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Am 16. Januar startete der Sender „Russland – Kultur“. neue Season Fernsehwettbewerb „Bolschoi-Ballett“. Sieben Nachwuchstänzerpaare von sechs Spitzentänzern konkurrieren um den Titel des besten Duetts. Musiktheater Länder. Schauen Sie hinter die Kulissen“ Bolschoi-Ballett„Wir wurden bei dem Projekt von Künstlern unterstützt, die das Bolschoi-Theater vertreten.

Diesmal wurde eigens für die Teilnahme am Wettbewerb ein Duett des Bolschoi zusammengestellt, und die Theaterleitung beschloss, ein Künstlerpaar mit unterschiedlicher Bühnenerfahrung zusammenzustellen. Die erste Solistin der Balletttruppe, Daria Khokhlova, hatte eine große Chance, sich zu beweisen. Dieses Projekt bot der jungen Tänzerin die Möglichkeit, sich in verschiedenen, manchmal unerwarteten Rollen auszuprobieren. Hier ist ihre lebendige und emotionale Geschichte darüber, wie es war:

Dascha, wie bist du zum Bolschoi-Ballett gekommen?

Dascha: Ich bin unerwartet dort angekommen. Ich hatte etwas Freizeit und wollte meine Dissertation schreiben. Als mich gerade alle gehen ließen und meine Theatersaison bald zu Ende ging, rief mich plötzlich Sergej Jurjewitsch Filin an einem schönen Montag an und sagte, dass es ein Projekt gäbe und dass er beschlossen habe, dass Igor und ich daran teilnehmen würden. Sie gaben mir Zeit zum Nachdenken. Bis morgen. Tatsächlich habe ich meine Dissertation verschoben.

Dasha: Natürlich ist das Abenteuer attraktiv.

Waren Sie davon begeistert oder nicht?

Dascha: Wenn man schon etwas geplant hat, schon einen Zeitplan aufgestellt hat und dann plötzlich alles zusammenbricht, ist das immer nicht so gut. Das heißt, die Begeisterung für den Arbeitsprozess trat auf, als das Repertoire bereits aufgebaut war. Denn das Schwierigste war, ein Repertoire aufzubauen und sich darauf zu einigen, wann wer zu uns kommt, wann wir mit wem zusammenarbeiten.

Haben Sie es selbst ausgehandelt?

Dascha: Nein. Es war Getman, der zustimmte, und als Manager tat er alles. Und wir haben uns das Repertoire nicht selbst ausgesucht. Als wir zu Sergej Jurjewitsch kamen, um über das Repertoire zu entscheiden, blieb von dem, was wir nannten, nur die Nummer aus „Marco Spada“ übrig. Alle. Wir wollten Spartak machen. Zuerst sagten sie uns: „Natürlich, natürlich können Sie das.“ Und dann: „Nein, das geht nicht.“ Aus Urheberrechtsgründen ist dies nicht möglich. Und am Ende, im letzten Moment, buchstäblich fünf Tage vor dem Projekt, haben wir La Sylphide getanzt, zum Glück war es tanzbar. Wir sind den Weg des geringsten Widerstands gegangen. Es ist übrigens gut gelaufen, Gott sei Dank.

Welches Programm hattest du?

Dascha: Duett aus Der Widerspenstigen Zähmung, Pas de deux von La Sylphide, Pas de deux von Marco Spada, Solo...

Welches Solo?

Dasha: Igors ist aus dem Ballett „Flames of Paris“, meiner ist eine Variation von „Moidodyr“. Es war ein Misserfolg! Samodurov kam, wir arbeiteten auch eine Woche mit ihm. Und auch Marco Goecke und Posokhov. Alle.

Sie hatten also sieben Zahlen?

Was du nicht gewählt hast. Wurden sie Ihnen tatsächlich angeboten?

Dasha: Ja, die Choreografen haben es uns vorgeschlagen und uns das Anschauen ermöglicht. Am interessantesten war wohl die Zusammenarbeit mit Marco Goeckes Assistent Fabio Palombo. Als wir zur ersten Probe zu ihm kamen, wussten wir noch nicht einmal annähernd, was es sein würde, aus welchem ​​Ballett und welcher Musik. Wir wussten es überhaupt nicht. Und er sagt: „Lasst uns den ersten Satz ohne Musik lernen.“ Wir werden einfach lernen.“ Dort beginnt zunächst Igors Solo. Ich sitze da und schaue zu. Er zuckt und zuckt. Und was dann? Und dann macht Fabio die Musik an und es stellt sich heraus, dass es Patti Smith ist, Punkrock. Das ist wahrscheinlich die coolste moderne Nummer, die ich je getanzt habe. Ich habe es mit so viel Hingabe getan. Zum ersten Mal wurde mir klar, dass ich radikal so viel Freude haben konnte moderner Tanz. Ich trage so weite Hosen, das heißt, ich kann meine Figur nicht sehen, ich kann meine Plastikteile quasi nicht sehen, ich habe keine Finger. Und es war großartig, das Positivste. Natürlich tat nach den Proben alles wahnsinnig weh, als würde ich mit Stöcken geschlagen. Ich ging jeden Tag zur Massage. Bei mir ist einfach alles durchgefallen.

Weil ungewöhnliche Muskeln arbeiten?

Dascha: Ja, ja. Daher war dies unser letztes Programm. Wir wurden geschätzt.

Wie viele Teilnehmer gab es insgesamt?

Dascha: Sieben Paare.

Haben Sie sich Ihre Konkurrenten angeschaut, wie sie tanzen?

Dascha: Oh, dafür war überhaupt keine Zeit. Ich werde jetzt einen Blick darauf werfen. Wir hatten einfach wirklich keine Zeit.

Du bist also einfach gekommen, sie haben dich gefilmt, und das war's?

Dascha: Na ja, so hat es nicht geklappt, weil dort immer alles sehr verzögert war. Relativ gesehen sollten die Dreharbeiten um sechs beginnen, aber sie begannen um halb sieben. Du gehst zum Beispiel als Nummer drei. Hoppla! Neuaufnahme. Hoppla! Interview. Lange Zeit – einer redete, der zweite redete, der dritte redete, alle Jurymitglieder redeten. Und es gibt keine Möglichkeit, Zeit einzuteilen. Zum Beispiel wie im Theaterstück: Nach dieser Variation gehe ich raus – wann ich mich aufwärme, wann ich meine Haare kämme ...

Und so hast du getanzt...

Dascha: Sie haben uns Noten gegeben. Nein, da sagten alle, es gäbe keine Noten. Entweder sie sagen „Ja“ oder „Nein“. Wir tanzten, gingen zu den Moderatoren und gaben ein Interview. Auf diese Weise... (atmet häufig und laut). Sie gaben ein Interview und dann sagte jedes Jurymitglied seine Meinung. Eines der Jurymitglieder fragt Sie etwas – Sie antworten.

Wie hast du mit Igor getanzt?

Dascha: Oh, großartig! Wir haben gut zusammengearbeitet. Wir hatten schon vorher zusammen getanzt, keine entwickelten Rollen. Igor ist ein unglaublich verantwortungsbewusster Mensch und tatsächlich ein erstklassiger Fachmann. Unsere Arbeit ist auf maximale Effizienz ausgerichtet, ohne unnötige Launen und sonstiges. Er hatte auch „Hero of Our Time“, also blieb wirklich nur sehr wenig Zeit übrig. Wir haben versucht, alles zu verteilen: Mal lernen wir das eine Stunde lang, mal machen wir eine halbe Stunde Pause, mal studieren wir das anderthalb Stunden lang.

Stellen Sie sich diese Situation vor. Sie sagen einem: „Die Filme sind verloren, lasst uns noch einmal drehen.“ Würden Sie das gleiche Programm tanzen? Oder würdest du etwas ändern?

Dascha: Nun, ich weiß es nicht. Das erfolgloseste, das ich hatte, war „Moidodyr“. Ich weiß nur, dass ich nie rausgehen und eine Variation tanzen kann. Nur eine Variation aus dem Ballett – ich kann es nicht tanzen, egal wie viel ich übe. Wenn irgendeine Variation, auch eine eingefügte, in einer Aufführung aufgeführt wird, ist das eine andere Sache, das ist willkommen. Aber wenn ich auf eine leere Bühne gehe und alleine eine Variation tanze, gibt es für mich einfach keine schlimmere Strafe.

Gab es einen solchen Zustand?

Dascha: Ja. Ein Soloprogramm. Wenn eine Variation in einen Pas de deux übergeht, ist das willkommen. Es gibt immer noch einen gewissen Kontext, etwas Geschichte. Sogar ein Adagio, das einem Ballett entnommen ist, handelt zumindest von zwei Personen, das heißt, es gibt hier bereits eine Handlung. Und wenn ich einfach alleine rausgegangen bin und einen Trick getanzt habe, kann ich das nicht. Sport ist absolut nicht mein Ding.

Vielleicht hätte etwas anderes genommen werden sollen?

Dascha: Alles andere wäre eine noch schlimmere Strafe für mich.

Das ist also das Beste vom Schlimmsten?

Dascha: Ja. Wir sind in dieses Programm eingestiegen letzte Nummer, und es war um 11 Uhr nachts. Also, okay, es ist vorbei, Gott sei Dank. Auf jeden Fall ist es bei mir so gekommen: Diesmal habe ich die Mädchenheldin aus getanzt Leistung der Kinder, im nächsten Programm gibt es Posokhovs Adagio, das am Rande der Erotik steht, und durch das Programm - Goeckes Superzeitgenosse. Das heißt, im Allgemeinen diametral entgegengesetzte Bilder. Und das ist natürlich interessant. Sogar ich selbst. Ich habe mich sogar jedes Mal im Spiegel angeschaut, wenn sie mein Make-up aufgetragen haben: Heute brauche ich das, und heute brauche ich das. Hübsch.

Gehört Make-up für Sie bereits zum Auftritt?

Dascha: Ja, natürlich. Sie schauen sich selbst an und stellen sich wahrscheinlich ein wenig von außen vor. Das heißt, ich betrachte mich selbst im Spiegel und dort verändere ich mich wirklich allmählich.

Sind Sie am Ende zufrieden, dass Sie an dem Projekt teilgenommen haben?

Dascha: Ja. Befriedigt. Das ist eine sehr interessante Erfahrung. Ich bin aber auch froh, dass alles gut ausgegangen ist – ohne Verletzungen oder Unannehmlichkeiten.

Hast du etwas von dort mitgenommen?

Dascha: Natürlich. Es ist einfach eine tolle Erfahrung.

Eine kolossale Erfahrung von was?

Dascha: Sieben Programme in einem Monat zu machen, ist im Theater angesichts der Repertoirepolitik einfach unrealistisch. Es würde ein Jahr dauern. Das heißt, relativ gesehen wird die Effizienz um das Zwölffache gesteigert. Was im Laufe einer oder sogar zweier Staffeln hätte gelernt werden können, wurde plötzlich einmal – im Monat – im Eiltempo gemeistert. Dann ist es rein von der dramatischen Seite her interessant, von der Seite der „Verkleidung“ oder so. Einmal – und Sie haben diametral entgegengesetzte Bilder. Ich mochte es wirklich.

Würden Sie jetzt etwas aus diesem Repertoire behalten?

Dascha: Ja, auf jeden Fall. Auf jeden Fall das Pas de deux von Marco Spada, das Adagio aus Der Widerspenstigen Zähmung, das Adagio von Posokhov und Goecke. Das sind genau die vier Programme.

Der Partner von Daria Khokhlova bei dem Projekt war der führende Solist des Theaters, Igor Tsvirko. Das sagt sein aktueller Lehrer Alexander Vetrov über den Künstler: „Als ich ins Theater kam, kam Igor auf mich zu und sagte, dass er keinen Lehrer hätte und er wirklich gerne versuchen würde, mit mir zusammenzuarbeiten.“ Damals hatte ich zwei Tänzer: Semyon Chudin und David Hallberg, so herausragende Typen. Und wir begannen mit den Proben. Lehrer zu sein ist ein schwieriger Job, deshalb haben wir normalerweise zwei oder drei Schüler. Jetzt habe ich viel mehr Leute. Im Moment habe ich genug für alle und ich versuche, mich allen voll und ganz hinzugeben. Unser Weg mit Igor war dornig. Er war besorgt und hatte ständig Angst, dass es keinen Durchbruch geben würde. Ich habe für ihn die These präzise formuliert, dass der einzig richtige Weg die Fähigkeit ist, an sich selbst zu glauben, zu warten und bereit zu sein. Und so geschah es. Ich habe ihm immer gesagt, dass ich an ihn glaube, obwohl er kein Vertrauen in seine Fähigkeiten hatte. Ja, sie haben ihn lange behalten, ihm keine Chance gegeben, aber ehrlich gesagt war er noch nicht bereit. Arbeit braucht Zeit. Es ist, als würde man eine Skulptur erschaffen.“

Mittlerweile umfasst Tsvirkos Repertoire eine Reihe von Hauptrollen, darunter die Rolle des Pechorin in der letztjährigen Premiere von „Ein Held unserer Zeit“, deren Proben parallel zu den Vorbereitungen für den Wettbewerb stattfanden. Hier ist, was der Künstler selbst über die Teilnahme an dem Projekt sagt:

Igor, warst du froh, als du eingeladen wurdest, am Bolschoi-Ballett-Projekt teilzunehmen?

Igor: Ja, ich habe mich gefreut, dass die Theaterleitung meine Kandidatur ausgewählt hat. Es war schön, aber eigentlich sehr schwierig.

Wenn Sie jetzt, da Sie bereits wussten, wie alles sein würde, dieses Angebot erhalten würden, würden Sie dann etwas ändern?

Igor: Ja, ich würde das Repertoire ändern.

Wie hast du es ausgewählt?

Igor: Wir haben ihn nicht ausgewählt, aber sie haben ihn für uns ausgewählt (lächelt). Unsere Wünsche waren natürlich da, aber... Wir wurden zum Choreografen Vyacheslav Samodurov eingeladen. Dank Anna Abalikhina holten sie einen weiteren Choreografen: Marco Goecke. Wir tanzten auch „Marco Spada“ von Pierre Lacotte, eine Miniatur von Posokhov. Die Zimmer, die wir bekamen, waren sehr schön und luxuriös. Ich würde wahrscheinlich einiges ändern. Oder vielleicht hätte ich alles so gelassen, wie es ist.

Sind Sie mit der Leistung zufrieden?

Igor: Ja, sehr. Im Allgemeinen.

Was hat Ihnen die Teilnahme am Projekt gebracht?

Igor: Wahrscheinlich das Verständnis, dass man es auch dann tun muss, wenn man sehr müde ist und keine Kraft mehr hat, etwas zu tun. Denn die Dreharbeiten fanden am Ende der Staffel statt, was sehr schwierig und anstrengend war. Nach der Premiere von „Ein Held unserer Zeit“. Dasha und ich haben uns ein wenig gesehen. Von den sieben Zimmern, die wir hatten, waren fünf komplett neu. Sie und ich tanzen nichts außer dem eingefügten Pas de deux. Zwischen den Produktionsproben für „A Hero of Our Time“ musste ich für das Projekt proben, und es war sehr schwierig. Und dann, schon am Set, heißt es nicht nur sitzen, sondern warten, wenn man raus muss. Alles ist in Echtzeit da.

Aber hatten Sie die Möglichkeit, etwas zu tanzen, was Sie vielleicht gar nicht getanzt hätten?

Igor: Ja, natürlich. Zum Beispiel die Nummer von Marco Goecke, die mir sehr gut gefallen hat. Ich denke, das ist einer dieser Momente, in denen man, wenn man schon getanzt hat, denkt: „Was für eine coole Nummer!“ Und beim Proben hat man Spaß. Dies fällt in die gleiche Kategorie wie Posokhovs Nummer zur Musik von Rachmaninow. Auch ein sehr schönes, atemberaubendes Zimmer. Und natürlich bot das Projekt eine solche Gelegenheit – schicke Nummern zu tanzen. Plus Kommunikation mit Dasha. Ein sehr guter Mensch, positiv. Deshalb bin ich froh, dass sie und ich an dem Projekt beteiligt waren.

Wir werden nicht über die Ergebnisse reden, wir werden die Intrige behalten. Aber hatten Sie damit gerechnet, das Projekt zu gewinnen?

Igor: Dasha und ich haben nicht an den Sieg gedacht. Es waren viele tolle Paare dabei. Drei Paare aus St. Petersburg: zwei aus Mariinski-Theater und einer von Michailowski. Sie versuchen uns oft zu vermitteln, dass dies eine Rivalität zwischen Moskau und St. Petersburg sei. Die Moskauer hatten nie das Gefühl, dass wir mit irgendjemandem konkurrieren würden. Zumindest habe ich dieses Gefühl definitiv nicht. Jeder macht sein eigenes Ding. Deshalb hatten wir bei Dasha eigentlich nur einen Wunsch – alles gut und sauber zu tanzen, damit alles gut gefilmt wird. Und die Hauptsache ist, ohne Verletzungen in den Urlaub zu fahren. Das war die Hauptsache. Und wie sich die Dinge dort entwickeln, ist nicht so wichtig.

Wen mochten Sie außer den St. Petersburgern?

Igor: Ja, es gab sehr gute Permer und Kasaner (diese Japaner). Alles sehr gute Jungs, talentiert. Ich hoffe, dass es allen gut geht, wo sie tanzen. Vielleicht werden sie sogar an andere Orte eingeladen. Das Ballett entwickelt sich in Russland, und Gott sei Dank!

Igor, ich habe noch zwei sehr wichtige Fragen und ich muss sie dir stellen. Erstens: Ihre Lieblingsfußballmannschaft?

Igor: Das ist der Chelsea-Fußballverein! Ich kenne seinen Besitzer Roman Arkadjewitsch Abramowitsch! Ich mache mir auch Sorgen um Lokomotive Moskau.

Hier ist die zweite Frage zu genau diesem Thema: Ich habe Ihr Foto gesehen und Sie trugen einen Chelsea-Schal: Ist das Liebe oder eine Hommage an den Club von einem Mitglied des Kuratoriums des Theaters?

Igor: Wann habe ich angefangen, den Fußballverein Chelsea zu unterstützen? Es war vor langer Zeit. Es scheint mir, dass alles zusammenpasste, ich begann, mich für Fußball zu interessieren. Mein Freund und ich machten uns Sorgen um Lokomotiv. In einer der besten Fußballligen der Welt (England) waren Manchester United und Arsenal überlegen. Chelsea war eine starke Mittelmannschaft, aber sie haben mich mit ihrer Form überzeugt – mein Favorit blaue Farbe. Und so erwarb Abramowitsch einen Fußballverein. Ich erinnere mich, als ich noch in der Schule war, zeigte NTV Champions-League-Spiele und ich sah mir bis 2:00 Uhr morgens Spiele an, in denen Chelsea spielte! Ich war besorgt, krank, verärgert und träumte davon, eines Tages ein Chelsea-Spiel in seiner Heimarena an der Stamford Bridge zu besuchen. Jahre sind vergangen... Natürlich hätte ich nie erwartet, dass Roman Arkadjewitsch zu den Mitgliedern des Kuratoriums gehören würde! Ich habe so aufgeregt darauf gewartet, dass er hinter der Bühne ein Foto mit dem Schal macht! Wahrscheinlich kann nur ein Fan die Emotionen verstehen! Nun, als ich auf Tournee in London auf der Tribüne des begehrten Stadions stand, konnte ich es überhaupt nicht glauben! Das ist sicher – Träume werden wahr! Meine Frau weiß, dass es besser ist, mich nicht anzufassen, wenn Chelsea verliert. Das ist also überhaupt keine Hommage. Mein Interesse am Club bestand schon viel früher, als Abramovich Mitglied des Kuratoriums wurde!

Im Bolschoi-Theater fand die erste Ballettpremiere der Saison statt – „Marco Spada“ (Aufführung von Pierre Lacotte). Beim Aufbau einer Repertoirepolitik berücksichtigt der künstlerische Leiter des Bolschoi-Balletts, Sergei Filin, stets die Individualität der Tänzer der Truppe. Die im Repertoire enthaltenen Darbietungen scheinen für bestimmte Tänzer geschaffen zu sein und offenbaren deren Fähigkeiten auf brillante und unerwartete Weise. „Marco Spada“ war keine Ausnahme. Pierre Lacottes Ballett „erklingt“ wie eine Stradivari-Geige nur zu Füßen außergewöhnlicher Virtuosen, aber für das Bolschoi-Theater ist das kein Problem. Heute ist die Truppe in einer so guten professionellen Verfassung, dass an den Premierentagen nicht nur ein, sondern mehrere Ensembles von Darstellern – die jungen Leiter des Bolschoi-Balletts – die Bühne betraten. Die Darsteller wurden vom Regisseur des Stücks, Pierre Lacotte, und dem künstlerischen Leiter der Truppe, Sergei Filin, ausgewählt. Über den Geschmack musste man nicht streiten. Entscheidungen wurden einstimmig getroffen.

David Hallberg spielt den Banditen Marco Spada. Es bestand kein Zweifel, dass David mit der Lacotta-Perlentechnik hervorragende Arbeit leisten würde. Die außergewöhnlichen Fähigkeiten von Davids Körper und die Geschicklichkeit seiner anmutig geformten Füße sind jedem bekannt. Aber die Art zu tanzen! Könnte sich irgendjemand vorstellen, dass ein Schüler einer anderen Tanzschule, der vor zwei Jahren in die Truppe aufgenommen wurde und den formalen Ausdruck von Gefühlen auf der Bühne als die Norm ansieht, sich innerlich so befreien und so vom Geist des Tanzens durchdrungen sein könnte? Bolschoi-Ballett, so mutig, mutig, leidenschaftlich und künstlerisch frei werden? Allerdings – ja! Das ist passiert. Sergei Filin sah den Erfolg der kreativen Vereinigung von David Hallberg mit dem Theaterlehrer Alexander Vetrov voraus – einem ehemaligen vielseitigen Tänzer des Bolschoi-Balletts, der sowohl die Rollen klassischer Prinzen als auch die Rollen tödlicher Bösewichte spielte, der die Stärke und den Ruhm von aus erster Hand kennt die Männer des Bolschoi-Balletts. Der aggressive, scharfe Stoß von David Hallbergs Marco-Spada-Tanz ist beeindruckend. Auch sein aristokratisches Erscheinungsbild im Piratentuch sieht anders aus – seine Gesichtszüge werden schärfer, sie wirken härter – das ist Schönheit mit einem Hauch von Täuschung.
Die Sterbeszene wird von David mit der Authentizität eines Filmkünstlers inszeniert. Seine Augen sind seine Stimme, und sie sprechen beredter als alle Worte der Verzweiflung und der Bitte. In seinen sonst so leichten Händen offenbart sich plötzlich eine ganz andere Essenz – sie verlieren ihre klassische Form, werden gigantisch, schwer – und das ist eine weitere Verwandlung von David Hallberg, die mit Überraschungen begeistert. Der Künstler ist voller Gefühle, er ahnt nicht, was er durchmacht, er erlebt diese sentimentale Balletttragödie wirklich leidenschaftlich, ergreift mit seiner schweren, sterbenden Hand das Herz des Publikums und nimmt es mit ins Leid.

Ausdrucksstark spielt David die Rolle eines fürsorglichen, sanften Vaters. Mit Evgenia Obraztsova (Angela) bildeten sie ein schönes „Familienduett“. Ihr Größenunterschied ist sehr berührend und die außergewöhnliche „Blondheit“ beider lässt keinen Zweifel an ihrer Blutsverwandtschaft.
In seiner zweiten Premierenrolle – Prinz Federici – spielt der idealaussehende David Hallberg Naturkatastrophe. Die bezaubernde Reinheit des Tanzes, die aristokratische Leichtigkeit der Posen, die Hände, die göttlich zart klingen, die Freude und das Zittern von Körper und Seele bei Dialogen mit der Dame des Herzens, die Augen, in denen der Himmel ertrank – all das ist über seinen Marquis, in den es unmöglich ist, sich nicht zumindest für einen Abend zu verlieben.
Evgenia Obraztsova (die Rolle der Angela) fühlt sich in der Choreografie von Pierre Lacotte sehr wohl. Zwischen Künstler und Choreograf verbindet eine langjährige kreative Beziehung und absolutes gegenseitiges Verständnis. In der Darbietung des Teils kann man die operettenhafte Leichtigkeit des inneren Zustands und die besondere Weichheit und Feinheit im Umgang mit dem Text bemerken. Lacottes Beredsamkeit, Eugenia anvertraut, ist ohne viel Aufhebens. Der Tänzer geht einfach, aufrichtig und vertrauensvoll an die Choreografie heran, als würde er die Bewegungen streicheln – die schnellsten Schritte wirken geschmeidig.

Angela Evgenia Obraztsova ist ein hübsches rosafarbenes Kind, das verliebt und mäßig verwöhnt aufgewachsen ist. Ihr Körper und ihr Gesicht strahlen Frische und Gesundheit aus. Die Seele kannte kein Leiden. Der Räuberhut und das Kleid für die kleine Charmeurin sind natürlich nichts anderes als ein Karnevalskostüm, und ihr Wunsch, sich mit der Banditenmeute zu vermischen, ist nichts anderes als der enthusiastische und selbstlose Impuls eines seinen Eltern ergebenen Kindes. Das Mädchen ist eindeutig nicht in der Lage, im Ernst eine Banditin zu sein, nur mit einem Licht, das die Seele wilder Männer wärmt. Sie hat den Charme von Unschuld und Jugend, eine sanfte Sinnlichkeit, die keine rasende Leidenschaft hervorruft, sondern einen dazu bringt, sie zu verlieren Kopf voller Emotionen.

Semyon Chudin (Teil von Prinz Federici) ist großartig. Das Ballett „Marco Spada“ ist allein schon wegen seiner energisch-explosiven Jeté entournans einen Besuch wert. Mit seinen Sprüngen zeichnet er einen perfekten Kreis, der Abstand zwischen den Sprüngen ist gleichmäßig, die Höhe ändert sich nicht – es ist wie der Flug eines perfekten Mechanismus, unmenschliche Schönheit! Und sein ganzer Tanz ist so. Mathematisch präzise, ​​auf den Millimeter genau berechnet. In seinem Körper herrscht eine elastische Kraft. Der Tänzer hat die Kontrolle über seine Bewegungen und bringt ein Gefühl von Überbewusstsein auf die Bühne. Sein Entrechat ist unglaublich. Füße mit perfekt verlängertem Spann bewegen sich mit Lichtgeschwindigkeit und singen klar und anmutig einen virtuosen Triller in unerreichbarer Höhe. Nicht jeder ist dazu in der Lage. Dies ist wirklich eine erstklassige Tanztechnik.
Die gleiche Rolle spielte der heranwachsende Fürst Bolschoi Artemy Belyakov. Das Publikum sah ihn bereits in der Rolle des James (Ballett La Sylphide) und in der Rolle des jungen Mannes (Ballett Chopiniana). Die Prinzenparty ist eine wunderbare Fortsetzung romantischer Weg. Artyom spielte einen charmanten jungen Mann, dessen rührende, leicht schüchterne Liebkosungen das Herz der stolzesten Schönheit zum Beben bringen werden. Der Künstler besticht durch seine kulturelle, ruhige und zurückhaltende Art zu tanzen. Er hat eine schöne Textur, einen starken Hochsprung und seine Füße funktionieren gut. Selbst neben so starken Konkurrenten wie Semyon Chudin und David Hallberg machte der junge Solist eine ordentliche Figur, was ihm zur Ehre gereicht.

Sergei Filin hat keine Angst davor, gegen etablierte Stereotypen zu verstoßen. Wenn er in einem Menschen Talent sieht, lässt er ihn sich voll entfalten. Daher scheut er sich nicht, der charmanten Spielzeugfigur Anastasia Stashkevich, einer Künstlerin, die nicht ganz den modernen Standards des Aussehens der ersten Tänzerin entspricht, Rollen anzuvertrauen, die Ballerina-Fähigkeiten erfordern, und ihr kindlicher Charme hindert sie nicht im Geringsten daran komme mit ihnen hervorragend zurecht. „Wenn Anastasia auf die Bühne geht, bringt sie so viel Licht mit!“ - Der künstlerische Leiter der Balletttruppe spricht über sie. Solch eine positive Ausstrahlung ist nicht jedem gegeben.“ Es stimmt. Angela Anastasia Stashkevich hat ein besonderes schelmisches Funkeln, eine freche Energie, die ausbricht. Die Künstlerin verschönert Lacottes Choreografie mit ihrer äußerst anmutigen körperlichen Essenz. Der Körper des Tänzers fühlt sich so natürlich an, als würde er seine erste, muttersprachliche Sprache sprechen. Die Szene der „Lektion sozialer Manieren“ von Anastasia Stashkevich ist ausdrucksstark. Wenn Angela Anastasia Stashkevich die Bewegungen der Marquise wiederholt, erfüllt sie sie mit einem ganz anderen Charakter, verleiht ihnen den Klang ihres freien Herzens, und wir verstehen, dass vor uns ein Mädchen steht, das sich von den stillen Lichtern des Ballsaals niemals beruhigen lässt - mutig, leidenschaftlich, charmant eigensinnig. Auf dem Ball ist Anastasia Stashkevichs Angela genauso unerwartet und gefährlich wie Odile in der Ballszene aus Schwanensee, und wenn Sie sich nur einen Moment vorstellen, dass Anastasia Stashkevich kreativer Weg Wenn ich die Räuberin Angela nicht getroffen hätte, wäre es sehr traurig geworden. Dieses Treffen musste stattfinden.

Olga Smirnova – wirklich schöne Marquise. IN klassische Choreographie Es bringt Elemente der Ballsaalkultur mit, den Duft der Rokoko-Ära und zieht vor allem die stilvolle Arbeit der Hände an. Ihr Tanz ist raffiniert, aber frei von Anmaßung, unangenehmen Manierismen, streng und ruhig, trotz der Verzierung. Interessant ist auch das von Olga erstellte Bild. Sie war noch nie zuvor vor einem solchen Publikum aufgetreten. Die First Lady einer großen Maskerade, die einen leichten Spott über die Leidenschaften der Menschen um sie herum verbirgt. Weltliche Falschheit wird ihr niemals etwas Vertrautes und Vertrautes werden. Zu den nötigen Manieren gehört lediglich ein Anzug, den sie beim Verlassen des Hauses auch anzuziehen nicht vergisst. Dieses Mädchen ist ironisch und klug, ein mutiger, klarer, offener Blick, der kleinliche Unterwürfigkeit zerschmettert, keine einzige zusätzliche Falte – ein Gesicht, das nie vergisst, dass es schön sein sollte, immer bereit für Anflug von Neugier abschätzende Blicke. Sie hat keine zwei Gesichter. Sie verhält sich so, wie sie sollte, ohne große Freude daran zu haben. Man hat das Gefühl, dass sich unter der weltlichen Maske eine lebendige Seele verbirgt, die nicht ohne jugendlichen Enthusiasmus ist. Aber wir werden nie ganz erfahren, wer die Marquise ist. Sie bevorzugt die Rolle einer Beobachterin im Leben und lädt niemanden auf eine Reise durch die Welt ihrer Seele ein – sie meidet sogar den Mann, der in sie verliebt ist, und lässt sich nur herablassen zu seiner Leidenschaft, erwidert sie aber nicht und ist äußerst offen.

Der gleiche Tanztext, die gleiche Rolle von Kristina Kretova sieht anders aus, und dieser Kontrast zwischen den Künstlern ist interessant. In der Marquise Kristina Kretova gibt es keinen reinen Adel, sondern eine launische Arroganz. Sie genießt es beiläufig, Anspruch auf eine fiktive königliche Müdigkeit zu haben. Ein beträchtliches Maß an Narzissmus manifestiert sich leise, aber beharrlich. Weltliche Falschheit macht sie absolut unverwundbar; talentierte Nachahmung von Gefühlen rettet sie in jeder schwierigen Situation. Allerdings ist ihr Körper viel aufrichtiger, offener und harmonischer als ihr Herz und ihre Seele – lebendig und warm, als würde er auf sanfte Berührungen warten, Bewegung ist für ihn Entspannung, eine gewünschte Art des Selbstausdrucks. Und natürlich vergisst man beim Anblick einer solchen Marquise das mögliche Pathos der Virtuosität.

Man kann sich Maria Winogradowa mit ihrer Porzellanfigur und dem französischen Sinnlichkeitsgesicht gut vorstellen, die Hauptrollen in romantischen Filmen über das Hofleben zu spielen. Das Kino hätte in ihr eine zweite Michelle Mercier finden können, aber diese Marquise der Engel regiert heute auf der Bolschoi-Bühne. Und nicht nur ihr Aussehen bereitet dem Publikum ästhetischen Genuss, sondern auch ihr Tanz. Die Künstlerin versteht es, die besondere Schönheit klassischer Bewegungen zu spüren, ihre innere Musik und Bedeutung einzufangen. Ihr Tanz ist sehr logisch und sehr interessant (das ist natürlich ein großer Verdienst von Marias Lehrerin Nina Lvovna Semizorova). Durch plastische Mittel entsteht der Charakter der Heldin.
Marquise Maria Vinogradova ist eine unerreichbare Person. Es gibt keine Arroganz in ihr. Gar nicht. Aber es gibt einen geheimnisvollen Schauer der ersten Schönheit. Um sich vor lästiger Aufmerksamkeit zu schützen und sich nicht an bewundernden Blicken zu verbrennen, schafft sie eine angenehme Distanz zwischen sich und ihren Mitmenschen. Seine Hauptwaffe ist die bezaubernde Leichtigkeit der Plastizität. Ihr zerbrechlicher, schmelzender Körper ist beängstigend anzufassen. Ich möchte einfach nur aus der Ferne voller Ehrfurcht zusehen.

Neben einer solchen Ballkönigin ist der Kapitän der Dragoner Denis Medwedew besonders urkomisch. Denis schafft ein äußerst wahrheitsgetreues Bild eines selbstbewussten Mannes, der mit einer Besessenheit, die weder Scham noch Gewissen kennt, dennoch die von vielen gewünschte unnahbare Frau erreicht und andere dazu zwingt, Speichel zu schlucken und vor Fassungslosigkeit die Hände hochzuwerfen. Der sklavische Rausch mit einer Frau stört übrigens nicht sein Lieblingsspiel, ein Diener und treuer Sohn des Vaterlandes zu sein. Wenn man sich die Figur von Denis Medvedev ansieht, erinnert man sich unwillkürlich an die Komödie über die Gendarmen mit Louis de Funes in der Titelrolle.

Ekaterina Krysanova (Angela) genießt das Ballett „Marco Spada“ aufrichtig. Lacottes Ausführlichkeit ist für sie keine Belastung. Sie liebt es, das Leben mit hoher Geschwindigkeit zu leben. Mit spöttischer Leichtigkeit rasselt sie choreografische Zungenbrecher herunter (der dritte Akt ihrer Performance ist etwas Bezauberndes) und entwirft das pikante Bild eines Chamäleonmädchens, das von seiner einzigen Rolle im Leben gelangweilt ist, weil es das Leben in seiner ganzen Vielfalt liebt. Aufgrund der besonderen künstlerischen Individualität von Ekaterina ist es sehr einfach, unter einer Maske einen Schritt von absoluter Einfachheit zu absoluter Raffinesse zu machen, die zweite funkelt immer ein wenig und lockt mit Geheimnis. Sie ist auch eine naive Einfaltspinselin, die sich die Verhaltensregeln aneignet säkulare Gesellschaft(eine Art Galatea) und eine elegante, sinnliche Dame, die mit ihren edlen Manieren die Marquise in den Schatten stellen kann, und ein feuriger Räuber, der keine Angst kennt. Ihr Wesen ist zwiespältig, genau wie ihr Vater – ein Räuber und ein weltlicher Dandy in einem. In Ekaterinas Tanz spürt man gleichermaßen die glühende jugendliche Leidenschaft und das Selbstvertrauen einer erfahrenen Ballerina. Auf jeden Fall eine gelungene Arbeit.
Die Rolle des abgelehnten Liebhabers wird von Andrei Merkuriev (Kapitän der Dragoner Pepinelli) brillant gespielt. Er ist in seiner großen Liebe sowohl zu hartnäckig als auch zu nachgiebig. Prinzipiell und seriös. Leidenschaftlich und schüchtern. So widersprüchlich und verletzlich, wie nur ein wahrer Liebhaber widersprüchlich und verletzlich sein kann. Entweder gegenseitige Liebe – oder lebenslange Verzweiflung mit dem Gedanken an den Tod. Glücklicherweise wird das Publikum Zeuge eines gelungenen Endes Liebesdrama: Pepinellis Herz, das am Rande des Todes steht, wird von einer sorglosen Schönheit nicht gebrochen. Pepinellis Tanz besticht, wie es sich für einen Dragonerkapitän gehört, durch seine akademische Disziplin. Der Künstler ist in guter Verfassung. Schnelle Drehungen und dynamische Sprünge bringen seine leidenschaftlichen Gefühle perfekt zum Ausdruck.
Denis Savin in der Rolle des Kapitäns der Dragoner Pepinelli war so gefühlvoll, wie nur Denis Savin auf der Bühne gefühlvoll sein kann. Sein Held ist der Richtige seltener Mensch, dem nicht die Möglichkeit gegeben wird, zu lernen, wie man herrisch auftrumpft, sich in aller Ernsthaftigkeit aufwändig gesellschaftlich verbeugt oder mit den Damen wertlose Höflichkeiten austauscht. Nein! - Er ist ein impulsiver Mann, ein leicht zerstreuter, lustiger Exzentriker, freundlich, süß, sensibel bis zum Äußersten. Und es ist unmöglich, am Ende nicht auf das Lächeln seiner Liebe zu antworten. Das kälteste Herz schämt sich seiner Gleichgültigkeit. Die schöne Marquise ergibt sich unfreiwillig der Gefangenschaft eines verrückten Dichters in Uniform. Nun, Sie müssen die gegenseitige Freude des Kapitäns sehen. Worte können es nicht beschreiben...

Igor Tsvirko hat mehr als freundschaftliche Beziehungen zum Ballett „Marco Spada“ aufgebaut. Das exotische, wild-helle Erscheinungsbild des Künstlers erfordert ungewöhnliche Rollen, und in diesem Ballett fand er sie. Er schuf zwei Bilder, die man, wenn man sie einmal gesehen hat, nicht mehr vergessen kann: die Hauptfigur Marco Spada und den Dragonerkapitän Pepinelli.
Marco Spada, gespielt von Igor Tsvirko, ist ein mysteriöser, schattenhafter Bandit. Aus der Tiefe blickende Augen ziehen dich in den tödlichen Abgrund. Die Energie der Bewegungen ist vergleichbar mit der tödlichen Energie eines Tsunamis (denken Sie nur an die Szene des Raubüberfalls auf den Klosterschatzmeister).
Die Fähigkeit des jungen Künstlers, ohne viel Make-up das Bild einer älteren Figur zu schaffen, verdient Respekt. Wenn man ihn ansieht, spürt man die Strenge eines vom Leben erfahrenen Mannes – eines alten „Wolfs“. Gerade weil Marco selbst kein Heiliger mehr ist, ist sein Gefühl für seine kleine naive Tochter mehr als heilig. Es scheint, dass er sie vor allem Bösen und Hässlichen der Welt beschützen will – auf Kosten seines kriminellen Lebens, um ihre Sündenlosigkeit zu bewahren, ihr ein sorgenfreies Leben zu ermöglichen. Und diese wichtigste edle Mission seines unedlen Lebens ist letztendlich erfüllt. Am Ende des Stücks rettet Marco im Sterben seine Tochter aus seinem dunklen Schatten, aus seiner dunklen Vergangenheit und segnet sie, damit sie im Licht ihrer ersten Liebe zu einem würdigen jungen Mann ihr Glück findet.
In der Todesszene hält Igor gekonnt die Balance zwischen theatralischer Affektiertheit und Alltagsleben, das heißt, die Szene ist naturalistisch, geht aber nicht über die Grenzen der Kunst hinaus. Sie hat eine unheimliche, verzweifelte, verrückte Schönheit. Die Augen verdrehen sich und nehmen einen leblosen Ausdruck an, das Weiße hebt sich furchtbar von der dunklen Haut ab, schwere Schritte wiederholen die Geräusche eines stehenbleibenden Herzens, Handbewegungen werden krampfhaft ... Es ist schwierig, diese augenblicklichen Veränderungen ohne Emotionen zu beobachten. Ein melodramatisches Ballett mit einer komplizierten Handlung wird zu einem echten Drama.
Technisch gesehen wurde dieses Spiel zu einer Kraftprobe für den Künstler. Aufgrund bestimmter körperlicher Eigenschaften eignet sich Igor gut für Spiele, bei denen nicht viel Anmut, sondern Schnelligkeit, Kraft und Bewegungsfreiheit gefragt sind. Hier konnte man nicht umhin, auf kleine Techniken zu stoßen, man musste über die Art des Tanzens nachdenken und sich mit der Tatsache abfinden, dass schauspielerische Leidenschaften die gewissenhafte, manchmal erschöpfende Aufmerksamkeit für jeden Schritt nicht aufheben, was Lacottes Choreografie ausmacht ist subtil und erfordert einen äußerst feinfühligen Ansatz. Der Preis für Nachlässigkeit ist hoch – absolute Hässlichkeit. Ob ein hektischer, erschöpfter Lauf über die Bühne oder ein energischer, ebenso kraftvoller wie anmutiger Tanz, alle Darsteller der Hauptrollen im Ballett „Marco Spada“ waren mit dieser kompromisslosen Realität konfrontiert. Für Igor erwies sich der Moment der Überwindung als besonders notwendig und erwünscht. Die Größe der Rolle, ihre Komplexität und natürlich die erste Position in der Aufführung waren für den Tänzer ein wahrgewordener Traum. Daher beschwerte er sich nicht, sondern arbeitete mit Inspiration in den Proberäumen. Und ich war in der Lage... über meine Fähigkeiten hinauszuspringen und meinem Körper neuen Schwung zu geben. Auch jetzt ist es für ihn nicht einfach, aber mit der richtigen Portion Arbeit und Ruhe vor dem Auftritt erzielt er Erfolge, und es ist diese Art von Arbeit, die seinen Körper in Form hält.

Wenn Igor Tsvirko als Kapitän der Pepinelli-Dragoner auftritt, rückt diese zweitrangige Rolle im Ballett in den Vordergrund und ist der Rolle von Marco Spada in ihrer Bedeutung nicht unterlegen, obwohl es viel weniger choreografische Texte und Präsenzepisoden gibt Bühne. Das farbenprächtige Bild eines verzweifelten, eifersüchtig verliebten Italieners verleiht dem Ballett eine besondere Eindringlichkeit und verstärkt die Stimmung eines gefährlichen Abenteuers. Durch einen glücklichen Zufall passt die Rolle perfekt zu den körperlichen Eigenschaften des Tänzers, so dass er alle seine Vorzüge zur Schau stellen kann und keinen einzigen Makel entdecken kann. Hier können wir über etwas reden, das nicht sehr oft vorkommt, nämlich über eine hundertprozentige Trefferquote bei der Auswahl eines Interpreten – der Künstler provoziert eindeutig eine Beschleunigung des Pulses eines bestimmten Künstlers Ballettgeschichte.
Anna Tikhomirova zeichnete sich in der Episodenrolle der Braut durch eine faszinierend leichte und scharfe Spitzentechnik aus. Mit der Kraft ihrer Füße und der Kraft ihrer Bauchmuskeln erzeugte die Tänzerin die Illusion eines kaum spürbaren Bodenkontakts; es war wirklich ein Tanz, der in der Luft lebte. Es wäre wunderbar, wenn sich die Tänzerin an diesen körperlichen Zustand erinnern würde und das Publikum beim Tanz ihrer Mascha im zweiten Akt des Balletts „Der Nussknacker“ dasselbe sehen würde (die Aufführung wird im Dezember erwartet).
Stilvoll und mit bäuerlicher Koketterie spielte Daria Khokhlova dasselbe Solo (Braut). Wie immer haben wir dem Publikum den Glauben an strahlendes Glück vermittelt liebevolle Herzen Paar Anastasia Stashkevich und Vyacheslav Lopatin. Mann und Frau im Leben, auf der Bühne sind dieser Bräutigam und die Braut ungewöhnlich ehrfürchtig und zärtlich, sie verstehen sich mit einem halben Seufzer und natürlich stellt der Text der Rollen für diese jungen, aber bereits erfahrenen Künstler kein Problem dar .
Es ist unmöglich, die ausdrucksstarke Darbietung einer kleinen Rolle (Marquise's Friend) von Olga Marchenkova nicht zu bemerken. Ihre charmante, lebhafte Koketterie harmoniert mit der verspielten Musik, schmückt den Tanz und macht die kleine humorvolle Szene der Verführung des Kapitäns unvergesslich.

Auch Angelina Vlashinets ist in der gleichen Szene gut – eine selbstbewusste Tyrannin, die sich durch nichts überzeugen lässt – sie wird trotzdem mit ihrer Meinung gehen, ohne ihr Selbstwertgefühl zu verlieren und ihren gescheiterten Herrn als Geschenk der Schuld zurückzulassen.
Mikhail Kochan erregte in der Rolle des Bräutigams Aufmerksamkeit. Er zeigte seine Liebe für die Reinheit des Tanzes, gute Koordination, Rotation, edle Manieren und die Fähigkeit, für eine Dame ein angenehmer Gentleman zu sein.
Alexey Loparevich (Bruder Borromeo, Schatzmeister des Klosters) erfreute das Publikum wie immer mit einer nicht trivialen Herangehensweise an seinen Charakter. Und zur Freude aller Bolschoi-Künstler hat er ein großartiges Video über das Leben der Helden von „Marco Spada“ auf der Bühne und hinter den Kulissen erstellt (es ist im Internet zu sehen).
Artjom Owtscharenkow entschied sich dafür, seine „fürstliche Natur“ als Marco Spada nicht zu brechen, und als dieser spöttische, geschickte, unprätentiöse Bandit zu tanzen beginnt, sehen wir dennoch den Schatten des Nussknacker-Prinzen und Desiree. Besonders beeindruckend an der Darbietung der Tänzerin ist das Finale des ersten Aktes (Signaturpirouette „von Artyom Ovcharenko“) und die abschließende explosive Dynamikvariation des dritten Aktes, die der Künstler sehr musikalisch vorführt. Der Tänzer geht mit Lacottes Ausführlichkeit mit einer Gelassenheit um, die nicht einmal weit von einer Art Ausschweifung entfernt ist, aber genau das erlaubt sich Artyom glücklicherweise nicht. Der Künstler sieht in der Rolle eines Räubers äußerst beeindruckend aus: räuberische Wangenknochen, ein hartnäckiger, abschätzender Blick, der Menschen im Handumdrehen enträtselt, ein Mund, der bereit ist, einen schnellen Kuss und ein Lachen anzunehmen, kühne Nachlässigkeit in den Manieren – der junge Mann ist ihm durchaus verwandt ein Hollywood-Sexsymbol.
Nach der Premiere stellte Artjom fest, dass die Vorbereitung des Balletts ihn auf ein höheres professionelles Niveau gebracht habe, was vor ein paar Monaten schwierig schien; „Ich freue mich, dass das Ballett „Marco Spada“ im Repertoire aufgetaucht ist“, sagt er, „das ist das Ballett, das es uns Tänzern ermöglicht, uns nicht nur in Form zu halten, sondern in Superform!“ Ich genieße nur, was ich schaffe, es gibt ein interessantes, mehrdeutiges Bild eines Piraten auf der Bühne. Ich trage nicht nur gerne malerische Kostüme, sondern respektiere mich jedes Mal, wenn ich es schaffe, den kniffligen choreografischen Text von Pierre Lacotte angemessen zu bewältigen, wenn ich Fühle mich wie der absolute Herr meines Körpers und verstehe, dass ich ihn dazu bringen kann, Wunder zu wirken. Es gab Momente, in denen meine Schläfen vor Überanstrengung klopften Publikum, kann sich nicht an die Müdigkeit erinnern.“

Das Premierenergebnis entsprach den Erwartungen künstlerischer Leiter Balletttruppe des Bolschoi-Theaters Sergei Filin. Er bedankte sich bei den Tänzern: „Ich bin mit der Arbeit jedes einzelnen Künstlers zufrieden. Sie haben mich überrascht und begeistert. Nur Tänzer des 21. Jahrhunderts können das, diese universellen Tänzer, deren Körper beweglich und belastbar sind Sie haben eine einzigartige Energiereserve, ein einzigartiges Tanzerlebnis und eine außergewöhnliche innere Freiheit. Sie haben vor nichts Angst. Sie glauben an sich selbst – stark, jung, mutig.
Ich möchte wirklich hoffen, dass das Bolschoi-Theater die wunderbaren Werke seiner Künstler nicht ignoriert und sie irgendwann der Welt in Kinos zeigt und vielleicht eine DVD mit einer Aufnahme des Balletts herausbringt.

Igor Tsvirko ist Solist des Bolschoi-Theaters, bekannt für seine Rolle im Stück „Spartakus“ und die Rolle des Rudolf Nurejew in der gleichnamigen Inszenierung von Kirill Serebrennikov. Im Jahr 2018 verließ der Künstler Russland und ging nach Budapest, um in Ungarn zu arbeiten Nationaltheater Oper und Ballett. Doch es vergingen weniger als sechs Monate, bis Tsvirko zum Bolschoi zurückkehrte. Wir diskutierten darüber, warum er sich ein Leben ohne sein Heimatland und das Theater nicht vorstellen kann, wie es für Künstler ist, die Russland verlassen, und verglichen die aktuelle Situation im Ballett mit der zu Zeiten Nurejews und Baryschnikows.

Klassischer Anzug oder Sportanzug?

Hängt von der Veranstaltung ab, da die Kleiderordnung immer eingehalten werden muss. Im Alltag bevorzuge ich Casual statt Anzug. In meinem Beruf ist es ziemlich problematisch, einen klassischen Anzug zu tragen, da man schnell von Alltagskleidung auf Probekleidung und umgekehrt wechseln muss. Ich versuche auszuwählen, was sich am schnellsten tragen lässt.

Ist es Ihnen bei der Wahl der Kleidung wichtiger, dass sie bequem oder elegant ist?

Ich versuche Komfort und Eleganz zu kombinieren. Meine Erziehung erlaubt es mir wahrscheinlich nicht, mich wie die Hipster von heute zu kleiden. Vielleicht befinde ich mich in einer Art Modellrahmen, aber mir wurde beigebracht, mich streng und geschmackvoll zu kleiden und vor allem zu versuchen, in Stil und Wahl der Kleidung ein Gentleman zu sein. Ich wähle einen Stil, der bescheiden, streng und nicht zu protzig ist.

Ist es unhöflich, sich wie ein Hipster zu kleiden?

Nein, sich wie ein Hipster zu kleiden bedeutet, frei zu sein, wenn es egal ist, was andere über einen denken. Manchmal würde ich mich wahrscheinlich gerne so kleiden, aber ich kann es kaum noch.

Experimentieren Sie gerne mit Stil oder bevorzugen Sie bewährte Optionen?

Ich selbst würde nicht absichtlich experimentieren. Aber wenn es Menschen gibt, die mich mit etwas locken können, die mir eine Möglichkeit zum Experimentieren bieten, dann sage ich immer „Ja“. Weil das Leben kurz ist und warum nicht versuchen, mit Stil zu experimentieren. Wenn John Galliano mir das anbieten würde, würde ich zustimmen.

Welche Schuhe trägst du am häufigsten?

Turnschuhe. Ich versuche eine Technik zu finden, um sie nicht wieder zu schnüren.

Hat einen Reißverschluss.

Ja, aber das ist es nicht.

Haben Sie Lieblingsaccessoires?

Nein, denn ich habe gemerkt, dass ich sehr geistesabwesend und vergesslich bin. Egal wie oft ich versuchte, alle möglichen Schmuckstücke zu tragen, es blieb alles entweder im Flugzeug, im Zug oder in Hotels. Ich trage sogar selten eine Uhr.

Zu wem haben Sie als Kind aufgeschaut, als es um Stil ging?

Es scheint mir, dass in in einem größeren Ausmaß Sie übernehmen den Stil durch die Schauspieler. Mir hat das Aussehen von Brad Pitt in Filmen schon immer sehr gut gefallen. Ich mochte die Filme von Guy Ritchie – mit Humor, Sarkasmus, aber immer sehr stilvoll gemacht.

Die neuesten Bond-Filme sind im Allgemeinen der stilvollste Film, den es geben kann! Und natürlich ist die Stilikone David Beckham.

Möchten Sie, dass Ihr Sohn in Sachen Stil Ihrem Beispiel folgt?

Kann sein. Aber wenn er nicht wie ich ist und seinen eigenen Entwicklungsvektor hat, werde ich ihn unterstützen. Ich werde die Entscheidungsfreiheit meines Sohnes nicht einschränken. Wenn er sich irgendwie anders kleiden möchte, dann bist du herzlich willkommen. Ich sehe darin keine Hindernisse.

Träumen Sie von einer Auszeichnung?

Weiß nicht. Ich habe die Goldene Maske nicht, daher wäre es schön, eine zu bekommen. Nun, Benois de la Danse (ein jährliches Ballettfestival, bei dem Balletttänzer, Choreografen, Komponisten und Bühnenbildner ausgezeichnet werden. – Notiz Hrsg.). Ich denke, es ist alles eine Frage der Zeit oder des Glücks. Damit sowohl der Choreograf als auch die Aufführung zusammenkommen, was die Jury auffällt. Zuvor gab es den Status „Principal danseur noble“, die höchste Anerkennungsstufe für männliche Balletttänzer. Ich weiß nicht, was getan werden muss, um diesen Status zu erreichen. Ich bin nicht auf der Suche nach Auszeichnungen. Ich denke mehr darüber nach, sicherzustellen, dass meine Kreativität das Publikum erreicht und dass es Freude daran hat.

Vor einem Jahr sagten Sie in einem Interview: „Die Zeit eines Balletttänzers ist kurz. Es kommt eine Zeit, in der Sie Veränderung wollen.“ Welche großen Veränderungen haben sich in diesem Jahr in Ihrem Leben ergeben?

In sechs Monaten sind bereits so viele Veränderungen passiert. Das Leben eines Künstlers ist tatsächlich recht kurz. Wenn Sie Solist sind, beträgt Ihr Rentenalter 35 Jahre, wenn Sie Corps de Ballet-Tänzer sind, dann 38 Jahre. Sie erhalten eine Rentenkarte und können kostenlos mit der U-Bahn fahren und verschiedene Vorteile genießen. Daher ist jedes Jahr für einen Künstler Gold wert.

In den letzten sechs Monaten habe ich mich zunächst dazu entschlossen, das Land zu verlassen, aber noch nicht einmal sechs Monate waren vergangen, als mir klar wurde, dass es für mich ohne Russland und das Bolschoi-Theater sehr schwierig war.

Es war und ist mein Zuhause, in dem ich aufgewachsen bin und ein Mensch geworden bin. Gleichzeitig gibt es immer nur Nurejew und Baryschnikow als Beispiele, die gegangen sind und sich einen Namen gemacht haben. Aber damals war es eine andere Zeit, jetzt kommt alles anders. Es gibt Künstler, die mit 18 Jahren direkt nach ihrem Abschluss gegangen sind: Maria Kochetkova, Polina Semenova. Für Absolventen von Choreografieschulen im Ausland war es einfacher, sich einzuleben als für mich mit 29 Jahren. Daher war die Eingewöhnungszeit nicht einfach und mir wurde schnell klar, dass ich zurückkommen musste. Als ich zurückkam, war wieder alles beim Alten: alle Auftritte, die Arbeit. Alles wurde dynamisch und kehrte in seinen gewohnten Rhythmus zurück. Mir wurde klar, dass der ruhige Rhythmus des europäischen Lebens nichts für mich war. Ich brauche Chaos, ich muss irgendwohin rennen, mich beeilen. In dieser Welt bin ich paradoxerweise viel ruhiger.

Sie sagten über Nurejew und Baryschnikow, dass sie beide einzigartige Künstler seien und beide Russland verlassen hätten, weil sie sich in diesem Land nicht normal entwickeln könnten. Hat sich das jetzt geändert? Ist es nun möglich, in Russland den gewünschten Erfolg zu erzielen?

Ich denke, dass in Russland alles möglich ist. Sie können alles erreichen, die Hauptsache ist, klar zu verstehen, was Sie wollen. Gleichzeitig kannst du natürlich so viel sagen, dass du alles erreichen kannst, aber wenn du kein Glück hast, wenn du nicht auf Menschen triffst, die deinen Traum verwirklichen können, wird es dir nicht gelingen. Es wird nicht einfach sein. Es ist wichtig, mit den Menschen zu sprechen und ihnen von Ihren Plänen zu erzählen. Wer weiß, vielleicht reden wir heute und in ein paar Monaten hilft einer von uns einander bei der Verwirklichung eines Traums. Es gibt viele Beispiele, bei denen eine zufällige Bekanntschaft für Menschen zu einem großen Erfolg wird. Ein markantes Beispiel für Letzteres ist Sergei Burunov. Nach der Serie „Policeman from Rublevka“ tauchte dieser Schauspieler überall auf. Das Gleiche geschah mit Andrei Krasko: Er wurde nicht bemerkt, spielte aber dann in „National Security Agent“ mit, und zwar in seinem Schauspielerkarriere ging bergauf, obwohl er nicht mehr jung war. Für Nurejew war es schwer, weil ihn seine Ambitionen im Sowjetsystem, dem alles untergeordnet war, überwältigten. Du könntest nicht besser sein als der, der vor dir kam, und das hat Nurejew wahrscheinlich stark unter Druck gesetzt – er wollte sich weiterentwickeln, aber sie versuchten, ihn aufzuhalten, damit er nicht auffiel. Etwas Besonderes zu sein war Sowjetzeit falsch. Ich denke, dass dies Michail Baryschnikow in gewissem Maße beeinträchtigt hat. Jeder von ihnen befand sich im Ausland. Aber manchmal, wenn man im eigenen Land ist, hat man das Gefühl, dass man irgendwann unterschätzt wird und globale Veränderungen will. Aber sobald du gehst, erwartet sie dich sofort zurück und du wirst wirklich gebraucht. Und Sie selbst verstehen, was gut war und was nicht. Was wir haben, behalten wir nicht; wenn wir verlieren, weinen wir. Wenn Sie Menschen finden, denen Sie vertrauen und die Sie unterstützen, ist das sehr wichtig. Die Hauptsache ist, Unterstützung zu finden. Und die Unterstützung liegt immer bei unseren Lieben.

Ich weiß, dass du in einem Film mitspielen wolltest. Haben Sie diesen Wunsch immer noch?

Ja, der Wunsch ist sehr groß. Gerade jetzt, im April, kommt Ralph Fiennes‘ Film über Nurejew heraus, in dem mein Kollege Oleg Ivenko, mit dem wir für die Rolle des Rudolph gecastet haben, dreht. Am Ende fiel die Wahl auf ihn und ich wünsche ihm viel Erfolg. Ich verkörperte meinen Nurejew in der Uraufführung im Bolschoi-Theater. Jeder blieb bei seinen eigenen Ideen, aber ich träume immer noch davon, in einem Film mitzuspielen. Ich weiß nicht, ob es funktionieren wird. Wir müssen wahrscheinlich etwas in diese Richtung tun.

Wir können sagen, dass Ballett und Theater in gewisser Weise miteinander verbunden sind. Darüber hinaus haben Sie mit dem Theaterregisseur Kirill Serebrennikow zusammengearbeitet, der Nurejew inszenierte. Möchten Sie selbst einmal in einem Theaterstück mitspielen?

Natürlich möchte ich Schauspielern nicht das Brot wegnehmen, die das jahrelang studieren und dann nach der Möglichkeit suchen, mehrere Rollen zu spielen. Aber wenn der Regisseur Interesse daran hätte, mich als Schauspieler einzuladen, würde ich es gerne versuchen. Wie gesagt, es gibt nur ein Leben, und wenn man die Chance hat, etwas auszuprobieren, warum dann nicht? Natürlich ist es sehr interessant, sich im Genre der dramatischen Konversation zu versuchen: im Kino, im Theater. Leider in Ballettaufführung Wir sind in Fragen begrenzt sprachlicher Aspekt. Ich hoffe, dass mit der Zeit etwas davon zum Tragen kommt. Die Hauptsache ist zu träumen.

Was wäre interessanter: klassische Produktionen oder etwas Modernes, Aufführungen?

In meinem Fall wäre es höchstwahrscheinlich etwas Modernes im Performance-Genre. Wahrscheinlich das, was derzeit im Gogol Center läuft. Dort werden klassische Dinge gezeigt, allerdings in einer modernen Interpretation.

Ballett ist immer noch eine Kunst, die „nicht jedermanns Sache“ ist. Wenn jemand Ballett verstehen möchte, welche Aufführungen sollte er zuerst besuchen?

Es gibt Menschen, die noch nie bei einer Aufführung waren. Es scheint mir, dass sie dazu geführt haben, „ Schwanensee„Es ist sehr rücksichtslos, denn Tschaikowskys Musik und diese Aktion können einen sowohl interessieren als auch leicht melancholisch machen. Mein Rat ist, etwas Kurzes, Dynamisches oder Kurzes zu wählen tiefe Bedeutung. Wenn wir über das Bolschoi-Theater sprechen, würde ich das Ballett „Bright Stream“ sagen: Es ist fröhlich, humorvoll und leicht zu verstehen. Das zweite Ballett ist Don Quijote. Dort ist alles einfach: Spanien, Sonne, Barcelona. „Der Widerspenstigen Zähmung“, weil es ein kurzes und dynamisches Stück ist. Der vierte ist „Held unserer Zeit“, weil er für uns interessant ist, russisch. Und vielmehr hätte es an erster Stelle stehen sollen, das Ballett „Spartacus“, denn auch da ist alles klar: ein Männerballett, bei dem es keine Schwachstellen gibt und das für jeden Zuschauer sehr interessant anzusehen ist. Ich denke, dass der Zuschauer nach diesen Aufführungen wieder ins Theater gehen und sich etwas anderes ansehen möchte.

2008
pas de sis(Teilnehmer der Premiere im Bolschoi-Theater), Gurn(„La Sylphide“ von H. S. Levenskold, Choreographie von A. Bournonville, überarbeitet von J. Kobborg)
Alain(„Vain Precaution“ von L. Herold, Choreografie von F. Ashton)
Magedaveya, Trommeltanz(„La Bayadère“ von L. Minkus, Choreografie von M. Petipa, überarbeitet von Yu. Grigorovich)
Paar in Lila(„Russische Jahreszeiten“ zur Musik von L. Desyatnikov, inszeniert von A. Ratmansky) — war einer der ersten Ballettkünstler am Bolschoi-Theater

2009
Mazurka(„Coppelia“ von L. Delibes, Choreografie von M. Petipa und E. Cecchetti, Inszenierung und neue choreografische Version von S. Vikharev)
Banditen(„Das Goldene Zeitalter“ von D. Schostakowitsch, inszeniert von Yu. Grigorovich)
Harmonist(„Bright Stream“ von D. Schostakowitsch, inszeniert von A. Ratmansky)
Quasimodo

2010
Marseiller Tanz(„Flames of Paris“ von B. Asafiev, inszeniert von A. Ratmansky mit Choreographie von V. Vainonen)
Tybalts Freunde(„Romeo und Julia“ von S. Prokofjew, inszeniert von Y. Grigorovich)
Bräutigam, Araber(„Petruschka“ von I. Strawinsky, Choreografie von M. Fokine, neue choreografische Version von S. Vikharev)
der gestiefelte Kater(„Dornröschen“ von P. Tschaikowsky, Choreografie von M. Petipa, überarbeitet von Yu. Grigorovich)
Quintett(„Herman Schmerman“ von T. Willems, Choreografie von W. Forsyth)

2011
Florent, Freund von Phoebus(„Esmeralda“ von C. Pugni, Choreografie von M. Petipa, Inszenierung und neue Choreografie von Y. Burlaki, V. Medvedev)
Rolle im Ballett „Chroma“ von J. Talbot, J. White(Choreografie von W. McGregor) -
Mitwirkung im Ballett „Symphonie der Psalmen“ zur Musik von I. Strawinsky (Choreografie von I. Kilian) - Teilnehmer der Premiere im Bolschoi-Theater
vier Hirten(Auszug aus dem Ballett „Spartacus“, gezeigt im Konzert zur Eröffnung historische Szene Bolschoi-Theater)
Böse Fee Carabosse("Dornröschen")

2012
russische Puppe("Nussknacker")
vier Dandys(„Anyuta“ zur Musik von V. Gavrilin, Choreografie von V. Vasiliev)
Sklaventanz(„Corsair“ von A. Adam, Choreografie von M. Petipa, Inszenierung und neue Choreografie von A. Ratmansky und Y. Burlaki)
pas de t R Wow in „Smaragde“(I Teil des Balletts „Jewels“) zur Musik von G. Fauré (Choreografie von J. Balanchine) - Teilnehmer der Premiere im Bolschoi-Theater
Duett(„Dream of Dream“ zur Musik von S. Rachmaninow, inszeniert von J. Elo)
zwei Paare(„Klassische Symphonie“ zur Musik von S. Prokofjew, inszeniert von Y. Posokhov)
erste Variation in Pas d'Action,Jer ist Bool/passMitifont(„Die Tochter des Pharaos“ von C. Pugni, inszeniert von P. Lacotte nach M. Petipa)
Ö???Spitznamen(„Iwan der Schreckliche“ zur Musik von S. Prokofjew, Choreografie von Y. Grigorovich)
Pas de deux(„Giselle“ von A. Adam, Choreografie von J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa, überarbeitet von Yu. Grigorovich)
WAHRBAugenst(„Moidodyr“ von E. Podgaits, inszeniert von Y. Smekalov)
Mist("Nussknacker")

2013
Goldener Gott(„La Bayadère“)
FußgängerOden, seltsames Spiel, Embryonen(„Apartment“, Musik von Fleshquartet, Produktion von M. Ek)
drei Hirten(„Spartakus » A. Khachaturian, Choreographie von Y. Grigorovich)
Mercutio("Romeo und Julia")
Narr(„Schwanensee“ von P. Tschaikowsky in der zweiten Auflage von Yu. Grigorovich)
Marco Spada, Pepinelli (Uraufführung am Bolschoi-Theater)(„Marco Spada“ zur Musik von D. F. E. Aubert, Choreografie von P. Lacotte nach J. Mazilier)

2014
Basilikum(Don Quijote von L. Minkus, Choreografie von M. Petipa, A. Gorsky, überarbeitet von A. Fadeechev)
Grafik N(„Dame mit Kamelien“ zur Musik von F. Chopin, Choreographie von J. Neumeier)
Sarazenentanz(„Raymonda“ von A. Glasunow, Choreografie von M. Petipa, überarbeitet von Yu. Grigorovich)
Gortenzund über(„Der Widerspenstigen Zähmung“ zur Musik von D. Schostakowitsch, Choreographie von J.-C. Maillot) – Erster Interpret
Philipp („Flammen von Paris“)
Narr, Freunde von Ferkhad(„Die Legende der Liebe“ von A. Melikov, Choreografie von Y. Grigorovich)

2015
Laertes(„Hamlet“ zur Musik von D. Schostakowitsch Regie: D. Donnellan und R. Poklitaru) - Erster Interpret
Hauptrolle in „Rubies“(II. Teil des Balletts „Jewels“) zur Musik von I. Strawinsky (Choreographie von J. Balanchine) -debütierteauf Tournee durch das Bolschoi-Theater in Hongkong
Ferkhad(„Legende der Liebe“)
Böses Genie(„Schwanensee“ in der zweiten Auflage von Yu. Grigorovich)
Petschorin(„Hero of Our Time“ von I. Demutsky, Teil von „Bel“, Choreografie von Y. Possokhov, Regisseur K. Serebrennikov) - Erster Interpret
Paar in Rot(„Russische Jahreszeiten“)

2016
Mitwirkung im Ballett „Nur eine kurze Zeit zusammen“ zur Musik von M. Richter und L. van Beethoven (Choreografie von P. Lightfoot und S. Leon) - Teilnehmer der Premiere im Bolschoi-Theater
Konrad("Korsar")
Graf Albert(„Giselle“, überarbeitet von Yu. Grigorovich)
Flüchtling(„Ondine“ von H. V. Henze, Choreografie von V. Samodurov) - Erster Interpret
Klassischer Tänzer(„Heller Strom“)
Solor(„La Bayadère“)
Abderachman(„Raymonda“)
Nussknacker-Prinz("Nussknacker")

2017
Premieren(„Etüden“ zur Musik von K. Czerny, Choreografie von H. Lander)
Petruchio("Der Widerspenstigen Zähmung")
José(„Carmen Suite“ von J. Bizet – R. Shchedrin, inszeniert von A. Alonso)
Paar in Rot (« Vergessenes Land„zur Musik von B. Britten, Choreografie von I. Kilian)
Titelteil(„Spartakus“)
Mercutio(„Romeo und Julia“ inszeniert von A. Ratmansky) -

2018
Nurejew(„Nureev“ von I. Demutsky, Choreografie von Y. Posokhov, Regisseur K. Serebrennikov)

2019
Leontes (« Wintergeschichte» J. Talbot, Choreografie von K. Wheeldon)
Blauer Vogel("Dornröschen")
Peter(„Heller Strom“)
Offenbach(„Pariser Spaß“ zur Musik von J. Offenbach / M. Rosenthal, Choreografie von M. Bejart) – erster Darsteller am Bolschoi-Theater
Solist von Teil III(„Sinfonie in C“ von J. Bizet, Choreografie von J. Balanchine)
Titelteil("Iwan der Schreckliche")

Im Jahr 2016 im Rahmen von Jugendprogramm Bolschoi-Theaterballett (Projekt „Faces“, Neue Szene) trat im Ballett „Love is Everywhere“ zur Musik von I. Strawinsky (Choreographie von Ivan Vasiliev) auf.

Tour

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Das Bolschoi-Theater hat alle, die im Dezember nicht an der Uraufführung von Kirill Serebrennikows berüchtigtem Ballett „Nurejew“ teilnehmen konnten, beruhigt: Die Aufführung ist mehr lebendig als tot und wird im Frühsommer erneut aufgeführt. In Gesprächen hinter den Kulissen mit den Darstellern der Hauptrolle, dem Premier des Bolschoi-Theaters Artem Ovcharenko und dem Hauptsolisten Igor Tsvirko, enthüllt ELLE das Erfolgsgeheimnis des wichtigsten Kulturereignisses der letzten Jahre.

Artem Ovcharenko

Premier des Bolschoi-Theaters

ELLE Ihre erste Bekanntschaft mit dem Bild von Nurejew fand vor drei Jahren während der Dreharbeiten zum BBC-Film „Rudolf Nurejew: Tanz zur Freiheit“ statt, in dem Sie auftraten Hauptrolle. Was haben Sie bei der Arbeit am Ballett Neues entdeckt?

Zunächst wurde mir klar, dass Nurejew nicht als „gut“ und „schlecht“ bezeichnet werden kann. Er war ein brillanter Mensch. Natürlich mit seinen eigenen Eigenschaften. Er hatte eine schrecklich schwierige Kindheit. Er lebte in Armut, trug die Kleidung seiner Schwestern und ging barfuß zum Unterricht – daher das kompensierende Verlangen nach Luxus: all die Teppiche, Antiquitäten und Inseln, die er am Ende seines Lebens kaufte. Jeder weiß, dass Nurejew schockierend und sehr hemmungslos war, er konnte einen Menschen aus dem Nichts beleidigen, unhöflich sein – das war er gewohnt, denn er selbst war unhöflich, verbreitete Fäulnis, nannte einen halbgebildeten Menschen. Er war umstritten. So habe ich versucht, es zu zeigen.

Es muss schwierig gewesen sein, sein Image anzuprobieren?

Sehr. Ich bin das absolute Gegenteil von Rudolph. Ich bin ein friedlicher und freundlicher Mensch, der meiner Familie sehr verbunden ist. Aber auf der Bühne musste ich Nurejews Qualitäten in mir entwickeln, sie spüren. Das ist mir gelungen – aber nur für die Dauer der Aufführung.

Waren Sie versucht, etwas von ihm zu adoptieren?

Auf keinen Fall. Nurejew selbst hat zu niemandem aufgeschaut, und dafür gibt es einen Grund: Wenn man das Verhalten einer anderen Person übernimmt, wird man zu seiner Kopie und hört auf, man selbst zu sein. Und für einen Künstler ist es sehr wichtig, nur sich selbst zu gehören. Wenn Sie versuchen, jemandem etwas zu beweisen – einem Lehrer, einem Elternteil, einem Beamten im Saal –, verlieren Sie Ihre Kongruenz und Integrität. Ein solcher Tänzer ist immer von weitem sichtbar – als ob er mit all seiner Erscheinung sagen wollte: „Schau, wie ich mich drehe, wie ich springe.“ Es gibt keine Seele in seinem Tanz. Es war die innere Integrität, die Nurejew zum Überleben verhalf. Der KGB übte Druck auf ihn aus, er stand durch den Austritt aus der Sowjetunion unter extremem Stress und das Publikum buhte ihn aus. Aber Rudolph glaubte, dass er eine Legende war. Die Welt wusste einfach noch nichts davon.

Kritiker halten Nurejews Duett mit seiner Geliebten, dem dänischen Tänzer Erik Brun, für eine der stärksten Szenen des Balletts. Aus diesem Grund wurde den Machern im vergangenen Sommer vorgeworfen, Homosexualität zu fördern. Aber bei der Premiere sah sie mehr als anständig und korrekt aus...

Wir alle wissen, welche Orientierung Nurejew hatte. Sie können sich darauf konzentrieren oder es einfach nicht verbergen – spüren Sie den Unterschied? Im ersten Fall besteht eine hohe Wahrscheinlichkeit, in die Vulgarität abzurutschen. Wir haben ein Duett zweier Partner und manchmal sogar Rivalen inszeniert und dem Publikum die Möglichkeit gegeben, alles selbst zu verstehen. Was die Vorwürfe angeht, ist es natürlich viel einfacher, gar nichts zu erfinden und im Voraus zu sagen: „Das ist schlecht“, „Das wird niemandem gefallen“ und diese Spekulationen in den Medien und sozialen Netzwerken zu verbreiten. Und es ist viel schwieriger sicherzustellen, dass die Menschen, die ins Theater kommen, die Aufführung sehen und anhand ihrer eigenen Eindrücke urteilen können. Es ist gut, dass „Nurejew“ noch stattfand und wir es geschafft haben, dem Zuschauer zu vermitteln, was die Autoren wollten. Nach der Premiere kamen Leute, die Nurejew persönlich kannten, auf mich zu und sagten, dass der Auftritt eine Offenbarung für sie sei.

„Nurejew“ ist ein Durchbruch für uns alle und natürlich auch für das Bolschoi-Theater

Was ist deine Lieblingsszene?

Das endgültige. Als Nurejew in den Orchestergraben hinabsteigt, um das Orchester in La Bayadère zu dirigieren. Es ist ein kraftvoller dramatischer Moment – ​​ich habe sogar ein paar Lektionen vom Dirigenten genommen, damit es überzeugend aussieht. Meiner Meinung nach, Hauptverdienst Kirill Serebrennikov hat gezeigt, dass der heutige Balletttänzer nicht nur tanzt – er muss multifunktional sein und in seiner Arbeit Tanz, Akrobatik und Drama kombinieren. Und diese Aufführung ist ein beruflicher Durchbruch für uns alle und natürlich für das Bolschoi-Theater.

Igor Tsvirko

Führender Solist des Bolschoi-Theaters

ELLE Sie befanden sich in einer „dritten Rad“-Situation – die Uraufführungen wurden Ihren Kollegen gegeben: Artem Ovcharenko und Vladislav Lantratov. Wie hast du dich gefühlt?

Nach der Verschiebung der Premiere blieben statt vier Vorstellungen noch zwei übrig, obwohl allen klar war, dass wir drei Besetzungen hatten. Mir wurde angeboten, bei der Generalprobe aufzutreten, und ich nutzte dies als eine lang ersehnte Chance, eine Rolle zu tanzen, die einen starken emotionalen Eindruck bei mir hinterlassen hatte. Zu diesem Zeitpunkt war völlig unklar, wie es mit dem Ballett weitergehen würde.

Auch nach den Änderungen, die zur Uraufführung am Stück vorgenommen wurden?

Sie werden überrascht sein – es gab keine Änderungen. Die Besetzung der Darsteller und geplanten Szenen blieb bestehen. Das Einzige, was sich geändert hat: Nach der Verhaftung von Kirill Semenovich fiel der gesamte organisatorische Teil auf die Schultern des Choreografen Yuri Posokhov. Und das ist eine gewaltige Aufgabe, denn nur Serebrennikov hat es verstanden, fast 300 Verantwortliche für Ballett, Oper und Schauspiel zu vereinen.

Es gibt diejenigen, die ständig lernen. Serebrennikov ist einer dieser Menschen, er gibt nicht auf

Aber was ist mit der Forderung, nackte Tänzer von der Bühne zu entfernen, die als „obszön“ bezeichnet wurden – wurde sie erfüllt?

Für mich sind alle Vorwürfe der Obszönität aus der Luft gegriffen. Sie wurden von Leuten verteilt, die die Aufführung noch nie gesehen hatten. Komplette Entweihung. Die maximale Belichtung erfolgt in der Szene von Nurejews Erschießung durch den Fotografen Richard Avedon – der Held trägt einen Verband und nein „ Fragen aufwerfen» Körperteile sind nicht sichtbar. Ja, das Stück hat ungewöhnliche Regieideen – zum Beispiel einen Moment mit Transvestiten, der die Welt der Freiheit zeigen soll, in der sich der Held nach dem Austritt aus der Union wiederfindet. Aber unsere Tänzer gehen meisterhaft in High Heels. Keine Vulgarität.

Warum ist Ihrer Meinung nach die Figur Rudolf Nurejew heute relevant?

Er trat 300 Tage im Jahr auf und überwand sich ständig, man könnte sogar sagen, er quälte seinen Körper, um die Tanzkanons zu verbessern. Nurejew war der Erste, der damit begann, auf hohen Halbzehen zu tanzen und später, bereits in Frankreich, damit begann, Tanzkostüme umzugestalten. Niemand wagte es, sich darauf einzulassen, aber er erwies sich als Reformer – und hielt sich zu Recht für besser als die anderen, alle, die an warmen Orten saßen und sich nicht weiterentwickeln wollten. Schauen Sie sich die Videos an, in denen er in guter Verfassung ist – nur sehr wenige der derzeitigen Premierminister können das wiederholen. Nurejew, Baryschnikow – sie sind einzigartig. Und beide verließen Russland. Sie fühlten sich hier eingeengt. Sie wollten vor allem Entwicklung, die ihnen das Land damals nicht bieten konnte. Ich bin mir sicher, dass sie auch Befürchtungen hatten: Im Ausland hätte alles alles andere als rosig ausgehen können. Aber Nurejew war ein Mann mit enorme Kraft Wille. Sein Vater glaubte nicht an ihn; bei seinen ersten Auftritten warf das Publikum Tomaten nach ihm, aber er gab nicht auf.