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A revolução de 1917 deu início a uma etapa completamente nova na pintura russa, que se expressou tanto no desenvolvimento de suas novas formas quanto na compreensão de novos eventos jamais vistos na Rússia.

Podemos notar com segurança que os eventos revolucionários deste ano marcante para nosso país lançaram as bases para uma revolução cultural única, a propósito, que não tinha análogos mundiais naquela época. O conteúdo desse fenômeno também não pode ter características inequívocas.

Desde a Revolução de Outubro, a pintura russa se encontrou em uma situação em que:

• A ideia do partidarismo de qualquer arte foi realizada em todos os lugares. excluiu o existente e mesmo parcialmente idealizado no princípio da liberdade de criatividade. Como resultado, tudo se resumiu à politização ativa de toda a esfera cultural, especialmente da arte e da literatura.
• Houve uma "iluminação cultural" ativa de todos, incluindo as camadas analfabetas de cidadãos do antigo império e sua introdução às conquistas nacionais da arte.

Artistas russos e a revolução - novas organizações, novas tarefas

Outubro de 1917 mudou basicamente de forma abrupta a posição e a natureza da obra dos mestres, cuja vida artística e estilo já haviam se delineado. Note-se que a revolução, antes de mais nada, apelou ao trabalho de jovens artistas, o que é natural. No entanto, as numerosas e diversas plataformas que surgiram no seu primeiro impulso existiram em geral apenas durante os cinco anos seguintes. Os novos artistas mostraram-se inovadores ousados, esmagando tudo e cortando caminhos experimentais.

Entre os grandes mestres pré-revolucionários, representantes dos seguintes chegaram a um acordo com a revolução:

• Impressionismo russo - K. Yuon, A. Rylov
• - M. Dobuzhinsky, E. Lansere
• - A. Lenturov, P. Konchalovsky, I. Mashkov
• Vanguard -,

Direcções absolutamente novas surgem na pintura russa num surto revolucionário:

• "Unovis" como representante do já revolucionário (existiu por 1 ano) - incluiu M. Shagal, K. Malevich, L. Lisitsky. A tarefa de unificação consiste em novas formas e nova "arte pura"
• Um grupo de artistas "KNIFE" - em termos de tarefas e formas, estava perto das idéias de "Valete de Ouros"
• "Proletkult" - surge como uma união baseada no princípio da criação de uma nova cultura (proletária), em oposição a toda a herança dos clássicos

Enquanto isso, no campo artístico da Rússia, que mudou com a revolução de 1917, grupos artísticos continuaram a existir, aderindo às formas tradicionais e profundas de compreensão filosófica - estas são as associações:

• "Quatro Artes" - K. Petrov-Vodkin, N. Tyrsa, A. Kravchenko
• "Makovetsa" - Padre P. Florensky, V. Chekrygin

Revolução - novos significados e gêneros da pintura

O líder dos eventos revolucionários V. Lenin viu na pintura, assim como no cinema, um enorme potencial para:

• Educação da população (geral), ou seja, eliminando seu analfabetismo
• Iluminação por meio da agitação, ou seja, propaganda artística de novas ideias
• Revolução cultural, segundo Ilyich, necessária para um "país atrasado"

Foi assim que surgiram tendências inteiras de propaganda de massa na Rússia, combinando pintura.

Navios a vapor e trens pintados por artistas percorriam o país, nos quais oradores, grupos de teatro, projecionistas, etc. iam até o povo. Além disso, esses trens de agitação carregavam jornais, pôsteres e outros produtos impressos com eles, sendo na época um análogo da mídia. Nos difíceis cinco anos após outubro, a Rússia quase não tinha outros meios de informação.

As paredes e cascos de tais navios de propaganda e trens foram significativamente decorados com gráficos de pôster ou painéis de arte usando formas e técnicas primitivas que poderiam ser acessíveis a uma pessoa sem instrução.

Essa pintura certamente foi complementada por um texto que explica o conteúdo e também motiva necessariamente o espectador para a ação.

Sendo o gênero mais móvel e informativo da então revolucionária Rússia, os gráficos se tornaram os mais solicitados, ou seja, o desenho (jornal ou revista) e o pôster.

Os principais tipos do gênero pôster nascido da revolução junto com o novo país foram:

• Tipo heróico e político (artistas D.S.Moor, V.Mayakovsky)
• Tipo satírico (artistas V.N.Denny, M.M. Cheremnykh)

A propaganda e o “carregamento” informativo no pôster foram apresentados em gráficos simples, mas brilhantes e amplos. Os slogans para ela tinham expressividade artística e foram rapidamente percebidos e lembrados, mesmo com um breve conhecimento.

Os artistas soviéticos que trabalharam no gênero de pôster levaram-no a um alto nível de tecnologia, possuindo maneiras únicas e habilidade artística pessoal.

Na verdade, o pôster, como um tipo ou gênero de pintura, apareceu antes - no século 19, mas em um país jovem que derrotou a revolução popular, ele renasceu e se tornou um fenômeno artístico totalmente independente.

Tarefas e funções da arte de pôster soviética

Mesmo durante a Guerra Mundial, os gráficos dos jornais desempenharam um papel significativo, comparável à ação de armas diretas ou psicológicas, esmagando o inimigo e levando-o à batalha.

Durante a construção que se seguiu à guerra, o cartaz continuou a cumprir as mesmas tarefas, sendo uma ferramenta ideológica. Como toda a história da URSS irá mostrar, não haverá um único evento ou fenômeno significativo que ficará fora de sua compreensão.

Assim, as principais funções do pôster soviético eram:

E para os efeitos - também é educação estética.

Gradualmente, como um gênero que lida perfeitamente com tarefas ideológicas, o pôster é apresentado como um todo como o tipo principal de pintura. A revolução "consolida" o status de uma verdadeira "arte erudita" para ele, portanto, no país:

• São realizadas exposições de pôsteres temáticos
• Essas obras estão incluídas nos fundos dos museus
• São colocados em arquivos
• Cursos de treinamento abertos

Para crédito dos artistas que trabalharam nesta forma de arte, certamente deve-se acrescentar que, apesar de toda a politização global do gênero pôster, sua arte sempre se materializou em um nível altamente artístico. Em parte, é por isso que, no futuro, além do acima, tarefas foram adicionadas às funções do pôster soviético:

• Comunicações - como conexões entre as pessoas e as autoridades
• Imagem - formando a própria imagem do poder
• Educacional - como o desenvolvimento de temas morais e sociais

O cartaz (do latim "placardum" - testemunho) é o tipo mais difundido de arte gráfica que desempenha tarefas de agitação política visual ou serve como meio de informação, publicidade, instrução.

Os originais dos pôsteres são criados por artistas para a indústria gráfica. Em alguns casos, o pôster é impresso a partir do formulário de impressão do autor (linogravura, litografia).

Funções estritamente definidas do cartaz ditam a escolha dos meios pictóricos, métodos de trabalho, determinam a linguagem pictórica especial do cartaz e suas dimensões. O pôster, impresso em grande número, é projetado para o maior número de espectadores e geralmente é exibido nas ruas e em locais públicos. O cartaz deve responder muito rapidamente a todas as tarefas sociais e políticas urgentes, convocar à ação. Os pôsteres mudam rapidamente e, tendo um tempo de exposição relativamente curto, devem ser diferenciados por uma linguagem clara e clara. O pôster deve chamar a atenção do espectador à distância. O espectador, que pára em frente ao pôster, no menor tempo possível deve deixar claro o que o pôster pede, qual a sua finalidade; o pôster deve ser percebido instantaneamente. São essas tarefas que determinam os tamanhos de pôster relativamente grandes (para gráficos). Em nome da brevidade, clareza e expressividade, uma tipificação de imagens particularmente nítida é usada no pôster, e técnicas convencionalmente decorativas como generalização da imagem, simplificação das relações de cores, rejeição de pequenos detalhes, designações simbólicas e combinação de vários escalas são amplamente utilizadas. O texto, que é um elemento obrigatório do pôster, deve ser extremamente curto e compreensível à primeira leitura (a única exceção são os pôsteres instrucionais e educacionais). O texto não deve ser anexado mecanicamente à imagem, mas organicamente incluído nela. O caráter da fonte deve corresponder ao conteúdo do pôster, deve ser legível. A inscrição é para o artista um elemento da composição do cartaz. É claro que, pensando na observância de todos esses requisitos, o artista se esforça por todos os meios para preservar a integridade, a compostura do pôster dentro de uma folha de papel.

Os tipos de cartazes são variados e divididos de acordo com a sua finalidade em vários grupos.

O pôster político é o tipo de pôster principal e mais importante. É ele quem é uma das formas mais eficazes de agitação política, encarna tarefas políticas e slogans por meio de meios pictóricos. O tema dos cartazes políticos é incomumente amplo: em nossas condições, eles se dedicam à luta para cumprir as tarefas de construção do comunismo, à luta pela paz, ao apelo ao fortalecimento do campo socialista e têm como objetivo expor os inimigos. Muitos cartazes são criados em homenagem a feriados revolucionários, eventos internacionais, etc. Os cartazes satíricos têm adquirido grande importância. Um cartaz satírico quase sempre está associado a um texto literário. A popularidade especial desses cartazes de batalha e afiados deu origem a associações de artistas de cartazes satíricos ("Janelas de sátira ROSTA", "Janelas TASS", "Lápis de batalha", "Agitplakat").

Cartaz informativo e publicitário resolve o problema da informação, notificação de vários eventos culturais e educacionais (performances, filmes, palestras, exposições, etc.) ou tarefas publicitárias - familiarizando os consumidores com produtos, serviços fornecidos por várias instituições e organizações. Um cartaz publicitário nas nossas condições exerce as funções de informação verídica e cultural, ajuda na escolha de um produto e educa o gosto do consumidor. Cartazes teatrais e de filmes são dotados de qualidades especiais. Desempenhando as funções de performances publicitárias ou filmes, devem ao mesmo tempo refletir o estilo inerente a este espetáculo, as aspirações criativas de seus autores.

O cartaz educativo e instrutivo tem como objetivo divulgar conhecimentos científicos, métodos de trabalho, normas diversas (segurança, saneamento e higiene, prevenção de incêndios, etc.), e ainda contribuir para a resolução de problemas educacionais. O pôster educacional e instrutivo, ao contrário de outros tipos de pôster, contém uma quantidade significativa de texto, uma série de desenhos e é destinado a um uso mais longo. Cartazes educacionais servem como recursos visuais no processo educacional.

O pôster em sua forma usual apareceu há relativamente pouco tempo - no final do século XIX - início do século XX. O pôster moderno foi precedido por gravuras e desenhos de grande porte que foram distribuídos à mão, colados nas paredes, expostos em vitrines e vitrines. Na Alemanha do século 16, eles eram conhecidos como "folhas voadoras". Essas imagens de propaganda foram amplamente distribuídas durante as revoluções burguesas dos séculos 17 a 18 na Inglaterra, França e Holanda. Grandes talas e placas anti-napoleônicas de 1812 desempenharam um papel semelhante na Rússia. Com a invenção de novos métodos de reprodução e o desenvolvimento da impressão, a circulação das folhas de propaganda aumentou. No final do século 19, surgiram pôsteres semelhantes aos modernos em finalidade e aparência. Grandes mestres como T. Steinlen, F. Brengwin, A. Toulouse-Lautrec, K. Kollwitz e outros trabalharam na criação de vários pôsteres. Dos cartazes estrangeiros modernos, destacam-se as obras de A. Bertrand (México) e G. Erni (Suíça) dedicadas à luta pela paz. Devem ser especialmente notados os maravilhosos pôsteres dos artistas da Polônia socialista, significativos e profundos em conteúdo, executados em uma excelente linguagem de pôster (pôsteres de T. Trepkowski, T. Grówowski, A. Bovbelski, Z. Kaja).

Desde os primeiros dias do poder soviético, o cartaz em nosso país recebeu a mais ampla distribuição e reconhecimento como uma arte vital, operacional e profundamente partidária. Atribuindo grande importância ao cartaz como meio de agitação política, nosso partido acompanha de perto o seu desenvolvimento, ajuda em todos os sentidos a melhorar seu conteúdo ideológico e habilidade. Isso é evidenciado pelas decisões do Comitê Central do partido e pelas conferências de toda a União dedicadas ao cartaz político. Durante a guerra civil, a restauração da economia nacional, durante os primeiros planos de cinco anos, o cartaz teve um papel significativo e os artistas de cartazes soviéticos estiveram na vanguarda da frente ideológica. Grandes exemplos de arte de pôster são, por exemplo, os pôsteres de Moore "Você se inscreveu como voluntário?", "Ajuda". A. Deineka, M. Cheremnykh, N. Dolgorukov e outros artistas trabalharam muito no pôster. Os cartazes satíricos "Janelas de sátira ROSTA" foram de grande importância, na criação dos quais V. Mayakovsky, S. Malyutin, A. Radakov e outros tomaram parte ativa. Mobilizando suas forças para derrotar o inimigo durante a Grande Guerra Patriótica, os artistas soviéticos trabalharam arduamente e com sucesso para criar cartazes que fossem notáveis ​​por sua paixão e alto espírito patriótico. No modelo de "Janelas de sátira ROSTA" foram criadas "Janelas TASS". Na bloqueada Leningrado, surgiu a associação Combat Pencil. Não apenas artistas gráficos, mas também muitos pintores trabalharam nos pôsteres. O povo soviético se lembrará dos pôsteres de Kukryniksy, Efimov, Golovanov, Kokorekin, Dolgorukov, V. Ivanov, Toidze, Shmarinov, Serebryany por muito tempo. No pós-guerra, houve tentativas de transformar o pôster em uma espécie de fotografia colorida com texto colado nele. As citações mais longas foram impressas em fontes nos pôsteres.

Nos pôsteres apareciam esquemas de pessoas "felizes" padrão com um sorriso de "dever" no rosto, quase inalterado, vagando de um pôster para outro. Tendo superado com sucesso esses erros, retornando o pôster às suas melhores qualidades de luta, mestres de pôster experientes e jovens estão trabalhando ativamente em vários gêneros dessa arte. Em Moscou, Leningrado e outras cidades, cartazes satíricos "Battle Pencil", "Agitplakat" e outras associações são muito populares. O espectador está familiarizado com os pôsteres dos artistas soviéticos V. Ivanov, Kukryniksy, N. Denisovsky, M. Gordon, K. Ivanov, V. Govorkov, V. Briskin, M. Mazrukho, K. Vladimirov, G. Kovenchuk e outros artistas .

A cultura do período soviético e pós-soviético é uma reviravolta em grande escala da herança russa. Os acontecimentos de 1917 tornaram-se uma referência no desenvolvimento de uma nova forma de vida, na formação de uma nova forma de pensar. O estado de espírito da sociedade no final do século XIX e início do século XX. resultou na Revolução de Outubro, um ponto de inflexão na história do país. Agora um novo futuro a esperava com seus próprios ideais e objetivos. A arte, que em certo sentido é um espelho da época, também se tornou uma ferramenta para a implementação dos dogmas do novo regime. Ao contrário de outros tipos de criação artística, a pintura, que forma e forma o pensamento humano, penetra de maneira mais precisa e direta na consciência das pessoas. Por outro lado, a arte pictórica, muito menos subordinada à função de propaganda, refletia os sentimentos das pessoas, seus sonhos e, sobretudo, o espírito da época.

Vanguarda russa

A nova arte não evitou completamente as antigas tradições. A pintura, nos primeiros anos pós-revolucionários, absorveu a influência dos futuristas e da vanguarda em geral. A vanguarda, com seu desprezo pelas tradições do passado, tão próximo das ideias destrutivas da revolução, encontrou adeptos na pessoa de jovens artistas. Paralelamente a essas tendências, surgiram tendências realistas nas artes visuais, que ganharam vida com o realismo crítico do século XIX. Essa bipolaridade, que amadureceu com a mudança das eras, tornou a vida do artista da época especialmente tensa. Os dois caminhos que se traçaram na pintura pós-revolucionária, embora fossem opostos, no entanto, podemos observar a influência da vanguarda na obra de artistas da direção realista. O próprio realismo naqueles anos era diverso. As obras deste estilo têm um aspecto simbólico, propagandístico e até romântico. O trabalho de B.M. Kustodieva - "Bolchevique" e, cheio de tragédia patética e júbilo irreprimível "Novo Planeta" de K.F. Yuona.

P.N. Filonov com o seu método criativo especial - “realismo analítico” - é uma fusão de duas tendências artísticas contrastantes, que podemos ver no exemplo de um ciclo com o nome agitacional e significando “Entrar no mundo florescente”.

P.N. Filonov Navios do ciclo Entrando no mundo florescente. Galeria estatal Tretyakov de 1919

A natureza inquestionável dos valores humanos universais, inabalável mesmo em tempos tão difíceis, expressa a imagem da bela “Madonna de Petrogrado” (o nome oficial é “1918 em Petrogrado”) K.S. Petrova-Vodkin.

O trabalho criativo do pintor de paisagens A.A. Rylova. Paisagem "Sunset", em que o artista exprimiu uma premonição do fogo da revolução, que irromperá da chama crescente do fogo do juízo sobre uma época passada, é um dos símbolos inspiradores desta época.

Junto com as imagens simbólicas que organizaram a ascensão do espírito das pessoas e as carregaram, como uma obsessão, houve também uma tendência da pintura realista, com uma ânsia por uma transferência concreta da realidade.
Até hoje, as obras desse período guardam uma fagulha de rebelião que pode se afirmar dentro de cada um de nós. Muitas obras que não eram dotadas de tais qualidades ou as contradiziam foram destruídas ou esquecidas e jamais serão apresentadas aos nossos olhos.
A vanguarda deixará para sempre sua marca na pintura realista, mas começa um período de intenso desenvolvimento da direção do realismo.

O tempo das associações artísticas

1920 - a época da criação de um novo mundo sobre as ruínas deixadas pela Guerra Civil. Para a arte, este é um período em que diversas associações criativas desenvolveram suas atividades com força total. Seus princípios foram moldados em parte pelos primeiros agrupamentos de arte. A Associação dos Artistas da Revolução (1922 - AHRR, 1928 - AHR), cumpriu pessoalmente encomendas do Estado. Sob o lema do "realismo heróico", os artistas que dele faziam documentavam em suas obras a vida e o cotidiano de uma pessoa - fruto da imaginação da revolução, em vários gêneros de pintura. Os principais representantes do AHRR foram I.I. Brodsky, que absorveu as influências realistas de I.E. Repin, que trabalhou no gênero histórico-revolucionário e criou toda uma série de obras retratando V.I. Lenin, E.M. Cheptsov é um mestre do gênero do gênero, M.B. Grekov, que pintou cenas de batalha de uma forma bastante impressionista. Todos esses mestres foram os fundadores dos gêneros nos quais realizaram a maior parte de seus trabalhos. Entre eles, destaca-se a tela "Lenin in Smolny", em que I.I. Brodsky transmitiu a imagem do líder da forma mais direta e sincera.

Na pintura "Encontro da célula membro" E.I. Cheptsov de maneira muito confiável, sem exageros, descreve os eventos que ocorreram na vida das pessoas.

M.B. Gregos na composição "Trompetistas do Primeiro Exército de Cavalaria".

A ideia de uma nova pessoa, uma nova imagem de uma pessoa é expressa pelas tendências emergentes no gênero do retrato, cujos mestres mais brilhantes foram S.V. Malyutin e G.G. Ryazhsky. No retrato do escritor-lutador Dmitry Furmanov S.V. Malyutin mostra um homem do velho mundo que conseguiu se encaixar no novo mundo. Uma nova tendência, que se originou na obra de N.A. Kasatkina e desenvolvida ao mais alto grau em imagens femininas por G.G. Ryazhsky - "Delegada", "Presidente", na qual o princípio pessoal é apagado e o tipo de pessoa criada pelo novo mundo é estabelecido.
Uma impressão absolutamente precisa é formada sobre o desenvolvimento do gênero paisagístico com a visão da obra do principal pintor paisagista B.N. Yakovleva - "O transporte está cada vez melhor".

B.N. O transporte de Yakovlev está cada vez melhor. 1923

Este gênero retrata um país em renovação, a normalização de todas as esferas da vida. Nestes anos, a paisagem industrial ganha destaque, cujas imagens se tornam símbolos da criação.
A Sociedade de Pintores de Cavalete (1925) foi a próxima associação artística neste período. Aqui a artista procurou transmitir o espírito da modernidade, o tipo de pessoa nova, recorrendo a uma transmissão de imagens mais distanciada devido ao mínimo de meios expressivos. Nas obras de "Ostovtsev", o tema do esporte é freqüentemente demonstrado. Sua pintura é repleta de dinâmica e expressão, o que pode ser visto nas obras de A.A. Deineki "Defesa de Petrogrado", Yu.P. Pimenov "Futebol" e outros.

Para a base da sua criatividade artística, os membros de outra conhecida associação - “Quatro Artes” - escolheram a expressividade da imagem, devido à forma lacónica e construtiva, bem como uma atitude especial perante a sua saturação cromática. O representante mais memorável da associação é K.S. Petrov-Vodkin e uma das suas obras mais marcantes deste período - "A Morte do Comissário", que através de uma linguagem pictórica especial revela uma imagem simbólica profunda, um símbolo da luta por uma vida melhor.

P.V. Kuznetsov, obras dedicadas ao Oriente.
A última grande associação artística deste período é a Society of Moscow Artists (1928), que se diferencia das demais pela forma de esculpir enérgica de volumes, atenção ao claro-escuro e expressividade plástica da forma. Quase todos os representantes eram membros da "Volta dos Diamantes" - adeptos do futurismo - que afetou muito seu trabalho. As obras de P.P. Konchalovsky, que trabalhou em diversos gêneros. Por exemplo, retratos de sua esposa O.V. Konchalovskaya transmite as especificidades não apenas da mão do autor, mas também da pintura de toda a associação.

Pelo decreto "Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas" em 23 de abril de 1932, todas as associações artísticas foram dissolvidas e o Sindicato dos Artistas da URSS foi criado. A criatividade caiu nas amarras sinistras da ideologização rígida. A liberdade de expressão do artista, a base do processo criativo, foi violada. Apesar desse colapso, os artistas antes unidos em comunidades continuaram suas atividades, mas novas figuras assumiram o papel principal no ambiente pictórico.
B.V. Ioganson foi influenciado por I.E. Repin e V.I. Surikov, em suas telas percebe-se uma busca composicional e possibilidades interessantes na solução colorística, mas as pinturas do autor são marcadas por uma atitude satírica excessiva, inadequada de maneira tão naturalista que podemos observar o exemplo da pintura “No Velho Ural Factory ".

A.A. Deineka não se afasta da linha "oficial" da arte. Ele ainda é fiel aos seus princípios artísticos. Agora segue trabalhando em temas de gênero, além de pintar retratos e paisagens. O quadro "Futuros Pilotos" mostra bem a sua pintura desse período: romântica, leve.

O artista cria um grande número de trabalhos com o tema esporte. Desse período, suas aquarelas, pintadas a partir de 1935, permaneceram.

A pintura da década de 1930 representa um mundo ficcional, a ilusão de uma vida alegre e festiva. Foi mais fácil para o artista permanecer sincero no gênero da paisagem. O gênero de natureza morta está se desenvolvendo.
O retrato também está sujeito a um desenvolvimento intensivo. P.P. Konchalovsky escreve uma série de figuras culturais ("V. Sofronitsky ao piano"). As obras de M.V. Nesterov, que absorveu a influência da pintura de V.A. Serov, mostre uma pessoa como um criador, a essência de cuja vida é uma busca criativa. É assim que vemos os retratos do escultor I.D. Shadr e cirurgião S.S. Yudin.

P.D. Corinne continua a tradição do retrato do artista anterior, mas seu estilo de pintura consiste em transmitir a rigidez da forma, uma silhueta mais nítida e expressiva e uma cor austera. Em geral, o tema da intelectualidade criativa desempenha um grande papel no retrato.

Artista em guerra

Com o advento da Grande Guerra Patriótica, os artistas começam a participar ativamente das hostilidades. Pela unidade direta com os acontecimentos, nos primeiros anos surgem obras cuja essência é a fixação do que está acontecendo, “um esboço pitoresco”. Muitas vezes, essas pinturas careciam de profundidade, mas sua transmissão expressava uma atitude completamente sincera do artista, o cúmulo do pathos moral. O gênero do retrato está chegando a uma prosperidade relativa. Artistas, vendo e experimentando a influência destrutiva da guerra, admiram seus heróis - gente do povo, espírito persistente e nobre, que demonstrou as mais altas qualidades humanísticas. Essas tendências resultaram em retratos cerimoniais: “Retrato do Marechal G.K. Zhukov ”por P.D. Korina, rostos alegres das pinturas de P.P. Konchalovsky. Os retratos da intelligentsia de M.S. Saryan, criada durante a guerra - esta é a imagem do acadêmico “I.A. Orbeli ”, o escritor“ M.S. Shahinyan "e outros.

De 1940 a 1945, a paisagem e a vida cotidiana também se desenvolveram, que A.A. Camadas. "Fascist Flew" transmite a tragédia da vida desse período.

O psicologismo da paisagem aqui preenche a obra ainda mais com a tristeza e o silêncio da alma humana, só o uivo de um amigo dedicado corta o vento da confusão. Por fim, o significado da paisagem é repensado e passa a personificar a imagem dura do tempo de guerra.
As fotos dos objetos se destacam separadamente, por exemplo, "Mother of the Partisan" de S.V. Gerasimova, que se caracteriza pela recusa em glorificar a imagem.

A pintura histórica oportuna cria imagens de heróis nacionais do passado. Uma dessas imagens inabaláveis ​​e inspiradoras de confiança é "Alexander Nevsky", de P.D. Korina, personificando o espírito orgulhoso invencível do povo. Nesse gênero, no final da guerra, há uma tendência para o drama simulado.

Tema de guerra na pintura

Na pintura do período pós-guerra, ser. 1940 - fim. Na década de 1950, o tema da guerra, como prova moral e física, da qual saiu vitorioso o povo soviético, ocupa posição de destaque na pintura. Gêneros histórico-revolucionários, históricos estão se desenvolvendo. O tema principal do gênero cotidiano é o trabalho pacífico, com que se sonhava durante os longos anos de guerra. As telas desse gênero são permeadas de alegria e felicidade. A linguagem artística do gênero cotidiano torna-se narrativa e tende a ser realista. Nos últimos anos desse período, a paisagem também sofreu modificações. Nela se revive a vida da região, a ligação entre o homem e a natureza é reforçada novamente, surge uma atmosfera de tranquilidade. O amor pela natureza também é elogiado na natureza-morta. Um desenvolvimento interessante é recebido pelo retrato na obra de vários artistas, que se caracteriza pela transferência do indivíduo. Algumas das obras mais destacadas desse período foram: "A Letter from the Front", de A.I. Laktionova, uma obra como uma janela para um mundo radiante;

composição "Rest after the battle", em que Yu.M. Neprintsev atinge a mesma vitalidade da imagem que a A.I. Laktionov;

o trabalho de A.A. Mylnikova "On Peaceful Fields", regozijando-se com o fim da guerra e a reunificação do homem e do trabalho;

a imagem original da paisagem de G.G. Nyssa - "Acima das Neves" e outros.

Estilo áspero para substituir o realismo socialista

Arte 1960-1980 é uma nova etapa. Está a ser desenvolvido um novo "estilo rude", cuja tarefa era recriar a realidade sem tudo o que priva a obra de profundidade e expressividade e prejudica as manifestações criativas. Ele foi caracterizado pelo laconicismo e generalização da imagem artística. Os artistas desse estilo glorificaram o início heróico dos árduos dias de trabalho, que foi criado pela estrutura emocional especial do quadro. O "estilo severo" foi um passo definitivo para a democratização da sociedade. O principal gênero para o qual os adeptos do estilo trabalharam foi o retrato, o retrato de grupo, o gênero do gênero, o gênero histórico e histórico-revolucionário também se desenvolveram. V.E. Popkov, que pintou muitos autorretratos, V.I. Ivanov é um defensor do retrato de grupo, G.M. Korzhev, que criou pinturas históricas. A revelação da essência do "estilo severo" pode ser vista na pintura "Geólogos" de P.F. Nikonov, "Polar explorers" A.A. e P.A. Smolin, "Father's Overcoat" de V.E. Popkov. No gênero paisagem, surge o interesse pela natureza nortenha.

O simbolismo da era de estagnação

Nas décadas de 1970-1980. uma nova geração de artistas está sendo formada, cuja arte influenciou em certa medida a arte de hoje. Eles são caracterizados por uma linguagem simbólica, entretenimento teatral. Sua pintura é bastante artística e virtuosa. Os principais representantes desta geração são T.G. Nazarenko ("Pugachev"),

um dos temas favoritos era um feriado e um baile de máscaras, A.G. Sitnikov, que usa a metáfora e a parábola como uma forma de linguagem plástica, N.I. Nesterova, criadora de pinturas controversas ("A Última Ceia"), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnov.

A última Ceia. N.I. Nesterova. 1989

Assim, este tempo surge na sua diversidade e diversidade como o elo final e formativo da arte contemporânea.

Uma enorme riqueza do patrimônio pictórico das gerações anteriores foi descoberta em nossa era. O artista contemporâneo praticamente não se limita a nenhum quadro que o definia, e às vezes até hostil ao desenvolvimento das artes plásticas. Alguns dos artistas contemporâneos tentam aderir aos princípios da escola realista soviética, alguém se encontra em outros estilos e direções. As tendências da arte conceitual, que são percebidas de forma ambígua pela sociedade, são muito populares. A amplitude dos meios e ideais artísticos e expressivos que o passado nos proporcionou devem ser repensados ​​e servir de base para novos caminhos criativos e para a criação de uma nova imagem.

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Não apenas em Leningrado, mas também em Moscou - os dois centros de arte mais ativos do país - há cada vez mais apelos para opor o pôster soviético ao ocidental, cada vez mais o conhecimento de artistas russos com as obras de seus Colegas alemães, as realizações de artistas gráficos franceses ou americanos são vistas como uma influência prejudicial. Mesmo um mestre gosta Lissitzky, cujo trabalho na década de 1920. esteve intimamente associado ao processo artístico mundial, mais uma vez ressaltado na introdução do catálogo All-Union Printing Exhibition em 1927 que foi a Revolução de Outubro de 1917 que contribuiu para a criação de novos gráficos industriais. Observando que na Alemanha o pôster "foi usado politicamente", Lissitzky ainda insistiu que "apenas em nosso país ele foi lançado em uma forma social e artística clara". ...

As teses de Lissitzky sobre a essência inovadora e a atividade social da fotomontagem russa foram vividamente ilustradas na exposição de 1927 por pôsteres Klutsis e Senkina... Em seu trabalho, a fotomontagem, o acalorado debate sobre o qual não se acalmou ao longo da década de 1920, ganhou vida especial. Eles conseguiram dar diversidade de enredo e polifonia visual especial às folhas dedicadas aos apelos e planos industriais da festa. De forma nítida, comparando ativamente fragmentos de fotografia documental natural com elementos gráficos convencionais, esses mestres aumentaram a escala da forma do pôster, conferindo-lhe maior monumentalidade e até certo caráter épico.

Klutsis foi um membro fundador associação "outubro", cuja declaração, publicada em junho de 1928, dizia que todos os tipos de artes - tanto tradicionais - pintura, gráfica, e "industrial" - cartaz, fotografia ou cinema - deveriam antes de tudo "servir aos trabalhadores" no campo da propaganda ideológica ", como bem como na esfera da "produção e organização direta da vida cotidiana". E quase todas as folhas Klutsis, em que as fotografias são combinadas com composições de tipo ("Da NEP a Rússia será a Rússia socialista" (Nº 14)) ou em que contrastes de cores são vividamente usados ​​("Membros do Komsomol, em semeadura de choque!" (Nº 15)) são dedicado à propaganda ideológica. Notáveis ​​pelo seu poder pictórico e dinamismo especial, muitas vezes criado por acentos visuais inesperados ("O desenvolvimento do transporte é uma das tarefas mais importantes na implementação do plano quinquenal" (nº 16)), cartazes de Klutsis ou seu seguidor Senkin foram percebidos por muitos como as próprias "pinturas proletárias", sobre as quais foram escritas pelos teóricos do construtivismo. É interessante que o nascimento de algumas das folhas foi precedido, como no caso dos pintores de cavalete, do "período de estudo", o tempo de acumulação do material natural. Fizeram viagens às regiões industriais do país, e no Donbass, por exemplo, fotografaram tipos expressivos de garimpeiros, que mais tarde se tornaram imagens centrais das composições de pôsteres (“Vamos devolver nossa dívida de carvão ao país” (nº 13 )).

Klutsis também defendeu essas teses em uma discussão no Instituto de Literatura, Arte e Linguagem da Academia Comunista, que se desenvolveu graças ao decreto do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques adotado em março de 1931 "Na literatura de pôster"... Ele declarou "uma atitude inaceitavelmente feia em relação ao negócio de pôsteres por parte de várias editoras ... que se refletiu no lançamento de uma porcentagem significativa de pôsteres anti-soviéticos."

Nesse sentido, a liderança da "produção de pôsteres" foi transferida para Departamento de agitação e campanhas de massa do Comitê Central, um sistema de rígida revisão ideológica foi introduzido, envolvendo não apenas a censura oficial, mas também alunos do Instituto de Professores Vermelhos. Foi também proposta a organização de “debates preliminares” nas empresas, onde os trabalhadores comuns deviam desenvolver temas, bem como visualizar esboços e “produtos de cartazes ilustrados” acabados.

Assim, o cartaz foi um dos primeiros a passar por uma regulamentação rígida por parte das autoridades partidárias, e as disputas artísticas terminaram em total controle ideológico.
Em 1932 o livro foi publicado "Para o pôster bolchevique", no prefácio do qual foi enfatizado: "As instruções do camarada Stalin exigem da frente das artes proletárias que dê a mais severa repulsa a todos os desvios do leninismo." Aqui estava a instrução principal: "O primeiro e principal requisito que devemos apresentar ao cartaz é a saturação política e ideológica; ele deve conter um conteúdo que procede de nossa realidade em uma interpretação dialético-materialista dela."

Este período (em conexão com mudanças históricas óbvias) é caracterizado por uma mudança na linha principal da arte oficial em comparação com o estágio anterior no desenvolvimento da arte russa. O conteúdo ideológico começa a vir à tona.

A arte pertence ao povo. Ele deve ter suas raízes mais profundas na espessura das massas trabalhadoras, deve ser compreendido por essas massas e ser amado por elas. Deve expressar os sentimentos, pensamentos e vontade dessas massas, elevá-los. Deve despertar os artistas neles e desenvolvê-los.

As principais "tarefas" da arte soviética: "servir o povo, defender a causa comum da luta pelo socialismo e pelo comunismo, levar a verdade às pessoas, fazer nascer nelas um princípio criativo".

Além disso, nacionalidade e multinacionalidade eram conceitos importantes.

Periodização 1917-1990:

1 1917-1922 - arte do período da revolução e guerra civil

2 1922-1932 - A teoria de Marx deixa de funcionar, a teoria de Nep

3 1932-1941 - arte dos anos 30, princípios partidários, realismo socialista

4 1941-1945 - a arte da Segunda Guerra Mundial, toda arte para o front, para a vitória, gráficos, pôster político soviético, na pintura de uma paisagem histórica ganham destaque.

5 1945-1960-arte dos anos pós-guerra

6 1960-1980- a era da estagnação de Brejnev

A história da arte soviética dividiu os mestres da pintura soviética deste período em dois grupos:

Artistas que procuraram capturar enredos na familiar linguagem pictórica da representação factual

Artistas que usaram uma percepção mais complexa e imaginativa da modernidade. Eles criaram imagens de símbolos em que tentaram expressar sua percepção "poética e inspirada" da época em seu novo estado.

2 Pintura do período da revolução e da guerra civil 1917-1922. A arte do período da Revolução e da Guerra Civil Já nos primeiros meses após a chegada ao poder, o governo soviético adotou uma série de decretos que foram importantes para o desenvolvimento da cultura:

Em novembro de 1917, no âmbito do Comissariado do Povo para a Educação, foi criado um Conselho para os museus e a proteção dos monumentos de arte e antiguidade.

"Sobre o registo, registo e armazenamento de monumentos de arte e antiguidade" (5 de outubro de 1918) sobre o registo geral de obras e monumentos de arte e antiguidade. Esta contabilidade foi realizada pelo departamento de museus do Comissariado do Povo para a Educação.

“Sobre o reconhecimento das obras científicas, literárias, musicais e artísticas de propriedade do Estado” (26 de novembro de 1918)

A questão dos museus se tornou um aspecto importante da política de arte do governo. Nos primeiros anos, o governo soviético nacionalizou museus de arte, coleções particulares e coleções. Para o estudo e sistematização dos valores artísticos, o Estado fundo do museu, onde os valores do museu estavam concentrados. Após contabilização, sistematização e estudo, deu-se início à etapa de aquisição dos museus - os valores foram distribuídos de forma aproximadamente homogênea entre os diversos museus do país. Paralelamente, iniciou-se a construção de museus em grande escala. Quadro Nos primeiros anos da revolução, as formas tradicionais de cavalete continuaram a se desenvolver. Muitos dos artistas soviéticos da geração mais velha dos primeiros anos do poder soviético foram formados, é claro, nos anos pré-revolucionários e, naturalmente, "o contato com uma nova vida foi repleto de dificuldades consideráveis ​​para eles, que estavam associadas com o colapso dos indivíduos criativos já formados no período da revolução. " História da arte soviética dividida mestres da pintura soviética deste período em dois grupos:

Artistas que procuraram capturar enredos na linguagem pictórica familiar da exibição factual

Artistas que usaram uma percepção mais complexa e imaginativa da modernidade. Eles criaram imagens-símbolos nos quais tentaram expressar sua percepção “poética e inspirada” da época em seu novo estado.

As formas de arte capazes de "viver" nas ruas nos primeiros anos após a revolução desempenharam um papel importante na "formação da consciência social e estética do povo revolucionário". Portanto, junto com a escultura monumental, o cartaz político recebeu o desenvolvimento mais ativo. Acabou sendo a forma de arte mais móvel e operacional.

Durante a Guerra Civil, este gênero foi caracterizado pelas seguintes qualidades:

“A nitidez da apresentação do material,

Resposta instantânea a eventos que mudam rapidamente,

A orientação da propaganda, graças à qual se formaram as principais características da linguagem plástica do cartaz.

Acabaram por ser laconicismo, convencionalidade da imagem, clareza de silhueta e gesto. " Os pôsteres eram extremamente comuns, impressos em grandes tiragens e colocados em todos os lugares.

Antes da revolução, os cartazes políticos (como um tipo estabelecido de gráfico) não existiam - havia apenas cartazes publicitários ou teatrais. O cartaz político soviético herdou as tradições da arte gráfica russa, principalmente a sátira das revistas políticas. Muitos dos mestres do pôster desenvolveram-se precisamente em revistas. Decoração festiva de cidades

A decoração das festividades é outro fenômeno novo da arte soviética que não tinha tradição. Os feriados incluíam os aniversários da Revolução de Outubro, 1º de maio, 8 de março e outros feriados soviéticos.

Isso criou uma nova forma de arte não tradicional, graças à qual a pintura adquiriu um novo espaço e função.

Para as festas de fim de ano, foram criados painéis monumentais, que se caracterizavam por um imenso patos de propaganda monumental. Artistas criaram esboços para o projeto de praças e ruas. Primeiro pós-revolucionário o quinquênio (1917-1922) foi marcado pela diversidade e fragilidade das plataformas artísticas, atividade de artistas de esquerda, que viram nas novas condições a oportunidade de concretizar as ideias inovadoras mais ousadas.

A maioria dos artistas pré-revolucionários começou a colaborar com o governo soviético, entre os quais estavam os Itinerantes e os impressionistas russos (Rylov, Yuon) e Miriskusniks (Lancere, Dobuzhinsky) e os "azuis-rozovtsy" (Kuznetsov, Saryan ) e os "Diamantes" (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov).

No início, os abstracionistas V. Kandinsky e K. Malevich ocuparam um lugar de destaque no Departamento de Belas Artes do Comissariado do Povo para a Educação. As idéias da revolução deram origem a novos rumos. Entre eles, a nova vanguarda revolucionária russa "Unovis" ("Endurecedores da Nova Arte", 1919-1920. Malevich, Chagall, Lissitzky) declarou uma luta pela arte "pura" e começou a desenvolver formas de agitação. A "KNIFE" (Nova Sociedade de Pintores) era próxima dos Diamantes.

“Proletkult” tentou criar uma organização de uma nova cultura proletária “sobre as ruínas do passado”, rejeitando a herança clássica, mas não durou muito, sem o apoio de artistas e espectadores.

Os artistas das associações das Quatro Artes (Kravchenko, Tyrsa, Petrov-Vodkin) e Makovets (Chekrygin, pai Pavel Florensky) se manifestaram contra o vanguardismo pela profundidade filosófica da arte e o monumentalismo tradicional das formas.

O romantismo dos primeiros anos pós-revolucionários em forma simbólica e alegórica foi transmitido por P. Filonov em uma série de pinturas "Entrando na flor do mundo" (1919); K. Yuon "Novo Planeta", B. Kustodiev "Bolchevique". No início do século 20, K. Petrov-Vodkin (1878-1939) expressou uma premonição das futuras mudanças na Rússia em sua pintura Banhando um Cavalo Vermelho (1912, Galeria Tretyakov). Ele retratou a ameaça à vida pacífica das pessoas comuns durante a Guerra Civil no filme “1919. Anxiety "(1934, RM).

O tipo de um novo herói - um homem do trabalho, um atleta e um ativista social - é criado no gênero retrato de A.N. Samokhvalov "Garota em uma T-shirt". durante os anos da guerra civil, a arte da propaganda em massa vem à tona: decoração de feriados e comícios, pintura de trens de propaganda, etc. (B. Kustodiev, K. Petrov-Vodkin, N. Altman); cartaz político (A. Apsit “Seios em defesa de Petrogrado”, D. Moor “Você se inscreveu como voluntário?”, “Socorro!”. Janelas ROST (1919-1921, Maiakovski e Cheremnykh).

Em 1922, foi criada a AHRR (Associação de Artistas da Rússia Revolucionária), que existiu até 1932. Seus organizadores foram A. Arkhipov, N. Dormidontov, S. Malyutin e outros errantes tardios. A propaganda de seu “novo curso” atraiu artistas com diferentes visões sobre a arte - ex-Valets of Diamonds, artistas da Sociedade “KNIFE”, “4 Arts” e outros.