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Im Programm XXVII Internationales Festival Das nach R. Nuriev benannte klassische Ballett in Kasan umfasste drei moderne Einakter-Ballette des schwedischen Choreografen Alexander Ekman, darunter das Ballett „Kakteen“.

Ballette Deutsches Theater, zusammengefasst im Programm „Triptychon“, sorgte bei Ballettliebhabern für gemischte Kritiken. Wir haben die Möglichkeit, unseren Lesern den genauen Standpunkt eines Profis vorzustellen – der Ballerina Tatarsky akademisches Theater Oper und Ballett benannt nach M. Jalil.

Obwohl das wichtigste Ballettereignis der Saison als klassisches Ballettfestival positioniert ist, verschiedene Jahre Künstler und Truppen, die moderne Choreografie tanzen, kamen nach Kasan. Auch in diesem Jahr wurde den Balletttänzern etwas „Ungewöhnliches“ geboten.

Im Allgemeinen hat moderne Choreografie bzw. moderner Tanz in Russland im letzten Jahrzehnt an Bedeutung gewonnen. Im Westen zeitgenössischer Tanz- ein anderer Name für modernen Tanz, hat sich seit langem entwickelt und führt ein reiches Theaterleben, er hat bestimmte Formen angenommen. Einige Richtungen und Stile verschiedene Choreografen sind zu Klassikern des Genres geworden. Und doch überrascht der moderne Tanz immer wieder aufs Neue.

Für das Kasaner Publikum war die Ankunft des Dortmunder Balletts eine angenehme Überraschung. Eine Truppe aus Deutschland führte an zwei Festivaltagen vier Ballette auf. Von diesen kann meiner Meinung nach die auffälligste Aufführung getrost als das Ballett „Kakteen“ bezeichnet werden.

Das Stück beginnt mit einem leicht absurden philosophischen Off-Kommentar. Eine pathetisch inszenierte Stimme denkt nach moderner Tanz und über die Rolle von Kunstkritikern in der heutigen Gesellschaft, und die Meinung eines von ihnen kann die Wahrnehmung vieler Betrachter beeinflussen.

Ekman selbst nennt in einem seiner Interviews das satirische Ballett „Cacti“ den neuesten Kommentar zur Meinung solcher Kritiker. Er hofft auch, dass der Zuschauer seinen witzigen Hinweis versteht. Seiner Meinung nach zeitgenössische Kunst sollte nicht sehr ernst genommen werden.

Dann beginnt die faszinierende Action! 16 Tänzer, die im Schachbrettmuster auf weißen Podesten sitzen, beginnen schweigend, so etwas zu tun Atemübungen Yogis, die von Zeit zu Zeit in bizarren Posen erstarren.

Die musikalische Landschaft der Aufführung ist ebenso faszinierend wie die Leistung der Tänzer. Ein Live-Streichquartett, das eine Collage aus Musik großer Komponisten spielt: Beethoven, Haydn und Schubert, verleiht der „Kaktus“-Choreografie eine besondere Stimmung und Eindringlichkeit. Die Tänzer wiederum nutzen ihren gesamten Körper und den umgebenden Raum, klatschen mit den Handflächen auf den Boden, schreien im Takt, erzeugen einen ansteckenden Rhythmus und werden zu einem integralen Bestandteil des menschlichen Orchesters.

Weiße, 1 x 1 Meter große Sockel, auf denen die Künstler tatsächlich tanzen, symbolisieren die Dualität von Freiheit und Begrenzung. Einerseits ist jeder durch seinen eigenen Raum begrenzt, andererseits ist jeder frei, sich auf seiner eigenen kleinen Insel auszudrücken. Besonders beeindruckend ist die Arbeit aus Licht und Schatten. Hier muss man dem Lichtdesigner „Bravo“ sagen, der sich in seinem Monolog im richtigen Moment den richtigen Tänzer geschnappt hat.

Der Hooligan-Choreograf Ekman scheint es zu lieben, das Publikum zu überraschen, und das zu Recht. Wenn auf der Bühne etwas Außergewöhnliches passiert, wie zum Beispiel eine ausgestopfte Katze, die während eines einfachen Dialogtanzes eines gewöhnlichen Paares vom Himmel fällt, reagiert der Zuschauer sofort lebhaft. So eintauchen ungewöhnliche Leistung Menschen gönnen sich eine Auszeit von alltäglichen Problemen, und vielleicht inspiriert sie das dazu, alltägliche Dinge (zum Beispiel dieselben Kakteen) aus einer anderen Perspektive zu betrachten.

Obwohl das moderne Meisterwerk einen Eindruck von Leichtigkeit, Ironie und Leichtigkeit hinterlässt, kann man nur versuchen, sich vorzustellen, welche körperliche Vorbereitung diese Choreografie den Künstlern abverlangt. Die Tänzer des Dortmunder Balletts haben diese Aufgabe mit Bravour gemeistert! Die Choreografie erinnerte an manchen Stellen an afrikanische Stammestänze, so stark war die Energie des hektischen Tanzes. Man hatte das Gefühl, dass die Tänzer sich völlig dem Element des Tanzes hingaben, aber dennoch jeden Muskel des Körpers meisterhaft beherrschten.

Am Ende der Aufführung bilden alle Charaktere eine erstaunliche Komposition aus denselben Plattformkästen, die den Gesetzen der Schwerkraft zu trotzen schienen und irgendwie auf der Kante standen. Jeder hält einen Kaktus in der Hand – ein Symbol und eine Allegorie von moderne Menschen, jeder in seinem eigenen Topf lebend, ebenso stachelig und unprätentiös, aber dennoch stark, bereit, selbst den steinigen Asphaltboden zu durchbrechen, wenn da nur ein Lichtstrahl wäre.

Es handelt sich um ein ungewöhnlich leichtes, frisches und dynamisches Ballett, das den Zuschauer wie ein Wirbelwind in die Welt des großartigen Choreografen und Künstlers seiner Zeit, Alexander Ekman, entführt.

Dieses Ballett ist der hellste Vertreter neue Kunst – empfohlen für unbedingt sehenswert sowohl Zuschauer als auch Profis.

Der Autor der Rezension schloss 2011 die Kasaner Choreografische Schule (Klasse von I.Sh. Khakimova) ab und wurde in die nach ihm benannte Truppe von TAGTOiB aufgenommen. M. Jalil. Sie ist an mehr als 10 Theateraufführungen beteiligt. Zuletzt haben wir sie im Ballett gesehen“ Goldene Horde": V Orientalischer Tanz sie erschien als Pfau. Sie tanzte die Rolle der Wolfsmutter in „Spartacus“ und der Braut in „Schwanensee“. Mit der Theatertruppe ging sie auf Tournee in europäische Länder.

Aisylu – Student im dritten Jahr Gymnasium Künste benannt nach S. Saidashev IFMC.

Die Programme sind nach Choreografen benannt. Nach dem ersten - ​„Lifar. Kilian. Forsythe“ – zeigte ein Tanzquartett: „Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman. Insgesamt gibt es sieben Namen und sieben Ballette. Die Ideen des hartnäckigen Franzosen, Ex-Étoile der Pariser Oper, sind leicht zu lesen. Iler hat es nicht eilig, das ihm anvertraute Team auf dem historisch etablierten Weg der Mehrakter-Handlungen zu führen, er bevorzugt eine Schlange von Einaktern unterschiedlichen Stils (zwei weitere Programme ähnlichen Formats sind geplant). Die Truppe, die in der jüngeren Vergangenheit den Abgang von fast drei Dutzend jungen Künstlern erlebte, hat sich in Rekordgeschwindigkeit erholt und sieht in ihren Uraufführungswerken würdig aus. Der Fortschritt ist besonders bemerkenswert, wenn man bedenkt, dass Iler die Theaterpforten noch nicht für „eingeladene“ Künstler öffnet und sein eigenes Team fleißig fördert.

Die erste Aufführung der Premiere war „Serenade“ von George Balanchine, die die Stanislaviten noch nie zuvor getanzt hatten. Mit dieser romantischen Elegie zur Musik Tschaikowskys beginnt die amerikanische Periode des großen Choreografen, der Anfang 1934 eine Ballettschule in der Neuen Welt eröffnete. Für seine ersten Schüler, die die Grammatik des Tanzes noch nicht vollständig beherrschten, aber von den Klassikern träumten, inszenierte Balanchine „Serenade“, die im Geiste Russisch war. Kristallklar, ätherisch, schwerelos. Die Künstler des Muztheaters dirigieren die Aufführung in gleicher Weise wie die ersten Interpreten. Es ist, als würden sie behutsam einen zerbrechlichen Schatz berühren – es fehlt ihnen auch die innere Beweglichkeit, auf die der Choreograf bestand, aber es besteht ein klarer Wunsch, etwas Neues zu begreifen. Hingabe und Ehrfurcht vor einer poetischen Schöpfung sind jedoch der Fröhlichkeit und dem Mut vorzuziehen, mit denen von ihrem Können überzeugte Truppen die Serenade tanzen. Das Corps de Ballet der Frauen ist die Hauptsache Charakter opus – erwacht zum Leben in den Träumen einer schlaflosen Nacht, wenn es bereits vor der Morgendämmerung zurückgeht. In der handlungslosen Stimmungskomposition sehen Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova großartig aus, ebenso wie die „Prinzen“ Ivan Mikhalev und Sergei Manuilov, die von ihren namenlosen Heldinnen träumten.

Die anderen drei Uraufführungen sind den Moskauern unbekannt. „Halo“ ist eine sonnige, lebensbejahende Geste von Paul Taylor, einem modernistischen Choreografen, der die Natur der Bewegung diskutiert. Der dynamische, spektakuläre Tanz verändert sich ständig, erinnert an einen eigenständigen Charakter, durchbricht die üblichen Posen und Sprünge, die Arme sind mal wie Äste geflochten, mal hochgeworfen wie Turner, die von Sportgeräten springen. Die vor einem halben Jahrhundert noch als innovativ empfundene Choreografie wird durch Tatendrang und Humor gerettet, der blitzschnelle Wechsel von ernsten Maximen zu ironischen Eskapaden. Die barfüßigen Natalya Somova, Anastasia Pershenkova und Elena Solomyanko, gekleidet in weiße Kleider, zeigen eine Vorliebe für anmutige Kontraste in der Komposition. Für den langsamen Satz zeichnet Georgi Smilevski verantwortlich – der Stolz des Theaters und seine herausragende Uraufführung, der es versteht, dem Solo dramatische Spannung, Stil und festliche Schönheit zu verleihen. Dmitry Sobolevsky ist virtuos, furchtlos und emotional. Überraschenderweise wird Händels zeremonielle Musik problemlos von den Fantasien Taylors „akzeptiert“, der auf der Bühne einen wahren Tanzmarathon entfaltet. Beide Aufführungen werden neu erstellt verschiedene Stile Amerikanische Choreographie, begleitet von Sinfonieorchester Theater unter der Leitung des talentierten Maestro Anton Grishanin.

Nach Tschaikowsky und Händel – der Soundtrack und das Duett der Akkordeonisten Christian Pache und Gerard Baraton, „begleitend“ zur 12-minütigen Miniatur des französischen Choreografen Jacques Garnier „Onis“. Der Auftritt zur Musik von Maurice Pache wurde vom Ex-Regisseur einstudiert Balletttruppe Pariser Oper und die gleichgesinnte Laurent Hilaire Brigitte Lefebvre. Im „Theater der Stille“, das sie gemeinsam mit Jacques Garnier in einer Reihe von Experimenten mit moderner Choreografie gründete, fand vor vierzig Jahren die erste Aufführung von „Onis“ statt. Der Choreograf widmete es seinem Bruder und führte es selbst auf. Später überarbeitete er die Komposition für drei Solisten, deren Tanz in seiner aktuellen Darbietung an herben hausgemachten Wein erinnert und leicht auf den Kopf trifft. Jungs, verbunden wenn nicht durch Verwandtschaft, dann durch starke Freundschaft, reden fröhlich und ohne Jammern darüber, wie sie aufgewachsen sind, sich verliebt haben, geheiratet haben, Kinder großgezogen haben, gearbeitet haben und Spaß hatten. Eine einfache Aktion, begleitet vom unprätentiösen Zupfen kleiner „Harmonisten“, die normalerweise bei Dorffeiertagen zu hören ist, findet in Onis – einer kleinen Provinz Frankreichs – statt. Evgeny Zhukov, Georgi Smilevski Jr. und Innokenty Yuldashev spielen jugendlich spontan und mit Begeisterung eine Popnummer mit Folkloregeschmack.

Der Schwede Alexander Ekman gilt als Witzbold und Meister der Kuriositäten. Beim Festival Benois de la Danse für seinen „Lake of Swans“ wollte er die Hauptbühne aufstellen Russisches Theater ein Becken mit sechstausend Litern Wasser errichtet und dort Tanzkünstler untergebracht. Wurde abgewiesen und improvisierte ein lustiges Solo mit einem Glas Wasser, das sie „Woran ich gerade denke“ nannte Bolschoi-Theater" Sein „Kaktus“ ist auch für seine verstreuten exzentrischen Funde bekannt.

In Tulle analysiert Ekman nicht den Tanz, sondern den Theaterleben. Zeigt seine schweißtreibende Kehrseite, seine rituelle Grundlage und spottet über die Ambitionen und Klischees der Darsteller. Die Aufseherin in Schwarz, Anastasia Pershenkova, mit wackeligem Gang auf Spitzenschuhen, von denen ihre Truppenführerin heldenhaft nicht absteigt, wirkt wie eine kokette Model-Diva. Die Schauspieler konzentrieren sich darauf, die Dummheiten der naiven Pantomime zu üben und wiederholen die langweiligen Schritte der Übung immer wieder. Das müde Corps de Ballet gerät in Verzweiflung – die erschöpften Tänzer verlieren die Synchronizität, bücken sich, stampfen mit den Füßen und schlagen heftig mit den Füßen auf die Bühne. Wie kann man glauben, dass sie kürzlich auf ihren Fingerspitzen dahingeglitten sind.

Und Ekman überrascht immer wieder mit seinem Eklektizismus, indem er entweder ein Paar aus dem Hofballett des „Sonnenkönigs“ Ludwig XIV. oder neugierige Touristen mit Kameras auf die Bühne bringt. Vor dem Hintergrund des Massenwahnsinns, der die Bühne erfasste, „hüpft“ es auf und ab Orchestergraben, Bildschirmbilder unbekannter Augen und Gesichter wechseln, die Übersetzungszeile rast im Galopp. Die Partitur, komponiert von Mikael Karlsson aus Hit-Tanzrhythmen, Knistern und Lärm, dem Klappern von Spitzenschuhen und Klatschen, der Partitur im Proberaum und dem Muhen des Corps de Ballet, das den Schwanenschritt übt, ist schwindelerregend. Übermaß schadet der Harmonie der humorvollen Handlung, der Geschmack leidet. Es ist gut, dass sich die Künstler in diesem choreografischen Massenspaß nicht verlieren. Alle schwelgen im spielerischen Element und machen sich freudig und liebevoll über die verrückte Welt hinter den Kulissen lustig. Beste Szene„Tulle“ ist ein grotesker Zirkus-Pas de Deux. Oksana Kardash und Dmitry Sobolevsky, gekleidet in Clown-Outfits, vergnügen sich mit ihren Tricks, umgeben von Kollegen, die die Anzahl der Fouettés und Pirouetten zählen. Genau wie im Film „Bolschoi“ von Valery Todorovsky.

Das stets experimentierfreudige Musiktheater erkundet mit Leichtigkeit die unbekannten Räume der Weltchoreografie. Das Ziel – zu zeigen, wie sich der Tanz entwickelte und wie sich die Vorlieben von Profis und Zuschauern veränderten – wurde erreicht. Auch die Aufführungen sind streng chronologisch geordnet: 1935 – „Serenade“, 1962 – „Halo“, 1979 – „Onis“, 2012 – „Tulle“. Insgesamt - fast acht Jahrzehnte. Das Bild erweist sich als interessant: vom klassischen Meisterwerk Balanchines über den raffinierten Modernismus Paul Taylors und die Volksstilisierung Jacques Garniers bis hin zum Chaos Alexander Ekmans.

Foto bei der Ankündigung: Svetlana Avvakum

Alexander Ekman. Foto – Yuri Martyanov / Kommersant

Choreograf Alexander Ekman über modernes Ballett Und soziale Netzwerke.

Im Repertoire Musiktheater Benannt nach Stanislavsky und Nemirovich-Danchenko erschien „Tulle“ – das erste Ballett in Russland von Alexander Ekman, einem 34-jährigen Schweden, dem produktivsten, gefragtesten und talentiertesten Choreografen seiner Generation, der bereits 45 Ballette choreografiert hat um die Welt, das letzte davon an der Pariser Oper.

- Du hast seltenes Geschenk inszenieren handlungslose komische Ballette: In Tulle zum Beispiel sind es nicht die Charaktere und ihre Beziehungen, die lustig sind, sondern die Kombinationen klassischer Bewegungen selbst und die Besonderheiten ihrer Ausführung. Ihrer Meinung nach, klassisches Ballett veraltet?

— Ich liebe klassisches Ballett, es ist großartig. Und doch ist es nur ein Tanz, es soll Spaß machen, es soll ein Spiel sein. Ich verzerre die klassischen Bewegungen nicht, ich zeige sie nur aus einem etwas anderen Blickwinkel – es stellt sich als so einfache Absurdität heraus. Und es kann zu Missverständnissen kommen, insbesondere auf Seiten der Schauspieler: Das Arbeiten wie in einem Drama ist ihnen nicht so vertraut. Ich sage ihnen immer: „Sei kein Komiker. Nicht du solltest lustig sein, sondern die Situation.“

- Theater ist also doch etwas für Sie wichtiger als Ballett?

— Theater ist ein Raum, in dem sich zweitausend Menschen miteinander verbunden fühlen, die gleichen Gefühle erleben und dann darüber diskutieren können: „Haben Sie das gesehen? Cool, oder? Diese Art menschlicher Einheit ist das Schönste am Theater.

— Sie führen Sprache in Ihre Ballette ein – Verse, Monologe, Dialoge. Glauben Sie, dass das Publikum Ihren Plan ohne Worte nicht verstehen wird?

„Ich denke einfach, dass es so mehr Spaß macht.“ Ich mag es, Überraschungen und Überraschungen zu präsentieren und das Publikum in Erstaunen zu versetzen. Betrachten Sie Sprache als meine Spezialität.

Wieder organisiert Laurent Hilaire den Abend Ballette in einem Akt, studierte erneut Choreografie des 20. Jahrhunderts, um an die MAMT zu gehen. In zwei Reisen ist es nun möglich, sieben Choreografen zu begleiten – zuerst Lifar, Kilian und Forsyth () und dann Balanchine, Taylor, Garnier und Ekman (Premiere am 25. November). „Serenade“ (1935), „Halo“ (1962), „Onis“ (1979) und „Tulle“ (2012). Neoklassizismus, amerikanische Moderne, französischer Eskapismus aus der Neoklassik und Ekman.

Die Musiktheatertruppe tanzt zum ersten Mal Balanchine, und Taylor und Ekman wurden noch nie in Russland aufgeführt. Nach Ansicht des künstlerischen Leiters des Theaters sollten Solisten die Möglichkeit gegeben werden, sich auszudrücken, und dem Corps de Ballet sollte die Möglichkeit gegeben werden, zu arbeiten.

« Ich wollte jungen Menschen die Möglichkeit geben, sich auszudrücken. Wir laden keine externen Künstler ein – das ist mein Grundsatz. Ich glaube, dass die Truppe großartige Solisten hat, die mit großem Appetit arbeiten und eine völlig unerwartete Seite des neuen Repertoires offenbaren.(Über Onis)

…Tolle Choreographie wundervolle Musik, zwanzig Frauen – warum eine solche Gelegenheit ausschlagen? Darüber hinaus kann durch die Vorbereitung zweier Besetzungen ein Großteil der Frauen der Truppe besetzt werden.(über „Serenade“)“ aus einem Interview für Kommersant.

Balanchine schuf „Serenade“ für erwachsene Schüler seiner Ballettschule in Amerika. " Ich habe gerade meine Schüler unterrichtet und ein Ballett gemacht, bei dem man nicht sehen kann, wie schlecht sie tanzen" Er bestritt sowohl die romantischen Interpretationen des Balletts als auch die versteckte Handlung und sagte, dass er den Unterricht an seiner Schule als Grundlage genommen habe – wenn jemand zu spät komme, werde er fallen. Es mussten 17 Schüler beschäftigt werden, daher stellte sich heraus, dass die Zeichnung asymmetrisch, sich ständig verändernd und ineinander verschlungen war – oft halten sich die Mädchen an den Händen und verflechten sich. Sprünge bei schwachem Licht, rasante Sprünge, blau durchscheinende Chopins, die die Tänzer bewusst mit den Händen berühren – alles ist luftig und Marshmallow. Ganz zu schweigen von einem der vier Teile von Tschaikowskys Serenade „Finale über ein russisches Thema“, in dem die Tänzer fast anfangen zu tanzen, aber dann Volkstanz verschleiert von Klassikern.

Nach Balanchines Neoklassizismus wirkte in Martha Grahams Truppe der Modernismus von Paul Taylor, der zwar mit Ersterem in „Episodes“ tanzte, aber im Gegensatz dazu wirkte. „Halo“ zu Guendals Musik ist einfach ein Lehrbuch für moderne Bewegungen: Hier gibt es V-förmige Hände und Zehenspitzen, eine Jazz-Vorbereitungsposition und einen Sextenpass aus der Hüfte. Auch hier ist etwas von den Klassikern übrig geblieben, aber alle tanzen barfuß. Eine solche Antiquität ähnelt eher einem Museumsgegenstand, aber das russische Publikum war sogar zu begeistert davon.

Genau wie „Onis“ von Jacques Garnier, der einst vor Akademismus und Handlung floh und sich auf den Tanz selbst konzentrierte menschlicher Körper. Zwei Akkordeonisten stehen in der Ecke der Bühne, drei Tänzer liegen. Sie strecken sich, wiegen sich, stehen auf und beginnen einen ausgelassenen Tanz mit Drehungen, Stampfen und Ohrfeigen. Hier sind sowohl Folklore als auch Alvin Ailey zu sehen, dessen Technik Garnier in den USA studierte (sowie Cunninghams Technik). 1972 verließ er zusammen mit Brigitte Lefebvre die Pariser Oper und gründete das Theater der Stille, wo er nicht nur experimentierte, sondern auch leitete Bildungsaktivitäten und war einer der ersten in Frankreich, der Werke amerikanischer Choreografen in sein Repertoire aufnahm. Nun kam Lefevre nach Moskau, um Garniers Choreografie einzustudieren, was den russischen Tänzern sichtlich gefiel, und Lefevre selbst entdeckte dank ihnen sogar neue Nuancen dieser Choreografie.

Aber Hauptpremiere Der Abend war das Ballett „Tulle“ des Schweden Alexander Ekman. 2010 lud ihn das Königlich Schwedische Ballett ein, die Produktion zu inszenieren. Ekman ging dieses Thema philosophisch und mit Ironie an (wie er es auch bei seinen anderen Kreationen tat). „Tulle“ ist eine Reflexion über das Thema „Was ist klassisches Ballett?“. Mit der Neugier eines Kindes stellt er Fragen: Was ist Ballett, wo kommt es her, warum brauchen wir es und warum ist es so attraktiv?

“Ich mag das Ballett-Tutu, es ragt in alle Richtungen hervor“, „Ballett ist nur ein Zirkus“- sagen die Unbekannten gleich zu Beginn, während sich die Tänzer auf der Bühne aufwärmen. Ekman scheint den Begriff „Ballett“ mit der Lupe zu untersuchen, so wie in der Videoprojektion auf der Bühne das Kameraobjektiv über ein Ballett-Tutu gleitet – im Rahmen ist nur ein Raster, aus der Nähe sieht alles anders aus.

Was ist also Ballett?

Das ist eine Übung, Zählen – auf der Bühne machen die Ballerinas synchrone Übungen, aus den Lautsprechern klappert laut ihre Spitzenschuhe und keuchen die Atemzüge.

Das sind fünf Positionen, unverändert – Touristen erscheinen mit Kameras auf der Bühne, als würden sie in einem Museum Tänzer anklicken.

Das ist Liebe und Hass – Ballerinas sprechen auf der Bühne über ihre Träume und Ängste, Schmerz und Euphorie –“ Ich liebe und hasse meine Spitzenschuhe”.

Dies ist ein Zirkus – ein Paar in Harlekinkostümen (die Ballerina hat Federn auf dem Kopf wie Pferde) tritt auf schwierige Tricks zum Gejohle und Geschrei der anderen Tänzer.

Das ist Macht über den Betrachter - Amerikanischer Komponist Michael Carlsson hat „Swan“ mit aggressiven Beats elektronisch adaptiert, die Tänzer führen mit kaltblütiger Erhabenheit Ausschnitte aus Zitaten aus dem Ballett, dem Symbol des Balletts, vor und der Betrachter wird von dieser kraftvollen Ästhetik wie auf Beton festgenagelt.

„Tüll“ ist eine leichte Ballettvorbereitung, ironisch und mit Liebe, hier erhält die stille Kunst das Recht zu sprechen, und sie argumentiert, bügelt sich, verkündet aber selbstbewusst ihre Größe.

Text: Nina Kudyakova