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Die drei Hauptbühnen des europäischen Musicals 19. Romantik Jahrhundert – früh, reif und spät – entsprechen den Entwicklungsstadien der österreichischen und deutschen romantischen Musik. Diese Periodisierung muss jedoch in Bezug auf die wichtigsten Ereignisse in der Musikkunst jedes Landes konkretisiert und etwas geklärt werden.
Frühstadium der Deutsch-Österreichischen Musikalische Romantik stammt aus den 10. und 20. Jahren des 19. Jahrhunderts und fällt mit dem Höhepunkt des Kampfes gegen die napoleonische Herrschaft und dem anschließenden Beginn einer dunklen politischen Reaktion zusammen. Den Beginn dieser Etappe markierten musikalische Phänomene wie die Opern „Ondine“ von Hoffmann (1913), „Silvana“ (1810), „Abu Hasan“ (1811) und das Programmklavierstück „Einladung zum Tanz“ (1815). ) von Weber, die ersten wirklich originellen Schubert-Lieder – „Margarita am Spinnrad“ (1814) und „Der Waldkönig“ (1815). In den 20er Jahren begann die Blütezeit der Frühromantik, als sich das Genie des früh ausgestorbenen Schubert in voller Kraft entfaltete, als „ Magischer Shooter„, „Euriate“ und „Oberon“ sind die letzten drei, vollkommensten Opern Bebers, in dessen Todesjahr (1820) eine neue „Koryphäe“ am musikalischen Horizont auftrat – Mendelssohn-Bartholdy, der ein wunderbares Konzert gab Ouvertüre – Dream in Sommernacht.
Die mittlere Phase fällt hauptsächlich in die 30er und 40er Jahre. Ihre Grenzen werden durch die Julirevolution in Frankreich bestimmt, die einen erheblichen Einfluss auf die fortgeschrittenen Kreise Österreichs und insbesondere Deutschlands hatte, und durch die Revolution von 1848 bis 1949, die die Revolution kraftvoll erfasste Deutsch-Österreichische Länder. In dieser Zeit blühte in Deutschland das Schaffen von Mendelssohn (gestorben 1147) und Schumann auf, deren kompositorische Tätigkeit nur wenige Jahre lang die angegebene Grenze überschreitet; Webers Traditionen werden in seinen Opern von Marschner (seinem) aufgelöst- „Taps Geilsh:g“ – wurde 1833 geschrieben); In dieser Zeit entwickelte sich Wagner vom unerfahrenen Komponisten zum Schöpfer so beeindruckender Werke wie Tannhäuser (1815) und Lohengrin (1848); Wagners wichtigste schöpferische Errungenschaften lagen jedoch noch vor ihm. In Österreich herrschte zu dieser Zeit eine gewisse Flaute im Bereich der ernsthaften Genres, doch die Schöpfer der alltäglichen Tanzmusik, Joseph Lainer und Johann Strauss der Vater, erlangten Ruhm.
Die späte, nachrevolutionäre Periode der Romantik, die sich über mehrere Jahrzehnte erstreckte (von Anfang der 50er bis etwa Mitte der 90er Jahre), war mit einer angespannten gesellschaftspolitischen Situation verbunden (Rivalität zwischen Österreich und Preußen bei der Vereinigung deutscher Länder, die Entstehung des geeinten Deutschlands unter der Herrschaft des militaristischen Preußens und der endgültigen politischen Isolation Österreichs). Zu dieser Zeit ist das Problem einer einheitlichen, gesamtdeutschen Musikkunst akut, Widersprüche zwischen verschiedenen kreativen Gruppen und einzelnen Komponisten werden deutlicher sichtbar und es entsteht ein Richtungskampf, der sich manchmal in hitzigen Polemiken auf den Seiten der Presse niederschlägt. Versuche, die fortschrittlichen musikalischen Kräfte des Landes zu vereinen, werden von Liszt unternommen, der nach Deutschland gezogen ist, aber seine kreativen Prinzipien, die mit den Ideen radikaler Innovation auf Basis von Software verbunden sind, werden nicht von allen geteilt Deutsche Musiker . Eine Sonderstellung nimmt Wagner ein, der die Rolle des Musikdramas als „Kunst der Zukunft“ verabsolutierte. Gleichzeitig gelang es Brahms, in seinem Werk die bleibende Bedeutung vieler Klassiker zu beweisen Musikalische Traditionen

in Kombination mit einer neuen, romantischen Weltanschauung wird er zum Kopf der Anti-Liszt- und Anti-Wagner-Bewegung in Wien. Das Jahr 1876 ist in dieser Hinsicht bedeutsam: In Bayreuth findet die Uraufführung von Wagners „Ring des Nibelungen“ statt, und Wien lernt Brahms‘ erste Symphonie kennen, die die Zeit der höchsten Blüte seines Schaffens einleitet. Die Komplexität der musikalischen und historischen Situation dieser Jahre beschränkt sich nicht nur auf die Präsenz verschiedener Richtungen mit ihren Ursprüngen Leipzig, Weimar, Bayreuth.
Wien. In Wien selbst entstehen beispielsweise so unterschiedliche Dinge.
Die nachrevolutionären Jahrzehnte sind noch immer von einigen herausragenden Phänomenen der Musikromantik geprägt, doch Anzeichen der inneren Krise dieser Bewegung sind bereits spürbar. So wird das Romantische bei Brahms mit den Prinzipien des Klassizismus synthetisiert und Hugo Wolf erkennt sich nach und nach als antiromantischer Komponist. Kurz gesagt, romantische Prinzipien verlieren ihre ausschließliche Bedeutung und werden manchmal mit neuen oder wiederbelebten klassischen Trends kombiniert.
Dennoch kam es auch nach Mitte der 80er-Jahre, als die Romantik offensichtlich anfing, überholt zu sein, in Österreich und Deutschland zu einzelnen Lichtausbrüchen romantische Kreativität: Die letzten Klavierwerke von Brahms und die späten Sinfonien von Bruckner sind von der Romantik inspiriert; Die größten Komponisten der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert – der österreichische Mahler und der deutsche Richard Strauss – manifestieren sich in den Werken der 80er und 90er Jahre manchmal als typische Romantiker. Im Allgemeinen werden diese Komponisten zu einer Art Bindeglied zwischen dem „romantischen“ 19. und dem „antiromantischen“ 20. Jahrhundert.)
„Die Nähe der Musikkultur Österreichs und Deutschlands aufgrund kultureller und historischer Traditionen schließt natürlich gewisse nationale Unterschiede nicht aus. Fragmentiert, aber vereint.“ nationale Zusammensetzung In Deutschland und dem politisch geeinten, aber multinationalen Kaiserreich Österreich („Patchwork-Monarchie“) waren die Quellen der musikalischen Kreativität und die Aufgaben der Musiker teilweise unterschiedlich. So war im rückständigen Deutschland die Überwindung der kleinbürgerlichen Stagnation und des engstirnigen Provinzialismus eine besonders dringende Aufgabe, die wiederum unterschiedliche Formen der Überwindung erforderte Bildungsaktivitäten von führenden Vertretern der Kunst. Unter diesen Bedingungen konnte sich der herausragende deutsche Komponist nicht nur auf das Komponieren von Musik beschränken, sondern musste auch zu einer musikalischen und sozialen Persönlichkeit werden. Tatsächlich haben deutsche Komponisten der Romantik energisch kulturelle und pädagogische Aufgaben wahrgenommen und zur allgemeinen Hebung des Niveaus der gesamten Musikkultur in ihrem Heimatland beigetragen: Weber – als Operndirigent und Musikkritiker, Mendelssohn – als Konzertdirigent und bedeutender Lehrer Gründer des ersten Konservatoriums in Deutschland; Schumann – als innovativer Musikkritiker und Schöpfer einer neuartigen Musikzeitschrift. Später entfaltete sich Wagners in seiner Vielseitigkeit seltene musikalische und gesellschaftliche Tätigkeit als Theater- und Sinfoniedirigent, Kritiker, Kosmetiker, Opernreformer und Schöpfer eines neuen Theaters in Bayreuth.
In Österreich mit seiner politischen und kulturellen Zentralisierung (die Regimentshegemonie Wiens als politischer und Kulturzentrum), mit den eingepflanzten Illusionen des Patriarchats, imaginärem Wohlstand und mit der tatsächlichen Vorherrschaft der brutalsten Reaktion – eine breite gesellschaftliche Aktivität war unmöglich1.
In diesem Zusammenhang kann man nicht umhin, auf den Widerspruch zwischen dem bürgerlichen Pathos von Beethovens Werk und der erzwungenen sozialen Passivität des großen Komponisten aufmerksam zu machen. Was können wir über Schubert sagen, der in der Zeit nach dem Wiener Kongress von 1814-1815 als Künstler ausgebildet wurde! Der berühmte Schubert-Kreis war die einzig mögliche Form der Vereinigung der führenden Vertreter der künstlerischen Intelligenz, doch eine echte öffentliche Resonanz konnte ein solcher Kreis im Wien Metternichs nicht finden. Mit anderen Worten: In Österreich waren die größten Komponisten fast ausschließlich Schöpfer musikalischer Werke: Sie konnten sich im Bereich musikalischer und sozialer Aktivitäten nicht ausdrücken. Das gilt für Schubert, für Bruckner, für Johann Strauss, den Sohn, und für einige andere. In der österreichischen Kultur sind jedoch solche charakteristischen Faktoren zu beachten im positiven Sinne beeinflusste die Musikkunst und verlieh ihr gleichzeitig eine spezifisch österreichische, „wienerische“ Note. Konzentriert in Wien, in einer eigentümlichen bunten Kombination, Elemente des Deutschen, Ungarischen, Italienischen und Slawische Kulturen

schuf den reichen musikalischen Boden, auf dem das in seiner demokratischen Ausrichtung orientierte Schaffen von Schubert, Johann Strauss und vielen anderen Komponisten wuchs. Die Kombination deutscher Nationalmerkmale mit Ungarisch und Slawisch wurde später charakteristisch für Brahms, der nach Wien übersiedelte. Spezifisch für die Musikkultur Österreichs war die äußerst weite Verbreitung unterhaltsame Musik - Serenaden, Kassationen, Divertissements, die im Werk der Wiener Klassiker Haydn und Mozart einen herausragenden Platz einnahmen. Im Zeitalter der Romantik blieb die Bedeutung der alltäglichen Unterhaltungsmusik nicht nur bestehen, sondern wurde sogar noch stärker. Es ist zum Beispiel schwer vorstellbar, kreativer Look Schubert ohne den volkstümlichen Alltagsstrom, der seine Musik durchdringt und auf Wiener Feste, Picknicks, Parkurlaube und zwangloses Straßenmusikmachen zurückgeht.
Doch bereits zu Schuberts Zeiten war eine Schichtung innerhalb der Wiener Berufsmusik zu beobachten. Und wenn Schubert selbst in seinem Werk noch Symphonien und Sonaten mit Walzern und Ländlern verband, die es buchstäblich zu Hunderten gab,1 sowie Märsche, Ecossaisen, Polonaisen, dann machten seine Zeitgenossen Lainer und Strauss der Vater die Tanzmusik zur Grundlage ihrer Tätigkeit. Anschließend findet diese „Polarisierung“ ihren Ausdruck in der Korrelation der Werke zweier Zeitgenossen – des Klassikers der Tanz- und Operettenmusik Johann Strauß Sohn (1825–1899) und des Symphonikers Bruckner (1824–1896). Beim Vergleich von österreichischem und deutschem Recht Musik des XIX Jahrhundert stellt sich unweigerlich die Frage nach dem Musiktheater. Im Deutschland der Romantik war die Oper, beginnend mit Hoffmann, als eine Gattung, die sich in größter Vollständigkeit ausdrücken konnte, von größter Bedeutung aktuelle Probleme nationale Kultur. Und es ist kein Zufall, dass die grandiose Eroberung Deutsches Theater Das Musikdrama Wagnerad erschien in Österreich. Schuberts wiederholte Versuche, auf dem Gebiet der Theatermusik Erfolg zu haben, waren nicht von Erfolg gekrönt.“ Egal wie man das kreative Potenzial Schuberts selbst auf dem Gebiet der Theatermusik einschätzt, man kann nicht umhin, das zuzugeben Die Situation in Metternichs Wien schuf keine Anreize für ernsthaftes Opernschaffen, trug nicht zur Entstehung von Theaterwerken „großen Stils“ bei, aber Volksaufführungen komödiantischer Art blühten auf – Singspiele von Ferdinand Raimund mit Musik von Wenzel Müller und Joseph Drexler und später die heimischen Singspiele des Theaters von I. N. Nestroy, die die Traditionen des französischen Varietés (1801 – 1862) aufgriffen, bestimmten daher nicht das Musikdrama, sondern die in den 70er Jahren entstandene Wiener Operette Leistungen des Österreichers
Musiktheater auf gesamteuropäischer Ebene. Trotz all dieser und anderer Unterschiede in der Entwicklung der österreichischen und deutschen Musik gibt es Gemeinsamkeiten in romantische Kunst die das Werk von Schubert, Weber und ihren nächsten Nachfolgern Mendelssohn und Schumann von der romantischen Musik anderer europäischer Länder unterschied?
Innige, gefühlvolle Texte voller Träumereien sind besonders typisch für Schubert, Weber, Mendelssohn und Schumann. In ihrer Musik dominiert jene wohlklingende Melodie rein vokaler Herkunft, die man üblicherweise mit dem Begriff des deutschen „Liedes“ verbindet. Dieser Stil ist gleichermaßen charakteristisch für Lieder und viele melodische Instrumentalthemen von Schubert, lyrische Opernarien von Weber, „Lieder ohne Worte“ von Mendelssohn und Schumanns „Ebsebievsky“-Bilder. Die diesem Stil innewohnende Melodie unterscheidet sich jedoch von den spezifisch italienischen Opernkantilenen Bellinis sowie von den für die französischen Romantiker (Berlioz, Menerbere) charakteristischen affektiven und deklamatorischen Wendungen.
Im Vergleich zu progressiv Französische Romantik Die österreichische und deutsche Romantik, geprägt von Hochgefühl und Wirksamkeit, erfüllt von bürgerlichem, heroisch-revolutionärem Pathos, wirkt im Allgemeinen eher nachdenklich, selbstverliebt, subjektiv lyrisch. Aber ihre Hauptstärke liegt in der Offenlegung der inneren Welt des Menschen, in jener tiefen Psychologie, die besonders in der österreichischen und deutschen Musik deutlich zum Ausdruck kam und die unwiderstehliche künstlerische Wirkung vieler Musikwerke bestimmt. Das. Dies schließt jedoch einzelne leuchtende Manifestationen von Heldentum und Patriotismus in den Werken der Romantiker in Österreich und Deutschland nicht aus. Dazu gehören die mächtige heroisch-epische Sinfonie in C-Dur von Schubert und einige seiner Lieder („An den Kutscher Kronos“, „Gruppe aus der Hölle“ und andere), der Chorzyklus „Leier und Schwert“ von Weber (nach Gedichten von der patriotische Dichter T. Kerner „ Symphonische Studien» Schumann, sein Lied „Zwei Grenadiere“; Schließlich sind einzelne heroische Seiten in Werken wie Mendelssohns „Schottischer Symphonie“ (Apotheose im Finale), Schumanns „Karneval“ (Finale), seiner dritten Symphonie (erster Satz) aber der Heroismus von Beethovens Plan, der Titanismus des Kampfes wiederbelebt neue Basis später - in Wagners heroisch-epischen Musikdramen. In den allerersten Stadien der deutsch-österreichischen Romantik drückt sich das aktive, wirksame Prinzip viel häufiger in Bildern von Pathetik, Aufregung, Rebellion aus, die jedoch nicht wie bei Beethoven einen zielgerichteten, siegreichen Kampfprozess widerspiegeln. Dazu gehören Schuberts Lieder „Shelter“ und „Atlant“, Schumanns Florestan-Bilder, seine „Manfred“-Ouvertüre, Mendelssohns „Run Blaz“-Ouvertüre.

Naturbilder nehmen in den Werken österreichischer und deutscher romantischer Komponisten einen äußerst wichtigen Platz ein. Besonders groß ist die „empathische“ Rolle von Naturbildern in den Gesangszyklen Schuberts und im Zyklus „Die Liebe eines Dichters“ Schumanns. Die Musiklandschaft ist weit verbreitet symphonische Werke Mendelssohn; er wird vor allem mit den Elementen des Meeres in Verbindung gebracht („Scottish Symphony“, Ouvertüren „Hebrides-“, „Sea Silence and Happy Voyage“). Aber ein charakteristisches deutsches Merkmal der Landschaftsbilder war jene „Waldromantik“, die in den Einleitungen von Webers Ouvertüren zu „Der magische Schütze“ und „Oberon“, in der „Nocturne“ aus Mendelssohns Musik zu Shakespeares Komödie „A „Sommernachtstraum“. Von hier aus erstrecken sich die Fäden zu solchen
Bruckner-Symphonien
, als vierte („Romantische“) und siebte, zur symphonischen Landschaft „Das Rauschen des Waldes“ in Wagners Tetralogie, zum Bild des Waldes in Mahlers erster Symphonie. Die romantische Sehnsucht nach einem Ideal findet in der deutsch-österreichischen Musik insbesondere im Thema des Wanderns, der Suche nach dem Glück in einem anderen, unbekannten Land, ihren konkreten Ausdruck. Dies zeigte sich am deutlichsten in den Werken Schuberts („Der Wanderer“, „Die schöne Müllersfrau“, „Winterreise“) und später bei Wagner in den Bildern des Fliegenden Holländers, des Reisenden Wotan und des wandernden Siegfrieds. Diese Tradition führt in den 80er Jahren zu Mahlers Zyklus „Lieder vom wandernden Lehrling“. Toller Ort
Auch die phantastischen Bildern gewidmete Sprache ist ein typisch nationales Merkmal der deutsch-österreichischen Romantik (sie hatte direkte Auswirkungen auf den französischen Romantiker Berlioz). Dies ist erstens die Fiktion des Bösen, der Dämonismus, die am meisten Verbreitung gefunden hat

Das weit verbreitete Prinzip der „Songbarkeit“ – eine typische allgemeine Tendenz im Schaffen romantischer Komponisten – erstreckt sich auch auf ihre Instrumentalmusik.
Eine stärkere Individualisierung der Melodie wird durch eine charakteristische Kombination von eigentlichen Gesangs- und Deklamationswechseln, Grundgesang, Chromatisierung usw. erreicht. Die harmonische Sprache wird bereichert: Die typischen harmonischen Formeln der Klassiker werden durch eine flexiblere und vielfältigere Harmonie, die Rolle, ersetzt der Plagalität und Nebenschritte des Modus nimmt zu. Seine farbenfrohe Seite kommt in der Harmonie zur Geltung. Charakteristisch ist auch die allmählich zunehmende Durchdringung von Dur und Moll. Von Schubert stammt also im Wesentlichen die Tradition der gleichnamigen Dur-Moll-Vergleiche (normalerweise Dur nach Moll), da diese zu einer bevorzugten Technik in seinem Werk wurde. Der Anwendungsbereich des harmonischen Dur erweitert sich (besonders charakteristisch sind Moll-Subdominanten in Kadenzen von Hauptwerken). Im Zusammenhang mit der Betonung des Individuums und der Identifizierung subtiler Bilddetails gibt es auch Errungenschaften auf dem Gebiet der Orchestrierung (Bedeutung spezifischer Klangfarben, zunehmende Rolle von Soloinstrumenten, Aufmerksamkeit für neue Spielakzente von Streichern, usw.). Aber das Orchester selbst ändert seine klassische Zusammensetzung grundsätzlich nicht. Die deutschen und österreichischen Romantiker waren in größerem Maße die Begründer des romantischen Programms (Berlioz konnte sich auch in seiner Symphony Fantastique auf ihre Leistungen verlassen). Und obwohl Software als solche scheinbar nicht typisch istÖsterreichischer Romantiker Schubert, aber die Sättigung des Klavierparts seiner Lieder mit figurativen Momenten, das Vorhandensein verborgener Programmierelemente in der Dramaturgie seiner wichtigsten Instrumentalwerke bestimmten den bedeutenden Beitrag des Komponisten zur Entwicklung programmatischer Prinzipien in der Musik. Bei den deutschen Romantikern gibt es eine bereits betonte Lust am Programmieren, sowohl in Klaviermusik („Einladung zum Tanz“, „Konzertstück“ von Weber, Suite-Zyklen von Schumann, „Lieder ohne Worte“ von Mendelssohn) und in symphonischer ( Opernouvertüren
Weber, Konzertouvertüren, Mendelssohns Ouvertüren, Schumanns „Manfred“-Ouvertüre). Die Rolle der österreichischen und deutschen Romantiker bei der Schaffung neuer Kompositionsprinzipien ist groß. Die Sonaten-Sinfonie-Zyklen der Klassiker werden durch instrumentale Miniaturen ersetzt; Zyklisierung von Miniaturen, deutlich auf dem Gebiet entwickelt bei Schubert, übertragen auf Instrumentalmusik (Schumann). Es erschienen auch große einsätzige Kompositionen, die die Prinzipien von Sonate und Zyklizität verbanden (Schuberts Klavierphantasie in C-Dur, Webers Concertstück, der erste Satz von Schumanns Fantasie in C-Dur). Sonaten-Symphonie-Zyklen wiederum erfuhren bei den Romantikern erhebliche Veränderungen, und es entstanden verschiedene Arten von „romantischen Sonaten“ und „romantischen Symphonien“. Dennoch war die wichtigste Errungenschaft eine neue Qualität des musikalischen Denkens, die zur Schaffung von Miniaturen voller Inhalt und Ausdruckskraft führte – jener besonderen Konzentration musikalischen Ausdrucks, die ein einzelnes Lied oder ein einstimmiges Klavierstück in den Mittelpunkt stellte voller tiefer Ideen und Erfahrungen.

An der Spitze der sich schnell entwickelnden österreichischen und Deutsche Romantik Es gab Menschen, die nicht nur über herausragende Begabungen verfügten, sondern auch in ihren Ansichten und Bestrebungen fortgeschritten waren. Dies bestimmte ihre bleibende Bedeutung musikalische Kreativität, seine Bedeutung als „neuer Klassiker“, die am Ende des Jahrhunderts deutlich wurde, als Musikalische Klassiker Die Länder der deutschen Sprache wurden im Wesentlichen nicht nur von den großen Komponisten des 18. Jahrhunderts und Beethoven vertreten, sondern auch von den großen Romantikern – Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Diesen bemerkenswerten Vertretern der musikalischen Romantik, die ihre Vorgänger zutiefst verehrten und viele ihrer Errungenschaften weiterentwickelten, gelang es gleichzeitig, sich völlig zu öffnen neue Welt Musikalische Bilder und ihre entsprechenden Kompositionsformen. Es stellte sich heraus, dass der vorherrschende persönliche Ton in ihrer Arbeit mit den Stimmungen und Gedanken der demokratischen Massen übereinstimmte. Das haben sie in der Musik etabliert Charakter der Ausdruckskraft, das von B. V. Asafjew ​​treffend als „lebendige, gesellige Rede von Herz zu Herz“ charakterisiert wird und Schubert und Schumann Chopin, Grieg, Tschaikowsky und Verdi ähnlich macht. UM humanistischer Wert Die romantische Musikrichtung Asafiev schrieb: „Persönliches Bewusstsein manifestiert sich nicht in seiner isolierten, stolzen Isolation, sondern in einer Eigentümlichkeit.“ künstlerische Reflexion alles, wovon Menschen leben und was sie immer und unweigerlich begeistert. In dieser Einfachheit klingen ausnahmslos schöne Gedanken und Reflexionen über das Leben – die Konzentration des Besten, das in einem Menschen steckt.“

Mit seinem Kult der Vernunft. Sein Auftreten hatte verschiedene Gründe. Das wichtigste davon ist Enttäuschung über die Ergebnisse der Französischen Revolution, was den in ihn gesetzten Erwartungen nicht gerecht wurde.

Für Romantiker Weltanschauung gekennzeichnet durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen. Die Realität ist niedrig und geistlos, sie ist vom Geist des Spießertums, des Spießertums durchdrungen und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, das „Leben des Herzens“, gegenüber. Die Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft. Laut Wagner, „Der Künstler wendet sich dem Gefühl zu, nicht der Vernunft.“ Und Schumann sagte: „Der Geist verirrt sich, die Gefühle nie.“ Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. genau Musik nahm im Zeitalter der Romantik einen führenden Platz im Kunstsystem ein.

Wenn in Literatur und Malerei romantische Richtung schließt im Grunde seine Entwicklung ab Mitte des 19 Jahrhundert, dann ist die Lebensdauer der Musikromantik in Europa viel länger. Die musikalische Romantik als Bewegung entwickelte sich in Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird durch die Werke von E. T. A. Hoffmann, N. Paganini repräsentiert; die darauffolgende Phase (1830-50er Jahre) – Kreativität, . Die Spätphase der Romantik erstreckt sich auf Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Das Hauptproblem der romantischen Musik wird angesprochen Persönlichkeitsproblem, und zwar in einem neuen Licht – in seinem Konflikt mit der Außenwelt. Romantischer Held immer allein. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft ist damit der Gedanke verbunden kreative Persönlichkeit: Ein Mensch ist einsam, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Künstler, Dichter, Musiker sind Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts symphonische Dichtung „Tasso“).

Inhärent romantische Musik großes Interesse an menschliche Persönlichkeit drückt sich in der Vorherrschaft darin aus persönlicher Ton. Die Offenlegung persönlicher Dramen ist bei Romantikern häufig anzutreffen ein Hauch von Autobiographie, der der Musik besondere Aufrichtigkeit verlieh. Viele sind zum Beispiel mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Autobiografischer Charakter Wagner betonte seine Opern auf jede erdenkliche Weise.

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel – dominant Songtexte gewinnen an Bedeutung, in dem Bilder der Liebe vorherrschen.

Sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochten Naturthema. Resonanz mit Geisteszustand Bei einem Menschen ist es meist von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung des Genres und der lyrisch-epischen Symphonie ist eng mit Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Sinfonie in C-Dur).

Eine echte Entdeckung romantischer Komponisten war Fantasy-Thema. Musik hat zum ersten Mal gelernt, fabelhafte und fantastische Bilder in reiner Form zu verkörpern Musikalische Mittel. In den Opern des 17. und 18. Jahrhunderts sprachen „überirdische“ Charaktere (wie etwa die Königin der Nacht) in einer „allgemein anerkannten“ Musiksprache und hoben sich kaum vom Hintergrund realer Menschen ab. Romantische Komponisten lernten, die Fantasiewelt als etwas ganz Konkretes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben). Ein markantes Beispiel ist die „Wolf Gorge Scene“ in The Magic Shooter.

Besonders charakteristisch für die Musikromantik ist das Interesse an Volkskunst. Wie die romantischen Dichter, die durch Folklore bereicherten und aktualisierten literarische Sprache, Musiker wandten sich weitgehend der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin usw.). Bilder verkörpern nationale Literatur, Geschichten, heimische Natur Sie stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten alte diatonische Modi wieder. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.

Neue Themen und Bilder erforderten die Entwicklung der Romantiker neue Mittel der musikalischen Sprache und Prinzipien der Formbildung, Individualisierung der Melodie und Einführung sprachlicher Intonationen, Erweiterung der Klangfarbe und harmonischen Palette der Musik ( natürliche Bünde, bunte Vergleiche von Dur und Moll usw.).

Denn im Mittelpunkt der Romantiker steht nicht mehr die Menschheit als Ganzes, sondern bestimmte Person mit seinem einzigartigen Gefühl und in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine immer mehr dem Individuellen, dem individuell Einzigartigen. Der Anteil verallgemeinerter Intonationen in der Melodie, häufig verwendeter Akkordfolgen in der Harmonie und typischer Muster in der Textur nimmt ab – all diese Mittel sind individualisiert. In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.

Der wichtigste Punkt Ästhetik musikalische Romantik war Idee der Kunstsynthese, das in und in seinen lebendigsten Ausdruck fand Programmmusik Berlioz, Schumann, Liszt.

In der Epoche der Romantik nahm die Musik einen herausragenden Platz im Kunstsystem ein. Dies liegt an seiner Spezifität, die eine möglichst umfassende Reflexion ermöglicht emotionale Erlebnisse unter Einsatz des gesamten Arsenals an Ausdrucksmitteln.

Romantik in der Musik erscheint im 19. Jahrhundert in den Werken von F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Wenig später spiegelte sich dieser Stil in den Werken von F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi und anderen Komponisten wider.

Die Romantik entstand im frühen 19. Jahrhundert in Europa. Es wurde eine Art Opposition zum Klassizismus. Die Romantik ließ den Zuhörer eindringen magische Welt Legenden, Lieder und Geschichten. Leitsatz diese Richtung- Widerstand (Träume und Alltag, ideale Welt und Alltag), geschaffen durch die kreative Fantasie des Komponisten. Dieser Stil war beliebt bei kreative Menschen bis in die vierziger Jahre des 19. Jahrhunderts.

Romantik in der Musik spiegelt Probleme wider moderner Mann, sein Konflikt mit Außenwelt und seine Einsamkeit. Diese Themen werden zum Mittelpunkt der Arbeit der Komponisten. Da man begabt ist und sich von anderen unterscheidet, hat man ständig das Gefühl, von anderen missverstanden zu werden. Sein Talent wird zum Grund für seine Einsamkeit. Deshalb sind die Lieblingshelden romantischer Komponisten Dichter, Musiker und Künstler (R. Schumann „Die Liebe eines Dichters“; Berlioz – der Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“ für die „Fantastische Symphonie“ usw. ).

Romantik vermittelt in der Musik die Welt der inneren Erfahrungen eines Menschen und hat oft einen Hauch von Autobiografie, Aufrichtigkeit und Lyrik. Themen wie Liebe und Leidenschaft werden häufig verwendet. So widmete der berühmte Komponist R. Schumann seiner geliebten Clara Wieck viele Klavierstücke.

Auch in den Werken der Romantiker ist das Thema Natur weit verbreitet. Komponisten kontrastieren es oft mit dem Geisteszustand einer Person und färben es mit Schattierungen von Disharmonie.

Das Thema Fantasy wurde für die Romantiker zu einer echten Entdeckung. Sie arbeiten aktiv daran, Märchen- und Fantasiefiguren zu erschaffen und ihre Bilder durch verschiedene Elemente der musikalischen Sprache zu vermitteln (Mozarts „Die Zauberflöte“ – Königin der Nacht).

Oft wendet sich die Romantik in der Musik auch der Volkskunst zu. Komponisten verwenden in ihren Werken eine Vielzahl volkstümlicher Elemente (Rhythmen, Intonationen, alte Tonarten), die Liedern und Balladen entnommen sind. Dadurch können Sie den Inhalt von Musikstücken deutlich bereichern.

Die Verwendung neuer Bilder und Themen machte die Suche nach geeigneten Formen usw. erforderlich romantische Werke Sprachintonationen, natürliche Modi, Kontraste verschiedener Tonalitäten und Solostimmen (Stimmen) erscheinen.

Die Romantik verkörperte in der Musik die Idee eines Gesamtkunstwerks. Ein Beispiel hierfür sind die programmatischen Werke von Schumann, Berlioz, Liszt und anderen Komponisten (die Sinfonie „Harold in Italien“, das Gedicht „Präludien“, der Zyklus „Wanderjahre“ etc.).

Die russische Romantik spiegelte sich lebhaft in den Werken von M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tschaikowsky und anderen wider.

A. Dargomyzhsky vermittelt in seinen Werken vielfältige psychologische Bilder („Meerjungfrau“, Romanzen). In der Oper „Ivan Susanin“ malt M. Glinka Bilder vom Leben des einfachen russischen Volkes. Die Werke berühmter Komponisten gelten zu Recht als Höhepunkt. Mächtiger Haufen" Sie nutzen Ausdrucksmittel und charakteristische Intonationen, die russischen Volksliedern, Alltagsmusik, Umgangssprache.

Anschließend wandten sich auch A. Skrjabin (Präludium „Träume“, Gedicht „Zur Flamme“) und S. Rachmaninow (Studienbilder, Oper „Aleko“, Kantate „Frühling“) diesem Stil zu.

Die romantische Weltanschauung ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen gekennzeichnet. Die Realität ist niedrig und geistlos, sie ist vom Geist des Spießertums, des Spießertums durchdrungen und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, das „Leben des Herzens“, gegenüber. Die Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft. „Der Künstler appelliert an das Gefühl, nicht an die Vernunft“, so Wagner. Und Schumann sagte: „Der Geist verirrt sich, die Gefühle nie.“ Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik der Romantik, die im Kunstsystem einen führenden Platz einnahm.
Wenn in Literatur und Malerei die romantische Bewegung im Grunde ihre Entwicklung zur Mitte hin abschließt 19. Jahrhundert, dann ist das Leben der musikalischen Romantik in Europa viel länger. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini repräsentiert; die darauffolgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi.

Die Spätphase der Romantik reicht bis zum Ende des 19. Jahrhunderts.

Das Hauptproblem der romantischen Musik ist das Problem der Persönlichkeit, und zwar in einem neuen Licht – in ihrem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft wird damit der Gedanke an eine kreative Persönlichkeit in Verbindung gebracht: Ein Mensch ist einsam, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Künstler, Dichter, Musiker sind Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Symphony Fantastique“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts symphonische Dichtung „ Tasso“).
Das der romantischen Musik innewohnende tiefe Interesse an der menschlichen Persönlichkeit drückte sich darin aus, dass darin der persönliche Ton vorherrschte. Die Offenbarung persönlicher Dramen erhielt bei den Romantikern oft einen Hauch von Autobiographie, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. Beispielsweise sind viele Klavierwerke Schumanns mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Wagner betonte in jeder Hinsicht den autobiografischen Charakter seiner Opern.

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel – Texte, in denen Liebesbilder vorherrschen, nehmen eine dominierende Stellung ein.
Das Thema Natur ist sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochten. Da es sich um den Geisteszustand einer Person handelt, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung des Genres und der lyrisch-epischen Symphonie ist eng mit Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Sinfonie in C-Dur).
Das Thema Fantasie wurde zu einer echten Entdeckung romantischer Komponisten. Zum ersten Mal lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln sagenhafte und fantastische Bilder zu verkörpern. In Opern des 17. und 18. Jahrhunderts werden „überirdische“ Charaktere (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „ Die Zauberflöte") sprach in einer „allgemein anerkannten“ Musiksprache und hob sich kaum vom Hintergrund realer Menschen ab. Romantische Komponisten lernten, die Fantasiewelt als etwas ganz Konkretes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben).
Das Interesse an Volkskunst ist für die musikalische Romantik sehr charakteristisch. Wie die romantischen Dichter, die die literarische Sprache durch Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich Musiker in großem Umfang der nationalen Folklore zu – Volksliedern, Balladen, Epen. Unter dem Einfluss der Folklore veränderte sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch.
Der wichtigste Punkt in der Ästhetik der Musikromantik war die Idee eines Gesamtkunstwerks, das in … seinen lebendigsten Ausdruck fand Opernkreativität Wagner und im Programm Musik von Berlioz, Schumann, Liszt.

Hector Berlioz. „Fantastische Symphonie“ – 1. Träume, Leidenschaften...

Robert Schumann – „Im Glanz...“, „Ich begegne dem Blick.“

Aus Stimmzyklus„Die Liebe des Dichters“
Robert Schumann Heinrich Heine „Im Schein warmer Maitage“
Robert Schumann - Heinrich „Ich begegne dem Blick deiner Augen“

Robert Schumann. „Fantastische Stücke“.

Schumann Fantasiestücke, op. 12 Teil 1: Nein. 1 Des Abend und Nr. 2 Aufschwung

Blatt. Sinfonische Dichtung „Orpheus“

Frederic Chopin – Präludium Nr. 4 in e-Moll

Frederic Chopin – Nocturne Nr. 20 in cis-Moll

Schubert öffnete den Weg für viele Neue Musikgenres- spontan, Musikalische Momente, Liederzyklen, lyrisch-dramatische Sinfonie. Doch egal, welches Genre Schubert schrieb – traditionell oder von ihm geschaffen – überall agiert er als Komponist neue Ära, Ära der Romantik.

Viele Merkmale des neuen romantischen Stils wurden dann in den Werken von Schumann, Chopin, Liszt und russischen Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entwickelt.

Franz Schubert. Symphonie C-Dur

Franz Liszt. „Träume der Liebe“

Weber. Jägerchor aus der Oper „Free Shooter“

Franz Schubert. Impromptu Nr. 3

Der Text wurde von verschiedenen Seiten zusammengestellt. Zusammengestellt von:Ninel Nick

Zweig hatte Recht: Eine so wunderbare Generation wie die Romantiker hat Europa seit der Renaissance nicht mehr erlebt. Wunderbare Bilder der Traumwelt, nackte Gefühle und der Wunsch nach erhabener Spiritualität – das sind die Farben, die die Musikkultur der Romantik ausmalen.

Die Entstehung der Romantik und ihre Ästhetik

Während in Europa die industrielle Revolution stattfand, wurden die in die Große Revolution gesetzten Hoffnungen in den Herzen der Europäer zerstört. Französische Revolution. Der im Zeitalter der Aufklärung proklamierte Kult der Vernunft wurde gestürzt. Der Kult der Gefühle und des natürlichen Prinzips im Menschen ist auf das Podest gestiegen.

So entstand die Romantik. In der Musikkultur existierte es nur für kurze Zeit mehr als ein Jahrhundert(1800-1910), während seine Amtszeit in verwandten Bereichen (Malerei und Literatur) ein halbes Jahrhundert früher ablief. Vielleicht ist daran „die Musik“ „schuld“ – es war die Musik, die bei den Romantikern als die spirituellste und freieste aller Künste an der Spitze der Künste stand.

Allerdings bauten die Romantiker im Gegensatz zu Vertretern der Epochen der Antike und des Klassizismus keine Hierarchie der Künste mit ihrer klaren Einteilung in Typen und auf. Das romantische System war universell; die Künste konnten sich frei ineinander verwandeln. Die Idee eines Gesamtkunstwerks war eine der Schlüsselideen der Musikkultur der Romantik.

Diese Beziehung betraf auch die Kategorien der Ästhetik: Das Schöne wurde mit dem Hässlichen, das Hohe mit dem Niedrigen, das Tragische mit dem Komischen verbunden. Solche Übergänge waren mit romantischer Ironie verbunden, die zugleich ein universelles Weltbild widerspiegelte.

Alles, was mit Schönheit zu tun hat, gefunden neue Bedeutung unter den Romantikern. Die Natur wurde zum Objekt der Anbetung, der Künstler wurde als der höchste aller Sterblichen vergöttert und die Gefühle wurden über die Vernunft gestellt.

Der geistlosen Realität wurde ein Traum gegenübergestellt, der schön, aber unerreichbar war. Der Romantiker baute mit Hilfe seiner Fantasie seine neue Welt auf, anders als andere Realitäten.

Welche Themen wählten romantische Künstler?

Die Interessen der Romantiker zeigten sich deutlich in der Wahl ihrer Kunstthemen.

• Thema Einsamkeit. Ein unterschätztes Genie oder ein einsamer Mensch in der Gesellschaft – das waren die Hauptthemen der Komponisten dieser Zeit („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Ohne die Sonne“ von Mussorgski).
• Thema „lyrisches Geständnis“. In vielen Werken romantischer Komponisten gibt es einen Hauch von Autobiographie („Karneval“ von Schumann, „Symphony Fantastique“ von Berlioz).
• Thema Liebe. Im Grunde handelt es sich hier um das Thema unerwiderter oder tragischer Liebe, aber nicht unbedingt („Liebe und Leben einer Frau“ von Schumann, „Romeo und Julia“ von Tschaikowsky).
• Thema des Weges. Sie wird auch genannt Thema der Wanderungen. Die von Widersprüchen zerrissene romantische Seele suchte ihren Weg („Harold in Italien“ von Berlioz, „Die Jahre des Wanderns“ von Liszt).
• Thema Tod. Im Grunde war es der geistige Tod (Tschaikowskys Sechste Symphonie, Schuberts Winterreise).
• Naturthema. Die Natur in den Augen der Romantik und einer beschützenden Mutter und einer einfühlsamen Freundin und dem bestrafenden Schicksal („Hebriden“ von Mendelssohn, „In Zentralasien" Borodin). Auch der Kult des Heimatlandes (Polonaisen und Balladen von Chopin) ist mit diesem Thema verbunden.
• Fantasy-Thema. Die imaginäre Welt der Romantiker war viel reicher als die reale („The Magic Shooter“ von Weber, „Sadko“ von Rimsky-Korsakov).

Musikgenres der Romantik

Die Musikkultur der Romantik gab Impulse für die Entwicklung der Genres der Kammergesangstexte: Ballade(„Der Waldkönig“ von Schubert), Gedicht(„Die Jungfrau vom See“ von Schubert) und Lieder, oft kombiniert zu Zyklen(„Myrten“ von Schumann).

Romantische Oper zeichnete sich nicht nur durch die fantastische Natur der Handlung aus, sondern auch durch die starke Verbindung zwischen Text, Musik und Bühnengeschehen. Die Oper wird symphonisiert. Es genügt, an Wagners „Ring des Nibelungen“ mit seinem entwickelten Leitmotivgeflecht zu erinnern.

Zu den instrumentalen Genres der Romantik gehören Klavierminiatur. Um ein Bild oder die Stimmung eines Augenblicks zu vermitteln, reicht ihnen ein kurzes Theaterstück. Trotz seiner Größe sprüht das Stück vor Ausdruck. Das könnte sie sein „Lied ohne Worte“ (wie Mendelssohn) Mazurka, Walzer, Nocturne oder Stücke mit programmatischen Titeln („The Rush“ von Schumann).

Wie Lieder werden Theaterstücke manchmal zu Zyklen zusammengefasst („Schmetterlinge“ von Schumann). Gleichzeitig bildeten die kontrastierenden Teile des Zyklus aufgrund musikalischer Zusammenhänge stets eine einzige Komposition.

Die Romantiker liebten Programmmusik, die sie mit Literatur, Malerei oder anderen Künsten verband. Daher wurde die Handlung in ihren Werken oft kontrolliert. Es erschienen einsätzige Sonaten (Liszts h-Moll-Sonate), einsätzige Konzerte (Erstes). Klavierkonzert Liszt) und Symphonische Gedichte(„Préludes“ von Liszt), Symphonie mit fünf Sätzen („Symphony Fantastique“ von Berlioz).

Die Musiksprache romantischer Komponisten

Das von der Romantik verherrlichte Gesamtkunstwerk beeinflusste die musikalischen Ausdrucksmittel. Die Melodie ist individueller geworden, sensibler für die Poetik des Wortes, und die Begleitung ist nicht mehr neutral und typisch in ihrer Struktur.

Die Harmonie wurde mit beispiellosen Farben angereichert, um von den Erfahrungen des romantischen Helden zu erzählen. So vermittelten die romantischen Intonationen der Trägheit perfekt veränderte Harmonien, die die Spannung steigerten. Romantiker liebten den Effekt des Hell-Dunkels, bei dem die Dur-Stimme durch die gleichnamige Moll-Stimme ersetzt wurde, sowie die Akkorde der Seitenschritte und die schönen Vergleiche der Tonalitäten. Auch in der Musik wurden neue Wirkungen entdeckt, insbesondere wenn es darum ging, den Volksgeist oder fantastische Bilder in der Musik zu vermitteln.

Im Allgemeinen strebte die Melodie der Romantiker nach Kontinuität in der Entwicklung, lehnte jede automatische Wiederholung ab, vermied die Regelmäßigkeit der Akzente und atmete jedem ihrer Motive Ausdruckskraft ein. Und die Textur ist zu einem so wichtigen Bindeglied geworden, dass ihre Rolle mit der Rolle der Melodie vergleichbar ist.

Hören Sie, was für eine wundervolle Mazurka Chopin hat!

Statt einer Schlussfolgerung

Die Musikkultur der Romantik erlebte an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert erste Krisenzeichen. Die „freie“ Musikform begann zu zerfallen, die Harmonie hatte Vorrang vor der Melodie, erhabene Gefühle Die romantischen Seelen gaben schmerzlicher Angst und niederträchtigen Leidenschaften nach.

Diese destruktiven Tendenzen beendeten die Romantik und ebneten den Weg für die Moderne. Doch auch nach ihrem Ende als Bewegung lebte die Romantik sowohl in der Musik des 20. Jahrhunderts als auch in der Musik des aktuellen Jahrhunderts in ihren verschiedenen Komponenten weiter. Blok hatte Recht, als er sagte, dass Romantik „in allen Epochen des menschlichen Lebens“ entsteht.