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Um visitante do Museu Russo, passando da exposição de pintura de ícones para o Salão Peter I, experimenta sensações semelhantes às que Neo experimentou no filme "A Matriz" ao tomar um comprimido vermelho das mãos de Morfeu. Agora mesmo, estávamos rodeados de imagens espiritualizadas, cores vivas e linhas harmoniosas que apenas se assemelhavam vagamente ao que se via ao nosso redor, mas com sua beleza incorpórea, representavam em nosso mundo a lei e a ordem estabelecidas durante a criação do Universo. Bem-vindo à realidade - cruzando o limiar, descemos a este mundo de cores escuras e corporeidade deliberada, esculpida pela luz de rostos em relevo, como se descascando de fundos pretos. Viemos olhar, mas nos encontramos sob o fogo cruzado de olhares: quase todas as exposições aqui são retratos. A partir dessa época e por todo o século seguinte, o retrato se tornará sinônimo de pintura russa.

A história do retrato russo do século 18 é um retrato da autoconsciência visual de uma nação, o processo de um russo adquirindo um "rosto" que se desenrola no tempo. Na era petrina, existe um vício na aparência do indivíduo, embutido na hierarquia social. Partindo do padrão de classe, fixado em um repertório bastante limitado de poses e expressões faciais, o retrato passa a construir uma relação mais sutil entre a aparência e o mundo interior do personagem. Com o advento do sentimentalismo, é a vida da alma que se torna um valor, um sinal de personalidade, combinando harmoniosamente natureza e civilização. Por fim, o romantismo e a era de 1812 permitirão - provavelmente pela primeira vez na arte russa - o nascimento da imagem de uma pessoa interiormente livre.

Há algumas coisas a serem lembradas ao falar sobre um retrato. Em primeiro lugar, numa sociedade de classes, ele é um privilégio, um marcador e, ao mesmo tempo, um garante do estatuto do modelo. Na esmagadora maioria dos casos, os representantes das camadas sociais superiores tornaram-se os heróis dos retratos. Um retrato no qual as convenções necessárias da imagem (postura, traje, entorno e atributos) são observadas e acordadas certificará automaticamente o alto status social de seu personagem. O retrato reflete e transmite os padrões de comportamento social. Ele parece estar dizendo: “Diante de você está um homem nobre. Seja como ele! " Assim, por séculos, um retrato nobre representa não apenas um nobre ativista, mas também uma pessoa que é inerente à facilidade graciosa, ou seja, uma propriedade que por muito tempo serviu como uma expressão corporal de nobreza e educação e, portanto, pertencente ao elite.

A pintura de retratos é uma espécie de indústria. A própria natureza do mercado de retratos pressupõe um alto grau de unificação. Os retratos são claramente divididos em retratos solenes (cerimoniais) e mais retratos de câmara (privados). Eles, por sua vez, pressupõem um determinado conjunto de formatos, poses e atributos, bem como uma tabela de preços correspondente, que leva em conta se o próprio artista executou o retrato do início ao fim ou confiou áreas menos críticas do trabalho aos aprendizes.

Desde os seus primeiros passos no Mundo Antigo, o retrato desempenhou um papel mágico: substituiu literalmente a pessoa retratada e prolongou a sua existência após a morte. A memória dessas funções arcaicas acompanhou o retrato mesmo quando se tornou um dos gêneros de pintura e escultura da Nova Era. Foi transmitido, em particular, por obras literárias que descreviam a comunicação imaginária com o retrato: "entrevistas" poéticas com ele, histórias de paixão por retratos e, na era do romantismo - histórias assustadoras sobre imagens ganhando vida. Dizem necessariamente que o retrato é "como uma vida", ele "respira", lhe falta apenas o dom da fala, etc. Via de regra, os quadros descritos pelos poetas eram fruto de sua imaginação. No entanto, a própria tradição, preservada pela literatura durante séculos, definiu o modo de percepção do retrato e lembrou que ele não pertence apenas ao mundo da arte, mas está diretamente relacionado ao problema da existência humana.

A teoria da arte clássica tem pouco valor no retrato. Este gênero também ocupa um lugar correspondente na hierarquia acadêmica. No final do século XVIII, por exemplo, acreditava-se que "no gênero do retrato ... sempre se faz uma figura, e a maior parte na mesma posição ... Não dá para comparar esse gênero .. . com o histórico ... ". Naquela época, o retrato associado à imitação de natureza imperfeita não era para se tornar uma ocupação de prestígio. Enquanto isso, uma situação diferente se desenvolveu na Rússia: o retrato, exigido pela sociedade, tornou-se um dos caminhos mais seguros do artista para o sucesso. Começando com Louis Caravac, Ivan Nikitin ou Georg Groot, a criação de retratos foi uma das principais tarefas dos pintores da corte. Mas o artista da primeira metade - meados do século 18 ainda é muita gente: o servo Sheremetev Ivan Argunov cumpriu os vários caprichos do proprietário e encerrou sua jornada como mordomo, deixando a pintura; Andrey Matveev e Ivan Vishnyakov supervisionaram os arquitetos e decoradores da Chancelaria a partir dos edifícios; Alexei Antropov teve funções semelhantes no Sínodo. No entanto, por apenas uma cópia de seu próprio retrato da coroação de Pedro III, encomendado pelo Senado, o artista recebeu 400 rublos - apenas um terço a menos do que seu salário anual no sínodo.

Alexey Antropov. Retrato de Pedro III. 1762 anos

Com a fundação da Academia de Artes em 1757, a situação começou a mudar. Anteriormente, o pintor de retratos russo, como um aprendiz da Renascença, estudou o ofício na oficina de um artista praticante ou teve aulas com uma celebridade visitante. Antropov, de 40 anos, melhorou sob a orientação de Pietro Rotari, um pintor de reputação europeia que se mudou para a Rússia. Argunov estudou com Groot e, a pedido da Imperatriz, ensinou a pintura do "adormecido com a voz" dos cantores, entre os quais estava o futuro pintor histórico Anton Losenko. Agora, a formação do artista foi baseada em um método holístico, testado por gerações. A aula de retratos na Academia foi fundada em 1767.

Apesar do status aparentemente baixo do gênero, dos nove alunos da primeira admissão que se formaram na Academia, cinco se formaram como pintores de retratos e apenas dois se especializaram em pintura histórica. Os retratos ocuparam um lugar importante nas exposições acadêmicas e permitiram ao artista fazer uma carreira completa - tornar-se um "nomeado" (ou seja, um membro correspondente) ou mesmo um acadêmico. Borovikovsky recebeu o primeiro título em 1794 pela imagem de Yekaterina II em uma caminhada no Parque Tsarskoselsky, e um ano depois - o segundo, pelo retrato do Grão-duque Konstantin Pavlovich. O retrato de uma pessoa em uma profissão criativa por si só poderia elevar simbolicamente seu status. Levitsky retratou o arquiteto Kokorinov em 1769 de acordo com o padrão de um retrato de um estadista: o reitor da Academia de Artes com uma espada e um terno luxuoso que vale em seu aguilhão anual com um gesto cheio de nobreza indica um secretário com um tesouro acadêmico , selo Academia e seu plano. Quatro anos depois, o artista reproduzirá literalmente esse esquema no retrato do vice-chanceler Príncipe Golitsyn.

Vladimir Borovikovsky. Catarina II para um passeio no parque Tsarskoye Selo. 1794 anoGaleria estatal Tretyakov

Vladimir Borovikovsky. Retrato do Grão-Duque Konstantin Pavlovich. 1795 anosMuseu de Arte do Estado de Chuvash

Dmitry Levitsky. Retrato de A.F. Kokorinov. 1769 anos

Dmitry Levitsky. Retrato do Vice-Chanceler Príncipe A. M. Golitsyn. 1772 anosGaleria estatal Tretyakov

A segunda metade do século abre uma alternativa para o pintor de retratos - trabalhar por encomenda privada. Fyodor Rokotov veio, provavelmente, das cruzadas, mas serviu à nobreza no departamento militar. Quando sua carreira na Academia de Artes não deu certo, mudou-se para Moscou em 1766-1767, e a nobreza da antiga capital constituiu uma extensa clientela do artista. Usando seu exemplo, podemos ter uma ideia da posição do pintor solicitado. Pelo retrato real pintado por sua própria iniciativa, Eka-terina premiou Rokotova com 500 rublos. O primeiro historiador da arte russa do século 18, Jacob Shtelin, testemunha que mesmo em São Petersburgo o artista era “tão habilidoso e famoso que não conseguia lidar com todas as obras encomendadas a ele sozinho ... Ele tinha cerca de 50 portos -terceiros em seu apartamento, muito parecidos, não havia nada acabado neles, exceto a cabeça [isso provavelmente implicava a participação de aprendizes] ”. Se na década de 1770 seu retrato padrão custava 50 rublos, na década de 1780 já era estimado em cem. Isso permitiu ao artista adquirir um terreno por 14.000 rublos, construir uma casa de pedra de dois andares nele, tornar-se membro do Clube Inglês e merecer o comentário irritado de um contemporâneo: "Rokotov tornou-se arrogante e importante para a glória."

Fedor Rokotov. Retrato da coroação de Catarina II. 1763 anos Galeria estatal Tretyakov

O contraste entre a pintura de ícones e um retrato do século 18 mostra claramente a natureza radical da revolução de Pedro o Grande. Mas a europeização das formas pictóricas começou antes. No século 17, os mestres da Câmara de Arsenais e outros iconógrafos criaram um híbrido de ícone e retrato - parsuna (da palavra "pessoa", que na primeira metade do século 18 substituiu a palavra "retrato" na Rússia ) No final do século XVII, Parsuna já estava usando o esquema do porto cerimonial europeu, emprestado pela Polônia e Ucrânia, com força e força. A tarefa partiu do retrato - a aparência de uma pessoa em seu papel social. Mas os meios pictóricos permanecem icônicos de muitas maneiras: a planura da forma e do espaço, a convencionalidade da estrutura do corpo, a explicação do texto na imagem, a interpretação ornamental das vestimentas e atributos. Essas características do século XVIII foram preservadas por muito tempo no retrato nobre provinciano, nos retratos dos mercadores e dos fiéis.

Retrato do Czar Alexei Mikhailovich. Parsun, de um artista russo desconhecido. Final da década de 1670 - início da década de 1680 Museu Histórico Estadual

O aposentado Petrovsky Ivan Nikitin, que estudou na Itália, é o primeiro mestre russo que “esqueceu” a Parsuna. Seus retratos são bastante simples na composição, ele usa apenas alguns tipos iconográficos, raramente pinta as mãos e prefere cores escuras. Seus retratos são muitas vezes marcados com uma credibilidade especial, o rosto é interpretado com ênfase no relevo, o reconhecível prevalece sobre a idealização. O chanceler Gabriel Golovkin é a imagem ideal da monarquia meritocrática de Pedro: uma pirâmide alongada de uma figura arrancada pela luz é coroada com um rosto oval emoldurado por uma peruca. Dignidade calma, orgulho e autoconfiança transmitem ao herói tanto uma postura contida, mas natural, quanto um olhar direto que encontra o espectador. O cam-zol cerimonial com encomendas e fita quase se confunde com o fundo, permitindo concentrar toda a atenção no rosto. O ambiente escuro empurra Golov-kin para fora, o roçar de sua mão esquerda marca a borda do espaço da tela e o arco de medalha azul filigrana parece romper através dele, entrando em nosso espaço. Esse truque pictórico, forçando a ilusão de presença, ao mesmo tempo ajuda a diminuir a distância psicológica e social entre a modelo e o espectador, intransponível na Parsuna pré-petrina.

Ivan Nikitin. Retrato do Chanceler de Estado Conde G. I. Golovkin. Década de 1720 Galeria estatal Tretyakov

Retornando da Holanda, Andrei Matveev por volta de 1729 criou seu retrato com sua jovem esposa. Se concordarmos com essa identificação geralmente aceita hoje, então temos diante de nós não apenas o primeiro autorretrato conhecido de um pintor russo. Esta imagem do raznochintsy apresenta o equilíbrio de um homem e uma mulher, inesperado para a Rússia naquela época. Com a mão esquerda, o artista toma cerimoniosamente a mão de seu companheiro; à direita, abraçando paternalmente, a direciona para o espectador. Mas todo o significado formal desses gestos de dominação e apropriação é inesperadamente apagado. Em uma tela de fácil organização, a figura feminina não está apenas localizada à direita do homem, mas também ocupa exatamente o mesmo espaço fotográfico que ele, e as cabeças das esposas estão localizadas estritamente na mesma linha, como se o escalas foram congeladas no mesmo nível.

Andrey Matveev. Auto-retrato com sua esposa. Presumivelmente 1729 Museu Estatal Russo

Um retrato de meados do século é, em grande parte, uma representação não de personalidade, mas de status. Um exemplo típico são as esposas das escovas Lobanovs-Rostov de Ivan Argunov (1750 e 1754). Por toda a reconhecibilidade dos personagens perante o espectador, em primeiro lugar, "nobre nobre" e "amável beleza", cuja posição é definitivamente fixada por um uniforme, um manto de arminho e um vestido com bordado de prata. Uma artista de meados do século XVIII - russa e estrangeira - transmite com extremo cuidado o traje e seus elementos: tecido, costura, renda; escreve joias e prêmios em detalhes. Nesses retratos de Argunov, o corpo do personagem é limitado pelo espaço, desdobrado ao longo do plano da tela, e os tecidos e decorações são pintados com detalhes que fazem lembrar a parsuna com sua decoratividade e visão especial e superficial do humano corpo.

Ivan Argunov. Retrato do Príncipe I. I. Lobanov-Rostovsky. 1750 anosMuseu Estatal Russo

Ivan Argunov. Retrato da Princesa E.A. Lobanova-Rostovskaya. 1754 anosMuseu Estatal Russo

Hoje valorizamos mais aquelas obras do retrato russo do século XVIII, em que a imagem convencional parece ter perdido sua integridade, e o decoro (o equilíbrio do ideal e do real no retrato) é violado em favor da plausibilidade. Obviamente, essa é a fonte do encanto que é dotado para o espectador moderno com a imagem de Sarah Fermor, de dez anos (1749). Ivan Vishnyakov, um subordinado de seu pai em Kan-celyarii dos edifícios, apresentou a criança na forma de uma menina adulta, inscrevendo uma figura frágil na composição cerimonial com uma coluna e um peso-zana ao fundo. Daí a atratividade de tais imagens, onde um rosto desprovido de beleza externa parece ser a chave para uma verdadeira transferência de personagem: tais são os retratos de Anthropov da senhora do estado Anastasia Izmailova (1759) ou Anna Buturlina (1763).

Ivan Vishnyakov. Retrato de Sarah Eleanor Fermor. 1749 anosMuseu Estatal Russo

Alexey Antropov. Retrato de uma senhora do estado A. M. Izmailova. 1759 anosGaleria estatal Tretyakov

Alexey Antropov. Retrato de A. V. Buturlina. 1763 anosGaleria estatal Tretyakov

Nesta linha estão os retratos do casal Khripunov por Argunov (1757). Kozma Khripunov, um homem idoso com um nariz enorme, aperta uma folha de papel em camadas nas mãos e, como se levantasse os olhos da leitura, para o observador com um olhar penetrante. Sua jovem esposa segura um livro aberto nas mãos e nos olha com calma dignidade (de acordo com os livros de confissão, Feodosia Khripunova tem pouco mais de 20 anos: os personagens dos retratos do século 18 muitas vezes parecem mais velhos do que sua idade) . Ao contrário da França moderna, onde na era da Enciclopédia o livro não era uma raridade mesmo em um retrato aristocrático, os personagens das pinturas russas do século 18 são raramente representados na leitura. Os retratos do casal Khripunov na Europa, pobres em atributos e estilo contido, seriam atribuídos aos retratos do terceiro estado, refletindo os valores do Iluminismo. Neles - como, por exemplo, no retrato do médico Leroy de Jacques Louis David (1783) - não é o status que importa, mas a atividade do herói, não a bondade da aparência, mas o personagem honestamente apresentado. .

Ivan Argunov. Retrato de K. A. Khripunov. 1757 anos

Ivan Argunov. Retrato de Kh.M. Khripunova. 1757 anosMuseu-propriedade "Ostankino" de Moscou

Jacques Louis David. Retrato do Dr. Alphonse Leroy. Ano 1783 Musée Fabre

Os nomes de Rokotov e Levitsky, pela primeira vez na Rússia no Novo Tempo, estão associados à ideia de uma forma estritamente individual, que parece subordinada ao modelo: agora podemos falar com segurança de uma senhora que “desceu da tela de Rokotov ", sobre um cavalheiro" de um retrato de Levitsky. " Diferentes em modos e espírito, os dois pintores nos fazem ver em seus retratos não apenas imagens de pessoas específicas, mas também sentir a pintura como tal, que afeta o traço, a textura, a cor - independente do enredo. Obviamente, isso é evidência de uma mudança gradual no status do artista, sua auto-estima e o interesse público emergente pela arte.

Rokotov é o primeiro mestre do retrato emocional na Rússia. A formação de seus modos está associada à influência do Rotary italiano, cujas "cabeças" femininas são consideradas bugigangas rococó picantes. Mas Rokotov podia ver neles um exemplo de várias entonações sutis e elusivas - o que distingue as imagens do próprio artista russo. Do fundo escuro dos predecessores do Roko-tov vai para o fundo vago, como uma névoa, não tanto aproximando a figura do observador, mas absorvendo-a. O corpo vestido com uniforme ou vestido adquire um valor subordinado, o rosto agora domina completamente. Vale a pena olhar mais de perto como Rokotov escreve os olhos: em coisas como o famoso retrato de Alexandra Struyskaya (1772), a pupila é pintada com pinceladas fundidas de cores próximas com um brilho intenso - o olhar perde a clareza, mas ganha profundidade. A indistinção do ambiente, a suavidade do contorno, juntamente com o olhar turvo mas saturado dos heróis, criam um sentido de multidimensionalidade de caráter que não tem analogias no retrato russo, no qual - especialmente entre as mulheres - as emoções desempenham um papel decisivo Função. Nesse aspecto, os personagens de Rokotov são pessoas do sentimentalismo, em que não os papéis e ambições sociais são prioritários, mas a profundidade emocional e a mobilidade mental de uma pessoa.

Fedor Rokotov. Retrato de A.P. Struyskaya. 1772 anos Galeria estatal Tretyakov

Não parece por acaso que Rokotov sofisticado, mas desprovido de efeitos externos, tomou forma em Moscou, com a tradição de vida privada, nepotismo e amizade que ela cultivou. Ao mesmo tempo, na capital aristocrática e da corte de Catarina, seguindo a moda artística mundial, floresceu o pintor mais brilhante da Rússia do século XVIII, Dmitry Levitsky. Na obra deste nativo da família de um padre ucraniano que se formou na Academia de Artes de São Petersburgo, a pintura russa alcançou pela primeira vez o nível europeu. Ele foi dotado com o dom de criar imagens puras e nobres, a capacidade de transferência incrivelmente precisa de várias texturas - tecidos, pedra, metal, o corpo humano. Ao mesmo tempo, várias de suas obras introduziram a arte russa no contexto dos movimentos mentais avançados da época.

Assim, as ideias de subordinação da autocracia à lei, relevantes para o Iluminismo russo, foram encarnadas por Levitsky na pintura “Catarina II - a legisladora no templo da Deusa da Justiça” (1783). O retrato cerimonial do governante sempre incorpora sua imagem oficial. A tela de Levitsky é um caso único quando a imagem do monarca, atendendo plenamente aos cânones do gênero, é a mensagem da sociedade ao soberano, transmite as aspirações da nobreza iluminada.

Dmitry Levitsky. Retrato de Catarina, a Legisladora no Templo da Deusa da Justiça. Ano 1783 Museu Estatal Russo

A Imperatriz com uma coroa de louros e uma coroa civil, sacrificando a sua paz, queima papoulas no altar sob a estátua de Themis com a inscrição “para o bem comum”. No pedestal da escultura, está esculpido o perfil do legislador ateniense Sólon. A águia imperial assenta em tomos de leis, e no mar que se abre atrás da rainha, a frota russa é visível sob a bandeira de Santo André com a vara de Mercúrio, um sinal de comércio protegido, ou seja, paz e prosperidade. Além da ideia educacional do império da lei, outras conotações políticas também são possíveis aqui. Foi sugerido que a tela se tornaria o centro do conjunto de retratos da Duma dos cavaleiros da Ordem de São Vladimir e se localizasse na Czarskoe Selo Sofia, entrando assim no aparato ideológico de Catarina.

Este retrato, cujo programa pertence a Nikolai Lvov, e a encomenda a Alexander Bezborodko, foi provavelmente a primeira obra de pintura russa, que acabou por ser um evento público. Está em consonância com a ode de Derzha-vin "" que apareceu no mesmo 1783. Ao mesmo tempo, Ippolit Bogdanovich publicou uma estrofe para o artista, na qual Levitsky, ampliando o programa ideológico do retrato, é o primeiro caso de apelo direto de um pintor russo ao público. Assim, o retrato assumiu as funções de uma tela narrativa histórica, que molda as ideias que ondulam a sociedade e se torna um evento para um público relativamente amplo. Este é um dos primeiros sinais de um novo processo para a Rússia: as belas-artes deixam de servir às necessidades utilitárias da elite (a representação das ambições políticas e pessoais, a decoração da vida, a visualização do conhecimento, etc.) e gradualmente torna-se um elemento importante da cultura nacional, organizando um diálogo entre as diferentes partes da sociedade.

Sete telas da série "Smolyanka", escrita em 1772-1776, retratam nove alunos do Instituto Smolny para nobres donzelas de diferentes "idades" (períodos de estudo). É um monumento a uma experiência que refletiu as ideias-chave da educação europeia: a criação de uma nova pessoa, a educação avançada para as mulheres. Eles também indicam claramente uma mudança gradual de atitudes em relação aos períodos da vida humana: se antes uma criança em um retrato russo aparecia, via de regra, como um pequeno adulto, então Smolyanka mostra passos no caminho para a adolescência, que está neste retrato série pela primeira vez. - cai em um estágio separado e independente. As meninas dançam, desempenham papéis teatrais, mas as duas imagens finais das "alunas mais velhas" Glafira Alymova e Ekaterina Molchanova parecem resumir-se, encarnando as duas hipóstases de uma mulher iluminada. Alymova joga ar-fe, apresentando artes associadas à natureza sensual do homem. Mol-cha-nova representa o princípio intelectual. Ela posa com um livro e uma bomba de vácuo - uma ferramenta moderna para explorar a natureza material do mundo. De um atributo de retrato, torna-se aqui um sinal de conhecimento avançado baseado na experiência científica.

Dmitry Levitsky. Retrato de Feodosia Rzhevskaya e Nastasya Davydova. 1771-1772 anosMuseu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Ekaterina Nelidova. Ano 1773Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Ekaterina Khrushcheva e Ekaterina Khovanskaya. Ano 1773Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Alexandra Levshina. 1775 anosMuseu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Ekaterina Molchanova. 1776 anosMuseu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Glafira Alymova. 1776 anosMuseu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Natalia Borshchova. 1776 anosMuseu Estatal Russo

As obras de Vladimir Borovikovsky, estudante e conterrâneo de Levitsky, mostram claramente que os valores sentimentais nos últimos dez anos do século 18 se tornaram a base para a representação de uma pessoa privada. Agora, o retrato é nitidamente estratificado em cerimonial e privado. A imagem do "príncipe diamante" Kurakin (1801-1802), assim apelidado por seu amor por joias e esplendor ostentoso, brilha com luxo deliberado. Como várias telas de Goya, mostra que o esplendor da pintura está se tornando um dos últimos argumentos a favor da grandeza da aristocracia: os próprios modelos nem sempre conseguem resistir ao pathos ditado pelo gênero.

Vladimir Borovikovsky. Retrato do Príncipe A. B. Kurakin. 1801-1802 anos Galeria estatal Tretyakov

A característica híbrida da "era da sensibilidade" é uma imagem de Catarina II em Czarskoe Selo (veja acima). O retrato de corpo inteiro contra o fundo do monumento da glória militar é sustentado de forma enfaticamente íntima: ele representa a imperatriz em roupão no momento de um passeio solitário nos becos do parque. Catarina não gostou do port-tert, mas provavelmente sugeriu a Pushkin a cena misan do encontro de Masha Mironova com a imperatriz em A filha do capitão. É com Borovikovsky que a paisagem, pela primeira vez entre os artistas russos, se torna um pano de fundo permanente para um retrato, denotando todo um complexo de representações associadas às ideias de naturalidade, sensibilidade, vida privada e unidade de almas gêmeas.

A natureza como projeção de experiências emocionais é um traço característico da cultura do sentimentalismo, o que sugere que o mundo interior de uma pessoa se torna um valor incondicional. É verdade que em muitas das obras de Borovikovsky o "envolvimento com a natureza" do personagem assume o caráter de um clichê, indicando que a sensibilidade e a naturalidade estão na moda. Isso é especialmente perceptível nos retratos femininos executados com maestria, seguindo o ideal de uma jovem beleza "natural" e traçando as poses e atributos da modelo. Por outro lado, esse quadro de retrato pastoral possibilitou incluir servos entre os personagens. Tais são, por exemplo, "Lizynka e Dashinka" (1794) - meninas do pátio que patrocinavam o pintor Lvov, quase indistinguíveis externamente das jovens nobres.

Vladimir Borovikovsky. Lizynka e Dashinka. 1794 ano Galeria estatal Tretyakov

Se, na pessoa de Levitsky e Borovikovsky, a pintura russa se alinhou com as tendências artísticas modernas, então a próxima geração de porttristas russos resolveu um novo problema: sua arte finalmente construiu um diálogo com a grande pintura da Europa do século 16 Séculos XVII, cuja tradição era a Rússia estava ausente. Os pré-requisitos eram a formação da coleção Hermitage, única em qualidade, na era de Catarina, bem como as longas viagens ao exterior de jovens artistas que se graduaram com sucesso na Academia. Karl Bryullov construiu sua própria imagem com base nos padrões do "velho mestre" e ao mesmo tempo recriou em solo russo o esplendor do retrato cerimonial de Vandeyk com seu luxo sinfônico de cores (O Cavaleiro, 1831; retrato das irmãs Shishmarev, 1839).

Orest Kiprensky. Retrato do pai do artista, Adam Karlovich Schwalbe. Museu Estatal Russo de 1804

No retrato de Pushkin (1827), o diálogo com a tradição constrói-se ao nível da iconografia, ainda compreensível para um europeu da virada dos séculos XVIII para XIX. Os braços cruzados sobre o peito e o olhar do poeta dirigido ao espaço são um eco das personificações da melancolia - temperamento que, desde o Renascimento, era considerado um sinal de gênio.

Orest Kiprensky. Retrato de Alexander Pushkin. 1827 anos Galeria estatal Tretyakov

A geração de 1812 se tornou o herói coletivo das obras de Kiprensky. Esses retratos se distinguem pelo fato sem precedentes na arte russa: o relaxamento do "comportamento" dos personagens. A comparação do retrato "formal" do Coronel Evgraf Davydov (1809) e uma série de retratos gráficos dos participantes da Guerra Patriótica de 1812-1814 (Alexei Lansky, Mikhail Lansky, Alexei Tomilov, Efim Chaplitsa, Pyotr Olenin e outros, todos 1813) é indicativo. A primeira varia o tipo de retrato de um costa-marfinense, característico da Europa do século XVIII e início do século XIX. A pose de Davydov não apenas demonstra uma facilidade indiferente, mas também enobrece iconograficamente o personagem, já que remonta ao famoso "Sátiro em repouso" de Praxíteles: a perfeição da estátua clássica garante a dignidade do herói da tela. Mas a paz corporal sensual do sátiro é apenas o reverso de sua natureza animal, e Kiprensky esplendidamente usa essa memória protótipo (simbólica e plástica), criando a imagem de um herói que está em uma paz fraca, fraca, mas capaz de endireite como uma mola. Cada um dos retratos karan-dash de jovens “veteranos” também é, em certa medida, subordinado a algum clichê de retrato, mas juntos eles demonstram uma liberdade gráfica sem precedentes e uma variedade de soluções formais: giros do corpo, inclinações da cabeça, gestos, olhares. Em cada caso individual, o artista procedeu não de papéis predeterminados, mas de uma personalidade que se revelou a ele. Essa facilidade dos heróis, junto com a facilidade demonstrativa de execução, agem como uma personificação visível da "autoconfiança" interna da geração - um sentimento de liberdade sem precedentes até então na história russa.

A majestosa e diversificada pintura russa sempre agrada o público com sua inconstância e perfeição das formas artísticas. Essa é a peculiaridade das obras de famosos mestres da arte. Sempre se maravilharam com sua extraordinária abordagem ao trabalho, atitude reverente aos sentimentos e sensações de cada pessoa. Talvez seja por isso que os artistas russos tantas vezes representaram composições de retratos, que combinavam vividamente imagens emocionais e motivos épicos calmos. Não é de admirar que Maxim Gorky uma vez disse que um artista é o coração de seu país, a voz de uma época inteira. Na verdade, as pinturas majestosas e elegantes de artistas russos transmitem vividamente a inspiração de seu tempo. Como as aspirações do famoso autor Anton Chekhov, muitos buscaram trazer para a pintura russa o sabor único de seu povo, bem como um sonho inextinguível de beleza. É difícil subestimar as telas extraordinárias desses mestres da arte majestosa, porque obras verdadeiramente extraordinárias de vários gêneros nasceram sob seu pincel. Pintura acadêmica, retrato, pintura histórica, paisagem, obras do Romantismo, Art Nouveau ou Simbolismo - todos eles ainda trazem alegria e inspiração aos seus espectadores. Todos encontram neles algo mais do que cores coloridas, linhas graciosas e gêneros inimitáveis ​​da arte mundial. Talvez essa abundância de formas e imagens que surpreendem a pintura russa esteja associada ao enorme potencial do mundo de artistas que o cerca. Até Levitan disse que em cada nota da natureza exuberante há uma paleta de cores majestosa e extraordinária. Com esse começo, há uma extensão magnífica para o pincel do artista. Portanto, todas as pinturas russas se distinguem por sua severidade requintada e beleza atraente, das quais é tão difícil se separar.

A pintura russa é devidamente distinguida do mundo da arte. O fato é que até o século XVII a pintura russa era associada exclusivamente a um tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar-reformador - Pedro, o Grande. Graças a suas reformas, os mestres russos começaram a se envolver na pintura secular, houve uma separação da pintura de ícones como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII, surgiram os primeiros artistas que passaram da pintura de retratos à pintura de paisagens. Uma pronunciada simpatia dos mestres pelos panoramas de inverno é perceptível. O século XVIII também foi lembrado pelo nascimento da pintura cotidiana. No século XIX, até três tendências ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a se voltar para o gênero do retrato. Foi então que apareceram os retratos e autorretratos mundialmente famosos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas cada vez mais retratam o povo russo simples em seu estado oprimido. O realismo se torna a tendência central na pintura deste período. Foi então que os Wanderers apareceram, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século vinte é, claro, a vanguarda. Os artistas daquela época influenciaram muito seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um mundo enorme e incrível de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações

Pintado diretamente da vida, em comunicação viva com a modelo, através do estudo direto e da observação, o retrato é a base da arte realista. O desenvolvimento do realismo começa precisamente com um retrato. Na Rússia, o retrato apareceu mais tarde do que na Europa. Foi apenas na virada dos séculos 17 e 18 que o retrato russo finalmente tomou forma como um gênero independente.

O retrato russo se desenvolveu surpreendentemente rápido - dos Parsuns do final do século 17 aos retratos de Rokotov, Shubin, Levitsky, Borovikovsky no século 18, que podem ser legitimamente equiparados aos melhores exemplos da arte contemporânea de retratos europeia. Este desenvolvimento extraordinariamente rápido e frutífero deve-se em grande parte ao fato de que os artistas russos conheceram bem os mestres ocidentais, aprenderam com eles, nunca os imitando cegamente, preservando sua identidade nacional.

Humanismo, atenção especial à pessoa e cordialidade são uma das principais características do retrato russo. O iluminismo russo, que desenvolveu uma grande ideia do valor da pessoa humana, teve uma grande e fecunda influência no retrato. Desenvolve-se com sucesso na primeira metade do século XIX, atingindo o auge nos retratos de Bryullov, marcando pela emoção das imagens e pela beleza da forma plástica.

A segunda metade do século 19 foi às vezes o apogeu do retrato realista russo. Reflete claramente uma nova compreensão do valor da pessoa humana, cuja atividade e poder criativo visam servir as pessoas. Nessa época, o leque de modelos estava mudando drasticamente - prevalecem os retratos de personalidades da cultura nacional. Os artistas sempre avaliaram uma pessoa de forma muito objetiva, seu significado social e lugar na vida da sociedade russa. Mas a marca da época histórica e os traços claros da nacionalidade não abafaram o brilho da caracterização individual. A arte do retrato realista dos pintores democratas opunha-se resolutamente aos retratos emasculados e lisonjeiros de salão de pintores acadêmicos e da corte.

No século 19, nenhum país na Europa tinha uma constelação tão brilhante de pintores de retratos como a Rússia, onde mestres como N. Ge, V. Perov, I. Kramskoy, N. Yaroshenko, I. Repin trabalharam quase simultaneamente. Os nomes de V. Vasnetsov e V. Surikov devem ser merecidamente acrescentados a eles. Esses artistas são os principais criadores e criadores não apenas das características mais brilhantes dos retratos do povo russo de destaque, mas também dos representantes típicos do próprio povo. Foram eles, sobretudo no retrato, que compreenderam a beleza e o valor espiritual do russo. A arte russa sempre teve uma base comum e principal para sua existência. E essa base é o alto humanismo, a nacionalidade, que permeia a pintura histórica e de gênero russa e se manifesta claramente no retrato. O retrato russo impressiona por sua força emocional, a capacidade de expressar profundamente o mundo interior de uma pessoa em toda a sua plenitude e significado.

A tendência de reflexão verdadeira e direta na pintura da vida moderna com seus contrastes sociais, interesse e desejo de expressar o profundo mundo interior da alma humana, de revelar valores éticos com a desumanidade da ordem social burguesa - tudo isso adquiriu uma personagem fundamental na obra de artistas da escola democrática russa da segunda metade do século XIX.

A segunda metade do século 19 para a pintura russa foi uma época de brilhante florescimento do realismo democrático. A mudança decisiva que ocorreu na literatura e na arte nos anos 40-60 do século 19 consistiu principalmente no fato de que escritores, poetas, músicos e artistas russos se voltaram para o povo, seus pensamentos e aspirações. A vida das pessoas passou a ser o conteúdo principal de suas obras. A consequência disso foi o amplo e intensivo desenvolvimento da pintura de gênero com seus temas específicos da vida da cidade e do campo. A maioria dos pintores do gênero também se dedicava à pintura de retratos.

Nunca antes um número tão significativo de retratos de figuras progressistas proeminentes da época apareceu na pintura, e em cada um desses retratos pode-se ver não apenas uma expressão vívida da aparência individual de um escritor ou cientista, músico ou artista, mas o carimbo da época histórica e traços claros de nacionalidade. Sem dúvida, são russos. E nos retratos de pessoas comuns, os artistas notaram os lados mais valiosos e brilhantes do caráter nacional.

O principal tipo de pintura de retrato era o retrato de cavalete, mas na sua maioria semi-figurado: a estrutura e a posição das mãos, nem mesmo os gestos, realçam sempre as características da modelo. Nessa época, os retratos cerimoniais oficiais, tão comuns nos séculos XVIII e primeira metade do século XIX, desapareceram quase por completo, assim como os retratos conjugais emparelhados (o que abriu a possibilidade de um contraste expressivo de personagens). Agora a atenção do artista estava focada em apenas uma individualidade. Além disso, durante toda a segunda metade do século, nem um único retrato de grupo foi criado, com exceção de alguns retratos de família.

Artistas russos - representantes da cultura democrática, procuraram capturar em sua imagem pitoresca um retrato confiável de seu contemporâneo, caracterizado por semelhanças convincentes.

O número de retratos de personalidades socialmente significativas predomina claramente. Aqui é apropriado observar as atividades de P.M. Tretyakov, que, tendo começado a coletar uma coleção de retratos de figuras da cultura russa, presumiu que essa coleção deveria fazer parte da galeria nacional que ele havia concebido.

Já no final da década de 70, a Galeria Tretyakov, em constante renovação, tinha à sua disposição quase tudo o que de melhor se criava e era reerguido naquela época pela arte realista russa.

A segunda metade do século 19 foi um período de florescimento da arte democrática russa, em oposição à arte reacionária das classes dominantes. A pintura russa, importante componente da cultura, adquiriu um caráter definitivamente democrático.

É bastante natural que os democratas se voltem para o retrato. O retrato na era dos anos 60-90 adquiriu um significado sem precedentes. Artistas proeminentes, como outras figuras progressistas daquela época, compreenderam o pleno significado e valor da pessoa humana, cuja atividade e poder criativo visam servir o povo.

Um retrato, em sua essência, não é uma simples imagem de uma pessoa, e em seu âmago envolve não apenas a transferência do externo, mas também a transferência do interno, a expressão das propriedades, essência, alma de uma pessoa, e não apenas a imagem de sua aparência, suas manifestações externas.

Foi apenas na virada dos séculos 17 e 18 que o retrato russo finalmente tomou forma como um gênero independente. Além disso, tendo percorrido um longo caminho desde o signo da superioridade social, desenvolve-se com sucesso na primeira metade do século XIX, atingindo o topo nos retratos da segunda metade do século XIX, marcando pela emotividade das imagens e da beleza da forma plástica. Humanismo, atenção especial a uma pessoa é uma das principais características do retrato russo. Graças a essas qualidades, que reconhecem o valor de uma pessoa, o retrato é especialmente desenvolvido na arte russa.

Nikolay Nikolaevich Ge (1831-1894)

Artista russo. Nasceu em Voronezh em 15 (27) de fevereiro de 1831 na família de um fazendeiro. Ele estudou nos departamentos de matemática das universidades de Kiev e Petersburgo (1847-1850), depois ingressou na Academia de Artes, onde se graduou em 1857. Ele foi muito influenciado por K.P. Bryullov e A.A. Ivanova. Ele viveu em Roma e Florença (1857-1869), em São Petersburgo e de 1876 - na fazenda Ivanovsky na província de Chernigov. Foi um dos fundadores da Associação dos Itinerantes (1870). Ele pintou muitos retratos. Ele começou a trabalhar em retratos enquanto ainda estudava na Academia de Artes. Ao longo dos longos anos de criatividade, ele pintou muitos de seus contemporâneos. Estas eram principalmente figuras culturais avançadas. MIM. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi e outros. Ge possui um dos melhores retratos de I.A. Herzen (1867, Galeria Tretyakov) - a imagem de um revolucionário russo, um lutador ardente contra a autocracia e a servidão. Mas a transferência de semelhança externa não se limita de forma alguma à intenção do artista. O rosto de Herzen, como se arrancado do crepúsculo, refletia seus pensamentos, a determinação inflexível de um lutador pela justiça social. Ge capturou neste retrato uma figura histórica espiritual, encarnando a experiência de toda a sua vida, cheia de luta e ansiedade.

Suas obras diferem das de Kramskoy em sua emoção e drama. Retrato do historiador N.I. Kostomarov (1870, Galeria Tretyakov) é escrito de uma beleza incomum, temperamental, fresca e livre. O autorretrato foi pintado pouco antes de sua morte (1892-1893, KMRI), o rosto do mestre é iluminado com inspiração criativa. Retrato de N.I. Petrunkevich (1893) foi pintado pelo artista no final de sua vida. A garota é retratada quase em pleno crescimento na janela aberta. Ela está imersa na leitura. O rosto de perfil, a inclinação da cabeça e a postura expressam um estado de reflexão. Como nunca antes, Ge prestou muita atenção ao fundo. A harmonia de cores testemunha os poderes não gastos do artista.

Desde a década de 1880, Ge se tornou um amigo próximo e seguidor de L.N. Tolstoi. Em um esforço para enfatizar o conteúdo humano do sermão do evangelho, Ge muda para uma maneira cada vez mais livre de escrever, acentuando os contrastes de cor e luz até o limite. O mestre pintou retratos maravilhosos cheios de espiritualidade interior, incluindo um retrato de L.N. Tolstoi em sua mesa (1884). Na imagem de N.I. Petrunkevich contra o fundo de uma janela aberta para o jardim (1893; ambos os retratos na Galeria Tretyakov). Ge morreu na fazenda Ivanovsky (província de Chernigov) em 1 (13) de junho de 1894.

Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Nasceu em Tobolsk em 21 ou 23 de dezembro de 1833 (2 ou 4 de janeiro de 1834). Ele era o filho ilegítimo do promotor local, Barão G.K. Kridener, o sobrenome "Perov" foi dado ao futuro artista na forma de um apelido por seu professor de alfabetização, um diácono supranumerário. Ele estudou na Escola de Pintura Arzamas (1846-1849) e na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (1853-1861), onde um de seus mentores foi S.K. Zaryanko. Experimentou uma influência especial do P.A. Fedotov, um mestre da gráfica de revistas satíricas e de mestres estrangeiros - W. Hogarth e pintores de gênero da escola de Düsseldorf. Viveu em Moscou. Foi um dos membros fundadores da Associação dos Itinerantes (1870).

Os melhores retratos do mestre pertencem à virada dos anos 60-70: F.M. Dostoiévski (1872, Galeria Tretyakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Tretyakov), I.S. Turgenev (1872, RM). Particularmente expressivo é Dostoiévski, completamente perdido na meditação dolorosa, nervosamente cruzando as mãos sobre os joelhos, a imagem do mais alto intelecto e espiritualidade. O romance sincero de gênero se transforma em simbolismo, imbuído de uma triste sensação de fragilidade. Retratos do mestre (V.I.Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, todos os retratos - 1872), atingindo uma tensão espiritual sem precedentes para a pintura russa. Não admira que o retrato de F.M. Dostoiévski (1872) é justamente considerado o melhor na iconografia do grande escritor.

Nas últimas décadas de sua vida, o artista descobre um talento extraordinário de escritor-ensaísta (histórias de Tia Mary, 1875; Sob a Cruz, 1881; e outras; a última edição é as Histórias de um Artista, Moscou, 1960) . Em 1871-1882 Perov lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, onde entre seus alunos estava o N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov morreu na vila de Kuzminki (naqueles anos - perto de Moscou) em 29 de maio (10 de junho) de 1882.

Nikolay Alexandrovich Yaroshenko (1846-1898)

Nasceu em Poltava em 1 (13) de dezembro de 1846 no seio de uma família de militares. Ele se formou na Academia de Artilharia Mikhailovskaya em São Petersburgo (1870), serviu no Arsenal, em 1892 ele se aposentou com o posto de Major General. Estudou pintura na Escola de Desenho da Sociedade de Incentivo às Artes em I.N. Kramskoy e na Academia de Artes (1867-1874). Ele viajou muito - para os países da Europa Ocidental, Oriente Próximo e Oriente Médio, os Urais, o Volga, o Cáucaso e a Crimeia. Foi membro (desde 1876) e um dos dirigentes da "Associação dos Andarilhos". Ele viveu principalmente em São Petersburgo e Kislovodsk.

Suas obras podem ser chamadas de um tipo de retrato "Bombeiro" e "Prisioneiro" (1878, Galeria Tretyakov). "Bombeiro" é a primeira imagem de um operário da pintura russa. "Prisioneiro" é uma imagem real durante os anos do tempestuoso movimento revolucionário populista. "Kursistka" (1880, Museu Estatal Russo), uma jovem garota com livros caminhando ao longo da calçada úmida de São Petersburgo. Toda a época da luta das mulheres pela independência da vida espiritual encontrou expressão nesta imagem.

Iarochenko era um engenheiro militar muito educado e de caráter forte. O artista itinerante serviu aos ideais democráticos revolucionários com sua arte. Mestre do gênero social e retrato no espírito dos “Wanderers”. Ele ganhou um nome para si mesmo com composições pictóricas isoladas que apelam à simpatia pelo mundo dos marginalizados socialmente. Um tipo especial de expressão alarmante e "conscienciosa" dá vida aos melhores retratos de Yaroshenko (P.A.). Yaroshenko morreu em Kislovodsk em 25 de junho (7 de julho) de 1898.

Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

Nasceu na província de Voronezh no seio da família de um oficial menor. Desde a infância, ele gostava de arte e literatura. Depois de se formar na escola distrital em 1850, ele serviu como escriba e depois como retocador para fotógrafo.

Em 1857, ele acabou em São Petersburgo e trabalhou em um estúdio fotográfico. No outono do mesmo ano, ele ingressou na Academia de Artes.

A área predominante de realização artística para Kramskoy continuou sendo o retrato. Kramskoy, no gênero do retrato, é ocupado por uma personalidade exaltada e altamente espiritual. Ele criou uma galeria inteira de imagens das maiores figuras da cultura russa - retratos de Saltykov - Shchedrin (1879, Galeria Tretyakov), N.A. Nekrasov (1877, Galeria Tretyakov), L.N. Tolstoi (1873, Galeria Tretyakov), P.M. Tretyakov (1876, Galeria Tretyakov), I.I. Shishkin (1880, Museu Estatal Russo), D.V. Grigorovich (1876, Galeria Tretyakov). pintura de retratos artística

A maneira artística de Kramskoy é caracterizada por uma certa secura protocolar, pela monotonia das formas composicionais, dos esquemas, já que no retrato são perceptíveis os traços da obra de um retocador na juventude. O retrato de A.G. Litovchenko (1878, Galeria Tretyakov) com pitoresca riqueza e beleza em tons de marrom e oliva. Também foram criadas obras coletivas de camponeses: "Polesovshchik" (1874, Galeria Tretyakov), "Mina Moiseev" (1882, Museu do Estado Russo), "Camponês com freio" (1883, KMRI). Kramskoy recorreu repetidamente a essa forma de pintura, na qual dois gêneros entraram em contato - o retrato e o cotidiano. Por exemplo, as obras da década de 1980: "Desconhecido" (1883, Galeria Estadual Tretyakov), "Dor Inconsolável" (1884, Galeria Estadual Tretyakov). Um dos pontos altos da obra de Kramskoy é o retrato de Nekrasov, Auto-retrato (1867, Galeria Estatal Tretyakov) e o retrato do agrônomo Vyunnikov (1868, Museu da BSSR).

Em 1863-1868, Kramskoy lecionou na Escola de Desenho da Sociedade para o Encorajamento dos Artistas. Em 1870, Kramskoy se tornou um dos fundadores do TPHV. Ao escrever um retrato, Kramskoy costumava recorrer a técnicas gráficas (uso de mosto, cal e lápis). É assim que os retratos dos artistas A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Museu Estatal Russo. Kramskoy é um artista de grande temperamento criativo, um pensador profundo e original. Sempre lutou por uma arte realista avançada, por seu conteúdo ideológico e democrático. Ele trabalhou frutuosamente como professor (na Escola de Desenho da Society for the Encouragement of Arts, 1863-1868). Morreu Kramskoy em São Petersburgo em 24 de março (5 de abril) de 1887.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930)

Nasceu em Chuguev, na província de Kharkov, na família de um colono militar. Ele recebeu sua formação artística inicial na escola de tipógrafos e de artistas locais I.M. Bunakov e L.I. Persanova. Em 1863 ele veio para São Petersburgo, estudou na Escola de Desenho da Sociedade para o Encorajamento dos Artistas com R.K. Zhukovsky e I.N. Kramskoy foi então admitido na Academia de Artes em 1864.

Repin é um dos melhores retratistas da época. Toda uma galeria de imagens de seus contemporâneos foi criada por ele. Com que habilidade e poder eles são capturados em suas telas. Nos retratos de Repin, tudo é pensado ao extremo, cada característica é expressiva. Repin tinha a maior habilidade do instinto de um artista para penetrar na própria essência das características psicológicas, continuando as tradições de Perov, Kramskoy e Ge, ele deixou as imagens de escritores, compositores e atores famosos que glorificaram a cultura russa. Em cada caso individual, ele encontrou diferentes soluções composicionais e colorísticas com as quais pôde revelar de forma mais expressiva a imagem da pessoa retratada no retrato. Com que nitidez o cirurgião Pirogov aperta os olhos. Os olhos tristemente belos do artista Strepetova (1882, Galeria Tretyakov) estão disparando, e como o rosto afiado e inteligente do artista Myasoedov é pintado, o pensativo Tretyakov. Com a verdade impiedosa, ele escreveu "Protodeacon" (ministro da igreja 1877, RM). Paciente M.P. Mussorgsky (1881, Galeria Tretyakov), poucos dias antes da morte do compositor. Os retratos do jovem Gorky, do sábio Stasov (1883, Museu Estatal Russo) e de outros são sinceros. "Bouquet de outono" (1892, Galeria Tretyakov) é um retrato da filha de Vera, com o rosto da filha do artista brilhando no calor sombra de um chapéu de palha. Com muito amor, Repin transmitiu um rosto atraente por sua juventude, alegria, saúde. A vastidão dos campos, ainda floridos, mas tocados pelo amarelo da relva, o verde das árvores, a transparência do ar conferem um tom revigorante ao trabalho.

O retrato não era apenas o gênero principal, mas também a base subjacente do trabalho de Repin em geral. Ao trabalhar em grandes telas, ele sistematicamente se voltou para esboços de retratos para esclarecer a aparência e a caracterização dos personagens. Tal é o retrato corcunda associado à pintura Procissão Religiosa na província de Kursk (1880-1883, Galeria Tretyakov). Do corcunda, Repin enfatizou persistentemente a prosaica e miserável das roupas do corcunda e de toda a sua aparência, a banalidade da figura é maior do que sua tragédia e solidão.

A importância de Repin na história da arte russa é enorme. Em seus retratos, sua proximidade com os grandes mestres do passado foi especialmente afetada. Em seus retratos, Repin atingiu o ponto mais alto de seu poder pictórico.

Os retratos de Repin são surpreendentemente atraentes em termos de letras. Ele cria tipos folclóricos agudos, numerosas imagens perfeitas de figuras culturais, graciosos retratos seculares (Baronesa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). As imagens dos parentes do artista são especialmente sinceras: várias pinturas com a esposa de Repin, N.I. Nordman-Severovoy. Seus retratos puramente gráficos, executados em lápis de grafite ou carvão, também são virtuosos (E. Duse, 1891; Princess M.K. Tenisheva, 1898; V.A.Serov, 1901). Repin também se mostrou um professor destacado: foi catedrático da oficina (1894-1907) e reitor (1898-1899) da Academia de Artes, ao mesmo tempo em que lecionava na escola de oficinas de Tenisheva.

Após a Revolução de Outubro de 1917, o artista viu-se isolado da Rússia, quando a Finlândia conquistou a independência, nunca se mudou para a sua terra natal, embora mantivesse contacto com amigos que aí viviam (em particular, com K.I. Chukovsky). Repin morreu em 29 de setembro de 1930. Chukovsky em 1937 publicou uma coleção de suas memórias e artigos sobre arte (Dalekoye Close), que foi reimpresso várias vezes.

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911)

Nasceu em São Petersburgo na família do compositor A.N. Serov. Desde a infância V.A. Serov estava rodeado de arte. Repin era o professor. Serov trabalhou perto de Repin desde a infância e logo descobriu o talento e a independência. Repin o enviou para a Academia de Artes do P.P. Chistyakov. O jovem artista conquistou respeito e seu talento foi admirado. Serov escreveu "Garota com Pêssegos". A primeira grande obra de Serov. Apesar do tamanho pequeno, a imagem parece muito simples. Ele é pintado nas cores rosa e dourado. Recebeu um prêmio da Sociedade de Amantes da Arte de Moscou por esta pintura. No ano seguinte, Serov pintou um retrato de sua irmã Maria Simonovich e mais tarde chamou-o de "A Garota ao Sol" (1888). A garota está sentada à sombra, e a clareira ao fundo é iluminada pelos raios do sol da manhã.

Serov se tornou um pintor de retratos da moda. Escritores famosos, aristocratas, artistas, pintores, empresários e até czares posaram à sua frente. Na idade adulta, Serov continuou a escrever para parentes, amigos: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov cumpriu as ordens dos coroados - Alexandre III e Nicolau II. O imperador é representado em uma jaqueta simples do regimento Preobrazhensky; esta pintura (destruída em 1917, mas preservada na réplica do autor do mesmo ano; a Galeria Tretyakov) é frequentemente considerada o melhor retrato do último Romanov. O mestre pintou funcionários nobres e empresários. Em cada retrato, Serov trabalhava até à exaustão, com total dedicação, como se o trabalho iniciado fosse o seu último. A impressão de uma arte espontânea e leve foi intensificada nas imagens de Serov também porque ele trabalhou livremente em uma variedade de técnicas (aquarela, guache, pastel), minimizando a diferença entre um esboço e uma pintura ao mínimo ou mesmo nenhuma. O desenho em preto e branco sempre foi um tipo de criatividade igual ao do mestre (o valor inerente deste último foi fixado em sua obra desde 1895, quando Serov executou um ciclo de esboços de animais, trabalhando em ilustrações das fábulas de I.A.Krylov).

Na virada dos séculos 19 e 20. Serov se torna quase o primeiro pintor de retratos na Rússia, se alguém a este respeito é inferior, então apenas um Repin.

Parece que o melhor de tudo ele consegue imagens líricas íntimas de mulheres e crianças (N.Ya.Derviz com uma criança, 1888-1889; Mika Morozov, 1901; ambos os retratos - Galeria Tretyakov) ou imagens de pessoas criativas (A. Mazini , 1890; K.A.Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N.A. Mas os retratos seculares ainda mais formais combinam organicamente a arte sutil com o dom igualmente sutil de um artista-psicólogo. Entre as obras-primas do "secular" Serov - Conde F.F. Sumarokov-Elston (mais tarde - Príncipe Yusupov), 1903, Museu Russo; G.L. Girshman, 1907; NO. Hirschman, 1911; I A. Morozov, 1910; Princesa O.K. Orlova, 1911; todos - no mesmo lugar).

Nos retratos do mestre durante esses anos, a Art Nouveau domina completamente com seu culto a uma linha forte e flexível, gestos e posturas monumentais e cativantes (M. Gorky, 1904, Museu de A.M. Gorky, Moscou; M.N. Ermolov, 1905; F.I. Chaliapin , carvão, giz, 1905; ambos os retratos estão na Galeria Tretyakov; Ida Rubinstein, têmpera, carvão, 1910, Museu Russo). Serov deixou uma grata memória de si mesmo como professor (em 1897-1909 ele lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, onde entre seus alunos estavam K.F. Yuon, N.N.Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, KS Petrov -Vodkin). Serov morreu em Moscou em 22 de novembro (5 de dezembro) de 1911.

“Você só pode acreditar nesses retratos
Em que os modelos são quase invisíveis,
Mas o Artista é claramente visível. "
Oscar Wilde.
A primeira metade do século 19 na vida da sociedade russa foi dramática no início, mas também romântica depois. Os acontecimentos da guerra de 1812, a derrota do exército russo e a tomada de territórios por Napoleão no início do século, a marcha vitoriosa pela Europa e o surgimento da identidade nacional tornaram-se a base para o subsequente surgimento e formação de interesses no conhecimento de uma determinada pessoa em momentos importantes de sua vida, em seu mundo interior e em suas experiências. Um pouco antes, essas tendências se manifestaram na Europa e deram origem à arteromantismo,que na Rússia adquiriu sua peculiaridade: no início do século, ele foi heróico, associado a interessado em cultura e história nacionais, aos talentos nacionais. E isso levou a realizações notáveis ​​no retrato, que conectou diretamente o artista com a sociedade e com contemporâneos notáveis.
Um dos retratistas mais famosos da época foiOrest Kiprensky (1782-1836) , em cuja arte mesmo um períodorefletia tanto as características do classicismo quanto do romantismo.

Kiprensky viveu uma vida tempestuosa, em que tudo era: ilegitimidade de mãe serva, sobrenome inventado, treinamento desde os 6 anos em uma escola da Academia de Artes sob a liderança de Levitsky, acusação de fraude quando tinha 22 anos. velho artista apresentou um retrato de seu pai adotivo na Itália (eles primeiro contaram esta obra por uma obra-prima desconhecida de Rubens ou Rembrandt).

Ele era excepcionalmente bonito e louco de paixão, possuía um temperamento frenético e impressionabilidade, experimentou um aumento na fama na Itália e na Rússia (onde foi chamado de "Van Dyck russo"). E então tudo foi por água abaixo: rumores sobre o assassinato de sua modelo, a adoção do catolicismo e casamento desnecessário, embriaguez, pobreza e morte longe de casa.

Em sua lápide em Roma está escrito: "Em memória de Orest Kiprensky, o mais famoso entre os artistas russos." (Mais informações sobre sua biografia podem ser encontradas aqui:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Outro pintor notável da época,Alexei Venetsianov (1780-1847) o lugar principal na obra foi ocupado pela imagem do trabalho e da vida dos camponeses, algo idealizada e suavizada.

Começou a sua carreira na arte dos venezianos com aulas de desenho, que lhe foram ministradas pelo seu "tio" (tutor), desenhista competente. Naquela época, como lembramos, o gênero principal era o retrato, e o jovem autodidata, depois de pintar um retrato de sua mãe, decidiu se dedicar à pintura, foi para Petersburgo e trabalhou como desenhista nos correios.

A sorte fez dele um aluno de Borovikovsky, aos poucos ele ganhou alguma fama e foi capaz de se dedicar inteiramente à pintura. Logo após seu casamento, Venetsianov comprou uma pequena propriedade e mergulhou completamente em uma nova direção para a pintura russa - retratos e cenas de gênero da vida camponesa. Ao mesmo tempo, ele descobriu uma segunda vocação em si mesmo - ensinar crianças camponesas talentosas a pintar, e até mesmo comprou alguns que eram servos. Ele criou mais de 70 alunos competentes em sua “Escola Venetsianov”.

"O realismo poético inicial de Venetsianov, que se tornou um estágio tão necessário no desenvolvimento da pintura russa, também coloriu seu trabalho de retratos, enriquecendo assim todo o retrato russo desse período."
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html ) Os últimos anos de sua vida foram difíceis: sua esposa morreu de cólera, não havia dinheiro suficiente, suas filhas não puderam se casar, muitos alunos traíram seus ideais e pintaram incríveis cenas felizes da vida camponesa e retratos embelezados. A artista morreu de maneira absurda e terrível: os cavalos da carroça foram carregados, suas mãos se enredaram nas rédeas e por vários quilômetros seu corpo atirado para fora da carroça correu atrás dela sobre as pedras. (Uma biografia detalhada do artista pode ser encontrada aqui:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Outro artista notável da primeira metade do século 19Alexandra Ivanova (1806-1858)

o retrato, via de regra, não era o principal da obra, era um esboço auxiliar para a realização de uma grande tela histórica ou histórico-religiosa. Lembra-se de toda a sala de retratos de vários tamanhos e esboços na Galeria Tretyakov, pintados pelo artista para o quadro principal de sua vida - "A Aparição de Cristo ao Povo"? Alguns críticos de arte acreditam que os esboços superaram o valor do quadro em si, que se revelou enorme (5,4m x 7,5m), inspirando respeito, pintado há mais de 20 anos, mas sem tocar a alma, na minha opinião. Mas cada esboço para ela pode ser considerado uma pintura completa, olha só essa cabeça, afinal, esse é um retrato de Gogol, só que com barba e longos cabelos cacheados.

Dos 25 anos e quase até o fim da vida, o artista viveu na Itália, praticamente na pobreza e às vezes até passando fome, nunca criando uma família, embora também tivesse um grande amor pela bela italiana Vittoria Caldoni, que preferia o seu amigo, o artista plástico Lapchenko. (É interessante escrever sobre isso aqui:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .

Ele não tinha sorte com as mulheres. Por cerca de oito anos ele morou com alguma Teresa (há uma menção dela em sua correspondência), ela sempre arranjava cenas para ele e mais de uma vez o roubava. Havia outra mulher por quem ele estava apaixonado, a condessa Apraksina, mas ela foi dada em casamento a outra. Retornando à Rússia, Ivanov um mês depois foi infectado com cólera e morreu.
Um lugar especial na pintura de retratos é ocupado pelo trabalho de outro artista russo, que muitas vezes introduzia detalhes de gênero em suas pinturas de retratos. Isso é sobrePavel Fedotov (1815-1852) ,

militar de carreira, capitão da guarda, que deixou o serviço e se dedicou à arte por ordem de Nikolaieu, que aprendeu sobre as grandes habilidades do "desenhista". E ele começou a desenhar como um artista de batalha, ele foi atraído por cenas de batalhas em grande escala, e também caricaturas e caricaturas de seus companheiros no corpo de cadetes. Fedotov ia deixar o serviço militar ainda antes da ordem do czar, e o fabulista Krylov, que viu o seu trabalho e o aconselhou a "denunciar a maldade da vida russa e assim contribuir para a sua melhoria", também o chamou a fazê-lo. Todos vocês conhecem suas famosas cenas de gênero, que foram de grande interesse para o espectador, mas no retrato ele se mostrou um artista notável, observador e franco.

Às vezes, ele conseguia andar metade da cidade atrás de algum tipo de que gostasse para melhor vê-lo em movimento e depois retratá-lo em uma das cenas planejadas. Ele vivia com seu batman muito modestamente, às vezes até na pobreza, mas ajudava sua família - seu pai e irmãs.

O fim de sua curta vida foi terrível - ele morreu em um hospital psiquiátrico, na enfermaria de tumultos de pleurisia, foi sepultado apenas por seus fiéis ordenanças, seus amigos nem foram avisados. (Uma biografia detalhada pode ser encontrada aqui:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Um pintor brilhante, um excelente pintor de retratos, um muralista talentoso, um aquarelista maravilhoso, clássico e romântico - todos esses epítetos não são um exagero quando falamos deeste artista.

O próprio Deus ordenou que ele se tornasse um artista, permitindo-lhe nascer na família de um artista e professor da Academia de Artes de São Petersburgo, Pavel Bryullo. Já aos 10 anos, entrou na Academia e surpreendeu os professores com o seu talento e técnica, facilidade de escrita e eficiência. Em 1822, acrescentando ao seu sobrenome "v" no final, Bryullov, junto com seu irmão, fez uma turnê pela Europa sob as instruções da "Sociedade para o Encorajamento dos Artistas". Suas obras, escritas na Itália, foram um grande sucesso e receberam elogios do próprio Nikolai. eu ... Ele pinta um grande número de retratos por encomenda, usando uma variedade de técnicas e estilos artísticos do barroco ao realismo, introduzindo detalhes e móveis do cotidiano.

Voltando à sua terra natal como um artista conhecido, ele se torna um pintor de retratos em demanda na alta sociedade, muitos nobres, políticos, escritores consideram uma honra ter seu próprio retrato de Bryullov.

Em 1847, após um forte resfriado, o reumatismo de Bryullov piorou e o trabalho de um coração doente piorou desde a infância, ele ficou deitado na cama por sete meses por insistência dos médicos, mas continuou a trabalhar.

A pedido dos mesmos médicos em 1849, Bryullov mudou-se para a ilha da Madeira, depois para uma pequena localidade perto de Roma, pintou vários retratos, mas estes já lhe foram entregues com dificuldade, e em 1852 o artista morre, deixando muitos inacabados trabalhos e esboços em estúdio. (A biografia completa pode ser lida aqui :(http://art19.info/brullov/biography.html ).
Gradualmente nos aproximamos de meados do século XIX, quando na arte russa em geral, e na pintura em particular, grandes mudanças estavam maduras, associadas a mudanças na situação no país e no clima da sociedade. “Nasceu a arte realista nacional, que se propôs a refletir a vida da sociedade e das pessoas ...” (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Embora eu não goste de tais definições, por considerá-las rebuscadas, sou de opinião que a pintura (e a arte em geral) não é obrigada a "estabelecer metas" para refletir alguma coisa, mas este não é o lugar para esta conversa .
EraVasily Perov (1834-1882) .

Seu sobrenome foi inicialmente um apelido dado a ele por um professor de gramática por suas boas "habilidades com a caneta", que mais tarde foi fixado como o único. Ele era o filho ilegítimo do Barão Credener, que o criou em sua família. Perov é conhecido principalmente por suas pinturas de gênero, algumas das quais são claramente de natureza acusatória (por exemplo, "Troika", familiar para muitos do livro soviético "Rodnaya Rech"), mas estamos interessados ​​em retratos, muitos dos quais são considerados obras-primas do gênero.

“Este retrato não é apenas o melhor retrato de Perov, mas também um dos melhores retratos da escola russa em geral. Todos os pontos fortes do artista são evidentes nele: caráter, força de expressão, enorme relevo. ” É assim que Ivan Kramskoy descreveu este trabalho. Perov pinta uma série de retratos de escritores e músicos russos, incluindo retratos magníficos de Turgueniev, Rubinstein, Ostrovsky.

O artista Nesterov fala de maneira notável sobre seus retratos da época: "... Expressos em cores tão antiquadas, desenhos rústicos, os retratos de Perov viverão muito e não sairão de moda como os retratos de Lucas Cranach e retratos escultóricos antigos. "
A criatividade dos últimos anos de sua curta vida é considerada malsucedida, e a própria vida se desenvolveu tragicamente: a morte de sua esposa, a perda de dois filhos mais velhos, infecção com tuberculose. Doença longa, grave e incurável na época agravada pelo tifo e pneumonia, o artista morreu aos 48 anos e foi sepultado no cemitério do Mosteiro de Donskoy. (Mais detalhes aqui:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Um dos artistas mais brilhantes da época, que experimentou os gêneros cotidianos e históricos, mas se tornou famoso principalmente graças aos retratos de seus contemporâneos, foiIvan Kramskoy (1837-1887).


Toda a sua vida é uma contradição completa: ele foi um acadêmico e ao mesmo tempo um lutador contra o academicismo, foi um fervoroso admirador de Chernyshevsky, mas pintou retratos de membros da família real. Famoso por sua pintura magistral de retratos, o artista, porém, considerava para si esse tipo de pintura um fardo, um dever, uma “arte falsa” que possibilitava sustentar uma família, mas o desviava do que gostaria. fazer - “a busca da finalidade da existência humana e a resolução dos problemas sociopolíticos por meio da pintura”.

E nós, os descendentes, tivemos a sorte de, para manter o padrão de vida da família, o artista ter tido que fazer encomendas de um grande número de retratos, graças aos quais temos a oportunidade de ver os rostos de muitas pessoas proeminentes de daquela vez.

Kramskoy conheceu sua futura esposa quando tinha 22 anos, ela era uma mulher mantida por um artista pouco conhecido, e quando ele foi para o exterior, tornou-se esposa de Kramskoy, deu-lhe 6 filhos, dos quais dois sobreviveram, era sua assistente e não o apoiava apenas na vida cotidiana, mas também nas atividades do "Artel Artista" liderado por seu marido.

Os últimos anos da vida do artista foram ensombrados pela busca incessante de ganhos, o trabalho forçado e incômodo de retratos por encomenda, a inviabilidade do desejo de se dedicar a outros assuntos, problemas de saúde e dores no coração, que ele tentou suprimir com morfina. Ele morreu antes dos 50 anos, enquanto trabalhava no próximo, último retrato (do médico Rauchfus) de um aneurisma de aorta rompido, era impossível ajudá-lo.
E sobre outro pintor de origem francesa e um destino em zigue-zague incomum,Nicolae Ge (Gay) (1831-1894) ,

que iniciou seu trabalho com histórias do evangelho, ficou famoso a princípio por pinturas sobre temas históricos, que, junto com Myasoedov, participou ativamente da criação da Associação de Exposições Viajantes, que partiu para o deserto para se dedicar à agricultura, fez amigos com Leo Tolstoy e nos deixou retratos de muitos de seus grandes contemporâneos. Fato biografia interessante: Ge conheceu Herzen na Itália,

ele pintou um retrato magnífico dele e só conseguiu entregá-lo à Rússia sob o disfarce do profeta Moisés, já que Herzen vivia no exílio e o retrato "desse rebelde" poderia ter sido destruído por gendarmes na fronteira. Desde a década de 1880, Ge tornou-se não apenas um seguidor de Leão Tolstói, mas também seu amigo,

está experimentando um avivamento espiritual, declara que se deve viver apenas pelo trabalho honesto, e "a arte não pode ser comercializada." No final da vida do artista, o tema dos últimos dias de Cristo estava ocupado. Ele disse: "Vou abalar todos os seus cérebros com o sofrimento de Cristo." Mas seu novo estilo, antecipando o surgimento do expressionismo, não foi aceito pelo público e pela crítica. A morte súbita aos 63 anos interrompeu sua busca por novos meios de expressão, os contemporâneos não entendiam que “avanço grandioso o artista fezSéculo 19 para a estética angustiante do próximo século. " (Anna Ontem.