Anna Homenia. Geboren 1986 in Mogilev (Weißrussland). Im Jahr 2005 schloss sie ihr Studium an der Theorie- und Kompositionsabteilung der Musikhochschule der Weißrussischen Staatlichen Musikakademie ab und 2010 an der Musikwissenschaftsabteilung des St. Petersburger Staatlichen Konservatoriums (SPbGK). 2013 schloss sie ihr Studium am Staatlichen Konservatorium St. Petersburg mit einem Abschluss in Orgel und Cembalo ab. Sie trat in der Smolny-Kathedrale, in der Staatlichen Akademischen Kapelle und im Konzertsaal des Mariinsky-Theaters auf. Seit Herbst 2013 studiert er weiterhin Orgel und Cembalo in Paris, wo er als Solist und in verschiedenen Ensembles auftritt.

ANTON BRUCKNERS SYMPHONIE: ÜBER DIE INTERPRETATION VON TEXTEN UND DIE SUCHE NACH PERFEKTION

Die Geschichte der Erforschung des kreativen Erbes von Anton Bruckner ist eine Interpretation des Lebens und der kreativen Biografie des Komponisten aus der Perspektive verschiedener Epochen, Generationen, Kulturen und politischer Regime. Mit dem Erscheinen eines Artikels des bedeutenden englischen Forschers D. Cook im Jahr 1969 erlangte das vom Autor in seinem Titel als „Das Bruckner-Problem“ („Brucknersche Frage“) formulierte Problem Bedeutung als eines der zentralen Probleme der ausländischen Bruckner-Studien . Die eigene Positionsbestimmung zu diesem Problem ist von nun an eine unabdingbare Voraussetzung für die Erforschung des Werkes des Komponisten.

Die sich überschneidenden und komplementären Erscheinungsformen des „Bruckner-Phänomens“ sind zu einem großen Teil auf die Mehrdeutigkeit und Widersprüchlichkeit des persönlichen und kreativen Verhaltens des Komponisten zurückzuführen. Diese manchmal sorgfältig versteckte, meist falsch interpretierte Inkonsistenz führte zu der einzigartigsten Textsituation in der Geschichte der Musik.

Der darin enthaltene Problemkomplex ist mit Bruckners Manuskripten, insbesondere seinen Musikautographen und ihrer beispiellosen Multivarianz (bei vielen Autorenausgaben der meisten Werke) verbunden; mit dem von Bruckner genehmigten und nicht genehmigten Eindringen seiner Schüler, Verleger, Dirigenten in die Texte des Komponisten; mit der Praxis von Lebensausgaben seiner Symphonien, die teilweise den Autographen widersprachen; mit dem Problem der Erstellung des ersten Gesamtwerks des Komponisten in den 1930er Jahren, während der Errichtung des NS-Regimes, dessen Kulturpolitik die Art des Handelns der Verfasser beeinflusste, mit der Veröffentlichung des Neuen Gesamtwerks.

Die „Bruckner-Frage“ erscheint nur in erster Näherung als ausschließlich im Problemfeld der Textkritik formuliert. Aber auch aufgrund ihrer offensichtlichen Bedeutung sind textliche Aspekte nicht von anderen Themen der Bruckner-Forschung zu trennen: So sehr sich Forscher auch bemühen, sich ausschließlich auf den Text und die Bestimmung seiner Authentizität zu konzentrieren, öffnet sich der „Textkreis“ unweigerlich in eine existentielle Ebene : Zweck und kulturelles Verhalten des Komponisten, pragmatische und sozialanthropologische Aspekte seines Schaffens, Besonderheiten der Rezeption und Interpretation von Bruckners Musik.

Es ist ein interpretatorischer „Retroeffekt“ der besonderen Art zu beobachten – eine umgekehrte Steigerung nicht nur von Sinn und Bedeutung, sondern auch des Wertgehalts des Werkes des Komponisten – Interpretationen erhöhen die Perspektiven für das Verständnis von Kreativität durch die Offenlegung musikalischer Phänomene und des „Bruckner“. Phänomen“ selbst. In ästhetischer Hinsicht können wir hier über die Bedeutung des Verstehens sprechen, die vom modernen Denken vollständig verwirklicht wird und nicht nur einer rational eindeutigen Erklärung gegenübersteht, sondern auch der Möglichkeit, scheinbar unterschiedliche Positionen des Lebens, der Kreativität und der Interpretation in einen Denkraum zu bringen wo die Einheit in der Menge definiert werden kann.

G.-G. Gadamer betont genau diesen Gedanken: „Verstehen, von Heidegger als bewegliche Grundlage der menschlichen Existenz beschrieben, ist kein „Akt“ der Subjektivität, sondern eine Seinsweise selbst.“ Anhand eines konkreten Falles – des Verstehens der Tradition – habe ich gezeigt, dass Verstehen immer ein Ereignis ist... Die Gesamtheit der Verwirklichung des Verstehens ist in das Ereignis involviert, wird von ihm zeitlich bestimmt und ist von ihm durchdrungen. Die Freiheit der Reflexion, dieses imaginäre Mit-sich-Seins, hat im Verständnis überhaupt keinen Platz – vielmehr ist jeder ihrer Akte von der Geschichtlichkeit unserer Existenz bestimmt.“ Bewusstsein ist „in die Sprache eingewoben“, die nie nur die Sprache des Sprechers ist, sondern immer die Sprache des Gesprächs, das die Dinge mit uns führen. In diesem Sinne kann der hermeneutische Ansatz von Gadamer, der äußerst auf soziales Verständnis achtet – genau das, was der Interpretation vorausgeht – effektiv auf das Verständnis der Bedeutung von Werken angewendet werden.

Die Tradition des ganzheitlichen Verständnisses, vertreten durch verschiedene Namen (A.F. Losev, R. Ingarden, J. Mukarzhovsky, F. Lacoue-Labarthe usw.), hat in sich jene allgemeine topologisch korrelierte Position, nach der das „Unausgesprochene“ wichtig ist , „materielle“ Bedeutung des Werkes. Es ist diese suprasemiotische Seite des ästhetischen Phänomens, die es zu einem kontinuierlichen thematischen Inhalt und damit zu einer offenen Pluralität von Interpretationen fähig macht. Ein solches Verständnis von Interpretation muss man sich nur dann vor Augen halten, wenn der Raum des Textes als eine besondere Art der aktiven Gestaltung betrachtet wird – in ihm treffen die diskursiv-symbolischen und existenziellen Komponenten der Kreativität zusammen.

„Ein Textbrief ist eine ewige Gegenwart, die sich der Macht jeder nachfolgenden Äußerung entzieht (die ihn unweigerlich zu einer Tatsache der Vergangenheit machen würde; ein Textbrief sind wir selbst im Prozess des Schreibens, das heißt noch vor dem Moment Wenn irgendein spezifisches System (Ideologie, Genre, Kritik) den grenzenlosen Spielraum der Welt (die Welt als Spiel) in seine Bewegung zerlegt, schneidet, unterbricht, stoppt, ihm eine plastische Form gibt und die Anzahl der Zugänge reduziert Es ist genau dieses Verständnis des Textes, das es ermöglicht, mit der Interpretation fortzufahren: „Einen Text zu interpretieren bedeutet keineswegs, ihn mit etwas auszustatten.“ eine bestimmte spezifische Bedeutung (relativ legitim oder relativ willkürlich), sondern im Gegenteil das Verständnis ihrer verkörperten Pluralität.“

Natürlich hat eine solche Vielfalt nichts mit willkürlicher Freizügigkeit zu tun; in diesem Fall stellt sich vielmehr die Frage nach Interpretationskonstanten – in manchen Ansätzen manifestieren sie sich unter den Namen Ideen, Archetypen und Lebenserfahrungen. Aber da es keinen Text als vollständige Integrität gibt – auch in den Fällen, in denen es sich um Vollständigkeit handelt und keine Ergänzungen erforderlich sind Textarbeit- Es stellt sich das Problem der Objektivität der Interpretation und der Bestimmung derjenigen ihrer Merkmale, die in verschiedenen Ansätzen ihre Bedeutung behalten würden.

R. Barth schrieb über die Bedeutung der Konnotation – einer sekundären Bedeutung, die einerseits als Ergebnis müßiger Erfindungen von Kritikern betrachtet werden kann und andererseits auf das Problem der objektiven Wahrheit und des semantischen Gesetzes verweist eines Werkes oder Textes. Beide scheinen leicht kritikwürdig zu sein. Die Hinwendung zur Konnotation ermöglicht es jedoch, den semantischen Modus des Textes und die Bedeutung selbst zu verstehen – als Einheit im Plural, da Konnotation „eine Verbindung, Korrelation, Anaphora, ein Zeichen ist, das auf andere Kontexte verweisen kann – früher.“ , anschließend oder völlig außerhalb davon“ , an andere Stellen im selben (oder einem anderen) Text“ (R. Barth). Die Konnotation beschränkt sich nicht auf einen „Fluss von Assoziationen“. Die Konnotation hält die Interpretation in einem topologischen Raum, der einerseits durch die Linearität der geordneten Abfolgen des Textes gebildet wird (in diesem Fall vervielfachen sich die Interpretationsmöglichkeiten, als würden sie einander fortsetzen), und ist andererseits dazu in der Lage enthält Bedeutungen, die außerhalb des materiellen Textes liegen und eine besondere Art von „Nebel des Bezeichneten“ (R. Barthes) bilden. Aber gerade diesen Nebeln ist es zu verdanken, dass die Interpretation, wenn die Konnotation eine „Bedeutungsstreuung“ liefert, die transzendenten Bedeutungen von Literatur oder Musik tiefer offenbaren kann.

Topologische Konnotation spielt die Rolle der Aktualisierung der primären Elemente eines Codes, die nicht rekonstruiert werden können – der Klang des Seins wird enthüllt: Konnotation ist wie ein kontinuierlicher Klang, der in einen Dialog oder „Interpretationskonflikt“ (P. Ricoeur) eingeführt wird, der schafft die Notwendigkeit, über eine Interpretation hinauszugehen.

Daher sollten sich tatsächliche Textänderungen, die vom Komponisten oder seinen Anhängern vorgenommen wurden, nicht nur auf unmittelbare Erklärungen beziehen, die sich aus der Situation ergeben (Ideologie, Geschichte, persönliche Lebensereignisse), sondern mit der ursprünglichen Freiheit der Kreativität korrelieren – nicht in psychologischer oder persönlicher Hinsicht , sondern im Hinblick auf die Existenz des „Schreibens von Musik“. Ein spezifischer „Bezug“ auf die Umstände der Realität (Denotation) erweist sich als nichts anderes als eine der Konnotationsvarianten, obwohl er den Anspruch erhebt, ein unzweifelhaft „sündenloser“ Primat zu sein. Und obwohl die Bedeutung nicht auf eine bestimmte ideologische oder wertinhaltliche Interpretation „reduziert“ werden kann, legt die bloße Tatsache des Vorhandenseins der „letzten Lesart“ ihre Bedeutung nahe und erscheint seit einiger Zeit als „höchster Mythos“, auf den sie sich konkret bezieht das Thema, Musik als ursprüngliche Harmonie der Natur zu verstehen.

Die Tatsache des Lebens und der schöpferischen Selbstverwirklichung Bruckners ermöglicht es, die Methode der offenen Perspektiven auf sein Werk anzuwenden, in deren Raum man nicht nur über Vergangenheit und Gegenwart, sondern auch über zukünftige Interpretationspraktiken sprechen kann – so wird es möglich Bruckners kreatives Erbe in das dialogische Feld der Kultur einzuordnen. Es ist sinnvoll, von der Erkenntnis auszugehen, dass es äußerst schwierig ist, die Textmerkmale von Bruckners Nachlass und diejenigen Gegebenheiten seiner Schaffensbiographie, die sich nur schwer als „Bedeutungskonfiguration“ beschreiben lassen, in einem Interpretationsfeld zu vereinen. Denn wenn wir nur vom „Fluss der Interpretationen“ ausgehen, kann die Kette der Interpretationen im Bereich der „schlechten Unendlichkeit“ enden, wo jede Interpretation uns dazu veranlasst, eine neue Runde der Selbstreflexion zu beginnen.

Innerhalb des Bruckner-Phänomens koexistieren bestimmte typische Merkmale auf ganz besondere Weise mit einzigartigen Merkmalen. Mehrere Aspekte der Persönlichkeit und Kreativität des Komponisten, darunter sein kultureller Zweck und sein kulturelles Verhalten, sein persönliches Porträt und seine Kreativität, die Interaktion mit der Umwelt und die Existenz eines kreativen Erbes in der Geschichte – all dies sind Manifestationen einer weit gefassten Variation, die sich auf allen Ebenen offenbart des Bruckner-Phänomens. Es gibt kein Werk über Bruckner, dessen Autor nicht versuchen würde, seinen komplexen Verhaltenskomplex im Zusammenhang mit seinem Werk zu erklären. Eines ist klar: Es ist einzigartig in der Musikgeschichte, aber noch nicht vollständig verstanden, erlebt oder verstanden.

Die Offenheit der „Brucknerschen Frage“ ist jedoch von besonderer Art: Sie bleibt bis heute offen; Offenheit sind ihre ontologischen Eigenschaften. Ständige Klarstellungen (im Vergleich zu dem, was bereits getan wurde, sind dies heute nur Klarstellungen und nur in einigen Fällen Entdeckungen) des Textes des Autors in jedem Band korrigieren zwangsläufig die Vorstellung sowohl von Bruckners Persönlichkeit als auch von seiner Arbeit als ganz. Bruckners kreativer Prozess ist sowohl intuitiv (Spontaneität der Entstehung brillanter Ideen und Pläne) als auch bewusst logisch (strikte Konsequenz in der Arbeit). Während seiner Studienzeit bei O. Kitzler entwickelte der Komponist einen Arbeitsplan, den er durchgehend befolgte Erstphase Schaffensweg (zu den Werken dieser Zeit zählen drei Messen und eine Symphonie in f-Moll). Zuerst schrieb er eine Skizze und trug sie dann in die Partitur ein: Die Melodielinie wurde in der Regel den Streichern zugewiesen, die Basslinie den tiefen Streichern. Bruckner orchestrierte in mehreren Stufen – zuerst Streicher, dann Bläser und nach abschließenden Korrekturen – Aufführungsanweisungen.

P. Hawkshaw schreibt in einer Studie zum Kitzler-Studienbuch, dass Kitzler Bruckner in die Technik der metrischen Zahlen eingeführt habe. Diese Zahlen, die die Anzahl der Takte angeben, tauchten in den frühen 1860er Jahren, also noch in der Dovenian-Zeit, in mehreren Skizzen und Kompositionen auf und verschwinden dann aus Bruckners Partituren. Er kehrte zu ihnen zurück, als er sich eingehend mit den Werken Mozarts und Beethovens beschäftigte, und wendet sich seitdem immer wieder ihnen zu. Während der ersten Redaktionsperiode von 1876–1877 nahm Bruckner metrische Zahlen in seine frühen Werke auf – in die Partituren von drei Messen und der Ersten Symphonie. Eine solche Kombination aus Chaos und Ordnung im Schaffensprozess, die vielen Komponisten innewohnt, ist in diesem Fall insofern paradox und einzigartig, als der selbstkritische Bruckner, der die Arbeitsschritte im Text kontrolliert und bezeichnet, unter dem Druck der Umstände begann seine Werke zu überarbeiten und tat dies regelmäßig, wobei er nicht nur die Bearbeitung, sondern auch Überarbeitungen als obligatorische Phase des kreativen Prozesses einführte (nicht nur Symphonien wurden der Überarbeitung unterzogen, sondern auch Werke anderer Genres: Messen, Motetten, Kammerwerke).

Bereits Bruckners erste symphonische Werke zeigen das schwierige Verhältnis des Komponisten zur Gattung und spiegeln das „Weltbild“ der klassisch-romantischen Epoche der europäischen Kultur wider. Bruckner hielt seine Sinfonie Nr. 1 f-Moll (1863) für eine Übung, die es nicht wert war, in das Verzeichnis seiner Werke aufgenommen zu werden. Obwohl es für Bruckner höchstwahrscheinlich schon wichtig war, die erste Symphonie zu schreiben, war ihre Entstehung eines der Ziele seines Studiums bei Kitzler, das erst in diesem Jahr endete. Beachten wir die Leichtigkeit (die für den Umgang des Komponisten mit seinen Werken nicht charakteristisch ist), mit der er sein erstes Werk in diesem Genre beiseite legt (in den folgenden Jahren wird er es nicht mehr bearbeiten, und dies trotz der Tatsache, dass einige früher geschriebene Werke dies getan haben). Änderungen vorbehalten).

1872 „verzichtete“ Bruckner auf die Symphonie Nr. 2 – die sogenannte „Null“, die letztlich keine fortlaufende Nummer erhielt. Die Folgesymphonie Nr. 3 ist heute als Zweite bekannt. Hier fängt es eigentlich an dorniger Weg Bruckner – Herausgeber seiner Werke. Die Bearbeitung der Zweiten Symphonie wurde durch eine negative Rezension des Orchesterdirigenten „inspiriert“. Wiener Philharmoniker O. Dessoff, der sich weigerte, es zu erfüllen. Wurde diese Symphonie in den 1870er Jahren dreimal überarbeitet, so wurde die Dritte (1873) bereits viermal überarbeitet. Das Schicksal der übrigen Sinfonien ist nicht weniger tragisch. Wie Sie wissen, erwies sich die Neunte, Bruckners letztes Werk dieser Gattung, als völlig unvollendet – das Ergebnis der Reise ist nicht weniger symbolisch als ihr Anfang.

So verwirklichen Bruckners Symphonien das Problem der Instabilität des Notentextes (das der Kultur seit der Renaissance und dem Barock bekannt ist) in einer Zeit, in der Integrität, Einheit und Vollständigkeit zum Kanon künstlerischer Perfektion und ästhetischen Wertes erhoben werden. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts verlieh Beethoven dieser „Dreieinigkeit“ Unantastbarkeit und Unerschütterlichkeit.

A. Klimovitsky stellt fest, dass Integrität (gemeint ist ihr Beethoven-Typ) „das Erreichen einer endgültigen Form als perfekte und vollständige Verkörperung einer bestimmten „Idee“, als vollständige Verwirklichung und Ausschöpfung ihres gesamten Potenzials voraussetzt, eine Verkörperung, die als verstanden wird eine einmalige Konstruktion, als Integrität. Dieser Moment der Integrität – Vollständigkeit – ist eine Eigenschaft des klassischen Musikbewusstseins selbst und mit der Musik früherer Epochen nicht vertraut.“ In Bruckners Werk wird diese Art von Integrität in Frage gestellt.

Das Schicksal seines schöpferischen Nachlasses zeigt nicht nur heute, sondern schon zu seinen Lebzeiten ein schwieriges Kommunikationsproblem: Der Zuhörer ist darauf ausgerichtet, sogar „programmiert“, das vollendete Fragment oder Gesamtwerk des Komponisten als künstlerische Vollkommenheit wahrzunehmen, und Bruckner, durch die Existenz mehrerer Versionen einer Symphonie zerstört diese Haltung. Es stellt sich heraus, dass der Komponist dasselbe hätte schreiben können, aber anders.

Y. Lotman interpretierte eine ähnliche Situation, nur im Zusammenhang mit der Literatur, wie folgt: „Der Leser glaubt, dass der ihm angebotene Text (wenn es sich um ein perfektes Kunstwerk handelt) der einzig mögliche ist... Ein Wort ersetzen.“ Das eine oder andere im Text gibt ihm keine Variante des Inhalts, sondern neuen Inhalt. Wenn wir diese Tendenz auf die Spitze treiben, können wir sagen, dass es für den Leser keine Synonyme gibt. Aber für ihn erweitert sich die semantische Kapazität der Sprache erheblich.“

Lotmans Beobachtung gilt auch für Bruckners Musik. In Bezug auf Bruckners Achte Symphonie schreibt V. Nilova beispielsweise, dass das Konzept des Werks trotz der Existenz zweier Ausgaben unverändert geblieben sei – es sei einzigartig, existiere aber in zwei Versionen. Allerdings ist eine solche Aussage unserer Meinung nach nur nach sorgfältiger Recherche möglich, die aufgrund der bereits erwähnten Komplexität der „Bruckner-Frage“ selbst für professionelle Musiker nicht immer zugänglich ist. Da sich, wie B. Mukosey überzeugend zeigt, verschiedene Ausgaben der Dritten Symphonie erheblich voneinander unterscheiden, kann Nilovas Aussage nicht für alle Sinfonien Bruckners gelten.

Das Wissen um die Existenz der Symphonie in zwei, drei oder vier Ausgaben verspricht dem Hörer daher in jeder von ihnen neue Inhalte. Diese Primärhaltung lässt sich nicht so leicht überwinden: Zusätzliche Informationen und Textkommentare können den Eindruck des Schocks, der die Begegnung mit der Symphonie in mehreren Ausgaben begleitet, in der Regel nicht unmittelbar überdecken. Das bedeutet, dass es für Bruckner ein „Synonym“ (nach Lotman) von ihm gibt eigene Komposition, aber für den Hörer gibt es keine. Vielleicht entsteht gerade deshalb eine gewisse Spannung beim Kennenlernen seiner Sinfonien.

Erinnern wir uns noch einmal an Lotman, der darauf hinweist, dass „in poetische Sprache Jedes Wort kann zum Synonym für jedes Wort werden … Und Wiederholung kann ein Antonym sein.“ Diese Aussage gilt auch für Bruckners Nachlass, der nicht nur zum Verständnis der Offenheit als einer wesentlichen Eigenschaft von Bruckners Texten anregt, sondern auch zur Bestimmung des Verhältnisses dieser Textausgaben zueinander – ihrer Synonymie oder Antonymität.

Aufgrund der Unzugänglichkeit der verifizierten Notentexte Bruckners in Russland ist es nicht möglich, diese Zusammenhänge festzustellen und abschließende Schlussfolgerungen zu ziehen. Aber heute ist klar: Wenn Bruckner gewusst hätte, dass er anders hätte schreiben und in die Tat umsetzen können, dann war dies für die Zuhörer (von seinen Studenten bis zum modernen Konzertsaalpublikum) gleichbedeutend mit einem Verlust der Integrität, Stabilität und Unverletzlichkeit des Notentext, was Zweifel am Können des Komponisten und in der Folge eine Ablehnung von Bruckners Musik aufkommen ließ.

Natürlich ist Bruckners Integrität immer noch Integrität, aber seine künstlerische Perfektion offenbart ihre Besonderheit in der Diskrepanz zum Kanon der „künstlerischen Perfektion“ seiner Zeit.

Man kann nicht sagen, dass Bruckner die Integrität zerstört; vielmehr erweitert er, indem er über ihre Grenzen hinausgeht, die Vorstellungen über die Natur des Musiktextes, indem er in den meisten Fällen die Integrität von innen heraus „explodiert“ (diese Prozesse finden im Rahmen der klassischen Vier statt). -Stunden-Zyklus). Der nächste große Symphoniker – G. Mahler – überschreitet diese Grenzen und zerstört auch die Vorstellung von der Welt als harmonischer Einheit.

Lassen Sie uns betonen, dass es sich um eine Kommunikationssituation handelt, in der die oben beschriebene Wahrnehmung dem Publikum gehört. Vielleicht wurde dies durch die Tatsache erleichtert, dass Bruckner, der die Symphonie immer noch als eine „weltliche Masse“ betrachtete, die in der Lage war, eine uneinige Menge zu vereinen, bereits eine Anziehungskraft auf den einzelnen Zuhörer entwickelte (was in der Art des Ausdrucks seiner Musik zum Ausdruck kommt). und in der Organisation des künstlerischen Raums: im Verhältnis von Kargheit und Dichte in der musikalischen Textur, in häufigen scharfen Wechseln der Dynamik, in Kontrasten kraftvoller Tutti- und Kammerensembleklänge). Dieses Ungleichgewicht zwischen Genre und Image des Adressaten könnte auch die Interaktion des Hörers mit Bruckners Musik erschweren.

Der Komponist selbst war nicht bewusst auf die Offenheit des Textes bedacht – diese wurde durch den Willen der Lebensumstände zur Norm seines schöpferischen Verhaltens. In der Geschichte der Musik gibt es viele Beispiele, bei denen Komponisten (sowohl gezwungen als auch aus freien Stücken) ihre Werke überarbeiteten, sogar bearbeiteten und mehreren Ausgaben das Recht auf Leben gaben – es ist mehr als natürlich, nach einem Analogon zu Bruckners zu suchen kreatives Verhalten in der Vergangenheit oder Zukunft. Häufige Beispiele für ein solches kreatives Verhalten von Komponisten im 19. Jahrhundert sind auch Änderungen der Stimme des Sängers entsprechend seinen Anforderungen und stimmlichen Fähigkeiten sowie Arrangements derselben Musik für verschiedene Instrumente.

Besonders hervorzuheben ist R. Schumann, der einmal aphoristisch bemerkte: „Die erste Idee ist immer die natürlichste und beste.“ Die Vernunft macht Fehler, das Gefühl nie.“ Allerdings folgte der Komponist seinen Gedanken nicht immer in die Praxis, wie die von ihm in den 1830er und 1840er Jahren angefertigten Ausgaben von „Etüden in Form von Variationen über ein Thema von Beethoven“ in den 1840er und 1850er Jahren belegen Ausgabe der „Symphonischen Etüden“, Editionen Impromptu, „Davidsbündler Tänze“, „Konzert ohne Orchester“. Alle aufgeführten Beispiele stammen aus dem Bereich der Klaviermusik. Umso mysteriöser ist ihre Verbindung, egal wie indirekt, mit der Symphonie – der Gattung selbst und der spezifischen Symphonie in „Etüden in Form von Variationen über ein Thema (aus dem II. Teil der Siebten Symphonie. – A. X.) von Beethoven“ , die Anspielung auf das Sinfonieorchester im „Konzert ohne Orchester“, eine Art nahezu symphonische Weiterentwicklung in den „Symphonischen Etüden“. Die Bedeutung solcher Phänomene über die Grenzen von Schumanns individueller Schaffensbiographie hinaus liegt in der Universalisierung des Klaviers als Instrument, das die Funktion eines Orchesters erfüllen kann, in der Schaffung eines nicht minder großen „Weltbildes“ in der Klaviermusik. Maßstab als in der Symphonie. Die Ausgaben von Schumanns Klavierwerken waren auch ein Ausgangspunkt für Experimente mit dem Problem der musikalischen Integrität, das auf einer intimeren Skala die Versuchung qualitativer Transformationen und die Möglichkeit der Perfektion non finita erlebte und sich dann auf die „größten“ Genres ausweitete.

Im Wesentlichen der gleiche Bearbeitungsprozess, der sich jedoch in der symphonischen Gattung manifestiert und in jedem Werk konsistent ist, wie es bei Bruckner der Fall war (und nicht sporadisch, wie im Werk von Liszt und Mahler), unterschiedliche Bedeutungen offenbart. Eine solche Behandlung des Genres der Symphonie markierte eine neue Etappe in seiner Entwicklung. Wenn im gesamten 19. Jahrhundert Komponisten mit der Struktur des Zyklus experimentierten (Liszts einstimmige symphonische Dichtungen), indem sie die Beziehungen seiner Teile untereinander füllten und umwandelten (was in den Intermezzo-Symphonien von Brahms vorkam), dann war die nächste Etappe die Restaurierung des Standards der Gattung, ihres kompositorischen Archetyps (wichtig ist auch, dass durch eine Rückkehr zu den „neun“ Sinfonien bei Bruckner und mit Vorbehalt bei Mahler der mit der „Unmöglichkeit“ verbundene Komplex überwunden wurde Symphonie nach Beethoven). Für Bruckner ist der Prozess der Transformation dieses Archetyps mit der Multivarianz seines Inhalts verbunden, die jeweils zu einer individuellen, einzigartigen Lösung führt.

Das Problem der Existenz mehrerer Versionen einer bestimmten Symphonie in Bruckners Nachlass ist eines der umstrittensten und wird ständig überarbeitet und verstanden. Die Anerkennung der Gleichheit aller Ausgaben ist eine der bedeutenden Errungenschaften der weltweiten Brucker-Studien in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Über die Gründe für die Entstehung von Redaktionen äußern sich Forscher jedoch unterschiedlicher Meinung: Manche verbinden diese Art kreativen Verhaltens mit den persönlichen Qualitäten des Komponisten, also vor allem mit Selbstzweifeln, andere erklären es mit den Umständen, wieder andere - Durch den Druck der Studenten und den mangelnden Willen des Komponisten, der zwar nichts erreichen wollte, wurde ihm die Betonung des vermeintlichen Karrierismus und die Betonung seiner Gier nach Einkommen garantiert durch Aufführungen und Veröffentlichungen seiner Sinfonien.

Dass Bruckner übrigens für die Aufführung seiner Werke gezwungen war, seinen Schülern die Bearbeitung selbst zu überlassen, führte am Ende seines Lebens letztendlich zu einer nahezu trägen Bearbeitung des Bearbeitungsprozesses selbst. Erinnern wir uns daran, dass die aktive Bearbeitung nach O. Dessoffs wenig schmeichelhafter Rezension von Bruckners Zweiter Symphonie begann, dann deren Uraufführung im Jahr 1873 (unter der Leitung des Autors), woraufhin I. Herbeck den Komponisten überzeugte, für die zweite Aufführung wesentliche Änderungen an der Symphonie vorzunehmen.

In der Folge wurde die von seinen Mitmenschen wahrgenommene Nachgiebigkeit und Loyalität des Komponisten gegenüber Änderungsvorschlägen in seinen Texten von seinen Schülern, Dirigenten und einfach seinen Mitmenschen als Freibrief für die Erstellung eigener Ausgaben interpretiert. Es kam so weit, dass die Aufhebung G. Levys gegenüber Bruckner, der ihn in den 1890er Jahren in Wien davon abgehalten hatte, die Erste Symphonie zu überarbeiten, keinen Einfluss mehr auf die Absichten des Komponisten hatte – so entstand die „Wiener“ Ausgabe dieser Symphonie.

Widersprüchliche Gründe, einzelne oder alle zusammen, plausibel und nicht ganz, führten dennoch zu einer einzigartigen Situation mit Bruckners Texten zu Lebzeiten des Komponisten und deren keineswegs gelungener Fortsetzung in der Geschichte. E. Mayer glaubt, dass es sich hierbei nicht nur um ein kulturelles, sondern auch um ein historisches Phänomen handelt. Er schreibt, dass die Ausgaben vieler Werke Bruckners – sowohl Symphonien als auch Messen – nicht nur ein musikalisches Problem seien, das sicherlich mit den Schalk-Brüdern F. Lewe und Mahler zusammenhängt, die für die Herausgabe von Bruckners Werken verantwortlich waren. Die Eingriffe der Brüder Schalk und Lewe in die Texte Bruckners stellt Mayer in einem anderen Licht dar (fast jeder Forscher schreibt, sie seien durch „gute Absichten“ motiviert gewesen): Die Studierenden verstanden die Herausgabe der Werke des Meisters nicht nur als Dienst an ihm, sondern auch als gesellschaftlich wichtige Angelegenheit zum Wohle der Nachbarn und des Staates.

Die strikte Einhaltung des exakten Textes und die Suche nach authentischen, von jahrhundertealten Schichten befreiten Texten sind die Haltungen des 20. Jahrhunderts. Während der Zeit von Bruckner und sogar Mahler blühte die Kunst der musikalischen Gestaltung auf (erinnern Sie sich an die von Mahler arrangierten Beethoven-Quartette, Transkriptionen von F. Busoni, L. Godowsky und anderen). Daher widerspricht die Beteiligung von Bruckners Schülern an der „Verbesserung“ seiner Sinfonien nicht dem kulturellen Verhalten der damaligen Musiker.

Ein Kontakt zwischen Bruckner und seinem Publikum konnte aufgrund mangelnden Verständnisses der Originalfassungen der Sinfonien nicht zustande kommen, da seine Zeitgenossen, denen es aufrichtig darum ging, dass seine Musik gehört wird, vom „Original“ Bruckners nichts wissen wollten und dies auch taten keinen Beitrag zur Aufführung der Erstausgaben der Sinfonien leisten. Selbstverständlich ergab sich durch die Aufführung seiner Musik in bearbeiteter Form kein gebührendes Verständnis. Die Anerkennung, die der Komponist Jahre später erfuhr, bewies nur das Gegenteil – die Entfremdung Bruckners als Mensch und Komponist von seiner Zeit.

Zur Frage nach den Gründen für die Multivarianz von Bruckners Musiktexten bleiben noch ein paar Worte zu den Konsequenzen, die diese Situation in der Geschichte hervorgerufen hat. Bekanntlich erschienen auch nach dem Tod des Komponisten weiterhin „neue“ Ausgaben von Bruckners Sinfonien: Ausgaben der Zweiten (1938) und Achten (1939) Symphonie, aufgeführt von

R. Haas, der den Text in beiden Fällen aus zwei unterschiedlichen Ausgaben zusammenstellte, sowie Varianten der Rekonstruktion des Finales der Neunten Symphonie, von denen es heute mehr als zehn gibt. Wir können uns darauf beschränken, diese an sich anzugeben ungewöhnliche Tatsachen, aber dennoch scheint ihre Nichtzufälligkeit unbestreitbar – der Komponist selbst hat zu seinen Lebzeiten, bewusst oder unbewusst, dazu beigetragen, diese Situation als verwirrend und komplex zu „gestalten“, je natürlicher ihre Fortsetzung in der Geschichte absolut angemessen erscheint Anfang.

Bruckners Musik ist eine Kunst, die immer noch auf der Suche nach Perfektion ist. Die Idee endloser Kreativität, endloser Kristallisation ist ein ewiger Weg vom Chaos zur Perfektion, aber nicht das Ergebnis. Das ist die Zeitlosigkeit von Bruckners Musik.

Anna Homenia. Symphonien von Anton Bruckner: über die Interpretation des Textes und die Suche nach Perfektion.// RUSSISCHE WELT. Raum und Zeit der russischen Kultur“ Nr. 9, Seiten 278-289

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Anmerkungen

1. Cooke D. Das Bruckner-Problem vereinfacht. Nachdruck in einer überarbeiteten Fassung (1975) als Broschüre von „The Musical Newsletter“ in Zusammenarbeit mit Novello & Co. GmbH, 1975.
2. Diese Fragen werden in den Werken von A. I. Klimovitsky untersucht. Klinovitsky A. 1) Schostakowitsch und Beethoven (einige kulturelle und historische Parallelen // Traditionen Musikwissenschaft. L.: Sov. Komponist, 1989; 2) Erinnerungskultur und Erinnerung an die Kultur. Zur Frage des Mechanismus Musikalische Tradition: Domenico Scarlatti Johannes Brahms // Johannes Brahms: Merkmale des Stils L.: LOLGK, 1992; 3) Skizzen zum Problem: Tradition – Kreativität – Musikalischer Text (Mazel noch einmal lesen) // Analyse und Ästhetik. Sa. Kunst. zum 90. Jahrestag von L. A. Mazel. Petrosawodsk-SPb., 1997; 4) Igor Strawinsky. Besetzung: „Lied vom Floh“ von M. Mussorgsky, „Lied vom Floh“ von L. Beethoven: Publ. und Forschung auf Russisch und Englisch Sprache St. Petersburg, 2005; 5) Azanchevsky-Komponist. Zum Problem: das Phänomen „kultureller Zweck“ und „kulturelles Verhalten“ // Konstantinovsky-Lesungen-2009: Zum 150. Jahrestag der Gründung der Russischen Musikgesellschaft. St. Petersburg, 2010.
3. Vergleichen Sie: „Wollen wir nicht glauben, dass jede Phrase, egal welche Bedeutungen später daraus freigesetzt werden, zunächst eine einfache, wörtliche, schlichte, wahre Botschaft enthält, im Vergleich zu allem anderen (alles, was später auftaucht) und darüber hinaus?“ dass) als Literatur wahrgenommen wird“ (Barth P. S/Z. M., 1994. S. 19).
4. Hawkshaw P. Ein Komponist lernt sein Handwerk: Anton Bruckners Lektionen in Form und Orchestrierung 1861-1863 // The Musical Quarterly. Sommer 1998. Band 82, Nr. 2. S. 336-361.
5. Nr. 1, 2 und weitere - wir greifen auf eine ähnliche Nummerierung der Sinfonien zurück, wenn wir darüber sprechen chronologische Reihenfolge das Erscheinen von Sinfonien. Bei Berufung auf die von Bruckner festgelegte Ordnungsnummerierung werden Ordnungszahlen verwendet: Erste, Zweite und weitere.
6. Der amerikanische Forscher Hawkshaw bewies, dass diese Symphonie 1869 nach der Entstehung der Ersten Symphonie von Bruckner geschrieben, vom Komponisten jedoch beim Schreiben der Dritten abgelehnt wurde. Weitere Einzelheiten finden Sie unter: Hawkshaw P. The Date of Bruckner’s „Nullified“ Symphony in D Minor // Nineteenth Century Musie. 1983. Bd. 6. Nr. 3.
7. Klinovitsky A. I. Auf dem Weg zur Definition der Prinzipien der deutschen Tradition musikalisches Denken. Neue Informationen zu Beethovens Skizzenwerk zum Hauptthema der Neunten Symphonie // Musikalische Klassiker und Moderne. L., 1983. S. 96.
8. Lotman Yu. M. Die Struktur des literarischen Textes. Kunst als Sprache // Lot – May Yu. M. Über Kunst. St. Petersburg, 1998. S. 41.
9. Mukosey B. Über die Dritte Symphonie von A. Bruckner: These / Wissenschaftlich. Hände E. Tsareva. M., 1990.
10. Lotman Yu. M. Die Struktur des literarischen Textes. S. 41.
11. Schumann R. Über Musik und Musiker. Gesammelte Artikel: In 2 Bänden. T. 1. M., 1978. S. 85.
12. Bruckners Kammermusikwerke sind zahlreich, doch auch hier blieb sich der Komponist treu: Das Quintett in F-Dur existiert in mehreren Ausgaben. Es scheint, dass der einzige Bereich der Kreativität, den der Herausgeber Bruckner nicht berührt hat, die Klaviermusik ist. Klavierwerke, von denen es auch nur wenige gibt, wurden in der dovenischen Zeit geschrieben. Sie zeichnen sich durch fast Amateurismus aus – nichts lässt den zukünftigen Autor großer symphonischer Werke ahnen.
13. Es ist auch ein Fall bei einer der Ausgaben der Dritten Symphonie bekannt, als G. Mahler Bruckner ebenfalls bat, die Symphonie nicht mehr zu bearbeiten, er aber dem Rat nicht Folge leistete.
14. Siehe dazu: Maier E. Anton Bruckners Arbeistwelt // Anton Bruckner Dokumente und Studien. Anton Bruckner in Wien. Bd 2. Graz, 1980. S. 161 -228.
15. Weitere Informationen hierzu finden Sie unter: Mukosey B. Zur Geschichte und Problematik der gesammelten Werke von A. Bruckner // Probleme der Musiktextologie: Artikel und Materialien. M., 2003. S. 79-89.

Anton Bruckner, (1824–1896)

Bruckner ist ein herausragender Symphoniker. Unter den großen Komponisten des 19. Jahrhunderts nimmt er einen ganz besonderen Platz ein. Da der Komponist sein Werk fast ausschließlich der Symphonie widmete und majestätische und erhabene Werke dieser Gattung schuf, fehlten ihm jegliche typischen Merkmale romantischer Künstler diese Zeit. Aufgewachsen in einem patriarchalischen Umfeld, nahm er ihre Ansichten auf und behielt bis zu seinem Lebensende das Aussehen eines einfältigen Dorfmusikanten. Gleichzeitig hinterließ die Zeit, in der er lebte, unweigerlich ihre Spuren in ihm, und naive patriarchale Züge verbanden sich in seinem Werk auf einzigartige Weise mit der Weltanschauung des Menschen im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Wagners Worte über ihn sind bekannt: „Ich kenne nur einen, der sich Beethoven nähert; Das ist Bruckner. Dieser 1882 geäußerte Satz wurde als Paradox empfunden: Bruckner, der kurz vor seinem sechzigsten Geburtstag stand und Autor von sechs monumentalen Sinfonien war, war der Öffentlichkeit im Grunde überhaupt nicht bekannt. Das Interesse daran erwachte erst Mitte der 80er Jahre, nachdem der berühmte Dirigent A. Nikisch die Siebte Symphonie aufführte. Der Grund dafür ist gerade die Originalität kreativer Weg und die Persönlichkeit des Komponisten. „Schubert, eingehüllt in eine Hülle aus Blechbläserklängen, kompliziert durch Elemente der Bachschen Polyphonie, die tragische Struktur der ersten drei Sätze von Beethovens Neunter Symphonie und Wagners „Tristan“-Harmonie“ – das ist Bruckner nach der Definition eines herausragende Musikfigur und Kritiker der 20-30er Jahre des 20. Jahrhunderts.

Trotz seiner Unähnlichkeit mit dem üblichen Stereotyp eines romantischen Künstlers verkörperte Bruckner in seinem Werk dennoch romantische Kollisionen, die mehr als eine Generation von Musikern, Dichtern und Künstlern nährten. Die tragische Zwietracht zwischen Mensch und Gesellschaft, zwischen Traum und Wirklichkeit – das Thema, dem Schubert und Schumann, Liszt und Tschaikowsky ihre Werke widmeten, befeuerte auch Bruckners Schaffen. Bruckner suchte die Flucht aus einem fremden, unverständlichen und oft feindseligen Leben in seine eigene Welt – in die pantheistische Feier der Natur, der Religion und der Einfachheit. Bauernleben. Deshalb wandte sich der Künstler in seinem Werk der oberösterreichischen Folklore, den alten Schichten des Volksliedes, dem Choral zu, während ihm das urbane Element völlig fremd war. Gleichzeitig hörte er, vielleicht ungewollt, die Moderne, und dann tauchten in seiner Musik Seiten auf, die Mahler und manchmal sogar Schostakowitsch vorwegnahmen.

Bruckners symphonisches Werk führt die Linie der österreichischen Symphonie fort, die mit Schubert begann. Gemeinsam ist ihnen die weit verbreitete Verwendung volksliedlicher Intonationen, die gefühlvolle Verkörperung von Naturbildern und die Kontraste emotionaler Stimmungen. Aber Bruckners Sinfonien sind immer monumental, groß angelegt, reich an Polyphonie, was der Musik eine besondere Erhabenheit verleiht.

Alle Sinfonien von Bruckner sind viersätzig. Sie wurden nach dem gleichen Schema erstellt. Die ersten Sätze – in Sonatenform – sind streng und ernst. Sie haben drei Hauptbilder - unabhängige Bedeutung In der Ausstellung wird das Thema des Endspiels thematisiert. Tiefe, konzentrierte Adagios werden zum lyrischen und psychologischen Zentrum der Symphonie. Weit ausgedehnte Scherzos, in komplexer dreiteiliger Form geschrieben, sind voller volkstümlicher Lied- und Tanzwendungen. Die Finale zeichnen sich durch ihre zyklopische Größe und die Erhabenheit der Bilder aus. Das ist natürlich nur so äußere Merkmale. Jede der neun Sinfonien Bruckners ist zutiefst individuell. Aufgrund ihrer grandiosen Größe und der bizarren Mischung aus Archaismus und Innovation waren seine Sinfonien schwer wahrnehmbar, was dem Komponisten viele bittere Momente bescherte.

Anton Bruckner wurde am 4. September 1824 im Dorf Ansfelden bei Linz in der Familie eines Schullehrers geboren. Er war äußerst empfänglich und lebte in einer antiken Stadt, deren Umgebung malerisch war und dazu beitrug, dass der Junge Bewunderung für die Schönheit und Erhabenheit der Natur entwickelte.

Das Wissensspektrum des Schullehrers umfasste Musik – eine unverzichtbare Beherrschung vieler Instrumente und die Grundlagen theoretischer Disziplinen. Er sollte den Gottesdienst mit dem Orgelspiel begleiten. Der Vater des zukünftigen Komponisten beherrschte dieses Instrument also recht gut und improvisierte sogar darauf. Darüber hinaus war er ein unverzichtbarer Teilnehmer lokaler Feierlichkeiten, bei denen er Geige, Cello und Klarinette spielte. Um dem modernen Leser die Situation zu erklären, in der ein Schullehrer gleichzeitig Kirchenmusiker war, müssen wir uns erinnern: im deutschsprachigen Raum Grundschulen Sie mussten nicht nur die Grundlagen praktischer Kenntnisse, Fähigkeiten und Fertigkeiten vermitteln, sondern auch in der Heiligen Schrift unterweisen und Sänger ausbilden – Jungen, die am Gottesdienst teilnahmen. Daher verfügte der Schullehrer durchaus über eine musikalische Ausbildung und vermittelte diese, wenn auch in kleinerem Umfang, an seine Schüler. Dies schuf die Grundlage für das Aufblühen der Musikkunst.

Der „Vater der Symphonie“ Haydn erhielt seine erste Ausbildung bei einem solchen Schullehrer. Schuberts Vater war ein solcher Lehrer und bereitete seinen Sohn auf das gleiche Fach vor. Im Wesentlichen war ein solcher Schullehrer, nur von unermesslich höherem Rang, zu seiner Zeit Bach – der Kantor der Leipziger Thomaskirche, der Leiter der Thomasschule – einer Schule an der Kirche. In allen Fällen, sei es in der Großstadt Leipzig oder im kleinen Dorf, war der Schulmeister einer der angesehensten Bürger. Zwar lebten Lehrer in armen Städten schlecht, wenn nicht sogar bettelnd, aber ihre Stellung galt als ehrenhaft, und die Kinder traten in der Regel in ihre Fußstapfen und erbten den Platz ihres Vaters.

So wuchs der Junge in einer Atmosphäre der Musik auf, nahm eifrig die um ihn herum erklingenden Volksmelodien auf, lernte schnell Spinett und eine kleine Geige zu spielen, ab seinem zehnten Lebensjahr sang er im Schulchor und ersetzte manchmal seinen Vater im Organ. Als sein Vater die Fähigkeiten seines Sohnes erkannte, schickte er ihn 1835 zu einem professionellen Orgelstudium. In anderthalb Jahren machte der Junge enorme Fortschritte – er lernte nicht nur Orgel spielen, sondern machte sich auch mit der Theorie vertraut und beherrschte fleißig Harmonie und Kontrapunkt. Leider wurde die so erfolgreich begonnene Ausbildung unterbrochen: Der gesundheitlich angeschlagene Vater war gezwungen, einen zwölfjährigen Jungen als Hilfe bei seinen vielen Aufgaben in Anspruch zu nehmen.

Im Jahr 1837 starb Bruckner Sr. und hinterließ eine Witwe mit fünf Kindern. Bereits im August wurde Anton in die sogenannte eingeschrieben öffentliche Schule im Kloster Sant Florian. Hier setzte er seine Musikstudien – Orgel, Klavier, Violine – fort und erhielt eine umfassende Allgemeinbildung. Nach Abschluss des Kurses an der Klosterschule ging Bruckner, der sich keinen anderen Lebensweg als den seines Vaters vorstellen konnte, zu einem Vorbereitungskurs zur Erlangung des Titels eines Hilfslehrers nach Linz. Im August 1841 bestand er seine Abschlussprüfung mit Bravour und wurde zur Arbeit in ein kleines Dorf in Oberösterreich geschickt.

Sein Tag war voller Verpflichtungen, die mir ein mageres Einkommen einbrachten, das kaum zum Essen reichte, aber seine Liebe zum Unterrichten und zu seinen Schülern half dem jungen Hilfslehrer, die Schwierigkeiten des Lebens zu überwinden. Vor allem bei Musikliebhabern erfreute er sich bald großer Beliebtheit. Zwar empfanden die Bauern seine Orgelimprovisationen als zu komplex und unverständlich. Bruckner verbrachte viele Stunden mit dem Studium der Werke Bachs und fand auch Zeit, eigene Musik zu komponieren. Allmählich bemerkte sein Chef, dass dies seinen Assistenten von seinen unmittelbaren Aufgaben ablenkte. Ihre Beziehung wurde angespannt und führte bald dazu, dass Bruckner seinen Ort verließ und die Klosterleitung ihn mit einem höheren Gehalt in ein anderes Dorf versetzte. Jetzt hatte er die Gelegenheit, seiner Mutter zu helfen, die mit ihren jüngeren Kindern in Armut lebte. Darüber hinaus hatte sein neuer Chef Verständnis für die musikalischen Aktivitäten des jungen Mannes und versuchte, dafür jede Gelegenheit zu bieten.

Im Juni 1845 bestand Bruckner die Prüfungen für den Titel eines Oberlehrers und erhielt einen Platz in der Klosterschule. Nun war seine Position gestärkt, er konnte sich ganz der Lehre und der Musik widmen. Er verfügte über eine prächtige Orgel, übte täglich Orgelspiel, Improvisation und Kontrapunkt und reiste in benachbarte Städte, wo er viele verschiedene Musikstücke hörte. Er selbst komponierte wenig: Seine kompositorische Begabung war noch nicht ganz erwacht – Bruckner war ein spät entwickelter Mensch. Zwar umfasst sein kreatives Portfolio bereits Chöre, Lieder, Kantaten, Orgelpräludien und Fugen. Er nutzt die ausgezeichnete Klosterbibliothek und studiert sorgfältig die Partituren antiker Meister. Musik nimmt in Bruckners Leben einen immer wichtigeren Platz ein. Angesichts seiner außergewöhnlichen Fähigkeiten wurde er 1848 zum „vorübergehenden“ Organisten des Klosters ernannt und drei Jahre später erhielt er den Status eines ständigen Organisten.

In diesen Jahren gab es noch eine weitere Besonderheit im Leben Österreichs. Wenn seine Hauptstadt Wien natürlich eine völlig moderne Stadt war, dann verlief das Leben in der Provinz genauso wie vor einem Jahrhundert, und Bruckners Position im Kloster unterschied sich nicht wesentlich von Haydn, dem Dirigenten des Fürsten Esterhazy abhängig von seinem Meister, oder Mozart, einem Mitarbeiter des Kapellenbischofs von Salzburg. Und Bruckner spürt deutlich seine Abhängigkeit von den Klosterbehörden, seine geistige Einsamkeit. „Es gibt hier keinen Menschen, dem ich mein Herz öffnen könnte“, schreibt er in einem seiner Briefe aus diesen Jahren. - Und das fällt mir sehr schwer. In San Florian geht man der Musik und damit auch den Musikern sehr gleichgültig gegenüber. Hier kann ich nicht fröhlich und fröhlich sein, und ich kann nicht einmal träumen, keine Pläne schmieden... Ich muss ständig Kantaten und allerlei andere Dinge für verschiedene festliche Zusammenkünfte schreiben, mich wie ein Diener benehmen, der sich nur von Hilfsbereitschaft und Hilfsbereitschaft ernähren muss wem Du so schlecht wie möglich behandelt werden kannst ...“

Bruckner versucht, einen Ausweg aus dieser Situation zu finden. Dies geschah jedoch erst 1856: Er gewann den Orgelwettbewerb in Linz und erhielt die Stelle eines Stadtorganisten. Im selben Jahr hatte er die Ehre, anlässlich des 100. Geburtstags Mozarts im Salzburger Dom zu spielen, und zwei Jahre später wurde er schließlich auch in Wien bekannt. In der Hauptstadtzeitung erschien ein Artikel über einen herausragenden Organisten, einen Improvisator in einem freien und strengen Stil.

Neben seiner Tätigkeit im Dom widmete der Musiker viel Zeit und Mühe der Gesangsgesellschaft, in der er Chorleiter wurde. Dort bekam er die Gelegenheit, alle seine Wünsche zu erfüllen Chorwerke. Sie waren ein Erfolg. Beim ersten Oberösterreichischen Sängerfest 1868 in Linz wurde das Lied „Feldzug der Deutschen“ von einem Chor unter Begleitung aufgeführt Blechbläser wurde mit einem Preis ausgezeichnet. (Der Komponist selbst betrachtete dieses Werk als sein erstes reifes Werk.) Die Autorität des Chorleiters wuchs so sehr, dass sogar Jungen aus anderen Ländern, insbesondere Schweden und Norwegen, zu ihm zur Ausbildung geholt wurden.

Bruckner nutzte seine gesamte Freizeit für harte Hausaufgaben. Er fühlte sich immer noch nicht ausreichend auf ernsthafte unabhängige Kreativität vorbereitet. Er war fast vierzig Jahre alt, als er in einem seiner Briefe schrieb: „Ich kann nicht mit Kompositionen beginnen, weil ich lernen muss.“ Später, nach ein paar Jahren, werde ich das Recht zum Komponieren haben. Aber jetzt ist es nur noch Schularbeit.“ Zweimal im Jahr reiste der Musiker für zwei bis drei Wochen nach Wien, wo er Unterricht beim berühmten Theoretiker S. Sechter nahm. Um Geld zu sparen, erfolgte die Reise manchmal auf Flößen entlang der Donau: Die Bezahlung seiner Arbeit war nicht großzügig und er musste jeden Cent sparen.

1861 legte Bruckner sein Examen ab Wiener Konservatorium im Orgelspiel und in theoretischen Fächern. Der berühmte Dirigent I. Gerbek, der bei der Prüfung anwesend war, bemerkte: „Er hätte uns prüfen sollen, und nicht wir ihn.“ Im selben Jahr wandte sich Bruckner an einen anderen Lehrer – O. Kitzler, Kapellmeister des Theaters in Linz. Der Musiker absolvierte einen Kurs zur Formanalyse anhand der Beispiele von Beethovens Werken und Instrumentierungen. Es war Kitzler, der Bruckner mit der modernen Musik, den Werken von Liszt und Wagner bekannt machte. Besonders beeindruckt war Bruckner von Wagners Opern, die im Linzer Theater aufgeführt wurden. Bruckner entwickelte eine Leidenschaft für diese Musik. Um „Tristan und Isolde“ zu hören, reiste er nach München, wo er den Autor der Oper und den Dirigenten, der sie inszenierte, Hans von Bülow, traf.

Bruckners erste große in Linz entstandene Werke waren drei Messen und eine symphonische Ouvertüre, die Kitzlers Zustimmung fanden. Die Aufführung der Ersten Messe, eines monumentalen Werks für Solisten, Chor und Orchester, in Linz war ein Triumph – Bruckner wurde mit einem Lorbeerkranz gekrönt. Danach beschließt der Komponist, eine Symphonie zu schaffen, die jedoch, so Kitzler, „eher ein studentisches Werk ist, das er nicht mit viel Inspiration geschrieben hat“. In den Jahren 1863–1864 schrieb Bruckner eine weitere Symphonie, mit der er selbst jedoch unzufrieden blieb. Später wurde sie als Nr. 0 bekannt. Erst 1865–1866 erschien die Symphonie, die zur Ersten wurde. Erst in seinem fünften Lebensjahrzehnt hatte der Komponist das Gefühl, dass seine Lehrzeit beendet sei.

Leider begann für Bruckner eine schwierige Zeit. Bereits 1860 starb seine Mutter – die einzige wirkliche nahestehende Person. Das Mädchen, in das er verliebt war, lehnte seinen Vorschlag ab. Harte, teils kräftezehrende Arbeit, die zudem schlecht entlohnt wurde, führte zu schweren Depressionen mit Symptomen Geisteskrankheit. Bruckner selbst beschrieb seinen Zustand in einem Brief an einen seiner Freunde: „Ich hatte ein Gefühl des völligen Niedergangs und der Hilflosigkeit – völlige Erschöpfung und extreme Gereiztheit!“ Ich war in einem schrecklichen Zustand; Ich gebe das nur dir gegenüber zu, sag zu niemandem ein Wort. Noch ein bisschen, und ich wäre der Krankheit zum Opfer gefallen und für immer gestorben ... „Im Sommer 1867 wurde der Komponist in einem Kurort behandelt, und schon damals bestand der zwanghafte Wunsch, alle Gegenstände zu zählen, die ihm begegneten - Fenster von Häusern, Blätter auf Bäumen, Sterne am Himmel, Kopfsteinpflaster auf dem Bürgersteig, Perlen und Perlen auf den Abendkleidern von Damen, Tapetenmuster, Knöpfe auf den Gehröcken von Menschen, denen sie begegnen. Ihm kam es so vor, als müsste er das Wasser der Donau bergen, um es auch messen zu können!

Nur die Liebe zur Musik trägt den Komponisten. Er hofft, dass seine neue Sinfonie, die später die Erste wurde, in Linz Anerkennung findet und ihm Freunde einbringt. Doch diese Hoffnungen sollten nicht in Erfüllung gehen. Die Uraufführung der Ersten Symphonie am 9. Mai 1868 in Linz verlief erfolglos. Dies war ein weiterer schwerer Schlag für ihn. Es folgte eine Verschlimmerung der Krankheit. In Briefen an I. Gerbek, der einst eine hervorragende Prüfungsbewertung abgab und dann ein treuer Freund wurde, schrieb er: „Ich bin völlig verlassen und von der ganzen Welt isoliert.<…>Ich bitte dich aufrichtig, mich zu retten, sonst bin ich verloren!“ Der unglückliche Mann hatte fantastische Pläne: seinen Beruf wechseln und Schreiber werden oder nach Mexiko ziehen, „oder woanders hin, wenn sie uns zu Hause nicht kennen wollen“. Er hielt es für notwendig, sein Leben radikal zu ändern.

Die Erlösung kam unerwartet. Sein ehemaliger Lehrer Sechter starb in Wien. Vor seinem Tod ernannte er Bruckner zu seinem würdigsten Nachfolger. Gerbeck, der in Musikkreisen großen Einfluss hatte, arbeitete auch für Bruckner. Bruckner war mit dem Umzug nicht sofort einverstanden: Die Hauptstadt machte ihm Angst, und seine ständigen Selbstzweifel aufgrund seiner Krankheit verstärkten sich noch mehr. Zudem war das Gehalt, das ihm angeboten wurde, zu gering für ein anständiges Leben in der Hauptstadt. Er wollte die ständige Not, in der die besten Jahre seines Lebens vergangen waren, nicht länger ertragen und stellte seine eigenen Bedingungen. Sie wurden angenommen und am 6. Juni 1868 wurde Bruckner Lehrer für Kontrapunkt und Harmonielehre am Konservatorium der Gesellschaft der Musikfreunde. Drei Jahre später erhielt er den Professorentitel. Da er sich für unzureichend gebildet hielt, hörte der von Natur aus bescheidene Musiker, der bereits Professor war, ein Semester lang an der Universität Vorlesungen über Musikgeschichte bei E. Hanslick, einem der größten Musikexperten Wiens. Im Jahr 1875 wurde er zu einer Vorlesung über Harmonielehre und Kontrapunkt an die Universität Wien eingeladen und unterrichtete zeitweise auch am Lehrerinstitut St. Anna und wurde außerdem Organist der kaiserlichen Hofkapelle, wo er seine Aufgaben zunächst unentgeltlich wahrnahm. Zunächst bescherte ihm die Lehrtätigkeit viele bittere Momente. So erkannte sein direkter Vorgesetzter, L. Zellner, ein Spezialist für Musikakustik und Orgel, dass Bruckner ein gefährlicher Konkurrent für ihn werden würde, demütigte ihn auf jede erdenkliche Weise, behauptete öffentlich, er sei „kein Organist“ und riet ihm stattdessen Um jemandem unnötige Sinfonien zu komponieren, ist es besser, Klaviertranskriptionen der Musik anderer Leute zu übernehmen.

Nach seinem Umzug nach Wien fand sich Bruckner in einer Welt wieder, die sich deutlich von der gewohnten Welt unterschied. Wien war eines der größten Kulturzentren Europas und der aus dem Outback stammende ältere Musiker hatte große Schwierigkeiten, sich an die neuen Realitäten anzupassen. Gerade zu dieser Zeit brach eine heftige Kontroverse zwischen Fans von Wagners innovativem Opernwerk und den Brahmsianern (sie wurden spöttisch „Brahmanen“ genannt) aus, die Nichtprogrammmusik in der klassischen Tradition bevorzugten, deren prominentester Vertreter Brahms war Jahre. Er beteiligte sich nicht an der Kontroverse und ging gelassen seinen eigenen Weg, doch um diese beiden Namen entbrannten Leidenschaften. Sein glühendster Unterstützer war derselbe Hanslick, der Autor des Buches „Über das musikalisch Schöne“, dessen Vorlesungen Bruckner eifrig besuchte. Er begrüßte einst das Erscheinen der Musik Bruckners. Nachdem Hanslick seine Erste Symphonie gehört hatte, schrieb er: „Wenn die Aussage stimmt, dass Bruckner am Wiener Konservatorium studiert hat, dann können wir ihm nur gratulieren.“ Bildungseinrichtung" Doch nun wurde der Komponist, der Wagner aufrichtig und unschuldig verehrte, völlig unerwartet zum Gegenstand heftiger Angriffe des berühmten Kritikers.

Dies war umso unfairer, als Bruckner selbst genau auf dem Gebiet arbeitete, das Hanslick begrüßte – im Genre der Nicht-Programm-Symphonie. Aber natürlich konnten Wagners innovative Errungenschaften auf dem Gebiet der Harmonie und Instrumentierung von den Musikern seiner Zeit nicht ignoriert werden. Sie beeinflussten auch Bruckner. Wagner hat ihn übrigens sehr freundlich behandelt. Noch während Bruckners Aufenthalt in Linz vertraute er ihm die Proben der Chorszenen der „Meistersinger“ am Linzer Theater an und empfing ihn später in Bayreuth in seiner Villa Wahnfried.

Der Komponist litt stark unter ätzender und unfairer Kritik, war aber in Sachen Kreativität prinzipiell: „Sie wollen, dass ich anders schreibe. Ich könnte, aber ich will nicht.“ Doch schüchtern und von sanftem Charakter, konnte er seinem grausamen Verfolger nichts entgegensetzen und hatte offenkundig Angst vor ihm. Es ist bekannt, dass eine der Wiener Zeitungen, als sie beschloss, einen Artikel über Bruckner zu schreiben, und sich an ihn wandte, um Fakten über seine Biografie zu erfahren, den Reporter anflehte: „Bitte beschuldigen Sie Hanslick nicht meinetwegen, denn seine Wut ist schrecklich.“ Er ist in der Lage, einen Menschen zu zerstören; es ist unmöglich, ihn zu bekämpfen.“ Es gibt eine Anekdote: Als der Kaiser ihn, einen ehrwürdigen Komponisten, fragte, was er als höchste Gunst erhalten möchte, antwortete der arme Kerl: „Eure Majestät, lassen Sie Hanslick aufhören, mich zu schelten ...“

Bruckner war sowohl privat als auch im Alltag ebenso naiv und einfältig. Über seine Lehre sind viele Anekdoten erzählt worden, die jedoch alle einen Anflug von Bewunderung und Respekt haben. Einmal besuchte ein Kritiker seine Vorlesung und war erstaunt, dass das Publikum den Professor beim Eintreten mit tosendem Applaus begrüßte. „Er wird immer so begrüßt“, erklärten ihm die Schüler, die ihren Mentor sehr liebten. Der Beginn des Vortrags war nicht weniger bemerkenswert. „Eine Frau hat mich gerade im Flur angesprochen“, sagte Bruckner. „Sie bewundert meine Kompositionen sehr und musste mich unbedingt sehen, bevor sie Wien verließ.“ Ich antwortete ihr: „Aber ich bin doch kein Ausstellungsobjekt!“ Doch dann unterbrach er den Spaß, der in diesem Fall ganz natürlich war, und begann einen Vortrag, und die Hölle brach los. komplette Stille. Unter den Bruckner gewidmeten Gerüchten und Anekdoten gab es einige ziemlich böse. Einige argumentierten daher, dass er nie etwas anderes als die Heilige Schrift gelesen habe.

Bruckner war ein zutiefst religiöser Mann, besuchte regelmäßig die Kirche, zog vor den Geistlichen seinen Hut und flüsterte Gebete, wenn er das Abendevangelium hörte. Er versuchte mehrmals zu heiraten, warb aber mit wahrhaft rustikaler Unbeholfenheit und schenkte seinen Liebhabern ausnahmslos eine Bibel. Es ist nicht verwunderlich, dass er, obwohl er allen Regeln entsprechend ein Angebot machte, immer abgelehnt wurde. Er beruhigte sich jedoch schnell. Auf die Frage eines Freundes, warum er nicht heirate, antwortete der Komponist einmal mit einem charmanten Lächeln: „Aber ich habe keine Zeit, ich komponiere die Vierte Symphonie.“

Er lebte sehr bescheiden in einer Wohnung mit zwei kleinen Zimmern, von denen eines von seiner unverheirateten Schwester bewohnt wurde, die nach Wien zog, um den einfachen Haushalt ihres Bruders zu führen. Nach ihrem Tod (1870) stellte er eine ältere Haushälterin ein, die dem Komponisten bis zu seinen letzten Lebenstagen treu zur Seite stand.

Viele waren überrascht vom einzigartigen Auftritt des Musikers, der die Freuden der Großstadtmode kategorisch ablehnte. Er trug immer einen geräumigen schwarzen Anzug mit kurzen Hosen – damit nichts das Spielen der Orgelpedale störte – ein großes Taschentuch lugte aus seiner Tasche, ein weicher Hut bedeckte mit seiner herabhängenden Krempe teilweise sein Gesicht. Seine starke Figur, die die Züge bäuerlicher Solidität bewahrte, erweckte den Eindruck einer Art Größe und erregte Respekt bei unvoreingenommenen oder unbekannten Menschen.

1872 entstand die Zweite Symphonie. Dirigent O. Dessof, der die Wiener Philharmoniker leitete, erklärte es für bedeutungslos und nicht durchsetzbar. Ein anderer berühmter Dirigent, G. Richter, ein Freund von Brahms, wollte zwar Wagners Werk fördern, wollte aber ebenfalls nichts mit Bruckner zu tun haben. „Wir haben mit allen Mitteln versucht, Richters Begeisterung auf mich zu lenken, aber er hat Angst vor der Presse“, beklagte sich der Komponist in einem seiner Briefe. Die zweite Symphonie dirigierte er schließlich selbst. Die Mitglieder der Philharmonischen Gesellschaft nahmen es sehr positiv auf, doch Hanslick übte selbstverständlich heftige Kritik daran aus. Nachdem Herbeck den Artikel gelesen hatte, bemerkte er: „Wenn Brahms eine solche Symphonie hätte schreiben können, wäre der Saal durch Applaus zerstört worden.“ Auch die dritte Symphonie musste Bruckner selbst aufführen, obwohl er ein schlechter Dirigent war, was sich nur negativ auf die Rezeption auswirken musste. Und nachfolgende Symphonien hatten Schwierigkeiten, den Weg auf die symphonische Bühne zu finden. Der Komponist schrieb sie nacheinander, ohne Hoffnung auf Verständnis und Erfolg beim Publikum, oft ohne Hoffnung auf Ausführung. Auch Bruckners naiver Trick half nichts: Er widmete alle seine Sinfonien jemandem und hoffte, dadurch ihr Schicksal günstig zu beeinflussen.

Erst mit der Aufführung der Siebten Symphonie am 30. Dezember 1884, als Bruckner bereits sechzig Jahre alt war, erlangte er Anerkennung. Dies wurde nicht nur durch die Größe und Schönheit des Werkes selbst erleichtert, sondern auch durch die Tatsache, dass A. Nikisch, ein Schüler von Bruckner, ein ausgezeichneter Dirigent, die Symphonie seines Lehrers mit besonderer inspirierter Kraft dirigierte. Endlich gibt es einen Wendepunkt in den Ansichten der Kritiker. Einige Kritiken nennen ihn ein Genie. Nur Hanslick bleibt sich selbst treu und nennt die Siebte Symphonie „unnatürlich, schmerzhaft und verderblich“.

Nun konkurrieren die besten Dirigenten um das Recht, Bruckners Symphonien aufzuführen – und zwar nicht nur die nachfolgenden, sondern auch die früheren. Seine Musik ist in vielen europäischen Ländern zu hören. In Amsterdam, Christiania (Oslo), Stuttgart, Dresden, Hamburg und sogar Cincinnati ist das 1884 geschriebene Te Deum zu hören. Seine Messen werden in Hamburg und Bayreuth aufgeführt und die Siebte Symphonie macht einen wahren Triumphzug durch die Städte Europas. Aber das Glück des Komponisten kann nicht vollständig sein. Sein Gesundheitszustand verschlechtert sich dramatisch. Im Jahr 1890 konnte er seine Lehrtätigkeit nicht mehr fortsetzen und beantragte eine einjährige Beurlaubung vom Konservatorium. Es gelang ihm, eine Rente zu erhalten, und ab 1891 wurde seine Lehrtätigkeit eingestellt. Als Zeichen seiner Verdienste verlieh ihm die Philosophieabteilung der Universität die Ehrendoktorwürde.

Endlich kann er sich ganz der Kreativität widmen. In den Jahren 1884–1890 schuf er die Achte Symphonie, doch die letzte, die Neunte, konnte nicht mehr vollendet werden: Am 11. Oktober 1896 wurde Bruckner gefesselt. Auf Wunsch des Komponisten wurde seine Asche in das Kloster Sant Florian überführt und in der Krypta unter der Orgel beigesetzt, an deren Instrumenten Bruckner so viele Jahre verbrachte.

Sinfonie Nr. 3, d-Moll (1873)

Orchesterzusammensetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, Pauken, Streicher.

Bruckners dritte Symphonie ist eigentlich die fünfte, die er geschrieben hat. Er hielt die ersten beiden nicht für würdig, in die Liste seiner Werke aufgenommen zu werden, und in der Literatur sind sie als Nr. 0 und Nr. 00 bekannt, und die Erste Symphonie wurde zum Zeitpunkt des Schreibens als Dritte c-Moll bezeichnet , op. 77, entstanden 1865–1866. In den Jahren 1871–1872 arbeitete er an der Zweiten Symphonie, die 1873 aufgeführt wurde. Dann schrieb der Komponist die Dritte Symphonie. Während dieser Jahre lebte Bruckner in Wien: Er wurde eingeladen, am Wiener Konservatorium theoretische Fächer und Orgelspiel zu unterrichten und konnte nur in den unterrichtsfreien Stunden komponieren, was ihm jedoch sehr gefiel.

Die Symphonie begann im Februar und wurde im August im Kurort Marienbad fertiggestellt, wo der Komponist seine Ferien verbrachte. Von dort aus schrieb er an den von ihm bewunderten Wagner einen Brief mit der Bitte um Erlaubnis, ihm eine Symphonie widmen zu dürfen, erhielt aber keine Antwort. Dann ging Bruckner selbst nach Bayreuth, wo sein damaliges Idol damit beschäftigt war, sein eigenes zu bauen Opernhaus. Wagner wollte zunächst nicht einmal einen ihm unbekannten Musiker akzeptieren, der zwei pralle Partituren mitbrachte (es waren die Zweite und Dritte Symphonie), doch Bruckner sagte mit seiner charakteristischen einfältigen Schlauheit: „Der Maestro, Mit seiner Einsicht muss man sich nur die Themen ansehen, um zu wissen, dass es das Richtige ist.“ Wagner war von dieser Aussage geschmeichelt und nahm die Partituren in die Hand. Nachdem er die Noten durchgeblättert hatte, lobte er beiläufig die Zweite Symphonie, aber als er anfing, die Dritte Symphonie durchzusehen, war er von der Musik so fasziniert, dass er um Erlaubnis bat, die Noten für eine genauere Bekanntschaft für sich behalten zu dürfen. Bruckner nutzte dies aus und bat um Erlaubnis, die Sinfonie Wagner widmen zu dürfen. Die Antwort erhielt er am nächsten Tag, als er erneut in der Wahnfried-Villa erschien. Wagner umarmte ihn fest und sagte: „Also, lieber Bruckner, mit Hingabe – das ist durchaus akzeptabel. Sie haben mir mit Ihrer Arbeit ungewöhnlich viel Freude bereitet.“ „Ich war zweieinhalb Stunden lang so glücklich“, kommentierte Bruckner später das Treffen.

Dennoch überarbeitete er die Symphonie später zweimal – 1876–1877 und 1889. In einem Anfall von Bewunderung für Wagner verwendete er zunächst Zitate aus dessen Opern. In späteren Versionen verzichtete er auf diese Anleihen und ließ im Adagio-Code nur das Leitmotiv eines Traums aus der Oper „Walküre“ übrig.

Die Uraufführung der Sinfonie fand am 16. Dezember 1877 in Wien statt. Trotz der Vorurteile der meisten Wiener Musiker gegenüber Bruckner nahm sein langjähriger Verehrer, der Dirigent I. Gerbeck, die Dritte Symphonie in das Programm eines seiner Konzerte auf. Am 28. Oktober starb er jedoch plötzlich. Bruckner musste sich selbst dirigieren, obwohl er alles andere als ein erstklassiger Dirigent war. Doch keiner der anderen Dirigenten wollte sich mit seiner Musik auseinandersetzen: Sie galt als langweilig, zu lang. Während der Aufführung der Dritten Symphonie verließ das Publikum trotzig den Saal und auch die Orchestermitglieder verließen den Saal, sobald sie die Aufführung beendet hatten. Nur wenige Freunde und Schüler blieben bei dem zutiefst verzweifelten Bruckner, darunter sein begeisterter Verehrer, der siebzehnjährige Mahler. Unter den Freunden befand sich ein weiterer Bewunderer von Bruckners Werk, der Musikverleger Rettig, der sofort anbot, sowohl die Partitur als auch die Stimmen zu veröffentlichen. Dies milderte die Bitterkeit des Scheiterns für den Komponisten. Der prominente Kritiker E. Hanslick, der Bruckner viele Jahre lang buchstäblich verfolgte, schrieb in einer Rezension der Uraufführung, dass die Symphonie die Einflüsse von Beethovens Neunter und Wagners „Walküre“ vermische, aber am Ende „fällt Beethoven unter die Hufeisen der Walküren.“ 'Pferde.'

Erst viele Jahre später erhielt die Dritte Symphonie die ihr gebührende Anerkennung und wurde in vielen Konzertsälen Europas mit großem Erfolg aufgeführt.

Das dritte – „New Heroic“ – ist eines der bahnbrechenden Werke des wunderbaren Symphonikers. Das ist zutiefst philosophische Musik, voller Gedanken über den Menschen, seine Bestimmung, seine spirituelle Schönheit. Trotz der Verwandtschaft mit dem Werk Wagners ist die Symphonie zutiefst originell und von der einzigartigen Persönlichkeit ihres Schöpfers geprägt.

Der erste Teil beginnt mit einem gigantischen Orgelpunkt, vor dem sich das Hauptthema abzeichnet – majestätisch, episch. Seine Entwicklung erinnert an die Bildung des Schlussthemas in Beethovens Neunte (die Ähnlichkeit wird durch die gleiche Tonart – D) betont. Im Moment des Höhepunkts erscheint eine neue Melodie, die aus zwei kontrastierenden Teilen besteht. Trauernde und friedliche Klänge antworten auf die bedrohlichen Ausrufe. Das zweite (Neben-)Thema ist sanft und lyrisch. Tatsächlich handelt es sich um zwei gleichzeitig erklingende Motive, und jedes hat seinen eigenen charakteristischen Rhythmus, sein eigenes melodisches Muster. Ineinander verschlungen bilden sie eine neue Einheit. Es entsteht eine helle, fröhliche Stimmung. Die Musik entwickelt sich zu einer kraftvollen Hymne. Natürlich folgt danach das Schlussthema – eine feierliche und strenge Choralmelodie. Die Entwicklung beginnt düster. Die darin enthaltene Handlung entfaltet sich langsam, füllt sich allmählich mit Wucht und gewinnt immer größere Reichweite. Die gigantische Wendung des Kampfes führt zum intensiven dramatischen Klang des Höhepunktthemas des Hauptteils. Dies ist der tragische Höhepunkt der Symphonie. Die Reprise kehrt „unter dem Einfluss“ der Durchführung in dunkleren, verdichteten Tönen zurück. Erleuchtung kommt nur in einem Nebenspiel. In der grandiosen Coda des ersten Teils wird das mutig-heroische Prinzip bekräftigt.

Der zweite Teil, das Adagio, ist den Biographen des Komponisten zufolge dem Andenken an seine Mutter gewidmet. In seiner Musik verbinden sich erhabene Einfachheit und Strenge mit raffinierter Intonation, als ob die Musik von Haydn und Mozart auf Wagners raffinierte melodische Wendungen trifft. Dies sind alles drei Themen, die dem langsamen Satz zugrunde liegen. Der mit Streichinstrumenten vorgetragene erste Teil ist voller Weite und Noblesse (der erste Abschnitt der dreiteiligen Form). Das ist erhabene Lyrik, die zunächst zurückhaltend ist und dann den Höhepunkt der Ausdruckskraft erreicht. Das zweite Thema, intoniert von Altstimmen, ist intimer, ehrfürchtiger und erinnert an ein gefühlvolles Lied; der dritte ist ein erhabener und strenger Choral (sie bilden den zentralen Teil der Form). In der Reprise wird durch die Entwicklung des ersten Themas ein pathetischer Höhepunkt erreicht. Doch nach und nach herrscht eine friedliche Stille.

Der dritte Satz der Symphonie ist ein schnelles, helles Scherzo, als wäre es von Sonnenlicht durchdrungen. Es enthält auch drei Bilder. Das erste, feurig und wirbelnd, ähnelt den Themen von Beethovens Scherzi, das zweite ist naiv und anmutig. Es ist, als ob sich männliche und weibliche Tänze abwechseln. Im Zentrum des Scherzo erscheint ein Trio in dreiteiliger Form neuer Tanz, das im Charakter dem zweiten ähnelt, aber noch zarter und poetischer ist, transparent in der Farbe – als ob nach einem Massentanz ein einzelnes Paar in den Vordergrund tritt. In der Reprise wird der allgemeine Spaß wieder aufgenommen.

Das Finale kehrt zu den Bildern und Kollisionen des Beginns der Symphonie zurück. „Gleichzeitig“ setzt das modifizierte Hauptthema des ersten Teils (Trompetensolo) ein und setzt seine aktive Entwicklung fort. Es tauchen auch neue Themen auf: anmutig (Seite), Tanz, ein anderes – melodiös und schließlich ein erhabener Choral (zweites Nebenthema). „Sehen Sie, hier in diesem Haus gibt es eine große Kugel, und in der Nähe, irgendwo hinter der Mauer, ruht ein großer Mann auf seinem Sterbebett. So ist das Leben, und das wollte ich im letzten Teil meiner Dritten Symphonie widerspiegeln: Die Polka vermittelt den Humor und die heitere Stimmung der Welt, der Choral das Traurige und Traurige in ihr“, erläuterte der Komponist sein Vorhaben . Im Finale dominiert jedoch das erste, heroische Bild. An der Schnittstelle zwischen Durchführung und Reprise der grandiosen Sonatenform erscheint das Trompetenfanfarenthema aus dem ersten Satz. Die Coda der Symphonie klingt wie ein Siegeslied.

Sinfonie Nr. 4, E-Dur, romantisch (1874, letzte Ausgabe 1880)

Die vierte Symphonie ist eine der besten Schöpfungen Bruckners. Die Idee dazu entstand 1873, als der Komponist am vorangegangenen symphonischen Zyklus arbeitete. Dann erschienen separate Skizzen. Das Schreiben der Symphonie dauerte lange. Als ausgezeichneter Organist gab Bruckner Anfang der siebziger Jahre Konzerte in Berlin, Nancy, Paris und London. In Paris spielte er in der Kathedrale Notre Dame von Paris, und Saint-Saëns, Frank, Gounod und Aubert hörten ihn und waren von seiner Kunst begeistert. Allerdings lenkte ihn das Touren unweigerlich ab und beeinträchtigte seine kreative Konzentration. Darüber hinaus nahmen sie einfach Zeit in Anspruch, und davon hatte Bruckner wenig: Der Komponist war sehr mit dem Unterrichten beschäftigt – er unterrichtete am Wiener Konservatorium Kurse in allen musiktheoretischen Fächern und im Orgelspiel.

Bruckner konnte die Kreativität nicht aufgeben – sie war für ihn das Wichtigste und Entscheidende. Darüber hinaus war es wirklich asketisch. Schließlich erhielt der Komponist für seine Kompositionen keine Tantiemen. Es war immer möglich, sie mit großer Mühe zu erfüllen. Oft engagierte er mit seinem eigenen Geld ein Orchester und dirigierte es selbst. Manchmal musste er die Stimmen sogar selbst abschreiben, da das Geld für einen Kopisten nicht ausreichte – die enorme Lehrarbeit wurde mehr als bescheiden bezahlt. Um über die Runden zu kommen, musste er neben dem Konservatorium auch täglich zwei Stunden an der Universität unterrichten und Privatunterricht geben.

Dennoch schrieb Bruckner die ersten drei Teile in der ersten Hälfte des Jahres 1874, während er seinen Arbeitsalltag bis an die Grenzen seiner Arbeit beanspruchte. Er arbeitete am Finale im August, als er für einige Zeit zum Ausruhen in das Kloster Sant Florian zurückkehrte, wo er einst Organist gewesen war. Das Finale wurde am 31. August abgeschlossen, danach kehrte der Komponist nach Wien zurück. Hier wurde die Orchestrierung am 22. November abgeschlossen.

Das Leben des Komponisten in Wien war psychologisch nicht einfach. Es war eine Zeit heftiger Polemik zwischen den Wagnerianern und den Brahmsianern, die sich im wahrsten Sinne des Wortes in einen Krieg verwandelte, in dem alle Mittel fair waren. Auch Dirigenten schlossen sich diesem Krieg an und weigerten sich, Bruckners Werke aufzuführen. Der Hauptfeind und Verfolger des Komponisten war E. Hanslick, ein maßgeblicher Kritiker, Autor des Buches „Über das Musikalisch Schöne“ und ein glühender Anhänger von Brahms. In seinen Rezensionen zerstörte er buchstäblich Bruckner, den er für einen Wagnerianer hielt. Deshalb träumte Bruckner davon, dass die Uraufführung der Vierten Symphonie in Berlin stattfinden würde. Einem seiner Bekannten, dem befreundeten Kritiker V. Tappert, erklärte der Komponist seinen Wunsch: „Für mich ist die Aufführung in Berlin viel wichtiger als in Wien, denn hier kommen wir nur dann gut an, wenn ein Stück aus dem Ausland kommt.“ Allerdings wurde die Symphonie nie in ihrer ursprünglichen Form aufgeführt. Leider gab es hierfür keine Möglichkeiten.

In den Jahren 1878–1880 überarbeitete der Komponist es zweimal, danach fand die Uraufführung am 20. Februar 1881 in Wien im Saal der Gesellschaft der Musikfreunde unter der Leitung von Hans Richter statt. Die Geschichte des Dirigenten zu diesem Tag ist erhalten geblieben. „Zum ersten Mal dirigierte ich eine Symphonie von A. Bruckner, damals schon ein älterer Mann, der aber als Komponist noch nicht den Respekt genossen hatte, den er verdiente: Seine Werke wurden kaum jemals aufgeführt ... Als die Symphonie fertig war, Bruckner kam auf mich zu. Er strahlte vor Aufregung und Glück. Ich spürte, wie er mir etwas in die Hand drückte. „Nimm das“, sagte er, „und trink ein Glas Bier zu meiner Gesundheit.“ Der einfältige Komponist schenkte dem hervorragenden Dirigenten einen Taler! Dies berührte Richter so sehr, dass er seine Tränen nicht zurückhalten konnte.

Ende der 80er Jahre nahm der Dirigent J. Schalk wesentliche Änderungen an der Partitur der Symphonie vor, die seiner Meinung nach das Verständnis für die Zuhörer hätte erleichtern sollen. Sie haben jedoch die Absicht des Autors erheblich verfälscht. In den 30er Jahren des 20. Jahrhunderts wurde die Autorenausgabe restauriert, die bis heute als die einzig adäquate gilt.

In der Vierten Symphonie kamen die Besonderheiten von Bruckners Weltanschauung und die charakteristischen Merkmale seines Schaffens am deutlichsten zum Ausdruck. Es ist kein Zufall, dass die Symphonie den Namen Romantik erhielt: Sie basiert auf dem Typischen romantische Kunst Bilder - Natur, Genre-Alltag, Epos. Viele Erforscher des Werkes des Komponisten sehen darin einen programmatischen, handlungsbasierten Ansatz. Einer von ihnen, T. Helm, findet sogar eine bestimmte Handlung. Seiner Meinung nach geht im ersten Teil „die Morgendämmerung über der mittelalterlichen Stadt auf. Auf dem Turm erklingen die Trompetensignale der Stadtwächter, die Tore öffnen sich und stolze Ritter reiten hinaus in den Wald. Waldzauber, Vogelgezwitscher... Im dritten Teil (Scherzo) gibt es ein Jagdbild, im Trio einen Reigen während eines Jägerfestes.“ Es ist merkwürdig, dass der Komponist selbst, obwohl er selbst nie über das Vorhandensein eines literarischen Programms in einer seiner Symphonien sprach, die Vierte als romantisch bezeichnete und der Möglichkeit der gegebenen Interpretation zustimmte.

Der erste Satz beginnt mit dem leichtesten Tremolo der Streicher, vor dem die ausdrucksstarken Rufe der Hörner (das Hauptthema) erklingen. Musik scheint aus der Stille zu entstehen. Zunächst zurückhaltend, blüht es allmählich auf und öffnet sich. Die nächste Folge ist voller stolzer Stärke. Die Kreuzung aktiv bewegter Orchesterlinien und die Kombination von Zwei- und Dreitaktrhythmen verleihen ihm großen Umfang und Kraft. Das lyrische Nebenthema im melodischen Klang der Streicher, geprägt von einem skurrilen Rhythmus und tanzbaren Zügen, tritt in einen markanten Kontrast. Die Symphonie wird von Anfang an von einer hellen, fröhlichen Stimmung dominiert, doch im weiteren Verlauf treten dramatische, pathetische Momente auf, die durch Frieden und Ruhe ersetzt werden. Die Reprise bestätigt majestätische Ruhe und heitere Freude.

Bemerkenswert ist der zweite Satz, eine der beeindruckendsten Seiten von Bruckners Musik. Es basiert auf der Durchführung zweier abwechselnder Themen und stellt eine einzigartige Sonatenform dar. Begleitet von gemessenen, mageren Akkorden, die den Rhythmus des Marsches betonen, erklingt eine konzentrierte, traurige Melodie. Dies ist ein Bild eines Trauerzuges. Sein Satz wird von Chorepisoden unterbrochen. Einfache Melodien erklingen, die den Flair der Antike und des Mittelalters wiedergeben. Aber manchmal brechen beunruhigende, krampfhaft verschärfte Intonationen, die für die Musik charakteristisch sind, durch sie hindurch Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert und sogar eine Vorwegnahme des nächsten Jahrhunderts... Weiter im Andante tauchen innige lyrische Episoden, pastorale Szenen und Momente von enormer dramatischer Kraft auf. Den Abschluss des Teils bildet die schrittweise Entfernung. Nach und nach verstummen die Instrumente, alles wird still. In der verhaltenen Stille erklingen ein letztes Mal Fragmente des Themas und schließlich sind nur noch die trockenen Paukenschläge zu hören.

Der dritte Satz ist ein Scherzo, das auf den Fanfaren-Intonationen von Jagdsignalen basiert. Kraftvoll und fröhlich vermittelt es den Eindruck eines Riesenspiels. Der Mittelteil der komplexen dreiteiligen Form ist ein charmantes Trio im Sinne des Ländlers. Dies ist eine helle Genreszene, die durch ihren naiven Charme besticht.

Das Finale beginnt mit einer großen Einleitung, die den feierlichen Auftritt des majestätischen Hauptthemas vorbereitet und Assoziationen zu einigen Themen von Wagners Opern weckt. Dies ist ein Bild der Größe des Universums. Das Nebenthema der Sonatenform ist lyrisch und spirituell. Das Finale verblüfft wirklich mit seiner Fülle an hellen, ausdrucksstarken Melodien. Hier ist eine Erinnerung an die pantheistischen Bilder des ersten Satzes, an die gedämpfte Angst des Andante und an die zyklopischen Fanfaren des Scherzos. Ruhige Kontemplation weicht Momenten tiefer Dramatik, idyllischen Szenen – ausdrucksstarker Emotionalität, epischen Gemälden – Zwielichtstimmungen. Die Reprise wiederholt in verkürzter Form die Bilder der Exposition des Finales. Sein Code ist eine lebensbejahende Apotheose. Aus der Tiefe erhebt sich, als würde es von der Dunkelheit zum Licht aufsteigen, das Hauptthema der Ansprache (zu Beginn des Satzes war das Motiv absteigend). Allmählich wird alles von einer blendend leuchtenden Dur-Tonart erleuchtet, triumphale Fanfaren ertönen und verkünden Lebensbejahung.

Sinfonie Nr. 5, B-Dur (1875–1878, letzte Ausgabe 1895)

Orchesterzusammensetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, Tuba, Pauken, Streicher.

Im Herbst 1874 verschlechterte sich die ohnehin schwierige finanzielle Lage Bruckners erheblich. Zuvor war er an der Universität Wien tätig, wo er Musiktheorie und eine Orgelklasse unterrichtete, und unterrichtete gleichzeitig am Lehrerseminar St. Anna. Nun musste er im Zusammenhang mit der Einführung eines neuen Schulgesetzes, nach dem der Lehrer nur noch am Institut arbeiten durfte, dieses verlassen. Das konservative Gehalt reichte nicht zum Leben. In einem Brief des Komponisten vom Februar 1875 lesen wir: „Mein letztes Los besteht darin, fleißig Schulden zu machen und dann im Schuldnergefängnis zu landen, die Früchte meiner harten Arbeit zu genießen und die Dummheit des Umzugs nach Wien zu beschwören Der Komponist zog 1868 von Linz nach Wien, wo er Organist wurde. -L. Mir wurde mein Gehalt von 1000 Gulden pro Jahr entzogen... und im Gegenzug gaben sie mir nichts, nicht einmal ein Stipendium. Jetzt kann ich meine Vierte Symphonie nicht mehr zur Korrespondenz hergeben.“ In dieser Stimmung begann der Komponist am nächsten Tag mit der Komposition des Adagio der Fünften Symphonie. Offenbar steht der traurige Charakter der Musik in direktem Zusammenhang mit der Notlage, in der sich Bruckner befand. Er versucht einen Ausweg zu finden – er bewirbt sich um eine Assistenzprofessur an der Universität. Aber selbst Wagners positive Kritiken über ihn halfen nicht weiter. Darüber hinaus erklärte der allmächtige Kritiker, der Wiener Universitätsprofessor E. Hanslick, der mit allen Mitteln gegen Wagners Musik kämpfte, Bruckner aufgrund seiner „auffälligen mangelnden Bildung ... für eine Lehrtätigkeit an der Universität völlig ungeeignet“. All diese Umstände, die das Leben sehr schwer machten, zerstörten nicht den Durst nach Kreativität – für Bruckner war es die Hauptsache, ihm war das ganze Leben eines einsamen Musikers untergeordnet.

In diesem schwierigen Jahr schuf der Komponist die fünfte Symphonie. Am 7. November wurde es im Klavier fertiggestellt, und am nächsten Tag erhielt Bruckner trotz Hanslicks Widerstand das Recht, kostenlos Kurse in Harmonielehre und Kontrapunkt zu geben. Am 25. November hielt er seine Antrittsvorlesung und die Studenten begrüßten den neuen Lehrer, der am Fachbereich erschien, mit Ovationen.

Unterdessen wurde die Arbeit an der Symphonie fortgesetzt. Am 16. Mai 1876 wurde die Orchestrierung abgeschlossen. Der Komponist selbst definierte das von ihm geschriebene Werk als „fantastisch“, womit sein erster Biograph nicht einverstanden war, da er die Bezeichnung „tragisch“ für angemessener hielt, da alle komplexen Lebenskollisionen der Schöpfungszeit sicherlich den Inhalt des symphonischen Zyklus beeinflussten .

Im Sommer dieses Jahres wurde Bruckner von Wagner zur Eröffnung des Bayreuther Theaters eingeladen und wohnte den Proben und der Uraufführung der Tetralogie „Der Ring des Nibelungen“ bei. Nach seiner Rückkehr begann er mit der Überarbeitung der Fünften Symphonie und vollendete deren zweite Auflage Ende 1876. Auch diese Option befriedigte ihn jedoch nicht – in den Jahren 1877–1878 führte der Komponist eine Neuausgabe durch. Zu diesem Zeitpunkt wurde ihm der Titel eines ordentlichen Mitglieds der Hofkapelle mit einer Vergütung von 800 Gulden pro Jahr verliehen. Endlich kann er ruhig arbeiten, ohne an die drohende Notwendigkeit zu denken. Der Positionswechsel hat jedoch keinerlei Einfluss auf das Schicksal der Aufsätze. Niemand verpflichtet sich, die fünfte Symphonie aufzuführen. Die Aufführung erfolgte erst nach dem Siegeszug der Siebten Symphonie, nach endgültiger Anerkennung des Komponisten, am 8. April 1894 in Graz unter der Leitung von F. Schalk, der wesentliche Änderungen an der Partitur vornahm. Der Auftritt war ein großer Erfolg. Der bereits schwer erkrankte Bruckner konnte dieser Premiere nicht beiwohnen.

Als sich sein Gesundheitszustand 1895 etwas besserte, beschloss er, die Symphonie erneut zu überarbeiten, vor allem in Bezug auf die Orchestrierung. Die zweite Ausgabe der Symphonie wurde 1895 fertiggestellt. Bereits im 20. Jahrhundert erschien die Autorenausgabe, die heute als die einzig adäquate gilt.

Die Fünfte Symphonie ist eines der anspruchsvollsten und komplexesten Werke Bruckners. Ihre Musik ist kontrastreich, bildlich vielfältig. Besonders überzeugend klingen darin die kriegerischen, feierlichen und chorischen Melodien, die für alle Sinfonien des österreichischen Komponisten charakteristisch sind. Daneben folgen Episoden mit erstaunlichen, herzlichen Texten und subtiler Psychologie.

Der erste Teil beginnt mit einer langsamen Einleitung. Gemessenes, kaum hörbares Pizzicato der tiefen Streicher, vor dem eine strenge Choralmelodie erscheint, und dann Fanfarenunisonen und ein entscheidendes punktiertes Thema bereiten den Beginn des Sonatenallegros vor. Sein Hauptteil ist willensstark, ungestüm und mutig, ergänzt durch ein kurzes Motiv, in dem plötzlich Anklänge von Melancholie und Angst auftauchen. Die Seitenpartie ist zurückhaltend, mit archaischen Zügen. Das dritte Bild des Satzes sind grob gutmütige Unisonostimmen (Schlussteil). Die grandiose polyphone Durchführung verblüfft mit kontrapunktischer Meisterschaft. Sogar der Komponist selbst, der sich durch seine erstaunliche Bescheidenheit auszeichnete, nannte es einst zu Recht ein „kontrapunktisches Meisterwerk“. Melodien, die aus der Einleitung und der Exposition bekannt sind, erklingen gleichzeitig in ihrer ursprünglichen Form, im Umlauf, in rhythmischer Verdichtung, in gespannter Ausführung. Die gigantische Entwicklung wird durch einen hochdramatischen Höhepunkt gelöst.

Der zweite Teil – Adagio – ist das semantische Zentrum der Symphonie. Es ist kein Zufall, dass Bruckner die Arbeit an dem Werk mit ihm begann. Die Musik ist konzentriert und traurig, voller enormer innerer Spannung, anders erstaunliche Schönheit. Der Satz basiert auf zwei Themen (seine Form ist ein Rondo mit zwei Themen). Der erste ist hart und hat ein eigenartiges melodisches Muster mit Bewegungen in herb klingenden Intervallen – Septimen. Sein Zwei-Takt-Rhythmus wird frei über die wogende Drei-Takt-Begleitung gelegt, was der Musik eine besondere Note verleiht. Das zweite Thema ist eine breite melodische Melodie episch-narrativen Charakters.

Der dritte Satz ist ein Scherzo, geschrieben in einer komplexen dreiteiligen Form, in der die äußeren Abschnitte – Sonata Allegro – durch eine besondere Schärfe der Intonation, scharfe Kontraste und Spannung gekennzeichnet sind, die ihn vom Anfang bis zum Ende durchdringt. Die für das Scherzo übliche Tanzbarkeit wird mechanisch, und die Liedmelodien verlieren die für Bruckner übliche Spontaneität und Lyrik. Die Musik lässt die grotesken Episoden von Mahlers Symphonien ahnen. Zwei Themen aus dem vorherigen Teil werden in leicht veränderter Form in den Satz eingewoben. Es ist, als ob das Heiligste, das Wertvollste plötzlich zur Groteske wird.

Das Finale beginnt mit Erinnerungen an die vorherigen Teile. Die Melodie der langsamen Einleitung erklingt, dann das Hauptthema der Sonatenallegro des ersten Satzes. Es folgt das erste Thema des Adagio, eine der Melodien des Scherzos. Erst danach beginnen die Themen des eigentlichen Finales – das impulsive Hauptthema, das flexible Nebenthema und die mit Pathos erfüllte Schlusserklärung. Die Durchführung ist eine gigantische Doppelfuge, deren Entfaltung mit einer wirkungsvollen Motiventwicklung verbunden ist. Die Symphonie endet mit dem jubelnden Klang eines kolossalen Orchester-Tutti.

Sinfonie Nr. 6, A-Dur (1881)

Orchesterzusammensetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, Tuba, Pauken, Streicher.

Der Komponist begann im September 1879 mit der Schaffung der Sechsten Symphonie und arbeitete zwei Jahre lang daran. Während seiner Tätigkeit besuchte Bruckner im August und September 1880 die Schweiz, wo er als Organist in Zürich, Genf, Freiburg, Bern, Luzern und anderen Städten auftrat und bei den Zuhörern stets für Begeisterung sorgte.

Er besuchte die Stadt Oberammergau, wo er die berühmte Aufführung der „Passion“ sah – ein altes Volksmysterium. Er besuchte auch Chamonix, wo sich ein herrlicher Blick auf den Mont Blanc eröffnet: Der Anblick des höchsten Gipfels Europas war für den Komponisten eine lange Reise. stehender Traum. Nach seiner Rückkehr nach Wien begann er sein übliches Studium – Lehrtätigkeit am Konservatorium und an der Universität – und widmete seine gesamte freie Zeit dem Komponieren der Sechsten Symphonie, die er selbst als „die mutigste“ bezeichnete. Vielleicht spiegelten sich darin sommerliche Eindrücke wider, denn dieses Werk ist eine Verherrlichung der Schönheit und Erhabenheit des Universums. Einige deutsche Forscher definieren die Symphonie als „Loblied auf die Schönheit der Erde“ und im Vergleich zu Beethovens Sechster „Pastorale“ wird sie auch als Pastoral bezeichnet.

Die heitere, optimistische Aussicht wurde, so muss man meinen, dadurch begünstigt, dass der Beginn des Jahres 1881 ein freudiges und lang erwartetes Ereignis mit sich brachte – auf Empfehlung Wagners, der mit Bruckners Werk sympathisierte, führte der berühmte Dirigent G. Richter das auf Vierte Symphonie im Februar, die von der Kritik hoch gelobt und vom Publikum triumphal aufgenommen wurde. Im Februar 1883 wurden in Wien die beiden Mittelsätze der Sechsten Symphonie aufgeführt, die auch vom Publikum sehr positiv aufgenommen wurden. Selbst Hanslick brachte nicht wie immer einen vernichtenden Artikel heraus. Der Komponist konnte diese Schöpfung jedoch erst während einer Probe vollständig hören. Die öffentliche Aufführung fand erst nach dem Tod des Komponisten am 26. Februar 1899 unter der Leitung von Mahler statt.

Im Werk des Komponisten eröffnet die Sechste Symphonie in vielerlei Hinsicht neue Wege. „Die Sechste Symphonie spiegelt die Stimmungen und Gedanken einer tief und subtil fühlenden Persönlichkeit wider ... Es scheint, als würde ein müder Schubert-Reisender durch die Seiten dieses Werkes blättern und sich auf den tiefen Umbruch von Mahlers Musik zubewegen“, lesen wir in einem der inländischen Studien.

Die Sechste ist nach der Vierten die nächste romantische Symphonie des Komponisten. Es wird von lyrischen Stimmungen dominiert, obwohl es majestätische Themen, heroische und fantastische Episoden gibt, die für Bruckner traditionell sind.

Zu Beginn des ersten Satzes erscheinen charakteristische punktierte Rhythmen und Fanfarenausrufe, die einen feierlichen und majestätischen Charakter erhalten. Doch sehr bald entstehen lyrische Intonationen voller Ausdruck, die die Entwicklung heroischer Bilder verhindern. Die Musik des Nebenteils klingt elegisch und gleichzeitig tief berührend, wie ein aufrichtiges Bekenntnis. Der Mittelteil – die Durchführung – ist von kurzer Länge, in dem das Nebenthema eine enorme innere Spannung erlangt und gesammelter und konzentrierter wird, was zu einem kraftvollen Höhepunkt führt – der Bestätigung der majestätischen Melodie des Hauptteils. Die Coda des ersten Teils hat einen hellen, triumphalen Charakter.

Der zweite Teil ist ein unglaublich schönes Adagio voller Dramatik. Der Anfang des Teils verläuft in drei Plänen. Der untere Teil ist eine gemessene und ruhig traurige Bewegung von Kontrabässen; mittel – breite, singende Melodie der Violinen; das oberste ist eine aufgeregte und zugleich melancholische Rezitation der Oboe. Und dann wird das Adagio von fallenden, sinkenden Motiven und instabilen Harmonien dominiert, was zu den rhythmischen Intonationen eines Trauermarsches führt. Solche Bilder, die für die langsamen Sätze der Bruckner-Symphonien allgemein ungewöhnlich sind, führen direkt zu Mahlers innerlich spannungsgeladenen Texten voller emotionaler Brisanz.

Der dritte Satz ist ein Scherzo, fantastisch skurril und virtuos. Es basiert auf Fanfarenschreien, dem kriegerischen Klang der Blechbläser und dem geisterhaften Flackern der Streicherpassagen. Die Musik, als wäre sie erfüllt von der Reflexion deutscher Volksmärchen, malt auch Bilder der Natur – den Tanz der Elfen in einer mondhellen Nacht, Vogelstimmen (Holzbläsermelodien).

Das Finale der Symphonie konzentriert alle wichtigen thematischen Themen der vorangegangenen Sätze in sich. Hier gibt es eine breite lyrische Melodie mit sanft fallender Bewegung und hektischen Blechbläserfanfaren. Der Mittelteil des Finales – die Durchführung – ist klein, sehr instabil, fließend, als wäre er voller Unzufriedenheit. Der Schluss der Symphonie wird lyrisch-dramatisch gestaltet. Nur die letzten Takte klingen wie eine feierliche Aussage.

Sinfonie Nr. 7, E-Dur (1883)

Orchesterzusammensetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, 4 Tenortuben, Basstuba, Pauken, Triangel, Becken, Streicher.

Die Siebte Symphonie entstand in den Jahren 1881–1883. Am 26. Juli 1882 fand in Bayreuth, wo Wagner in diesen Jahren lebte, seine letzte Begegnung mit Bruckner statt, der das Genie des großen Opernreformers bewunderte. Bruckner wurde in der Wahnfried-Villa gastfreundlich empfangen und wohnte der Uraufführung von Parsifal, der letzten Oper des Maestros, bei. Die Musik von Parsifal beeindruckte den berühmten österreichischen Komponisten so sehr, dass er vor ihrem Schöpfer kniete.

Wagner wiederum schätzte Bruckners Werk sehr und versprach ihm, alle seine Sinfonien aufzuführen. Das war eine kolossale Freude für den Komponisten, der sich keineswegs durch Aufmerksamkeit verwöhnen ließ – seine Musik wurde nicht anerkannt, sie galt als zu gelehrt, lang und formlos. Kritiker, insbesondere der damals allmächtige E. Hanslick, zerstörten Bruckner buchstäblich. Daher kann man sich vorstellen, was für eine Freude Wagners Versprechen für ihn war. Vielleicht spiegelte sich dies in der von strahlender Freude erfüllten Musik des ersten Satzes wider.

Dieser edle Plan sollte jedoch nicht in Erfüllung gehen. Während er am 14. Februar 1883 mitten in der Arbeit am zweiten Teil der Symphonie, dem Adagio, zu den Vorlesungen am Konservatorium kam, erfuhr Bruckner von Wagners Tod. Der Komponist widmete diesem Adagio sein Andenken – eines der erstaunlichsten an Tiefe und Schönheit. Seine Erlebnisse sind in dieser erstaunlichen Musik festgehalten, deren letzte paar Dutzend Takte unmittelbar nach Erhalt der tragischen Nachricht geschrieben wurden. „Diesen Punkt erreichte ich, als eine Depesche aus Venedig eintraf, und dann komponierte ich zum ersten Mal wirklich traurige Musik zum Gedenken an den Meister“, schrieb Bruckner in einem seiner Briefe. Im Sommer reiste der Komponist nach Bayreuth, um das Grab des von ihm so sehr verehrten Mannes zu verehren (Wagner ist im Park der Villa Wahnfried begraben). Der Komponist vollendete die siebte Symphonie am 5. September 1883. Die Musiker akzeptierten es zunächst nicht, wie alle bisherigen Bruckner-Symphonien. Erst nach ausführlichen Erläuterungen des Autors zur Form des Finales wagte Dirigent G. Levy die Aufführung.

Die Uraufführung der Symphonie fand am 30. Dezember 1884 in Leipzig unter der Leitung von Arthur Nikisch statt und wurde recht kontrovers aufgenommen, obwohl einige Kritiker schrieben, Bruckner überrage andere Komponisten als Gigant. Erst nach der Aufführung der Siebten in München unter der Leitung von Levi wurde Bruckner zum Sieger. Die Symphonie wurde vom Publikum begeistert aufgenommen. In der Presse konnte man lesen, dass sein Autor mit Beethoven selbst vergleichbar sei. Der Siegeszug der Symphonie über die Symphoniebühnen Europas begann. So kam es zu der verspäteten Anerkennung Bruckners als Komponist.

Der erste Satz beginnt mit Bruckners Lieblingstechnik – einem kaum hörbaren Streichertremolo. Vor diesem Hintergrund erklingt eine Melodie, die weit und frei von Celli und Bratschen fließt und in ihrem Gesang eine große Bandbreite einfängt – das Hauptthema der Sonate Allegro. Interessant ist, dass es ihm laut Aussage des Komponisten im Traum erschien – er träumte, ein Freund käme aus Linz und diktierte die Melodie und fügte hinzu: „Denken Sie daran, dieses Thema wird Ihnen Glück bringen!“ Das Nebenspiel von Oboe und Klarinette, begleitet von schimmernden Akkorden von Hörnern und Trompete, ist fragil und transparent, subtil wandelbar, durchdrungen vom Geist romantischer Suche und führt zum Erscheinen des dritten Bildes (dem letzten Teil) - Volkstanz, erfüllt von elementarer Kraft. In der zunächst ruhigen Entwicklung wird die Farbe allmählich dicker, es kommt zu einem Kampf und es entsteht eine gigantische Druckwelle, die die Reprise einfängt. Das Ergebnis wird erst in der Coda zusammengefasst, wo das Hauptthema im jubelnden Klang heller Fanfaren verankert wird.

Der zweite Teil ist einzigartig. Diese traurige und zugleich mutige Musik ist eines der tiefsten und gefühlvollsten Adagios der Welt, der größte Aufstieg von Bruckners Genie. Die beiden Themen des Adagio sind in ihrem Umfang völlig grenzenlos. Sie verblüffen mit breitestem Atem. Das erste Lied erklingt traurig und konzentriert, zunächst aus einem Quartett aus Tenortuben, auch Wagner-Tuben genannt, dann wird es aufgenommen und von Streichern gesungen, die Melodie steigt immer höher, erreicht einen Höhepunkt und fällt ab. Das zweite Thema tritt ein, liebevoll, als ob es beruhigend und tröstend in der Trauer wäre. War der erste viertaktig im Rhythmus eines langsamen Marschs, so wird er nun durch einen sanften Walzersatz ersetzt. Musik entführt Sie in eine Traumwelt. Diese Themen wechseln sich erneut ab und ergeben die Form eines Rondo mit zwei Themen. Von schwerer Trauer geht die Musik allmählich zu leichter Traurigkeit und Frieden über und erreicht schließlich einen ekstatischen Höhepunkt in hellem C-Dur, der das verwandelte erste Thema bestätigt. Doch es ist, als würde plötzlich ein dunkler Vorhang fallen: Ein Tubenquintett erklingt düster, wie eine Grabinschrift für Wagner. Das vom Komponisten zitierte Thema aus seinem „Te Deum“, das im selben Jahr wie die Siebte fertiggestellt wurde, entfaltet sich traurig – die traurige Melodie „Non confundar“. Die Ausrufe der Hörner klingen wie brechendes Schluchzen. Doch in den letzten Takten des Satzes klingt das erste Thema erleuchtet – wie Versöhnung mit dem Verlust.

Der dritte Satz ist ein kraftvolles Scherzo wie Beethoven, durchdrungen von hellen Fanfaren und den Rhythmen feuriger Massentänze. Die endlos wirbelnde Figuration der Streicher gleicht einem fantastischen Reigen. Es wird durchzogen vom Ruf einer Trompete – lakonisch, rhythmisch klar. Nach Angaben des Komponisten war sein Vorbild das Krähen eines Hahns. Die Musik scheint voller ausgelassener Freude zu sein. Aber das ist keine Freude – der Spaß ist bedrohlich, ein satanisches Grinsen scheint darin zu stecken. Das Trio ist transparent, leicht gelassen, idyllisch. Die unprätentiöse Liedmelodie wird von Violinen geleitet, umgeben von transparenten Echos, ersetzt durch das Spiel von Holzbläsern. Alles ist erfüllt von Reinheit, Frische und Keuschheit. Die Reprise der dreiteiligen Form ergießt sich in einem reißenden Strom und kehrt zu den Bildern vom Anfang des Scherzos zurück.

Das erste Hauptthema des strahlenden, heroischen Finales ist eine Modifikation des Themas des ersten Teils. Hier nimmt es im Klang der Violinen, begleitet von einem kontinuierlichen Tremolo, die Züge eines energischen Marsches an. Der sekundäre Teil ist ein zurückhaltender Choral, ebenfalls in den Violinen, begleitet von Pizzicato-Bass. Auch das ist ein Marsch, allerdings verlangsamt – eher wie eine Prozession. Das Schlussthema, in dem die Intonationen des Hauptthemas transformiert werden, ist kraftvoll und stolz. Jetzt erklingt das ganze Orchester in schwerfälligem Unisono. Diese drei Bilder sind miteinander verflochten und entwickeln sich in einer gigantischen Entwicklung, in der ein schrecklicher, intensiver Kampf stattfindet, wie ein Kampf zwischen Gut und Böse, zwischen höllischen Mächten und den Kräften engelhafter Armeen. In der Reprise werden die drei Hauptthemen in umgekehrter Reihenfolge gespielt, was zu einem kraftvollen, triumphalen Höhepunkt in der Coda führt. Das Eröffnungsthema der Symphonie verschmilzt hier mit dem Hauptthema des Finales. Der Marsch, dessen Bewegung das gesamte Finale durchdringt, wird zu einer freudigen, enthusiastischen Hymne.

Sinfonie Nr. 8, c-Moll (1884–1890)

Orchesterzusammensetzung: 3 Flöten, 3 Oboen, 3 Klarinetten, 3 Fagotte, 8 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, 4 Tenortuben, Basstuba, Pauken, Triangel, Becken, Harfen (möglichst drei), Streicher.

Im Jahr 1884 feierte Bruckner bescheiden seinen sechzigsten Geburtstag. Es war eine Ferienzeit, eine Pause von der intensiven Lehrtätigkeit, die der Komponist mit seiner verheirateten Schwester in der Stadt Vöcklabruck verbrachte. Dort begann er mit der Komposition einer neuen achten Symphonie. Etwa ein Jahr lang entstanden lediglich Skizzen, die im August des Folgejahres fertiggestellt wurden. Das Jahr 1885 war geprägt von einer wachsenden Anerkennung Bruckners. Bisher nicht nur unerkannt, sondern auch von feindseliger Kritik verfolgt, erntet er nun endlich den Erfolg, den er verdient. Seine Dritte Symphonie wird in Den Haag, Dresden, Frankfurt und New York aufgeführt. Sein Quintett wird in mehreren Städten aufgeführt; am 8. Mai findet bei einem Konzert des Wagner-Vereins die Uraufführung von „Te Deum“ unter der Leitung des Autors statt, der als seine beste Komposition gilt; Allerdings musste es mit einem Klavier aufgeführt werden – für das Orchester fehlte das Geld. Die Orchesteruraufführung fand am 10. Januar 1886 unter der Leitung von G. Richter statt und erregte die Freude des Publikums und anerkennende Kritiken von Kritikern, die zuvor sehr streng mit dem Komponisten umgegangen waren. In den folgenden Monaten setzte sich der Siegeszug der Siebten Symphonie um die Welt fort. All dies konnte Bruckners Stimmung nur beeinträchtigen. Trotz der enormen Lehrbelastung arbeitete er an der Partitur der Achten Symphonie. Grandios symphonisches Werk Das für einen ganzen Abend konzipierte Konzert wurde im August 1887 fertiggestellt. Der Komponist informiert den Dirigenten G. Levy in einem Brief vom 4. September: „Endlich ist die Achte fertig …“ Nachdem Levy sich jedoch mit der Partitur vertraut gemacht hatte, hielt er die Symphonie für unaufführbar und schlug vor, sie deutlich zu kürzen. Die Rückbesinnung auf seinen „Vater in der Kunst“, wie er Levy nannte, erlebte Bruckner sehr schmerzlich. Dennoch kehrte er 1889–1890 zur Symphonie zurück, kürzte sie sogar etwas und schrieb eine neue Coda für den ersten Satz.

Die Uraufführung der Sinfonie fand am 18. Dezember 1892 in den Wiener Philharmonikern unter der Leitung von G. Richter statt. Der Erfolg war so groß, dass Fans des Komponisten es zur „Krone der Musik des 19. Jahrhunderts“ erklärten.

Der erkrankte Autor war im Saal anwesend, obwohl die Ärzte dies aus Angst vor einer starken Nervenbelastung nur sehr ungern zulassen wollten. Er war glücklich – seine Mühen, Sorgen und Sorgen wurden voll belohnt. Nach jedem Satz brach ein Sturm des Applauses aus (damals war es üblich, nicht erst nach dem Ende eines zyklischen Werkes zu applaudieren). Nur der berühmte Kritiker E. Hanslick, der den Komponisten zeitlebens verfolgte, blieb sich treu und verließ den Saal, nachdem er drei Sätze gehört hatte. Dies konnte jedoch den allgemeinen Triumph nicht verhindern. Der Komponist G. Wolf bezeichnete die Achte in seiner Rezension als „ein Werk aus Titan, das in seinem spirituellen Umfang und seiner Erhabenheit alle anderen Bruckner-Symphonien übertrifft.“

Zeitgenossen nannten die Achte Symphonie „tragisch“. Für die Uraufführung schrieb einer der Freunde des Komponisten, der Pianist und Musikkritiker J. Schalk, ein literarisches Programm, in dem er erklärte, dass der Sinn der Symphonie der Kampf um Kultur und die höchsten Ideale der Menschheit sei. Er betrachtete Prometheus als seinen Helden, und sein Bild ist im ersten Teil dargestellt, im zweiten gönnt er sich Spaß und Entspannung, im dritten erscheint er als Träger des göttlichen Prinzips in Verbindung mit dem Allmächtigen. Das Ende zeigt das Ende seines Kampfes für die Menschheit. Auch andere Kritiker sahen in der Symphonie ein Abbild Fausts.

Der Komponist war von solchen Interpretationen durchaus überrascht. Einige Aussagen Bruckners zum Inhalt der Musik sind erhalten. Der erste Teil ist seiner Meinung nach die Verkündigung des Todes, der mit Demut angenommen wird. Gemessen an den handgeschriebenen Worten „Deutscher Michel“ auf der Scherzo-Partitur stellte er sich in diesem Teil jedenfalls nicht Prometheus oder Faust vor, sondern einen gutmütigen, einfältigen, leicht naiven, aber in seinem eigener Geist, deutscher Bauer - das war er tatsächlich und er selbst. Der Komponist sagte über das Scherzo-Trio: „Michel sitzt bequem auf dem Gipfel des Berges und träumt und blickt auf das Land.“ Vielleicht spiegelten sich so Bruckners Eindrücke von seiner Reise in die Schweiz wider? Oder ist es seine österreichische Lieblingslandschaft? Über die Musik des Adagio mit seinem charakteristischen derben Humor sagte der Komponist: „Dann habe ich einem Mädchen zu tief in die Augen geschaut.“ Nachdem er sich mehrmals erfolglos verliebt hatte und bis ins hohe Alter Junggeselle blieb, ließ sich Bruckner von einer späten (erneut erfolglosen) Liebe inspirieren, die es ermöglichte, in Klängen nicht nur irdische Gefühle, sondern auch Bewunderung für die Schönheit und Größe des zu verkörpern Welt.

Über das Finale sagte er, vielleicht nicht ohne Arglist, dass sein Inhalt das Treffen der österreichischen, deutschen und russischen Kaiser im September 1884 in der Nähe von Olmütz (heute Olomouc) sei: Zu Beginn des Finales „Streicher – ein Kosakenrennen; Kupfer - Militärmusik; Trompeten - Fanfaren im Moment des Treffens ...“ Natürlich kann man den Ausführungen dieser Autoren nicht mit vollem Vertrauen folgen. Bestenfalls sind dies indirekte Hinweise zum Verständnis der Absicht.

Die Achte Symphonie ist ein grandioses romantisches Konzept, das auf der typischen Kollision romantischer Künstler zwischen der brutalen Kraft und Ruhe der ewigen Schönheit des Universums und dem darin verlorenen einsamen Menschen basiert. Die Tragödie eines ungleichen Kampfes, die einfältigen Emotionen eines naiven Menschen, enthusiastische Bewunderung für die Größe des Kosmos, Heldentum und enorme emotionale Intensität vereinen sich in der Musik der Symphonie mit tiefem Ernst und philosophischem Tiefgang.

Der erste Teil, basierend auf der Entwicklung von drei musikalischen Bildern, ist ein weit gefasstes Bild der Kollision eines Menschen mit überwältigenden Kräften („Schicksal“ oder „Schicksal“ von Tschaikowsky). Das erste der Hauptbilder ist die Hauptfigur – die Stimme eines mächtigen, harten und unaufhaltsamen Schicksals. Dabei handelt es sich um ein im tiefen Register der Streicher erklingendes Thema, bestehend aus kurzen, rhythmisch zugespitzten Motiven. Beim zweiten Mal, wenn es im kraftvollen Unisono der Blechblasinstrumente aufgeführt wird, klingt es besonders bedrohlich und lässt keine Hoffnung. Der Seitenteil (zweites Bild) – melodisch, plastisch, von Aufrichtigkeit durchdrungen, eine typisch Brucknersche „endlose“ Melodie der Violinen, die von den Holzbläsern und dann den Blechbläsern aufgenommen wird, verkörpert Trost, Hoffnung: Es ist eine Insel des Friedens und Licht. Das dritte Bild (der letzte Teil) ist ein Thema, das aus dem Zusammenspiel von Hörnern und Holzblasinstrumenten entsteht, manchmal wütend, manchmal flehend, manchmal fordernd und rebellisch. In der Entwicklung bricht ein schrecklicher Kampf aus; Scharfe dramatische Momente wechseln sich mit kurzen Visionen des ersehnten Friedens ab, hektische Kämpfe zehren an Kräften. Traurige, düstere Farben weichen nur gelegentlich aufgeklärteren. Wellen intensiver Entwicklung fließen in die Reprise über. Erst am Ende hört der Kampf auf und dramatische Auseinandersetzungen weichen der Unterwerfung unter das Schicksal. Es gibt Hinweise darauf, dass Bruckner am Ende der Aufnahme der Coda sagte: „So schlägt die Uhr des Todes.“

Der zweite Teil – das Scherzo – ist im Gesamtkonzept der Symphonie ein Zwischenspiel und bildet in Stimmung und musikalischem Material einen Kontrast zu den vorhergehenden und nachfolgenden Teilen. Es entführt Sie in die Welt der naiven Fantasie und des gutmütigen, leicht unhöflichen Humors, der jedoch nicht ohne einen Hauch versteckter Angst ist. Seine Farben sind satt und leuchtend. Das leichte Tremolo der Violinen erzeugt einen gespenstisch-fantastischen Klang, der hineinführt Märchenwelt. Doch der rauhe, sogar leicht unbeholfene Klang des Ländler-Themas in den Basssaiten erinnert ein wenig an den „deutschen Michel“ mit seiner Solidität und seinem starken Gang. Der Mittelteil der komplexen dreiteiligen Form – das Trio – ist erfüllt von liebevoller Verträumtheit und Pastoralismus und erinnert an ähnliche Episoden der Musik Haydns. Dies ist ein Bild der alpinen Natur, Bewunderung für die Schönheit der Schöpfung Gottes.

Der dritte Satz ist ein erhabenes Adagio, erfüllt von philosophischem Pathos, feierlich in seiner Klangpracht. Es gehört zu den schönsten Seiten dieses Genres und nähert sich in seiner Gefühlstiefe und seinem edlen Ausdruck dem langsamen Satz von Beethovens Neunter Symphonie. Zwei Hauptthemen bestimmen seine Entwicklung. Das erste, von den Geigen erklingende Stück, verkörpert ein verborgenes Gebet, eine zunächst verborgene Leidenschaft, die aber auf dem Höhepunkt mit unwiderstehlicher Kraft durchbricht. Es endet mit erhabenen Chorakkorden, die sich in transparenten Harfen-Arpeggios auflösen. Der zweite – im gefühlvollen Gesang der Celli – scheint das Licht der Hoffnung auszustrahlen; darin hört man ein lyrisches Bekenntnis, eine poetische Freude. Diese beiden Bilder werden im gesamten Adagio in einer doppelten dreiteiligen Form entwickelt. Bruckner deckt mit außergewöhnlicher Vollständigkeit die verborgenen Themen dieser Musicals auf Ausdrucksfähigkeiten. In der Adagio-Coda geht die Musik allmählich in Frieden und Ruhe über.

Das Finale der ebenfalls in Sonatenform verfassten Symphonie ist die letzte Etappe im Kampf um die Bestätigung des Lebens. Sein Hauptthema besteht aus drei kraftvollen melodischen Wellen, die den Blechbläsern zugeordnet sind. Ein Nebenthema ist choraler Natur und in der ausdrucksstarken Intonation der Hörner nachdenklich nachdenklich. Schließlich bestätigt das marschierende Schlussthema, das an einen Massenumzug erinnert, endgültig den heroischen Charakter des Finales. Die auf diesen Hauptthemen basierende Durchführung zeichnet das Bild eines Kampfes, der aufflammt und dann abklingt und voller komplexer polyphoner Techniken ist. Es führt zum allgemeinen Höhepunkt: Die Reprise erklingt kraftvoll und verkündet den Sieg, doch ihr Schlusswort findet in der Coda statt – einer grandios klingenden Apotheose, in der der Komponist in strahlend hellem C-Dur die Hauptthemen aller vier Teile vereint der Symphonie im mächtigen Klang des Orchester-Tutti.

Sinfonie Nr. 9, (1891–1894)

Orchesterzusammensetzung: 3 Flöten, 3 Oboen, 3 Klarinetten, 3 Fagotte, 8 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, 2 Tenortuben, 2 Basstuben, Kontrabasstuba, Pauken, Streicher.

An seiner letzten Sinfonie arbeitete Bruckner bereits schwer erkrankt. Er wusste, dass es ihm gehörte Schwanengesang. Er brauchte drei Jahre, um die ersten drei Sätze der Symphonie zu schreiben. Auf den Titelseiten der Partitur jedes Satzes notierte er sorgfältig die Daten: „Erster Satz: Ende April 1891 – 14. Oktober 1892 – 23. Dezember 1893.“ „Scherzo: 17. Februar 1893 – 15. Februar 1894.“ „Adagio: 31. Oktober 1894 – 30. November 1894. Wien. Dr. A. Bruckner.“

Es war eine Zeit der späten, aber vollständigen und bedingungslosen Anerkennung. Nach seit langen Jahren Als seine Sinfonien als langweilig, formlos und unspielbar galten, eroberte seine Musik nach vielen Jahren der Kritik durch die Kritik schließlich die ganze Welt. Doch der Ruhm kam zu spät. Der alte Komponist litt unter Kraftverlust und chronischen Erkältungen. Eine seit langem bestehende psychische Störung verschlimmerte sich und zwang ihn, alle Gegenstände zu zählen, die er sah – Fenster von Häusern, Blätter an Bäumen, Kopfsteinpflaster auf der Straße. Bereits 1891 lehnte er ab Lehrtätigkeiten, dem er mehrere Jahrzehnte seines Lebens widmete und das viele Jahre lang im Wesentlichen die einzige Quelle materieller Ressourcen war. Jetzt erhielt er eine staatliche Ehrenrente und Tantiemen aus zahlreichen Aufführungen seiner Musik.

Im Jahr 1892 kam es zu einer starken Verschlechterung des Gesundheitszustands. Im Sommer besuchte er zum letzten Mal das Grab des von ihm verehrten Wagner im Park der Villa Wahnfried in Bayreuth; hörte „Tannhäuser“ und „Parsifal“ im Wagner-Theater. Dort erlitt er einen schweren Anfall, den die Ärzte als Herzinfarkt einstuften. Die Wassersucht begann. Meine Hände begannen zu zittern, meine einst vorbildliche kalligraphische Handschrift wurde undeutlich und es fiel mir schmerzlich schwer, die Partitur zu schreiben. Dennoch arbeitete der Komponist, während seine Hand noch die Feder hielt: Es ist bekannt, dass er am Morgen des letzten Tages seines Lebens noch im Bett schrieb!

Vom Finale der Neunten Symphonie sind Skizzen erhalten, aus denen hervorgeht, dass sie in einem grandiosen Stil mit Fuge und Choral konzipiert war. Doch Bruckner war nicht dazu bestimmt, das Finale zu beenden. Der Tod unterbrach seine Arbeit. Im Vorgriff darauf empfahl der Komponist, anstelle des letzten Satzes „Te Deum“ zu spielen. Aus Sorge, dass seine Freunde die Partitur nach seinem Tod bearbeiten würden (dies war bereits zuvor geschehen, insbesondere bei der Vierten und Fünften Symphonie, in denen Änderungen vorgenommen wurden, die die Absicht des ursprünglichen Autors völlig verfälschten), übergab Bruckner die drei geschriebenen Teile dem Der Berliner Dirigent K. Muck erklärt, dass er dies tue, damit der Symphonie „nichts passiert“.

Auch unvollendet verblüfft die Symphonie durch die Erhabenheit ihrer Gestaltung und hinterlässt einen starken Eindruck. Der Wunsch, ihn mit „Te Deum“ zu beenden, geht nicht in Erfüllung, da das majestätische Adagio den monumentalen Zyklus durchaus überzeugend abschließt. Die Uraufführung der Neunten fand am 11. Februar 1903 in Wien unter der Leitung von F. Lewe statt und war ein großer Erfolg. Gelehrte von Bruckners Werk haben es als „gotisch“ definiert. Zwar hat der Dirigent, wie der Autor befürchtet hatte, die Orchestrierung leicht verändert. Anschließend wurde die Version des Autors wiederhergestellt.

Der erste Satz beginnt „feierlich, geheimnisvoll“ (Anmerkung des Autors) mit anhaltenden Tönen der Holzbläser, die gleichzeitig mit dem leisen Tremolo der Streicher erklingen. Ein majestätisches Eröffnungsthema erscheint, als würde es vor unseren Augen entstehen – aus der Tiefe im Unisono der Streicher und Bläser entsteht es im Klang von acht Hörnern. Ein neuer, kraftvollerer Aufbau führt zur Erscheinung des Hauptthemas, eckig, mit scharfen Sprüngen und scharfen Akzenten. „Es ähnelt einem Zickzack aus Blitzen oder den Schlägen eines riesigen Hammers auf einen Amboss“, schreibt einer der einheimischen Forscher darüber. Ihr antwortet die wohlklingende, liebevolle und sanfte Melodie der Violinen – ein Nebenpart. Sie ist ungestüm und schwer fassbar, wie eine Vision. Aber nach und nach wird es irdischer, menschlicher und entwickelt sich zu einem enthusiastischen Impuls. Der dritte und letzte Teil ist in seinem Marschrhythmus hart und von einer Art fanatischer Stärke und Unflexibilität erfüllt. Die Fanfare-Melodie der Hörner bringt es näher an den Hauptteil heran, aber die Quart-Echos von Streichern und Holzinstrumenten verleihen ihm einen asketischen Charakter. Die kurze Durchführung gleicht dem ausgedehnten Beginn einer Symphonie. Es setzt die im Eröffnungsthema enthaltenen Kräfte frei. Der Kampf verschärft sich bis zum Äußersten und führt zum Zusammenbruch. Auf dem großen Höhepunkt beginnt die dynamische Reprise mit einem tragischen Fortissimo-Klang des Hauptteils. Es enthält noch kraftvollere Höhen und Tiefen, Höhen und Tiefen. Die Bläserchöre klingen hoffnungslos und deuten auf einen geistigen Zusammenbruch hin. Aber der Code enthält noch die Kraft für den letzten entscheidenden Durchbruch – der ganze Wille ist gesammelt, das stolze, unzerstörbare Hauptthema wird wiederbelebt.

Im zweiten Teil – dem Scherzo – die Welt des Skurrilen, fantastische Bilder und Visionen. Der gemessene Rhythmus scharfer Pizzicato-Streicherakkorde begleitet fantasievoll gebrochene Tanzmelodien, sie werden durch hektische Tuttite-Klänge ersetzt. Hier herrscht luftige Leichtigkeit und Sarkasmus, man sieht Irrlichter des Waldes oder düstere Gespenster und hier und da blitzt ein satanisches Grinsen auf. Für kurze Zeit erscheint eine lyrische Insel – eine sanfte Melodie der Oboe, die Assoziationen an eine friedliche österreichische Landschaft weckt (dies ist ein sekundäres Thema der Sonatenform, die die äußeren Abschnitte einer riesigen, komplexen dreiteiligen Form bildet). Im Trio tauchen weitere Bilder auf. Ein leichter, entzückender Tanz erklingt: Vielleicht tanzen Elfen im Mondlicht, vielleicht drehen sich Schneeflocken in einem endlosen Reigen. Das zweite Thema des Trios ist eine gefühlvolle, wunderschöne Violinmelodie voller Zärtlichkeit. Doch diese fesselnden Bilder verschwinden und weichen der ursprünglichen Groteske.

Das Adagio, das sich als letzter Teil der unvollendeten Symphonie herausstellte, ist konzentriert, ernst und philosophisch bedeutsam. Dies ist ein einzigartiges Ergebnis des Schaffens des Komponisten, über das die herausragende Musikfigur der 30er Jahre, I. Sollertinsky, sagte: „Bruckner ist ein wahrer Philosoph des Adagio, auf diesem Gebiet sucht er in der gesamten Post-Beethoven-Musik seinesgleichen.“ Der dritte Satz basiert auf zwei Themen (Zwei-Themen-Rondo). Der erste – in einer breiten Besetzung der Violinen – erinnert in seiner Intonation an die pathetischen Themen des ersten Satzes. Ihr Charakter ist feierlich majestätisch, voller Bedeutung, als würde sie über die tiefsten und wichtigsten Fragen des Lebens nachdenken. Ergänzt wird es durch Tenortuben, begleitet von einem hohen, wie schwebenden Tremolo der Streicher, mit ihrem erhabenen Choral. Das zweite Thema, ähnlich dem ersten Teil der Symphonie, ist leichter, fragiler, mit einem Hauch von Traurigkeit – wie eine Erinnerung an vergangene helle Momente. Die weite, singende Melodie der Violinen, verwoben mit der Spitze der Holzbläser-Echos, weicht einem epischen Chor aus Blechblasinstrumenten. Beide Themen wiederholen sich und unterliegen verschiedenen Modifikationen. Nach dem Höhepunkt mit jubelndem Glockengeläut, als ob es den Abschied des Komponisten vom Leben symbolisieren würde, erklingt eine Chorepisode aus seiner Messe. Dann erscheint das Thema des Adagio der Achten Symphonie, die Fanfare aus der Vierten, das Hauptthema der Siebten... Das Adagio endet sanft und friedlich.

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Bruckner Anton (1824 – 1896) – herausragend Österreichischer Komponist, Organist, Lehrer. Geboren in die Familie eines ländlichen Lehrers. Seine ersten musikalischen Fähigkeiten erlangte er unter der Anleitung seines Vaters und Organisten I.B. Weiss in Hörsching. 1837 wurde er als Chorsänger im Stift St. Florian bei Linz aufgenommen, wo er Orgel und Violine studierte. Der Klang der Orgel der Klosterkirche, eine der besten Österreichs, hatte großen Einfluss auf die Ausbildung des zukünftigen Musikers. In den Jahren 1841–45 arbeitete er nach Abschluss einer Lehrerausbildung in Linz als Hilfslehrer in den Dörfern Windhaag und Kronnstorf, wo die ersten Musikkompositionen entstanden; 1845-55 Schullehrer in St. Florian, ab 1848 auch Organist des Klosters. 1855 wurde er Domorganist von Linz. Ab diesem Zeitpunkt begann eigentlich Bruckners musikalische Tätigkeit. 1856-61. 1861–63 nimmt er an einem Fernstudium beim größten österreichischen Musiktheoretiker S. Sechter teil. studiert unter der Leitung des Dirigenten des Linzer Opernhauses O. Kitzler, unter dessen Einfluss er Wagners Opern studiert. 1865, bei der Uraufführung von Wagners Oper Tristan und Isolde in München, lernten Wagner und Bruckner sich persönlich kennen. 1864 wurde Bruckners erstes reifes Werk fertiggestellt – die Messe in d-Moll (Nr. 1), 1866 die erste Sinfonie (aufgeführt 1868 in Linz unter der Leitung des Autors). Seit 1868 lebt Bruckner in Wien und unterrichtet Harmonielehre, Kontrapunkt und Orgel am Konservatorium der Wiener Gesellschaft der Musikfreunde; ab 1875 – außerordentlicher Professor an der Universität Wien, ab 1878 – Organist Hofkapelle. 1869 tourte er als Organist durch Frankreich (Nancy, Paris), 1871 durch Großbritannien (London, wurde zur Eröffnung der Albert Hall eingeladen). In Wien hatte Bruckner Schwierigkeiten mit der Rezeption seiner Musik durch Publikum und Musiker. Erst nach der Uraufführung der Siebten Symphonie (1884, Leipzig) erlangte er große Berühmtheit; Im letzten Jahrzehnt von Bruckners Leben wurden seine Sinfonien in das Repertoire bedeutender Dirigenten (G. Richter, A. Nikisch, F. Weingartner usw.) aufgenommen. Bruckner erhielt den Franz-Joseph-Orden (1886) und den Titel eines Ehrendoktors der Philosophie der Universität Wien (1891). Nach seinem Testament wurde er in St. Florian beigesetzt.
Der Hauptteil von Bruckners Vermächtnis ist symphonische und geistliche Musik. Bruckner ist neben Brahms und Mahler einer der bedeutendsten österreichisch-deutschen Symphoniker der zweiten Generation Hälfte des 19. Jahrhunderts V. Die Ungewöhnlichkeit und Komplexität der Musiksprache, die Bruckner unter seinen zeitgenössischen Komponisten auszeichnet, hängt mit den Bedingungen für die Ausbildung seiner schöpferischen Individualität zusammen. Bruckners Kompositionsstil entstand unter dem Einfluss unterschiedlichster, teils gegensätzlicher Musiktraditionen. Bruckner blieb lange Zeit im Bereich der Kirchenmusik, die sich in der österreichischen Tradition über die Jahrhunderte kaum verändert hat, und wandte sich erst im Alter von vierzig Jahren den instrumentalen Genres zu, später konzentrierte er sich auf das symphonische Schaffen. Bruckner verließ sich darauf traditioneller Typ eine 4-sätzige Sinfonie, die Symphonien Beethovens dienten ihm als Vorbild (vor allem die neunte Sinfonie, die zu einer Art „Vorbild“ für seine Werke wurde); die in der Spätromantik verbreitete Idee der „Programmmusik“ war ihm fremd. Aber auch in Bruckners Sinfonien sind Einflüsse der barocken Musiktradition (in Thematik und Gestaltung) zu erkennen. Bruckner legte großen Wert auf theoretisches Wissen und beherrschte die Musiktheorie und die polyphone Technik perfekt. Polyphonie spielt in seiner Musik eine bedeutende Rolle (die fünfte Symphonie ist in dieser Hinsicht am charakteristischsten). Als einer der größten Organisten und Improvisatoren seiner Zeit übertrug Bruckner oft die für die Orgel charakteristischen Texturtypen und die Prinzipien der Klangfarbenverteilung auf das Orchester. Beim Hören seiner Sinfonien entstehen manchmal Assoziationen zur Kirchenakustik. Bruckners tiefe und naive Religiosität, die es ihm ermöglichte, seine besten Werke – das „Te Deum“ und die neunte Symphonie – dem „geliebten Gott“ zu widmen, manifestiert sich in seiner häufigen Berufung auf die Sphäre des „Gregorianischen“ Gesangs und vor allem in in der mystischen Betrachtung der langsamen Sätze seiner Sinfonien, in ekstatischen Höhepunkten, in denen sich die subjektiven Erfahrungen und Leiden eines einzelnen Menschen in der Bewunderung für die Größe des Schöpfers auflösen. Bruckner verehrte Wagner zutiefst und betrachtete ihn als den größten modernen Komponisten (die dritte Symphonie ist Wagner gewidmet, und der langsame Satz der siebten Symphonie entstand unter dem Eindruck von Wagners Tod); sein Einfluss spiegelte sich in der Harmonie und Orchestrierung von Bruckners Werken wider. Gleichzeitig lagen Wagners musikalische und ästhetische Vorstellungen außerhalb des Interesses Bruckners, der ausschließlich die musikalische Seite von Wagners Werk wahrnahm. Wagner selbst schätzte Bruckner sehr und bezeichnete ihn als „den größten Symphoniker seit Beethoven“.
Der große Umfang von Bruckners Symphonien, die Tendenz zu wuchtigen, kraftvollen Orchesterfarben, die Länge und Monumentalität der Durchführung lassen uns über die epischen Züge seines Stils sprechen. Überzeugt von der ursprünglichen Harmonie und Integrität des Universums folgt Bruckner in jeder Symphonie einem stabilen, ein für alle Mal gewählten „Modell“, das die endgültige Bestätigung eines harmonischen, lichtvollen Anfangs voraussetzt. Bruckners letzte drei Symphonien (die siebte, achte und neunte) waren von einer Verschärfung tragischer Konflikte und einer besonders intensiven symphonischen Entwicklung geprägt.
Von den meisten Werken Bruckners gibt es mehrere Auflagen bzw. Varianten, die sich oft deutlich voneinander unterscheiden. Dies ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass der Komponist Zugeständnisse an seine Zeit machte und versuchte, seine Werke zugänglicher zu machen, sowie auf Bruckners zunehmende Selbstkritik und seine kontinuierliche kreative Weiterentwicklung. Die Freunde und Studenten, die Teil seines engeren Kreises waren, nahmen auch große Änderungen an Bruckners Partituren vor, die für die Aufführung und den Druck bestimmt waren (oftmals ohne seine Zustimmung). Dadurch wurde Bruckners Musik über viele Jahre in veränderter Form der Öffentlichkeit präsentiert. Erst in den 30er und 40er Jahren wurden die Originalpartituren von Bruckners Werken erstmals veröffentlicht. 20. Jahrhundert, als Teil der gesammelten Werke des Komponisten.
1928 wurde in Wien die Internationale Bruckner-Gesellschaft gegründet. In Linz findet regelmäßig ein Bruckner gewidmetes Musikfestival statt.
Werke: 11 Sinfonien, davon 2 nicht mit Nummern bezeichnet (3. – 1873, 2. Auflage 1877-78, 3. Auflage 1889; 4. „Romantische“ – 1874, 2. Auflage 1878-80, 3. Auflage 1888; 5. – 1876-78; 7 – 1887, zweite Auflage 1890; Kirchenmusik (Requiem – 1849; Magnificat – 1852; 3 große Messen – 1864, 1866 – für Chor und Blaskapelle (zweite Auflage 1882), 1868; Te Deum – 1884; Psalmen, Motetten usw.); weltliche Chöre („Germanenzug“ für Männerchor und Blaskapelle - 1864; „Helgoland“ für Männerchor und Orchester. – 1890 usw.); Werke für Orgel; Streichquintett (1879) usw.