Porträts Mussorgskis wurden nicht oft angefertigt. Das ist nicht Rembrandt, der jedes Jahr auf sich selbst schaute und beobachtete, wie er sich veränderte. Porträts Mussorgskis spiegeln in der Regel nur das Äußere wider, aber wir interessieren uns für ihn innere Welt, was es ihm ermöglichte, großartige musikalische Werke zu schaffen.

Frühe Jahre

Modest Petrowitsch Mussorgski war der Sohn eines nicht reichen, aber wohlgeborenen Gutsbesitzers. Er wurde 1839 in der nördlichen Region Pskow geboren. Zwei ältere Brüder starben früh und Mutter Julia Iwanowna schenkte ihrem jüngsten Sohn all ihre Zärtlichkeit und Liebe.

Modest Petrovich pflegte sein ganzes Leben lang enge Beziehungen zu ihr, und später war ihr Tod ein schwerer Schlag für ihn. Maman war der Erste, der ihm das Klavierspielen beibrachte. Aus dieser Zeit sind keine Porträts Mussorgskis erhalten. Doch seine Zukunft steht schon vor langer Zeit fest: Der Junge wird Soldat.

Petersburg

Nach seinem Abschluss an der Schule der Gardefähnriche begann Modest Mussorgsky seinen Dienst im Preobraschenski-Garderegiment. Auf dem Foto links ist ein Offizier der Rettungsschwimmer zu sehen. Das ist 1856. Er ist 17 Jahre alt. Er ist schneidig und von ausgezeichneter Haltung, bescheiden, fast ein Kind, ein junger Mann, der sein Leben noch nicht definiert hat. Er verspürt Dienstbereitschaft, Pflichterfüllung, Selbstbeherrschung und Willenskraft.

Rechts daneben ist ein Foto von ihm und seinem Bruder aus dem Jahr 1858. Innere Freiheit, ein strenger Blick, als ob der zukünftige Komponist etwas für sich selbst entscheiden würde. Vernünftigkeit und Selbstbezogenheit sind in jedem seiner Merkmale präsent.

Modest Mussorgsky war zu dieser Zeit ein begabter Musiker. Er ist auch ein sehr gebildeter Mensch: Er spricht und schreibt fließend Französisch und Deutsche Sprachen, liest Griechisch und Latein. Er kennt A.S. bereits. Dargomyzhsky und M.A. Balakirev und schrieb zwei Scherzos. Einem Musiker, der nicht am Konservatorium studierte, gelang es, eines davon erfolgreich zu orchestrieren.

Unter der Leitung von Balakirev arbeitete Mussorgsky an Orchesterpartituren, studierte sie sorgfältig und analysierte auch die Harmonie, den Kontrapunkt und die Form der Kompositionen berühmte Komponisten, lernte, sie kritisch zu bewerten und sehr tiefgreifend zu bewerten. Zu diesem Zeitpunkt verlässt er den Militärdienst, stellt aber höchste Ansprüche an sich selbst und lässt keine Promiskuität zu.

Prominenter

Modest Petrovich kümmerte sich um sein Aussehen.

Der Musiker versuchte den Menschen den Eindruck zu vermitteln, er sei ein wohlhabender Mensch. In der Tat blickt uns ein gepflegter, eleganter Mann vom sorgfältig gekämmten Haar über die Kopfhaare bis zu den Spitzen seiner polierten eleganten Schuhe mit völliger Gleichmut im Gesicht an.

Im Leben war er ein Mann mit solchen Manieren, Eleganz, hervorragender Sprache, Witz und Bildung, dass alle Frauen unter seinem Charme dahinschmolzen. Er hegte eine heimliche Liebe zu einer Frau, deren Namen er niemandem verriet. Vermutlich handelt es sich hierbei um N.P. Opochinina, die er auf das höchste Podest stellte und ihr seine lyrischsten Werke widmete.

Reife

Dies ist der Beginn der dunkelsten Zeit im Leben des Komponisten. Das unten dargestellte Porträt zeigt, dass Modest Mussorgsky trotz der Schicksalsschläge durchhält: Die Mächtige Handvoll löste sich auf, die Presse griff seine Werke heftig an, die Aufführung des Theaterstücks „Boris Godunow“ wurde fast eingestellt. Die Frau, die er liebte, starb und der Komponist litt unendlich. Nach ihrem Tod schrieb er die bittere Liebesgeschichte „Tombstone Letter“.

Er lebte nur von Kreativität und schuf Romanzen auf der Grundlage der Gedichte seines neuen Freundes, Graf A.A. Golenishcheva-Kutuzova. Aber er heiratete und versetzte Mussorgsky durch Freundschaft und Zusammenarbeit einen unwiederbringlichen Schlag.

Kreativer Startschuss

Noch während der Militärschule entstand ein Verlangen nach Trankopfern. Unter schwer emotionale Erlebnisse sie wachte wieder auf. Eine entwickelte Fantasie ermöglichte es, zusammen mit dem Wein der traurigen Realität zu entfliehen und etwas zu erschaffen. Die für ihn charakteristische Impulsivität zwang ihn, neue Werke zu beginnen, ohne sie zu beenden. Sublimieren innere Stärke Der Individualist Modest Petrowitsch vertiefte sich in die Musik. Zu dieser Zeit entstand „Bilder einer Ausstellung“, eine Klaviersuite zum Gedenken an seinen Künstlerfreund Hartmann. Er selbst komponierte die Handlung von „Khovanshchina“ und begann, sie zu schreiben, sowie „ Sorochinskaya-Messe„Basierend auf Gogol. Er dachte bereits über eine Oper zum Thema des Pugatschow-Aufstands nach. Trotz allem wollte er das Leben gestalten und genießen.

Ilja Repin „Porträt Mussorgskis“

Bescheidener Petrowitsch diente nicht mehr. Seine Freunde arbeiteten und zahlten ihm eine kleine Rente. 1881 erlitt er einen Anfall von Delirium tremens. Er wurde ins Krankenhaus eingeliefert. In vier Sitzungen vom 14. bis 17. März schuf I. Repin ein Porträt von M.P. Mussorgski. Und am 28. März starb der Komponist. Dies verleiht dem Porträt besondere Tiefe und Dramatik.

Ein Krankenhauskittel, zerzauste Haare und ein Bart lenken uns nicht vom Gesicht eines völlig kranken Menschen ab. In seinen Augen liegt ein Funkeln und ein lebhafter Geist und der Gedanke an zukünftige Werke, die er nicht komponieren kann, strahlt. Schließlich dachte er nicht an den Tod. Repin hat den Komponisten überhaupt nicht ausgeschmückt, und deshalb erwies er sich als lebendiger und realer Mensch.

Der Künstler glättete Schwellungen und Fältchen, schuf die komplexesten Lichtnuancen im Gesicht und hinterließ uns ein Bild voller kreativer Kraft und innerer Vornehmheit. Die Farbe ist hell und transparent. Vor einem hellen Hintergrund wirken Gesicht und Figur besonders aussagekräftig.

Alle Porträts Mussorgskis zeigen seinen Wandel von einem tadellosen Offizier und Prominenten zu einer Persönlichkeit, deren Kräfte nachgelassen haben.

Genre: Suite für Klavier.

Entstehungsjahr: Juni 1874.

Erstausgabe: 1886, überarbeitet von N. A. Rimsky-Korsakov.

Gewidmet: V. V. Stasov.

Entstehungs- und Publikationsgeschichte

Anlass für die Entstehung von „Bilder einer Ausstellung“ war eine Ausstellung mit Gemälden und Zeichnungen des berühmten russischen Künstlers und Architekten Viktor Hartmann (1834 – 1873), die im Zusammenhang mit der Akademie der Künste auf Initiative von V. V. Stasov organisiert wurde mit dem plötzlichen Tod des Künstlers. Auf dieser Ausstellung wurden Hartmanns Gemälde verkauft. Von den Werken des Künstlers, über die Mussorgskys „Bilder“ geschrieben wurden, sind in unserer Zeit nur sechs erhalten.

Viktor Alexandrowitsch Hartman (1834 - 1873) war ein herausragender russischer Architekt und Künstler. Er absolvierte einen Kurs an der Akademie der Künste, nachdem er praktisches Bauwesen studiert hatte, hauptsächlich unter der Anleitung seines Onkels P. Gemilien, und verbrachte mehrere Jahre im Ausland, wo er überall architektonische Denkmäler skizzierte und sie mit Bleistift und Aquarellen festhielt Volkstypen und Szenen aus dem Straßenleben. Als er dann eingeladen wurde, an der Organisation der Allrussischen Fertigungsausstellung von 1870 in St. Petersburg teilzunehmen, fertigte er etwa 600 Zeichnungen an, nach denen verschiedene Ausstellungspavillons gebaut wurden. Diese Zeichnungen zeigen die unerschöpfliche Fantasie, den subtilen Geschmack und die große Originalität des Künstlers. Für diese Arbeit wurde ihm 1872 der Titel eines Akademikers verliehen. Danach schuf er mehrere Architekturprojekte (ein Tor, das in Kiew gebaut werden sollte, zur Erinnerung an das Ereignis vom 4. April 1866, Volkstheater in St. Petersburg und anderen), fertigte Zeichnungen von Bühnenbildern und Kostümen für M. Glinkas Oper „Ruslan und Ljudmila“ an und beteiligte sich an der Organisation der Moskauer Polytechnischen Ausstellung von 1872. Nach seinen Entwürfen wurden ein Haus für die Druckerei von Mamontov und Co., ein Landhaus für Mamontov und mehrere Privathäuser gebaut.

Mussorgsky, der den Künstler gut kannte, war schockiert über seinen Tod. Er schrieb an V. Stasov (2. August 1873): „Wir Narren werden in solchen Fällen normalerweise von den Weisen getröstet: „Er“ existiert nicht, aber was er geschafft hat, existiert und wird existieren; und sie sagen, wie viele Menschen haben ein so glückliches Schicksal, das sie nicht vergessen werden. Wieder ein Spielball (mit Meerrettich als Tränen) aus menschlichem Stolz. Zum Teufel mit deiner Weisheit! Wenn „er“ nicht umsonst lebte, aber erstellt Was für ein Schurke muss man also sein, um sich mit der Freude am „Trost“ mit der Tatsache abzufinden, dass „er“ aufgehört zu erstellen. Es gibt keinen Frieden und kann keinen Frieden geben, es gibt keinen Trost und es sollte keinen geben – er ist schlaff.“

Als einige Jahre später, im Jahr 1887, versucht wurde, die zweite Auflage von „Bilder einer Ausstellung“ zu veröffentlichen (die erste, herausgegeben von N. A. Rimsky-Korsakov), wurde vorgeworfen, von der Absicht des Autors abgewichen zu sein; wir werden einige davon erwähnen diese Abweichungen in unseren Kommentaren), schrieb V. Stasov im Vorwort: ... lebendige, anmutige Skizzen eines Genremalers, viele Szenen, Typen, Figuren aus dem Alltag, eingefangen in der Sphäre dessen, was um ihn herum rauschte und wirbelte - weiter auf den Straßen und in Kirchen, in Pariser Katakomben und polnischen Klöstern, in römischen Gassen und Limoges-Dörfern, Karnevalstypen à la Gavarni, Arbeiter in Blusen und Priester, die auf einem Esel mit einem Regenschirm unter dem Arm reiten, französische alte Frauen, die beten, Juden, die lächeln unter einer Jarmulke hervor, Pariser Lumpensammler, niedliche Esel, die sich an einem Baum reiben, Landschaften mit malerischen Ruinen, wundervolle Entfernungen mit einem Panorama der Stadt ...“

Mussorgsky arbeitete mit außerordentlichem Enthusiasmus an „Bilder“. In einem seiner Briefe (auch an V. Stasov) schrieb er: „Hartmann brodelt, genau wie Boris kochte – Geräusche und Gedanken hingen in der Luft, ich schlucke und esse zu viel, habe kaum Zeit, auf dem Papier zu kratzen (.. .). Ich möchte es schneller und zuverlässiger machen. Mein Gesicht ist in den Zwischenspielen sichtbar ... Was für eine gute Arbeit.“ Während Mussorgsky an diesem Zyklus arbeitete, wurde das Werk als „Hartmann“ bezeichnet; später erschien der Titel „Bilder einer Ausstellung“.

Viele Zeitgenossen hielten die Klavierversion von „Pictures“ des Autors für ein Nicht-Klavierwerk, das sich nicht für die Aufführung eignete. Darin ist etwas Wahres dran. Im „Enzyklopädischen Wörterbuch“ von Brockhaus und Efron lesen wir: „Lassen Sie uns auf einiges hinweisen Musikalische Skizzen mit dem Titel „Bilder einer Ausstellung“, 1874 für Klavier geschrieben, in der Form Musikalische Illustrationen zu den Aquarellen von V. A. Hartmann.“ Es ist kein Zufall, dass es viele Orchestrierungen dieses Werks gibt. Die Orchestrierung von M. Ravel aus dem Jahr 1922 ist die berühmteste, und in dieser Orchestrierung erlangten „Bilder einer Ausstellung“ im Westen Anerkennung. Darüber hinaus herrscht auch unter Pianisten keine einheitliche Meinung: Einige spielen das Werk in der Fassung des Autors, andere, insbesondere V. Horowitz, transkribieren es. In unserer Sammlung werden „Bilder einer Ausstellung“ in zwei Fassungen präsentiert – der Original-Klavierfassung (S. Richter) und der von M. Ravel orchestrierten, was einen Vergleich ermöglicht.

Geschichten und Musik

Bilder einer Ausstellung ist eine Suite von zehn Stücken, die jeweils von einem von Hartmanns Themen inspiriert sind. Mussorgsky „erfand“ eine absolut wunderbare Möglichkeit, seine musikalischen Bilder zu einem einzigen künstlerischen Ganzen zu verbinden: Zu diesem Zweck nutzte er Musikalisches Material Einführung, und da die Leute normalerweise in der Ausstellung herumlaufen, nannte er diese Einführung „Spaziergang“.

Wir sind also zur Ausstellung eingeladen...

Gehen

Diese Einleitung stellt nicht den wesentlichen – inhaltlichen – Teil der Ausstellung dar, sondern ist ein wesentlicher Bestandteil der gesamten musikalischen Komposition. Das musikalische Material dieser Einleitung wird erstmals vollständig präsentiert; Künftig wird das Motiv von „Walk“ in verschiedenen Versionen – mal ruhig, mal aufgeregter – als Zwischenspiele zwischen den Stücken verwendet, was wunderbar zum Ausdruck kommt psychologischer Zustand Betrachter einer Ausstellung, während er von einem Gemälde zum anderen wechselt. Gleichzeitig erreicht Mussorgsky ein Gefühl der Einheit des Gesamtwerks bei maximalem Kontrast Musical- und das spüren wir deutlich visuell auch (Gemälde von W. Hartmann) - der Inhalt der Stücke. Über seine Entdeckung, wie man Theaterstücke miteinander verbindet, sagte Mussorgsky (in dem oben zitierten Brief an V. Stasov): „Die Verbindungen sind gut (auf der „Promenade“ [so heißt es auf Französisch – gehen]) (...) Mein Gesicht ist in den Zwischenspielen sichtbar.“

Die Farbe von „The Walk“ fällt sofort ins Auge – sein deutlich erkennbarer russischer Charakter. Der Komponist gibt in seiner Bemerkung Anweisungen: nelmodorussico[ital. - im russischen Stil]. Aber diese Bemerkung allein würde nicht ausreichen, um ein solches Gefühl hervorzurufen. Mussorgsky erreicht dies auf verschiedene Weise: Erstens durch musikalische Modi: „Die Promenade“ ist zumindest zunächst im sogenannten pentatonischen Modus geschrieben, also mit nur fünf Klängen (daher der Begriff, der auf dem basiert). Wort „Penta“), dann gibt es „fünf“) – Laute, die das sogenannte bilden Halbton. Die übrigen und im Thema verwendeten werden durch voneinander getrennt ganzen Ton. Die in diesem Fall ausgeschlossenen Geräusche sind la Und Es. Darüber hinaus verwendet der Komponist beim Umreißen der Figur alle Töne der Tonleiter. Die pentatonische Tonleiter an sich verleiht der Musik eine besondere Note Volkscharakter(Auf die Gründe für dieses Gefühl kann hier nicht näher eingegangen werden, sie existieren aber und sind wohlbekannt.) Zweitens die rhythmische Struktur: zunächst der ungerade Takt (5/4) und der gerade Takt (6/4; die zweite Hälfte des Stücks steht bereits vollständig in diesem geraden Takt). Diese scheinbare Unbestimmtheit der rhythmischen Struktur bzw. der Mangel an Rechtwinkligkeit ist auch eines der Merkmale der Struktur der russischen Volksmusik.

Mussorgsky hat diesem Werk recht detaillierte Hinweise zur Art der Aufführung – Tempi, Stimmungen usw. – gegeben. Dabei bediente er sich, wie in der Musik üblich, der italienischen Sprache. Die Wegbeschreibung für den ersten „Spaziergang“ lautet wie folgt: Allegrogiusto,nelmodoRussisch,senzaAllergie,mapocosostenuto. In Publikationen, die Übersetzungen ähnlicher italienischer Bemerkungen liefern, findet man die folgende Übersetzung: „Bald, im russischen Stil, ohne Eile, etwas zurückhaltend.“ Diese Wortkombination macht wenig Sinn. Wie wird gespielt: „bald“, „ohne Eile“ oder „etwas zurückhaltend“? Tatsache ist, dass erstens in einer solchen Übersetzung ein wichtiges Wort unbeachtet blieb giusto, was wörtlich „richtig“, „verhältnismäßig“, „genau“ in der Interpretation bedeutet, „ein dem Charakter des Stücks angemessenes Tempo“. Der Charakter dieses Stücks wird durch das erste Wort der Regieanweisung bestimmt – Allegro, und in diesem Fall ist es im Sinne von „fröhlich“ (und nicht „schnell“) zu verstehen. Dann fügt sich alles zusammen und die gesamte Bemerkung wird übersetzt: Spielen Sie „fröhlich in einem dementsprechenden Tempo, im russischen Geist, gemächlich, etwas verhalten.“ Wahrscheinlich wird jeder zustimmen, dass dies der Geisteszustand ist, der uns normalerweise befällt, wenn wir zum ersten Mal eine Ausstellung betreten. Eine andere Sache sind unsere Gefühle aufgrund neuer Eindrücke von dem, was wir gesehen haben ...

In manchen Fällen entpuppt sich das Motiv des „Spaziergangs“. Bindemittel für benachbarte Stücke (dies geschieht beim Übergang von Nr. 1 „Gnome“ zu Nr. 2 „Das alte Schloss“ oder von Nr. 2 zu Nr. 3 „Tuileries Garden“; diese Reihe lässt sich leicht fortsetzen – im Laufe der Bearbeite diese Übergänge, in direkter und im übertragenen Sinne, sind unverkennbar erkennbar), bei anderen - im Gegenteil - scharf teilen(In solchen Fällen wird „The Walk“ als mehr oder weniger eigenständiger Abschnitt bezeichnet, z. B. zwischen Nr. 6 „Zwei Juden, reich und arm“ und Nr. 7 „Limoges. Markt“). Jedes Mal, je nachdem, in welchem ​​Kontext das Motiv des „Spaziergangs“ auftaucht, findet Mussorgsky etwas Besonderes Ausdrucksmittel: Manchmal ist das Motiv nah an der Originalversion, wie wir nach Nr. 1 hören (wir sind bei unserem Gang durch die Ausstellung noch nicht weit gekommen), manchmal klingt es nicht so gemäßigt und sogar schwer (nach „Das alte Schloss“) ”; Bemerkung in den Notizen: pesante[von Mussorgsky - pesamento- eine Art Hybrid aus Französisch und Italienisch] -Ital. hart).

M. Mussorgsky strukturiert den gesamten Zyklus so, dass er jeden Anflug von Symmetrie und Vorhersehbarkeit völlig vermeidet. Dies kennzeichnet auch die Interpretation des musikalischen Materials von „The Walk“: Der Zuhörer (auch Zuschauer genannt) bleibt entweder unter dem Eindruck dessen, was er gehört (= gesehen) hat, oder er scheint im Gegenteil Gedanken und Empfindungen abzuschütteln das Bild, das er sah. Und nirgendwo wiederholt sich exakt dieselbe Stimmung. Und das alles mit Einigkeit thematisches Material„Geht“! Mussorgsky scheint in diesem Zyklus ein äußerst subtiler Psychologe zu sein.

Hartmanns Zeichnung zeigte einen Christbaumschmuck: Nussknacker in Form eines kleinen Wichtels. Für Mussorgsky erweckt dieses Stück den Eindruck von etwas Unheimlicherem als nur einem Christbaumschmuck: Die Analogie zu den Nibelungen (eine Rasse von Zwergen, die tief in Berghöhlen leben – Figuren aus R. Wagners „Der Ring des Nibelungen“) trifft nicht zu scheinen so absurd. Auf jeden Fall ist der Zwerg Mussorgskys wilder als die Zwerge von Liszt oder Grieg. In der Musik gibt es scharfe Kontraste: Fortissimo[ital. – sehr laut] wird durch Klavier [ital. - leise], lebhafte (vorgetragen von S. Richter - schnelle) Phrasen wechseln sich mit Bewegungsstopps ab, Melodien im Unisono werden mit in Akkorden dargelegten Episoden kontrastiert. Wenn Sie den Titel des Autors dieses Stücks nicht kennen, dann wirkt es in M. Ravels äußerst einfallsreicher Orchestrierung eher wie das Porträt eines Märchenriesen (und nicht eines Gnoms) und jedenfalls nicht wie eine musikalische Verkörperung davon das Bild Weihnachtsdekorationen(wie bei Hartmann).

Es ist bekannt, dass Hartmann durch Europa gereist ist, und eine seiner Zeichnungen zeigte eine alte Burg. Um das Ausmaß zu verdeutlichen, stellte der Künstler im Hintergrund einen Sänger dar – einen Troubadour mit Laute. So erklärt V. Stasov diese Zeichnung (diese Zeichnung ist nicht im Katalog der posthumen Ausstellung des Künstlers aufgeführt). Aus dem Bild geht nicht hervor, dass der Troubadour ein Lied voller Traurigkeit und Hoffnungslosigkeit singt. Aber genau diese Stimmung vermittelt Mussorgskys Musik.

Die Komposition des Stücks ist erstaunlich: Alle 107 Takte sind aufgebaut eins unverändert Bass-Sound – Gis! Diese Technik wird in der Musik Orgelpunkt genannt und wird häufig verwendet; Sie geht in der Regel dem Beginn einer Reprise voraus, also jenem Werkabschnitt, in dem nach einer gewissen Entwicklung das ursprüngliche musikalische Material wiederkehrt. Aber es ist schwer, einen anderen Klassiker zu finden musikalisches Repertoire, in dem Alle arbeiten von Anfang bis Ende wäre auf einer Orgelstation errichtet worden. Und es ist nicht einfach technisches Experiment Mussorgsky – der Komponist hat ein wahres Meisterwerk geschaffen. Diese Technik eignet sich hervorragend für ein Theaterstück mit einer bestimmten Handlung, d. h. z musikalische Verkörperung Bild eines mittelalterlichen Troubadours: Die Instrumente, auf denen sich die damaligen Musiker selbst begleiteten, hatten eine Basssaite (wenn wir reden darüber O Saiteninstrument, zum Beispiel Fidele) oder eine Pfeife (wenn es sich um ein Blasinstrument handelt – zum Beispiel einen Dudelsack), die nur einen Klang erzeugte – einen dicken, tiefen Bass. Sein Klang erzeugte lange Zeit eine Stimmung einer Art Erstarrung. Genau diese Hoffnungslosigkeit – die Hoffnungslosigkeit der Bitte des Troubadours – hat Mussorgski mit Klängen gemalt.

Die Gesetze der Psychologie erfordern Kontraste, damit der künstlerische und emotionale Eindruck lebendig wird. Und dieses Stück bringt diesen Kontrast. Der Tuileriengarten, genauer gesagt der Tuileriengarten (das ist übrigens die französische Version des Namens), ist ein Ort im Zentrum von Paris. Sie erstreckt sich etwa einen Kilometer vom Place de la Carousel bis zum Place de la Concorde. Dieser Garten (heute sollte er eher als öffentlicher Garten bezeichnet werden) ist ein beliebter Ort für Spaziergänge von Parisern mit Kindern. Hartmanns Gemälde zeigte diesen Garten mit vielen Kindern und Kindermädchen. Der von Hartmann-Mussorgsky eingefangene Tuileriengarten ist ungefähr derselbe wie der von Gogol eingefangene Newski-Prospekt: ​​„Um zwölf Uhr machen Lehrer aller Nationen mit ihren Haustieren in Batisthalsbändern Razzien auf dem Newski-Prospekt. Die English Joneses und die French Cocks gehen Arm in Arm mit den Haustieren, die ihnen als Eltern anvertraut sind, und erklären ihnen mit angemessener Ernsthaftigkeit, dass die Schilder über den Geschäften so gemacht sind, dass sie dazu dienen, herauszufinden, was sich in den Geschäften selbst befindet. Gouvernanten, blasse Fräuleins und rosafarbene Slawen gehen majestätisch hinter ihren leichten, flinken Mädchen her und befehlen ihnen, die Schultern etwas höher zu heben und gerader zu stehen; Kurz gesagt, der Newski-Prospekt ist derzeit ein pädagogischer Newski-Prospekt.“

Dieses Stück vermittelt sehr genau die Stimmung jener Tageszeit, als dieser Garten von Kindern bewohnt war, und seltsamerweise spiegelte sich die von Gogol bemerkte „Zappeligkeit“ (der Mädchen) in Mussorgskys Bemerkung wider: capriccioso (italienisch – kapriziös).

Bemerkenswert ist, dass dieses Stück dreiteilig geschrieben ist und der Mittelteil, wie es bei einer solchen Form zu erwarten ist, einen gewissen Kontrast zu den Extremteilen bildet. Das Bewusstsein dieser im Allgemeinen einfachen Tatsache ist nicht an sich wichtig, sondern für die Schlussfolgerungen, die sich daraus ergeben: Ein Vergleich der Klavierversion (aufgeführt von S. Richter) mit der Orchesterversion (Instrumentierung von M. Ravel) legt nahe, dass Richter, der Dies glättet den Kontrast, anstatt ihn zu betonen. Die Teilnehmer der Szene sind nur Kinder, vielleicht Jungen (ihr kollektives Porträt ist in den äußersten Teilen gezeichnet) und Mädchen (der Mittelteil, der in Rhythmus und Melodie anmutiger ist). Was die Orchesterversion betrifft, so entsteht im Mittelteil des Stücks das Bild einer Kinderfrau, also einer erwachsenen Person, die versucht, einen Streit zwischen Kindern sanft zu schlichten (mahnende Intonationen der Streicher).

V. Stasov, der der Öffentlichkeit „Bilder“ präsentierte und Erklärungen zu den Teilen dieser Suite gab, stellte klar, dass es sich bei dem Vieh um einen polnischen Karren auf riesigen Rädern handelt, der von Ochsen gezogen wird. Die dumpfe Monotonie der Arbeit der Ochsen wird durch ein Ostinato vermittelt, also einen sich stets wiederholenden, elementaren Rhythmus – vier gleichmäßige Schläge pro Schlag. Und so weiter während des gesamten Stücks. Die Akkorde selbst sind im tieferen Register platziert und erklingen Fortissimo(Italienisch - sehr laut). So auch in Mussorgskys Originalmanuskript; in der Ausgabe von Rimsky-Korsakov - Klavier. Vor dem Hintergrund der Akkorde erklingt eine traurige Melodie, die einen Fahrer darstellt. Die Bewegung ist ziemlich langsam und schwer. Anmerkung des Autors: sempermoderat,pesante(Italienisch – immer mäßig, hart). Der stets monotone Klang vermittelt Hoffnungslosigkeit. Und die Ochsen sind nur eine „allegorische Figur“ – wir Zuhörer spüren deutlich, wie verheerend jede langweilige, anstrengende, sinnlose (Sisyphos-)Arbeit auf die Seele wirkt.

Der Kutscher fährt mit seinen Ochsen los: Das Geräusch verstummt (bis ppp) werden Akkorde aufgeladen, die zu Intervallen (also zwei gleichzeitig erklingenden Tönen) und am Ende zu einem Ton „austrocknen“ – derselbe wie am Anfang des Stücks; Auch die Bewegung verlangsamt sich – zwei (statt vier) Schläge pro Schlag. Anmerkung des Autors hier - perdendosi(Italienisch - Einfrieren).

ACHTUNG! Drei Stücke – „Das alte Schloss“, „Tuileriengarten“, „Das Vieh“ – bilden ein kleines Triptychon innerhalb der gesamten Suite. In seinen extremen Teilen das Total Schlüssel - Salz scharfes Moll; im Mittelteil - paralleles Hauptfach(B-Dur). Darüber hinaus drücken diese Tonalitäten, da sie ihrer Natur nach verwandt sind, dank der Vorstellungskraft und dem Talent des Komponisten Polarität aus emotionale Zustände: Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit in den äußersten Teilen (im Bereich der Stille und im Bereich des lauten Klangs) und erhöhte Erregung im Mittelstück.

Wir gehen zu einem anderen Bild über... (Das Thema „Gehen“ klingt ruhig).

Der Titel ist von M. Mussorgsky mit Bleistift in das Autogramm eingraviert.

Wieder der Kontrast: Die Ochsen werden durch Küken ersetzt. Anderes alles: stattdessen moderat,pesante – vivoLeggiero(Italienisch – lebendig und leicht), anstelle massiver Akkorde Fortissimo im unteren Register - verspielte Vorschlagsnoten (kleine Noten, als würden sie mit den Hauptakkorden mitklicken) im oberen Register an Klavier(ruhig). All dies soll einen Eindruck von den kleinen, flinken Geschöpfen vermitteln, die zudem noch nicht geschlüpft sind. Wir müssen Hartmanns Einfallsreichtum würdigen, der es geschafft hat, eine Form dafür zu finden ungeschlüpft Küken; Diese Zeichnung von ihm stellt eine Skizze der Kostüme für die Figuren von G. Gerbers Ballett „Trilby“ dar, das Petipa inszeniert hat Bolschoi-Theater im Jahr 1871.)

Und wieder maximaler Kontrast zum vorherigen Stück.

Es ist bekannt, dass Hartmann dem Komponisten zu seinen Lebzeiten zwei seiner Zeichnungen schenkte, die während seines Aufenthalts in Polen entstanden waren – „Jude mit Pelzmütze“ und „Armer Jude“. Sandomierz. Stasov erinnerte sich: „Mussorgsky bewunderte die Ausdruckskraft dieser Bilder sehr.“ Streng genommen handelt es sich bei diesem Stück also nicht um ein Bild „auf einer Ausstellung“ (sondern um ein Bild aus Mussorgskys persönlicher Sammlung). Aber dieser Umstand hat natürlich keinerlei Einfluss auf unsere Wahrnehmung des musikalischen Inhalts von „Pictures“. In diesem Stück gerät Mussorgsky fast an den Rand der Karikatur. Und hier zeigte sich seine Fähigkeit, das Wesen des Charakters zu vermitteln, ungewöhnlich deutlich, fast sichtbarer als in den besten Kreationen bedeutende Künstler(Wanderer). Zeitgenossen sagen bekanntlich, er habe die Fähigkeit gehabt, alles mit Tönen darzustellen.

Mussorgsky trug zur Entwicklung eines der ältesten Themen in Kunst und Literatur sowie im Leben bei, das unterschiedliche Gestaltungen erhielt: entweder in Form einer Handlung von „glücklich und unglücklich“ oder „dick und dünn“ oder „ Prinz und Armer“ oder „die Küche der Dicken und die Küche der Mageren“.

Um den Klang des reichen Juden zu charakterisieren, verwendet Mussorgsky ein Baritonregister, und die Melodie erklingt in Oktavverdoppelung. Der nationale Geschmack wird durch eine spezielle Skala erreicht. Hinweise zu diesem Bild: Andante.GrabEnergie(Italienisch – gemächlich; wichtig, energisch). Die Rede der Figur wird durch Hinweise auf verschiedene Artikulationen vermittelt (diese Anweisungen sind für den Darsteller äußerst wichtig). Der Ton ist laut. Alles wirkt beeindruckend: Maximen reich duldet keine Einwände.

Im zweiten Teil des Stücks wird der arme Jude dargestellt. Er verhält sich buchstäblich wie Porfiry (Tschechow). dünn) mit seinem „hee-hee-s“ (wie wunderbar dieses Kriechertum durch eine sich schnell wiederholende Note mit daran „befestigten“ Vorschlagsnoten zum Ausdruck kommt), als ihm plötzlich klar wird, welche „Höhen“, wie sich herausstellt, sein ehemaliger Freund aus der Turnhalle ist erreicht. Im dritten Teil des Stücks beides Musikalische Bilder verbinden – die Monologe der Charaktere werden hier zum Dialog, oder vielleicht genauer gesagt, es sind die gleichen Monologe, die gleichzeitig ausgesprochen werden: Jeder behauptet sein eigenes. Plötzlich verstummen beide und merken plötzlich, dass ich einander nicht zuhöre (allgemeine Pause). Und so, letzter Satz arm: ein Motiv voller Melancholie und Hoffnungslosigkeit (Anmerkung: condolore[ital. – mit Sehnsucht; leider]) – und die Antwort reich: laut ( Fortissimo), entschieden und kategorisch.

Das Stück hinterlässt einen ergreifenden, vielleicht sogar deprimierenden Eindruck, wie immer, wenn man mit eklatanter sozialer Ungerechtigkeit konfrontiert wird.

Wir haben die Mitte des Zyklus erreicht – nicht so sehr rechnerisch (hinsichtlich der Anzahl der bereits aufgeführten und noch verbleibenden Nummern), sondern hinsichtlich des künstlerischen Eindrucks, den dieses Werk insgesamt vermittelt. Und Mussorgsky, der dies deutlich erkennt, gönnt dem Hörer eine längere Pause: Hier erklingt der „Walk“ fast genau in der Fassung, in der er zu Beginn des Werkes erklang (der letzte Ton wird um einen „Extra“-Takt verlängert: a eine Art theatralische Geste - erhoben Zeigefinger: „Es wird noch etwas passieren!“).

Das Autogramm enthält eine Bemerkung (auf Französisch, später von Mussorgsky durchgestrichen): „Große Neuigkeit: Herr Pimpan aus Ponta Pontaleon hat gerade seine Kuh gefunden: Runaway. „Ja, meine Dame, es war gestern. - Nein, meine Dame, es war gestern. Nun ja, meine Dame, nebenan lief eine Kuh umher. - Nein, meine Dame, die Kuh ist überhaupt nicht gewandert. Usw."

Die Handlung des Stücks ist komisch einfach. Ein Blick auf die Notenblätter lässt unwillkürlich vermuten, dass Hartmann-Mussorgsky die „Franzosen“ in diesem Zyklus – den Tuileriengarten und den Markt in Limoges – in derselben emotionalen Tonart sah. Lesungen der Interpreten beleuchten diese Stücke auf unterschiedliche Weise. Dieses Stück, das „Basarfrauen“ und ihren Streit darstellt, klingt energischer als der Streit eines Kindes. Gleichzeitig ist zu beachten, dass die Interpreten, um die Wirkung zu verstärken und die Kontraste zu schärfen, in gewissem Sinne Ignorieren Sie die Anweisungen des Komponisten: Sowohl bei S. Richter als auch bei der Aufführung des Staatsorchesters unter der Leitung von E. Svetlanov ist das Tempo im Wesentlichen sehr schnell Presto. Es erzeugt irgendwo ein Gefühl schneller Bewegung. Mussorgsky wird verschrieben Allegretto. Er malt mit Geräuschen lebhafte Szene passiert weiter eins Ort, umgeben von Menschenmassen der „Brownschen Bewegung“, wie man sie auf jedem überfüllten und geschäftigen Markt beobachten kann. Wir hören einen Strom von schnellem Sprechen und einen starken Anstieg der Klangfülle ( crescendi), scharfe Akzente ( sforzandi). Am Ende der Aufführung dieses Stücks beschleunigt sich die Bewegung noch mehr und auf dem Höhepunkt dieses Wirbelsturms „fallen“ wir in...

...Wie kann man sich nicht an die Zeilen von A. Maykov erinnern!

Ex tenebris lux

Vor dieser Nummer im Autograph steht eine Bemerkung Mussorgskis in russischer Sprache: „NB: Lateinischer Text: mit den Toten in einer toten Sprache.“ Es wäre schön, einen lateinischen Text zu haben: Der kreative Geist des verstorbenen Hartmann führt mich zu den Schädeln, ruft zu ihnen, die Schädel prahlen leise.“

Hartmanns Zeichnung ist eine der wenigen erhaltenen, nach denen Mussorgski seine „Bilder“ schrieb. Es zeigt den Künstler selbst mit seinem Begleiter und einer weiteren Begleitperson, die ihnen mit einer Laterne den Weg erhellt. Rundherum stehen Regale mit Totenköpfen.

V. Stasov beschrieb dieses Stück in einem Brief an N. Rimsky-Korsakov: „Im selben zweiten Teil [„Bilder einer Ausstellung“. – BIN.] gibt es mehrere Zeilen, die ungewöhnlich poetisch sind. Das ist die Musik zu Hartmanns Bild „Die Katakomben von Paris“, allesamt bestehend aus Totenköpfen. Im Musoryanin (wie Stasov Mussorgsky liebevoll nannte. - BIN.) Zuerst wird ein düsterer Kerker dargestellt (mit langgezogenen Akkorden, oft Orchester, mit großen Fermaten). Dann wird das Thema der ersten Promenade im Tremolando in Moll gespielt – die Lichter in den Schädeln leuchten auf, und dann ertönt plötzlich Hartmanns magisch-poetischer Ruf an Mussorgski.“

Hartmanns Zeichnung zeigte eine Uhr in Form von Baba Yagas Hütte auf Hühnerbeinen, Mussorgsky fügte Baba Yagas Schleppe in einem Mörser hinzu.

Betrachten wir „Bilder einer Ausstellung“ nicht nur als getrennte Arbeit, aber im Kontext von Mussorgskys Gesamtwerk lässt sich feststellen, dass in seiner Musik destruktive und schöpferische Kräfte untrennbar miteinander verbunden sind, obwohl in jedem Moment eine von ihnen überwiegt. In diesem Stück finden wir also eine Kombination aus unheilvollen, mystischen schwarzen Farben einerseits und hellen andererseits. Und die Intonationen sind hier zweierlei Art: einerseits boshaft ausgelassen, beängstigend, durchdringend scharf, andererseits heiter, heiter einladend. Eine Gruppe von Intonationen scheint deprimierend zu sein, die zweite hingegen inspiriert und aktiviert. Das Bild von Baba Yaga, laut Volksglauben, steht im Mittelpunkt von allem Grausamen, zerstört gute Motive, stört die Umsetzung guter, guter Taten. Allerdings zeigt der Komponist Baba Yaga von dieser Seite (Bemerkung zu Beginn des Stücks: wild[ital. - heftig]), brachte die Geschichte auf eine andere Ebene und kontrastierte die Idee der Zerstörung mit der Idee des Wachstums und Sieges guter Prinzipien. Gegen Ende des Stücks wird die Musik immer impulsiver, das freudige Klingeln nimmt zu und am Ende entsteht aus den Tiefen der dunklen Register des Klaviers eine gewaltige Klangwelle, die schließlich alle düsteren Impulse selbstlos auflöst Vorbereitung des Kommens des siegreichsten und jubelndsten Bildes des Zyklus – der Hymne des „Bogatyr-Tors“.

Dieses Stück enthüllt eine Reihe von Bildern und Werken, die alle Arten von Teufelei darstellen, böse Geister und Obsession – „Nacht auf dem kahlen Berg“ von M. Mussorgsky selbst, „Baba Yaga“ und „Kikimora“ von A. Lyadov, Leshy in „Das Schneewittchen“ von N. Rimsky-Korsakov, „Obsession“ von S. Prokofjew. ..

Anlass für die Entstehung dieses Stücks war Hartmanns Skizze für die Stadttore in Kiew, die zum Gedenken an die Tatsache errichtet werden sollten, dass Kaiser Alexander II. bei dem Attentat auf ihn am 4. April 1866 dem Tod entgehen konnte.

Die Tradition solcher festlicher Schlussszenen in russischen Opern fand in der Musik von M. Mussorgsky ihren lebendigen Ausdruck. Das Stück wird genau als eine Art Opernfinale wahrgenommen. Sie können sogar auf einen bestimmten Prototyp verweisen – den Refrain „Glory“, der „Ein Leben für den Zaren“ („Ivan Susanin“) von M. Glinka beendet. Das letzte Stück von Mussorgskys Zyklus ist der intonatorische, dynamische und strukturelle Höhepunkt des gesamten Werks. Der Komponist selbst umriss das Wesen der Musik mit den Worten: Maestoso.Congrandezza(Italienisch – feierlich, majestätisch). Das Thema des Stücks ist nichts anderes als eine jubelnde Version der Melodie von „The Walk“. Das ganze Werk endet mit einem festlichen und fröhlichen Klang, mit kraftvollem Glockengeläut. Mussorgsky legte den Grundstein für die Tradition ähnlicher Glockenläutungen, die nicht mit Glockenmitteln nachgebildet wurden – das Erste Klavierkonzert in b-Moll von P. Tschaikowsky, das Zweite Klavierkonzert, c-Moll von S. Rachmaninow, sein erstes Präludium in c-Moll für Klavier...

„Bilder einer Ausstellung“ von M. Mussorgsky ist ein völlig innovatives Werk. Alles daran ist neu – die musikalische Sprache, die Form, die Techniken der Tonaufnahme. Als Ganzes wunderbar Klavier Repertoire (obwohl es von Pianisten lange Zeit als „nicht-pianistisch“ galt – wiederum aufgrund der Neuheit vieler Techniken, zum Beispiel des Tremolo in der 2. Hälfte des Stücks „Mit den Toten in einer toten Sprache“) In Orchesterarrangements erscheint es in seiner ganzen Pracht. Es gibt davon eine ganze Reihe, abgesehen von der von M. Ravel, und unter ihnen ist S. P. Gorchakova (1954) die am häufigsten aufgeführte. Es wurden Transkriptionen von „Pictures“ angefertigt verschiedene Instrumente und für verschiedene Besetzungen von Interpreten. Eine der brillantesten ist die Orgeltranskription des herausragenden französischen Organisten Jean Guillou. Einzelne Stücke dieser Suite sind vielen auch außerhalb des Kontextes dieser Schöpfung von M. Mussorgsky bekannt. So dient das Thema aus „Bogatyr Gate“ als Rufzeichen des Radiosenders „Voice of Russia“.

© Alexander MAYKAPAR

Umschlag der Erstausgabe von „Bilder einer Ausstellung“ von M. P. Mussorgsky (herausgegeben von N. A. Rimsky-Korsakov) 1886

Der Zyklus „Bilder einer Ausstellung“, bestehend aus 10 musikalischen Skizzen und dem Zwischenspiel „Spaziergang“, wurde vom russischen Komponisten Modest Petrowitsch Mussorgski vom 2. bis 22. Juni 1874 geschaffen, die Idee zu seiner Entstehung entstand jedoch schon früher – Im Frühjahr desselben Jahres besuchte der Komponist eine Werkausstellung. der Kreativität gewidmet talentierter Architekt und Designer Viktor Aleksandrovich Hartman. Es wurden mehr als 400 Werke präsentiert, darunter sowohl berühmte Schöpfungen des Autors als auch kleine Skizzen, von denen einige den Komponisten zu dem Zyklus inspirierten.

Wenn man über die Geschichte des Schreibens von „Bilder einer Ausstellung“ spricht, kann man nicht umhin zu erwähnen, dass zu Lebzeiten von V.A. Hartmann war mit M.P. befreundet. Mussorgsky und der Tod eines Kameraden und Schöpfers, der den Ideen nahe stand“ Mächtiger Haufen", wurde zu einem schweren Schlag für den Komponisten.

Beschreibung der Werke

„Bilder einer Ausstellung“ beginnt mit einem Zwischenspiel „ Gehen„Nach der Idee des Autors stellt dieses Stück einen Komponisten dar, der durch eine Gemäldeausstellung geht; es wird im Laufe des Zyklus mehrmals wiederholt.

Skizze " Zwerg„wird in der Tonart Es-Moll vorgetragen und zeichnet sich durch Dynamik, unterbrochene Linien und abwechselnde Momente von Spannung und Ruhe aus. Hartmanns Skizze, die als Grundlage für diese Melodie diente, ist nicht erhalten, es ist jedoch bekannt, dass sie einen Weihnachtsbaum-Nussknacker darstellte.

Die langsame, poetische, tiefe Melodie des Stücks“ Altes Schloss„in der Tonart gis-Moll, die an Live-Gesang zur Begleitung erinnert altes Instrument lädt uns zu einem Spaziergang durch das italienische Schloss ein, das im Aquarell des Künstlers dargestellt ist. Dieses Gemälde von Hartmann war nicht im Ausstellungskatalog aufgeführt.

„Das alte Schloss“ wird durch eine leichte, sonnige, bewegende, helle Melodie ersetzt „ Tuileriengarten„in der Tonart B-Dur. In der Mitte wird sie ruhiger, als ob Kindermädchen unter den spielenden Kindern auftauchen würden. Die Komposition endet mit einer Mischung aus zwei Themen. Nach den Erinnerungen der Mitarbeiter des Künstlers zeigte die Zeichnung den Tugliiri-Palast voller wandelnder Kinder.

« Vieh„ ist eine dunkle, schwere Melodie, die die langsame Fortbewegung eines Ochsenkarrens zum Ausdruck bringt; slawische Volksweisen sind in ihre musikalische Gliederung eingewoben. Die Skizze zeichnet hell musikalische Mittel freudloses Leben einfache Leute, vorgetragen in der Tonart gis-Moll.

Im Mittelpunkt des Stücks“ Ballett der ungeschlüpften Küken» Es gibt Skizzen zu den Kostümen, die Hartmann für die Inszenierung am Bolschoi-Theater entwickelt hat. Das Stück ist in der Tonart F-Dur geschrieben, es ist eine leichte, äußerst dynamische Melodie, die einen lustigen, chaotischen Tanz darstellt, der gegen Ende des Stücks immer geordneter wird.

Musikalische Skizze“ Zwei Juden, reich und arm„ basiert auf Zeichnungen, die Hartmann dem Komponisten überlassen hatte. Die Komposition ist in der Tonart b-Moll gehalten und ähnelt einem lebhaften Gespräch zwischen zwei Charakteren, von denen der eine mit Hilfe von schwerfälligen, selbstbewussten Klängen, ergänzt durch eine Zigeunerskala, und der andere mit subtilen, klagenden Melodien dargestellt wird.

Das nächste laute und dynamische, pingelige und leichte Stück“ Limoges. Markt„In der Tonart Es-Dur vorgetragen, vermittelt es anschaulich die Atmosphäre eines Marktes voller Klatsch und Trubel, dessen Leben, nachdem es für eine Sekunde eingefroren war, wieder von neuem beginnt.“ Über die Zeichnung, die den Komponisten inspirierte, ist fast nichts bekannt.

« Katakomben. Mit den Toten in einer toten Sprache„ ist ein langsames, düsteres Werk, dessen Kälte und Mysterium nach der Leichtigkeit der vorherigen Komposition noch deutlicher wahrgenommen werden. Leblose, mal scharfe, mal leise Monotone hängen in der Stille des Kerkers. Dieses Stück ist dem Gemälde „Pariser Katakomben“ gewidmet.

Zusammensetzung " Baba Jaga„ist ein dynamisches, ausdrucksstarkes Stück, das seinem Namen alle Ehre macht. Manchmal ist es erfüllt von der Hektik voller Akkorde, manchmal wird es ängstlich und instabil, das Stück zeichnet sich durch Dissonanzen und ungleichmäßige Akzente aus. Es basiert auf einer Skizze, die eine Uhr in Form des Hauses einer mythischen Figur zeigt.

Der Zyklus endet mit einem kraftvollen, langsamen Rhythmus mit langen Spieldauern. Bogatyrsky-Tor. In der Hauptstadt Kiew" Dabei handelt es sich um laute, auf Russisch basierende Zeremonienmusik Volksmotive, weicht einer ruhigen Melodie. Es endet mit einem gekonnt nachgebildeten Klavier Glocken läuten und Coda. Das Stück ist einer von Hartmann entwickelten Skizze eines architektonischen Tores in Kiew gewidmet.

Bescheidener Petrowitsch Mussorgski geboren am 9. März 1839. Seine Mutter war die erste, die ihm Musik beibrachte. Bereits im Alter von sieben Jahren spielte Modest Petrovich recht gut Klavier. Im Alter von zehn Jahren folgende Familientradition, schickte der Vater den Jungen nach St. Petersburg zur School of Guards Ensigns.

Parallel zu seinem Schulstudium ging der Musikunterricht weiter; M. Mussorgsky komponierte gut und viel. Der Komponist wurde in dieser Zeit von A. Gerke unterrichtet.

Nach der Schule wurde er als einer der besten Schüler zum Dienst im Preobraschenski-Regiment geschickt. Doch der Gottesdienst erschien Modest Petrowitsch leer und langweilig; er sah seine Berufung wirklich in der Musik, nämlich in der russischen Musik. Dank seines Interesses lernte er A.S. Dargomyzhsky kennen, in dessen Haus sich interessante Musiker versammelten. Hier fand er seinen zukünftigen Mentor Balakiev.

Fasziniert von seiner Kreativität gibt Mussorgski seinen Dienst im Regiment auf und geht in den Ruhestand. Freunde und Bekannte rieten Modest Petrowitsch von einer solchen Entscheidung ab, denn der Beruf eines Wachoffiziers verspricht Einfaches und erfolgreiches Leben. Doch schließlich entschied er, was er beschlossen hatte, und begründete dies mit der Notwendigkeit, seinem Volk zu dienen. Er wurde ein Wanderer (die sogenannte „Kommune“, die von jungen Malern gegründet wurde), einer von denen, die das Leben der meisten jungen Menschen mit Verachtung betrachteten, voller Leere, Sybaritis und Nichtstun.

Vom 15. August 1868 bis 15. August 1869 arbeitete der Komponist intensiv daran Opernlibretto genannt „Boris Godunow“. Er wollte Puschkins Text nicht nur „musikalisieren“, sondern eine eigene Interpretation schaffen, die dem Umfang des Werkes entsprach.

Doch die Oper „Boris Godunow“ in ihrer Originalfassung wurde von der Direktion der kaiserlichen Theater nicht angenommen und Mussorgski abgelehnt. Bald nach der Bearbeitung und nur dank der Intervention befreundeter Künstler wurde das Libretto 1974 aufgeführt Mariinski-Theater unter der Leitung von E.F.Napravnik. Die Premiere war erfolgreich, wurde aber vom Königshaus nicht angenommen. Deshalb wurde sie bald von der Bühne entfernt.
Im Allgemeinen wurden viele Werke von Modest Petrovich von der Öffentlichkeit, die er komponierte, nicht akzeptiert, weil sie zu dieser Zeit nicht akzeptiert wurden und daher nicht populär werden konnten.

Modest Petrowitsch Mussorgski – „Bilder einer Ausstellung“

Die Suite „“ wurde 1874 von Mussorgski als Hommage an seine Freundschaft mit dem Künstler und Architekten Victor Hartmann (der starb, bevor er vierzig Jahre alt war) geschrieben. Es war die posthume Ausstellung der Gemälde seines Freundes, die Mussorgski auf die Idee brachte, die Komposition zu schaffen.

Der Zyklus beginnt mit dem Stück „Walk“, das also den eigenen Spaziergang des Komponisten durch die Galerie von Bild zu Bild verkörpert dieses Thema zwischen Beschreibungen von Gemälden wiederholt. Das Werk besteht aus zehn Teilen, die jeweils das Bild eines Gemäldes vermitteln.

Das erste Bild – „Gnome“ – erscheint dem Hörer als ein lustiges Wesen, das mit menschlichen Gefühlen ausgestattet ist.

Die zweite Skizze soll die Atmosphäre einer mittelalterlichen Burg vermitteln und das Einzige, was sie belebt, ist das Bild eines in der Nähe singenden Troubadours.

Skizze drei – „Thuile-Garten. Kinderstreit nach dem Spielen. Beschreibt Kinder vor der Kulisse eines Pariser Stadtparks.

„Rinder“ – in Mussorgskys Musik spürt man nicht nur die Schwere des riesigen zweirädrigen, von Ochsen gezogenen Karrens, der im Bild dargestellt ist, sondern auch die Schwere des Zwangslebens der Bauern, seine Monotonie.

„Ballett der ungeschlüpften Küken“ ist ein halbkomisches Scherzo, dessen Prototyp Hartmanns Leinwand für das Ballett „Triliby“ ist (das Ballett basierte auf dem Motiv eines Märchens von Charles Nodier). Die Leinwand zeigt Kostüme in Form von Eierschalen.

„Zwei Juden, reich und arm“ lautet der Titel des sechsten Teils der Reihe „Bilder einer Ausstellung“. Der Künstler präsentierte zwei Porträtskizzen aus der Natur. Mit der Technik des Kontrasts stellte Mussorgsky zwei völlig gegensätzliche Charaktere in der Musik dar.

„Limoges. Markt“ – Skizze Nummer sieben – zeigt das tägliche Treiben in einer der Provinzstädte Frankreichs, insbesondere die lokalen Klatschgeschichten.

Werk Nummer acht – „Katakomben. Römisches Grab“ vermittelt eher die philosophischen Überlegungen des Komponisten, verstärkt durch das Gefühl, einen Freund zu verlieren, als den Versuch, die mystische Atmosphäre zu vermitteln, die ein Mensch empfindet, wenn er ein antikes römisches Grab mit einer Laterne untersucht Hände. IN dieses Werk man kann den Versuch erkennen, mit einer bereits verstorbenen Person über Musik zu kommunizieren; im Klang ist Trauer zu spüren.

„Die Hütte auf Hühnerbeinen“ – dieses Werk verkörpert den Flug von Baba Yaga auf einem Besen, die bedrohlich mit ihrem Stock klopft.

Die endgültige Komposition ist „Das Bogatyr-Tor. In der Hauptstadt Kiew.“ Dieses Stück vermittelt mit dem Klang läutender Glocken und einem erhabenen Choral die epische Kraft der antiken Stadt und ihre Erhabenheit. Das Stück leitet würdig zum Finale der Suite „“ über.

Liste der Werke

Opern:
„Ehe“ (1868).
„Boris Godunow“ (1874).
„Khovanshchina“ (vollendet von Rimsky-Korsakov 1886).
„Mittsommernacht auf dem Kahlen Berg“ Musikalisches Bild (1867).
Stücke und Suite für Klavier „Bilder einer Ausstellung“ (1874).

„Vögel in der Musik“ – A.A. Alyabyev – „Zwei Krähen“. Michail Iwanoich Glinka. M.I. Glinka – „Lerche“. Eltern. Alexander Alexandrowitsch Aljabyew. Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky. Russisch Volkslied- „Enten fliegen.“ Marsch. Jahreszeiten. Symbol des Friedens. Russisches Volkslied – „Schwarzer Rabe“. Kinder- und Teenagerjahre Komponist. Vorbereitung der ersten Stücke zur Veröffentlichung.

„Musik nach Puschkins Märchen“ – Oper. Bilder Puschkins Märchen. Illustrationen für ein Märchen. M.I. Glinka. Rohr. Flöte. Ruslan. Vor dem Schloss wächst eine Fichte. Violine. Werkzeuge. Gutes Lied. Sterne. Gute Märchen. Prinzessin. Celesta. Posaune. Meer. Märchen. Monat.

„Musik und Literatur“ – – Enthüllen Sie die Ursprünge der Beziehung zwischen den Künsten; Kunst entsteht aus dem Leben. 5. In welchem Musikgenres Sind Musik und Literatur „Freunde“? Oper ist... , ..., Musik, Tanz, Theater. Unterrichtsziele: -lernen Sie, die Schönheit jeder Art von Kunst zu erkennen; III Runde. Freunde oder Rivalen? Prüfen. Literatur und Musik veranschaulichen einander nicht.

„Musik“ 5. Klasse – Zwischen Hell und Dunkel. Welche Konzepte aus der Gegend Schöne Künste auf Musik umgestiegen? Dur-Moll. Konzert Nr. 1 für Klavier und Orchester. M.P. MUSORGSKY. LEBEN UND TOD. Pablo Picasso. Musikunterricht in der 5. Klasse. K. Monet. E. Drobitsky. Boris Michailowitsch Kustodiew. Erleichterung und Hintergrund. Heuhaufen in Giverny.

„Mittel des musikalischen Ausdrucks“ – 4. Diskontinuierlich, kohärent, deutlich. 1. Eine der Bundarten. Mittel des musikalischen Ausdrucks. 7. Das könnte das Tempo sein. 6. Eine der Formen der Arbeit. 3.Wie nennt man die Lautstärke? Worüber reden wir?

„Musikalische Literatur“ – Beispielpräsentation von Musik und literarische Werke im Unterricht verwendet. E. Hoffman Märchen „Der Nussknacker und Mäusekönig" M.I. Glinka-Oper „Ruslan und Ljudmila“. PI. Tschaikowsky-Oper „Eugen Onegin“. PI. Tschaikowsky-Ballett „Der Nussknacker“. ALS. Dargomyzhsky-Oper „Rusalka“. ALS. Puschkin „Ruslan und Ljudmila“.

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