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Bildende Kunst kann eine ganze Reihe von Emotionen hervorrufen. Manche Gemälde lassen einen stundenlang starren, während andere buchstäblich schockieren, in Erstaunen versetzen und das Weltbild sprengen. Es gibt solche Meisterwerke, die zum Nachdenken und Suchen anregen geheime Bedeutung. Manche Gemälde sind von mystischen Geheimnissen umgeben, während bei anderen die Hauptsache ihr exorbitant hoher Preis ist.

In der Geschichte der Weltmalerei gibt es viele seltsame Gemälde. In unserer Bewertung verzichten wir bewusst darauf, Salvador Dali zu erwähnen, der ein Meister dieses Genres war und dessen Name uns zuerst einfällt. Und obwohl das eigentliche Konzept der Fremdheit subjektiv ist, können wir diese hervorheben Berühmte Werke, die sich deutlich von der allgemeinen Serie abheben.

Edvard Munch „Der Schrei“. Das 91 x 73,5 cm große Werk entstand 1893. Munch malte es in Öl, Pastell und Tempera; heute wird das Gemälde aufbewahrt Nationalgallerie Oslo. Das Werk des Künstlers ist zu einer Ikone des Impressionismus geworden; es ist heute allgemein eines der berühmtesten Gemälde der Welt. Munch selbst erzählte die Geschichte seiner Entstehung: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang, als die Sonne plötzlich unterging, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun das Blut und die Flammen über dem bläulichen – dem schwarzen Fjord und der Stadt. Meine Freunde zogen weiter, aber ich stand immer noch da, zitternd vor Aufregung, und spürte, wie die endlosen Schreie die Natur durchdrangen.“ Es gibt zwei Versionen der Interpretation der gezeichneten Bedeutung. Wir können davon ausgehen, dass die dargestellte Figur von Entsetzen erfasst wird und lautlos mit den Händen an den Ohren schreit. Eine andere Version besagt, dass der Mann seine Ohren vor dem Geschrei um ihn herum bedeckte. Insgesamt schuf Munch bis zu vier Versionen von „The Scream“. Einige Experten glauben, dass dieses Gemälde eine klassische Manifestation der manisch-depressiven Psychose ist, an der der Künstler litt. Als Munch in der Klinik behandelt wurde, kehrte er nie wieder zu diesem Gemälde zurück.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ Im Boston Museum Bildende Kunst Sie finden dieses impressionistische Werk mit den Maßen 139,1 x 374,6 cm. Es wurde 1897-1898 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses tiefgründige Werk wurde von Gauguin auf Tahiti geschrieben, wo er sich vom Trubel des Pariser Lebens zurückzog. Das Gemälde wurde für den Künstler so wichtig, dass er nach seiner Fertigstellung sogar Selbstmord begehen wollte. Gauguin glaubte, dass es alles, was er zuvor geschaffen hatte, um Längen übertraf. Der Künstler glaubte, dass er nicht in der Lage sein würde, etwas Besseres oder Ähnliches zu schaffen; er hatte einfach nichts anderes anzustreben. Gauguin lebte noch fünf Jahre und bewies die Wahrheit seiner Urteile. Er selbst sagte, dass er Hauptbild muss von rechts nach links betrachtet werden. Es gibt drei Hauptgruppen von Figuren, die die Themen verkörpern, mit denen die Leinwand betitelt ist. Drei Frauen mit Kind zeigen den Beginn des Lebens, in der Mitte symbolisieren Menschen die Reife, das Alter wird dargestellt alte Frau die auf ihren Tod wartet. Es scheint, dass sie sich damit abgefunden hat und über etwas Eigenes nachdenkt. Liegt zu ihren Füßen weißer Vogel, symbolisiert die Bedeutungslosigkeit von Wörtern.

Pablo Picasso „Guernica“. Picassos Schöpfung wird im Reina Sofía Museum in Madrid aufbewahrt. Großes Bild 349 x 776 cm groß, in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses Freskogemälde entstand 1937. Der Film erzählt vom Überfall faschistischer freiwilliger Piloten auf die Stadt Guernica. Infolge dieser Ereignisse wurde eine Stadt mit 6.000 Einwohnern vollständig vom Erdboden vernichtet. Der Künstler schuf dieses Gemälde in nur einem Monat. In den ersten Tagen arbeitete Picasso 10-12 Stunden, in seinen allerersten Skizzen konnte man es schon sehen Hauptidee. Dadurch wurde das Bild zu einem von beste Illustrationen all die Schrecken des Faschismus, der Grausamkeit und des menschlichen Leids. In Guernica ist ein Schauplatz der Gräueltaten, der Gewalt, des Todes, des Leids und der Hilflosigkeit zu sehen. Obwohl die Gründe dafür nicht explizit genannt werden, sind sie aus der Geschichte klar ersichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 sogar zur Gestapo in Paris vorgeladen wurde. Er wurde sofort gefragt: „Hast du es getan?“ Darauf antwortete der Künstler: „Nein, du hast es geschafft.“

Jan van Eyck „Porträt des Ehepaares Arnolfini.“ Dieses Gemälde wurde 1434 in Öl auf Holz gemalt. Die Abmessungen des Meisterwerks betragen 81,8 x 59,7 cm und es wird in der London National Gallery aufbewahrt. Vermutlich zeigt das Gemälde Giovanni di Nicolao Arnolfini zusammen mit seiner Frau. Das Werk ist eines der schwierigsten der westlichen Malschule seiner Zeit Nördliche Renaissance. In diesem berühmtes Gemälde eine Vielzahl von Symbolen, Allegorien und verschiedenen Hinweisen. Schauen Sie sich einfach die Unterschrift des Künstlers an: „Jan van Eyck war hier.“ Dadurch ist das Gemälde nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein echtes historisches Dokument. Immerhin zeigt es echtes Ereignis, das van Eyck einfing. Dieses Bild in In letzter Zeit ist in Russland sehr beliebt geworden, da Arnolfinis Ähnlichkeit mit Wladimir Putin mit bloßem Auge erkennbar ist.

Mikhail Vrubel „Der sitzende Dämon“. Die Tretjakow-Galerie beherbergt dieses Meisterwerk von Michail Wrubel, das 1890 in Öl gemalt wurde. Die Leinwandgröße beträgt 114x211 cm. Der hier abgebildete Dämon ist überraschend. Er erscheint als trauriger junger Mann mit lange Haare. So stellen sich die Menschen normalerweise keine bösen Geister vor. Vrubel selbst sagte über sein berühmtestes Gemälde, dass der Dämon in seinem Verständnis weniger ein böser als vielmehr ein leidender Geist sei. Gleichzeitig kann man ihm Autorität und Majestät nicht absprechen. Vrubels Dämon ist in erster Linie ein Bild des menschlichen Geistes, des ständigen Kampfes mit sich selbst und der Zweifel, die in uns herrschen. Dieses von Blumen umgebene Geschöpf faltete tragischerweise die Hände und blickte mit seinen großen Augen traurig in die Ferne. Die gesamte Komposition bringt die Zwanghaftigkeit der Dämonenfigur zum Ausdruck. Er scheint in diesem Bild zwischen der Ober- und Unterseite des Bilderrahmens eingeklemmt zu sein.

Wassili Wereschtschagin „Apotheose des Krieges“. Das Bild wurde 1871 gemalt, doch der Autor schien darin die Schrecken zukünftiger Weltkriege vorherzusehen. Die 127 x 197 cm große Leinwand wird in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Wereschtschagin gilt als einer der besten Schlachtenmaler der Welt Russische Malerei. Allerdings schrieb er Kriege und Schlachten nicht, weil er sie liebte. Künstler bedeutet bildende Kunst versuchte, den Menschen seine negative Einstellung zum Krieg zu vermitteln. Einmal versprach Wereschtschagin sogar, keine Schlachtenbilder mehr zu malen. Schließlich lag dem Künstler die Trauer um jeden verwundeten und getöteten Soldaten zu sehr am Herzen. Das Ergebnis einer solch herzlichen Einstellung zu diesem Thema war „Die Apotheose des Krieges“. Ein gruseliges und bezauberndes Bild zeigt einen Berg menschlicher Schädel auf einem Feld, umgeben von Krähen. Wereschtschagin hat eine emotionale Leinwand geschaffen; hinter jedem Schädel in einem riesigen Haufen kann man die Geschichte und das Schicksal von Einzelpersonen und ihnen nahestehenden Menschen verfolgen. Der Künstler selbst nannte dieses Gemälde sarkastisch ein Stillleben, weil es die tote Natur darstellt. Alle Details von „Apotheosis of War“ schreien nach Tod und Leere, dies ist sogar im gelben Hintergrund der Erde zu erkennen. Und das Blau des Himmels betont nur den Tod. Die Vorstellung von den Schrecken des Krieges wird durch Einschusslöcher und Säbelspuren auf den Schädeln unterstrichen.

Grant Wood „American Gothic“ Dieses kleine Gemälde misst 74 x 62 cm. Es wurde 1930 geschaffen und wird heute im Art Institute of Chicago aufbewahrt. Das Bild ist eines der schönsten berühmte Beispiele Amerikanische Kunst des letzten Jahrhunderts. Schon in unserer Zeit wird in den Medien häufig der Name „American Gothic“ erwähnt. Das Gemälde zeigt einen eher düsteren Vater und seine Tochter. Zahlreiche Details erzählen von der Strenge, dem Puritanismus und der Verknöcherung dieser Menschen. Sie haben unzufriedene Gesichter, in der Bildmitte sind aggressive Heugabeln zu sehen und die Kleidung des Paares ist selbst für damalige Verhältnisse altmodisch. Sogar die Naht an der Kleidung eines Bauern hat die Form einer Heugabel und verdoppelt so die Bedrohung für diejenigen, die in seine Lebensweise eingreifen würden. Die Details des Bildes können endlos studiert werden, wobei man sich körperlich unwohl fühlt. Es ist interessant, dass das Bild einst bei einem Wettbewerb am Art Institute of Chicago von der Jury als humorvoll eingestuft wurde. Aber die Einwohner von Iowa waren vom Künstler beleidigt, weil er sie in einem so unansehnlichen Blickwinkel zeigte. Das Modell für die Frau war Woods Schwester, aber der Prototyp für den wütenden Mann war der Zahnarzt des Malers.

Rene Magritte „Liebhaber“. Das Gemälde wurde 1928 in Öl auf Leinwand gemalt. In diesem Fall gibt es zwei Möglichkeiten. Auf einem von ihnen küssen sich ein Mann und eine Frau, nur ihre Köpfe sind in weißes Tuch gehüllt. In einer anderen Version des Gemäldes schauen die Liebenden den Betrachter an. Das Gezeichnete überrascht und fasziniert zugleich. Figuren ohne Gesicht symbolisieren die Blindheit der Liebe. Es ist bekannt, dass Liebende niemanden in der Nähe sehen, aber wir können sie nicht sehen wahre Gefühle. Auch füreinander sind diese gefühlsblinden Menschen eigentlich ein Rätsel. Und obwohl die Hauptaussage des Bildes klar zu sein scheint, regt „Lovers“ dennoch zum Betrachten und Nachdenken über die Liebe an. Im Allgemeinen sind fast alle Gemälde von Magritte Rätsel, die völlig unmöglich zu lösen sind. Schließlich werfen diese Gemälde die zentralen Fragen nach dem Sinn unseres Lebens auf. In ihnen spricht der Künstler über die illusorische Natur dessen, was wir sehen, über die Tatsache, dass es um uns herum viele mysteriöse Dinge gibt, die wir versuchen, nicht wahrzunehmen.

Marc Chagall „Spaziergang“. Das Gemälde wurde 1917 in Öl auf Leinwand gemalt und wird heute im Staat aufbewahrt Tretjakow-Galerie. Marc Chagall ist in seinen Werken meist ernst, doch hier erlaubte er sich, seine Gefühle zu zeigen. Das Gemälde drückt das persönliche Glück des Künstlers aus; es ist voller Liebe und Allegorien. Sein „Walk“ ist ein Selbstporträt, auf dem Chagall seine Frau Bella neben sich darstellt. Sein Auserwählter schwebt in den Himmel, sie ist dabei, den Künstler dorthin zu zerren, der fast schon den Boden verlassen hat und ihn nur mit seinen Schuhspitzen berührt. In der anderen Hand des Mannes ist eine Meise. Wir können sagen, dass Chagall sein Glück so dargestellt hat. Er hat ein Traumobjekt in Form seiner geliebten Frau und einen Vogel in seinen Händen, womit er seine Kreativität meinte.

Hieronymus Bosch „Der Garten der Lüste“. Diese 389 x 220 cm große Leinwand wird im Spanischen Rechtsmuseum aufbewahrt. Bosch malte das Ölgemälde auf Holz zwischen 1500 und 1510. Dies ist Boschs berühmtestes Triptychon. Obwohl das Gemälde aus drei Teilen besteht, ist es nach dem zentralen Teil benannt, der der Wollust gewidmet ist. Es gibt ständige Debatten über die Bedeutung des seltsamen Gemäldes; es gibt keine Interpretation, die als die einzig richtige anerkannt werden würde. Das Interesse am Triptychon entsteht aufgrund der vielen kleine Teile, die den Hauptgedanken zum Ausdruck bringen. Es gibt durchsichtige Figuren, ungewöhnliche Strukturen, Monster, wahrgewordene Albträume und Visionen sowie höllische Variationen der Realität. Dem Künstler gelang es, all dies mit einem scharfen und forschenden Blick zu betrachten und es gelang ihm, unterschiedliche Elemente miteinander zu verbinden einzelne Leinwand. Einige Forscher versuchten, in dem Bild ein Spiegelbild zu erkennen Menschenleben, was der Autor als zwecklos erwies. Andere fanden Bilder der Liebe, andere entdeckten den Triumph der Wollust. Es ist jedoch zweifelhaft, dass der Autor versucht hat, fleischliche Freuden zu verherrlichen. Schließlich werden die menschlichen Figuren mit kalter Distanziertheit und Einfachheit dargestellt. Und die kirchlichen Behörden reagierten durchaus positiv auf dieses Gemälde von Bosch.

Gustav Klimt „Die drei Lebensalter der Frau“. In der Nationalgalerie Rom zeitgenössische Kunst Dieses Bild befindet sich. Die quadratische Leinwand mit einer Breite von 180 cm wurde 1905 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses Gemälde drückt gleichzeitig Freude und Trauer aus. Dem Künstler gelang es, das gesamte Leben einer Frau in drei Figuren darzustellen. Der erste, noch ein Kind, ist äußerst sorglos. Eine reife Frau drückt Frieden aus und letztes Alter symbolisiert Verzweiflung. Dabei Durchschnittsalter organisch in das Lebensmuster eingewoben, und das Alte hebt sich deutlich von seinem Hintergrund ab. Der deutliche Kontrast zwischen der jungen Frau und der älteren Frau ist symbolisch. Wenn das Aufblühen des Lebens von zahlreichen Möglichkeiten und Veränderungen begleitet wird, dann ist die letzte Phase eine tief verwurzelte Beständigkeit und ein Konflikt mit der Realität. Ein solches Bild erregt Aufmerksamkeit und regt zum Nachdenken über die Absicht des Künstlers und deren Tiefe an. Es enthält das gesamte Leben mit seinen Unausweichlichkeiten und Metamorphosen.

Egon Schiele „Familie“. Diese 152,5 x 162,5 cm große Leinwand wurde 1918 in Öl gemalt. Heutzutage wird es im Wiener Belvedere aufbewahrt. Schieles Lehrer war Klimt selbst, aber der Schüler versuchte nicht, ihn fleißig zu kopieren, sondern suchte nach eigenen Ausdrucksmethoden. Wir können mit Sicherheit sagen, dass Schieles Werke noch tragischer, beängstigender und seltsamer sind als die von Klimt. Manche Elemente würde man heute als pornographisch bezeichnen, es gibt viele verschiedene Perversionen, der Naturalismus ist in seiner ganzen Schönheit vorhanden. Gleichzeitig sind die Bilder buchstäblich von einer Art schmerzlicher Verzweiflung durchdrungen. Der Höhepunkt von Schieles und seiner eigenen Kreativität letztes Bild ist „Familie“. In diesem Gemälde wird die Verzweiflung auf ein Maximum gebracht, während sich das Werk selbst für den Autor als am wenigsten seltsam herausstellte. Nachdem Schieles schwangere Frau kurz vor seinem Tod an der Spanischen Grippe starb, entstand dieses Meisterwerk. Zwischen den beiden Todesfällen vergingen nur drei Tage; sie reichten aus, um sich selbst mit seiner Frau darzustellen geborenes Kind. Zu diesem Zeitpunkt war Shila erst 28 Jahre alt.

Frida Kahlo „Zwei Fridas“. Das Bild entstand 1939. Mexikanischer Künstler Frida Kahlo wurde durch die Veröffentlichung eines Films über sie mit Salma Hayek berühmt Hauptrolle. Die Arbeit der Künstlerin basierte auf ihren Selbstporträts. Sie selbst erklärte diesen Umstand so: „Ich schreibe selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne.“ Interessant ist, dass Frida auf keinem ihrer Bilder lächelt. Ihr Gesicht ist ernst, sogar etwas traurig. Zusammengewachsene, dichte Augenbrauen und ein kaum wahrnehmbarer Schnurrbart über den zusammengepressten Lippen drücken maximale Ernsthaftigkeit aus. Die Ideen der Bilder liegen in den Figuren, Hintergründen und Details dessen, was Frida umgibt. Die Symbolik der Gemälde basiert auf nationale Traditionen Mexiko, eng verwoben mit der altindischen Mythologie. „Two Fridas“ ist einer der beliebtesten beste Gemälde Mexikaner. Drin auf originelle Art und Weise zeigt maskulin und feminin ein einziges Kreislaufsystem haben. Damit zeigte der Künstler die Einheit und Integrität dieser beiden Gegensätze.

Claude Monet „Waterloo Bridge. Die Wirkung von Nebel.“ In der St. Petersburger Eremitage finden Sie dieses Gemälde von Monet. Es wurde 1899 in Öl auf Leinwand gemalt. Bei näherer Betrachtung des Gemäldes erscheint es als violetter Fleck mit dicken Strichen darauf. Doch wenn man sich von der Leinwand entfernt, erkennt der Betrachter ihre ganze Magie. Zunächst werden vage durch die Bildmitte verlaufende Halbkreise sichtbar und die Umrisse von Booten erscheinen. Und schon aus ein paar Metern Entfernung erkennt man alle Bildelemente, die in einer logischen Kette miteinander verbunden sind.

Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“. Pollock ist ein Klassiker des Genres des abstrakten Expressionismus. Seine meisten berühmtes Bild ist mit Abstand das teuerste der Welt. Und der Künstler hat es 1948 einfach gemalt Ölgemälde auf einer 240x120 cm großen Faserplatte auf dem Boden. Im Jahr 2006 wurde dieses Gemälde bei Sotheby's für 140 Millionen Dollar verkauft. Der Vorbesitzer, Sammler und Filmproduzent David Giffen, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez. Pollock sagte, er habe beschlossen, sich von so vertrauten Künstlerwerkzeugen wie Staffelei, Farben und Pinseln zu lösen. Seine Werkzeuge waren Stöcke, Messer, Schaufeln und fließende Farbe. Er verwendete auch eine Mischung davon mit Sand oder Sand Glasscherben. Ich fange an zu kreieren. Pollock gibt sich der Inspiration hin, ohne überhaupt zu merken, was er tut. Erst dann kommt die Erkenntnis, was perfekt ist. Gleichzeitig hat der Künstler keine Angst davor, das Bild zu zerstören oder versehentlich zu verändern – das Gemälde beginnt zu leben eigenes Leben. Pollocks Aufgabe ist es, dabei zu helfen, dass es geboren wird und herauskommt. Wenn der Meister jedoch den Kontakt zu seiner Schöpfung verliert, wird das Ergebnis Chaos und Schmutz sein. Im Erfolgsfall verkörpert das Gemälde pure Harmonie und Leichtigkeit, Inspirationen aufzunehmen und umzusetzen.

Joan Miró „Mann und Frau vor einem Kothaufen.“ Dieses Gemälde wird heute in der Stiftung des Künstlers in Spanien aufbewahrt. Es wurde 1935 in nur einer Woche vom 15. bis 22. Oktober in Öl auf Kupferblech gemalt. Die Größe der Kreation beträgt nur 23 x 32 cm. Trotz eines so provokanten Namens spricht das Bild von Horror Bürgerkriege. Der Autor selbst schilderte somit die Ereignisse dieser Jahre in Spanien. Miro versuchte, eine Phase der Angst darzustellen. Auf dem Bild sieht man einen regungslosen Mann und eine Frau, die sich dennoch zueinander hingezogen fühlen. Die Leinwand ist mit unheilvollen giftigen Blumen übersät, zusammen mit vergrößerten Genitalien sieht sie bewusst ekelhaft und ekelhaft sexy aus.

Jacek Yerka „Erosion“. In den Werken dieses polnischen Neosurrealisten entstehen ineinander verflochtene Bilder der Realität neue Realität. In mancher Hinsicht sind sogar berührende Gemälde äußerst detailliert. Sie enthalten Anklänge an die Surrealisten der Vergangenheit, von Bosch bis Dali. Yerka ist in dieser Atmosphäre aufgewachsen mittelalterliche Architektur, das wie durch ein Wunder die Bombenangriffe des Zweiten Weltkriegs überlebte. Er begann bereits vor seinem Studium mit dem Zeichnen. Sie versuchten, seinen Stil moderner und weniger detailliert zu gestalten, aber Yerka selbst behielt seine Individualität bei. Heute ist es ungewöhnliche Gemälde nicht nur in Polen, sondern auch in Deutschland, Frankreich, Monaco und den USA ausgestellt. Sie befinden sich in zahlreichen Sammlungen auf der ganzen Welt.

Bill Stonehams Hände widerstehen ihm. Das 1972 entstandene Gemälde kann kaum als Klassiker der Malerei bezeichnet werden. Es besteht jedoch kein Zweifel daran, dass es sich um eine der seltsamsten Schöpfungen von Künstlern handelt. Das Gemälde zeigt einen Jungen, neben ihm steht eine Puppe und hinter ihm sind zahlreiche Handflächen gegen das Glas gedrückt. Dieses Gemälde ist seltsam, geheimnisvoll und etwas mystisch. Es ist bereits mit Legenden überwuchert. Man sagt, dass wegen dieses Gemäldes jemand gestorben ist, aber die Kinder darin leben. Sie sieht wirklich gruselig aus. Es ist nicht verwunderlich, dass das Bild bei Menschen mit einer kranken Psyche Ängste und schreckliche Fantasien hervorruft. Stoneham selbst versicherte, dass er sich im Alter von 5 Jahren selbst gemalt habe. Die Tür hinter dem Jungen ist eine Barriere zwischen der Realität und der Welt der Träume. Die Puppe ist ein Führer, der ein Kind von einer Welt in eine andere führen kann. Hände sind alternative Leben oder menschliche Fähigkeiten. Das Bild wurde im Februar 2000 berühmt. Es wurde bei eBay zum Verkauf angeboten mit der Behauptung, es spuke darin. Infolgedessen wurde „Hands Resist Him“ von Kim Smith für 1.025 US-Dollar gekauft. Bald wurde der Käufer regelrecht mit Briefen überschwemmt Gruselgeschichten mit dem Gemälde in Verbindung gebracht wird, und verlangt, dieses Gemälde zu vernichten.

„Man darf den Glauben an die Menschheit nicht verlieren. „Die Menschheit ist wie ein Ozean, und ein paar schmutzige Tropfen können nicht den gesamten Ozean schmutzig machen“, sagte Mahatma Gandhi. Das menschliche Herz ist vielfältig und die Manifestation der Gefühle und Wünsche der Menschen ist nicht weniger vielfältig. Diese Auswahl an Fotografien spiegelt den unbezwingbaren Wunsch eines Menschen wider, zu leben, Liebe zu schenken, aber gleichzeitig auch, welche Verzweiflung und Trauer er erleben kann. Das ist die Geschichte der Menschheit, ob gut oder schlecht, so wie sie ist.

1. Der hungernde Junge und der Missionar

2. In der Gaskammer von Auschwitz

3. Herzchirurg

Herzchirurg nach einer erfolgreichen 23-stündigen Herztransplantation. Sein Assistent schläft in der Ecke.

4. Vater und Sohn (1949 und 2009)

5. Bei der Beerdigung des Lehrers

Der 12-jährige brasilianische Junge Diego Frazao Torvato spielt Geige bei der Beerdigung seines Lehrers. Mit Hilfe von Musik half der Lehrer dem Mann, der Armut und Grausamkeit zu entkommen.

6. Ein russischer Soldat spielt 1994 in Tschetschenien auf einem verlassenen Klavier.

7. Ein junger Mann hat gerade herausgefunden, dass sein Bruder getötet wurde

8. Christen verteidigen Muslime während des Gebets während der Aufstände in Kairo 2011.

9. Ein Feuerwehrmann versorgt einen Koala während der Großbrände in Australien im Jahr 2009 mit Wasser.

10. Terry Gurrola umarmt seine Tochter, nachdem er von einem siebenmonatigen Dienst im Irak zurückgekehrt ist.

11. Obdachlose in Indien warten auf kostenlose Lebensmittel, die vor Eid al-Fitr in Neu-Delhi, Indien, in einer Moschee verteilt werden.

12. Zanjir

Der Hund Zanjeer rettete während der Bombenanschläge in Mumbai im März 1993 Tausende von Menschenleben. Zanjeer sicherte mehr als 3.329 kg Sprengstoff, 600 Zünder, 249 Handgranaten und 6.406 scharfe Munition. Im Jahr 2000 wurde er ehrenvoll beigesetzt.

13. „Fallender Mann“

Ein Mann fällt von der Welt Einkaufszentrum 11. September 2011.

14. Ein Alkoholiker und sein Sohn

15. Paar umarmt sich in den Ruinen einer eingestürzten Fabrik

16. Sonnenuntergang auf dem Mars

17. In der Zigeunergemeinschaft

Ein fünfjähriger Zigeunerjunge am Silvesterabend 2006 Zigeunergemeinschaft St. Jacques im Süden Frankreichs. In dieser Gemeinschaft ist das Rauchen für kleine Jungen nicht verboten und gilt als normal und normal.

18. Der 29-jährige Hang Te Yu bedeckte sein Gesicht mit den Händen, als er auf den Ruinen seines Hauses stand.

Im Mai 2008 verwüstete der Zyklon Nargis die Südküste Myanmars, tötete mehr als hunderttausend Menschen und machte Millionen obdachlos.

19. Ergebener Freund

Ein Hund namens Leau sitzt den zweiten Tag in Folge am Grab seines ehemaligen Besitzers, der 2011 bei verheerenden Erdrutschen in der Nähe von Rio de Janeiro ums Leben kam.

20. „Warte auf mich, Papa“

21. Ein älterer Veteran, der im Zweiten Weltkrieg als Panzerfahrer diente, fand schließlich den Panzer, in dem er den gesamten Krieg verbrachte.

22. „Flower Power“

23. Eine Frau sitzt zwischen den Ruinen nach einem starken Erdbeben und Tsunami in der japanischen Stadt Natori im März 2011.

1. Leonardo da Vinci. Mona Lisa. Das bekannteste Bild der Welt kann Fotografen viel lehren, aber die Hauptsache ist, welche Art von Beziehung es zum Motiv haben sollte. Wie schon oft gesagt, zeugt ihr Lächeln von der besonderen Bindung zwischen Künstlerin und Model. Das sollte jeder Fotograf bei der Erstellung von Porträts anstreben.

2. Raffael. Athener Schule. Viele Fotografen bevorzugen das Fotografieren einzelne Objekte. Eine Person, eine Sache und ein Moment. Dieses Werk stammt aus der Zeit, als die Betrachtung eines Gemäldes eine halbe Stunde dauerte. Es passiert ein Dutzend darauf verschiedene Situationen und keiner von ihnen stört den anderen. Es ist sehr wichtig, eine facettenreiche Szene in einem Bild zusammenstellen zu können.

3. Jan Vermeer. Das Mädchen mit dem Perlenohrring. Vermeer liebte Fensterlicht. Dies ist das beste Licht für Porträts. Wenn wir Studiobeleuchtung oder Blitz verwenden, versuchen wir, auch nur annähernd gutes Licht zu erzielen. Genau wie im Porträt der Mona Lisa besteht eine Verbindung zum Künstler, die dem Betrachter vermittelt wird.

4. Edward Hopper. Nachtschwärmer. Alle Fotografen sind auf der Suche nach den kurzen Momenten, die den Betrachter später „fesseln“. Dieses Gemälde fällt durch seine Ruhe auf. Fotografen sollten versuchen, solche Momente zu sehen und festzuhalten.

5. M. Escher. Hand und Spiegelkugel. Eines der Dinge, die jeder Fotograf können sollte, ist, in der Fotografie die Perspektive zu zeigen.

6. Norman Rockwell. Tratsch. Erzählen durch Mimik. Wir müssen die Gerüchte selbst nicht kennen, um zu verstehen, was in diesem Bild vor sich geht. Die Fähigkeit, einen „sprechenden“ Gesichtsausdruck einzufangen, ist eine wichtige Fähigkeit für einen Fotografen.

7. Norman Rockwell. Die Flucht. Norman Rockwell hatte die Gabe, beim Betrachter seine Bilder in Erinnerungen zu wecken. Die Geschichte, die dieses Werk erzählt, ist viel mehr, als es manchmal erzählen kann ganzes Buch. Erstellen Sie ein Foto wie dieses und es wird Ihnen Erfolg bringen.

8. Andy Warhol. Manche Fotografen haben Schwierigkeiten, Motive zum Fotografieren zu finden. Sie suchen etwas Aufregendes. Es ist viel wichtiger, sich verändern zu können einfache Sache in etwas Außergewöhnliches verwandelt, und genau das hat Warhol mit Suppendosen gemacht.

9. Gustav Klimt. Kuss. Viele Fotografen verfolgen die neuesten Trends in der Fotografie. Im Internet gibt es Millionen von Bildern mit HDR (High Dynamic Range), bei denen drei Bilder derselben Szene mit unterschiedlichen Belichtungen aufgenommen und mit einem Editor kombiniert werden. Es ist ein Fehler zu glauben, dass Neuheit ausreicht und dass man mit dieser Technik alles schießen kann und es funktioniert. gutes Foto. Klimt war sehr berühmt für seine stilisierten Gemälde, aber in diesem Bild zeigt er einen Moment tiefer Verbindung zwischen Objekten. Dies sollte allen Fotografen eine Lehre sein.

11. Michelangelo. Decke Sixtinische Kapelle. Eine gute Fähigkeit eines Fotografen besteht darin, Dinge aus verschiedenen Blickwinkeln zu betrachten, um die beste Aufnahme zu machen. Lassen Sie nicht zu, dass eine ungünstige Körperhaltung Ihrer Inspiration im Wege steht. Machen Sie Fotos, auch wenn Sie direkt nach oben schauen müssen.

12. Salvador Dalí. Drei Sphinxen von Bikini Island. Es ist wichtig, sich wiederholende Formen und Texturen in der Fotografie zu erkennen und darauf basierend zu kreieren gute Aufnahmen.

13. Banksy-Graffiti. Banksy ist ein Meister darin, unvereinbare Dinge zu kombinieren. Sie erwarten, etwas zu sehen, aber er überrascht Sie mit etwas ganz anderem.

14. William Blake. Großartiger Architekt. Blake kann Fotografen beibringen, wie man Inspiration und Technik in Einklang bringt.

15. Vincent Van Gogh. Nachtcafé. Wir sollten Dinge fotografieren, die uns etwas bedeuten. Wenn Sie sich dieses Bild ansehen, verstehen Sie, dass dieses Café für Van Gogh eine gewisse Bedeutung hatte, es war ihm wichtig.

16. Katsushika Hokusai. Eine große Welle in Kanagawa. Entscheidende Momente passieren nicht einfach so im Leben von Menschen. Fotografen sollten nach ähnlichen Momenten in der Welt um sie herum suchen.

17. Hiroshige. Eine Frau geht eine Straße entlang durch Felder. Der Fotograf muss sicherstellen, dass alles im Bild mit den Aktionen des Hauptmotivs übereinstimmt. Hier sind beispielsweise die Baumgrenzen, der Weg und die Menschen parallel.

18. Werke von Edgar Müller. Müller ist ein Meister der Perspektive. Je nachdem, aus welcher Entfernung man sein Werk betrachtet, verändert sich die Illusion der Tiefe radikal. Dies kann Fotografen beibringen, nie mit der Suche nach dem richtigen Blickwinkel aufzuhören.

19. Georgia O'Keeffe. Es gibt eine ganze „Subkultur“ der Pflanzenfotografie. Georgia O'Keeffe ist großartig, um sich für das Fotografieren von Blumen inspirieren zu lassen.

20. Emily Carr.Kitwancool. Emily Car war berühmt für ihre Totemgemälde. Sie verbrachte ihr ganzes Leben damit, nach Totems für ihre Werke zu suchen. Fotografen sollten immer auf der Suche nach Projekten sein. Ein spezifisches Thema, das anhand einer Fotoserie untersucht und dargestellt werden kann.

21. Pierre Auguste Renoir. Ball im Moulin de la Galette. Dies ist ein großartiges Beispiel für die Darstellung mehrerer Objekte, die nicht mit dem Hauptmotiv konkurrieren.

22. Grant Wood. Amerikanische Gotik. Grant Woods American Gothic ist ein großartiges Beispiel dafür, wie das Thema die Umgebung projiziert und widerspiegelt. Grant Wood versuchte sich vorzustellen, was für Menschen im Haus im Hintergrund leben könnten. Dieses Haus und das Paar haben eine fast körperliche Ähnlichkeit.

23. Edouard Monet. Chez le père Lathuille. Bei dieser Szene könnte es sich um eine Straßenfotografie-Aufnahme handeln.