Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Guys, inilalagay namin ang aming kaluluwa sa site. Thank you for that
na natuklasan mo ang kagandahang ito. Salamat sa inspirasyon at goosebumps.
Sumali sa amin sa Facebook At Sa pakikipag-ugnayan sa

Mataas na sining- isang kumplikadong bagay at hindi maintindihan ng marami. Renaissance painting kasama nito perpektong imahe umaakit ng maraming mga admirer, ngunit hindi madali para sa lahat na maniwala na ang mga gawa ng Picasso at Kandinsky ay talagang nagkakahalaga ng hindi kapani-paniwalang pera. Ang kasaganaan ng mga hubad na tao sa larawan ay isa pang misteryo, pati na rin ang kabalintunaan ng katotohanan na magandang paintings hindi kailangang maging maganda.

website Nalaman ko ang mga sagot sa ilang interesanteng tanong tungkol sa pagpipinta sa pamamagitan ng pagtingin sa mga gawa ng mga art historian at mga dalubhasa sa kultura.

1. Ganyan ba talaga kamahal ang pagpipinta?

Paminsan-minsan ay naririnig natin ang tungkol sa labis na halaga ng pera na binayaran para dito o sa pagpipinta na iyon. Ngunit sa katotohanan, ang ganitong uri ng pera ay ang dami ng napakakaunting mga trabaho. Karamihan sa mga artista ay hindi pa nakakita ng malaking halaga ng pera. Naniniwala ang kritiko ng sining na si Jonathan Binstock na mayroon lamang mga 40 may-akda sa mundo na ang mga pagpipinta ay pinahahalagahan bilang isang kabuuan na may maraming mga zero.

Namumuno sa sining ang mga tatak

Ibigay natin marahil ang pinakakapansin-pansing halimbawa. Marahil ay narinig mo na ang graffiti artist na si Banksy. Ang matinding panlipunang oryentasyon ng mga gawa at ang talambuhay, na sakop ng isang aura ng lihim, ay ginawa ang kanilang trabaho. Ngayon si Banksy ay isang artist na ang mga gawa ay pinahahalagahan sa multi-digit sums. Ang kanyang painting na "Girl with lobo"ay naibenta sa halagang £1.042 milyon. At ang buong mundo ay nagsimulang magsalita tungkol sa pagganap ng pagkawasak nito kaagad pagkatapos ng pagbebenta.

Ang Banksy ay isang tatak, at mahusay na nagbebenta ng mga tatak. kaya, ang halaga ng isang pagpipinta ay higit na tinutukoy ng katanyagan ng may-akda nito.

Ang matagumpay na pagbebenta ng isang pagpipinta ay ang susi sa tagumpay ng iba

Ang artista ay maaaring hindi mapalad sa mahabang panahon; siya ay magbubunga sa kahirapan at kalabuan, na hindi mapagkakakitaan na ibenta ang kanyang mga gawa. Pero sa oras na maibenta niya ang isa sa kanyang mga painting sa malaking halaga, siguradong tataas ang presyo ng iba pa niyang obra.

Rarity, kakapusan, uniqueness

Ang Dutch artist na si Jan Vermeer ay tinatawag ngayon na hindi mabibili ng salapi. Walang gaanong mga painting sa pamamagitan ng kanyang brush - 36 lamang. Ang pintor ay nagpinta nang husto dahan-dahan. Ang pagpipinta ng Dutchman na "The Concert," na nawala noong 1990, ay nagkakahalaga na ngayon ng humigit-kumulang $200 milyon. Pambihira at kakapusan Ang mga pagpipinta ay nakakaapekto sa katotohanan na ang kanilang mga presyo ay simpleng abot-langit.

Ang maalamat na Van Gogh ay isang super brand. Mayroong ilang mga kuwadro na gawa ng artist, at ito ay malinaw na iyon hindi na siya lilikha ng kahit ano. Kakaiba ang kanyang mga gawa.

10 taon na ang nakalilipas, ang "Suprematist Composition" ni Malevich ay naibenta sa halagang $60 milyon. Marahil, kung hindi dahil sa krisis, ito ay aabot sa $100 milyon. Ang mga pagpipinta ni Malevich ay sagana sa mga pribadong koleksyon, at kapag ang susunod na pagkakataon na ang isang bagay ng klase na ito ay lilitaw sa merkado ay hindi alam. Siguro sa 10 taon, o marahil sa 100.

Sa pangkalahatan, ito ay malinaw: ang mga mamimili ay handang magbayad ng napakalaking halaga ng pera para sa napakabihirang mga bagay.

Mahal ang inobasyon

Isa sa mga gawa ni Richard Prince sa direksyon ng "artistic borrowing".

Ang pagpipinta ay tumatagal sa tungkulin ng pang-akit

Ngayon ang antas ng kultural na turismo ay lumalaki, at ang pagpipinta ay nagsisilbi sa tungkulin mga atraksyon. SA mga sikat na museo Pumila ang mga turista nang ilang oras. At para maipahayag ang sarili at maangkin ang world-class na katanyagan, tiyak na pagmamay-ari ng gallery ang mga orihinal ng mga sikat at sikat na pintor.

Ang mga artipisyal na likhang sentro ng turismo sa kultura ay lumalaki din, halimbawa sa Gitnang Silangan at Tsina. Kamakailan ang maharlikang pamilya Qatar pumasok sa isang pribadong deal para sa halaga $ 250 milyon- lahat para sa kapakanan ng bansa na may larawan Cezanne "The Card Players".

Kapag mayroon ka ng lahat, nagsisimula kang maakit sa sining.

Noong 2017, ibinenta ng bilyonaryo na si Dmitry Rybolovlev ang pagpipinta na ito kay Leonardo da Vinci sa halagang $450 milyon. Ngayon ito ang pinakamahal na deal sa mundo ng pagpipinta.

Kapag mayroon kang 4 na bahay at isang G5 na eroplano, ano pa ang dapat gawin? Ang natitira na lang ay mag-invest ng pera sa pagpipinta, dahil ito isa sa pinakamatibay na "mga pera"».

Ayon sa data ng 2015, mayroong 34 milyong dolyar na milyonaryo sa mundo. At kahit isipin natin na 1% lang sa kanila ang interesado sa sining, meron pala 340 libong tao ang handang maglabas ng malalaking halaga para sa mga pagpipinta. At ang mga kuwadro na gawa mismo mga sikat na may-akda, tulad ng isinulat namin sa itaas, medyo, lalo na kung ikukumpara sa bilang ng mga milyonaryo. Bilang karagdagan, kahit na ang mga hindi interesado sa pagpipinta ay handang mamuhunan dito para sa kapakanan ng prestihiyo o katatagan ng naturang pamumuhunan.

Kaya lumalabas na ang mataas na halaga ng pagpipinta ay higit sa lahat dahil sa katotohanang iyon Sobra malaking bilang ng ang pera ay naghahanap ng isang maliit na halaga ng mga kalakal.

2. Kailangan ba ng lahat ng painting ang mga frame?

Pagpinta ni Georges Seurat "Canal at Gravelines, Great Fort Philip".

Ang aklat ni Susie Hodge na Why There Are So Many Naked People in Art ay nag-uusap tungkol sa layunin ng mga frame. Oo sila protektahan ang mga gilid ng larawan at bigyang pansin ito. Ang ilang mga frame ay detalyado, ang iba ay napaka-simple, hindi sila nakakagambala sa pagmumuni-muni. Ang layunin ng frame ay upang umakma sa larawan at ipakita ito sa pinakamahusay na posibleng paraan.

Narito ang isang abstract artist Piet Mondrian inihambing ang mga frame sa ang pader na nasa pagitan ng manonood at ng pagpipinta. Gusto niyang alisin ang pakiramdam na ito ng distansya. At sumulat ang artista sa pinakadulo ng mga canvases at maging sa sidewall.

Hindi gusto ni Georges Seurat ang mga anino, na itinapon ng mga frame sa larawan. At siya mismo ay madalas na naglalarawan ng mga frame mula sa maliliit na tuldok ng iba't ibang kulay. Sa pamamagitan ng paraan, sa kalahating siglo ang telebisyon na may kulay ay gagana ayon sa isang katulad na prinsipyo sa mga kuwadro na gawa ni Seurat.

3. Bakit maraming hubad na tao sa mga painting?

Fragment ng fresco ni Michelangelo na "The Creation of Adam".

Kahit na ang mga sinaunang Greeks ay naniniwala na ang hubad na katawan ay hindi kapani-paniwalang maganda.

Sa sining, kadalasang kahubaran - ito ay isang simbolo. Isang simbolo ng bagong buhay, katapatan, ang kawalan ng kakayahan ng isang buhay na nilalang, pati na rin ang buhay at kamatayan.

Bukod dito, walang dahilan ganoon kalakas na emosyon sa manonood, parang kahubaran. Maaaring ito ay interes, kahihiyan, kahihiyan o paghanga.

4. Bakit napaka flat at sa pangkalahatan ay hindi makatotohanan?

Pagpipinta Artistang Czech Bogumil Kubishty "Ang Hipnotista".

Marahil isa sa mga pinakakaraniwang akusasyon laban sa modernong mga masters parang ganito: parang nakalimutan na ng mga artista kung paano ihatid ang realidad. Kaya ang maling kuru-kuro na ang mga bagay ay mukhang patag.

Ngunit tingnan natin, halimbawa, sa mga canvases mga cubist. Sinisira nila ang pananaw, ngunit naglalarawan ng mga bagay nang sabay-sabay mula sa iba't ibang anggulo at kahit sa magkaibang panahon. Samakatuwid, hindi masasabi na ang imahe sa canvas ay dalawang-dimensional.

Hindi na kailangang gumuhit ng "mukhang" - kayang gawin iyon ng photography. Samakatuwid, upang maghanap ng sagot sa tanong kung bakit inilarawan ng artist ang katotohanan bilang flat sa ito o sa larawang iyon, kailangan mong hanapin ideya ng may-akda. Sa pamamagitan ng pag-alis ng ilang detalye ng larawan, itinuon ng artist ang atensyon sa iba. Sa pamamagitan ng pagpapasimple ng imahe, siya

Ngunit ang mga propesyonal mga avant-garde na artista noong ika-19–20 siglo nasa likod nila edukasyon sa sining at matibay na batayan. sila maaaring sumulat ng anumang paraan na gusto nila, ngunit sa isang punto nagpasya na gawin ito tulad nito, ginagaya ang mga primitivist. Tulad ng sinasabi nila, ito ay inilaan, dahil ito ay isang ganap na bago (at samakatuwid ay kawili-wili para sa mga pagod na sa luma) na paraan ng pag-impluwensya sa manonood.

Ang mga artista ay nakagawa ng isang mahusay na trabaho sa isang pagpipinta sa diwa ng akademikong klasisismo, at iyon ang dahilan kung bakit ito ay mayamot para sa kanila. Ang batang Picasso ay nagpinta ng nakakaantig at medyo makatotohanang mga larawan. Ngunit ang mature na artist ay pumili ng isang landas na nakakagulat, nagpapasigla sa mata, na tumutulong na ipakita ang isang cool na kahulugan ng kulay at pakiramdam ng anyo.

6. Kailangan bang maganda ang mga painting?

Ang maganda ay hindi nangangahulugang sining, at ang sining mismo ay hindi palaging naglalarawan ng kagandahan. Ang ideya ng bawat isa sa kagandahan ay naiiba, at ang opinyon ng isang indibidwal na tao ay hindi maaaring ituring na isang pamantayan.

Magpahinga muna tayo sa pagpipinta at gumuhit ng parallel sa sinehan. Kabilang sa mga kritiko ng sining ay nakatagpo tayo ng sumusunod na opinyon: ang pagsasabi na ang mga pagpipinta ay tiyak na maganda ay kapareho ng pagsasabi na ang tunay na sinehan ay romantikong komedya o isang melodrama na may masayang pagtatapos. At ang mga psychological drama, action films, thriller ay hindi sinehan. Sumang-ayon, mayroong lohika dito.

Ang sining (kabilang ang pagpipinta) ay dapat magsalita ng wika sa panahon nito. At upang tamasahin ang anumang larawan, kahit na isang makatotohanang larawan, kailangan mong malaman kung ano ang inilalarawan dito. Sa mga eksibisyon, kadalasan ay nagbabasa kami ng mga caption sa mga painting at kahit na gumagamit kami ng audio guide.

Anong uri ng pagpipinta ang malapit sa iyo?

KAMUSTA KAYONG LAHAT! Gaya ng dati, kasama mo ang masayahing Dreamy! Ang post na ito ay ginawa upang masagot ang ilang mga katanungan mula sa lahat ng mga interesado sa mga Artist. Sa parehong kahulugan, ang ibig kong sabihin ay may mga ganoong, well, hindi masyadong kakaibang mga tanong na maaaring makasakit sa mga artista ng tao/halimaw.

Uulitin ko muli ang post na ito ay sasagutin lamang ang ilang katanungan: bakit artista.....?

Kung ikaw ay isang manunulat o isang mang-aawit, huwag masaktan!

Ang isang katanungan ay malamang na magkaisa ang ilan!

Pumunta tayo sa tanong!)

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

(Ang ilang mga punto mula sa aking karanasan ay kukunin)

1. Bakit malungkot ang mga Artista?

Hmm. Buweno, ang unang bagay na masasabi ko ay ang pagpuna dahil ang ilang miyembro ng komunidad ng URA ay hindi nagbibigay ng ganitong pagpuna sa banayad na anyo, na nakakasakit sa damdamin ng artista.

Kawalan ng pang-unawa mula sa mga kaibigan/kamag-anak

Ibang-iba ang pagtingin ng mga artista sa mundong ito, at hindi lahat ay mauunawaan kung ano at paano nila nakikita ang ating mundo.

At maaari mo ring sabihin ang mga ordinaryong damdamin na nagpapakita ng kanilang sarili sa parehong paraan tulad ng ginagawa natin sa Araw-araw na buhay.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

2. Bakit gumagana ang mga Artist sa gabi?

Ang mga artista ay maaaring magpinta buong gabi

Hayaan mo akong bumangon ng alas siyete ng umaga bukas,

Pag-alis ng mga pangarap.

Pagkatapos ng lahat, ang gabi ay ang oras para sa inspirasyon!

At ang gabi ay hindi oras para sa mga panaginip.

Pwede ang mga artista.

Kulayan.

Sa tingin ko ang sagot ay malinaw, ngunit kung hindi, kung gayon...

Ang gabi ay isang kalmadong panahon kung kailan dumarating ang inspirasyon at, wika nga, kapayapaan, kung saan walang nang-aabala sa iyo o humihila sa iyo.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

3. Bakit sa tingin ko kakaiba ang mga Artista?

Magkakaroon ako ng dalawang sagot sa tanong na ito.

1. Ang mga taong malikhain ay mga mahuhusay na indibidwal na gustong maging kapaki-pakinabang at gumawa ng mabuti sa iba. Gusto nila ang kalayaan, kaya ang anumang mga paghihigpit ay ituturing nila bilang isang paglabag sa mga karapatan. Maraming tao ang naniniwala diyan mga taong malikhain malungkot, malungkot at hindi nabubuhay nang matagal. Sa kabutihang palad, hindi ito ang kaso. Ang talento ay ibinigay ng Diyos sa isang tao, kailangan mo lamang na samantalahin ang sandali at simulan ang pagbuo ng iyong mga kakayahan sa oras.

Kapansin-pansin na sa mga kababalaghan ng mga bata ay talagang maraming hindi nasisiyahang tao, dahil ang kanilang pagkamalikhain ay hindi palaging naiintindihan ng iba. Bilang isang tuntunin, ang aktibidad ng utak ng karaniwang tao ay nangyayari sa loob ng ilang partikular na limitasyon, at lahat ng lumalampas sa mga limitasyong ito ay itinuturing na isang bagay na hindi natural at abnormal. Para sa kadahilanang ito, napakahirap para sa mga taong malikhain na mabuhay dito malupit na mundo, kung saan mayroong napakaraming paulit-ulit na mga stereotype at ayaw mag-evolve.

Kinukumpirma ng neuroscience na ang mga mahuhusay na indibidwal ay nag-iisip at kumikilos nang iba. Ang mga malikhaing isipan ng mga tao ay literal na idinisenyo upang mag-isip nang natatangi, naiiba kaysa sa karamihan. Gayunpaman, ang gayong kaloob mula sa kalikasan ay maaaring makabuluhang makapagpalubha sa buhay at makapagpapahirap sa mga relasyon sa iba. Kung kilala mo ang isang taong malikhain, malamang na nagkaroon ka ng ideya nang higit sa isang beses na siya ay nakatira sa isang ganap na naiibang mundo. Sa karamihan ng mga kaso, ang pagsisikap na unawain ang gayong personalidad ay kasing saysay ng pagsisikap na baguhin ito. Upang magawang umangkop sa gayong tao, kailangan mong matutunang tingnan ang mundo sa pamamagitan ng kanyang mga mata.

2. Karaniwan, ang mga artista ay mga ordinaryong pragmatikong tao na may nabuong visual na pang-unawa sa mundo, na nakikita ang buhay sa mga larawan at larawan. Ang kuwento tungkol sa kanilang kabaliwan ay isang kasinungalingan.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

4. Bakit Lonely ang mga Artista?

Well, ang unang bagay ay hindi lahat ay isang Artist.

Sa katunayan, ang lahat ng mga taong malikhain ay nag-iisa sa ilang kadahilanan. una sa lahat, mga henyo. ang isang tunay na malikhaing tao ay nakakakita ng isang bagay na maganda sa lahat, ngunit maraming tao ang hindi nakakaintindi. ang hindi pagkakaunawaan na ito ay nagbubunga ng kawalan ng tiwala. pangalawa, ang mga taong malikhain ay nag-iisip at nakikita ang mundo sa kanilang sariling paraan, naiiba. pangatlo, ang kanilang intuwisyon ay mas mahusay na nabuo, at nararamdaman nila ang mga damdamin at nakikita ang mga iniisip ng iba. ang isang taong malikhain ay isang bagong yugto sa pagiging perpekto ng mundo. mas marami ang ganyang tao, mas mabuti ordinaryong mga tao makikita ang mga problema ng buong mundo. na nangangahulugan na may mas maraming pagkakataon upang ayusin ito. Samakatuwid, ang mga taong malikhain ay mga gabay para sa iba, itinuturo namin ang mga kaisipan ng mga tao sa tamang direksyon.

sana malinaw.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

5. Bakit ang Ilang Artista ay huminto sa kanilang trabaho at gumawa ng iba?

Bibigyan kita ng halimbawa ko mabuting kaibigan(lumabas sa depresyon;-; mangyaring.)

Sa kasamaang palad, ang eksaktong kaso kung bakit niya inalis ang lahat ay hindi alam, ngunit ang ilang mga punto ay maaaring humantong pa rin dito.

1. Ito ay ang parehong pagpuna, na ibinigay hindi sa isang malambot na anyo, ngunit sa isang malupit at hindi tumpak na anyo.

2. Pareho silang mga kritiko, ngunit sa isang form na nagsasabi kung paano ito gagawin, o gaya ng tawag ng ilan sa kanila na "Mga huwad na guro" o "Ang ChSV ay hindi mga Artist"

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

Buweno, ang tanong na ito ay hindi kung bakit ngunit gaano ito katangi-tangi

6. Paano Patahimikin ang isang Artist?

Mag-aaral ng Russia sa tagsibol 2017

Direksyon: pamamahayag

Nominasyon: Pinakamahusay na Materyal na Editoryal

Bakit medyo kakaiba ang mga taong malikhain?

"Walang halos ang pinakamataas na kasiyahan kaysa sa kasiyahan ng paglikha."

N.V. Gogol

Malamang na narinig mo na ang pariralang "malikhaing tao" kahit isang beses sa iyong buhay, at kadalasan ay may bahagyang ironic na konotasyon ito na may kahulugang "hindi pangkaraniwan, kahanga-hanga." Ang mga malikhaing indibidwal ay nag-iisip, kumikilos, at minsan ay nagsasalita nang iba kaysa sa mga ordinaryong tao. Mayroon silang kakaiba, hindi maintindihan na mga gawi at pang-araw-araw na gawain. Maaari silang magsuot ng katawa-tawa at maging sobrang emosyonal, parang bata at sira-sira. Ngunit ang pinaka-kahanga-hangang bagay ay hindi nila itinuturing ang kanilang sarili na kakaiba sa lahat. Wala silang oras upang bigyang-pansin ang gayong mga bagay, dahil ganap silang nasisipsip sa kanilang pagkamalikhain, at kahit na sa mga mata ng publiko ang isang indibidwal ay karaniwang walang talento, kung gayon siya mismo ay talagang mahal ang kanyang trabaho kahit na ano.

Bakit kakaiba ang mga taong malikhain? Sila ay madalas na sinasabing "lumilipad sa mga ulap" o "hindi sa mundong ito." At ito ay ganap na totoo. Ang pagkamalikhain sa isang tao ay nagpapakita ng sarili, una sa lahat, sa pamamagitan ng kanyang imahinasyon. Ang imahinasyon ay nasa gitna ng musika ni Bach, mga tula ni Pushkin at mga pagpipinta ni Picasso. Salamat sa pagtaas ng sensitivity, ang tagalikha sa kanyang pang-araw-araw na buhay ay patuloy na nakatagpo ng mga di-kasakdalan ng mundo, kawalan ng pagkakaisa, kaguluhan at mga kontradiksyon, samakatuwid, sa tulong ng kanyang imahinasyon, lumipat siya sa isang kahanga-hangang haka-haka na mundo kung saan walang lugar para sa pang-araw-araw na mga problema. at kahirapan. Napakaganda doon, at doon pumupunta ang lumikha sa tuwing kumukuha siya ng brush/nagsusuot ng pointe na sapatos/umupo sa piano (salungguhitan kung naaangkop). Ang malikhaing proseso mismo ay nagdudulot sa kanya ng labis na kasiyahan, kaya't nagtatrabaho siya araw at gabi, nalilimutan ang tungkol sa pagtulog at pagkain. At sinisikap niyang ipakita sa iba ang mga resulta ng kanyang malikhaing impulses upang mabigyan sila ng bahagi ng kanyang perpektong mundo upang maging mas maayos, mas perpekto at mas maganda ang kanilang buhay. Mayroong romantikong loob ng bawat creator na nangangarap na baguhin ang katotohanan para sa mas mahusay.

Ang isa pang kalidad ng mga malikhaing indibidwal ay ang kakayahang makita ang hindi pangkaraniwan sa karaniwan. Ang mga creator, tulad ng mga bata, ay handang mabigla sa lahat! Sila ay napaka-observant, matanong at mahilig matuto. Ang patuloy na pagnanais na subukan ang mga bagong bagay ay nakikilala taong malikhain mula sa karaniwan. Ang isang malikhaing tao ay dapat na patuloy na umunlad at lumago, pagpapabuti ng kanyang mga kasanayan.

Minsan ang mga malikhaing indibidwal ay hindi sapat na nakikita sa lipunan dahil sa kanilang kalayaan sa paghatol at malikhaing katapangan. Ang tagalikha ay palaging may sariling opinyon, at ang mga opinyon ng iba ay higit na nakakaimpluwensya sa kanya kaysa sa karaniwang karaniwang tao. Walang pakialam ang tagalikha kung ano ang iniisip ng iba tungkol sa kanya, at ang hindi pagmamalasakit sa opinyon ng publiko ay kadalasang nagdudulot ng mga negatibong paghatol mula sa labas. Ang pagkamalikhain mismo ay lumalampas sa mga stereotype at template, at ang gayong pag-uugali, tulad ng alam mo, ay hindi tinatanggap ng karamihan. Ang karamihan ay may sariling mga panuntunan, at ang mga creative ay tiyak na hindi akma sa kanila.

Tinatawag ng mga psychologist ang isa pang katangian ng mga taong malikhain bilang isang positibong saloobin kumplikadong mga gawain. Ang mga kahirapan ay nag-uudyok lamang sa kanila na magtrabaho nang mas mahirap at mas mahirap. Sa pamamagitan ng paraan, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit sa kahusayan ng mga tagalikha. Tiyak na hindi sila tatakbo nang marahan mula sa trabaho sa sandaling sumapit ang alas-sais ng gabi. Sa usapin ng kanilang mga personal na buhay, maaaring sila ay tila mga pabaya na tamad, ngunit sa kanilang trabaho sila ay napaka-disiplinado, nakatuon at masipag.

At panghuli, marahil ang pinakamahalagang kalidad ng isang creator ay talento. Ang talento ay likas sa isang tao sa pamamagitan ng likas na katangian sa kanyang mga kakayahan sa pag-iisip at mga katangian ng anatomikal. "Ang talento ay parang kulugo - nariyan man o wala," sabi ni Faina Ranevskaya. Nasa pagkabata, napansin ng mga magulang na ang kanilang anak ay gumagawa ng isang bagay na mas mahusay kaysa sa ibang mga bata. Malamang, ngayon sasabihin ko na ang totoo, ngunit ang talento ay maaaring maglaho magpakailanman kung hindi ito mapupulot sa oras at malinang sa pamamagitan ng pagsusumikap. Bilang karagdagan sa talento, ang mga malikhain ay karaniwang may mas mataas na pagnanais para sa kagandahan, wika nga, isang nabuong aesthetic sense.

Upang buod, gusto kong sabihin na pagkatapos ng lahat malikhaing personalidad ay hindi ipinanganak, ngunit naging. Mayroong isang malaking bilang ng mga halimbawa kung saan ang disiplina sa sarili at pagsusumikap ay lumikha ng mga tunay na mga henyo, hindi mas masahol pa kaysa sa mga taong sa simula ay may talento. Ngayon ay maraming mga pagsasanay sa pagbuo ng pagkamalikhain at mga pagsubok upang makilala ang iyong mga malikhaing hilig. Ngunit sa pangkalahatan, ang lahat ng ito ay hindi mahalaga kung ang gawaing ginagawa mo ay nagdudulot sa iyo ng kasiyahan. At, kahit na hindi ka marunong sumayaw, ngunit gustung-gusto mo ito, walang nangahas na pigilan ka!

Pinagmulan ng larawan: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/

Naka-frame ba lahat ng paintings?

Piet Mondrian. Komposisyon na may dilaw, pula, asul, itim at kulay abo. 1920

Georges Seurat. Linggo ng hapon sa Lake La Grande Jatte. 1884

Quote mula sa libro

“Kadalasan ang mga painting ay inilalagay sa mga frame para ipakita. Ang mga frame ay nakakakuha ng pansin sa pagpipinta at pinoprotektahan ang mga gilid nito. Ang ilang mga frame ay gayak, lalo na ang mga antigong obra na minsan ay nakasabit sa mga mansyon. Ang iba pang mga frame ay napaka-simple; hindi sila nakakagambala sa pagmumuni-muni ng sining. Ang layunin ng mga frame ay upang umakma sa mga painting na nakapaloob sa loob, upang ipakita ang mga ito mula sa kanilang pinakamahusay na bahagi.

Naniniwala si Piet Mondrian na ang mga frame ay parang pader. Kung minsan ay tila nakatayo sila sa pagitan ng madla at ng sining, na parang gumagawa ng isang balakid, na naghihiwalay sa pagpipinta mula sa ibang bahagi ng mundo. Nais ni Mondrian na masiyahan ang lahat sa kanyang trabaho at para walang maramdamang hiwalay dito. Sumulat siya sa gilid ng canvas. At minsan kahit sa gilid.

Giniba niya ang mga pader na ito!

Hindi nagustuhan ni Georges Seurat ang katotohanan na ang mga frame ay naglalagay ng mga anino sa mga gilid ng pagpipinta. At siya mismo ang gumuhit ng frame. Binubuo ito ng libu-libong maliliit na tuldok sa higit sa 25 iba't ibang kulay.

Alam mo ba na ang imahe sa screen ng telebisyon ay binubuo ng mga tuldok na tinatawag na pixels? Ipininta ang painting na ito mahigit 50 taon bago naimbento ang color television!”

Komento

Maaaring mukhang katawa-tawa ang pag-ukol ng isang buong kabanata sa mga frame, higit na hindi ang praktikal na simulan ang isang libro gamit ito. Ngunit may mga dahilan para dito. Una, hindi tayo tumitingin sa isang larawan sa kawalan. Ang liwanag, ang taas kung saan ito matatagpuan, mga kalapit na gawa, mga anotasyon - lahat ng ito ay lumilikha ng espasyo sa paligid nito. Pinag-uusapan modernong iskultura, tiyak na pinag-uusapan nila ang tungkol sa "poetic space" na nakapalibot dito: ang kahulugan ng ilang abstract sculpture ay ipinanganak lamang kapag tiningnan ito ng manonood. Pangalawa, sa katunayan, ang frame ay madalas na nagiging balangkas ng pagpipinta mismo - tulad ng napatunayan sa mga nakakatawang halimbawa sa itaas. Panghuli, ang frame ay isang mahalagang link sa hanay ng mga tanong at sagot, na makakatulong upang mas maunawaan ang gawain. Pagkatapos mong malaman kung sino ang may-akda at kung naimpluwensyahan niya ang kasaysayan ng sining, maaari mong tingnan kaagad ang frame. Sa pamamagitan ng paraan, noong 1990, ang New York Metropolitan ay nagkaroon ng isang uri ng eksibisyon sa kabaligtaran: ang museo ay nagpakita ng maraming walang laman na mga frame upang maakit ang pansin sa isang madalas na hindi pinansin na katotohanan.

Bakit flat ang lahat?

Nanghuhuli si Nebamon sa mga latian. Libingan ng Nebamon, ca. 1350 BC e.

Jean Metzinger. Mesa sa tabi ng bintana. 1917

Quote mula sa libro

“Hindi lahat ng art object ay mukhang three-dimensional.

Ang dalawang-dimensional, o 2D, na mga imahe ay flat, tulad ng pahinang ito. Three-dimensional, o 3D, - may taas, lapad at lalim, tulad ng isang bola.

SA magkaibang panahon ang sining ay maaaring kasing flat ng ibabaw kung saan nagpinta ang mga artist, o three-dimensional, tulad ng mga totoong bagay.

marami sinaunang sining, tulad ng Egyptian wall paintings, mukhang patag. Mas mukhang mga diagram at ganap na naiiba sa buhay.

Kahit noong sinaunang panahon, alam ng mga artista kung paano ihatid ang lakas ng tunog, at kusa silang nagpinta ng mga flat na imahe.

SA Sinaunang Ehipto ang mga marangal na tao ay inilibing sa mga pininturahan na libingan kasama ng kanilang mga kayamanan. Ang mga dingding ng libingan ay pinalamutian ng mga guhit na hindi nilayon para sa buhay. Ipinakita nila sa mga diyos ang ginawa ng mga tao sa kanilang buhay.

Ang imahe ay lumilitaw na patag upang gawing mas malinaw sa mga diyos.

<…>Ano ang nasa mesa? Nakikita mo ba ang isang plorera ng mga bulaklak, isang baso, paglalaro ng baraha at ang bintana sa tabi nito?

Si Jean Metzinger ay hindi sumusunod sa mga batas ng pananaw, ngunit nais pa ring ipakita na ang mga bagay sa pagpipinta ay tatlong-dimensional. Samakatuwid, inilalarawan niya ang mga ito nang sabay-sabay mula sa iba't ibang mga anggulo. Ang pamamaraang ito ay tinatawag na cubism."

Komento

Ang puntong ito ay sumasalamin sa pangkalahatang pag-aalinlangan na nakalimutan ng mga artista kung paano mapagkakatiwalaang ilarawan ang three-dimensional na realidad - sa halos pagsasalita, "mukhang pagguhit." Humihingi ng tulong ang may-akda ng Naked People na si Susie Hodge sa mga sinaunang master, abstract artist at cubist. Ang pagkolekta ng mga ito nang sama-sama sa ilalim ng marker na "flat" ay medyo nakakatawa - ang mga cubist ay hindi bababa sa lumikha ng higit sa tatlong eroplano sa kanilang pagpipinta, at kung minsan ay naglalarawan ng parehong bagay sa iba't ibang mga punto sa oras, kaya ang kanilang trabaho ay hindi matatawag na flat. Gayunpaman, walang malinaw na sagot sa pambata na tanong na ito, at sa bawat oras na kailangan mong isipin kung bakit nagpasya ang artist na gawing flat ang lahat. Nakalimutan ni Hodge ang tungkol sa mga partikular na kultura: ang pananaw ay isang imbensyon ng Europa, at sa sining ng maraming mga bansa ay maaaring, sa prinsipyo, ay hindi matagpuan. Ang pangangatwiran na ang isang patag na imahe ay nagiging mas pandekorasyon at abstract ay medyo makatwiran - tulad ng samahan ng "flat" at "sinaunang". Ngunit sa parehong oras, iniiwasan ni Hodge sa ilang kadahilanan ang isang napaka-simple at malinaw na konklusyon: sa pamamagitan ng pag-alis ng ilang mga detalye mula sa imahe, ang may-akda ay nakatuon sa iba. Sa halos pagsasalita, sa pamamagitan ng pagpapasimple (at pag-flatte) ng isang imahe, ang isang artist ay maaaring gawin itong mas nagpapahayag, at sa maraming mga kaso, sa pamamagitan ng pagpapasimple ay magiging mas madali para sa kanya na kontrolin ang pagpapahayag na ito.

Bakit maraming hubad na tao sa sining?

Sandro Botticelli. Kapanganakan ni Venus. 1486

Yves Klein. Anthropometry na walang pangalan. 1960

Quote mula sa libro

"Sa pagpipinta, eskultura at litrato, karaniwan na ang mga taong nakahubad.

Ang lahat ng ito ay nagmula sa mga sinaunang Greeks, na naniniwala na ang hubad na katawan ay maganda at karapat-dapat pag-aralan. Kahit ngayon, natututo na ang mga artista na gumuhit ng mga hubad na tao para mas maintindihan ang hubog ng katawan. Ito ay tinatawag na pagguhit mula sa buhay.

Ang hubad na Venus, ang Romanong diyosa ng pag-ibig at kagandahan, ay lumulutang habang nakatayo sa shell ng isang shell. Ayon kay sinaunang alamat, Si Venus ay ipinanganak bilang isang may sapat na gulang at lumipat sa kabila ng dagat. Ipininta ni Botticelli ang kanyang pagpipinta maraming taon pagkatapos lumitaw ang alamat na ito.

Sa sining, madalas na ipinapahiwatig ang kahubaran bagong buhay. Sa panahon ni Botticelli, maingat na tinatakpan ng mga babae ang kanilang katawan. Pero nakahubad si Venus dahil dyosa siya, hindi ordinaryong babae!

Maraming mga artista ang naniniwala na ang katawan ng babae ay mas maganda kaysa sa katawan ng lalaki, kaya naman mas karaniwan sa sining ang mga hubad na babae kaysa sa mga lalaking nakahubad.

Noong 1960, naisip ni Yves Klein bagong daan ilarawan ang mga katawan ng kababaihan. Tinakpan niya ng asul na pintura ang mga hubad na babae at inilapag sa isang higanteng canvas sa sahig. Nagsilbi silang "mga buhay na brush."

Komento

Ang pinaka nakakaintriga na kabanata ng libro ay nasa pamagat - na, sa pangkalahatan, ay lubos na nauunawaan. Ngunit hindi rin kami makakahanap ng isang malinaw na sagot sa tanong dito - kabilang sa mga iminungkahing opsyon, marami ang nakolekta nang sabay-sabay: ang pag-aaral ng plasticity ng katawan at kagandahan nito, isang simbolo ng buhay at isang sampal sa mukha opinyon ng publiko. Gayunpaman, walang misteryo dito: ilang mga bagay sa mundo ang pumukaw ng gayong malakas na reaksyon sa isang tao - interes at awkwardness, kahihiyan at pagnanais, paghanga o, sa kabilang banda, pagkasuklam - bilang kahubaran. Hubad katawan ng tao sa sining - at, sa iba't ibang dahilan, ito ang pambabae na siyang pinakamakapangyarihang simbolo ng buhay at kamatayan. Sa puntong ito hubad na katawan- ito ay tool ng isang artist, na maaari niyang ilarawan sa isang larawan o ipakita sa buhay. Sa dating kaso pinag-uusapan natin tungkol sa pagganap. Ang isang hubad na pagganap ay magiging mas kapana-panabik, kung minsan ay marupok, kung minsan ay hindi kasiya-siya. Bilang karagdagan, ang hubad na katawan ay isa ring obligadong simbolo ng katapatan, na gustong gamitin ni Lucian Freud, na nagpapakita ng kawalan ng kakayahan ng isang tao. Kasabay nito, ang hubad na katawan sa tradisyon ng Europa ay malapit na nauugnay sa ideya ng kagandahan na ang pagpapakita ng isang labis na hindi kasiya-siyang katawan, tulad ng gustong gawin ni Freud, ay hindi gaanong nakakagulat at nagpapaisip sa isang tao tungkol sa pagtanda at pagkupas. . Sa argumento tungkol sa pamamayani ng mga hubad na babae sa mga lalaki, ang lahat ay hindi rin gaanong simple: sa Tsarist Russia, halimbawa, posible na magpinta lamang ng mga lalaking hubo't hubad, at para sa mga babae, ang mga artista ay tradisyonal na pumunta sa Italya.

Kailangan mo bang malaman ang balangkas ng mga kuwadro na gawa?

John Everett Millais. Ophelia. 1851–1852

Cornelia Parker. Malamig na madilim na bagay: pagmamasid sa pagkagambala. 1991

Quote mula sa libro

"Ang mga kuwento ay sinabi sa lahat ng anyo ng sining - mula sa pagpipinta at eskultura hanggang sa sinehan.

Ang isang gawa ng sining ay isang bintana sa imahinasyon ng ibang tao. Nakikita natin ang mga katotohanan at kuwento sa pamamagitan ng mata ng ibang tao.

Mga 160 taon na ang nakalilipas ay nagkaroon ng kilusan na tinatawag na Pre-Raphaelite Brotherhood. Ang mga artista ng kilusang ito ay nagpinta ng mga paksa, na kadalasang nakuha mula sa kasaysayan. Ang kanilang mga kuwadro ay minsan tinatawag na "mga naka-frame na nobela." Si Millais ay isang Pre-Raphaelite.

<…>Ang magandang Ophelia ay nilunod ang sarili, at naisip ng artista kung paano ito nangyari. Upang gawing mas kawili-wili ang larawan, pinalamutian niya ito ng maraming simbolo. Halimbawa, ang mga pulang poppies at asul na forget-me-not ay nangangahulugan ng pag-alala o pag-alala sa mga patay.

Mabuti ito sikat na kwento, at dumagsa ang mga tao sa Royal Academy sa London, kung saan unang ipinakita ang pagpipinta noong 1852.

May kuwento sa likod ng gawaing sining na ito. Nais ni Cornelia Parker na lumikha ng isang mood, isang kapaligiran, upang isipin tayo tungkol sa ating buhay at kung ano ang ating iiwan.

Hindi namin masyadong iniisip ang tungkol sa isang garden shed. Nag-iimbak kami ng mga hindi kinakailangang bagay dito na mabilis naming nakalimutan. Nagpasya si Parker na pasabugin ito!

Pagkatapos ay nangolekta siya ng mga piraso ng sunog na kahoy at bingkong metal at isinabit ang mga ito sa kisame gamit ang pangingisda. Naglagay siya ng lampara sa gitna para maglagay ng nakakatakot na anino sa mga dingding."

Komento

Sa kabanatang ito, ang may-akda ay gumawa ng isang tusong hakbang at sinusubukang itumbas ang kasaysayan ng paglikha ng larawan sa balangkas nito. Bakit kailangan ito? Noong ika-20 siglo, ang sining ay higit na naging walang plot, at kung mas maaga imposibleng maunawaan ang sining nang walang pag-unawa sa kasaysayan (halimbawa, basahin ang mga klasikong icon-painting plots - at salamat dito upang maunawaan kung ang artist ay gumawa o hindi gumawa ng isang rebolusyon. sa isang naibigay na gawain), ngayon ay nakakuha sila ng higit na kahalagahan sa kasaysayan ng artist at ang kasaysayan ng paglikha ng isang partikular na pagpipinta. Ang pagsunod sa talambuhay ng may-akda ay naging kapana-panabik tulad ng mga sumusunod na panahon ng matagal nang serye sa TV: lumipat siya sa Europa, nagsimulang mas magmalasakit sa mga migrante, ngunit dahil dito bigla siyang naging hindi gaanong kawili-wili, o, sabihin nating, Cai Guoqiang - muli siyang nagsanay bilang isang master ng malalaking teknolohikal na paputok at nawala ang lahat ng kanyang haka-haka na kagandahan. Ngunit si Richard Long: sa buong buhay niya ay tinapakan niya ang mga landas sa buong mundo, hindi ipinagkanulo ang kanyang mga ideya, kung saan kasama siya sa lahat ng mga aklat-aralin sa sining ng lupa.

Sino ang lahat ng mga taong ito?

Edward Hopper. Chop suey. 1929

Mark Quinn. Y. 2006

Quote mula sa libro

"Maraming mga painting ang puno ng mga tao, ngunit sino sila?

Noong nakaraan, bago pa man ang pag-imbento ng litrato, inatasan ng mga maharlika ang kanilang mga larawan. Kailangang ipakita ng mga artista kung gaano kalakas, maganda at mayaman ang mga kliyente. Kadalasan ang buong pamilya ay nag-pose para sa mga larawan ng grupo para sa artist.

<…>Ang portrait ni Edward Hopper ay nagpapakita ng dalawang naka-istilong babae sa isang restaurant table. Hindi tulad ng mga larawan ng nakaraan, ang mga babaeng ito ay hindi mahahalagang tao. Sila ang pinakakaraniwan at hindi naiiba sa mga random na bisita. Sa karamihan ng tao ay nakikita namin ang maraming tao na hindi namin kilala, at iyon mismo ang gustong ilarawan ni Hopper.

At bagama't nagpapakita siya ng dalawang estranghero, pareho silang ginawang modelo sa asawa ni Hopper!

<…>Ginamit ni Marc Quinn ang sarili niyang dugo para gawing head cast. Ang eskultura ay pinananatiling malamig, kung hindi, ito ay matutunaw.

Ito ay isang paalala kung gaano karupok ang buhay, sabi ni Quinn. Bawat limang taon ay gumagawa ng bagong ulo ang iskultor, para makita mo kung paano siya tumatanda.”

Komento

Sa katunayan, kapag iniisip kung sino ang inilalarawan sa larawan, kailangan mo munang isipin ang tungkol sa taong nag-utos ng trabaho. Sa pamamagitan ng paghahambing ng oras ng pagsulat at ng pangunahing tauhan, maaari pa ngang maglagay ng hypothesis kung gaano naging matagumpay ang artist. Mga kwento sa Bibliya Madalas silang isinulat sa mga utos mula sa simbahan, bagaman mayroong, siyempre, mga pribadong komisyon. Bago ang mga Impresyonista, ang mga larawan ay pininturahan pangunahin upang mag-order para sa mga mayayaman, kaya Mga artistang Pranses Gumawa sila ng isang rebolusyon nang magsimula silang magpinta ng mga ordinaryong tao, ngunit pagkatapos ay kailangan nilang isipin kung paano ibenta ang lahat ng mga kuwadro na ito. At mula sa gawain ni Marc Quinn, madaling tapusin na ang artista ay hindi nagugutom at hindi nakakaranas ng mga problema ng mga impresyonista: ang kanyang trabaho ay nangangailangan ng hindi gaanong lakas ng loob bilang solidong badyet.

Bakit may mga prutas sa mga kuwadro na gawa?

Paul Cezanne. Mga mansanas at dalandan. 1899

Jan van Kessel. Buhay pa rin "Vanitas". 1665–1670

John Lorbeer. Tarzan/Standing Leg. 2002

Quote mula sa libro

"Ang mga artista ay madalas na nagpinta ng mga mansanas at dalandan, ngunit bakit?

Una sa lahat, ang prutas ay maaasahan. Hindi tulad ng mga modelo ng tao, hindi sila kumukurap, kumikibot, o humihingi ng tsaa.

Ang paglalarawan ng prutas ay tumutulong sa mga artista na tuklasin ang mga hugis, kulay at tono ng kalikasan.

Ang ganitong mga painting ay tinatawag na still lifes. Bago ang pag-imbento ng photography, ipinakita ng mga artista ang kanilang mga talento sa pamamagitan ng paglikha ng makatotohanang still lifes. Pero nagbago ang lahat...

Ipininta ni Paul Cézanne ang larawang ito pagkatapos ng pag-imbento ng camera, at hindi niya naramdaman na ang kanyang gawain ay kopyahin ang katotohanan. Magagawa rin ito ng isang photographer!

Nagpinta siya ng mga bilog na prutas sa isang patag na canvas, ngunit sa isang bagong paraan. Upang ipakita ang mga hugis ng prutas, inilarawan niya ang bawat mansanas nang sabay-sabay mula sa maraming anggulo, mula sa iba't ibang pananaw. Tila malapit nang mahulog ang mga mansanas sa mesa.

<…>Ang larawang ito ay may dobleng kahulugan. Sa tabi ng mga bulaklak, inilarawan ni Jan van Kessel ang isang bungo - isang simbolo ng kamatayan. Ito ay isang babala na nagpapaalala sa atin ng kahinaan ng buhay. Hindi natin dapat kalimutan na tayo ay mamamatay sa bandang huli!

Buhay pa rin salitang Pranses, ibig sabihin ay "patay na kalikasan". Sa canvas, ang mga bulaklak ay parang buhay, ngunit nasa totoong buhay nagiging nana sila.

<…>Si John Lorbeer ay isang optical illusionist na sikat sa kanyang frozen figure.

Ang lahat ay medyo nakakalito dito. Ito ay ang parehong bagay bilang isang prutas na nakunan sa isang still life, ngunit sa parehong oras ito ay buhay at hindi pininturahan. Lumipas ang oras, ngunit nananatili siyang hindi gumagalaw at nakasabit sa dingding na parang painting.

Komento

Magandang sagot sa tanong, ngunit nawawala ang isang mahalagang punto. Ang buhay pa rin ay pangunahing pag-aaral ng purong anyo. At kung ang isang artista ay bihirang nagpinta ng isang buhay na buhay - tulad ng, halimbawa, maraming mga impresyonista - nangangahulugan ito na hindi siya nag-aalala tungkol sa mga pormal na katangian ng larawan, ngunit tungkol sa panandaliang sensasyon na ibinibigay nito. Ang mga buhay pa rin ay talagang naghahatid ng ideya ng kahinaan ng pag-iral - ngunit hindi ito maaaring kunin bilang isang ganap: pagkatapos ng lahat, maraming mga bayani sa mga larawan ay mortal din. Nakakatuwa din ang ideya na ang isang performance piece ay maaaring maging isang still life - ngunit dapat tandaan na ito ay napakabihirang.