teatro balé degilev

O balé clássico russo transformou a arte do balé mundial. Ele foi famoso por muitas décadas e ainda é famoso hoje. Mas no início do século 20, a estrela da nova coreografia russa surgiu, estabelecendo suas tradições - e essas tradições não apenas vivem até hoje, mas se tornaram o prenúncio de uma nova arte mundial. O balé russo do início do século 20 é uma palavra completamente inesperada na arte do balé, e a cultura do balé parece estar esperando por isso há muito tempo.

Até agora, o balé mundial foi nutrido pelas descobertas e inovações da trupe russa, que se apresentou na Europa nas décadas de 1910 e 1920, e desenvolve e transforma as tradições por ela estabelecidas. Por um estranho destino, o novo balé russo nasceu e ganhou fama mundial fora da Rússia, mas foi criado por artistas russos, coreógrafos, artistas, compositores russos. Não foi por acaso que a trupe foi chamada de Balé Russo de Sergei Diaghilev. As temporadas de balé de Diaghilev não apenas apresentaram ao mundo um novo balé russo, mas também revelaram mais plenamente os talentos de muitos artistas russos, aqui eles ganharam fama mundial.

Tudo começou em 1907, quando Sergei Pavlovich Diaghilev abriu uma empresa russa em Paris chamada "Estações Russas". A Europa já conhecia o nome de Diaghilev. Um empresário extraordinariamente enérgico, também conhecido na Rússia como um sério conhecedor da cultura mundial, autor de obras sobre a história da pintura russa, um dos organizadores da associação de arte "World of Art", editor das revistas "World of Art" e "Anuário dos Teatros Imperiais", organizador de exposições de arte, figura de teatro , uma pessoa próxima aos círculos de balé e ao círculo de artistas, compositores, Diaghilev naquela época conseguiu organizar na Europa mais de uma exposição de obras de artistas russos, representantes dessa nova arte russa, que mais tarde seria chamada de arte da Idade de Prata, a arte da era Art Nouveau.

Diaghilev começou suas “Estações Russas” em Paris com “Concertos Históricos”, nos quais S. V. Rakhmanov, N. A. Rimsky-Korsakov, A. K. Glazunov, F. I. Chaliapin, o coro do Teatro Bolshoi participaram. No ano seguinte, Diaghilev trouxe a ópera russa para Paris, apresentando ao público europeu as obras-primas das produções de obras de M. P. Mussorsky, A. P. Borodin, N. A. Rimsky-Korsakov (Fyodor Chaliapin cantou as partes principais). Na temporada de 1909, o balé apareceu na empresa de Diaghilev. Performances de balé foram intercaladas com performances de ópera. Ele trouxe para a Europa a cor da cultura teatral russa - os dançarinos V.F. Nizhinsky, A.P. Pavlova, T.P. Karsavina, o coreógrafo M.M. Fokin, convida os artistas A.N. Benois, L.S. Bakst, N.K. Roerich, A. Ya. Golovin.

O sucesso das produções de balé foi tão retumbante que no ano seguinte Diaghilev abandonou a ópera e trouxe apenas balé para Paris. Pode-se dizer que desde 1910 ele se tornou exclusivamente um "empresário de balé". Diaghilev dedica o resto de sua vida ao balé.

Sergei Pavlovich Diaghilev há muito tem uma paixão pelo teatro de balé. Em 1899-1901. dirigiu a produção de Silvia de L. Delibes no Teatro Mariinsky. Diaghilev tentou atualizar a cenografia do balé, mas encontrou resistência da direção do teatro e foi demitido "por minar as tradições acadêmicas". Como podemos ver, a sede de Diaghilev por novos caminhos no balé surgiu muito antes de suas "temporadas" parisienses.

Em 1910, Diaghilev trouxe para Paris os balés de Fokine encenados por este coreógrafo no palco do Teatro Mariinsky - Scheherazade de N. A. Rimsky-Korsakov, Cleopard de A. S. Arensky, Pavilion of Armida de N. N. Cherepnin, "Giselle" A. Adam. Danças polovtsianas da ópera "Príncipe Igor" de A. P. Borodin também foram apresentadas. A preparação da temporada começou em São Petersburgo. Aqui, o talento excepcional de Diaghilev, o empresário, apareceu em plena medida. Em primeiro lugar, as produções de São Petersburgo foram editadas no sentido de complicar a coreografia. Com a ajuda de M. F. Kshesinskaya, membro da trupe próxima à corte, Diaghilev conseguiu um subsídio sólido para esta temporada (o imperador Nicolau 2 estava entre os “patrocinadores”). Diaghilev conseguiu encontrar patronos entre os franceses também.

Ele reuniu uma trupe empreendedora de jovens, principalmente de apoiadores da coreografia de Fokine - estes eram Pavlova, Karsavina, Bolm, Nijinsky. De Moscou, ele convidou Coralli, Geltser, Mordkin. Os franceses ficaram chocados com o balé russo - tanto pela originalidade da coreografia quanto pelo brilho da performance, pela pintura do cenário e pelos figurinos espetaculares. Cada apresentação era um espetáculo de incrível beleza e perfeição. Nijinsky, Pavlova, Karsavina tornaram-se uma descoberta para a Europa.

As temporadas de Diaghilev foram chamadas de "estações russas no exterior" e foram realizadas anualmente até 1913. A temporada de 1910 foi a primeira temporada e, em 1911, Diaghilev decidiu criar uma trupe de balé separada, chamada Diaghilev Russian Ballet. Fokin tornou-se o principal coreógrafo nele. Aqui foram encenadas as lendárias performances "Vision of the Rose" para a música de K. M. Weber, "Narcissus" de N. N. Cherepnin, "Daphnis and Chloe" de M. Ravel, "Tamara" para a música de M. A. Balakirev.

O principal evento das primeiras temporadas foi o balé "Petrushka" encenado em 1911 por Fokine com a música de I. F. Stravinsky (o artista era A. N. Benois), onde Nijinsky desempenhou o papel principal. Esta festa tornou-se um dos ápices da obra do artista.

Desde 1912, a trupe Diaghilev começou a percorrer o mundo - Londres, Roma, Berlim, as cidades da América. Essas turnês contribuíram não apenas para fortalecer a glória do novo balé russo, mas também para o renascimento do balé em vários países europeus e, posteriormente, para o surgimento de teatros de balé em países que ainda não tinham seu próprio balé, por exemplo , nos mesmos Estados Unidos, em alguns países da América Latina.

A trupe de Diaghilev estava destinada a abrir uma das páginas mais marcantes da história do balé e, graças ao seu trabalho nela, Diaghilev foi justamente chamado mais tarde de “o criador de uma nova cultura artística” (as palavras pertencem ao dançarino e coreógrafo Sergei Lifar). A trupe existiu até 1929, ou seja, até a morte de seu criador. A fama sempre a acompanhou, as produções da trupe de Diaghilev foram marcantes em seu alto nível artístico, talentos notáveis ​​brilharam nelas, que Diaghilev soube encontrar e nutrir.

A atividade da trupe é dividida em dois períodos - de 1911 a 1917. e de 1917 a 1929. O primeiro período está associado às atividades de Fokine, os dançarinos Nizhinsky, Karsavina, Pavlova, bem como ao trabalho dos artistas do "Mundo da Arte" - Benois, Dobuzhinsky, Bekst, Sudeikin, Golovin, com compositores clássicos russos NA Rimsky-Korsakov, A. K Lyadov, M. A. Balakirev, P. I. Tchaikovsky para as pessoas com compositores russos modernos N. N. Cherepnin, I. F. Stravinsky, K. Debusset.

O segundo período está associado aos nomes dos coreógrafos LF Myasin, J. Balanchine, dançarinos Sergei Lifar, Alicia Markova, Anton Dolin, artistas europeus P. Picasso, A. Beauchamp, M. Utrillo, A. Matisse e artistas russos de vanguarda - M F. Larionov, N. S. Goncharova, G. B. Yakulov, compositores russos e estrangeiros contemporâneos - Stravinsky, Prokofiev, F. Poulenc, E. Satie.

Em 1917, Diaghilev convidou o famoso Ernesto Cecchetti, um admirador e conhecedor do balé clássico russo, como professor-repetiteur: Diaghilev nunca declarou uma ruptura com as grandes tradições do balé russo, mesmo em suas produções mais “modernistas”, ele permaneceu dentro de seu quadro

Raramente uma trupe empresarial foi mantida no auge do sucesso por três ou três temporadas seguidas. A trupe Diaghilev manteve o nível de fama mundial por 20 anos. O diretor dos Ballets Russes de Diaghilev, S. L. Grigoriev, escreveu: “É difícil conquistar Paris. Manter a influência por 20 temporadas é uma façanha." Ao longo dos anos de existência da trupe, mais de 20 balés foram encenados nela.

É impossível não levar em conta que depois de 1917 o teatro de balé europeu entrou em crise. A escola clássica se mastigou, novas idéias e nomes apareceram poucos. Foi nesse momento de crise que a brilhante equipe de Diaghilev deu ao mundo amostras de alta arte, dotou o balé mundial de novas idéias e propôs novos caminhos para seu desenvolvimento.

Asya Oll papel "Scheherazade", aguarela, carvão; papel "Petrushka", aquarela, carvão; "Vaclav e Romola Nijinsky. Adeus a S.P. Diaghilev na estação" óleo sobre tela, papel, aquarela, carvão

No início do século XIX, Paris foi cativada pelas criações de destacados artistas russos. Fashionistas e mulheres da moda encomendaram roupas com elementos de trajes tradicionais russos de costureiras. Paris está sobrecarregada com a moda para o russo. E tudo isso foi feito por um excelente organizador - Sergei Pavlovich Diaghilev.

Diaghilev: do estudo à realização de ideias

S.P. Diaghilev nasceu em 1872 na província de Novgorod. Seu pai era militar e, portanto, a família se mudou várias vezes. Sergei Pavlovich se formou na Universidade de São Petersburgo, tornando-se advogado. Mas ao contrário das expectativas, ele não escolheu um emprego na área do direito. Estudando em paralelo com N. A. Rimsky-Korsakov no Conservatório de Música de São Petersburgo, Diaghilev se interessou pelo mundo da arte e se tornou um dos maiores organizadores de exposições e concertos.

Juntamente com o artista russo Alexander Benois, Diaghilev fundou a associação World of Art. O evento foi marcado pelo aparecimento da revista de mesmo nome.

Kustodiev B. M. Retrato de grupo de artistas da sociedade "World of Art" 1920
Esboço. Lona, óleo.
Museu Estatal Russo
Representados (da esquerda para a direita): I.E. Grabar, N.K. Roerich, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin, A.N. Benois, G.I. Narbut, N.D. Milioti, K.A.Somov, MVDobuzhinsky, KSPetrov-Vodkin, APOstroumova-Lebedeva , BMKustodiev.

Capa da revista "World of Art", publicada no Império Russo de 1898 a 1904

E em 1897, Diaghilev organizou sua primeira exposição, apresentando o trabalho de aquarelas inglesas e alemãs. Um pouco mais tarde, ele realizou exposições de pinturas de artistas escandinavos e apresentou o trabalho de artistas russos e finlandeses no Museu Stieglitz.

Temporadas russas que conquistaram Paris

Em 1906, Diaghilev trouxe obras de artistas russos Benois, Grabar, Repin, Kuznetsov, Yavlensky, Malyavin, Serov e alguns outros para o Salão de Outono de Paris. O evento teve algum sucesso. E já no próximo ano S.P. Diaghilev trouxe músicos russos para a capital francesa. NO. Rimsky-Korsakov, V.S. Rachmaninov, A. K. Glazunov, F.I. Chaliapin e outros arrancaram uma onda de aplausos, cativando o público parisiense com seus talentos e habilidades.

Em 1908, Paris ficou chocada com o espetáculo da ópera Boris Godunov, de Modest Mussorgsky, apresentada por Diaghilev. O plano de conquistar Paris com esta obra-prima era extremamente complexo e exigia esforços titânicos. Assim, a versão musical da ópera sofreu uma mudança: a cena da procissão dos boiardos e do clero foi alongada, que se tornou o pano de fundo do monólogo triste do czar Boris. Mas acima de tudo, os parisienses ficaram impressionados com o desempenho espetacular. Trajes luxuosos, de 300 atores no palco ao mesmo tempo. E pela primeira vez, um maestro de coro foi colocado no palco, desempenhando pequenos papéis, mas ao mesmo tempo dirigindo claramente o coro. Assim, uma incrível coerência de vozes foi alcançada.

Ballet Russo Diaghilev

O balé canônico francês trazido para a Rússia teve que adquirir características russas para conquistar Paris em 1909. E depois do encantador "Boris Godunov", os franceses esperavam algo não menos brilhante das "estações russas". Primeiro, com o apoio da corte imperial e depois dos patronos, Sergei Pavlovich criou uma obra-prima, combinando design artístico e execução em um todo harmonioso. Pela primeira vez, coreógrafos, artistas e compositores participaram da discussão e desenvolvimento de balés ao mesmo tempo.

O público cumprimentou com entusiasmo o balé russo, que se tornou incrivelmente espetacular graças aos figurinos e cenários brilhantes. Os artistas dos papéis principais nos balés Nijinsky, Pavlova e Karsavin tornaram-se ídolos para muitos. Até 1929, ou seja, até a morte da grande figura teatral, artística e empreendedora, as Estações Russas, agora predominantemente balé, continuaram em Paris.

Temporadas Russas de Sergei Diaghilev

Há 110 anos, "Russian Seasons" de Sergei Diaghilev, o primeiro produtor do nosso país, um nobre, músico, advogado, editor, colecionador e ditador, abriu em Paris. "O príncipe russo, a quem a vida lhe convinha apenas se milagres acontecessem nela", escreveu o compositor Claude Debussy sobre ele. Estamos falando de um homem que apresentou ao mundo o balé russo.

TASS/Reuters

"Droga, eu não sou exatamente uma pessoa comum"

Como estudante, ele de alguma forma veio visitar Leo Tolstoy sem convite e, depois disso, até se correspondeu com ele. "Devemos ir em frente. Devemos atacar e não ter medo disso, devemos agir imediatamente, mostrar-nos inteiramente, com todas as qualidades e deficiências de nossa nacionalidade", escreveu Sergei Diaghilev. Ele era, sem dúvida, um homem muito russo - com todas as virtudes e vícios inerentes ao povo russo. Ele tinha o rosto de um cavalheiro e certamente poderia interpretar um dos comerciantes de Alexander Ostrovsky, especialmente porque era artístico desde a infância. Mas aconteceu que o melhor de tudo ele sabia não como criar a si mesmo, mas ajudar os outros a criar.

Sua primeira infância foi passada em São Petersburgo. Então, devido a dificuldades financeiras, a família mudou-se para Perm, onde na década de 1880 a casa de Diaghilev se tornou um verdadeiro centro cultural. Sergey começou a tocar música cedo. Aos 15 anos escreveu um romance pela primeira vez, e aos 18 deu um concerto solo para piano - ainda em Perm. Em 1890 ingressou na Faculdade de Direito e foi estudar em São Petersburgo. Não é que ele quisesse ser advogado, é que a escolha dos jovens naquela época era pequena: eles faziam carreira no exército ou no serviço público - e para este último, a formação jurídica era a mais adequada . Ele estava realmente interessado em arte. Antes de iniciar seus estudos, viajou para a Europa, onde visitou pela primeira vez a ópera e ficou fascinado por igrejas e museus católicos.

1890 foi o início de uma nova vida para Diaghilev. Ele conheceu e começou a se comunicar com Alexandre Benois e Walter Nouvel - futuros companheiros do movimento "Mundo da Arte", mas por enquanto - apenas amigos. Naquela época, Diaghilev escreveu muita música e tinha certeza de que se tornaria um compositor.

Tudo mudou após a reunião com Nikolai Rimsky-Korsakov. Diaghilev tocou várias de suas peças para o compositor, esperando que o mestre concordasse em se tornar seu professor. A resposta destruiu todos os planos do jovem: Rimsky-Korsakov chamou suas obras de "absurdas". E embora Diaghilev, ofendido, tenha prometido que ouviria falar dele novamente, esse foi o fim de seu relacionamento sério com a música.

Cenário de Leon Bakst para o balé "Scheherazade" ao som de Rimsky-Korsakov, 1910

"O grande charlatão"

Tendo rompido com a música, Diaghilev voltou-se para a pintura, não como artista, mas como conhecedor e crítico. No outono de 1895, escreveu à madrasta: “Sou, em primeiro lugar, um grande charlatão, embora com brilho, e em segundo lugar, um grande encantador (encantador, feiticeiro. - Aprox. TASS), em terceiro lugar - um grande insolente, em quarto lugar, uma pessoa com muita lógica e um pequeno número de princípios e, em quinto lugar, parece mediocridade; no entanto, se você quiser, parece que encontrei meu verdadeiro significado - patrocínio. "Ele, no entanto, ainda não tinha dinheiro suficiente para patrocínio. Enquanto Diaghilev escreve artigos críticos sobre arte e organiza uma exposição. E em 1898, quando Diaghilev foi 26, saiu o primeiro número da revista World of Art, que o futuro empresário vai editar ele mesmo por vários anos.

Um ano depois, a carreira de Sergei Pavlovich decola rapidamente: o diretor dos Teatros Imperiais, o príncipe Sergei Volkonsky, o nomeia funcionário para missões especiais e editor do Anuário dos Teatros Imperiais. Então Diaghilev se volta para o balé. Sergei Pavlovich tinha apenas 27 anos, mas uma mecha grisalha já era perceptível em seu cabelo preto, pelo qual foi apelidado de chinchila (na maneira francesa que pronunciavam "chenshel"). Matilda Kshesinskaya, a estrela mais brilhante do então balé russo, vendo Diaghilev na caixa, cantarolou baixinho: "Agora eu descobri // Que há um chenshel na caixa. // E estou com muito medo, // Que eu vou falhar na dança." Eles o temiam, mas também o amavam. Em 1900, ele foi contratado pela primeira vez para encenar um balé. Parece que um futuro brilhante o aguardava, mas, como escreveu Volkonsky, Diaghilev "tinha o talento de colocar todos contra ele". Os funcionários não trabalharam bem com o "shenshel", e logo ele deixou a diretoria de teatros.

Tendo se familiarizado com o balé tão de perto, Diaghilev o tratou com desdém.

Curiosamente, foi com esse tipo de arte que ele conectou sua vida.

Dançarino Nikolai Kremnev, artista Alexandre Benois, dançarinos Sergei Grigoriev e Tamara Karsavina, Sergei Diaghilev, dançarinos Vaslav Nijinsky e Serge Lifar no palco da Grand Opera em Paris

balé russo

Diaghilev decidiu familiarizar o mundo com a arte da Rússia. "Se a Europa precisa de arte russa, então precisa de sua juventude e espontaneidade", escreveu. Em 1907, Sergei Pavlovich organiza apresentações de músicos russos no exterior - a propósito, Rimsky-Korsakov estava entre os compositores que ele trouxe para se apresentar. Em 1908 fez uma aposta na ópera russa. Então essas performances começaram a ser chamadas de "estações". Um ano depois, Diaghilev levou o balé a Paris pela primeira vez. E foi o acerto perfeito: o sucesso foi tremendo.

Como resultado, Sergei Pavlovich abandonou as "estações", criando o "Balé Russo de Diaghilev". A trupe foi baseada em Mônaco, realizada principalmente na Europa (e apenas uma vez nos EUA). Diaghilev nunca retornou à Rússia - primeiro por causa da Primeira Guerra Mundial e depois por causa da revolução. Mas ele criou uma moda para tudo russo na Europa.

Na foto à esquerda: uma cena do balé "Millions of Arlekino". Na foto à direita: uma cena do balé "Blue Express". Os dançarinos à esquerda estão vestindo figurinos desenhados por Coco Chanel.

Figurinos de Lev Bakst para "Carnaval" (1910) e "Vision of the Rose" (1911) e Mikhail Larionov para o balé "Jester" (1921)

Figurino para Leo Bakst para A Bela Adormecida, 1921

Estrelas trabalharam com Diaghilev - não apenas dançarinos, mas também artistas e músicos. Coco Chanel criou figurinos para a empresa Blue Express - e assim "casou" moda e balé. Graças ao balé Diaghilev, o mundo começou a se curvar diante das bailarinas russas. A primeira delas foi a grande Anna Pavlova. Muitos imitaram sua maneira de se vestir, sabonete, tecido, sobremesa receberam o nome dela ... E embora ela tenha se apresentado na trupe Diaghilev apenas no início (mais tarde o relacionamento com o empresário deu errado), ainda é impossível não admitir que Diaghilev também teve uma mão.

Esquerda: Anna Pavlova e Vaslav Nijinsky em cena do balé O Pavilhão de Armida. Na foto à direita - Serge Lifar e Alexandra Danilova em cena de "O Triunfo de Netuno"

"Homem Espontâneo"

Sergey Pavlovich não apenas convidou estrelas já reconhecidas a cooperar - ele conseguiu criar novas. Por exemplo, Serge Lifar veio para Monte Carlo muito jovem. Ele tinha medo de Diaghilev, duvidou de suas habilidades e pensou em partir para um mosteiro. Sergei Pavlovich acreditou nele e, com o tempo, Lifar se tornou o principal artista da trupe e depois o coreógrafo. Não é segredo que eles tinham um relacionamento próximo - Diaghilev nunca escondeu que prefere homens. Mas, como lembra Lifar, o empresário não misturou pessoal e trabalho. Apenas uma vez, irritado com Serge, ele quase arruinou a apresentação, ordenando ao maestro que mudasse algo no ritmo e não avisando Lifar sobre isso. Como resultado, o dançarino foi forçado a refazer sua parte em movimento e, por sua própria admissão, quase matou seu parceiro e estava ansioso para bater no maestro. “No final da apresentação”, Serge escreveu mais tarde, “Sergei Pavlovich me enviou flores com um cartão preso com uma palavra: “paz”.

Lifar permaneceu com Diaghilev até sua morte. Sergei Pavlovich morreu aos 57 anos em Veneza. A causa foi furunculose. A doença, que agora não parece nada grave, naqueles dias, devido à falta de antibióticos, pode ser fatal. E assim aconteceu: os abscessos levaram ao envenenamento do sangue. Um homem cujo trabalho era conhecido por todo o mundo foi enterrado modestamente e apenas por seus amigos mais próximos.

"Diaghilev fez três coisas: ele abriu a Rússia para os russos, abriu a Rússia para o mundo; além disso, ele mostrou o mundo, o novo mundo - para si mesmo", escreveu seu contemporâneo Francis Steigmüller sobre ele. Sergei Pavlovich realmente mostrou ao mundo a Rússia - do jeito que ele mesmo conhecia.

Na preparação do material, os livros de Natalia Chernyshova-Melnik "Dyagilev", Serge Lifar "Com Diaghilev", Sheng Scheyen "Sergey Diaghilev. "Estações russas" para sempre", Alexander Vasilyev "História da moda. Edição 2. Trajes de "Estações russas" de Sergey Diaghilev", bem como outras fontes abertas

Trabalhou no material

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Fotografias usadas no material: Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images, TASS, ullstein bild/ullstein bild via Getty Image, EPA/VICTORIA AND ALBERT MUSEUM, Universal History Archive/Getty Images, Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images , wikimedia.org.

A primeira temporada dos Ballets Russes em 1909 em Paris abriu logo após o final da temporada no Mariinsky. As apresentações foram um sucesso sem precedentes. Todos ficaram chocados com as "Danças Polovtsianas" com o arqueiro-chefe - Fokin, "Cleópatra" com a monstruosamente sedutora Ida Rubinstein, "La Sylphides" ("Chopiniana") com a arejada Anna Pavlova e o "Pavilhão de Armida", que abriu Nijinsky para o mundo.
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Mikhail Fokin "Danças Polovtsianas"

A reforma do balé de Fokine consistiu no fato de que ele reviveu a dança masculina. Antes dele, danças eram encenadas exclusivamente para bailarinas, e os parceiros eram necessários apenas para apoiá-las no momento certo, para ajudá-las a mostrar seu talento, beleza, graça. Os dançarinos começaram a ser chamados de "muletas".

Fokin não ia tolerar isso. Em primeiro lugar, ele próprio queria dançar, e o papel de "muleta" não combinava com ele de forma alguma. Em segundo lugar, ele sentiu o que o balé havia perdido ao praticamente retirar a bailarina do palco. O balé tornou-se enjoativo e frutado, absolutamente assexuado. Era possível mostrar os personagens apenas contrastando a dança feminina com uma dança masculina igual.

Nesse sentido, Nijinsky foi o material ideal para Fokine. De seu corpo, soberbamente perfurado na Escola de Teatro, era possível moldar qualquer forma. Ele poderia dançar tudo o que o coreógrafo pretendia. E ao mesmo tempo espiritualize cada movimento seu com seu próprio talento.

Pavilhão de Armida

Alexandre Benois (1870-1960). Le Pavillon d'Armide, Desenho de cena para Atos I e III, 1909. Aquarela, tinta e lápis. Coleção Howard D Rothschild

Mikhail Fokin encenou as danças de Nijinsky no Pavilhão de Armida de forma a demonstrar sua técnica em todo o seu esplendor e ao mesmo tempo satisfazer o mundo artístico exigente em seu fascínio pela sofisticação do século XVIII. Como Vatslav disse mais tarde, no momento em que ele começou a executar a primeira variação, um leve farfalhar percorreu as fileiras da platéia, o que quase o aterrorizou. Mas depois de cada salto, quando o salão literalmente explodiu com uma enxurrada de aplausos, ele percebeu que havia capturado completamente a platéia. Quando Nijinsky terminou a dança e correu para os bastidores, gritos de “Encore!” foram ouvidos de todos os lados, mas as regras do balé da época proibiam estritamente os artistas de reaparecer na frente do público, a menos que o papel exigisse.

Anna Pavlova e Vatslov Nijinsky "Pavilhão de Artemis"

O objetivo do divertissement "Feast", que conclui o programa, era mostrar toda a trupe envolvida em danças nacionais à música de compositores russos. A marcha de O Galo Dourado de Rimsky-Korsakov, as lezginkas e mazurcas de Glinka, o Hopak de Mussorgsky e o chardash de Glazunov foram usados ​​aqui, e tudo terminou com um final tempestuoso da Segunda Sinfonia de Tchaikovsky. Nijinsky dançou padekatre com Bolm, Mordkin e Kozlov. Este foi um verdadeiro triunfo para os artistas russos.

Na temporada seguinte de 1910, a trupe Diaghilev apresentou novas performances: Cleópatra, La Sylphides (Chopiniana) e Scheherazade.

Cleópatra
Embora o "Pavilhão de Armida" mostrasse claros sinais de novas tendências e domínio genuíno de Fokine, não continha as inovações sensacionais de "Cleópatra". Inicialmente, As Noites de Cleópatra foi preparado para o Palco Mariinsky baseado no famoso conto de Theophile Gautier, no qual a rainha egípcia procura um amante que esteja pronto para passar a noite com ela e morrer ao amanhecer. Agora, para sua nova performance, Fokine releu Cleópatra, vasculhando os guarda-roupas do Teatro Mariinsky em busca de figurinos. As lanças usadas anteriormente em A Filha do Faraó, de Petipa, o capacete e o escudo de Aida, alguns vestidos de Evnika, levemente coloridos e alterados, pareciam deliciosos. Ele fez uma nova edição da música de Arensky, introduziu fragmentos das obras de Lyadov, Glazunov, Rimsky-Korsakov e Tcherepnin, e criou uma verdadeira tragédia na dança do balé. Em vez de sorrisos congelados, os rostos dos dançarinos expressavam desejos humanos genuínos e tristeza real.

Bakst fez esboços de novos figurinos e cenografia. O cenário recriou a atmosfera do Egito Antigo e, com seu fantástico, agiu sobre o público como uma droga leve. A música ajudou a criar ainda mais esse clima, e quando os bailarinos apareceram, o público já estava totalmente preparado para a impressão que os artistas e diretores contavam. Entre as enormes estátuas vermelhas dos deuses, que ficavam nas laterais do salão principal, estava o pátio do templo. O Nilo brilhava ao fundo.

Lev Bakst. Cenário para o balé "Cleópatra"

Vatslav, um jovem soldado, e Karsavina, um escravo, segurando um véu, entraram no templo pas de deux. Não era um adágio de balé comum, era o próprio amor. A rainha foi trazida ao palco em um palanquim, em forma de sarcófago, salpicado de misteriosas inscrições douradas. Quando ele foi baixado ao chão, os escravos removeram o véu de Cleópatra. O homem-pantera negro rastejou para debaixo do sofá, com a intenção de matar o jovem guerreiro que saiu ao encontro da rainha da sombra do templo. Ele era muito atraente em sua indefesa. O papel de Cleópatra era bastante mímico, não dançando, e a jovem e corajosa Ida Rubinstein era a mais indicada para esse papel.

Ida Rubinstein, Salomé, Dança dos Sete Véus

A pequena escrava, que foi interpretada alternadamente por Karsavina e Vera Fokina, trouxe a ação para o momento em que Nijinsky apareceu - a personificação da impetuosidade e da rapidez. Seguiu-se uma procissão de negros, balançando mulheres judias obesas com ornamentos pendurados no pescoço e, finalmente, uma frenética "Bacchanalia" de mulheres gregas cativas (co-listas de Karsavin e Pavlov) explodiu. Era apenas uma dança em uma apresentação de balé, mas Pavlova mais tarde usou seus elementos em suas produções por muitos anos.

Livre, controle perfeito do corpo, carne sedutoramente translúcida pelas fendas do balão-var, peito balançando em redes douradas, cabelos pretos soltos, correndo de um lado para o outro no ritmo dos movimentos; os saltos enormes e inacreditáveis ​​dos etíopes, a tensa ação dramática e a aceleração frenética do ritmo até o clímax - tudo isso foi uma conquista que constitui um capítulo à parte na história da dança moderna.

Nos balés de Fokine, ainda não havia desenvolvimento de imagens e personagens. Eram instantâneos de situações fictícias. Mas as paixões e expressões transmitidas na dança são quantas você quiser. Na verdade, tudo foi construído sobre isso. Mais paixão, mais dança, mais movimento, mais virtuosismo.

Sheherazade

Scheherazade foi a obra-prima indiscutível de Bakst. Talvez em nenhum lugar ele tenha se expressado tão plenamente quanto nesta performance, superando tudo o que havia feito antes com um luxo incompreensível de cores. As paredes azul-esmeralda da tenda, na qual o palco foi transformado pela vontade do artista, contrastavam fortemente com o piso coberto por um tapete escarlate penetrante. Essa combinação de cores empolgou, empolgou o público, criou uma sensação de voluptuosidade. A cortina gigante brilhava com todos os tons de verde, intercalados com padrões azuis e rosa. Nunca antes a cor foi usada com tanta ousadia e franqueza no balé. Contra um fundo azul, três portas maciças eram visíveis - feitas de bronze, ouro e prata. Enormes lâmpadas bizarras pendiam dos painéis do teto, pilhas de almofadas de sofá estavam espalhadas por todo o palco e os figurinos correspondiam totalmente à arte sutil e brilhante do Oriente, que Bakst conhecia e amava tão bem. O balé, inspirado nos contos de fadas árabes "As Mil e Uma Noites", foi encenado ao som da mais famosa suíte sinfônica de Rimsky-Korsakov, que foi a mais adequada para a produção. Nesta obra do compositor, que foi oficial da marinha, muito se inspira nas lembranças do mar, mas apenas a primeira parte soou no balé - o ritmo da segunda parte era muito lento para dançar, o que arrastaria desnecessariamente fora a ação.

Ida Rubinstein "Scheherazade"

Ida Rubinstein no papel de Scheherazade - alta, com movimentos cheios de graça e beleza plástica, foi encantadora. Seus gestos combinavam dignidade e sensualidade e expressavam o desejo de amor. A Escrava Dourada dançada por Nijinsky pretendia transmitir a paixão física e animal. Quando todos os habitantes do harém e seus escravos caem exaustos depois de um jogo de amor, Zobeida, a esposa do Xá, encosta-se à porta dourada, alta como um obelisco, e aguarda silenciosamente o prazer. Uma pausa - e de repente uma bela fera dourada sobe a uma altura de tirar o fôlego e toma posse da rainha com um movimento. Seu salto é o de um tigre liberado de sua jaula e atacando sua presa. Ele se entrelaça com ela em um ato de amor frenético e furioso.

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Ida Rubinstein e Vaslav Nijinsky "Scheherazade"

Nijinsky era inexprimível e voluptuosamente selvagem - ou um gato bajulador ou uma fera insaciável deitada aos pés de sua amada e acariciando seu corpo. Ele balançou de um lado para o outro, tremendo como se estivesse com febre, olhando para a mulher pálida e deliciosa que ele desejava apaixonadamente com cada músculo contraído, cada nervo de seu corpo tenso.

Vera e Mikhail Fokina "Scheherazade"

Parecia que esse Escravo Dourado, subindo como uma chama quente, arrasta consigo o resto dos escravos, indivisível o rei e dominando a orgia, a autoexpressão da sensualidade e insaciabilidade de que era. Ele é o primeiro a ver o retorno do Xá. Um momento de medo paralisante, depois outro salto insondável e desaparecimento. Mas no momento de uma perseguição furiosa, ele reaparece no palco. Em um voo rápido, as faíscas douradas de seu terno brilharam, o golpe da espada do guarda - e a cabeça do escravo mal tocou o chão, e todo o corpo elástico parecia disparar no ar, parecendo um peixe surrado, lavado em terra. , cintilante com escamas iridescentes. Os músculos são reduzidos por uma cãibra mortal, mais um minuto - e o Escravo Dourado cai morto de cara.

Neste papel, o corpo de Nijinsky foi pintado em uma cor púrpura encantadoramente saturada com um brilho prateado, surpreendentemente contrastando com as calças douradas.

Carnaval

O segundo balé da temporada de 1910 foi o Carnaval ao som de R. Schumann.
"Carnaval" era uma espécie de quadro, no qual o público passa em uma sucessão heterogênea de cenas, danças, máscaras, retratos musicais: Piero triste, de coração partido, sempre à procura de sua amada; um jovem e alegre Papilone flertando despreocupadamente com um palhaço triste; Florestan e Ezebius: o primeiro é um romântico sonhador, o outro é um jovem temperamental, impetuoso, frenético, que lembra o próprio Schumann; o velho Pantalone perseguindo Columbine; o infeliz Harlequin e muitos outros jovens e homens - rindo, dançando, constantemente provocando um ao outro, apaixonados e amados. No Carnaval, assim como em Les Sylphides, o movimento, talvez pela primeira vez, ganhou um lugar dominante. Este balé é uma pérola entre os balés de Fokine, é harmonioso do começo ao fim, e a Valsa Nobre, executada por oito casais, ainda é uma obra-prima da valsa.

Bakst escolheu muito bem a cortina como pano de fundo. Agora, essa é a forma mais comum de cenário, mas esse elemento de design foi percebido como uma inovação. Em pesado veludo azul royal, o artista pintou guirlandas verdes de folhas e buquês de flores rosa brilhante, contrastando lindamente com a profundidade escura e misteriosa do tecido sedoso do fundo. De cada lado do palco, no fundo, havia sofás Biedermeier pitorescos estofados com um delicioso tecido listrado de vermelho e verde.

O palco estava cheio de homens elegantes em smokings coloridos, cartolas altas, sapos de renda e luvas brancas; garotas encantadoras de chapeuzinhos agarravam-se às saias bufantes azul-aço. Todos carregavam máscaras de veludo preto que usavam durante a dança. Pierrot apareceu em um manto branco folgado com mangas trágicas, intermináveis, desamparadas e uma enorme gola de tule preto, seguido por Colombina em uma saia fofa de tafetá claro com guirlandas de cerejas pintadas pelo próprio Bakst. A cabeça de Karsavina, que desempenhou esse papel, foi decorada com a mesma coroa. Chiarina - Fokina, de fantasia com borlas, junto com outras duas moças, dançou o pas de trois inteiramente em sapatilhas de ponta, e esta foi uma das criações mais perfeitas e tentadoras de Fokine.

Tamara Karsavina Kolombina

Mas o incomparável Arlequim acabou sendo o melhor de todos - travesso, astuto, cheio de graça felina, um filho mimado do destino - em uma blusa branca de crepe da China, uma gravata borboleta bem amarrada e uma meia-calça colorida pintada de vermelho, octógonos brancos e verdes. O artista mostrou uma habilidade notável na criação do traje - era impossível permitir que o ornamento fosse distorcido quando o dançarino se movia, mas Bakst se mostrou tão habilidoso que na perna de Nijinsky - Arlequim, todos os músculos eram visíveis através da meia-calça, como se o padrão fosse transparente.

Tamara Karsavina e Vaslav Nijinsky "Carnaval"

E o trabalho começou. O compositor e o coreógrafo trabalharam juntos, analisando frase por frase, complementando-se e enriquecendo-se mutuamente. Quando Stravinsky trouxe uma cantilena para Ivan Tsarevich entrar no jardim de fadas, onde as meninas brincam com maçãs douradas, Fokine a rejeitou com veemência: “Você faz parecer um tenor. Quebre a frase, deixe-o em sua primeira aparição apenas enfiar a cabeça nos galhos das árvores. Introduza o farfalhar mágico do jardim na música. E quando o príncipe aparecer novamente, a melodia deve soar com força total.

Fokine fez uma coreografia fantástica. Os movimentos eram tão variados tão leves e misteriosos quanto o próprio conto de fadas, principalmente nas danças solo e nas que imitavam o voo do Pássaro de Fogo.
O cenário maravilhoso de Alexander Golovin - um jardim mágico com um palácio ao fundo no meio das árvores - parecia tão bonito quanto um sonho. Estilizados, mas tão convincentes em sua irrealidade enfatizada, eles levavam o espectador para outro mundo de conto de fadas.

Os trajes foram feitos no espírito de motivos folclóricos tradicionais: caftans enfeitados com pele, vestidos de verão e kokoshniks decorados com ouro e pedras preciosas, botas altas bordadas.

Ao confiar a Stravinsky a música de The Firebird, Diaghilev mais uma vez provou seu dom incomparável da "varinha mágica" - a capacidade de descobrir talentos onde quer que estivesse enterrado. Como no caso de Vaslav, ele também deu a Stravinsky a oportunidade de se revelar plenamente, percebendo que havia encontrado o gênio da música moderna. Só por isso, Diaghilev merece a eterna gratidão da posteridade.

Mikhail Fokin e Tamara Karsavina "O Pássaro de Fogo"

A temporada de 1911 pode ser considerada a mais bem-sucedida e frutífera. Fokin aproximou-se do auge de suas atividades como coreógrafo. Além de "O Fantasma da Rosa", o programa incluiu "Sadko" de Rimsky-Korsakov, "Narcissus" de Nikolai Tcherepnin, "Peri" de Paul Duke e "Petrushka" de Igor Stravinsky. Balés, como sempre, "de uma vida diferente": antiguidade, Oriente, exotismo russo.

Visão de uma rosa
Uma pequena miniatura coreográfica intitulada "Visão da Rosa" para a música de Weber, inspirada na poesia de Théophile Gauthier, tornou-se uma pérola entre as composições de Fokine. Concebida como um divertimento para preencher o programa e composta às pressas, era tão primorosa que se tornou uma produção clássica do coreógrafo. Uma jovem, voltando do primeiro baile, encosta-se à janela e recorda sonhadoramente as impressões da noite em sua memória. Ela pensa no Príncipe Encantado e beija lentamente a rosa presa ao corpete que ele lhe deu. Embriagada pelo ar da primavera e pelo perfume de uma flor, ela se senta em uma cadeira e adormece. De repente, a alma da rosa, fruto materializado de sua fantasia, aparece na janela enluarada, de um salto, terminando atrás da menina adormecida, como um espírito trazido por um vento suave e gentil. O que é: o cheiro de uma rosa ou um eco da promessa de amor? Diante de nós está uma criatura esbelta, assexuada, efêmera, flexível. Não uma flor e não uma pessoa, mas talvez ambos. É impossível dizer quem é - um menino ou uma menina, ou se é um sonho ou um sonho. Gracioso e belo, como um caule de rosa, com pétalas escarlates quentes e aveludadas, puro e sensual ao mesmo tempo, com ternura sem limites, ele olha para a menina adormecida, então começa a girar facilmente. Isso não é uma dança, não é um sonho, isso é realmente uma incrível e infinitamente bela "visão" de uma rosa.
Realidade e sonho estão inextricavelmente entrelaçados aqui.

Tamara Karsavina Vatslav Nijinsky "Visão da Rosa"

Com um salto, o bailarino atravessa o palco, carregando consigo a reificação dos sonhos - o cheiro do jardim numa noite de junho, a misteriosa luz da lua. Ele flutua no ar, fascina o público, de repente para perto da garota, a desperta, e ela encontra seus desejos, seus sonhos, o próprio amor. Ele a carrega pelas correntes de ar, acariciando, seduzindo, amando, oferecendo-se com um gesto casto e revivendo os momentos felizes das experiências mais íntimas de um coração jovem no primeiro baile. E quando a menina desliza suavemente em uma cadeira, ela cai com humildade a seus pés. Então, com um salto incrivelmente leve, ele sobe no ar e novamente dança ao redor da amada, mostrando a beleza em sua manifestação mais alta. Com um beijo suave, ele dá à garota uma parte de felicidade inatingível e desaparece para sempre.

Bakst, como sempre, criou cenários incríveis. O quarto da menina era alto, claro, azul-claro. Sob uma grande cortina de musselina há uma cama em uma alcova, perto da parede há um sofá coberto de cretone, uma mesa branca, sobre ela há uma tigela branca com rosas. Em ambos os lados e na parte de trás do palco há enormes janelas abertas com vista para o jardim noturno. Bakst fez o esboço inicial do traje diretamente em Nijinsky, pintando a camisa de Vaclav. O artista pintou amostras de seda em rosa, vermelho escuro, lavanda e inúmeros tons de escarlate e deu a Maria Stepanovna pedaços de tecido para tingir. Depois cortei pétalas de rosas de várias formas. Alguns foram costurados firmemente, outros frouxamente, e Bakst instruiu pessoalmente o figurinista como costurá-los para que o traje fosse criado de novo a cada vez. Vaclav foi “costurado” neste terno, feito de malha elástica de seda fina; ele cobria todo o corpo, exceto parte do peito e dos braços, onde seus bíceps estavam presos em braceletes de pétalas de rosas de seda. A camisa era bordada com pétalas de rosa, que Bakst tingia cada vez que necessário. Algumas pétalas caíram, murchando, outras pareciam um botão, e outras ainda se abriram em toda a sua glória. Após cada apresentação, Maria Stepanovna os "revive" com uma especial. - ferro. A cabeça de Vaclav estava coberta por um capacete feito de pétalas de rosa, e suas tonalidades - vermelho, rosa-púrpura, rosa e escarlate - cintilantes criavam um espectro de cores indescritível.A maquiagem de Nijinsky foi concebida de forma a personificar uma rosa. Venceslau parecia algum tipo de inseto celestial - suas sobrancelhas pareciam um belo besouro, que acabou sendo o mais próximo do coração de uma rosa, e seus lábios eram vermelhos como pétalas de flores.

Vaslav Nijinsky "Visão da Rosa"

Salsinha
De alguma forma, tudo se encaixou em "Petrushka": tanto o tempo quanto as pessoas. Século XX com seu tema principal de liberdade e falta de liberdade. "Feminilidade eterna" (Bailarina Karsavina), masculinidade maçante (Arap Orlova), desejo de poder (Chechetti, o Mago) e "homenzinho" (Petrushka Nijinsky) fizeram sua escolha. O dançarino justo, de acordo com Stravinsky, "de repente rompeu a corrente", permitiu que ele olhasse para sua alma. A alma de um boneco que se tornou um homem, no qual há tanta dor, raiva e desespero.

A coreografia de Petrushka é extremamente complexa. A cena da rua com a saída do cocheiro e babás, ciganos e mendigos, soldados e camponeses é um entrelaçamento de fragmentos de ação contínua, contra a qual se desenrolam as pantomimas do Mar de Aral e do Mágico, da Bailarina e Petrushka. as possibilidades ilimitadas da imagem de uma boneca revivida. Quando o Mago tocou os três bonecos pendurados e eles ganharam vida, Petrushka fez um movimento convulsivo, como se estivesse eletrizado. Este pas de trois, executado em ritmo frenético, é a quintessência da técnica coreográfica e, embora o rosto de Petrushka não expressasse nada, suas pernas incompreensíveis foram executadas com um virtuosismo inimaginável e cintilante. o mestre mágico, da infidelidade A bailarina que ela ama, da crueldade de seu rival - Arap.

Sozinho em seu quarto. Petrushka cai de joelhos, correndo febrilmente, tentando atravessar as paredes. Uma série de piruetas e gestos de mão expressivos e mesquinhos - esses são todos os movimentos. Mas Nijinsky conseguiu transmitir de forma tão convincente as tristezas do infeliz prisioneiro, seu extremo desespero, seu ciúme, seu desejo de liberdade e indignação com seu carcereiro, que Sarah Bernard, que estava presente na apresentação, disse: Estou com medo: Eu vejo o maior ator do mundo!

A partir da temporada de 1912, as relações entre Fokine e Diaghilev tornaram-se cada vez mais tensas. Fokine deixou de ser o único coreógrafo da trupe de Diaghilev e estava muito preocupado com o fato de Diaghilev atrair o brilhante dançarino Vaslav Nijinsky para o trabalho do coreógrafo. Após a implementação de várias produções (The Blue God de Gan, Tamara de Balakirev, Daphnis e Chloe de Ravel), Fokine deixou a trupe de Diaghilev e continuou a trabalhar no Teatro Mariinsky como dançarina e coreógrafa. No entanto, o palco oficial não pôde dar a Fokine a liberdade de criatividade a que estava acostumado com Diaghilev.

Em 1914, Fokine voltou a cooperar com Diaghilev, encenando três balés para sua trupe - The Legend of Joseph de Strauss, Midas de Steinberg e a versão de ópera e balé de Rimsky-Korsakov de The Golden Cockerel. O sucesso de todas essas produções foi muito moderado. Assim terminou o período de maior sucesso de sua obra, que lhe trouxe fama europeia e vasta experiência.

Até 1918, Fokin continuou a trabalhar no Teatro Mariinsky, realizando muitas produções, incluindo The Dream de M. Glinka, Stenka Razin de A. Glazunov, Francesca da Rimini de P. Tchaikovsky, danças em muitas óperas. Os mais bem sucedidos foram os balés "Eros" de Tchaikovsky e "Jota de Aragão" de Glinka.

A revolução interrompeu o trabalho do coreógrafo não apenas no Teatro Mariinsky, mas também na Rússia. Ele optou por deixar sua terra natal, inicialmente planejando retornar. No entanto, esses planos não estavam destinados a se tornar realidade.

Por vários anos, Fokin trabalhou em Nova York e Chicago. A saudade de casa dá origem a muitas produções de música russa em seu trabalho, incluindo Thunderbird de Borodin e feriados russos de Rimsky-Korsakov. Até 1933, ele continuou a se apresentar como performer. Em 1921, com a ajuda de sua esposa, Fokine abriu um estúdio de balé, onde trabalhou até sua morte.

As últimas grandes obras de Mikhail Fokine foram os balés Paganini com música de Rachmaninov (1939) e O Soldado Russo de Prokofiev (1942). O desejo de encenar o balé "Soldado Russo" foi causado pela ansiedade pelo destino da distante Pátria. Fokin viveu e morreu como um homem russo. Seu filho lembrou: “Antes de sua morte, tendo recuperado a consciência e aprendido sobre os eventos perto de Stalingrado, Fokin perguntou: “Bem, como estão os nossos?” E, tendo ouvido a resposta: "Espere...", ele sussurrou: "Muito bem!" Essas foram suas últimas palavras."

"Russian Seasons" - apresentações teatrais anuais de ópera e balé russos no início do século 20 em Paris (desde 1906), Londres (desde 1912) e outras cidades da Europa e dos EUA. As "Estações" foram organizadas por Sergei Pavlovich Diaghilev (1872-1929).

S.P. Diaghilev - figura teatral russa, empresário. Em 1896 ele se formou na faculdade de direito da Universidade de São Petersburgo, ao mesmo tempo em que estudou no Conservatório de São Petersburgo na classe de Rimsky-Korsakov. Diaghilev conhecia muito bem a pintura, o teatro e a história dos estilos artísticos. Em 1898, tornou-se um dos organizadores do grupo Mundo da Arte, além de editor da revista de mesmo nome, que, como em outras áreas da cultura, lutou contra a "rotina acadêmica" por novos meios expressivos de a nova arte moderna. Em 1906-1907, Diaghilev organizou exposições de artistas russos em Berlim, Paris, Monte Carlo, Veneza, bem como apresentações de artistas russos.

Em 1906, a primeira temporada russa de Diaghilev ocorreu na Europa Ocidental, em Paris. Ele começou a trabalhar no Salon d'Automne para organizar uma exposição russa, que deveria apresentar pintura e escultura russas ao longo de dois séculos. Além disso, Diaghilev adicionou a ele uma coleção de ícones. Uma atenção especial nesta exposição foi dada a um grupo de artistas do "Mundo da Arte" (Benoit, Borisov-Musatov, Vrubel, Bakst, Grabar, Dobuzhinsky, Korovin, Larionov, Malyutin, Roerich, Somov, Serov, Sudeikin) e outros . A exposição abriu sob a presidência do Grão-Duque Vladimir Alexandrovich, o comitê de exposição foi chefiado pelo Conde I. Tolstoy. Diaghilev divulgou para maior acessibilidade o catálogo da Exposição de Arte Russa em Paris com um artigo introdutório de Alexandre Benois sobre a arte russa. A exposição no Salão de Outono foi um sucesso inédito - é quando Diaghilev começa a pensar em outras temporadas russas em Paris. Por exemplo, sobre a temporada de música russa. Ele organiza um concerto de teste, e seu sucesso definiu os planos para o próximo 1907. Voltando a São Petersburgo em triunfo, Diaghilev começou a preparar a segunda temporada russa. Seus famosos Concertos Históricos. Para isso, foi criada uma comissão presidida por A.S. Taneyev - camareiro da mais alta corte e compositor notório. As melhores forças musicais estiveram envolvidas nestes concertos: Arthur Nikish (um intérprete incomparável de Tchaikovsky), Rimsky-Korsakov, Rachmaninov, Glazunov e outros conduziram. A fama mundial de F. Chaliapin começou com estes concertos. Os "Concertos Históricos Russos" foram compostos por obras de compositores russos e interpretados por artistas russos e pelo coro do Teatro Bolshoi. O programa foi cuidadosamente projetado e composto por obras-primas da música russa: "Estações" apresentou em Paris a ópera russa "Boris Godunov" com a participação de Chaliapin. A ópera foi encenada na edição de Rimsky-Korsakov e em cenários luxuosos pelos artistas Golovin, Benois, Bilibin. O programa incluiu a abertura e o primeiro ato de Ruslan e Lyudmila de Glinka, pinturas sinfônicas de The Night Before Christmas e The Snow Maiden de Rimsky-Korsakov, bem como partes de Sadko e do czar Saltan. Claro, Tchaikovsky, Borodin, Mussorgsky, Taneyev, Scriabin, Balakirev, Cui estavam representados. Após o sucesso impressionante de Mussorgsky e Chaliapin, Diaghilev no próximo ano traz a Paris "Boris Godunov" com a participação de Chaliapin. Os parisienses descobriram um novo milagre russo - Boris Godunov de Shalyapin. Diaghilev disse que esse desempenho era simplesmente impossível de descrever. Paris ficou chocada. O público da Grande Ópera, sempre empertigado, desta vez gritou, bateu, chorou.

E novamente Diaghilev retorna a São Petersburgo para começar a trabalhar na preparação de uma nova "Temporada". Desta vez ele deveria mostrar balé russo para Paris. No início tudo correu bem e brilhantemente. Diaghilev recebeu um grande subsídio, desfrutou do maior patrocínio, recebeu o Teatro Hermitage para ensaios. Quase todas as noites, um comitê informal se reunia no próprio apartamento de Diaghilev para elaborar o programa da temporada parisiense. Dos bailarinos de Petersburgo, delineou-se um grupo jovem e "revolucionário" - M. Fokin, um excelente dançarino, que na época iniciava sua carreira como coreógrafa, Anna Pavlova e Tamara Karsavina e, claro, o brilhante Kshesinskaya, Bolm , Monakhov e muito jovem, mas se declarou como a "oitava maravilha do mundo" Nijinsky. A primeira bailarina do Teatro Bolshoi Koralli foi convidada de Moscou. Tudo parecia funcionar tão bem. Mas ... o grão-duque Vladimir Alexandrovich morreu e, além disso, Diaghilev ofendeu Kshesinskaya, a quem foi principalmente obrigado a receber um subsídio. Ele a ofendeu ao querer retomar Giselle para Anna Pavlova, e ofereceu à magnífica Kshesinskaya um pequeno papel no balé O Pavilhão de Armida. Houve uma explicação tempestuosa, "durante a qual os 'interlocutores' jogaram coisas uns nos outros...". Diaghilev perdeu seus subsídios e patrocínio. Mas isso não foi tudo - o Hermitage, o cenário e os figurinos do Teatro Mariinsky foram tirados dele. As intrigas da corte começaram. (Apenas dois anos depois ele faria as pazes com a bailarina Kshesinskaya e manteria boas relações com ela pelo resto de sua vida.) Todos já acreditavam que não haveria temporada russa de 1909. Mas era necessário ter a energia indestrutível de Diaghilev para renascer das cinzas. A ajuda (quase a salvação) veio de Paris, de uma senhora secular e amiga de Diaghilev Sert - ela conseguiu uma assinatura em Paris com seus amigos e arrecadou os fundos necessários para que o teatro Châtelet pudesse ser alugado. Os trabalhos recomeçaram e o Repertório foi finalmente aprovado. Estes foram "Pavilhão de Armida" de Tcherepnin, "Danças Polovtsianas" de "Príncipe Igor" de Borodin, "Festa" com a música de Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Mussorgsky, Glinka e Glazunov, "Cleópatra" de Arensky, o primeiro ato de "Ruslan e Lyudmila" no cenário ARTISTAS do grupo "Mundo da Arte". Fokine, Nijinsky, Anna Pavlova e T. Karsavina foram as principais figuras do projeto "ballet russo" de Diaghilev. Aqui está o que Karsavina disse sobre Diaghilev:

"Quando jovem, ele já possuía aquele senso de perfeição, que é sem dúvida a propriedade de um gênio. Ele sabia distinguir a verdade transitória da verdade eterna na arte. Durante todo o tempo que o conheci, ele nunca se enganou em seus julgamentos, e os artistas tinham fé absoluta em sua opinião. Nijinsky era o orgulho de Diaghilev - ele só se formou na faculdade em 1908 e entrou no Teatro Mariinsky, e eles imediatamente começaram a falar dele como um milagre. Eles falaram sobre seus saltos e vôos extraordinários, chamando-o de homem-pássaro. "Nijinsky", lembra o artista e amigo de Diaghilev S. Lifar, "entregou-se a Diaghilev, em suas mãos cuidadosas e amorosas, em sua vontade - seja porque ele instintivamente sentiu que nas mãos de ninguém ele estaria tão seguro e ninguém incapaz de moldar seu gênio da dança como fez Diaghilev, ou porque, infinitamente suave e completamente desprovido de vontade, ele foi incapaz de resistir à vontade de outra pessoa.No início de 1911, quando foi forçado a se aposentar por causa de Diaghilev. Nijinsky era um dançarino raro, e apenas um dançarino. Diaghilev também acreditava que poderia ser um coreógrafo. No entanto, neste papel, Nijinsky era insuportável - os bailarinos percebiam e lembravam os ensaios com ele como tormentos terríveis, porque Nijinsky não conseguia expressar claramente o que queria. Em 1913, Diaghilev lançou Nijinsky no mundo, em uma jornada americana. E ali, de fato, o pobre Nijinsky quase morreu, submetendo-se completamente à vontade de outra pessoa. Mas já foi uma mulher, Romola Pulska, que casou Nijinsky consigo mesma e, além disso, o arrastou para a seita de Tolstoi. Tudo isso acelerou o processo de adoecimento mental da bailarina. Mas ainda será. Enquanto isso, até o final de abril de 1909, os "bárbaros" russos finalmente chegam a Paris e o trabalho frenético começa antes da próxima "temporada russa". Os problemas que Diaghilev teve que superar foram a escuridão. Em primeiro lugar, a alta sociedade de Paris, tendo visto bailarinos russos em um jantar em sua homenagem, ficou muito desapontada com sua aparência cinzenta e provinciana, que também causou dúvidas em sua arte. Em segundo lugar, o próprio teatro "Chatelet" - estatal, cinza e chato, era completamente inadequado como "moldura" para belas apresentações russas. Diaghilev até reconstruiu o palco, removeu cinco fileiras de arquibancadas e as substituiu por caixas, cobertas com veludo colunar. E em meio a todo esse barulho incrível de construção, Fokin ensaiava, levantando a voz para gritar por cima de todo o barulho. E Diaghilev estava literalmente dividido entre artistas e músicos, bailarinos e trabalhadores, entre visitantes e críticos-entrevistadores, que cada vez mais publicavam materiais sobre o balé russo e o próprio Diaghilev.

Em 19 de maio de 1909, ocorreu a primeira apresentação de balé. Era um feriado. Foi um milagre. Uma grande dama francesa lembrou que foi "fogo sagrado e delírio sagrado que varreu todo o auditório". Na frente do público havia realmente algo nunca visto antes, diferente de tudo, incomparável a qualquer coisa. Um belo mundo muito especial se abriu diante do público, do qual nenhum dos espectadores parisienses sequer suspeitava. Esse "absurdo", essa paixão durou seis semanas. Apresentações de balé alternadas com óperas. Diaghilev falou dessa época: "Todos nós vivemos como se estivessem enfeitiçados nos jardins de Armida. O próprio ar ao redor dos balés russos está cheio de droga". O famoso francês Jean Cocteau escreveu: "A cortina vermelha se ergue sobre os feriados que viraram a França de cabeça para baixo e que levaram a multidão ao êxtase após a carruagem de Dionísio". O balé russo foi aceito por Paris imediatamente. Aceito como uma grande revelação artística que criou toda uma era na arte. Hinos reais foram cantados para Karsavina, Pavlova e Nijinsky. Eles instantaneamente se tornaram os favoritos de Paris. Karsavina, disse o crítico, "parece uma chama dançante, em cuja luz e sombras habita a lânguida felicidade". Mas o balé russo fascinava a todos pelo fato de ser um conjunto, pelo fato de o corpo de balé ter desempenhado um grande papel nele. Além disso, a pintura do cenário e os figurinos - tudo era significativo, tudo criava um conjunto artístico. Menos foi dito sobre a coreografia do balé russo - era apenas difícil entendê-lo imediatamente. Mas todas as férias chegam ao fim. O parisiense acabou. Foi, claro, um sucesso mundial, pois artistas russos receberam convites para diferentes países do mundo. Karsavina e Pavlova foram convidados para Londres e América, Fokine - para Itália e América. Diaghilev, de volta a São Petersburgo, iniciou os preparativos para a nova temporada, na qual era imperativo consolidar o sucesso. E Diaghilev, que tem um talento fantástico, sabia que o novo milagre russo na próxima temporada seria Igor Stravinsky, com seus balés, em particular O Pássaro de Fogo. "O homem predestinado entrou em sua vida." E a partir de agora, o destino do Ballet Russo será inseparável desse nome - de Stravinsky. Na primavera de 1910, Paris ficou novamente chocada com o balé e a ópera de Diaghilev. O programa foi simplesmente incrível. Diaghilev trouxe cinco novas obras, incluindo o balé de Stravinsky. Eram balés luxuosos, essa era uma nova atitude em relação à dança, à música, à pintura da performance. Os franceses perceberam que precisavam aprender com os russos. Mas o triunfo desta temporada também foi um golpe para a trupe de Diaghilev - alguns artistas assinaram contratos estrangeiros e Anna Pavlova deixou Diaghilev em 1909. Diaghilev decidiu em 1911 organizar uma trupe de balé permanente, que foi formada em 1913 e recebeu o nome de "Balé Russo de Sergei Diaghilev". Ao longo dos vinte anos de existência do Diaghilev Ballets Russes, ele encenou oito balés de Stravinsky. Em 1909, Anna Pavlova deixou a trupe de balé, e outros a seguiram. A trupe de balé permanente começa a se reabastecer com dançarinos estrangeiros, o que, é claro, perde seu caráter nacional.

O repertório de balé das "Estações" incluía "Pavilhão de Armida" de Tcherepnin, "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov, "Giselle" de Tchaikovsky, "Petrushka", "O Pássaro de Fogo", "A Sagração da Primavera" de Stravinsky, " Cleópatra" ("Egyptian Nights") de Arensky, "Vision of the Rose" de Weber, "The Legend of Joseph" de R. Strauss, "Afternoon of a Faun" de Debussy e outros. Para esta trupe de turismo, Diaghilev convidou M. Fokin e um grupo de solistas de balé dos teatros Mariinsky e Bolshoi, bem como artistas da ópera privada S.I. Zimin - A. Pavlov, V. Nizhinsky, T. Karsavin, E. Geltser, M. Mordkin, V. Koralli e outros. Além de Paris, a trupe de balé Diaghilev excursionou em Londres, Roma, Berlim, Monte Carlo e nas cidades da América. Essas performances sempre foram um triunfo da arte do balé russo. Eles contribuíram para o renascimento do balé em vários países europeus e tiveram um enorme impacto em muitos artistas.

As turnês eram realizadas, em regra, imediatamente após o final da temporada teatral de inverno. Em Paris, foram realizadas apresentações na Grand Opera (1908, 1910, 1914), Châtelet (1909, 1911, 1912) e no Théâtre des Champs Elysées (1913).

Teatros não menos prestigiosos também receberam a trupe em Londres. Estes foram o Covent Garden Theatre (1912), Drury Lane (1913, 1914).

Após a eclosão da Primeira Guerra Mundial, Diaghilev transferiu sua empresa para os Estados Unidos. Até 1917, sua trupe de balé se apresentou em Nova York. Em 1917 a trupe se desfez. A maioria dos dançarinos ficou nos EUA. Diaghilev retorna à Europa e, junto com E. Cecchetti, cria uma nova trupe, na qual, junto com atores emigrantes russos, dançarinos estrangeiros se apresentam sob nomes russos fictícios. A trupe existiu até 1929. Diaghilev, com seu gosto delicado, erudição brilhante, planos enormes, projetos mais interessantes, foi a alma de sua descendência "Russian Ballet" por toda a vida, ele esteve em busca artística por toda a vida, um criador eternamente fervilhante. Mas em 1927, além do balé, ele tinha um novo negócio que o fascinava apaixonadamente - o livro. Cresceu rapidamente, adquirindo proporções de Diaghilev. Ele pretendia criar um enorme depósito de livros russos na Europa. Ele fez planos grandiosos, mas a morte o deteve. Diaghilev morreu em 19 de agosto de 1929. Ele e suas "Estações Russas" permaneceram uma página única e brilhante na história do mundo e da cultura russa.