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O início do século XXI é o nosso tempo, o tempo em que todos vivemos, o tempo do desenvolvimento da tecnologia e das novas tendências, não menos técnicas, na arte, mas é este tempo, o início do século XXI, que já é chamado de tempo de renascimento, renascimento, ilustração de moda, ilustração de moda. A mesma velha boa ilustração, que no século XX foi suplantada pela fotografia.

É tão comum ver fotografias nas capas e páginas das revistas de moda, mas agora as ilustrações convivem muito bem ao lado das fotografias. Em geral, desempenham as mesmas funções - mostram, transmitem uma imagem para nós, aparência esta ou aquela coisa, anunciando-a. A fotografia é moderna, a ilustração é antiga, porque naquela época, quando o mundo ainda não sabia o que era uma câmera, ela desempenhava as funções da fotografia com muito sucesso. Mas também há diferenças entre eles. Na ilustração, há muito mais espaço para a manifestação do talento, da individualidade, da ideia de algo, da criatividade e, portanto, muito mais do que o próprio autor. No final das contas, quase todo mundo sabe tirar fotos hoje, mas não desenhar. E isso também dá à ilustração de moda uma certa magia.

Os protótipos das primeiras ilustrações de moda podem ser considerados gravuras e gravuras do século XVI, que retratam senhoras e senhores, fashionistas e mulheres da moda. Mas a ilustração de moda em si aparece no século 19. XIX - a primeira metade do século XX - época de seu apogeu. O designer de moda francês Paul Poiret apoia ativamente ilustradores de moda, trabalha com ilustração de moda e. No início do século XX, inúmeros ornamentos florais, que era popularmente chamado de "espinafre". Em seguida, o plano de fundo é removido completamente ou se torna mais diversificado.

ilustrações de moda de diferentes épocas

Na primeira metade do século XX, não apenas especialistas estreitos, aqueles cujo pão é a ilustração, mas também muitos artistas conhecidos, trabalham na ilustração de moda. Assim, os desenhos de moda do trabalho aparecem na Vogue. E ao artista russo Roman Tyrtov (mais conhecido como Erte) foi oferecido cooperação em 1914 por duas revistas de moda ao mesmo tempo: Vogue e Harper's Bazaar. Dizem que Erte agiu completamente banal - para não ser atormentado pelo problema da escolha, ele simplesmente jogou uma moeda: “cara ou coroa”. E o destino na forma de uma moeda apontava para a Harper's Bazaar.

A ilustração de moda floresceu nas capas e páginas das revistas de moda até a década de 1930. Foi nessa época que a fotografia começou a suplantá-la.

Mas um novo fôlego, um pequeno renascimento, para a ilustração de moda é obra do ilustrador de moda francês Rene Gruault. Gruault por muito tempo trabalha com a Maison Dior, para a qual desenhou catálogos, embalagens (perfumes) e até anúncios e convites. Rene Gruault trabalhou com a Dior nos anos 40, 50, 60 e 70. É bem possível dizer que a imagem da Maison Dior foi determinada, entre outras coisas, por Rene Gruault. No entanto, ele trabalhou não apenas em gráficos de moda, mas também em publicidade, ainda mais em publicidade. Nos anos 60, Gruault também colaborou com Valentino. Suas ilustrações apareceram nas revistas Vogue e L'Officiel. De fato, em meados do século XX, as ilustrações de Gruault conquistaram a fotografia, mas esta foi apenas uma agradável exceção e não a regra. O interesse pela ilustração de moda ressurgiu apenas no início do século XXI.

Vamos para o mais interessante - para desenho de roupas! Neste tutorial, você aprenderá a construir uma silhueta corretamente, determinar o ângulo do modelo e vestir o corpo com tecido para que pareça natural.

Silhueta

Até que você domine completamente a estrutura da roupa, desenharemos um esboço de moda como se estivesse vestindo o “corpo” que você aprendeu a desenhar.

Observe que, embora cada linha seja um elemento importante no esboço final, ela não precisa parecer realista. Mais importante, mantenha um desenho bem construído até conseguir o desenho desejado. Ao repetir o padrão repetidamente, você poderá modelar e criar seu próprio design.

No design de moda, tente evitar formas difusas. Ao apresentar suas ideias como um esboço, certifique-se de considerar onde o tecido está pendurado e evite designs com recursos que não correspondam à gravidade ou boa mobilidade. Agindo desta forma, você encontrará "sua silhueta".

Relação entre tecido e corpo

Há um espaço entre o corpo e o tecido. É necessário para a mobilidade e para criar estilo. Estude quais partes do corpo tocarão e não tocarão no tecido olhando para sua própria roupa e descreva isso em linhas em seu desenho. Leva Atenção especial braços e pernas, sem esquecer a força da gravidade.

Determine o ângulo

Os esboços de moda parecerão mais convincentes se o modelo e as roupas forem retratados com um certo efeito tridimensional. Abaixo estão 4 modelos de diferentes ângulos. Se você pensar no corpo como um tubo, ajudará a entender como é importante desenhar corretamente as bordas das roupas.

Ao desenhar linhas horizontais, como uma bainha, em vez de linhas verticais, como a linha lateral do corpo, é necessário levar em consideração sua linha contínua em direção às costas. Certifique-se de definir o ponto de vista corretamente para poder renderizar seu projeto corretamente. O ponto de vista padrão no design de moda está na altura dos olhos da modelo e a uma distância de 2-3 metros dela.

Como desenhar rebaixos, ajuntamentos, dobras e cortinas

Rebaixos, pregas e dobras são usados ​​para aumentar ou diminuir o volume de uma peça de vestuário. Eles precisam ser considerados por razões estruturais e funcionais ao fazer um esboço. Você precisa conhecer as regras que indicarão onde e em que direção você precisa adicionar ou reduzir o volume.

Os designers de roupas sempre se concentram no volume e na direção do drapeado, que é determinado pela direção do grão do tecido, pela forma do corpo e pela gravidade. Primeiro desenhe a cortina em um pedaço de papel separado para entender como você quer que ela fique no tecido e onde colocá-la.

Características do tecido/pregas

Enquanto a cortina cria belas linhas quando está estática, as linhas que aparecem ao se mover são chamadas de dobras. Quando dois pontos de desenho em um tecido são separados verticalmente, horizontalmente ou diagonalmente, podem ocorrer vincos. Tudo o que você pode fazer é desenhar linhas curvas suaves para frente e para trás entre esses pontos de design.

Desenhe dobras partindo do centro do corpo e representando a textura do tecido para não estragar a forma. Estude a direção do fluxo do tecido.

Use diferentes opções de linha

Variando a espessura das linhas ou criando diferentes níveis, você pode aumentar drasticamente a quantidade de informações transmitidas sobre seu projeto. Adicionar um pouco de sombra ao longo da borda do tecido elevado suavizará as linhas.

Como mostrado na imagem acima, o efeito de adicionar níveis à borda da cintura é óbvio.

O bolso é um detalhe importante no seu design.

O colar (canto superior esquerdo) parece um pedaço de papel dobrado, enquanto o próximo (segundo da esquerda) parece mais macio. Apenas uma pequena diferença nas linhas realça a imagem e pode expressar a espessura do tecido.

esboços de moda

Se você esboçar a partir de um modelo real, gastando não mais que 10 minutos em cada esboço, você aumentará muito efetivamente sua capacidade de "pegar" o essencial. O objetivo dos esboços é treinar seu olho e melhorar suas habilidades de desenho à mão livre, os detalhes não são importantes aqui. Apenas se concentre em suas observações. Primeiro, desenhe o corpo com linhas finas e, em seguida, adicione detalhes gradualmente depois de “pegar” a imagem inteira.

Um dia, quando você conseguir o que queria, depois de apagar as linhas indesejadas, você verá quase imperceptíveis verticais e linhas horizontais. Desenhe pessoas ao seu redor que você gosta. Eu recomendo tentar diferentes poses e estilos que não sejam esboços de moda modelos profissionais.

Foram utilizados materiais do livro "Técnicas de ilustração de moda contemporânea" de Naoki Watanabe.

Ilustração de David Downton: Cate Blanchett na capa da Vogue Austrália

Sempre pensei que a moda é um assunto legítimo para a arte…. Veja como ilustradores de moda como Eric e Antonio ou René Gruault ajudaram a definir os tempos em que vivemos. Eles eram como qualquer fotógrafo ao pensar em como queremos ser e como queremos viver,

Diz David Downton, um dos ilustradores mais famosos e talentosos do nosso tempo.E isso é verdade, porque foi a ilustração que serviu de fotografia em uma época em que ainda estava muito antes do advento da câmera: introduziu novas tendências de moda, demonstrou novos trajes e tendências.

HISTÓRIA DE MODA-ILUSTRAÇÃO

A ilustração de moda existe há mais de 500 anos. Seus protótipos podem ser considerados gravuras e águas-fortes do século XVI representando damas e cavalheiros da corte - os principais (e, em geral, os únicos) fashionistas e fashionistas daqueles séculos. Por exemplo, no final do século XVI, livros com imagens de roupas e instruções de costura apareceram na Espanha.

VACLAV HOLLAR

Naquela época, um dos primeiros ilustradores de moda é considerado o artista gráfico e artista tcheco Wenceslaus Hollar (13 de julho de 1607 - 28 de março de 1677), que trabalhou em Londres a partir de 1640. Hollar trabalhou na técnica de gravura, criou cerca de 2740 gravuras em vários tópicos, entre os quais estavam imagens de trajes femininos.

Em 1679, na França, em Lyon, começa a aparecer a revista "Mercure Galant", a partir da qual começa a história do brilho da moda. A revista foi adornada com desenhos feitos à mão por famosos artistas franceses: Abraham Bosse, Pierre Bonnard e outros.

Desde então, as publicações que apresentavam estampas de moda se tornaram comuns, e fashionistas de todo o mundo aguardavam ansiosamente as últimas edições. As primeiras revistas de moda reais surgiram na segunda metade do século XVIII, então a ilustração de moda começou a se desenvolver ativamente, e seu alvorecer ocorre no período do século XIX à primeira metade do século XX. Desta vez, deu ao mundo os ilustradores mais talentosos que influenciaram muito a percepção da moda como arte.

1850-1900 Figuras notáveis ​​no mundo da moda foram o pintor italiano Giovanni Boldini (1842-1931) e o artista gráfico americano Charles Dana Gibson (1867-1944).

GIOVANNI BOLDINI

Giovanni Boldini, sendo um excelente retratista em seu tempo final do XIX- no início do século XX, entrou para a história, afinal, como um dos primeiros ilustradores de moda. Senhoras autoconfiantes apareceram em suas pinturas Alta sociedade em vestidos de noite requintados. Foi Giovanni Boldini quem, há mais de cem anos, participou de uma nova percepção do ideal beleza feminina. Dame Boldini é mais alta que a média, tem um tornozelo fino, seios pequenos e é particularmente esbelta.

A ilustração de moda é uma tarefa extremamente difícil. Por um lado, o artista precisa retratar lindamente o modelo em uma pose espetacular e, por outro lado, criar aparência elegante(ou pelo menos desenhe lindamente o final). Além disso, as proporções figura humana no processo de desenho de moda, eles mudam muito, e o ilustrador precisa de um maior senso de equilíbrio e harmonia. As páginas dos ilustradores de moda na rede Instagram são uma excelente fonte, como dizem na própria rede, inspiração diária. E o número de assinantes de alguns deles já ultrapassou centenas de milhares! Vamos ver em quais ilustradores você deve se inscrever e por quê.

alyray_

No passado, a designer Alena Radygina ilustra há cerca de sete anos. Três ensino superior, assim como personagem de ferro, ajudou Alena a criar uma escola de ilustração de moda, que, segundo ela, não é tão fácil de entrar e ainda mais difícil de estudar. O ilustrador também grava master classes em três idiomas e recentemente colaborou com a Louis Vuitton. Concordo, poucas pessoas podem se gabar de tanto sucesso!

moda de papel

A ilustradora americana Cathy Rogers trabalha com aquarelas desde 2009. Desde então, sua técnica se tornou uma das mais reconhecidas e seu blog pessoal um dos mais populares. No Instagram, mais de 650 mil pessoas se inscreveram na página de Katie!

Katy costuma usar strass e miçangas em seus trabalhos, o que dá volume às suas ilustrações. Também recentemente, a garota se interessou por animação: agora muitos de seus trabalhos ganham vida quase no verdadeiro sentido da palavra.

daria_ilustrador

Daria é uma das poucas ilustradoras de moda na Rússia que usa não apenas tintas tradicionais, artesãos e lápis, mas também as tecnologias mais avançadas – um tablet e uma caneta. No Instagram da Dasha, você encontra ilustrações completamente diferentes: fashion, cotidiana, romântica.

Holly Nichols @hnicholsillustration

A ilustradora Holly Nichols mora em Boston. Por que vale a pena assiná-lo? Bem, em primeiro lugar, a página de Nichols é constantemente atualizada todos os dias (poucos ilustradores podem se gabar do mesmo), e em segundo lugar, gostamos do estilo de suas ilustrações - leves e românticas.

Lena Ker @lenaker

A ilustradora Lena Ker "desenha" mostra, colabora com publicações como Buro 24/7, SNC, Glamour, Harper's Bazaar e mais recentemente com Vogue. Mais de 75 mil pessoas já se inscreveram no Instagram de Lena, e isso não sem motivo: compartilha um pouco seus trabalhos, e isso acontece com pouca frequência, mas cada trabalho se torna mais valioso para os fãs de seu trabalho.

Paul Keng @ ilustrador de paulkeng

O ilustrador de moda americano Paul Kang será de interesse principalmente para iniciantes. Ele generosamente compartilha seus próprios tutoriais em vídeo, nos quais, talvez não muito detalhados, mas muito claramente fala sobre seu trabalho. E suas aquarelas fascinam tanto quanto as pinturas de Monet. Por que não se inscrever?

meganhess_oficial

Como a própria Megan escreve em sua página do Instagram, seus clientes são Dior, Fendi, Prada, Louis Vuitton, Vanity Fair, Vogue, Tifanyy & Co, Cartier, Disney... e no seu trabalho gosta de recorrer ao monocromático.

komyagina23

A designer de joias, estilista e ilustradora Anya Komyagina chama seu estilo de "surrealismo aplicado". Segundo ela, o processo de desenhar ocorre de forma instintiva e inconsciente, o que a ajuda a espirrar muitas emoções com a ajuda de lápis e pincéis. A lista de realizações de Anna inclui a colaboração com revistas de luxo russas e uma exposição com curadoria de Andrey Bartenev.

hayden_Williams

Falando em ilustradores de moda, não poderíamos deixar de mencionar a lenda viva deste difícil negócio, Hayden Williams. Seu estilo de ilustração "cartoon" tem mais de um milhão de seguidores no Instagram! Além disso, retratos de celebridades e vários personagens de filmes costumam aparecer em sua página: suas ilustrações são sempre relevantes.

boneca_recordações

O talentoso ilustrador de Bucareste Ira Komleva completa nossa classificação. Seu estilo é baseado em semelhança impressionante e detalhes altos. Ira tem mais de 450 mil seguidores no Instagram e também tem sua própria loja online onde você pode comprar obras a preços relativamente baixos.

foto do Instagram

1. Com pressa

A estética dos esboços rápidos cativa à primeira vista, pois combina como nenhum outro com o espírito da semana de moda. É brilhante, expressivo e muito expressivo. A propósito, a velocidade de execução de tal esboço pode ser enganosa! Muitas vezes o espectador pensa que o desenho demorou cerca de 5 minutos, enquanto o artista trabalhou mais. É ótimo se um ilustrador fizer esboços ao vivo, eles não têm preço.

A principal coisa que você precisa para dominar o esboço é obter velocidade. Por exemplo, abra as últimas fotos dos shows em Londres (a LFW será realizada de 14 a 18 de setembro) e reserve de 3 a 5 minutos para cada imagem, trabalhando com um lápis macio ou caneta hidrográfica. Garanto-lhe que depois de algumas dezenas de esboços você notará progresso.

2. "Como na foto."

Estou brincando, claro. Por artistas profissionais esse elogio comum é duvidoso, mas foi assim que decidi designar a direção o mais próximo possível do realismo. Acho que trabalham nesse estilo aqueles mestres que se inspiram nos rostos das modelos e querem a melhor maneira exibir e realçar sua beleza.

O realismo requer grande habilidade e habilidade. O estudo da anatomia é uma base necessária porque é muito fácil para o espectador ler inconsistências nas proporções. Para dominar essa direção, você pode começar do básico, ou seja, Com desenho acadêmico lápis.

O designer de marca Nikolay Legenda compartilha sua visão de ilustração de moda e festa brilhante MBFWRússia OLGA KAPITONOVA.

“No meu trabalho, a personalidade do ilustrador é importante para mim.

Você precisa desenvolver sua própria caligrafia. Assim como os designers trabalham em sua própria direção, os ilustradores também. Se desejar, você pode desenhar tudo, mas todos escolhem o que fica mais próximo dele em grande estilo.

O desenho dos detalhes da roupa depende do objetivo final das ilustrações. Para a transferência da imagem não é tão importante peças pequenas, mas acho que para um ilustrador não seria supérfluo conhecer a lógica das coisas, embora pequena, mas deveria ser. Esboços rápidos não têm tempo para desenhar, há mais ênfase na silhueta, texturas, etc. Mas mesmo esses esboços devem ter a aparência de um trabalho acabado.

3. No mundo dos contos de fadas

As ilustrações de moda fantasia são, na minha opinião, as mais subestimadas! Para ser honesto, não tenho imaginação para criar tanta beleza, e a fantasia é definitivamente necessária aqui. Se você sente que imagens extraordinárias estão nascendo em sua cabeça, tente esboçá-las pelo menos em uma versão grosseira. Conhecimento básico desenho e pintura definitivamente não interferem, mas pessoas com uma imaginação única não precisam ir a cursos de ilustração de moda.

4. "Lukhari"

O estilo mais procurado entre os clientes e nos estoques é a versão moderna do "dolce vita". Entre todos os autores, destacam-se Hayden Williams e Megan Hess. Suas heroínas são chiques e brilhantes, e as proporções lembram marionetes.

Tendo estudado bem as características das proporções deste gênero e trazendo algo de si mesmo, você pode criar com sucesso suas próprias imagens da “vida bonita”.

5. Personagens

Para a sobremesa, deixei uma arte única, inusitada, que inspira principalmente a personalidade de seu criador. Os ilustradores desta série criaram seus próprios personagens. Este é o caso quando nenhuma regra de aprendizagem se aplica. O principal é mais coragem e que todos os trabalhos sejam criados no âmbito de um conceito criativo. A inspiração deve ser encontrada dentro de você. Os personagens já criados antes são tão vívidos e famosos que qualquer imitação será lida.

Desejar sucesso criativo e brilhante outono!