Ang sketch ay isang gawa ng pagpipinta ng isang pantulong na kalikasan at may limitadong sukat, na ganap na ginawa mula sa buhay.

Nagtatrabaho sa open air sa isang sketch, itinatakda ng artist ang kanyang sarili ang gawain ng matapat at buhay na sagisag ng kalikasan sa pagpipinta.

Ang mga sketch ay maaaring isang paraan ng pag-aaral ng kalikasan, mga pagsasanay na pang-edukasyon para sa artist, at isang paraan ng pagpapabuti ng kanyang mga kasanayan. Madalas silang nagsisilbing materyal para sa paghahanda ng isang pagpipinta, halimbawa, pag-aaral ng mga indibidwal na lugar, lugar, puno, mga dahon at iba pang mga detalye na interesado sa pintor. Ang patuloy na pagtatrabaho sa mga ito sa lokasyon ay nakakatulong sa paglikha ng mga landscape.

Binibigyang-daan ka ng sketch painting na palakihin ang iyong mata, palakasin ang iyong kamay, at pagbutihin ang iyong mga kasanayan sa pagpipinta.

Ang isang sketch ay nangangailangan ng isang maingat na ginawang pagguhit, na dapat ay tumpak at totoo hindi lamang sa sukat, kundi pati na rin sa mga indibidwal na detalye at ang mga ugnayan sa pagitan nila. Ang mahalaga para sa kanya ay isang pangkalahatang eskematiko na pagguhit mula sa buhay na walang labis na detalye, katapatan at katumpakan ng mga pangunahing linya at balangkas ng mga bagay. Sa pagguhit, kailangang maiparating ng pintor ang kanyang naobserbahan at pinag-aaralan sa kalikasan. Gayunpaman, hindi lamang kung ano ang nakita, kundi pati na rin pangkalahatan - mahalaga, mahalaga, nang walang maliliit na detalye.

Ang pagguhit para sa sketch ay ginagawa sa papel, karton o direkta sa primed surface ng canvas na may lapis, uling, ngunit pinakamaganda sa lahat na may brush, isang pintura.

Sa gawain ng aming mga masters sa landscape, ang sketch ay inookupahan at sinasakop pa rin ang isang napakahalagang lugar. Mga hindi maunahang masters Ang pagpipinta ng sketch ay sina A.K. Sa mga tuntunin ng kanilang pagkakumpleto at artistikong kasanayan sa pagpapatupad, marami sa kanilang mga sketch ay maaaring ituring na mga gawa ng kahusayan. malayang kahulugan.

Kapag lumilikha ng mga sketch, karaniwang itinatakda ng mga artista ang kanilang sarili ng ilang mga gawain, nilulutas ang mga ito gamit ang iba't ibang mga pamamaraan, depende sa indibidwal na katangian ang pintor mismo.

Pagkilala sa gawain sa mga sketch ng mga indibidwal na pintor ng landscape, ang kanilang mga pamamaraan ng pagsasagawa ng mga gawang ito, teknikal na mga tampok Ang pagtatrabaho sa mga ito ay walang alinlangan na interes para sa isang bata, baguhang artista, at makakatulong sa kanya na maiwasan ang maraming pagkakamali.

Namumukod-tanging Guro landscape N.K. Roerich na nakatalaga sa sketch painting magandang lugar sa kanyang pagkamalikhain. Gaya ng nabanggit na, malikhaing pamamaraan Ibinatay ni Roerich ang paglikha ng kanyang trabaho sa malapit, maalalahanin na pagmamasid at patuloy, insightful na pag-aaral ng kalikasan. Kapag nagsimulang magsulat ng isang sketch, una sa lahat ay itinakda niya ang kanyang sarili ng isang napaka-tiyak na gawain, ang solusyon na kanyang hinahangad. Ang ideya ng komposisyon ng trabaho, na lumitaw sa kaluluwa ng artist bilang isang resulta ng kanyang mga obserbasyon at pag-aaral ng kalikasan, ay naisip niya bago magsimula. gawaing pagpipinta. Kailan istrukturang komposisyon Ang sketch ay napagpasyahan sa pag-iisip, nang matukoy ang balangkas ng komposisyon at ang pangunahing coloristic na solusyon ay nakabalangkas, si Roerich ay nagsimulang gumuhit ng mga sketch, at pagkatapos ay magpinta.

Sa proseso ng mahabang pag-aaral ng kalikasan, ang sandali na natagpuan at sinaktan siya ng pintor ang naging batayan ng impresyon sa kanya; malikhaing natanto at naproseso sa pag-iisip na impresyon at ang resulta masining na imahe ay patuloy na napanatili sa memorya habang nagtatrabaho sa sketch.

Alam na alam na ang dating naobserbahan sa kalikasan ay hindi na muling makikita, mabilis na isinulat ni Roerich ang kanyang mga sketch, sa loob ng ilang oras. Kung hindi, imposibleng ihatid sa lahat ng paunang pagiging bago at kamadalian ng unang impresyon ito o ang estado ng kalikasan, dahil pagkatapos ng isang araw, at kung minsan pagkatapos ng ilang oras, ito ay magiging ganap na naiiba.

Naniniwala si Roerich na, siyempre, napakahalaga na mailarawan ang nakikita mo sa kalikasan, ngunit hindi gaanong mahalaga na makita kung ano ang gusto mong ilarawan. Ito, ayon kay Roerich, ay ang pangunahing kalidad ng isang artista, na binubuo sa katotohanan na ang isang tao ay dapat tumingin sa kalikasan hindi sa walang malasakit na tingin ng isang tagamasid, ngunit sa isang mapagmahal, madamdamin na titig, sa isip na pagpili at pagpuna sa kung ano ang gusto ng isang tao. Kung hindi mo ilalagay ang lahat ng simbuyo ng damdamin ng iyong kaluluwa, ang lahat ng iyong pagmamahal para dito sa pag-aaral ng kalikasan, hindi mo na kailangang ipinta ito.

Sa isang sketch, dapat ay makakahanap ka ng mga simpleng solusyon sa mga gawaing itinakda mo mismo, na tila hindi kumplikado sa manonood. Ang mga desisyong ito, parehong komposisyon at sa mga tuntunin ng kulay at disenyo, ay dapat na laconic. Gayunpaman, nangangailangan ito hindi lamang ng karanasan, kundi pati na rin ang matatag na pagtitiwala sa pangunahing layunin na itinakda sa gawaing ito. Ang artist ay dapat na makapag-focus sa paglutas at pagkamit ng layuning ito, sa pangunahing bagay, at hindi sa pangalawa, gamit ang lahat ng kanyang mga kakayahan sa komposisyon at pagpipinta. Konsentrasyon, kalmado, ang kakayahang makita at i-highlight ang pangunahing bagay, bilis at katumpakan sa trabaho - ito ang susi sa tagumpay sa paglikha ng isang sketch.

Kailangan mong isulat ito sa pamamagitan ng pagkalkula ng iyong mga lakas at kakayahan, pagtukoy nang mas malaki o mas katumpakan kung gaano katagal ang estado ng kalikasan na kinagigiliwan ng artist. Kung hindi ito ginagawa, madaling magkamali - dahil nagbabago ang pag-iilaw sa lahat ng oras. Maaari rin itong mangyari tulad nito: nagsimula kang magpinta ng sketch sa ilalim ng ilang mga kundisyon, halimbawa, pininturahan mo ang lupa - ang araw ay nasa kaliwa, pagkatapos ay lumipat ka sa pagpipinta sa kalangitan, at ang araw ay tumawid na sa kabilang panig. , na hindi mo napansin at naging hindi kapani-paniwala. Hindi ka maaaring magpinta ng sketch nang masyadong mahaba - ang unang impression ng kalikasan ay mapurol, ang artist ay napapagod, unti-unting nawawala ang pagiging bago at talas ng pang-unawa.

Ang mga sketch ni Roerich ay palaging humanga sa kanilang orihinal na komposisyon, na tumutulong upang ipakita nang may pambihirang pagkakumpleto ang natatanging pagka-orihinal ng kalikasan.

Ang laki ng sketch ay walang maliit na kahalagahan para sa matagumpay na gawain ng artist. Samakatuwid, napakahalaga, na isinasaalang-alang ang iyong mga lakas at kakayahan, upang piliin para sa iyong mga sketch ang laki ng canvas na pinakamagaan at pinaka-maginhawa para sa pagtatrabaho sa medyo maikling panahon at sa parehong oras ay ginagawang posible upang makamit ang pagkakumpleto ng gawain. Karaniwang ginagamit ni Roerich ang karton na may sukat na 35.5x45.8 cm; Para sa kanyang mga sketch, gumamit siya ng mas maliit na karton.

Sa kanyang mga sketch, si Roerich, bilang panuntunan, ay pumili ng mga kulay na hindi buong lakas, ngunit sa halip ay mas mahina kaysa sa aktwal na mga ito, at hindi ganap na nagamit ang buong hanay ng kanilang palette. Sa paggawa nito, isinasaalang-alang ng artist: kung agad kang kumuha ng mga tunog, matinding tono, kung gayon kapag kailangan mong hampasin ang isang kulay na suntok, lalabas na ang buong saklaw ay nagamit na at walang kinalaman dito .

Habang nagtatrabaho sa sketch, nilimitahan ni Roerich ang kanyang palette nang hindi pinagkakalat ito ng mga hindi kinakailangang kulay, tama ang paniniwala na ang labis ay palaging humahantong sa malaking paghihirap sa pagsasama-sama ng kulay gamut sa isang solong kabuuan at inaalis ang katotohanan sa paghahatid ng mga relasyon sa kulay na sinusunod sa kalikasan.

Sa mga sketch ni Roerich, na may napakatalino na kasanayan, ang epekto ng pagsasama-sama ng tila hindi magkatugma na mga tono, na bumubuo ng panloob na pagkakaisa, at ang espesyal na pagiging simple at katapangan ng artist sa mga kaibahan ng kulay ay nakamit. Ang mga cleverly found juxtapositions of light and dark tones, bright and dull-sounding, ay nagbibigay sa kanyang mga painting ng isang pambihirang liwanag. Ang mga makukulay na tono nito ay tila napupuno at tinatablan ng liwanag. Ang ningning ng kulay ay isa sa mga kamangha-manghang katangian ni Roerich bilang isang pintor, na nagmumula sa isang madamdaming pag-aaral at pagmamasid sa kalikasan.

Si V. N. Baksheev ay nagtalaga ng maraming pansin at oras sa paggawa sa mga sketch. Ang bawat isa sa kanyang mga pintura ay pininturahan mula sa mga sketch. Nasa kanila na ang artist na sinubukan upang mahanap ang pinaka-katangian para sa napiling tema, na nakakamit hindi lamang panlabas na pagkakahawig sa kalikasan, kundi pati na rin ang panloob na kapunuan. Tiyak na nakatulong sa kanya ang mga sketch kapag lumilikha ng malalaking canvases - pinag-aralan niya ang anyo, kulay, liwanag. Gayunpaman, ang artist ay hindi kailanman walang pag-iisip na kinopya mula sa sketch, na naniniwala na ang paggawa sa isang pagpipinta ay isang malikhaing proseso kung saan ipinapahayag mo ang panloob na buhay at sikolohiya.

Ito ang sinabi ni Baksheev sa isa sa kanyang mga pag-uusap sa may-akda ng aklat na ito tungkol sa mga kinakailangan para sa sketch: " Una sa lahat, ang mga sketch ay dapat na mahigpit na iguguhit at totoo sa kulay. Kailangan mong pag-aralan nang mabuti ang kalikasan. Mahalagang alamin muna ang lahat: mga proporsyon, mga relasyon sa kulay, liwanag at mga anino - at pagkatapos lamang na magsimulang magpinta. At pagkatapos, kapag nagsimula kang magtrabaho sa mga pintura, kumbinsihin ang iyong sarili na ito ang iyong pinakamahusay na bagay, na ipinta mo ito nang maayos; tune in kaya at pagkatapos ay magsimula! Pinayuhan ako ni Polenov na maglagay muna ng maliwanag, tiyak na mga tono sa canvas, pagkatapos ay ang pinakamadilim at pinakamaliwanag; ang mga halftone ay inihambing kapwa may kaugnayan sa liwanag at madilim, at may kaugnayan sa mainit at malamig. Kailangan mong magpinta nang walang underpainting, sa mga bahagi at, kung maaari, sa buong kulay. Ang sketch ay dapat na mahusay na idinisenyo at detalyado ... Hindi ka rin maaaring magsulat ng mas mahusay kaysa sa likas na katangian, kung hindi, ito ay lalabas na mali» .

Si Baksheev ay gumugol ng iba't ibang dami ng oras sa mga sketch: nagawa niyang isulat ang ilan upang makumpleto sa loob ng isang araw, habang ang iba ay natapos niya sa mas mahabang panahon. Sa bahay, hindi siya gumawa ng anumang mga pagbabago o pagwawasto, dahil, bilang isang patakaran, ang pagpipinta ay naging mali.

Si S. V. Malyutin ay seryosong kasangkot sa sketch painting. Ang mga sketch ay maaaring nahahati sa dalawang uri. Ang ilan ay pangmatagalan: nilikha ang mga ito sa lokasyon, na may maingat na pag-elaborate ng mga form sa loob ng dalawa hanggang apat na oras at inilaan pangunahin para sa gumagana ang genre. Kasama sa pangalawang uri ang 15-20 minutong sketch na ginawa ng artist sa lokasyon sa kanyang madalas na paglalakbay sa rehiyon ng Moscow, sa Hilaga ng Russia, Crimea at iba pang mga lugar sa ating bansa. Sa mga sketch na ito ng mga karaniwang sukat (9x15 cm), na isinagawa sa mga plato ng tatlong-layer na tuyo at napapanahong plywood, hinabol ni Malyutin ang dalawahang layunin. Para sa kanya, ito ay, una, patuloy na pagsasanay ng kanyang mga mata at mga kamay sa lokasyon, at pangalawa, sa mga pag-aaral ng sketch na natagpuan ng artist ang kulay at tonal na relasyon na kailangan niya.

M. V. Nesterov ay napaka-matulungin sa pagpipinta ng sketch. Sa kanyang mga sketch maaari nating obserbahan ang isang pinag-isipang paraan ng pagpapatupad, na ganap na tumutugma sa kanyang saloobin sa ganitong uri ng pagkamalikhain. Sinabi ni Nesterov sa kanyang mga mag-aaral: " Ang isang sketch ay isang seryosong bagay! Ang mga sketch ay dapat na maingat na isulat. Hindi sila dapat maging random, ngunit naisip nang mabuti nang maaga, natagpuan at ganap na tumutugon malikhaing ideya artista. Kung nagsisinungaling ka sa sketch, magkakaroon ng higit pang mga kasinungalingan sa larawan.» .

Pangunahin nilang pinag-usapan ang tungkol sa isang pangmatagalang sketch, na kinasasangkutan ng isang malalim na pag-aaral ng hugis ng mga bagay sa kulay, na isinasaalang-alang ang scheme ng kulay ng buhay na buhay, mga kondisyon sa kapaligiran - liwanag, nakapalibot na espasyo, at ang kanilang mga impluwensya sa isa't isa.

Ngunit sa mga kurso sa pagpipinta sa paaralan ng sining Bagong Art Intention Tinuturuan namin ang mga nagsisimulang artist na mabilis na mag-record ng drawing, upang makuha sa isang sketch ang pangunahing, pinakamahalaga, o bahagi lamang ng kabuuan - isang fragment. Samakatuwid, kasama ang mga gawa na tumatagal ng buong aralin sa pagpipinta, may iba pang mga anyo ng sketch. Ito ay mga pag-aaral ng sketch, mga sketch ng mga fragment, mga sketch mula sa memorya.

Ang lahat ng mga form na ito ay may karapatang umiral. Ang tanging tanong ay kung paano pagsamahin ang mga ito nang matalino. Gumagawa lamang sa mga sketch na umuubos ng oras na may malalim at detalyadong pagguhit ng mga bagay, hindi kami makakakuha ng mga kasanayan mabilis na trabaho at hindi namin agad na makuha ang pinakamahalaga at makabuluhang mga tampok sa sketch, hindi namin matutunan na sinasadyang isakripisyo ang ilang mga detalye para sa kapakanan ng pangunahing bagay.

Sa gayong etude, kasama ang kahulugan ng istrukturang komposisyon, nalaman natin para sa ating sarili scheme ng kulay, naaalala namin ang paghahalo ng mga kulay, sa tulong kung saan nakamit namin ang ninanais na mga kumbinasyon. Ang sketch na ito ay ginanap sa loob ng kalahating oras - isang oras.

Nasa ibaba ang isang serye mabilis na mga sketch-mga sketch at sketch ng mga indibidwal na pira-pirasong solusyon para sa buhay na buhay ng mga prutas, berry at gamit sa bahay. Gumawa ng isang serye ng mga pagsasanay upang makakuha ng ilang mga kasanayan sa pagguhit ng mga maikling sketch.

Pag-aaral na gumuhit ng mga sketch.

Sa tagsibol o tag-araw, gumawa ng isang palumpon ng mga pare-parehong bulaklak, kabilang ang isa o dalawang bulaklak ng ibang uri. Unang ilagay ang gayong palumpon sa diffused light sa isang malaking silid na puno ng liwanag, sa veranda o sa hardin at magsulat ng sketch sa loob ng isa at kalahati hanggang dalawang oras. Subukang isulat ang pareho o isa pang palumpon sa maliwanag na mga kondisyon ng pag-iilaw, sa isang maaraw na araw, paglalagay ng mga bulaklak sa isang bintana o sa hardin. Sa bawat isa sa mga gawaing ito ay makakatagpo ka ng mga kundisyon na bago sa iyo. Sa ilalim ng impluwensya ng malakas na direktang liwanag (sa kasong ito, sikat ng araw), nagbabago ang kulay ng mga bagay kumpara sa mga kondisyon ng silid. Salamat sa mga kaibahan na lumitaw, ang kasaganaan ng mga reflexes, liwanag na nakasisilaw, salamat sa kumbinasyon at pakikipag-ugnayan ng lahat ng mga salik na ito, ang mga bagay ay tila nawawala ang kanilang konkreto. Ang liwanag, anino, at penumbra ay hindi nakikita bilang malinaw na demarcated mula sa isa't isa, ngunit pagyamanin ang bawat isa sa isang masa ng mga bagong shade, nuances, at mga transition. Sa isang salita, ang paglutas ng mga cut-off na problema sa kasong ito ay nagiging napakahalaga.

Para sa isang pintor, ang pag-iilaw ay kasinghalaga ng mismong itinatanghal na motif, o sa halip, ang isa ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa isa pa. Kaya, kapag gumagawa ng isang sketch sa hangin, tulad ng sinasabi nila sa open air*, lumitaw ang mga espesyal na kumakatawan sa malaking interes mga gawain. *(Mula sa French plein air - sa ilalim bukas na hangin. Ang termino ay ginagamit sa visual arts upang sumangguni sa mga larawan sa labas).

Ang pag-aaral ng mga field bell ay ginawa sa direktang sikat ng araw. Ang kanilang kabuuang masa ay madaling nakabalangkas sa mga transparent na pintura. Ngunit, gayunpaman, ito ay itinuturing na napakalaki. Kasama ang panlabas na gilid ng palumpon ay may mga kampanilya, na parang transparent at walang timbang. Ang ilan sa kanila ay halos mawala sa background, ang iba ay binabasa nang mas malinaw, ngunit hindi nang masakit.

Ang sketch ay kawili-wili para sa amin teknikal na bahagi pagbitay. Ang kadalisayan ng mga kulay at ang pangkalahatang impresyon ng pagiging bago at kayamanan ay nakamit sa pamamagitan ng ang katunayan na ang trabaho ay ginagawa sa mamasa-masa, basa-basa na papel, abundantly puspos ng isang solusyon sa pintura. Sa mga kurso sa pagpipinta sa ating paaralan, mas malalim ang pinag-uusapan natin tungkol sa mga katangian ng naturang pagsulat.

Hindi tulad ng nakaraang ehersisyo - isang palumpon ng mga unipormeng bulaklak, gumawa din ng isang maliit na palumpon ng mga bulaklak ng iba't ibang kulay at hugis. Ilagay ito sa nakakalat na liwanag sa isang silid na nakaharap sa isang maliwanag at hindi pattern na dingding. Ang palumpon ay bubuo ng isang silweta ng isang tiyak na lakas na may kaugnayan sa background.

Sa pagguhit, madaling balangkasin ang mga bulaklak na nakausli mula sa kabuuang masa ng palumpon. Magiiba sila sa kanilang balangkas, hugis at sukat. Pagkatapos, sa lahat ng oras na inihahambing ang lakas ng tono, magsimulang masakop ang mga bahagi sa tamang kulay magkahiwalay na grupo bulaklak, sinusubukang ihatid ang kanilang karakter. Hindi na kailangang gamitin ang pintura nang buong lakas upang mapalakas sa ibang pagkakataon ang ilang bahagi. Kapag gumuhit ng mga bulaklak, iwasan ang mga matutulis na balangkas kung saan ang ilang mga bulaklak ay dumadampi sa iba o nakakadikit sa mga halaman. Kung hindi, magbibigay sila ng impresyon ng katigasan at tila mas artipisyal kaysa sa buhay. Ang mga bulaklak, lalo na ang mga ligaw na bulaklak, ay palaging malambot, marupok, at nanginginig, at sa isang sketch ay dapat magsikap na ihatid ang mga katangiang ito.

Tingnan ang pangangalaga at pagmamahal kung saan ginawa ang elderberry brush, dilaw na bulaklak toadflax, sa tabi nila ay chamomile at fern leaves. Siguraduhin na ang imahe ay hindi nagbibigay ng impresyon ng pagiging flat, na parang ginupit at idinikit sa papel tulad ng appliqué. Upang maiwasan ito, kinakailangan upang matukoy sa pamamagitan ng paghahambing ng mga tampok ng palumpon na hawakan ang background. Sa ilang mga bahagi, ang mga bulaklak ay magsasama dito sa magaan o kahit na mas magaan kaysa dito, sa iba ay bubuo sila ng mga silhouette ng iba't ibang mga lakas ng tabas. Sa kabila ng iba't ibang mga shade na bumubuo sa isang palumpon ng mga bulaklak, hindi ito dapat mukhang sari-saring kulay, ngunit mapanatili ang kalmado at integridad ng isang solong tonality. Kapag natututong gumuhit sa isang paaralan ng sining, inirerekomenda namin na ang mga baguhan ay minsang duling ang kanilang mga mata habang nagtatrabaho at tumingin sa palumpon o sa kanilang sketch. Nakakatulong ito na makita ang mga pagkakamaling nagawa sa tonal solution.

Ang susunod na ehersisyo sa aralin sa pagpipinta na ito ay idinisenyo upang palalimin ang mga kasanayan sa paggawa sa isang mabilis na sketch. Ang ehersisyo ay nagtatakda ng gawain, gamit ang mga dating nakuhang kasanayan sa a la prima technique, upang makamit ang kayamanan at makulay sa pagpipinta. Ito ay kapaki-pakinabang na gumugol ng isa hanggang dalawang oras sa bawat isa sa mga pagsasanay na ito.

Upang magsimula, maaari mong kumpletuhin ang isang gawain na katulad ng pag-aaral ng strawberry. Dito, tulad ng sa nakaraang sketch, ginagamit ng may-akda ang mga kakayahan ng isang brush na sobrang puspos ng solusyon sa pintura, o naglalagay ng magaan, transparent na mga stroke ng mga purong pintura, na nagpapahintulot sa isang minimum na paghahalo ng mga ito. Bilang isang resulta, ang juiciness at lambot ng mga malalaking berry ay naihatid, at ang impresyon ng mga ito ay natatakpan ng liwanag.

Ang sketch na may mug ay ginawa din sa anyo ng isang mabilis na sketch. Ang produksyon ay kawili-wili dahil sa kumbinasyon ng iba't ibang mga bagay. Nakaharap ang artista bagong gawain- ipakita ang ningning ng metal sa tabi ng makintab na ibabaw ng balat ng kamatis. Ang mga kulay ay malinis, magaan, transparent, ang pangkalahatang kulay ay magaan. Samakatuwid, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng pagiging bago at spontaneity.

Dahil dito, sa mga mabilisang sketch, ang gawain ay magtatag ng mga pangunahing ugnayan ng kulay, mga pangunahing kaibahan, at maghatid ng liwanag. Ang ganitong mga pag-aaral ay hindi nangangailangan ng detalyadong detalye sa lahat ng bahagi. Halimbawa, sa isang palumpon na may mga kampanilya, na may isang pangkalahatang solusyon ng buong masa ng palumpon, nakikita natin ang isang mansanilya at ang mga katangian ng mga balangkas ng mga kampanilya mismo na nakabalangkas sa silweta.

Ang ganitong mga sketch ay maaaring magkaroon ng parehong subordinate at independiyenteng kahulugan. Subordinate - kapag nagsasagawa ng isang paunang sketch bago ang isang mahabang sketch; independyente - kapag nilulutas ang mga espesyal na problema sa pagpipinta (paglipat ng mga kondisyon ng liwanag, mga kumbinasyon ng kulay) at, sa wakas, kapag kailangan mong makuha ang ilang motibo para sa iyong sarili, ngunit walang oras upang isakatuparan ito nang mas detalyado.

Sa kursong pagpipinta Bagong Art Intention Nag-iingat kami laban sa masyadong madala sa gayong mabilis na mga sketch. Sa pangkalahatan ng solusyon, hindi dapat mawala ang etude katangian ng paksa. Sa isang salita, ang pangkalahatan ay hindi dapat maging isang wakas sa sarili nitong pagguhit para sa mga nagsisimula. Sa kabaligtaran, sa tulong nito sinusubukan naming ipahayag ang pinaka-katangian at karaniwang mga katangian para sa isang naibigay na bagay o kababalaghan.

Mga pag-aaral sa acrylic na ipininta ng mga mag-aaral sa panahon ng mga aralin sa sining sa Artintenstudio.

Ang malikhaing proseso at ang resulta ay malapit na nauugnay sa pananaw sa mundo ng artist. Ang larawan na kanyang nilikha ay nagsasangkot ng kanyang mga saloobin, damdamin, imahinasyon, kasanayan, at saloobin sa kung ano ang itinatanghal na palaging naghahanap ng pinaka-nagpapahayag na solusyon sa kanyang plano, pinag-iisipan ang balangkas at komposisyon. Ang mga imahe na lumilitaw sa kanyang imahinasyon ay may layunin na pinagmulan, ay ipinanganak mula sa nakikitang mga katangian ng katotohanan at may sariling mga tiyak na anyo. Samakatuwid, ang pintor, na naglalaman ng kanyang plano, ay lumiliko sa mga katangian ng mga bagay at phenomena na nakikita niya sa paningin. Tanging kung mayroong visual na authenticity ng kung ano ang itinatanghal ay maaaring ipahayag ng isang tao ang ilang mga damdamin, kaisipan, at pukawin ang kaukulang mga karanasan sa manonood, na ang mga nag-uugnay na ideya ay konektado sa layunin ng mundo. Sa magandang tanawin, makikita ng manonood hindi lamang ang mga materyal na bagay, kundi pati na rin ang natural na paglalaro ng liwanag at kulay, ang kulay-pilak na kinang ng hamog o ang paglalaro ng mga kulay sa kalangitan sa umaga. Ang ganitong imahe ay nagbubunga ng mga nakalimutang impresyon, nagpapagana ng imahinasyon, at nagpapagana ng mga kaisipan at damdaming nauugnay sa mga nakaraang karanasan, sa mga nakaraang karanasan. Ang emosyonal at aesthetic na epekto ng mga pagpipinta ay nauugnay sa mga kakaibang ito ng associative perception.

Hindi dapat isipin ng isang tao na ang may-akda ng isang pagpipinta, na sinusubukang makamit ang visual na pagiging tunay ng pagpipinta, ay dapat na mekanikal na kopyahin ang hitsura ng taong inilalarawan. Ang gawaing akademiko ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng katalusan, malalim at komprehensibong pag-aaral ng kalikasan. Kadalasan ang mga sketch na pang-edukasyon ay masyadong "tuyo", "fractional", "protocol", katulad ng bawat isa hindi lamang sa balangkas at pampakay na mga termino, kundi pati na rin sa teknikal na pagpapatupad. Ang lahat ng ito ay medyo natural, at ang "pagkatuyo" at pagkamahiyain ng gawaing pang-akademiko ay hindi maituturing na mga palatandaan ng kahinaan nito o kakulangan ng malikhaing talento ng may-akda.

Kasabay nito, ang malayang saloobin ng mag-aaral sa mga gawain ng sketch, ang isang tiyak na "magara" ay hindi mga palatandaan ng pagkamalikhain, tulad ng kung minsan ay pinaniniwalaan. Ang mga gawaing pang-edukasyon ay hindi sapat na emosyonal, sariwa at orihinal, dahil hindi pa rin sila perpekto sa masining na mga termino, dahil ang mga mag-aaral ay wala pang karanasan, kasanayan, at hindi alam ang buong iba't ibang paraan upang malutas. gawain sa pag-aaral o pagpapatupad ng isang plano. Sa pamamagitan lamang ng karanasan ay darating ang libreng creative mastery ng kalikasan at mga batas nito, pati na rin ang teknikal na pagiging perpekto.

Ito ay tungkol gawaing pang-edukasyon ang mga itinalagang gawaing pang-edukasyon ay pare-pareho at malinaw na nalutas, at kasabay nito, ang mga malikhaing talento ng mga mag-aaral ay napangalagaan at napaunlad.

Pangunahing bahagi

Ang kakayahang makita at maihatid ang mga three-dimensional na hugis at kulay ng mga bagay sa isang eroplano ay ang kakanyahan ng pagpipinta. Ang kasanayang ito ay nakuha pangunahin sa pamamagitan ng mga pagsasanay mula sa buhay. Ang mas maraming pintor na nagpinta ng mga sketch mula sa buhay, nagiging mas matalas ang kanyang pakiramdam ng kulay, pagkakatugma ng mga kulay at ritmo ng mga linya. Bilang resulta ng patuloy na pagsasanay sa paglalarawan ng mga buhay na buhay, mga tanawin, mga ulo ng tao at mga pigura mula sa kalikasan, nabubuo ang pagmamasid, ang kakayahang bigyang-diin ang mahalaga, itapon ang pangalawa, at ipahayag ang sariling damdamin na dulot ng kagandahan ng nakapaligid na kalikasan at pagkakaiba-iba ng umunlad ang buhay.

Ang landas sa mastery ay nagsisimula sa pag-aaral ng mga teoretikal na pundasyon ng pagpipinta at sistematikong pagsasagawa ng mga praktikal na pagsasanay. Nang walang kaalaman sa mga batas ng pagpipinta, ang praktikal na gawain ng mga mag-aaral ay isinasagawa nang walang taros at bumabagal ang pagpapabuti ng propesyonal.

Ang maglarawan ay, una sa lahat, ang pangangatwiran. Kapag nagsimulang magpinta, kailangan mong pag-isipang mabuti ang iyong gawain at malinaw na tukuyin ang iyong layunin.

Sinabi rin ni Leonardo da Vinci na “yaong umiibig sa pagsasanay nang walang agham ay parang mga nilalang na namimilipit na naglalayag nang walang timon o kumpas, sapagkat hindi nila matiyak kung saan sila pupunta. Ang pagsasanay ay dapat palaging binuo sa magandang teorya, at kung wala ito walang magagawa nang maayos sa kaso ng pagpipinta."

Ang salitang "etude" ay isang eksaktong transkripsyon ng Ruso ng terminong Pranses na "étude", na sa pagsasalin mula sa wikang ito ay nangangahulugang "pag-aaral" o "pananaliksik". Ang salitang ito sa Russian ay may ilang mga kahulugan na medyo naiiba sa bawat isa, at sila ay puro pangunahin sa larangan ng sining. Gayunpaman, ang imprint ng orihinal na kahulugan ng orihinal na Pranses ay kapansin-pansin sa bawat kahulugan ng salita.

Sketch sa pagpipinta

Isa sa mga pinakakaraniwang kahulugan na nasa isip ng mga tao kapag sinasabi nila ang salitang "pag-aaral" ay nauugnay sa larangan ng pagpipinta. Sa ganitong kahulugan, nangangahulugan ito ng isang gawain na karaniwang ginagawa mula sa buhay at maaaring isang landscape, still life, portrait o iba pang genre sining biswal, batay sa repleksyon ng realidad. Kadalasan ang isang sketch ay tinatawag na isang pagguhit, ang antas ng pagpapaliwanag na kung saan ay hindi masyadong mataas, dahil ito ay nagsisilbing isa sa mga pagpipilian para sa hinaharap na natapos na trabaho. Samakatuwid, ang isang seryosong artista, bilang panuntunan, ay gumagawa ng ilang mga sketch para sa isang malaking gawain.

Sa larangan ng pagpipinta, mayroon ding salitang "pag-aaral". karagdagang kahulugan, V sa mas malaking lawak nauugnay sa orihinal na kahulugan ng orihinal na Pranses. Kaya, ang isang sketch kung minsan ay nangangahulugang isang sesyon ng pagsasanay, ang layunin nito ay lumikha ng isang artistikong sketch para sa isang pagpipinta sa hinaharap.

Pag-aaral sa musika at teatro

Ang salitang "etude" ay ginagamit din sa ibig sabihin mga gawang musikal, na, naman, ay may binibigkas na mga tampok. Kaya, ang gawaing ito ay kadalasang may maikling tagal at isinulat para sa isa instrumentong pangmusika o mga boses. Ang pangunahing layunin nito ay karaniwang upang bumuo ng mga teknikal na kasanayan ng tagapalabas.

Ang salitang "etude" ay may katulad na kahulugan sa theatrical environment: ito ay isang maliit na produksyon kung saan ang partisipasyon ng isang limitadong bilang ng mga aktor ay inaasahan, at ginagamit upang bumuo ng acting technique. Kasabay nito, ang isang sketch sa isang theatrical na kapaligiran ay kadalasang kinabibilangan ng isang makabuluhang bahagi batay sa improvisasyon, na ginagawang posible upang mapabuti ang pagganap ng mga aktor.

Mag-aral sa chess

Ang isa pang karaniwang kahulugan ng salitang ito ay nauugnay sa laro ng chess. Sa lugar na ito, ang paggamit ng terminong ito ay mayroon ding konotasyon na sumasalamin sa kalikasang pang-edukasyon konseptong ito. Kaya, ang salitang "pag-aaral" ay karaniwang ginagamit upang italaga ang isang sitwasyon na espesyal na pinagsama ng isang espesyalista sa board, na kailangan ng mag-aaral na lutasin sa kanyang pabor o makamit ang isang draw.

Etude. Ang pagpipinta ng sketch ay sinakop ang isang makabuluhang lugar sa gawain ni Malyutin.

Ang mga sketch ay maaaring nahahati sa dalawang uri. Ang ilan ay pangmatagalan: ang mga ito ay nilikha ng kalikasan, na may maingat na pag-elaborate ng mga form sa loob ng dalawa hanggang apat na oras at inilaan pangunahin para sa mga gawa sa genre. Kabilang dito, halimbawa, ang mga sumusunod: "Pastor na may Pastol" (1893, Tretyakov Gallery), "Kubo" para sa pagpipinta na "Country Fair" (1907, Tretyakov Gallery), "Boy" para sa pagpipinta na "Grandfather and Granddaughter" (1932, All-Russian Central Council of Trade Unions), "Watermelons" para sa pagpipinta na "Artel Lunch" (1934, Tretyakov Gallery).

Ang mga pag-aaral na ito ay ginawa sa primed fine-grained, siksik linen na canvas. Ang Malyutin ay masigasig na naglalapat ng mga pastel na nabura na mga pintura na may tulad sa katawan, naka-texture na mga stroke na nagpapahayag ng mga anyo.

Ang pangalawang uri ng mga sketch ay may kasamang 15-20 minutong sketch, na isinagawa ng artist sa lokasyon sa kanyang madalas na paglalakbay sa rehiyon ng Moscow, hilagang Russia, Crimea at iba pang mga lugar sa ating Inang-bayan.

Monasteryo sa Istra

Sa mga sketch na ito ng mga karaniwang sukat (9x15 sentimetro), hinabol ni Malyutin ang dalawang layunin. Para sa kanya, ito ay, una, ang patuloy na pagsasanay ng kanyang mga kamay at mata sa lokasyon, at pangalawa, sa mga sketch na "sampal" ay hinanap ng artist ang mga kulay na relasyon na kailangan niya.

Ang laki ng 9x15 sentimetro ay eksaktong tumutugma sa maliit na sketchbook (isang regalo mula kay K. Korovin). karaniwang sinasamahan si Malyutin sa kanyang mga field trip. Kapag nagpaplanong magsulat ng mga sketch, isang maliit na sketchbook lamang ang dala ni Malyutin. Hindi niya gustong magtrabaho sa lokasyon kasama ang iba pang mga sketch artist. Nang maipit ang mga kulay na kailangan niya sa palette, kumuha siya ng whitewash at brush sa kanyang bulsa at nagpinta.

Ang pangunahing materyal para sa mga sketch na ito ay mga plato ng matibay, tatlong-layer, well-seasoned na playwud, 1.5 hanggang 2.5 millimeters ang kapal. Sa mga bihirang kaso, ang isang primed fine-grained canvas ay nakadikit sa playwud (pag-aaral ng "Hut", 1925, koleksyon ng O. S. Malyutina).

Ang mga diskarte para sa pagtula ng mga pintura sa maliliit, mabilis na pininturahan na mga sketch ay iba-iba. Ito ay isang napakanipis, semi-glazed (sa halip thinly diluted na mga pintura) na paglalagay ng mga pintura sa sketch na "Alabino. Stream" na may kasama sa ilang mga lugar ng kaakit-akit at makulay na layer ng plywood texture; pagkatapos ay isang mas impasto painted sketch na "Skorotovo" (1936) na may isang semi-glaze layer ng mga kulay ng background at napakalaking, tulad ng katawan, relief, malakas na binibigkas na mga stroke (ulap); pagkatapos ay masiglang pagmamason na may maikli, malawak na mga stroke ng katamtamang kapal ng mga kulay, malinaw na sculpting ang mga form sa "Peasant Yard" (1911); pagkatapos ay ang mga longitudinal, textured stroke na malawak na inilatag sa buong haba ng sketch (langit at tubig) kasama ng napaka-impasto at relief na maliliit na stroke ng foreground (baybayin at mga bato) sa sketch na "Crimea. Dagat" (1925).

Ang ilang mga pag-aaral ay nakikilala sa pamamagitan ng isang napakalaking pagtula ng enamel-tulad ng makulay na makapal na paste, nang masakit na inilatag sa maliliit na stroke (pag-aaral "Tree. Crimea" (1925).

Mahusay na ginamit ni Malyutin ang texture surface ng plywood sa kanyang sketch. Pagpinta sa sketch na "Crimea. Beach" (1925) ay ginawa sa isang paraan na ang texture ng playwud, bahagyang kuskusin ng kulay-abo na pintura (na nag-iwan ng mga bakas dito sa anyo ng maraming mga linya), perpektong nagbibigay ng mabuhangin na baybayin ng beach. Sa background lamang, ang ilang mga stroke ng asul na pintura at whitewash ay nagpapahayag ng tubig at foam ng surf. Ang babaeng figure na nakaupo sa beach ay binalangkas na may ilang bahagyang inilapat na mga stroke ng Venetian pula at itim.

Palaging pininturahan ni Malyutin ang kanyang mga sketch gamit ang mga bristle brush na may iba't ibang laki.

Etude. Artist Malyutin S.V.