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Wenn Elisey Mysin sich ans Klavier setzt und Musik unter seinen Fingern hervorströmt, kann man kaum glauben, dass er fünf Jahre alt ist. Mit den Füßen kann er die Pedale des Klaviers noch nicht erreichen und die Höhe des Stuhls muss für ihn mit Hilfe eines Kissens erhöht werden. Talent und harte Arbeit haben dem Stawropol-Wunderkind jedoch bereits dabei geholfen, das hohe Lob der Profis und die Liebe des Publikums zu gewinnen verschiedene Ecken Länder.

Nachdem Elisha auf einem der russischen Fernsehsender den ersten Teil von Johann Sebastian Bachs Konzert in f-Moll für Klavier und Orchester aufgeführt hatte, spielte der berühmte Virtuose Denis Matsuev mit dem vierhändigen Jungen sein Originalstück „Tornado“ und lud den kleinen Musiker dazu ein Sommer kreative Schule Stiftung „Neue Namen“ in Susdal. Und die Zuschauer, die für ihn stimmten, sicherten dem Pianisten eine Eintrittskarte ins Finale des Allrussischen Wettbewerbs für junge Talente.“ Blauer Vogel".

In der Halle der Kindermusikschule Nr. 1 in Stawropol, wo Elisha Mysin in der Vorbereitungsabteilung studiert, hängt ein großes Banner mit seinem Foto. Hier trägt der blonde Junge schon lange den Spitznamen „Kleiner Mozart“. Und das aus gutem Grund – wie die Großen Österreichischer Komponist, begann er im Alter von drei Jahren, wie seine ältere Schwester, sich mit der Musik zu beschäftigen.

Laut Eliseys Mutter Olga Mysina bemerkte sie die Fähigkeiten ihres Sohnes bereits vor seiner Geburt. Als Tochter Lisa, die dieses Jahr ihren Abschluss an der Musikschule macht, Klavier spielte, reagierte das Baby in ihrem Bauch aktiv auf Etüden und Sonaten, und zwar auf ganz andere Weise.

Und nachdem Elisha anfing, die Tasten zu erreichen, begann er, selbst zu spielen und fragte ständig seine Schwester: Liz, machst du das? Und was am interessantesten ist, er konnte die Melodie wiederholen“, sagt Olga. - Im Allgemeinen ist er immer in Musik vertieft. Gestern zum Beispiel flogen wir mit einem Flugzeug aus Moskau und er summte die ganze Zeit etwas. Und als er im Hotel ein altes Klavier zur Dekoration stehen sah, setzte er sich sofort zum Spielen hin. Dadurch versammelte er fast alle Gäste um sich, die ihm regelrechte Standing Ovations spendeten.

Am Silvesterabend schrieb Elisha ein weiteres Stück und nannte es sehr symbolisch „Mandarin“.

Der Junge war noch nicht einmal drei Jahre alt, als seine Eltern ihren Sohn in die Gruppe schickten ästhetische Entwicklung Musikschule. Mit 3,5 Jahren begann der Schulleiter mit ihm zu arbeiten. Klavierabteilung Ljudmila Tichomirowa. Dass Gutes dabei herauskommen würde, habe man sofort gespürt, behauptet die Lehrerin:

Elisha hat gute Hände – flexibel, weich und breit, sowie ein außergewöhnliches Gehör. Die Schüler spielen zum Beispiel „In der Höhle des Bergkönigs“ von Grieg, er hört zu, kommt heran und nimmt es mit einem Finger auf. Darüber hinaus ist er sehr fleißig und beharrlich, nimmt jeden Ton sofort auf und arbeitet dann sorgfältig an ihm. Und wenn etwas nicht klappt, wird er sehr verärgert und wütend. Nicht auf mich, wie viele andere, weil ich so etwas gesagt habe komplexe Aufgaben, sondern auf dich selbst.

Es waren diese Eigenschaften, die dem kleinen Pianisten halfen, in nur drei Wochen, während einer Pause für eine Reise zu einem anderen Wettbewerb, den ersten Satz von Bachs Konzert zu lernen und zu übertragen, der in der Musikschule der High School unterrichtet wird.

Ursprünglich hatten wir geplant, Tschaikowsky aufzuführen, aber nach dem Casting riefen sie uns an und sagten, wir bräuchten ein anderes Repertoire. Bis vor Kurzem dachte ich, dass wir es nicht rechtzeitig schaffen würden, aber Elisha benahm sich wie ein echter erwachsener Musiker – bis er alles richtig machte, war es unmöglich, ihn vom Klavier wegzuziehen“, gibt der Lehrer zu.

Nun tritt der junge Virtuose auch als Komponist in Erscheinung. Nach „Tornado“ schrieb er am Silvesterabend ein weiteres Stück und nannte es sehr symbolisch „Tangerine“.

Musik lebt in Elisas Seele“, bemerkt Ljudmila Danilowna. „Und meine Aufgabe als Mentor ist es, ihn dabei zu unterstützen, sich weiterzuentwickeln.“ Keine Sternenkrankheiten! Ja, wir sind dem Programm weit voraus, aber Sie können nicht über die Ansammlung einer Basis springen – Sie müssen Ihre Hände stärken, sowohl Technik als auch Repertoire entwickeln.

Im Leben ist der kleine Pianist bescheiden und sogar schüchtern. Seine sinkende Popularität und die ständige Aufforderung, Selfies zu machen, verwirren ihn sehr. Aber wenn der Junge sich an das Instrument setzt und anfängt, die Tasten zu betasten, verwandelt er sich buchstäblich vor unseren Augen, wird selbstbewusst und frei wie ein echter Künstler. Für ihn gibt es keine Zuschauer oder Juroren, es gibt nur Musik.

Auf die Frage nach seinem Lieblingskomponisten antwortet Elisha ohne zu zögern:

Der Junge möchte Geige und Orgel spielen lernen. Und mein größter Traum ist es, ein eigenes Klavier zu haben und mit einem Orchester bei meinem eigenen Konzert aufzutreten.

Obwohl der Klavierunterricht den größten Teil des Lebens des Stawropol-Wunderkindes einnimmt, gelingt es ihm immer noch, Fußball und Schach zu spielen, im Garten Fahrrad und Roller zu fahren und Baukästen zusammenzubauen.

Viele Leute schreiben mir und sagen, dass Elisha wahrscheinlich keine normale Kindheit hatte, aber das sei nicht so, sagt Olga Mysina über den wunden Punkt. - Wir lassen das Kind einfach machen, was es will. Und sie reisten nur zum Wettbewerb nach Moskau, damit Profis sein Talent bemerken und ihm vielleicht helfen, sich zu einem guten Pianisten zu entwickeln. Aber auch wenn er in Zukunft einen anderen Beruf wählt, wird ihm die Musik auf jeden Fall dabei helfen, kultiviert, harmonisch und harmonisch zu werden aufrichtiger Mensch. Und das ist für uns das Wichtigste.

In der Zwischenzeit

Der vom VGTRK-Team ins Leben gerufene gesamtrussische Talentwettbewerb für Kinder „Blue Bird“ erwies sich als so beliebt, dass der Sender beschloss, ihn um eine zweite Staffel zu verlängern. Zusammen mit der Jury wählen Fernsehzuschauer in ganz Russland die Teilnehmer des Wettbewerbs. „Blue Bird ist die Atmosphäre eines echten Festivals, die Atmosphäre.“ echte Familie. In meinem Terminkalender, der für die nächste Saison 245 Konzerte umfasst, werde ich auf jeden Fall hierher kommen und daran teilnehmen tolles Projekt, weil ich weiß, dass der Zustrom von Bewerbungen aus dem ganzen Land und aus ganz unterschiedlichen Regionen riesig ist, inspiriert mich das sehr“, sagt Denis Matsuev, ein russischer Virtuosenpianist, der in der letzten Saison Moderator war und dieses Jahr auch ein Mitglied der Jury: „Wir werden viele Dinge ausprobieren, die noch nie zuvor im Fernsehen gemacht wurden. Dies alles erweitert die Idee des Blue Bird-Wettbewerbs – unsere Zuschauer dazu zu inspirieren, bei sich selbst, in ihrer Umgebung, bei ihren Freunden, Bekannten und bei ihren Kindern nach Talenten zu suchen“, sagt Daria Zlatopolskaya, Moderatorin des Allrussischen Blue Bird Wettbewerb.

Den einzigen besten zeitgenössischen Pianisten der Welt zu würdigen, ist eine unmögliche Aufgabe. Für jeden Kritiker und Zuhörer werden unterschiedliche Meister Idole sein. Und das ist der Punkt starker Punkt Menschheit: Auf der Welt gibt es eine beträchtliche Anzahl würdiger und talentierter Pianisten.

Agrerich Marta Archerich

Der Pianist wurde 1941 in der argentinischen Stadt Buenos Aires geboren. Mit drei Jahren begann sie, das Instrument zu spielen, und mit acht Jahren gab sie ihr öffentliches Debüt, bei dem sie ein Konzert von Mozart selbst aufführte.

Der zukünftige Starvirtuose studierte bei Lehrern wie Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy und Stefan Michelangeli – einige der renommiertesten herausragende Pianisten Aufführung von Klassikern des 20. Jahrhunderts.

Seit 1957 nahm Argerich an Wettkämpfen teil und gewann sie zum ersten Mal große Siege: 1. Platz beim Genfer Klavierwettbewerb und beim Internationalen Busoni-Wettbewerb.

Der wirklich überwältigende Erfolg kam für Martha jedoch in dem Moment, als sie im Alter von 24 Jahren den internationalen Chopin-Wettbewerb in der Stadt Warschau gewinnen konnte.

2005 gewann sie für ihre Leistung die höchste Grammy-Auszeichnung Kammerarbeiten Komponisten Prokofjew und Ravel und im Jahr 2006 - für die Aufführung eines Werkes von Beethoven mit einem Orchester.

Ebenfalls im Jahr 2005 wurde der Pianist mit dem Imperial Japanese Prize ausgezeichnet.

Ihr leidenschaftliches Spiel und ihre erstaunlichen technischen Fähigkeiten, mit deren Hilfe sie meisterhaft Werke der russischen Komponisten Rachmaninow und Prokofjew aufführt, können niemanden gleichgültig lassen.

Einer der bekanntesten zeitgenössischen Pianisten Russlands ist der Musiker Evgeniy Igorevich Kisin.

Er wurde am 10. Oktober 1971 in Moskau geboren und trat im Alter von sechs Jahren in die Gnessin-Musikschule ein. Anna Pawlowna Kantor wurde für den Rest seines Lebens seine erste und einzige Lehrerin.

Seit 1985 begann Kissin, sein Talent im Ausland unter Beweis zu stellen. 1987 debütiert er in Westeuropa.

Nach 3 Jahren erobert er die Vereinigten Staaten, wo er mit Chopin das 1. und 2. Konzert aufführt Philharmonisches Orchester New York, und innerhalb einer Woche tritt er solo auf.

Ein weiterer der herausragendsten modernen russischen Pianistenvirtuosen ist der berühmte Denis Matsuev.

Denis wurde 1975 in der Stadt Irkutsk in eine Musikerfamilie geboren. Eltern brachten ihren Kindern schon früh die Kunst bei. Die erste Lehrerin des Jungen war seine Großmutter Vera Rammul.

1993 trat Matsuev in das Moskauer Staatskonservatorium ein und wurde zwei Jahre später der führende Solist der Moskauer Staatsphilharmonie.

Er erlangte weltweite Berühmtheit, nachdem er 1998 im Alter von nur 23 Jahren den Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb gewann.

Am liebsten verbindet er seinen innovativen Spielansatz mit den Traditionen der russischen Klavierschule.

Seit 2004 veranstaltet er eine Konzertreihe mit dem Titel „Solist Denis Matsuev“, bei der er führende in- und ausländische Orchester zur Zusammenarbeit einlädt.

Christian Zimmermann

Christian Zimmerman (geb. 1956) ist ein renommierter zeitgenössischer Pianist polnischer Herkunft. Er ist nicht nur Instrumentalist, sondern auch Dirigent.

Erste Lektionen Sein Vater, ein Amateurpianist, brachte ihm Musik bei. Anschließend setzte Christian sein Studium privat bei dem Lehrer Andrzej Jasinski fort und wechselte dann an das Kattowitzer Konservatorium.

Mit sechs Jahren begann er, seine ersten Konzerte zu geben, und gewann 1975 den Chopin-Klavierwettbewerb und wurde damit der jüngste Preisträger in der Geschichte. Im nächsten Jahr verfeinerte er seine Klavierfähigkeiten bei dem berühmten polnischen Pianisten Arthur Rubinstein.

Christian Zimmermann gilt als brillanter Interpret der Werke Chopins. Seine Diskographie enthält Aufnahmen aller Klavierkonzerte Ravel, Beethoven, Brahms und natürlich sein größtes Idol – Chopin, sowie Tonaufnahmen von Werken von Liszt, Strauss und Respich.

Seit 1996 unterrichtet er Kurse an der Hochschule für Musik Basel. Erhielt die Oscar-Verleihung Chigi und Leonie Sonning.

1999 gründete er das Polnische Festivalorchester.

Wang Yujia ist ein chinesischer Vertreter der Klavierkunst. Berühmt wurde sie durch ihre Virtuosität und Unglaublichkeit schnelles Spiel, für die ihr das Pseudonym „Flying Fingers“ verliehen wurde.

Die chinesische zeitgenössische Pianistin wurde in der Stadt Peking geboren, wo sie ihre Kindheit in einer Musikerfamilie verbrachte. Im Alter von 6 Jahren begann sie ihre Tests auf dem Tasteninstrument und ein Jahr später trat sie in das Zentralkonservatorium der Hauptstadt ein. Im Alter von 11 Jahren wurde sie für ein Studium in Kanada eingeschrieben und nach drei Jahren zog sie schließlich für weitere Studien in ein fremdes Land.

1998 erhielt sie einen Preis Internationaler Wettbewerb Junge Pianisten in der Stadt Ettlingen, und im Jahr 2001 verlieh die Jury Wang zusätzlich zu der oben beschriebenen Auszeichnung eine Auszeichnung für Pianisten unter 20 Jahren in Höhe von 500.000 Yen (in Rubel - 300.000).

Die Pianistin spielt auch mit Erfolg russische Komponisten: Sie hat Rachmaninows Zweites und Drittes Konzert sowie Prokofjews Zweites Konzert eingespielt.

Fazil Say ist ein 1970 geborener türkischer zeitgenössischer Pianist und Komponist. Er studierte am Ankara-Konservatorium und anschließend in den deutschen Städten Berlin und Düsseldorf.

Neben seinem Klavierwerk sind auch seine Qualitäten als Komponist hervorzuheben: 1987 wurde die Komposition „Black Hymns“ des Pianisten zu Ehren des 750-jährigen Stadtjubiläums aufgeführt.

2006 fand in Wien die Uraufführung seines Balletts „Patara“ statt, das auf der Grundlage von Mozarts Thema geschrieben wurde, aber bereits Klaviersonate.

Zwei Komponisten nehmen einen wichtigen Platz in Sais Klavierrepertoire ein: die Musiktitanen Bach und Mozart. Bei Konzerten wechselt er klassische Kompositionen mit eigenen Kompositionen ab.

Im Jahr 2000 machte er ein ungewöhnliches Experiment und wagte das Risiko, das Ballett „Le Sacre du Printemps“ für zwei Klaviere aufzunehmen und beide Teile mit seinen eigenen Händen zu spielen.

Im Jahr 2013 wurde gegen ihn wegen Aussagen in strafrechtlicher Hinsicht ermittelt Soziales Netzwerk mit Bezug zum Thema Islam. Das Istanbuler Gericht kam zu dem Schluss, dass die Äußerungen des Musikers gegen den muslimischen Glauben gerichtet waren und verurteilte Fazil Say zu einer zehnjährigen Bewährungsstrafe.

Im selben Jahr reichte der Komponist einen Antrag auf Wiederaufnahme des Verfahrens ein, dessen Urteil im September erneut bestätigt wurde.

Andere

Es ist einfach nicht möglich, in einem Artikel über alle modernen Pianisten zu sprechen. Deshalb werden wir diejenigen auflisten, deren Namen heute in der Welt von Bedeutung sind klassische Musik:

• Daniel Barenboim aus Israel;
• Yundi Li aus China;
• aus Russland;
• Murray Perahia aus den Vereinigten Staaten von Amerika;
• Mitsuko Uchida aus Japan;
• aus Russland und vielen anderen Meistern.

Am 26. April wird einer der besten russischen Pianisten, Nikolai Lugansky, 40 Jahre alt. Der Maestro sagte dem Izvestia-Korrespondenten, dass er nicht abergläubisch sei und erklärte sich bereit, sein Jubiläum mit einem exklusiven Interview zu feiern.

- Fast alle hochkarätigen Pianisten lassen sich mittlerweile Festivals, Fördermittel und Werbeaktionen einfallen. Liegt Ihnen diese Aufregung nicht am Herzen?

Es gibt immer noch ein paar Pianisten, die es sich leisten können, nur Klavier zu spielen. Zu den ganz Großen zählen Grigory Sokolov, Radu Lupu und Nelson Freire. Ich verstehe, dass dies ein winziger Ausschnitt aus dem Bild des Lebens ist – die Aufführung auf einem einzigen Instrument. Und je länger Sie dies tun, desto unwahrscheinlicher ist es, dass Sie etwas anderes tun. Intelligente Instrumentalisten beginnen zum Beispiel schon sehr früh mit dem Dirigieren. In diesem Sinne bin ich bereits in eine Falle getappt, aber ich bereue es noch nicht.

- Sehen Sie sich Pianisten und Geiger an, die sich ohne Verurteilung zum Dirigenten umgeschult haben?

Ohne das geringste. Bis ins hohe Alter nur Geige zu spielen, ist eine echte Leistung. Daher bedeutet der Beginn des Dirigierens, Ihre Zukunft einfacher zu gestalten. Es gibt Beispiele, in denen Pianisten sehr viel erreicht haben hohes Level im Dirigentenberuf - Mikhail Pletnev, Daniel Barenboim. Die Beurteilung der Dirigierfähigkeiten ist sehr schwierig und äußerst subjektiv.

- Warum reizt Sie das persönliche Dirigieren nicht?

Was mich von diesem Beruf abschreckt, ist das Bedürfnis, eine Führungspersönlichkeit zu sein und Menschen zu beeinflussen, auch auf nichtmusikalischer Ebene. Solche Eigenschaften sind mir biologisch fremd. Einmal in meinem Leben dirigierte ich während einer Probe. Ja, es stellte sich als schwieriger heraus, als ich dachte. Andererseits bin ich immer noch nicht der Meinung, dass man kein Dirigent ist, wenn man nicht mit 18 Jahren in die entsprechende Fakultät eingetreten ist und fünf Jahre lang studiert hat.

- Ist es nicht notwendig, Menschen in der Pädagogik zu beeinflussen? Du bist ein Lehrer.

Lehrer – es wird laut gesagt, ich komme nur in die Klasse, um den Schülern zuzuhören. Wenn ein Student kommt und ein Programm spielt, ist er aufgeregt, was bedeutet, dass er sich auf das Konzert vorbereitet. Das ist schon eine Lektion.

- Fühlen Sie sich mit dem Tempo Ihres Lebens wohl?

Nicht länger. Aber Komfort ist nicht das Beste. Ich mag den Satz „Wer hat gesagt, dass es einfach sein muss?“ Manchmal habe ich etwas erreicht, indem ich versucht habe, über meinen Kopf hinwegzuspringen. Mein körperliches Talent ist nicht außergewöhnlich; es gibt Menschen mit besseren Händen.

- Lässt sich die Technik eines Pianisten beherrschen, oder entscheidet die Natur über alles?

Dürfen. Volodos, Rudenko, Matsuev haben eine natürliche Technik. Kissins Technik wurde von ihm selbst und seinem Lehrer entwickelt. Richter und Michelangeli übten unzählige Stunden Klavier, von Jahr zu Jahr mehr.

-Bist du ein Workaholic?

Ich habe nie eine Phase des Rauschtrinkens durchgemacht. Ich verbrachte 6–7 Stunden am Tag nicht damit, am Klavier zu sitzen, sondern Musik zu hören. Nachdem er im Alter von 15 Jahren begonnen hatte, ins Ausland zu reisen, gab er fast sein gesamtes Honorar für CDs aus. Deshalb habe ich mir keine panzerbrechende Klavierausrüstung angeschafft, die sich immer herausziehen lässt. Aber ich denke, dass mein musikalischer Horizont im Alter von 18 Jahren breiter war als der meiner Kollegen.

- Stört es Sie, wenn Sie bei einem Konzert eine falsche Note spielen?

Leider gibt es Zeiten, in denen die beleidigte Notiz meinen Zustand beeinträchtigt. Wir müssen dagegen ankämpfen. Das ist eine schwierige Frage – fast schon Intimhygiene.

- Ist Musik „reine Kunst“ oder hat sie Ideen und Inhalte?

Es gibt intramusikalische Inhalte, die jedoch nicht in Worte übersetzt werden können. Aber jeder Mensch auf der Welt wird diesen Inhalt spüren. Worte berühren einen viel engeren Lebensbereich als Musik. Mit Worten über Liebe, Leidenschaft, Angst, Hass sprechen? Nun, über Hass etwas einfacher. Selbst wenn wir die besten Romane nehmen, sind die Beschreibungen von Liebe und Leidenschaft die schwächsten Punkte.

- Also verschwenden Schriftsteller im Allgemeinen ihr Leben umsonst?

Erinnern Sie sich, wie Faustus das Johannesevangelium übersetzte? „Am Anfang war das Wort.“ Und Faust sagt: „Ich schätze Worte nicht so sehr, dass ich glaube, sie seien die Grundlage von allem.“ Und das hat Goethe geschrieben, der weder mit Tönen noch mit Bildern operierte. Ein Freund von mir hat es sehr treffend ausgedrückt: „Niemand kann den ganzen Elefanten sehen.“ Wir können nur einen Teil des Elefanten sehen. Musik ist die Kunst, die den Elefanten vielleicht am deutlichsten als Ganzes sieht.

- Sie sind aus dem Internet als der wahrscheinlich am weitesten entfernte Pianist Ihrer Generation bekannt.

Ich mag den Zustand nicht, in dem ich bin, wenn ich eine halbe Stunde im Internet verbringe. Nun, ich fühle mich einfach schlechter – eine Art Bildschirm, Tasten. Aber ich verstehe vollkommen, dass dies für die meisten das Größte ist unterschiedliche Leute weit weg von großen Städten leben.

- Wie denkst du über Moskau?

Dies ist meine Heimatstadt, hier fanden die wichtigsten Ereignisse meines Lebens statt. Aber wenn man mit den Augen eines Ausländers schaut, dann ist dies neben New York die schwierigste Stadt. New York ist sogar noch etwas fröhlicher als Moskau. Was die Absurdität der Preise angeht, liegt Moskau wahrscheinlich an zweiter Stelle nach London.

- Spüren Sie in den letzten Monaten eine Wiederbelebung des öffentlichen Lebens in Russland?

Die Wiederbelebung ist eigenartig. Die Massen sind davon überzeugt, dass die Konfrontation zwischen Macht und Opposition das Wichtigste ist. Aber der Punkt ist ein völlig anderer. Es stellt sich eine grundlegende wirtschaftliche Frage: Können Land und natürliche Ressourcen Eigentum sein? bestimmte Menschen oder nicht. IN verschiedene Länder Weltweit werden auf diese Frage unterschiedliche Antworten gegeben. Überall herrscht ein unterschiedlicher Grad der Geldzirkulation – auch heute noch, wo man für Geld viel, fast alles machen kann. Wenn Sie in Amerika einem Polizisten 100 US-Dollar übergeben, besteht die Gefahr, dass Ihnen Handschellen angelegt werden. In Russland ist der Geldumlauf durch nichts eingeschränkt. Sie kaufen ein Ölfeld, Sie bezahlen einen Arzt, der seine Pflicht erfüllt, das Leben eines Menschen zu retten, Sie bezahlen einen Polizisten und so weiter. Sowohl die derzeitige Regierung, Nemzow als auch Kasjanow, befürworten einen unbegrenzten Geldumlauf. Garry Kasparov wird Ihnen sagen, dass der Kommunismus tot ist. Es ist, als würde man sagen: „Liebe ist tot“ oder „Musik ist tot“. Die Idee, dass Ihre Arbeit allen im Land lebenden Menschen zugute kommen soll, existiert schon seit jeher.

- Ich habe nicht erwartet, dass Sie ein Unterstützer linker Kräfte sein würden.

Für die Rechte ist die Grundidee die Freiheit, für die Linke die Idee der Gerechtigkeit. Die Idee der Freiheit wird in unserem Land übertrieben verkörpert und die Idee der Gerechtigkeit wird mit Füßen getreten. Deshalb habe ich bei den Parlamentswahlen für die Kommunistische Partei der Russischen Föderation gestimmt – mangels weiterer linker Parteien.

- Okay, das ist Ihre Wahl aus den vier Duma-Fraktionen. Und von den vier Temperamenten?

Ich bin ein melancholischer Mensch, der versucht, zuversichtlich zu sein.

Ist es möglich, die Anzahl der charakteristischen Merkmale erstklassigen Klavierspiels zu bestimmen? Durch die Auswahl der zehn wichtigsten Merkmale und deren sorgfältige Betrachtung wird der Schüler jedoch viel lernen, das ihm später zum Nachdenken anregen wird. Letztlich ist niemand in der Lage, in gedruckter Form alles auszudrücken, was ein Lehrer in der Live-Kommunikation mitteilen kann.

Wenn Sie einen neuen Aufsatz studieren, ist es äußerst wichtig, ihn zu verstehen allgemeines Konzept, muss versucht werden, die Hauptintention des Komponisten zu durchdringen.

Es gibt auch rein technische Schwierigkeiten, die schrittweise überwunden werden müssen. Doch solange der Schüler nicht in der Lage ist, die Hauptidee der Komposition in größeren Ausmaßen nachzubilden, gleicht sein Spiel einer Art musikalischem Mischmasch.

Der Aufsatz hat einen bestimmten Strukturplan. Zunächst gilt es, es zu entdecken und dann eine Komposition in der für ihren Autor charakteristischen künstlerischen Weise zu erstellen.

Sie fragen mich: „Wie kann sich ein Student eine richtige Vorstellung von der Arbeit als Ganzes machen?“ Zweifellos ist es am besten, es einem Pianisten zuzuhören, dessen Autorität als Interpret über jeden Zweifel erhaben ist. Viele haben diese Möglichkeit jedoch nicht. Nicht selten gelingt es dem Lehrer selbst, der von morgens bis abends unterrichtet, nicht, die Komposition in allen Einzelheiten absolut perfekt auszuführen. Dennoch kann man von einem Lehrer etwas lernen, der nach besten Kräften in der Lage ist, dem Schüler einen allgemeinen Überblick über den künstlerischen Wert der Arbeit zu vermitteln. Aber auch in den Fällen, in denen es nicht möglich ist, einem virtuosen Pianisten oder einem Lehrer zuzuhören, sollte der Schüler nicht verzweifeln, wenn er Talent hat.

Ja diese größte Macht, das wie nichts anderes in alle künstlerischen Geheimnisse eindringt und die Wahrheit ans Licht bringt. Ein talentierter Interpret scheint die Gedanken, die den Komponisten im Moment der Entstehung der Komposition überwältigten, intuitiv zu erfassen und sie wie ein echter Interpret dem Publikum in angemessener Form zu vermitteln.

Es versteht sich von selbst, dass technisches Können für jeden, der ein erstklassiger Pianist werden möchte, von größter Bedeutung ist. Es ist unmöglich, es sich vorzustellen gute Leistung, das sich nicht durch seine saubere, fließende, klare und flexible Technik auszeichnet. Die technischen Fähigkeiten des Pianisten müssen stimmen künstlerische Anforderungen der ausgeführten Arbeiten. Natürlich kann es Passagen geben, die besondere Arbeit erfordern, aber im Allgemeinen ist die Technik wertlos, wenn Hände und Gehirn nicht ausreichend trainiert sind, um die großen Schwierigkeiten zu überwinden, die bei neuen Kompositionen auftreten.

Russische Schulen legen großen Wert auf Technologie. Vielleicht ist dies einer der Gründe für die so positive Aufnahme einiger russischer Pianisten letzten Jahren. Die Arbeit führender russischer Konservatorien steht fast ausschließlich unter der Aufsicht des Kaiserlichen Musikgesellschaft. Dieses System ist flexibel: Obwohl alle Studierenden denselben Studiengang absolvieren müssen, Besondere Aufmerksamkeit wird im Einzelunterricht vergeben. Am Anfang steht jedoch die Technik im Vordergrund. In technischer Hinsicht wird von allen Studierenden ein hohes fachliches Niveau verlangt. Niemand ist eine Ausnahme. Vielleicht sind die Leser des Magazins „The Etude“ daran interessiert, etwas darüber zu erfahren allgemein gesagt Arbeit der russischen kaiserlichen Schulen. Das Studium dauert neun Jahre. In den ersten fünf Jahren erwirbt der Student die meisten seiner technischen Fähigkeiten durch das Studium von Hanons Übungssammlung, die in Konservatorien sehr häufig verwendet wird. Tatsächlich ist dies die einzige Sammlung rein technischer Übungen, die verwendet wird. Alle sind in der Tonart C gehalten. Die Sammlung umfasst Tonleitern, Arpeggios und Übungen für andere Techniken. Am Ende des fünften Jahres gibt es eine Prüfung. Es besteht aus zwei Teilen. Zunächst wird der Student in technischer Hinsicht geprüft, anschließend muss er Fähigkeiten in der künstlerischen Interpretation von Theaterstücken, Skizzen usw. nachweisen. Wer jedoch die erste Prüfung nicht besteht, darf die zweite nicht ablegen. Der Schüler lernt Ganons Übungen so gut, dass er sie anhand der Nummer kennt. Der Prüfer kann ihn beispielsweise bitten, die Übung 17 oder 28 oder 32 usw. zu spielen. Der Student setzt sich sofort ans Klavier und spielt. Obwohl im Original alle Übungen in C-Dur geschrieben sind, hat der Prüfer das Recht, sie in einer anderen Tonart spielen zu lassen. Die Übungen werden so gründlich studiert, dass die Prüflinge sie in der erforderlichen Tonart spielen müssen. Auch eine Prüfung mit Metronom kommt zum Einsatz. Der Schüler weiß, dass er die Übung in einem bestimmten Tempo spielen muss. Der Prüfer bestimmt die Geschwindigkeit und das Metronom schaltet sich aus. Ein Schüler wird beispielsweise aufgefordert, die E-Dur-Tonleiter mit 120 Metronomen und acht Noten pro Takt zu spielen. Wenn er die Aufgabe meistert, erhält er die entsprechende Note und darf die restlichen Prüfungen ablegen.

Ich glaube, dass die Notwendigkeit tiefer technischer Kenntnisse ein dringendes Problem ist. Mehrere Stücke spielen zu können, bedeutet nicht, musikalische Professionalität zu beherrschen. Es ist wie eine musikalische Schnupftabakdose mit nur noch wenigen Melodien. Das technische Verständnis des Studierenden muss umfassend sein. Später erhält der Schüler technisch schwierigere Übungen, zum Beispiel Tausig. Auch Cherny erfreut sich zu Recht großer Beliebtheit. Weniger bekannt sind Henselts Skizzen, trotz seiner langen Arbeit in Russland. Gleichzeitig sind sie so schön, dass sie neben Stücken wie Chopins Etüden platziert werden sollten.

Eine Interpretation ist unmöglich, es sei denn, der Schüler kennt die Regeln, die die Grundlage für einen sehr wichtigen Bereich bilden: die Phrasierung. Leider sind viele Veröffentlichungen in dieser Hinsicht unvollkommen. Einige der Phrasierungszeichen werden falsch verwendet. Der einzig sichere Weg besteht daher darin, sich speziell mit diesem wichtigen Bereich der Musikkunst zu befassen. Früher wurden Phrasierungszeichen kaum verwendet. Bach arrangierte sie äußerst sparsam. Dann war dies nicht erforderlich, da jeder Musiker beim Spielen die Grenzen der Phrase selbst festlegen konnte. Aber es ist keineswegs das Einzige, was notwendig ist, zu wissen, wie man Phrasen definiert. Ebenso wichtig ist die Geschicklichkeit ihrer Ausführung. Ein wahrer Sinn für Musik muss im Kopf des Künstlers entstehen, sonst sind alle Phrasierungskenntnisse, die er besitzt, nutzlos.

Die Ausführung von Phrasen hängt ganz vom Gefühl der Musik bzw. dem Gefühl des Interpreten ab, die Bestimmung des Tempos erfordert nicht weniger musikalisches Talent. Obwohl heute in vielen Fällen das Tempo einer bestimmten Komposition mittels eines Metronoms angegeben wird, ist es notwendig, die Interpretation des Interpreten selbst zu berücksichtigen. Sie können metronomischen Anweisungen nicht blind folgen, obwohl es manchmal unsicher ist, zu stark davon abzuweichen. Das Metronom muss nicht blind verwendet werden. Der Darsteller sollte nach seinem eigenen Verständnis handeln. Ich empfehle nicht, lange mit dem Metronom zu üben. Es dient dazu, das Tempo vorzugeben, und wenn es nicht missbraucht wird, ist das Metronom ein treuer Helfer. Es sollte jedoch nur für diesen Zweck verwendet werden. Die mechanischste Leistung, die man sich vorstellen kann, findet bei denen statt, die sich zum Sklaven dieser kleinen Spieluhren machen, die nie als Despoten gedacht waren und jede Minute des Übens kontrollieren.

Viele Schüler erkennen, dass die Leistung eine wunderbare Möglichkeit für Kontraste bietet. Jedes Werk ist ein „Ding für sich“. Daher muss es auf seine eigene Weise interpretiert werden. Es gibt Künstler, deren Leistung immer gleich ist. Es kann mit den Gerichten verglichen werden, die in einigen Hotels serviert werden. Alles, was auf den Tisch kommt, hat den gleichen Geschmack. Um erfolgreich zu sein, braucht ein Interpret natürlich eine starke Persönlichkeit, und jede seiner Interpretationen muss von ihr geprägt sein. Aber gleichzeitig sollte man stets auf Abwechslung achten. Chopins Ballade muss anders gespielt werden als Scarlattis Capriccio. Tatsächlich hat Beethovens Sonate kaum etwas mit Liszts Rhapsodie gemeinsam. Daher sollte der Student bestrebt sein, dem Aufsatz ein originelles und einzigartiges Aussehen zu verleihen. Jedes Werk sollte für sich allein stehen. Gelingt es dem Interpreten nicht, seinem Publikum dieses Gefühl zu vermitteln, ist er nur wenig besser als jedes mechanische Instrument.

Hoffmann hat die Fähigkeit, jedem Schreiben einen individuellen und charakteristischen Charme zu verleihen, der mich immer wieder so fasziniert.

Wird als die Seele des Klaviers bezeichnet. Ich verstand nicht, was das bedeutete, bis ich Anton Rubinstein hörte. Sein Auftritt kam mir so wunderbar vor, dass er sich jeder Beschreibung entzieht. Seine Pedalkontrolle war phänomenal. Zum Finale der Sonate Chopin h-Moll er erzielte unbeschreiblich schöne Pedaleffekte. Für jeden, der sich an sie erinnert, werden sie immer als die größte Rarität der Musik in Erinnerung bleiben.

Das Pedal ist ein lebenslanger Lerner. Dies ist der schwierigste Bereich der höheren Klavierausbildung. Natürlich können Grundregeln für die Verwendung definiert werden, und der Schüler muss diese sorgfältig studieren. Gleichzeitig können diese Gesetze aber auch gekonnt durchbrochen werden, um ungewöhnliche, bezaubernde Farben zu erzielen.

Dabei handelt es sich um eine Reihe bekannter Prinzipien, die innerhalb der Reichweite unserer musikalischen Intelligenz liegen. Sie können mit dem Planeten verglichen werden, auf dem wir leben und über den wir so viel wissen. Doch jenseits dieser Gesetze gibt es ein großes Universum – das Himmelssystem. Es kann nur mit der teleskopischen künstlerischen Vision eines großen Musikers durchdrungen werden. Dies gelang Rubinstein und einigen anderen Pianisten, die unserer irdischen Vision eine göttliche Schönheit verliehen, die nur sie wahrnehmen konnten.

Dass wir die Traditionen der Vergangenheit respektieren sollen, auch wenn sie für uns größtenteils unverständlich sind, da sie nur in Büchern zu finden sind, wir uns dennoch nicht an Konventionen klammern sollten. Der Kampf gegen traditionelle Überzeugungen ist das Gesetz des künstlerischen Fortschritts. Alle großen Komponisten und Interpreten haben auf den Ruinen der von ihnen zerstörten Konventionen neue Gebäude errichtet. Es ist unermesslich schöner, etwas zu erschaffen als es nachzuahmen. Aber bevor wir etwas erschaffen können, wäre es gut, sich mit dem Besten vertraut zu machen, das uns vorausgegangen ist. Dies gilt nicht nur für das Komponieren, sondern auch für das Klavierspiel. Die großen Pianisten Rubinstein und Liszt verfügten über ein ungewöhnlich breites Wissensspektrum. Sie studierten Klavierliteratur in allen möglichen Zweigen. Sie kannten jeden Schritt musikalische Entwicklung. Dies ist der Grund für ihren gigantischen Aufstieg als Musiker. Ihre Größe lag nicht in der leeren Hülle erworbener Technologie. Sie wusste. Ich wünschte, es gäbe heutzutage mehr Schüler, die einen echten Durst nach echtem Musikwissen verspüren und nicht nur den Wunsch verspüren, am Klavier oberflächlich anzugeben.

Es wurde gesagt, dass einige Lehrer besonders darauf bestehen, dass der Schüler die Inspirationsquelle des Komponisten kennt. Es ist auf jeden Fall interessant und kann helfen, eine schwache Fantasie anzuregen. Ich bin jedoch davon überzeugt, dass es für den Schüler viel besser wäre, sich auf sein eigenes Musikverständnis zu verlassen. Es ist ein Fehler anzunehmen, dass das Wissen darüber, dass Schubert von irgendeinem Gedicht inspiriert wurde oder dass Chopin von einer Legende inspiriert wurde, jemals den Mangel an echten Grundlagen des Klavierspiels ausgleichen kann.

Zunächst ist es notwendig, die Hauptmerkmale der musikalischen Zusammenhänge in der Komposition zu erkennen. Er muss verstehen, was diesem Werk Integrität, Organizität, Kraft und Anmut verleiht. Er muss wissen, wie man diese Elemente identifiziert. Manche Lehrer neigen dazu, die Bedeutung von Hilfsübungen zu übertreiben und die Notwendigkeit herunterzuspielen, sich echte musikalische Grundlagen anzueignen. Diese Ansicht ist falsch und führt zu schlechten Ergebnissen.

Muss von größeren Motiven geleitet werden als nur dem Gewinnstreben. Er hat eine Mission, und diese Mission besteht darin, die Öffentlichkeit aufzuklären. Für den selbstlosen Schüler ist es zu seinem eigenen Vorteil äußerst wichtig, diese Bildungsarbeit durchzuführen. Zu seinem eigenen Wohl ist es besser, seine ganze Energie in Stücke zu stecken, deren Aufführung seiner Meinung nach eine musikalische, erzieherische und erzieherische Wirkung auf das Publikum haben wird. In diesem Fall ist es notwendig, eine eigene Meinung zu haben, aber nicht zu weit über die Wahrnehmungsgrenzen des jeweiligen Publikums hinauszugehen. Nehmen wir zum Beispiel einen virtuosen Pianisten, dann sieht die Frage etwas anders aus. Der Virtuose setzt ein gewisses Maß voraus und verlangt es sogar von seinem Publikum Musikgeschmack, ein gewisses Maß an musikalischer Ausbildung. Sonst funktioniert es umsonst. Damit das Publikum die beste Musik genießen kann, muss es zuhören gute Musik bis ihr die Schönheit der Komposition klar wird ... Virtuosen rufen Musikstudenten auf der ganzen Welt auf, zur Bildung eines riesigen Musikpublikums beizutragen. Verschwenden Sie Ihre Zeit nicht mit banaler oder unedler Musik! Das Leben ist zu kurz, um es damit zu verbringen, durch den leeren Zucker des musikalischen Mülls zu wandern.

In jedem guten Klavierspiel steckt der entscheidende Funke, der jede Interpretation eines Meisterwerks in ein lebendiges Kunstwerk zu verwandeln scheint. Es existiert nur zu einem bestimmten Zeitpunkt und kann nicht erklärt werden. Beispielsweise können zwei Pianisten mit den gleichen technischen Fähigkeiten dieselbe Komposition spielen. Der eine hat eine langweilige, leblose und einstudierte Darbietung, der andere hat etwas unbeschreiblich Erstaunliches. Diese Aufführung scheint vor der Fülle des Lebens zu beben. Es interessiert und inspiriert das Publikum. Was ist dieser wichtige Funke, der einfachen Notizen Leben einhaucht?

Man kann es als das intensive künstlerische Interesse des Darstellers bezeichnen. Dies ist dieses erstaunliche Phänomen, das als Inspiration bekannt ist. Beim Schaffen einer Komposition wird der Komponist sicherlich inspiriert, und wenn der Interpret die gleiche Freude empfindet, die der Autor im Moment der Entstehung empfand, entsteht etwas Neues und Ungewöhnliches in seiner Aufführung. Es scheint, dass es auf absolut wundersame Weise erwacht und an Stärke gewinnt. Das Publikum versteht dies sofort und verzeiht manchmal sogar technische Ungenauigkeiten, wenn die Aufführung selbst voller Inspiration ist. Rubinstein war ein technisches Wunderwerk, und dennoch gab er zu, Fehler gemacht zu haben. Vielleicht waren sie das, aber gleichzeitig hat er solche Ideen nachgebildet und Musikalische Gemälde, was eine Million Fehler kompensieren könnte. Als Rubinstein zu präzise war, verlor seine Darbietung etwas von ihrem entzückenden Charme. Ich erinnere mich, wie er einmal bei einem der Konzerte „Islamey“ von Balakirev spielte. Etwas lenkte seine Aufmerksamkeit ab und offensichtlich vergaß er die Komposition völlig, improvisierte aber weiterhin in der Art von Balakirevs Stück. Nach etwa vier Minuten erinnerte er sich an den Rest der Rolle und spielte bis zum Ende. Das ärgerte ihn sehr, und er spielte die nächste Nummer des Programms mit höchster Präzision, aber seltsamerweise verlor seine Darbietung den wunderbaren Charme des Augenblicks, in dem sein Gedächtnis nachließ. Rubinstein war wirklich unvergleichlich, vielleicht sogar weil er voller menschlicher Impulse war und seine Ausführung weit von maschineller Perfektion entfernt war.

Es ist notwendig, alle Noten zu spielen, und zwar möglichst in einer Art und Weise, die dem Komponisten nahe kommt, aber der Anspruch des Schülers sollte sich keineswegs darauf beschränken. Jede einzelne Note in einer Komposition ist wichtig, aber es gibt etwas, das genauso wichtig ist wie die Noten, und das ist die Seele. Letztendlich ist die Seele der alles entscheidende lebende Funke. Die Seele ist die Quelle jenes höchsten Ausdrucks in der Musik, der nicht durch dynamische Bezeichnungen ausgedrückt werden kann. Die Seele verspürt intuitiv das Bedürfnis nach Crescendi und Diminuendi. Die Dauer der Pause oder jeder Note hängt von ihrem Wesen ab. Die Seele des Künstlers diktiert ihm, wie lange er diese Pause einhalten soll. Wenn sich ein Schüler an feste Regeln orientiert und sich völlig von ihnen verlässt, wird seine Ausführung seelenlos sein.

Die Leistung erfordert auch viel gründliches Nachdenken und nicht nur die Beherrschung der Tastatur. Der Schüler sollte nicht denken, dass das Ziel erreicht wurde, wenn alle Noten gespielt wurden. In Wirklichkeit ist dies erst der Anfang. Sie müssen die Arbeit zu einem Teil von sich selbst machen. Jede Note sollte im Interpreten eine Art Erweckung hervorrufen musikalisches Bewusstsein wahre künstlerische Mission.

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Der Artikel beleuchtet das Phänomen der Virtuosität im Kontext der modernen Klavierkultur. Dies ist ein relevantes, aber wenig erforschtes Thema. Die wichtigsten Trends der Klavierkultur der letzten Jahrzehnte werden skizziert. Es werden Parallelen zu ähnlichen Phänomenen früherer Epochen im Zusammenhang mit Leistungsproblemen gezogen. Anhand zahlreicher Beispiele wird die wichtige Frage der Entstehung eines spezifischen Virtuosenrepertoires und dessen Einfluss auf das Konzertgeschehen beleuchtet. Im Kontext des Kompositionswillens werden die wesentlichen Originalwerke von Pianisten des 20. und 21. Jahrhunderts betrachtet. Bietet einen Überblick über Aufführungs- und Kompositionsstile anhand von Beispielen herausragende Musiker, dessen pianistische Kunst den Ruhm des modernen Weltpianismus darstellt. Mit exzellenter Beherrschung des Klaviers und der Aufnahme hochkomplexer Werke der Romantiker und eigener Werke in das Repertoire werden moderne Pianisten den Anforderungen der Zeit gerecht. Merkmale der Persönlichkeit des Pianisten offenbaren die Hauptmerkmale individuelle Stile herausragende Pianisten unserer Zeit.

darstellende Künste.

Konzerttätigkeit

virtuoses Repertoire

virtuose Pianisten

1. Boris Beresowski. [Elektronische Ressource] // URL: http://www.classic-music.ru/berezovsky_boris.html.

2. Zeitung Izvestia, Artikel von E. Biryukova „Pianist Arkady Volodos: „Ich hatte die Idee, Stimmgerät zu werden““ [Elektronische Ressource] // URL: http://izvestia.ru/news/309149.

3. Evgeny Kisin. Evgeny Kissin am „Arts Square“ // [Elektronische Ressource] // URL: http://www.openspace.ru/music_classic/events/details/6631/.

4. „Eine Person mit Zigeunernationalität. György Tsiffra [Elektronische Ressource] // URL: http://gipsylilya.livejournal.com/247807.html.

5. Marc-Andre Hamelin: Biografie. [Elektronische Ressource] // URL: http://www.people.su/5592.

6. „Unsere Zeitung“, Artikel von Nadezhda Sikorskaya, Verbier, 21.07.2009 „Tour de France geht vorbei, aber Verbier bleibt“ [Elektronische Ressource] // URL: http://www.nashagazeta.ch/node/7742 .

7. Khitruk A.F. Elf Ansichten zur Klavierkunst // L. Naumov. Komponieren und Aufführen gehören für mich untrennbar zusammen, S.37. – M.: Verlag „Classics-XXI“, 2007. – 320 S., mit Abb.

In der Klavierkultur der letzten Jahrzehnte ist ein neues Phänomen entstanden, das mit dem Virtuosenkult auf der Konzertbühne verbunden ist. Sie ist gekennzeichnet durch die Hinwendung der Künstler zu einem spezifischen virtuosen Repertoire, das in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts praktisch abgelehnt wurde, und durch eine Wiederbelebung des Interesses an der Erstellung und Aufführung technisch komplexer Transkriptionen und Paraphrasen.

Heute kann man auf der pianistischen Weltbühne eine große Anzahl von Musikern beobachten, die ihr Instrument hervorragend beherrschen und durch ihre Virtuosität und Ausdauer verblüffen. Auf der Bühne dominieren Rationalismus und übermäßiger Enthusiasmus technische Seite auf Kosten des Inhalts. Kritiker bemerken zunehmend die Monotonie ihrer darstellerischen Interpretationen, die Ähnlichkeit zueinander, die Distanzierung voneinander Musik gespielt. In der Presse und in Online-Foren wird immer wieder geschrieben, dass Künstler nicht danach streben, ihre Gefühle zu offenbaren, es weniger Manifestationen spiritueller Offenheit gibt, Erfahrungen und tief empfundene Gefühle der Vergangenheit angehören. Auch wenn sich der Auftritt des Pianisten durch Subtilität und Tiefe auszeichnet, ist er dennoch ein anderes Gefühl als die Auftritte von V. Sofronitsky, S. Richter und E. Gilels, die beim Publikum hervorgerufen wurden.

Kunst verändert sich ständig, auch Musik und Performance; sie spiegelt direkt neue gesellschaftshistorische Bedingungen wider. Heutzutage werden Interpreten in erster Linie nach der Anzahl der pro Minute gespielten Noten beurteilt; Es gibt die Meinung, dass ein Pianist, wenn er langsame Stücke spielt, ein Lyriker ist, wenn er Liszt oder Rachmaninow spielt, dann ist er sicherlich ein „Virtuose“. Und da Liszt heute praktisch seit der Musikschule gespielt wird, werden die Musiker in Rezensionen sogar auf dem Plakat als nichts Geringeres als Virtuosen bezeichnet Balletttruppe Zu sehen ist die Aufschrift: „Ballettvirtuosen treten auf.“ Laut L. Naumov: „Kunst ist leider zu „alltäglich“ geworden, zu aufdringlich und, was am wichtigsten ist, erfordert zu wenig im Sinne einer Wahrnehmungskultur.“

Wettbewerbe haben sich im modernen Leistungssport stark verändert. Junge Musiker betreten das Konservatorium und bereiten sich im Voraus auf die Teilnahme an Wettbewerben vor. Das Prinzip des Wettbewerbs beinhaltet die Pflege allgemein anerkannter Bühnenstandards und deren „Einhaltung“ mit Wettbewerbsinterpretationen. Dies prägt die Wahl des Repertoires, das das Talent, die Virtuosität und die Originalität des Teilnehmers zum Ausdruck bringen soll. Und technische Details allein reichen nicht aus, Sie müssen ein „Virtuose“ sein, der sich durch eine helle und mutige Leistung auszeichnet, effektiv zur Schau stellt und den richtigen Eindruck bei den Jurymitgliedern und dem Publikum hinterlässt.

Natürlich ist der Gewinn eines Wettbewerbs, und noch mehr eines prestigeträchtigen Wettbewerbs, eine Eintrittskarte in das künstlerische Leben. Musiker, die ernsthafte Wettbewerbe bestanden haben, verfügen über technische Ausrüstung und Kultur. Ihr Repertoire vermittelt den Eindruck von Inklusivität und umfasst Klassiker, Romantik und Moderne aus dem In- und Ausland. Aber auf der Konzertbühne gab es schon immer Pianisten, die nie an Wettbewerben teilgenommen haben. Einst waren es V. Sofronitsky, O. Boshnyakovich, S. Neuhaus; sie existieren noch heute.

Arkady Volodos, Absolvent des Moskauer Konservatoriums, lebt im Westen, hat nie an Aufführungswettbewerben teilgenommen und ist mehrfacher Preisträger (Franco Abbiatti, Chigi-Akademie und deutscher ECHO-Klassik-Preis). bester Pianist des Jahres). Nachdem er im Alter von 15 Jahren begann, richtig zu studieren, hat er heute eine glänzende Weltkarriere als Pianist hingelegt. Heute gilt Volodos als würdiger Anhänger von Rachmaninow und Horowitz. In seinen Programmen nimmt ein bestimmtes Repertoire einen bedeutenden Platz ein – seine eigenen Transkriptionen „zur Transkription“: Versionen von Rachmaninows italienischer Polka und seinem „Hummelflug“ von Rimsky-Korsakov („Sprintrennen“ für eineinhalb Minuten). ) sind Rachmaninows Originalen in der Komplexität der Textur weit überlegen; Viele Virtuosen aller Altersgruppen und Länder nehmen das Volodos-Mozart-Rondo alla turca in ihre Zugaben auf.

Auf die Frage eines Journalisten nach seinen Vorlieben für das gespielte Repertoire antwortete Volodos: „Ich unterteile die Musik nicht in virtuos und nicht... Wenn wir Schubert spielen, dann nennt man uns Musiker.“ Wenn Liszts Transzendentale Etüden – dann sofort Virtuosen. Und für mich ist die Aufnahme von Rachmaninow beim Spielen des Strauss-Tausig-Walzers eine der brillantesten Musikaufnahmen, die es gibt. Meiner Meinung nach sollte man einem Menschen, wenn er ein Individuum ist, in allen Stilrichtungen zuhören und ihn nicht in irgendeine Klassifizierung drängen.“

Evgeniy Kissin, ebenfalls ein Moskauer Pianist im Westen, der intensive Konzertaktivitäten in Europa, Asien und Amerika durchführt, wird vom Publikum jedoch etwas anders bewertet. Er spielt virtuose „Hits“ wie die Transkription von Grunfeld – Strauss‘ „Die Fledermaus“, beteiligt sich an einem völlig einzigartigen Projekt – der Aufführung von „Der Hummelflug“ von R. Korsakov – Rachmaninow auf acht Klavieren (bei ihm sieben). weltberühmte Pianisten - E. Ax, Lang Lang, J. Levine, M. Pletnev, L. Andsnes, Daniel Barenboim und Stefan Scheya). Kritiker würdigen jedoch seine überwältigende Virtuosität und bemerken seine absolute Verschmelzung mit der Musik: „In Kisin gibt es nichts Übermenschliches mehr, er hat sich in einen gewöhnlichen Weisen verwandelt, dessen jeder Satz eine philosophische Maxime ist.“ Schumann-Liszts „Widmung“ bewundert jugendlichen Eifer und Spiritualität; Sie schrieben über Chopins „Nocturne“ beim Verbier-Festival, dass „er nicht nur mit seinen Händen spielte, sondern auch mit seinem Herzen, weshalb die Herzen der Zuhörer entweder erstarrten oder anfingen, schneller zu schlagen und die Musik zu begleiten.“

Übrigens bevorzugt man im Westen, dass die Musik von Tschaikowsky und Rachmaninow von russischen Pianisten (Vertretern der russischen Klavierschule) aufgeführt wird, deren Eindringlichkeit und Tiefe von russischen Literaturklassikern stammt.

Boris Berezovsky, ein Schüler von E. Virsaladze, Gewinner des P. I. Tschaikowsky-Wettbewerbs, wird als „neuer Richter“ bezeichnet und wie Volodos auch mit Horowitz verglichen. Nach seinem Londoner Debüt in der Wigmore Hall im Jahr 1988 beschrieb ihn die Times als einen außergewöhnlich vielversprechenden Künstler mit umwerfendem virtuosem Können und enormer künstlerischer Kraft. Sein Klang hat ein transparentes Pianissimo und ein reiches Spektrum dynamische Farbtöne gilt als der versierteste Pianist seiner Generation. Aber als profunder Interpret der Werke von Rachmaninow, Skrjabin und seinem geliebten Medtner umfasst sein Repertoire äußerst komplexe Werke: zwölf transzendentale Etüden von Liszt, Etüden von Chopin – Godowsky.

Der kanadische Pianist Marc-André Hamelin (HAmelin, Hamelin) zeichnet sich dadurch aus, dass er die virtuosesten Werke aufführt, die jemals für Klavier geschrieben wurden – Liszt, Alkan, Sorabji, Godowsky. Heute gilt er als der schnellste Pianist der Welt; Kritiker schlagen vor, seine Diskographie in diesem Parameter in das Guinness-Buch der Rekorde aufzunehmen. Laut dem britischen Kritiker ist Amelins Aufnahme des Konzerts von Sh.-V. Alcana ist „eine der beeindruckendsten Darstellungen pianistischer Virtuosität, die jemals auf CD zu hören war“.

Amelin schrieb mehrere Werke für das mechanische Klavier, darunter den berühmten „Zirkusgalopp“, der weder mit zwei noch mit vier Händen gespielt werden kann, und „Solfeggietto über ein Thema von Bach“. Die überaus virtuosen „12 Etüden eigener Komposition“ stellen Hameln als Komponisten neben Godowsky und Liszt. Der Pianist kombiniert in seinem Auftritt verschiedene Stile und Genres, so kombinierte er in einer seiner Interpretationen die beliebte Popmelodie „Tico – Tico no fuba“ mit Chopins Zweiter Etüde.

Im Vergleich zu den beschriebenen Trends in der Arbeit heutiger Klavier-Idole lohnt es sich, an den ungarischen Pianisten György Cziffra (1921-1994) zu erinnern – einen phänomenalen Virtuosen, einen der berühmtesten Interpreten Liszts.

Nach seiner Tournee in London bemerkte der Daily Telegraph, dass „das Publikum Zeuge eines so gekonnten Klavierspiels wurde, dass es so etwas wahrscheinlich für den Rest seines Lebens nicht mehr hören würde … Er war der Autor spektakulärer virtuoser Transkriptionen und Paraphrasen, darunter …“ „Hummelflug“ von Rimsky-Korsakow, Rossinis Ouvertüre zu „Wilhelm Tell“, Arrangements aller ungarischen Tänze von Brahms. Er wurde als „Klavierakrobat“, „Präzisionsfanatiker“ und „Pedalvirtuose“ bezeichnet, obwohl seine Arbeit aus einer Zeit stammt, in der andere Ideale vorherrschten.

Heutzutage verlagern sich die Interessen der Zuhörer hin zu Präferenzen für die Effektivität der Darbietung; beim Massenpublikum nehmen die Anforderungen an Ernsthaftigkeit, Tiefe und Subtilität der Interpretation deutlich ab. Die höchste technische Ausstattung von Pianisten wird zum Maßstab für die Anforderungen an die Interpreten bei zahlreichen Wettbewerben und auf der Konzertbühne. Das Klavierrepertoire unterschiedlicher Schwierigkeitsgrade erreicht und übertrifft in seiner Virtuosität die menschlichen Fähigkeiten.

Künstler und Lehrer der älteren Generation (nicht nur in unserem Land), deren Arbeit in den 50er und 60er Jahren begann. des letzten Jahrhunderts, bleiben den Traditionen der hohen Spiritualität ihrer Aktivitäten treu. Ihre Ideale verbinden sich mit der Darbietung als inspirierter Form der Kommunikation zwischen Künstler und Zuhörer, der künstlerischen Offenbarung eines bestimmten musikalischen Ausdrucks. Aber auch die Rolle des Lehrers im Bildungsprozess verändert sich in unserer Zeit spürbar: Von ästhetisch und ethisch entwickelnd, spirituell, kulturell und pädagogisch verlagert sie sich hin zu einer pragmatischeren Interpretation. Wichtig ist der Status des Lehrers in der Welt, im Land, an der Universität, seine Möglichkeit, an der Entwicklung teilzunehmen kreative Karriere Ein Schüler ist auf der Suche nach einem kompetenten und geschickten Lehrer, der ihn auf einen Wettbewerb vorbereiten kann, vorzugsweise auf eine hochrangige Auszeichnung. Die Praxis zeigt, dass die Vorbereitung auf einen Wettbewerb und die Vorbereitung auf ein Solokonzertleben nicht dasselbe sein können – bei der Vorbereitung auf Wettbewerbsauftritte muss man auch die Meinung der Jury, einer gewissen hypothetischen „Prinzessin Marya Aleksevna“, berücksichtigen. Es ist nicht verwunderlich, dass sich die Karriere eines Künstlers nach Wettbewerbssiegen nicht immer weiterentwickelt und die Preisträger beginnen, systematisch in Meisterkursen herausragender Künstler zu studieren.

Das Leben hat sich beschleunigt, es hat sich praktisch in ein Kaleidoskop der Ereignisse verwandelt. Computertechnologien und -werkzeuge Massenmedien Wenn wir unsere Wahrnehmung überlasten und wir unwillkürlich das Gewöhnliche, das sich oft wiederholt, beiseite schieben und unsere Aufmerksamkeit auf etwas Besonderes, Außergewöhnliches richten, wird die Virtuosität des Pianisten zu einem so außergewöhnlichen und attraktiven Phänomen. Der Wunsch, in der musikalischen Virtuosität der Darbietung zu glänzen, besteht seit der Zeit der mündlichen Überlieferung, als Musikkompositionen vom Autor selbst und seinen Schülern aufgeführt wurden. Erinnern wir uns an I.S. Bach, der die Continuo-Bass-Technik fließend beherrschte und mit seiner geschickten Begleitung jedes Stück, auch ein eher mittelmäßiges, problemlos verwandeln und auf ein nie dagewesenes Niveau bringen konnte.

Das Publikum in Ländern mit einer langen und reichen Geschichte von Konzertveranstaltungen war besser in der Lage, Innovationen und unkonventionelles Repertoire wahrzunehmen, war offener für tiefgründige Interpretationen und reagierte leichter auf experimentelle Interpretationen und Transkriptionen. Unser russisches Publikum ist in letzter Zeit dafür bekannt, auf die Tiefe der Interpretation, des Ausdrucks und der Inspiration der Aufführungen zu reagieren. Während das Publikum im Westen im Allgemeinen zurückhaltender war – aufmerksam, aber nicht am Geschehen beteiligt, musste der Künstler darauf achten, das Publikum zu überraschen. Das neue Ideal des virtuosen Auftritts kommt offenbar aus dem Westen in unser Land – tatsächlich beginnt es ganz am Ende des letzten Jahrhunderts, als ein aktiver Prozess der Auswanderung und engerer Kontakte mit dem Weltprozess beginnt.

Neue „Formate“ zur Aufführung des Repertoires der klassisch-romantischen Tradition sind charakteristisch für die künstlerische Jugend, die Generation der 80er-90er Jahre. Geburt. Junge Pianisten streben nach Preisen bei Wettbewerben, Verträgen für Touren, interpretieren ihre Karriere in offenkundig kommerziellen Begriffen. Obwohl in In letzter Zeit Es gibt verschiedene Kritikerstimmen über junge Pianisten, die sich durch gefühlvolles Spiel und Aristokratie sowie phänomenale Virtuosität auszeichnen – D. Trifonov, A. Lubyantsev, Yu. Sie bemerken den individuellen Stil von Daniil Trifonov, seine Virtuosität ohne Anzeichen von Sentimentalität. Sein Repertoire umfasst die komplexesten Werke, und als Zugabe kann er Schubert – Liszts „Forelle“, Strawinsky – Agostis „Filthy Dance“ aus „Koshcheevs Königreich“ oder sein eigenes Werk – Drei Stücke aus Rachmaninows Suite – aufführen.

Diese jungen Musiker sind Preisträger zahlreicher Musikwettbewerbe und Festivals. Sie verfügen über phänomenale Virtuosität, außergewöhnliche Ausdauer und ein zuverlässiges Gedächtnis. Der Geschmack des Publikums und der eigene künstlerische Anspruch sind die beiden wichtigsten wichtige Faktoren beim Lösen von Repertoirerätseln für einen virtuosen Pianisten. Und es erweist sich als viel schwieriger, das Repertoire für ein Konzert festzulegen, als es zu erlernen. Leider macht sich die Mehrheit der jungen Pianisten nicht die Mühe, nach würdigen Interpretationen zu suchen, und „versteckt“ sich oft hinter äußerer Virtuosität, ohne zu bedenken, dass die Aufgabe, schnell und genau die richtige Tonart zu treffen, nie die wichtigste Aufgabe in der darstellenden Kunst war. Das Vorhandensein dieser unterschiedlichen und manchmal widersprüchlichen Trends lenkt die Aufmerksamkeit auf die Untersuchung kultureller Prozesse aus dieser Perspektive. Veränderungen im Konzertleben und im Konzertumfeld wecken den Wunsch, das moderne Bild im Vergleich zu verschiedenen zu analysieren historische Etappen Klavierkultur. Veränderte Einschätzungen und Einstellungen in der Beziehung zwischen Darsteller und Publikum, die Bildung neuer Idole und Ideale sind zweifellos von Interesse für das theoretische Verständnis und die Untersuchung der Dynamik historischer Prozess Entwicklung des Klavierspiels.

Rezensenten:

Zucker A.M., Doktor der Kunstgeschichte, Professor am Staatlichen Konservatorium Rostow. Rachmaninow, Rostow am Don.

Krylova A.V., Doktor der Kulturwissenschaften, Professorin am Staatlichen Konservatorium Rostow. Rachmaninow, Rostow am Don.

Bibliografischer Link

Muradyan G.V. VIRTUOSITÄT ALS PHÄNOMEN IN DER GESCHICHTE DER KLAVIERKULTUR DER LETZTEN JAHRZEHNTE DES 20. UND ANFANGS DES 21. JAHRHUNDERTS // Zeitgenössische Themen Wissenschaft und Bildung. – 2013. – Nr. 6.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=10836 (Zugriffsdatum: 01.02.2020). Wir machen Sie auf Zeitschriften des Verlags „Academy of Natural Sciences“ aufmerksam.