art Theaterstück, das er „klug“ nannte. Die zeitgenössische Realität seiner Werke wird durch das Aufeinandertreffen von Charakteren gezeigt, und die Handlung wird oft unterbrochen, damit die Charaktere die Situation diskutieren können. Beim Schaffen seiner Stücke verwendet Maugham oft Techniken, die für die Werke von Shaw und Ibsen charakteristisch sind, aber am häufigsten greift er auf die englische Komödie der Restaurationszeit zurück. Aus der Dramaturgie der zweiten Hälfte des 16. bis frühen 18. Jahrhunderts stammt die in Maughams Werken vorhandene Kunst der Charaktere und Intrigen. In vielen seiner Stücke zeigt sich auch ein Interesse an den Traditionen des französischen Theaters.

Geschrieben im Stil einer Salonkomödie frühe Stücke Maughams „Lady Frederick“, „Mrs. Dot“, „Jack Straw“, aufgeführt auf den Bühnen der Londoner Theater im Jahr 1907. Anschließend wandte sich der Dramatiker von der leichten Satire ab und wandte sich ernsthaften realistischen Dramen über „Menschen, die alles wissen“ zu. 1913 erschien „Das gelobte Land“, das vom Schicksal des armen Mädchens Nora erzählt. Aufgewachsen in einem bürgerlichen englischen Umfeld, landet sie mit ihrem Bauernbruder in Kanada. Da sie arbeitsunfähig ist und versucht, sich wie eine Dame zu benehmen, erregt sie den Unmut der Frau ihres Bruders. Doch als sie die Frau eines benachbarten Bauern geworden ist, verändert sich Nora allmählich und als ihr die Möglichkeit gegeben wird, in ihr früheres Leben in London zurückzukehren, lehnt sie ab, weil ihr klar ist, dass sie nicht mehr in der Lage sein wird, unter untätigen und wertlosen Menschen zu leben .

Das Stück „The Hearth and the Beautiful Wife“ (1919) ist dem Thema des englischen Nachkriegslebens gewidmet. Der Erste Weltkrieg endete und der Major, den alle für tot hielten, kehrte nach Hause zurück. Seine Frau Victoria heiratete seinen Freund, ebenfalls Major. Freunde konkurrieren im Adel und geben sich gegenseitig das Recht, bei der schönen Victoria zu bleiben, aber sie lässt sich von beiden scheiden und wird die Frau eines Spekulanten, der durch Militärlieferungen reich geworden ist. Dieser Geldsack, der der Front entkommen ist, fährt einen Cadillac und hat die Fähigkeit, an jedes Essen zu kommen. Beide Ex-Ehemänner Die unvergleichliche Victoria behauptet, dass sie schon immer über ihre Gemeinheit und Gier geahnt hätten. Dies ist die Heimat, für die die Briten im Krieg kämpften.

Das Thema der Ehe in der bürgerlichen Gesellschaft wird in Maughams berühmtem Theaterstück „The Circle“ (1919) fortgeführt. Elizabeth, die Frau eines jungen Politikers, ist von ihrem Mann enttäuscht und bewundert seine Mutter, die sie nie gesehen hat: In ihrer Jugend lief sie mit seinem Freund Lord Proteus, der für das Amt des Premierministers kandidierte, vor ihrem Mann davon . Doch nach einer solchen Tat wurde den Liebenden der Zutritt zur Gesellschaft verwehrt und nur Elisabeth lud sie heimlich zu sich ein. Stellen Sie sich ihre Enttäuschung vor, als sie statt eines romantischen Paares eine junge alte Frau und einen schlecht erzogenen, bösen alten Mann sah. Der jungen Frau wurde vieles klar, aber sie gab ihre Liebe nicht auf und verließ das Haus ihres wohlhabenden Mannes, um mit einem jungen Kolonialbeamten ins ferne Malaya zu gehen.

In den Jahren 1928–1933 erschienen vier weitere Stücke von Maugham: „The Sacred Flame“ (1928), „The Family Breadwinner“ (1930), „For Merit in Battle“ (1932) und „Sheppie“ (1933). Der Provinzanwalt im Drama „For Military Merit“ glaubt, dass in der Gesellschaft Gerechtigkeit und Wohlstand herrschen, obwohl seine eigene Familie unter dem Druck der Umstände stirbt.

Sohn Sidney kommt blind aus dem Krieg nach Hause, und eine der Schwestern kümmert sich um ihn, obwohl es sie belastet und quält. Sie träumt davon, ihr Schicksal mit einem Mann zu vereinen, der ebenfalls kürzlich von der Front zurückgekehrt ist, doch ihr Verlobter, der sich in dieser Gesellschaft nicht wiederfinden kann, nimmt sich das Leben und das unglückliche Mädchen verliert den Verstand. Ihre Schwester wird die Frau eines demobilisierten Offiziers – eines arroganten und schlecht erzogenen Mannes. Auch das Schicksal der dritten Tochter ist tragisch. Um der düsteren Situation zu entkommen, rennt sie mit einem wohlhabenden Spekulanten, der sein Vermögen durch schmutzige Geschäfte gemacht hat, von zu Hause weg. Der Krieg zerstörte das Schicksal aller Familienmitglieder. Sidneys Worte sind voller Bitterkeit: „Ich weiß, dass wir alle als Marionetten in den Händen mittelmäßiger Narren endeten, die unsere Länder regierten. Ich weiß, dass wir alle ihrer Eitelkeit, Gier und Dummheit geopfert wurden. Und das Schlimmste ist, dass sie meines Wissens nichts gelernt haben.“

Die Geschichte der Hauptfigur aus dem Drama „Sheppey“ ist traurig. Sheppey, ein Friseur mittleren Alters, wurde der glückliche Gewinner eines großen Gewinns.

Er träumt davon, den Bedürftigen zu helfen, aber seine Tochter und ihr Verlobter glauben, dass dieses Geld ihnen den Einstieg erleichtern wird große Politik, und versuchen, Sheppie für verrückt zu erklären.

Die Produktion von Sheppie, die nicht für kommerzielle Kunst gedacht war, scheiterte, und Maugham beschloss, das Schreiben von Theaterstücken aufzugeben und nie wieder für das Theater zu arbeiten.

Reis. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( Reis. 61) wurde in der Stadt Bradford (Yorkshire) in der Familie eines Lehrers geboren. 1914 wurde er Student an der Universität Cambridge, meldete sich jedoch mit Ausbruch des Ersten Weltkriegs freiwillig zur Front. Priestley schloss sein Studium an der Universität nach Kriegsende ab. Bald erlangte er als Essayist sowie als Literaturwissenschaftler und Kritiker Berühmtheit. Der 1929 geschriebene Roman Good Companions führte den Leser in das Leben reisender Schauspieler ein und bescherte Priestley großen Erfolg. Erstmals und ungewöhnlich erfolgreiches Erlebnis Der Beitrag des Autors zur Dramaturgie war das 1932 inszenierte Stück „Dangerous Turn“.

Wie Maugham wusste Priestley, wie man menschliche Typen genau wiedergibt und Intrigen erzeugt. Gleichzeitig sind seine Stücke problematischer als die Werke von Maugham und Shaw.

In „Dangerous Turning“ enthüllt Priestley wie Maugham, was sich dahinter verbirgt äußeres Wohlbefinden Leben. Was hinter den Schichten aus Lügen und Täuschung erscheint, ist wirklich beängstigend. Der Dramatiker baut seine Stücke nach dem Prinzip eines „Detektivs im geschlossenen Raum“ auf. In einem kleinen Kreis enger Bekannter wird ein Mord begangen, alle stehen unter Verdacht, und gleichzeitig werden alle zu Amateurdetektiven.

Nach und nach entfaltet sich eine Kette von Enthüllungen, beginnend mit versehentlich fallengelassenen Worten auf einer Party beim Verleger Robert Kaplan, der erfährt, dass sein geliebter Bruder Martin ein Sexualverrückter war und nicht, wie offiziell angenommen, Selbstmord begangen hat, sondern von einer Frau getötet wurde. Fast alle seine Angehörigen waren an seinem Tod beteiligt. Als Robert die schreckliche Wahrheit erfuhr, nahm er sich das Leben. Dies ist jedoch nur eine hypothetische Version der Ereignisse. Die darauf folgende Dunkelheit löst sich auf und der Schauplatz des ersten Akts erscheint erneut vor den Augen des Betrachters. Die Charaktere führen das gleiche Gespräch, und der Satz, der als Beginn der Offenbarung diente, wird nicht weiter ausgeführt. Die „gefährliche Wende“ ist erfolgreich gemeistert und die Party geht weiter. Doch was sich tatsächlich hinter dem ruhigen Fluss des Lebens verbirgt, ist dem Betrachter bereits bekannt.

1937 erschien Priestleys Theaterstück Time and the Conway Family, in dem der Autor die Technik einer Wendung der Ereignisse anwendet. Die Handlung beginnt 1919 mit einem Familienurlaub. Eine freundliche und wohlhabende Familie feiert Kates Geburtstag. Das Mädchen wird einundzwanzig, sie ist voller Hoffnungen auf eine glückliche Zukunft und träumt davon, Schriftstellerin zu werden.

Der zweite Akt stammt aus dem Jahr 1937. Die Charaktere sind die gleichen, aber sie sind alle unglücklich. Die Party, die vor vielen Jahren stattfand, wurde zu einem Ereignis, das das Leben der Familie in eine Richtung veränderte, die für alle Mitglieder zu einem traurigen Ergebnis führte.

Der dritte Akt kehrt ins Jahr 1919 zurück, aber für den Zuschauer, der erfahren hat, was viele Jahre später geschah, wirkt das Familienfest nun weder lustig noch fröhlich.

Auch in seinen folgenden Stücken wandte sich Priestley dem Motiv der Zeit zu: „I've Been Here Before“ (1937), „Music at Night“ (1938), „Johnson Beyond the Jordan“ (1939). Um die Eigenschaften seiner Charaktere zu vertiefen, versetzt der Autor sie in eine ungewöhnliche Umgebung, in der etwas offenbart wird, das zuvor nicht nur anderen, sondern auch sich selbst verborgen blieb.

In einer Reihe von Stücken verwendet Priestley mutige Experimente. So im Drama „Aus himmlischen Zeiten“ (1939), das auf den Bühnen vieler Theater stattfand europäische Länder, schlüpfen die Schauspieler direkt vor dem Publikum in ihre Rollen und wechseln sogar die Rollen.

Der englische Dramatiker schätzte Tschechows Werk sehr. Sein Einfluss wird am deutlichsten im Theaterstück Eden End (1934) deutlich. „Eden End“ erinnert in seiner Stimmung an Tschechows „ Der Kirschgarten„, erzählt die Geschichte einer Frau, die vor vielen Jahren von ihrem Elternhaus weglief, um Schauspielerin zu werden. Jetzt ist sie in das ruhige und gemütliche Haus ihres Vaters zurückgekehrt und träumt davon, wieder glücklich zu sein. Aber die Vergangenheit kann nicht zurückgegeben werden, und die Charaktere im Stück können kein neues Leben beginnen, egal wie sehr sie es möchten.

Die Komödie nimmt in Priestleys Dramaturgie einen wichtigen Platz ein. In diesem Genre schuf der Autor eine Reihe ungewöhnlich witziger Werke, die das Leben der Gesellschaft kritisieren. Seine Komödien erfreuten sich in europäischen Ländern außerordentlicher Beliebtheit, brachten dem Dramatiker in seiner Heimat jedoch keinen großen Erfolg.

Weithin bekannt wurde die Komödie „Rakita Grove“ (1933). Der unauffällige und bescheidene Besitzer eines kleinen Schreibwarenlagers gesteht seiner Familie plötzlich, dass er tatsächlich der Kopf einer Fälscherbande ist. Verwandte, die davon erfahren haben, zeigen ihm allen Respekt, obwohl sie ihn zuvor mit Verachtung behandelt haben. Sie alle glauben, dass er nicht schlimmer ist als die großen Finanzmagnaten, die ihn damals ruiniert haben Wirtschaftskrise und wurde zum Verbrecher.

Einige Komödien weisen auf Priestleys Interesse am Leben von Vertretern bestimmter Berufe hin („Love by the Light of Jupiters“, 1936; „Good Night, Kids“, 1941).

Etwas abseits steht das Stück „Bienen an Bord eines Schiffes“ (1936), das der Autor selbst als „eine groteske Tragödie in zwei Akten“ und „eine politische Satire in Form einer Farce“ bezeichnete. Die Besatzung, die während der Wirtschaftskrise auf einem Ozeandampfer zurückgelassen wurde, der von seinen Besitzern dem Schicksal überlassen wurde, versucht, ihr Schiff vor Angriffen aller Art zu retten. Im Finale stirbt das Schiff durch eine Explosion, die von der Firma, der das Linienschiff gehört, organisiert wurde.

Priestleys utopisches Drama „They Came to the City“ (1943), inspiriert von utopischer Roman Der englische Künstler und Schriftsteller William Morris „Neuigkeiten aus dem Nirgendwo oder das Zeitalter des Glücks“ (1891). Die Helden von Priestleys Stück leben in einer Stadt, in der es kein Privateigentum gibt, sie sind glücklich und fröhlich. Mithilfe der „Time Shift“-Technik führt der Autor Charaktere aus verschiedenen Schichten der modernen englischen Gesellschaft in das Stück ein, die die ungewöhnliche Stadt und ihre Bewohner unterschiedlich wahrnahmen.

Zwei weitere Stücke von Priestley stießen beim Publikum auf großes Interesse: „The Inspector Came“ (1945) und „The Linden Family“ (1947).

Im ersten Stück nutzt der Dramatiker erneut seine Lieblingstechnik der „Zeitverschiebung“. Die Familie des Industriellen Berling feiert die Verlobung ihrer Tochter. Plötzlich erscheint ein Polizeiinspektor im Haus und untersucht den Selbstmord eines Mädchens namens Eva Smith. Es stellt sich heraus, dass alle Familienmitglieder an ihrem Tod schuld sind. Birling entließ sie aus seinem Unternehmen, seine Tochter sorgte dafür, dass Eva aus dem Laden geworfen wurde, und ihr Verlobter verführte die unglückliche Frau und ließ sie im Stich. Um das Ganze abzurunden, sorgte Birlings Frau, die Einfluss auf die Wohltätigkeitsorganisation hatte, dafür, dass dem Mädchen Hilfe verweigert wurde.

Nachdem der Inspektor alles herausgefunden hat, geht er, und die Familie Birling, überrascht, dass ihre Taten dasselbe Mädchen betreffen, beginnt, das Krankenhaus und die Polizei anzurufen. Sie erfahren, dass es keine Selbstmorde gab und dass ein Kommissar mit diesem Namen nicht bei der Polizei arbeitet. Die Birlings beruhigten sich, aber wie sich herausstellte, zu früh. Plötzlich klingelte ein Anruf und das Familienoberhaupt wurde darüber informiert, dass ein Mädchen, das zuvor in seiner Fabrik gearbeitet hatte, im Krankenhaus gestorben war und ein Polizeiinspektor zu ihnen kommen würde, um die Umstände des Todes herauszufinden.

In den 1950er Jahren arbeitete Priestley weiterhin im Theaterbereich, konnte jedoch nichts Bedeutendes mehr schreiben.

Der Dichter Thomas Stearns Eliot (1888-1965) leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung des englischen Dramas. (Abb. 62), der davon träumte, ein neues poetisches Drama auf der Grundlage der Traditionen der antiken und mittelalterlichen Kunst zu schaffen.

Reis. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot wurde in den USA geboren. 1910 kam er nach Europa, um an der Sorbonne zu studieren. Seine schriftstellerische Ausbildung erfolgte unter dem Einfluss modernistischer Bewegungen, die zu Beginn des Jahrhunderts entstanden. Eliot war mit der modernen bürgerlichen Kultur unzufrieden und wandte sich bei seiner Suche dem Neoklassizismus zu, der auf den Traditionen der Antike und des Mittelalters basierte.

Eliots Übergang von der Poesie zum Drama ist mit seinem brennenden Wunsch verbunden, mehr Menschen „wahre Spiritualität“ und die Ideale des Humanismus zu vermitteln. Dieses Ziel verfolgen alle seine Stücke, die in den 1930er- und dann in den 1940er- und 1950er-Jahren erschienen („Mord in der Kathedrale“, 1935; „Familientag“, 1938; „Cocktailparty“, 1949; „Privatsekretär“, 1953; „The Elder Statesman“, 1958).

Die Frage nach der persönlichen Verantwortung eines Menschen für alles, was auf der Welt geschieht, wirft das Stück „Murder in the Cathedral“ auf, das ein eindrucksvolles Beispiel für Eliots poetische Tragödie ist. Der Dramatiker, der sein Werk in Friedenszeiten schuf, schien den bevorstehenden Weltkrieg zu ahnen, der noch fünf Jahre entfernt war.

„Murder in the Cathedral“ sollte beim Canterbury Festival gezeigt werden, wo weitere Werke präsentiert wurden, die das Schicksal von Thomas Becket, dem Erzbischof von Canterbury, der im 12. Jahrhundert lebte, erzählten. Becket half Heinrich II. beim Kampf für eine zentralisierte Monarchie, wurde aber später zum Feind des Königs, wofür er mit seinem Leben bezahlte. Nach seinem Tod wurde der Erzbischof von der Kirche heiliggesprochen. Beckets Persönlichkeit sorgt immer noch für Kontroversen unter Historikern und Schriftstellern. Eliot stellte seinen Helden als einen Mann dar, dessen Handeln von dem Wunsch nach hoher Spiritualität bestimmt war, weshalb er gegen die niederträchtigen Interessen des Monarchen und seiner Schergen kämpfte. Nachdem Becket das Märtyrertum angenommen hatte, nahm er die Sünden der Menschheit auf sich und öffnete den Menschen den Weg zum Humanismus und zur Wahrheit.

Das Stück, in dem sich poetische Sprache mit prosaischer Sprache verbindet, basiert nicht nur auf historischen Stoffen, sondern auch auf den Realitäten der 1930er Jahre. Daher ähneln die Reden der Ritter, die den Erzbischof getötet haben, den Reden der extremen Rechten mit der Androhung der „Nacht der langen Messer“ an alle, die mit ihren Ideen nicht einverstanden sind.

Die größten Vertreter des englischen linksradikalen Dramas waren der Dichter Whiston Hugh Auden (1907–1973) und der Romanautor Christopher Isherwood (geb. 1904), die versuchten, ein modernes poetisches Drama auf der Grundlage der Traditionen des englischen Music Hall zu schaffen.

1933 schrieb Auden das Stück Danse Macabre, das das Ende der modernen bürgerlichen Gesellschaft vorhersagte. 1936 wurde es von Regisseur Rupert Doone im Group Theatre in London inszeniert. Anschließend arbeitete der Dramatiker mit Isherwood zusammen.

Das 1936 inszenierte Stück The Dog Under the Skin (1935) von Auden und Isherwood stieß auf großes Interesse. Dieses Werk, das Elemente der Parodie, der hohen Poesie, des Agitprops, des Märchens und des Expressionismus enthielt, hatte gleichzeitig eine stilistische Einheit.

Jedes Jahr schicken die Dorfbewohner von Pressen Embo einen ihrer jungen Männer auf die Suche nach Sir Francis, dem Erben des Anwesens, der plötzlich verschwunden ist. Jetzt war Alan Norman an der Reihe, ein ehrlicher und einfacher Mann. Mit auf die Reise geht der Hund Francis, der in der einen oder anderen Familie lebt. Die Reisenden besuchten viele Länder und trafen sich mit unterschiedliche Leute, aber der Erbe wurde nie gefunden. Alan hatte bereits beschlossen, die weitere Suche abzubrechen, als er herausfand, dass es sich bei seinem Hund um den gesuchten Sir Francis handelte. Die Haut eines Hundes half ihm, viel zu lernen und zu verstehen, wie verrottet die sozialen Grundlagen waren. Als Franziskus in sein Dorf zurückkehrte, stellte er fest, dass dort die Ideen des Faschismus alle anderen überwogen hatten. Zusammen mit einer Gruppe junger Menschen macht sich der Erbe auf den Weg, um gegen Ungerechtigkeit und Böses zu kämpfen.

Von großem Interesse ist auch das symbolträchtige Theaterstück „On the Border“ (1938) von Auden und Isherwood, das die Geschichte zweier Familien erzählt, die im selben Raum leben. Zwischen ihnen liegt eine unsichtbare Linie, die sie in zwei verfeindete Seiten verwandelt hat. Zu den Charakteren des Stücks gehören junge Liebende dieser Familien, die erst nach dem Tod vereint werden, der Zyniker, der das Wesen des Faschismus erklärt (der Chef des Stahlkonzerns), und der Anführer, ein Demagoge, der vom Zyniker gefüttert wird.

Anschließend entfernten sich Auden und Isherwood von ihren bisherigen Ideen. 1966 wurde Isherwoods Geschichte „Goodbye Berlin“ (1939), die von Deutschland vor der Machtübernahme der Nazis erzählt, in das Musical „Cabaret“ und 1972 in einen berühmten gleichnamigen Film umgewandelt.

Der Erste Weltkrieg und die Zeit davor zerstörten das System der Theaterunternehmen, das im 19. Jahrhundert unter der Führung der Schauspieler G. B. Tree, G. Irving und J. Alexander entstanden war. Das kommerzielle Theater des West End trat im Theaterleben Englands in den Vordergrund und bot kriegsmüden Menschen lustige und spektakuläre Shows. Farcen, Melodramen, leichte Komödien und Musikshows erfreuten sich großer Beliebtheit.

Die Situation in der Theaterwelt änderte sich in den Nachkriegsjahren nicht. Auf der Bühne herrschten noch immer leichte Genres, und ernsthafte Stücke von Strindberg, Ibsen und Tschechow waren nur auf den Bühnen kleiner Londoner Theater (Everyman, Barnes) und Theaterclubs zu sehen. Der amerikanische Kritiker T. Dickinson schrieb über das damalige englische Theater: „Die britischen Inseln sind politisch isoliert. Das englische Theater befindet sich in einer ähnlichen Isolation. In den 1920er Jahren erwies sich das britische Theater als weitgehend unfähig, auf die tiefgreifenden Impulse zu reagieren, die das Theater auf dem Kontinent leiteten.“

Englischer Jugendlicher, der Traditionen ablehnte viktorianisches Zeitalter und im Streben nach einer amerikanisierten Lebensweise langweilte sich Shakespeare, dessen Dramen von der West End-Bühne verschwanden.

Die Aufführungen des Cambridge Festival Theatre unter der Leitung von Terence Gray in den Jahren 1926-1933 wurden zu echten Parodien auf den großen Shakespeare. So hielt Portia in „Der Kaufmann von Venedig“ ihren berühmten Monolog über die Barmherzigkeit mit gelangweiltem Blick und völlig ausdrucksloser Stimme, und die vor ihr sitzenden Richter gähnten. Die Adligen in Grays Heinrich VIII. sind als Kartenbuben und Kartenköniginnen verkleidet, und einige der Charaktere sind durch Nachbildungen von Spielkarten ersetzt.

Es ist interessant, dass sich englische Regisseure dieser Zeit häufig der Komödie der Restaurationszeit zuwandten, während sie die Klassiker ablehnten. Unter ihnen war der berühmte Schauspieler, Regisseur und Besitzer des Lyric Theatre in London, Nigel Playfair, der eine Reihe historischer Komödien inszenierte. Auf der Lyrischen Bühne gab es auch zeitgemäß interpretierte Aufführungen nach Stücken von Komikern des 18. Jahrhunderts. So verlor beispielsweise John Gays Beggar's Opera, die die lyrische Bühne drei Jahre lang nicht verlassen hatte, ihre satirische Ausrichtung und verwandelte sich in ein leichtes, heiteres Spektakel. In der Interpretation von Playfair stellte Gays Stück ein unbeschwertes und fröhliches Zeitalter dar, dessen Atmosphäre durch in den Kronleuchtern des Zuschauerraums angezündete Kerzen, die Perücken der Musiker des Theaterorchesters sowie die Musik Händels zum Ausdruck gebracht wurde und Purcell. N. Marshall beschrieb die stilistischen Fähigkeiten des Regisseurs Playfair sehr treffend: „Im stillosen englischen Theater dieser Zeit gab er ein Beispiel für einen eleganten und ganzheitlichen Bühnenstil.“

Der Star des Lyric Theatre war die Schauspielerin Edith Evans (1888–1976), die mit den Rollen junger Heldinnen in Komödien der Restauration begann. Einen großen Erfolg brachte ihr 1924 das Bild von Milliment in dem Stück „Das tun sie in der Welt“, das auf dem Stück von Congreve basiert. Milliment ist, genau wie Sullen in Farquers „The Cunning Plan of the Fops“, ein ungewöhnlich fröhliches und anmutiges Geschöpf, das alle Freuden des Lebens erleben möchte.

Die Stücke von Bernard Shaw, die auf den Bühnen des West End und in experimentellen Kleintheatern aufgeführt wurden, erfreuten sich in den 1920er Jahren großen Erfolgen beim englischen Publikum. „Saint Joan“, inszeniert im New Theatre, bescherte den Machern ein grandioses Erlebnis kommerzieller Erfolg. Die Aufführung verließ die Bühne lange Zeit nicht und dauerte mehr als zweihundertvierzig Vorstellungen. Die Rolle der Jeanne wurde von der berühmten Tragödienschauspielerin Sybil Thorndike (1886-1976) gespielt.

Die Rolle der Jeanne war von Bernard Shaw selbst für Sybil Thorndike vorgesehen. Er probte mit ihr und den anderen Schauspielern und versuchte, ihnen die Vorstellung zu vermitteln, dass sie ein modernes Stück spielten und kein Kostümdrama, das der Vergangenheit gewidmet war. Sybil Thorndike spielte eine Heldin, deren Hauptmerkmale nicht Romantik, sondern ein nüchterner Geist und moralische Stärke waren. Beim Blick auf Jeanne verstand das Publikum, dass dieses einfache Bauernmädchen, das sich in längst vergangenen Schlachten bewährt hatte, zur Heldin des modernen Ersten Weltkriegs werden könnte.

Ende der 1920er Jahre Theaterkreise Es entstand die Idee, in der kleinen Stadt Malvern jährliche Festivals mit Theaterstücken von Bernard Shaw abzuhalten. Das erste Malvern Festival fand Anfang 1929 statt und wurde mit Shaws Stück The Apple Cart eröffnet. Die Rolle der Hauptfigur in dieser Aufführung spielte die Schauspielerin Edith Evans. Das Festival bestand bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs.

Barry Jackson (1879–1961), der das Birmingham Repertory Theatre leitete, spielte eine wichtige Rolle bei der Organisation des Malvern Festivals. Dieses Theater wurde 1913 eröffnet, etwa zur gleichen Zeit wie die Repertoiretheater in Bristol, Manchester und Liverpool. Im Gegensatz zu kommerziellen Theatern verfügten sie über eine feste Truppe und führten ernste, problematische Stücke auf. Auf der Bühne des Birmingham Repertory Theatre gab es Aufführungen nach Werken von D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser und natürlich B. Shaw. 1923 inszenierte Barry Jackson seine Pentalogie „Zurück nach Methusalem“, in der berühmte Londoner Schauspieler, darunter Edith Evans, zusammen mit Vertretern der Truppe des Birmingham Theatre spielten. Auch Shaw nahm an den Proben teil.

1925 führte die Truppe von Barry Jackson in London Hamlet (Regie: G. Ayliffe) auf. Noch nie war das Londoner Publikum so überrascht: Hamlet trug einen Trainingsanzug, Laertes kam in Oxford-Hosen mit einem Koffer auf die Bühne, auf dem ein bunter Aufkleber stand: „Passenger to Paris.“ Polonius trug einen Frack und Claudius trug ein Gewand aus scharlachroter Seide. Die Höflinge des Königs spielten Bridge und tranken Whiskey. Aus dem dänischen Königreich entwickelte sich das moderne England mit seinen gut etablierten Traditionen. Hamlet betrat diese alte heuchlerische Welt mit seiner Wahrheit, die er aus den Schützengräben des Ersten Weltkriegs hervorgeholt hatte.

In den 1920er Jahren erschienen Tschechows Stücke im Repertoire englischer Theater. Eine bedeutende Rolle bei der Einführung des englischen Publikums in Tschechows Werke spielte der Regisseur Fjodor Komissarzhevsky (1882-1954), der 1925 vom Unternehmer Philip Ridgeway an das Barnes Theatre eingeladen wurde. Das erste Stück, das ein russischer Regisseur auf der Barnes-Bühne inszenierte, war Ivanov ( Hauptrolle es wurde von R. Farkerson aufgeführt). Dann wurde „Drei Schwestern“ (1926) inszeniert, von Komissarzhevsky als romantisch gehobenes und ungewöhnliches poetisches Spektakel interpretiert. Der Regisseur verwendete helle Licht- und Farbeffekte, ungewöhnlich für Tschechows Stil. Im selben Jahr, 1926, sahen Barnes-Zuschauer zwei weitere Dramen von Tschechow – „Onkel Wanja“ und „Der Kirschgarten“.

In diesen Jahren Tschechows Stücke wurden nur in kleinen Theatern aufgeführt und erst in den 1930er Jahren konnte sie fast das gesamte englische Publikum sehen. Gleichzeitig erschien im Land eine ganze Galaxie talentierter Schauspieler. Neben den Stars der 1920er Jahre (Sybil Thorndike, Edith Evans usw.) glänzten Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson und Alec Guinness auf der englischen Bühne. Man konnte sie hauptsächlich im Old Vic Theatre und bei Gielgud's Enterprise im New Theatre und im Queens Theatre sehen.

Das an der Waterloo Road gelegene Old Vic wurde im 19. Jahrhundert eröffnet, erlangte jedoch vor dem Ersten Weltkrieg große Bekanntheit. In den Jahren 1918-1923 wurden auf der Bühne Shakespeares Stücke aufgeführt, in denen die besten englischen Schauspieler spielten, die jedoch ablehnten hohe Gebühren West End für echte Kunst. Edith Evans wurde in alle Theater im West End eingeladen, sie bevorzugte jedoch ein kleines Gehalt im Old Vic. Sie spielte viele Rollen in Shakespeares Stücken, darunter Catharina, Viola und Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich

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Rostock Zivilgesellschaft: Englischer Club „Concordia et laetitia“ Zur Zeit Katharinas entstand in Moskau der Englische Club, dies geschah im Jahr 1772. Da sind Clubs ein Phänomen öffentliches Leben in Russland waren also das Ergebnis ausschließlich westlichen Einflusses

Das erste Theater in London, das Theatre genannt wurde, wurde 1577 vom Schauspieler James Burbage in Shoreditch eröffnet. Einige Monate später wurde in der Nähe ein zweites Theater namens „Curtain“ eröffnet. Bald gründeten Burbage und sein Sohn Thomas, der berühmter wurde als sein Vater, das Black Brothers Theatre – zu Ehren des Dominikaner-Klosterordens, da die Bühne im Refektorium des alten Klosters untergebracht war. Allerdings wurden alle Theater ständig von den Londoner Behörden angegriffen, die diese Institutionen als Teufel und Unglücksquelle, als Ort des Müßiggangs und der Ausschweifung, als Ansammlung bösartiger Menschen, die durch den Anblick von Jungen in Frauenkleidern erregt wurden, verfluchten Mit anderen Worten, ein Ort für diejenigen, die lieber dem Klang einer Trompete folgen möchten. Eile, um sich ein Theaterstück anzusehen, anstatt einer Predigt zuzuhören, während die Glocke läutet.

In Southwark hatten die Schauspieler mehr Freiheiten als in der Stadt, wo das Leben der Theater durch die von den Behörden festgelegten Regeln stark eingeschränkt wurde. Darüber hinaus war Tula bequem per Boot oder Brücke zu erreichen. Während der Schließung der Klöster ging ein Teil von Southwark, der früher zum Bermondsey-Kloster und zum Kloster der Heiligen Jungfrau Maria gehörte, in den Besitz des Königs über. Im Jahr 1550 wurde es für etwa tausend Pfund an die Stadt verkauft. Lediglich zwei Grundstücke, die außerhalb der städtischen Zuständigkeit blieben, blieben unverkauft. Auf einem befand sich ein Gefängnis, das andere hieß („Pariser Garten“); An diesen beiden Orten entstanden während der Herrschaft von Königin Elizabeth Theater, frei von den Verboten und der Zensur Londons. Das 1587 erbaute Rose Theatre war der Ort, an dem Marlowes Stücke erstmals aufgeführt wurden, und Edward Alleyns Talent blühte auf dieser Bühne auf. Dann erschienen die Theater „Swan“ (1596), „Globe“ (1599; ein Zehntel davon gehörte Shakespeare) und 1613 „Hope“.

Die Londoner wurden durch laute Trompeten und wehende Fahnen in diese und andere Theater gelockt. Das Geld der Besucher wurde direkt im Theater eingesammelt und in eine spezielle Kiste gelegt, die dann in einem kleinen Raum – der Kasse (im „Kassenbüro“) – verschlossen wurde. Das Publikum saß auf in Reihen um die Bühne angeordneten Stühlen oder auf Bänken direkt auf der Bühne und die Aufführung begann unter lautem Jubel. Die Schauspieler spielten ihre Rollen und das Publikum unterbrach sie mit empörten oder anerkennenden Zurufen, Beleidigungen oder Lob. Dies dauerte bis zum Ende des Aktes, danach füllte sich die Bühne mit Tänzern, Jongleuren und Akrobaten; Händler mit Tabletts und Körben drängten sich durch die Gänge zwischen den Zuschauersitzen und verkauften Kuchen, Früchte, Kräuterheilmittel und Broschüren; Männer waren nett zu Frauen. Theatermitarbeiter rauchten oft, die Luft war voller Tabakrauch, die Holzstühle fingen oft Feuer und das Publikum stürmte zu den Türen. brannte in dem Jahr ab, in dem Nadezhda eröffnet wurde; Nur eine Person wurde verletzt – seine Hose fing Feuer, aber er löschte es schnell, indem er Bier aus einer Flasche ausschenkte.

In der Nähe der Theater gab es Gärten mit Bären, Arenen, in denen man einen gefesselten Stier mit Hunden anlocken konnte, und Plätze für Hahnenkämpfe, die ein vielfältiges Publikum anzogen – reiche und arme, edle und einfache Leute. Nachdem das Publikum die Aufführung von „Othello“ oder „Edward II“ genossen hatte, schaute sich das Publikum am nächsten Tag den von Hunden vergifteten Bären im Pariser Garten und die Kampfhähne an, die, nachdem sie ihre Sporen losgelassen hatten, den Sand bedeckten der Arena mit Blut und Federn, auf die weit wegfliegenden Hunde vor Schlägen wahnsinniger Bullen (Hunde wurden in Korbfallen gefangen, damit sie sich beim Fallen nicht verletzten und weiterkämpfen konnten), auf Menschen, die mit Schwertern hackten, abschlugen einander die Ohren und Finger, was der lauten Beifall der Menge bescherte.

West End-Theater

Das Erscheinungsbild der Straßen des West End veränderte sich dramatisch. Viele Gebäude aus dem 18. Jahrhundert. wurden sowohl außen als auch innen entsprechend dem Zeitgeschmack rekonstruiert. In der Grafton Street (heute Elena Rubinstein Salon) stellte Frau Arthur James ihren Reichtum mit einer beeindruckenden Renovierung eines in den 1750er Jahren entworfenen Hauses zur Schau. Sir Robert Taylor.

In vielen georgianischen, Regency- und viktorianischen Gebäuden befanden sich neue Theater, darunter das Duke of York's Theatre, das New Theatre, die Scala, das Palladium, das Gaiety, das Her Highness's Theatre, der London Pavilion und der Palace. , Apollo, Windhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe, Queen's und Coliseum. Sie alle wurden in den letzten zehn Jahren der Herrschaft von Königin Victoria und in den neun Jahren von Edwards eigener Herrschaft erbaut.

Hunderte alter Gebäude wurden abgerissen, um Platz für Geschäfte und prächtige Einkaufspassagen mit opulenten Glasvitrinen und mit Messingintarsien verzierten Mahagonitüren zu schaffen. Im Jahr 1901 begann man mit dem Bau der Terrakottawände des Kaufhauses Harrods an der Brompton Road. Nach ihm wurden schnell neue Geschäfte in einem übertriebenen Barockstil auf der Straße gebaut, zum Beispiel Wearing and Gillows (1906), kolossal groß, wie insbesondere das majestätische Gebäude, von dem aus der Kaufmann 1909 zu bauen begann Wisconsin Harry Selfridge.

Als Selfridges Laden fertiggestellt war, hatte sich die Regent Street völlig verändert; Der Aldwych Loop überquerte nördlich des Strandes gegenüber dem Somerset House ein Straßenlabyrinth, auf dem Reihen monumentaler Gebäude auftauchten, und der Kingsway erstreckte sich nach Norden in Richtung Holborn.

Die Briten sind eine Nation von Theaterbesuchern, und in dem Land, das uns Shakespeare geschenkt hat, kann man problemlos die meisten Theaterbesuche unternehmen verschiedene Produktionen in Theatern, die zu den spektakulärsten der Welt zählen. Im Folgenden stellen wir Ihnen die besten davon vor und geben Ihnen einige Tipps, mit denen Sie beim Einkauf sparen können ...

West End von London

Im historischen Londoner Theaterviertel Theatreland können Sie atemberaubende Aufführungen und lebendige Musicals genießen, auf dessen Straßen 40 Theater hart um Zuschauer kämpfen. Ein Großteil der Kulturszene des West End konzentriert sich auf die Shaftesbury Avenue. Die ungefähren Grenzen des Bezirks sind Strand im Süden, Oxford Street im Norden, Regent Street im Westen und Kingsway im Osten.
Viele Theaterproduktionen im West End gehen nach ihrer ersten Aufführung im Theatreland auf Tournee, wobei Eintrittskarten für Vorstellungen an Veranstaltungsorten außerhalb Londons deutlich günstiger sind. Eine vollständige Liste aller Londoner Produktionen und Aufführungen finden Sie auf der offiziellen Website des London Theatre Guide, die von der London Theatre Society gepflegt und gepflegt wird. Die Gesellschaft bietet für einige Vorstellungen Ermäßigungen auf Eintrittskarten und betreibt außerdem Kioske am Leicester Square und Brent Cross, an denen Eintrittskarten zu ermäßigten Preisen erworben werden können. Viele Theater im gesamten Vereinigten Königreich bieten ermäßigte Eintrittskarten für Studenten sowie Kinder und Jugendliche unter 18 Jahren an.

Shakespeares Globe Theatre in London

Modernes offenes (ohne Dach) Gebäude des berühmten Shakespeare-Theater Das erste Globe Theatre, das im 16. Jahrhundert erbaut wurde und am Südufer der Themse in Southwark steht, spiegelt die elisabethanische Zeit wider. Der Besuch einer Aufführung im Globe ist ein unvergessliches Erlebnis: Das Theater verfügt nur über natürliches Licht und wenn Sie Stehplatzkarten kaufen, können Sie den Schauspielern nur wenige Schritte von der Bühne entfernt zusehen.

Die Theatersaison dauert von April bis Oktober, aber wenn Sie nicht in der Lage sind, eine Aufführung zu besuchen, können Sie trotzdem das Theater und seine Informationsausstellung besuchen.

Das National Theatre befindet sich in einem anderen Stadtteil Londons, der durch die Themse vom West End getrennt ist. Unter dem Dach des Nationaltheaters befinden sich 3 Säle mit Bühnen beste Schauspieler Länder spielen Rollen sowohl in modernen als auch in klassischen Theaterproduktionen, einschließlich Inszenierungen von Werken Shakespeares. Am Vormittag jeder Aufführung werden an der Theaterkasse etwa 30 günstige Eintrittskarten verkauft, Sie müssen jedoch früh kommen, um sie zu kaufen!
Royal Opera House und English National Opera in London
Fans der traditionellen Oper kommen hier auf ihre Kosten klassische Arien im Königlichen Opernhaus, befindet sich in Covent Garden.
Diejenigen, die modernere Opernaufführungen bevorzugen, sind hier Englische Sprache, können Sie die English National Opera besuchen, die sich in der Nähe in der St. Martin's Lane befindet.

Sadler's Wells Theatre in London

Das Sadler's Wells Theatre ist auf Tanz spezialisiert und der Ort in Großbritannien, an dem das Publikum inspirierende und unterhaltsame Momente genießen kann Tanzshows, vorbereitet von den besten Choreografen unter Beteiligung der besten Tänzer. In den Spielstätten dieses Theaters finden oft Uraufführungen weltberühmter Produktionen statt, wie zum Beispiel „ Schwanensee“ in einer kühnen Interpretation von Matthew Bourne. Auf der Bühne von Sadler's Wells können Sie eine große Auswahl an Musik- und Tanzdarbietungen von Flamenco bis Hip-Hop sehen.
Theater der Royal Shakespeare Company in Stratford-upon-Avon, London und Newcastle
Die Haupttheater der Royal Shakespeare Company befinden sich in William Shakespeares Heimatstadt Stratford-upon-Avon, und hier können Sie sowohl Aufführungen moderner Autoren als auch Aufführungen der besten Werke des großen Dramatikers besuchen. Herrliche Theateraufführungen können in vier Theatern in Stratford, dem Duke of York's Theatre und dem Hampstead Theatre in London und Newcastle, gesehen werden. Die Theater führen auch Tourneen in andere Städte des Landes durch.

Royal Exchange Theatre in Manchester

Das Royal Exchange Theatre in Manchester ist in einem prächtigen Gebäude untergebracht, das früher von der Cotton Exchange bewohnt wurde. Die in der Mitte des Theatersaals liegende Bühne hat eine runde Form und ist allseitig von ansteigenden Sitzreihen umgeben, so dass die Aufmerksamkeit jedes Theaterbesuchers auf das Theatergeschehen gerichtet bleibt.
Das Theater führt sowohl avantgardistische Theaterstücke als auch klassische Aufführungen auf, darunter auch solche, die auf den Werken Shakespeares basieren.

Edinburgh

Die Hauptstadt Schottlands ist auf der ganzen Welt berühmt für das jährliche Edinburgh Festival, bei dem die Stadt in die Atmosphäre eines pulsierenden Festivals eintaucht, das der Kunst gewidmet ist. Sie können Edinburgh jedoch zu jeder Jahreszeit besuchen und finden dort internationale Theater, die in einigen der besten Veranstaltungsorte Großbritanniens auftreten.

Das Edinburgh Festival Theatre ist auf die Präsentation einer beeindruckenden Auswahl an Opern, Ballett, Tanz, Musik und Theater spezialisiert. Die Bühne des Theaters ist größer als die jedes anderen Theaters im Vereinigten Königreich und beherbergt einige der beliebtesten und wichtigsten Shows. Königliches Theater Es befindet sich in einem eleganten edwardianischen Gebäude und beherbergt hochwertige Theaterproduktionen sowie ein jährliches Pantomime-Festival. Das Royal Lyceum Theatre ist ein traditionelles Theater im viktorianischen Stil und zeigt hauptsächlich die beliebtesten Aufführungen. Das Traverse Theatre ist auf die Produktion spannender und gewagter Werke schottischer und internationaler Dramatiker spezialisiert.

Glasgow

Glasgow ist ein echtes Zentrum Theaterkunst In der Stadt befinden sich die Scottish Opera, das Scottish Ballet und das National Theatre of Scotland. Das Stadttheater bietet innovative zeitgenössische Theaterstücke, während die Theater Tron und Tramway für ihre zum Nachdenken anregenden Produktionen bekannt sind. Das Royal Theatre wird Fans beliebter Theaterproduktionen begeistern und beherbergt auch die Scottish Opera.

Millennium Centre Cardiff

Wenn Sie sich in Cardiff befinden, sollten Sie unbedingt das Millennium Centre besuchen. Dieses Gebäude, das stets die Aufmerksamkeit jedes Touristen auf sich zieht, bietet Veranstaltungsorte für Aufführungen aller Art – von Tourneeprogrammen von West End-Musicals bis hin zu Ballettproduktionen und modernen Tanzshows. Auch wenn Sie keine Zeit haben, eine der Shows zu besuchen, schauen Sie bei diesem Meisterwerk moderner Kunst vorbei und machen Sie einen Blick hinter die Kulissen oder machen Sie eine Pause in einer örtlichen Bar. In der Lobby des Millennium Center werden täglich kostenlose Konzerte organisiert.

Dramatische Kunst erschien in Großbritannien schon vor langer Zeit. Es geht auf Straßenaufführungen zurück, die an kirchlichen Feiertagen stattfanden und als eine Art Morallehre dienten. Während der Renaissance wurden alle Bereiche der Kunst säkularer und entfernten sich von religiösen Themen. Zu dieser Zeit entstand das damals revolutionäre Theater, in dem der heute weltberühmte W. Shakespeare Stücke aufführte.

Die moderne Entwicklung des Theaters strebt in allen seinen Bereichen nach extremem Realismus, ja sogar nach Umdenken klassische Geschichten. Jetzt überraschen Theater in England nicht nur mit interessanten Aufführungen, sondern auch ursprüngliche Architektur sowie ungewöhnliche Regieentscheidungen.

Wenn Sie eine Reise nach London planen, sollten Sie unbedingt das Piccadilly Theatre besuchen. Es besteht seit mehr als acht Jahrzehnten und begeistert Kenner der Theaterkunst nicht nur mit modernen, sondern auch mit traditionellen klassischen Inszenierungen.

Eines der ältesten Theater Londons ist das Aldwych Theatre, das seit mehr als einem Jahrhundert die gesamte Stadt versammelt. Auf der Bühne traten einst berühmte Schauspieler wie Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone und andere auf.

Für Fans von hellem musikalische Darbietungen Das New London Theatre ist einen Besuch wert. Es waren die Musicals, die genug brachten zum jungen Theater in den 70-80er Jahren des letzten Jahrhunderts echter Ruhm unter jungen Leuten. Bis heute begeistert es das Publikum mit Weltklasse-Inszenierungen, mit stimmungsvollen Bühnenauftritten und guter Musik.

Ein weiteres Londoner Theater, das für Aufführungen im Musical-Stil und Comedy-Stücke bekannt ist, ist das Shaftesbury Theatre. Vor nicht allzu langer Zeit feierte es sein 100-jähriges Bestehen – die Arbeit des Theaters hörte auch während des Zweiten Weltkriegs nicht auf. Das Gebäude dieses Theaters verdient aufgrund seines ungewöhnlichen antiken Designs besondere Aufmerksamkeit.

Unter moderne Theater Besonders hervorzuheben ist das Londoner Pincock Theatre. Aufgrund seiner innovativen Herangehensweise an das klassische Drama konkurriert es durchaus mit alten Theatern. Auf der Bühne kommen häufig moderne Elemente zum Einsatz. Straßentanz und sogar akrobatische Darbietungen, um die Wirkung des Stücks zu verstärken.

Das Gebäude des Grand Opera House in Belfast beeindruckt durch seine Schönheit. Bereits im 19. Jahrhundert erbaut, ist es nicht nur ein architektonisches Wahrzeichen im orientalischen Stil, sondern begeistert auch Theaterfans mit klassischem Repertoire und hervorragender Akustik.

Das Royal Drury Lane Theatre gilt als das wichtigste Zentrum der dramatischen Kunst in Großbritannien. Es befindet sich in London und spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Theaters im Land. Während seines Bestehens gelang es vielen berühmten Schauspielern, seine Bühne zu besuchen.

Ein weiteres architektonisches Denkmal Großbritanniens ist das Her Majesty's Theatre. Das Theater entstand zu Beginn des 18. Jahrhunderts und zog Ende des 19. Jahrhunderts in ein großes neues Gebäude um, in dem es sich noch heute befindet. Es stellt ein riesiges historisches und Kultureller Wert, und das klassische Repertoire wird alle Liebhaber dieser Kunstform ansprechen. Dieses Theater befindet sich in London, westlich von Westminster.

London ist berühmt für seine Museen, historischen Gebäude und hochmodernen Restaurants. Aber nur Theaterleben, das die Stadt dominiert, unterscheidet sie von anderen Städten. Wenn ein Stück in London erfolgreich war, würde es seinen Erfolg anderswo wiederholen.

Londons einziger Konkurrent kann New York mit dem Broadway sein, aber selbst es kann sich nicht mit Theatergebäuden rühmen, die über ein großes und großes Theater verfügen reichhaltige Geschichte. Der zentrale Teil der Stadt, das West End, die Bezirke South Bank und Victoria überraschen mit einer besonderen Konzentration an Theatern – von kleinen Studios für 100 Zuschauer bis hin zu großen Melpomene-Tempeln. Wir bieten einen Überblick über die zehn größten Theater Londons.

Das Shaftesbury Theatre, direkt an der Holborn Street gelegen, zählt zu den britischen Gebäuden von architektonischem und historischem Wert. Dank eines kleinen Unfalls mit dem Dach des Gebäudes im Jahr 1973 wurde darauf aufmerksam gemacht. Seit 1968 wurde das berühmte Musical „Hair“ 1998 Mal auf der Bühne aufgeführt. Die Show, die die Hippie-Bewegung förderte, wurde später eingestellt. Als das Musical zum ersten Mal im West End aufgeführt wurde, wurde es vom Theaterzensor Lord Cameron Fromentil „Kim“ Baron Cobbold verboten. Die Produzenten wandten sich hilfesuchend an das Parlament, das die Erlaubnis erteilte, indem es einen Gesetzentwurf erließ, der das Verbot des Barons vollständig aufhob. Dieses beispiellose Ereignis in der Geschichte der Theaterkunst beendete die Theaterzensur in Großbritannien – nicht schlecht für ein Theater mit einer Kapazität von 1.400 Zuschauern.

Nur ein paar Blocks von Shaftesbury entfernt befindet sich das Palace Theatre, das ebenfalls 1.400 Zuschauern Platz bietet. Seine Spezialität sind Musicals wie Singin' in the Rain oder Spamalot. Das Theater wurde 1891 eröffnet und wurde unter der Schirmherrschaft von Richard d'Oyly Carte als Royal English Opera House bekannt. In jüngster Zeit wurden neben Opern auch Musicals, Filme und andere Shows auf der Bühne gezeigt. In den 1960er Jahren wurde das Musical „ „The Sound of Music“ wurde 2.385 Mal im Theater gezeigt. Das Theater wurde zusammen mit anderen Gebäuden in der Gegend in die Liste der Gebäude von britischem architektonischem und historischem Wert aufgenommen.

Das Adelphi Theater feierte kürzlich sein 200-jähriges Bestehen. Trotz der bescheidenen Größe des Gebäudes bietet das Theater Platz für 1.500 Zuschauer. Er ist bekannt für Produktionen wie „Chicago and Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat“. Das Art-Déco-Gebäude aus dem Jahr 1930 grenzt an das Strand Palace Hotel. Dies ist der vierte Bau in der gesamten Geschichte des Theaters seit 1809. Eine Gedenktafel an der Wand einer nahegelegenen Bar macht das Theater für den Tod des Schauspielers verantwortlich, der einst vom großen Terriss unterstützt wurde. Tatsächlich bekannte sich Prinz Richard Archer, ein gescheiterter Schauspieler, der aufgrund seiner Alkoholabhängigkeit an Popularität und Anstand verloren hatte, des Mordes an seinem Mentor Terriss im Zustand des Wahnsinns schuldig und wurde zur Zwangsbehandlung in eine psychiatrische Klinik gebracht, wo er leitete das Gefängnisorchester bis zu seinem Tod. Es heißt, dass der Geist des ungesühnten Terriss, der über das milde Urteil gegen seinen Schützling und Mörder verärgert ist, nachts immer noch im Theatergebäude umherirrt.

Einige Shows finden bereits seit Jahrzehnten im Londoner West End statt und das Victoria Palace bietet immer wieder neues Repertoire, wie zum Beispiel das Musical Billy Elliott. Obwohl er seit 2005 auf der Bühne steht, was, wie man sagt, eine ganze Menge ist regelmäßige Zuschauer. Das Theater hat eine lange Geschichte, die im Jahr 1832 begann, als es nur ein kleiner Konzertsaal war. Heute bietet das 1911 erbaute Gebäude Platz für 1.517 Zuschauer. Es ist mit einem Schiebedach ausgestattet, das in den Pausen geöffnet wird, um den Saal zu belüften. Das Theater führte viele denkwürdige Aufführungen auf, aber die denkwürdigste davon war das patriotische Stück „Junges England“ aus dem Jahr 1934, das viele negative Kritiken erhielt. Es dauerte nur 278 Vorstellungen.

Das Prince Edward Theatre liegt im Herzen von Soho und bietet Platz für 1.618 Personen. Es ist nach dem Thronfolger der britischen Krone, Edward VIII., benannt, einem König, der nur wenige Monate auf dem Thron saß und ihn im Namen der Liebe verließ. Traditionell finden auf der Bühne romantische Shows und Performances statt, zum Beispiel „Show Boat“, „Mamma Mia“, „West Side Story“, „Miss Saigon“. Das Theater hat eine lange Geschichte, die bis ins Jahr 1930 zurückreicht, als es nur ein Kino und ein Tanzsaal war. Erst 1978 wurde das Theater eröffnet, zeitgleich mit der Premiere des Musicals „Evita“ über die Welt berühmte Frau, Ehefrau des argentinischen Präsidenten. Das Stück wurde 3.000 Mal aufgeführt und die Schauspielerin Elaine Page, die Evita spielte, hatte einen glänzenden Start in ihre Theaterkarriere und wurde zum Star.

Trotz der Sanierung der Tottenham Court Road in London, um eine bessere Straßenkreuzung zu schaffen, bleibt eines unverändert – die riesige Statue von Freddie Mercury mit erhobener Hand, während er vor dem Dominion Theatre „We Will Rock You“ singt. Die Show läuft seit 2002 auf der Theaterbühne und war trotz unfreundlicher Kritiken der Kritiker ein Erfolg beim Publikum. Das 1929 auf dem Gelände einer alten Londoner Brauerei erbaute Theater bietet Platz für 2.000 Zuschauer. Das Gebäude beherbergt auch die Australian Sunday Church, die während der Messen die Bühne und Beleuchtung des Theaters nutzt.

Dies ist eines der großartigsten Theater in London. Die Säulen, die den zentralen Eingang schmücken, stammen aus dem Jahr 1834, und das Gebäude selbst wurde 1904 im Rokoko-Stil umgebaut. Im Laufe seiner Geschichte, die bis ins Jahr 1765 zurückreicht, hatte es alles außer einem Theater, zum Beispiel waren es 50 Jahre lang Gastgeber der Abendessen der Secret Beef Steak Society. 1939 wollte man das Gebäude schließen, konnte aber durch den Beginn des Straßenbaus gerettet werden. 14 Jahre lang wurde das Stück „Der König der Löwen“ auf der Bühne des Theaters aufgeführt, und die Disney-Dramatisierung scheint sich hier schon lange eingenistet zu haben und bringt gute Kasseneinnahmen.

Nicht aus diesem Grund gilt das Theatre Royal, das 2.196 Zuschauern Platz bietet, als das führende Theater Londons. Seit 1663 gab es an dieser Stelle mehrere Theater, und die Drury Lane selbst gilt als Theaterstraße. Wie viele andere Theater arbeitete auch das Royal unter der Leitung von Andrew Lloyd Webber, dem Autor der Musicals „Evita“ und „Cats“. Weitere Produktionen, die auf der Bühne standen, sind „Oliver“, aus dem ein gleichnamiger Musikfilm entstand, „The Producers“, „Shrek and Charlie and the Chocolate Factory“, das noch immer läuft. Neben Musicals und Schauspielern ist das Theater auch für seine Geister bekannt, beispielsweise für den Geist eines Mannes im grauen Anzug und mit Dreispitz. Der Legende nach wurde er im 18. und 19. Jahrhundert im Theatergebäude getötet. Ein weiterer Geist ist Joseph Grimaldi, ein Clown, der nervösen Schauspielern auf der Bühne helfen soll.

Das London Paladium Theatre ist nicht nur in London, sondern auf der ganzen Welt berühmt. Es ist nur wenige Schritte von der Oxford Street entfernt. Bekannt wurde er durch die Nachtshow „Sunday Night at the London Palladium“, die von 1955 bis 1967 lief. Millionen von Zuschauern lernten die rotierende Bühne und Bühnenaktionen verschiedener Art kennen. 1966 versuchten die Eigentümer des Gebäudes, es für den weiteren Wiederaufbau zu verkaufen, aber es konnte dank Theaterinvestoren und der Tatsache, dass dort 1973 zusätzlich zum Theater ein Konzertsaal für Auftritte der Rockgruppe „Slade“ eröffnet wurde, gerettet werden “. Das ständige ausverkaufte Publikum und die aktiven Aktionen der Fans der Band führten fast dazu, dass der Balkon im Saal einstürzte. Im Jahr 2014 wurde im Theatersaal die Talentshow „The X Factor: Das Musical“ eröffnet.

Auch wenn das Appollo Victoria Theater nicht das beliebteste in London ist, kann man es doch getrost als das höchste anerkennen. Es liegt nur wenige Meter vom Victoria Palace entfernt und bietet Platz für 2.500 Zuschauer. Mehrere Theater aus der vorgestellten Rezension befinden sich in der Nähe und bilden eine Art „Theaterland“. Apollo Victoria wurde 1930 eröffnet. Das Gebäude ist im Art-Déco-Stil mit einem nautischen Thema mit Springbrunnen und Muscheln als Dekoration gestaltet. Es dauerte 18 Jahre, die Eisenbahn für das Musical „Starlight Express“ zu bauen, damit sich der Zug entsprechend dem Drehbuch rund um den Zuschauerraum bewegen konnte. Ein weiteres beliebtes Musical, das im Theater aufgeführt wird, ist „Wicked“. Die Einnahmen an den Kinokassen der Premiere beliefen sich auf 761.000 Pfund, und über einen Zeitraum von sieben Jahren werden die Einnahmen aus der Aufführung auf 150 Millionen geschätzt. Filmliebhaber behaupten, dass das Theater in naher Zukunft aussterben wird, aber Statistiken über die Anzahl der Zuschauer bei jedem Musical und die Höhe der Kasseneinnahmen deuten auf etwas anderes hin. Der Geruch von Rouge und Tünche, der Lärm im Zuschauerraum wird niemals verschwinden.
Moderne Architektur steht der Schönheit und Eleganz historischer Theaterbauten jedoch in nichts nach.