Romantik in der Musik von Franz Schubert. Schubert – der erste österreichische romantische Komponist

KURSARBEIT

im Fach „Geschichte der ausländischen Musik“

zum Thema: " Romantik in Musik und kreativer Look Franz Schubert »

Vollendet

Schüler der Gruppe MZ-113 A.A. Nikulin

Rekordbuch Nr. 5103511

Geprüft

Ph.D. Kunstgeschichte, außerordentlicher Professor L.V. Kordjukow

Jekaterinburg, 2016

EINFÜHRUNG

Franz Schubert – Österreichischer Komponist, einer der Begründer der Musikromantik, Autor von etwa 600 Vokalkompositionen, neun Sinfonien sowie einer Vielzahl von Kammer- und Solomusiken Klaviermusik. In seinen großartigen Werken stellte er die alltägliche Realität dem Reichtum der inneren Welt eines kleinen Menschen gegenüber. Der ideologische Kern der meisten Werke Schuberts ist das Aufeinanderprallen von Ideal und Realität.

Schubert, der erste romantische Komponist, ist eine der tragischsten Figuren der Weltgeschichte. Musikkultur. Sein kurzes und ereignisloses Leben wurde abgebrochen, als er auf dem Höhepunkt seiner Stärke und seines Talents war. Die meisten seiner Kompositionen hörte er nicht. Auch das Schicksal seiner Musik war in vielerlei Hinsicht tragisch. Unbezahlbare Manuskripte, teilweise von Freunden aufbewahrt, teilweise jemandem gespendet und manchmal einfach auf endlosen Reisen verloren, konnten lange Zeit nicht zusammengestellt werden.

Jedes Mal erhält die Kollision von Traum und Realität eine individuelle Interpretation, aber in der Regel Der Konflikt findet keine endgültige Lösung. Nicht der Kampf um die Etablierung eines positiven Ideals steht im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit des Komponisten, sondern die mehr oder weniger deutliche Offenlegung von Widersprüchen. Dies ist der Hauptbeweis für Schuberts Zugehörigkeit zur Romantik. Sein Hauptthema war Thema der Entbehrung, der tragischen Hoffnungslosigkeit. Dieses Thema ist nicht erfunden, es ist dem Leben entnommen und spiegelt das Schicksal einer ganzen Generation wider, inkl. und das Schicksal des Komponisten selbst. Wie bereits erwähnt, ist es kurz kreativer Weg Schubert verschwand in tragischer Vergessenheit. Er hatte nicht den Erfolg, der für einen Musiker dieses Kalibers selbstverständlich war.

Die Romantik war eine Art Reaktion auf die Aufklärung mit ihrem Vernunftkult. Sein Auftreten hatte verschiedene Gründe. Das wichtigste davon ist Enttäuschung über die Ergebnisse des Großen Französische Revolution , was den in ihn gesetzten Erwartungen nicht gerecht wurde.

Für Romantiker Weltanschauung gekennzeichnet durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen. Die Realität ist niedrig und unspirituell. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, das „Leben des Herzens“, gegenüber. Die Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft. Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. genau Musik nahm im Zeitalter der Romantik einen führenden Platz im Kunstsystem ein.

Dieser Beitrag untersucht die Inhalte und Merkmale des Schaffensstils Franz Schuberts im Kontext der Romantik Musikalische Kunst.

Ziel des Werkes ist es, das schöpferische Bild Schuberts zu offenbaren, den Beitrag des Komponisten zur europäischen Romantik des 19. Jahrhunderts zusammenzufassen und die Besonderheiten der Musik dieser Epoche herauszustellen

Während der Arbeit müssen Sie folgende Aufgaben lösen:

1) enthüllen die stilistischen Merkmale der Musik der Romantik, ihren Hintergrund und Eigenschaften;

2) betrachten Franz Schubert als den ersten Komponisten der Romantik;

3) Analysieren Sie das kreative Bild von Schubert und die Merkmale seiner Arbeit;

4) Analysieren Sie die Werke von Franz Schubert.

Das Werk besteht aus einer Einleitung, zwei Hauptkapiteln, einem Fazit, einem Quellenverzeichnis und einem Anhang.

KAPITEL 1. SCHUBERTS WERK IM KONTEXT DER EUROPÄISCHEN ROMANTIK

Romantik in der europäischen Musik des 19. Jahrhunderts. Stilmerkmale

Die Epoche der Romantik ist eine der interessantesten und reichsten Perioden der Menschheitsgeschichte. Die Französische Revolution, die gewaltigen Feldzüge Napoleons, die die Landkarte Europas neu zeichneten, der Bruch mit der alten Lebensweise und jahrhundertealten menschlichen Beziehungen – das war die Zeit, in der die ersten Romantiker lebten.

Der Wandel der künstlerischen Tendenzen war eine Folge der enormen gesellschaftlichen Veränderungen, die ihn kennzeichneten öffentliches Leben Europa an der Wende zweier Jahrhunderte.

Die wichtigste Voraussetzung für dieses Phänomen in der Kunst europäischer Länder war die durch die Große Französische Revolution erwachte Massenbewegung.

Die Revolution, die eine neue Ära in der Geschichte der Menschheit eröffnete, führte zu einem enormen Anstieg der geistigen Stärke der Völker Europas. Der Kampf um den Sieg demokratischer Ideale prägt die europäische Geschichte des Berichtszeitraums.

In untrennbarer Verbindung mit der Volksbefreiungsbewegung entstand ein neuer Künstlertypus – eine fortschrittliche Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, die die völlige Emanzipation der geistigen Kräfte des Menschen und die höchsten Gesetze der Gerechtigkeit anstrebte. Nicht nur Schriftsteller wie Shelley, Heine oder Hugo, sondern auch Musiker verteidigten ihre Überzeugungen oft, indem sie ihre Feder zu Papier brachten. Hoch intellektuelle Entwicklung, breite ideologische Einstellung, bürgerliches Bewusstsein kennzeichnen Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt und viele andere Komponisten des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Ausschlaggebend für die Ideologiebildung moderner Künstler war zugleich die tiefe Enttäuschung breiter Schichten der Gesellschaft über die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution. Der illusorische Charakter der Ideale der Aufklärung wurde offenbart. Die Prinzipien „Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit“ blieben ein utopischer Traum. Das bürgerliche System, das das feudal-absolutistische Regime ablöste, zeichnete sich durch gnadenlose Formen der Ausbeutung der Massen aus.

In ihren besten Hoffnungen getäuscht und unfähig, sich mit der Realität auseinanderzusetzen, brachten die Künstler der Neuzeit ihren Protest gegen die neue Ordnung der Dinge zum Ausdruck.

So entstand etwas Neues künstlerische Leitung- Romantik.
Belinsky schreibt in seinen Schriften:

„Romantik gehört nicht nur zur Kunst, nicht nur zur Poesie: Ihre Quelle liegt in dem, was die Quelle sowohl der Kunst als auch der Poesie ist – im Leben... In ihrer engsten und wesentlichsten Bedeutung ist Romantik nichts anderes als Innere menschliche Seelen, verborgenes Leben sein Herz. In der Brust und im Herzen eines Menschen; Gefühle, Liebe ist eine Manifestation oder Handlung der Romantik, und daher ist fast jeder Mensch ein Romantiker.“ Die Sphäre der Romantik ist „der geheimnisvolle Boden der Seele und des Herzens, aus dem alle vagen Sehnsüchte nach dem Besseren und Erhabenen hervorgehen und in den von der Fantasie geschaffenen Idealen Befriedigung zu finden suchen.“

Die Ablehnung der bürgerlichen Borniertheit, des trägen Spießertums und des Spießertums bildet die Grundlage der ideologischen Plattform der Romantik. Es bestimmte vor allem den Inhalt der künstlerischen Klassiker dieser Zeit. Aber gerade in der Natur der kritischen Haltung gegenüber der kapitalistischen Realität liegt der Unterschied zwischen ihren beiden Hauptströmungen; es zeigt sich je nachdem, welche Interessen gesellschaftliche Kreise diese oder jene Kunst objektiv widerspiegeln.

Romantik in der Kunst im Allgemeinen ist ein komplexes und heterogenes Phänomen. Jeder der beiden oben genannten Haupttrends hatte seine eigenen Varianten und Nuancen. In jeder nationalen Kultur, abhängig von der gesellschaftspolitischen Entwicklung des Landes, seiner Geschichte, der psychologischen Verfassung der Menschen, künstlerische Traditionen Die Stilmerkmale der Romantik nahmen einzigartige Formen an. Daher viele seiner charakteristischen nationalen Zweige. Und selbst im Werk einzelner romantischer Künstler kreuzten und verflochten sich mitunter unterschiedliche, teils widersprüchliche Strömungen der Romantik.

Die Befreiung des Einzelnen von der Psychologie der feudalen Gesellschaft führte zur Etablierung des hohen Wertes der geistigen Welt des Menschen. Tiefe und Vielfalt emotionale Erlebnisse wecken großes Interesse bei Künstlern. Die subtile Entwicklung lyrischer und psychologischer Bilder ist eine der führenden Errungenschaften Kunst des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte. Durch die wahrheitsgetreue Wiedergabe des komplexen Innenlebens der Menschen eröffnete die Romantik einen neuen Gefühlsbereich in der Kunst.

Und im musikalischen Schaffen kommt vor allem dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ eine herausragende Bedeutung zu Liebestexte, das die innere Welt des „Helden“ am besten offenbart. Dieses Thema zieht sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kunst der Romantik, angefangen bei den Kammerromanen Schuberts bis hin zu den monumentalen Sinfonien Berlioz und den grandiosen Musikdramen Wagners. Keiner der klassischen Komponisten schuf in der Musik so vielfältige und subtil umrissene Naturbilder, so überzeugend ausgearbeitete Bilder von Sehnsüchten und Träumen, Leiden und spirituellen Impulsen wie die Romantiker.

Das heroisch-revolutionäre Thema, das eines der Hauptthemen im musikalischen Schaffen der „Gluck-Beethoven-Ära“ war, erklingt im Werk der Romantiker auf neue Weise. Durch die persönliche Stimmung des Künstlers gebrochen, erhält es eine charakteristische pathetische Anmutung. Gleichzeitig wurde das Thema Heldentum bei den Romantikern im Gegensatz zu klassischen Traditionen nicht in einer universellen, sondern in einer betont patriotischen nationalen Perspektive interpretiert.

Für die Musikkunst der neuen Ära hatte das Interesse an der nationalen Kultur Konsequenzen von enormer Bedeutung.

Das 19. Jahrhundert ist geprägt von der Blüte nationaler, auf Traditionen basierender Musikschulen Volkskunst. Dies gilt nicht nur für jene Länder, die bereits in den letzten zwei Jahrhunderten Komponisten von Weltrang hervorgebracht haben (wie Italien, Frankreich, Österreich, Deutschland). Reihe nationale Kulturen(Russland, Polen, Tschechien, Norwegen und andere), die bis dahin im Schatten blieben, betraten mit ihren unabhängigen Staaten die Weltbühne nationale Schulen, von denen viele begannen, die wichtigste und manchmal führende Rolle bei der Entwicklung des Generals zu spielen Europäische Musik.

In der heutigen Zeit wird die Abhängigkeit vom Lokalen, dem „Lokalen“, dem Nationalen zum bestimmenden Moment der Musikkunst. Gesamteuropäische Erfolge bestehen heute aus den Beiträgen vieler klar definierter nationaler Schulen.

Als Folge des neuen ideologischen Inhalts der Kunst entstanden neue Ausdruckstechniken, die für alle verschiedenen Zweige der Romantik charakteristisch sind. Diese Gemeinsamkeit lässt uns von der Einheit der künstlerischen Methode der Romantik als Ganzes sprechen, die sie gleichermaßen vom Klassizismus der Aufklärung unterscheidet Kritischer Realismus 19. Jahrhundert. Es ist gleichermaßen charakteristisch für Hugos Dramen, Byrons Poesie und Liszts symphonische Dichtungen.

Wir können sagen, dass das Hauptmerkmal dieser Methode die Steigerung der emotionalen Ausdruckskraft ist. Der romantische Künstler vermittelte in seiner Kunst ein lebendiges Überschäumen der Leidenschaften, das nicht in die üblichen Schemata der aufklärerischen Ästhetik passte. Der Vorrang des Gefühls vor der Vernunft ist ein Axiom der Theorie der Romantik. Im Grad der Aufregung, Leidenschaft, Farbigkeit des Künstlerischen Werke des XIX Jahrhundert manifestiert sich zunächst die Originalität des romantischen Ausdrucks. Es ist kein Zufall, dass Musik Ausdrucksspezifität die dem romantischen Gefühlssystem am besten entsprach, wurde von den Romantikern zur idealen Kunstform erklärt.

Ein ebenso wichtiges Merkmal der romantischen Methode ist die fantastische Fiktion. Die imaginäre Welt scheint den Künstler über die hässliche Realität zu erheben. Nach Belinskys Definition war die Sphäre der Romantik der „Boden der Seele und des Herzens, aus dem alle vagen Sehnsüchte nach dem Besseren und Erhabenen aufsteigen und in den von der Fantasie geschaffenen Idealen Befriedigung zu finden suchen.“

Dieses tiefe Bedürfnis romantischer Künstler wurde durch die neue märchenhaft-pantheistische Bildsphäre, entlehnt aus Folklore und antiken mittelalterlichen Legenden, perfekt erfüllt. Für das musikalische Schaffen des 19. Jahrhunderts war es, wie wir später sehen werden, von größter Bedeutung.

Zu den neuen Errungenschaften der romantischen Kunst, die die künstlerische Ausdruckskraft gegenüber der klassizistischen Bühne deutlich bereicherten, gehört die Darstellung von Phänomenen in ihrer Widersprüchlichkeit und dialektischen Einheit. Überwindung der dem Klassizismus innewohnenden konventionellen Unterscheidung zwischen dem Bereich des Erhabenen und des Alltäglichen, Künstler des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte kollidierten bewusst mit den Zusammenstößen des Lebens und betonten nicht nur ihren Kontrast, sondern auch ihre innere Verbindung. Ein ähnliches Prinzip der „Antithesendramaturgie“ liegt vielen Werken dieser Zeit zugrunde. Es ist typisch für das romantische Theater von Hugo, für die Opern von Meyerbeer, Instrumentalzyklen Schumann, Berlioz.

ZU Charakteristische Eigenschaften Zur Methode der neuen Kunst des 19. Jahrhunderts sollte auch eine Tendenz zur figurativen Konkretheit gehören, die durch die Darstellung charakteristischer Details betont wird. Detaillierung ist ein typisches Phänomen in der Kunst der Neuzeit, auch bei den Werken jener Figuren, die keine Romantiker waren. In der Musik manifestiert sich diese Tendenz im Wunsch nach maximaler Bildklärung, nach deutlicher Differenzierung der Musiksprache gegenüber der Kunst des Klassizismus.

Die formalen und künstlerischen Voraussetzungen der Romantik wurden in den Stilrichtungen des Rokoko und des Sentimentalismus geformt, doch unter dem Einfluss der Französischen Revolution kam es zu einem entscheidenden Bewusstseinswandel. Von besonderem Interesse war der Versuch, das Problem der Freiheit und der tiefen Enttäuschung zu lösen – das erfolglose Ende dieses Versuchs.

Schriftsteller, Künstler, Musiker erlebten Grandioses historische Ereignisse, revolutionäre Umbrüche, die das Leben bis zur Unkenntlichkeit veränderten. Viele von ihnen begrüßten die Veränderungen begeistert und bewunderten die Verkündigung der Ideen von Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit.

Doch die Zeit verging und sie stellten fest, dass die neue Gesellschaftsordnung weit von der Gesellschaft entfernt war, deren Entstehung von den Philosophen des 18. Jahrhunderts vorhergesagt wurde. Die Zeit der Enttäuschung ist gekommen.

In der Philosophie und Kunst des frühen Jahrhunderts erklangen tragische Zweifel an der Möglichkeit, die Welt nach den Prinzipien der Vernunft zu verändern. Versuche, der Realität zu entfliehen und sie gleichzeitig zu begreifen, führten zur Entstehung eines neuen ideologischen Systems – der Romantik.

Das von der Romantik verherrlichte Gesamtkunstwerk beeinflusste die musikalischen Ausdrucksmittel. Die Melodie ist individueller geworden, sensibler für die Poetik des Wortes, und die Begleitung ist nicht mehr neutral und typisch in ihrer Struktur.

Harmony wurde mit beispiellosen Farben angereichert, um von den Erlebnissen des romantischen Helden zu erzählen. So vermittelten die romantischen Intonationen von Languour perfekt veränderte Harmonien, die die Spannung erhöhten. Romantiker liebten den Effekt des Hell-Dunkels, bei dem die Dur-Stimme durch die gleichnamige Moll-Stimme ersetzt wurde, sowie die Akkorde der Seitenschritte und die schönen Vergleiche der Tonalitäten. Auch im Naturtonbereich wurden neue Effekte entdeckt, insbesondere wenn es darum ging, den Volksgeist oder fantastische Bilder in der Musik zu vermitteln.

Im Allgemeinen strebte die Melodie der Romantiker nach Kontinuität in der Entwicklung, lehnte jede automatische Wiederholung ab, vermied die Regelmäßigkeit der Akzente und atmete jedem ihrer Motive Ausdruckskraft ein. Und die Textur ist zu einem so wichtigen Bindeglied geworden, dass ihre Rolle mit der Rolle der Melodie vergleichbar ist.

Ziel: Bildung einer emotional bewussten Wahrnehmung musikalisches Bild am Beispiel der Werke von F. Schubert.

1. Pädagogisch:

stellen Sie das Werk des romantischen Komponisten F. Schubert vor;
das Wissen der Studierenden über Musikstile vertiefen;
Identifizieren Sie die Besonderheiten der Romantik.

2. Entwicklung:

Weiterentwicklung des künstlerischen Erbes herausragender Vertreter des musikhistorischen Stils.

3. Lehrreich: den Geschmackssinn zu kultivieren, die Fähigkeit, die Zugehörigkeit von Musikwerken zu einem Musikstil nach Gehör zu bestimmen.

Demonstrationsmaterial: Computer, Multimedia-Beamer, Praktikum „Musik verstehen lernen“ aus der Reihe „Kyrill und Method“.

Während des Unterrichts

I. Einleitung

Organisatorischer Beginn
Wiederholung

Heute werden wir in der Lektion unsere Bekanntschaft mit den wichtigsten Stilen der Musikkunst fortsetzen.

Folie Nummer 1.

Stil ist eine Originalität, die der Musik einer bestimmten historischen Periode, einer nationalen Kompositionsschule und dem Werk einzelner Komponisten und Interpreten innewohnt.

Nennen Sie die Hauptrichtungen des musikhistorischen Stils, die wir in den vorherigen Lektionen kennengelernt haben (Barock, Rokoko, Klassizismus).

Nennen Sie die Hauptmerkmale der Kunst des Barock, des Rokoko und des Klassizismus (Antworten der Kinder)

II. Hauptteil

1. Einführung Lehrer über Romantik.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstand in Europa die Romantik – eine neue Richtung in der Kunst, die die Wahrheit der Gefühle, die von der Vorstellungskraft geschaffene ideale Welt verherrlichte. Die Romantik wurde sehr deutlich in der Musik verkörpert.

Schreiben Sie den Begriff „Romantik“ in Ihr Notizbuch.

Folie Nummer 2

Die Romantik ist eine künstlerische Bewegung in der Kultur europäischer Länder, die an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert entstand.

Nach der Revolution in Frankreich wurden in ganz Europa reaktionäre Regime errichtet, alles Fortschrittliche, Revolutionäre und jede soziale Bewegung wurde verfolgt. Dem Menschen blieb nur noch eines: sich in sich selbst zurückzuziehen, tiefer in die Welt der persönlichen Erfahrungen einzutauchen.

Folie Nummer 3

Besonderheiten des Musikstils romantischer Komponisten: Bildhaftigkeit, Farbigkeit, Bildhaftigkeit, Lyrik, Aufmerksamkeit für das Innere Spirituelle Welt Person. Der heroische Revolutionsgeist des Zeitalters der Aufklärung wich der Spiritualität des 19. Jahrhunderts.

2. Zuhören – „Ein musikalischer Moment“ von F. Schubert.

Was ist das für eine Melodie? (Antworten der Kinder).

Wir hörten das Stück „The Musical Moment“ des österreichischen Komponisten, des größten Vertreters der Frühromantik, Franz Schubert

Folie Nr. 4 - Porträt von F. Schubert (1797 - 1828)

- „Musikalischer Moment“ nennt man einige kurze Stücke. Der Name selbst spricht von der Besonderheit des Musikschaffens – in einem Anfall von Inspiration, in der Stimmung, die den Komponisten einfängt („Moment“). Sein „Musikalischer Moment in f-Moll“ besticht durch Anmut, leichte „Tanzbarkeit“ und Aufrichtigkeit.

Folie Nummer 5

Franz Schubert ist einer der subtilsten musikalischen Lyriker der Weltkultur und verfügt über eine brillante Begabung für den Gesang. Im Alter von 18 Jahren schuf er Meisterwerke Gesangstexte: „Margarita am Spinnrad“, „Forelle“, Ballade „Der Waldkönig“. Nachdem Schubert Müllers Texte entdeckt hatte, die von den Irrfahrten, Leiden, Hoffnungen und Enttäuschungen einer einsamen romantischen Seele erzählen, schuf er die Gesangszyklen „Die schöne Müllerin“ (20 Lieder mit Texten von W. Müller), „Winter Retreat“ (24 Lieder mit Texten von W. Müller). 600 Lieder offenbaren gefühlvoll das Gefühl eines Menschen – verträumt, leidend, protestierend. Er schrieb mehr als tausend Klavier- und Orchesterwerke. Den Hauptplatz unter ihnen nehmen elegante Miniaturen ein, die von einem einfachen und aufrichtigen Gefühl erfüllt sind. Schubert erkannte seinen lebenslangen Ruhm nicht an. Die berühmte „Unvollendete Symphonie“ erklang 40 Jahre nach seinem Tod.

3. Hören - F. Schubert „Unvollendete Symphonie“ Nr. 8.

Franz Schubert schrieb Liederzyklen auf die gleiche Weise wie Goya Gemäldeserien schrieb. Es stellte sich heraus, dass es ein Liederroman war, Geschichten über das menschliche Schicksal Musikalische Mittel. Er war ein glühender Bewunderer der Poesie von Goethe, Schiller und Heine. Er schrieb seine ersten Lieder für Komponisten nach Goethes Gedichten. Über 70 Lieder wurden von Schubert nach den Worten des großen deutschen Dichters geschrieben.

Heute wenden wir uns der Ballade „The Forest King“ zu.

Folie Nummer 6

4. F. Schuberts Ballade „Der Waldkönig“ hören und darüber sprechen.

Kennen Sie das Genre der Balladen? (Antworten der Kinder).

Folie Nummer 7

- Gesangsballade ist ein Lied, das freie Entwicklung hat. Die Handlung der Ballade ist scharf dramatisch. Es verbindet Realität und Fantasie, Epos und Lyrik.

Antizipationsaufgabe – Das Stück erklingt auf Deutsch, Menge ermitteln Figuren.

Zuhören - „Der Waldkönig“ von F. Schubert

Wie viele Zeichen? (4)

Hören Sie sich die russische Übersetzung des Textes von V. Schukowski an.

Wie wir sehen können, wird in der Poesie und Musik ein großes dramatisches Bild gemalt. Dieses Lied ist ein ganzes Drama. Die Musik der Ballade ist voller Verzweiflung, Melancholie und Hoffnungslosigkeit. Es folgt dem Text so flexibel, dass ein schnell galoppierender Reiter mit einem Kind an seiner Brust und der sie einholende Waldkönig vor unseren Augen aufblitzen. Wir hören die aufgeregte Rede des Erzählers, das Leid, die Bitten und das Entsetzen in den Ausrufen des sterbenden Jungen und die hinterlistig verführerischen Reden des Waldkönigs. Der Hintergrund, der die musikalischen Charakteristika „zusammenhält“, ist die Klavierbegleitung, die den schnellen Lauf eines Pferdes darstellt.

5. Hören Sie „Ave Maria“ von F. Schubert.

Wie fühlt sich jemand, wenn er dieses Stück hört? (Antworten der Kinder)

Folie Nummer 8

Zuhören - „Ave Maria“ von F. Schubert mit Text.

Genau das berühmtes Werk Schubert basiert auf Gedichten des berühmten englischen Dichters und Schriftstellers Walter Scott.

Folie Nummer 9

Insgesamt schrieb Schubert sieben Lieder nach Gedichten von Walter Scott.

Die Melodie des Liedes ist so herzlich und gefühlvoll, dass es als Gebet verwendet wurde.

Zuhören – „Ave Maria“ (Instrumentaldarbietung) mit Visuals.

Folien Nr. 10 -17

Zurbaran. Madonna und Kind. 17. Jahrhundert
El Greco. Heilige Familie
Rembrandt. Heilige Familie 1645
K.S. Petrov - Wodkin. Mutter. 1913
Andrey Rublev. Unsere Liebe Frau von Wladimir
Raphael. Sixtinische Madonna
Gerard David. Maria umarmt den Leib Christi
V. Perov. Unsere Liebe Frau und Christus am Meer des Lebens
Lambert Lombard. Barmherzigkeit

III. Abschluss

1. Zusammenfassung der Lektion

Die Musik von F. Schubert zeichnet sich durch erstaunliche spirituelle Offenheit und Aufrichtigkeit aus und findet immer den Weg in die Herzen der Zuhörer. Trotz aller Widrigkeiten seines Lebens schrieb er strahlende Musik, die die menschliche Seele veredeln konnte.

2. Wiederholtes Hören – „Musical Moment“ von F. Schubert

3. Ein zuvor gelerntes Lied vortragen.

4. Hausaufgabe: Wenn Sie Künstler wären, wie würden Sie eine romantische Person darstellen? „Zeichnen“ Sie ein verbale Porträt.

Schubert, der erste romantische Komponist, ist eine der tragischsten Figuren in der Geschichte der Weltmusikkultur. Sein kurzes und ereignisloses Leben wurde abgebrochen, als er auf dem Höhepunkt seiner Stärke und seines Talents war. Die meisten seiner Kompositionen hörte er nicht. Auch das Schicksal seiner Musik war in vielerlei Hinsicht tragisch. Unbezahlbare Manuskripte, teilweise von Freunden aufbewahrt, teilweise jemandem gespendet und manchmal einfach auf endlosen Reisen verloren, konnten lange Zeit nicht zusammengestellt werden. Es ist bekannt, dass die „Unvollendete“ Symphonie mehr als 40 Jahre und die C-Dur-Symphonie 11 Jahre auf ihre Aufführung wartete. Die Wege, die Schubert in ihnen entdeckte, blieben lange Zeit unbekannt.

Schubert war ein jüngerer Zeitgenosse Beethovens. Beide lebten in Wien, ihre Werke fallen zeitlich zusammen: „Margarita am Spinnrad“ und „Der Waldkönig“ sind im gleichen Alter wie Beethovens 7. und 8. Symphonie, und seine 9. Symphonie erschien gleichzeitig mit Schuberts „Unvollendete“. Nur anderthalb Jahre trennen den Tod Schuberts vom Todestag Beethovens. Dennoch ist Schubert ein Vertreter einer völlig neuen Künstlergeneration. Wenn Beethovens Werk unter dem Einfluss der Ideen der Großen Französischen Revolution entstand und deren Heldentum verkörperte, dann entstand Schuberts Kunst in einer Atmosphäre der Enttäuschung und Müdigkeit, in einer Atmosphäre härtester politischer Reaktion. Es begann mit dem „Wiener Kongress“ von 1814–15. Vertreter der Staaten, die den Krieg mit Napoleon gewonnen hatten, schlossen sich dann in der sogenannten zusammen. „Heilige Allianz“, deren Hauptziel die Unterdrückung revolutionärer und nationaler Befreiungsbewegungen war. Die führende Rolle in der „Heiligen Allianz“ kam Österreich zu, genauer gesagt dem österreichischen Regierungschef, Bundeskanzler Metternich. Er war es, der das Land tatsächlich regierte, und nicht der passive, willensschwache Kaiser Franz. Es war Metternich, der der wahre Schöpfer des österreichischen autokratischen Systems war, dessen Kern darin bestand, jegliche Manifestationen freien Denkens in ihren Kinderschuhen zu unterdrücken.

Die Tatsache, dass die ganze Zeit kreative Reife Schuberts Zeit in Metternichs Wien prägte den Charakter seiner Kunst maßgeblich. In seinem Werk gibt es keine Werke, die sich auf den Kampf um eine glückliche Zukunft der Menschheit beziehen. Seine Musik hat wenig heroische Stimmung. Zu Schuberts Zeiten wurde nicht mehr von universellen Menschheitsproblemen, von der Neuordnung der Welt gesprochen. Der Kampf um alles schien sinnlos. Das Wichtigste schien zu sein, Ehrlichkeit, spirituelle Reinheit und die Werte der eigenen spirituellen Welt zu bewahren. So entstand eine künstlerische Bewegung namens « Romantik". Dies ist eine Kunst, in der zum ersten Mal der Mensch mit seiner Einzigartigkeit, seinen Suchen, Zweifeln und Leiden im Mittelpunkt steht. Schuberts Werk ist der Beginn der musikalischen Romantik. Sein Held ist ein Held der Neuzeit: keine Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, kein Redner, kein aktiver Umformer der Realität. Dies ist ein unglücklicher, einsamer Mensch, dessen Hoffnungen auf Glück nicht in Erfüllung gehen.

Der grundlegende Unterschied zwischen Schubert und Beethoven war Inhalt seine Musik, sowohl vokal als auch instrumental. Der ideologische Kern der meisten Werke Schuberts ist das Aufeinanderprallen von Ideal und Realität. Jedes Mal erhält die Kollision von Traum und Realität eine individuelle Interpretation, aber in der Regel Der Konflikt findet keine endgültige Lösung. Nicht der Kampf um die Etablierung eines positiven Ideals steht im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit des Komponisten, sondern die mehr oder weniger deutliche Offenlegung von Widersprüchen. Dies ist der Hauptbeweis für Schuberts Zugehörigkeit zur Romantik. Sein Hauptthema war Thema der Entbehrung, der tragischen Hoffnungslosigkeit. Dieses Thema ist nicht erfunden, es ist dem Leben entnommen und spiegelt das Schicksal einer ganzen Generation wider, inkl. und das Schicksal des Komponisten selbst. Wie bereits erwähnt, verbrachte Schubert seine kurze Karriere in tragischer Dunkelheit. Er hatte nicht den Erfolg, der für einen Musiker dieses Kalibers selbstverständlich war.

In der Zwischenzeit kreatives Erbe Schubert ist riesig. Je nach Intensität der Kreativität und künstlerischer Wert Musik kann dieser Komponist mit Mozart verglichen werden. Zu seinen Kompositionen zählen Opern (10) und Sinfonien, Kammermusik und Kantaten-Oratorien-Werke. Aber egal wie hervorragend Schuberts Beitrag zur Entwicklung verschiedener Musikgenres, in der Musikgeschichte ist sein Name vor allem mit dem Genre verbunden Lieder- Romantik(Deutsch) Lied). Das Lied war das Element Schuberts, in dem er etwas noch nie Dagewesenes vollbrachte. Wie Asafiev feststellte, „Was Beethoven auf dem Gebiet der Symphonie vollbrachte, vollbrachte Schubert auf dem Gebiet der Liedromantik ...“ In der Gesamtsammlung von Schuberts Werken ist die Liederreihe mit über 600 Werken in großer Zahl vertreten. Aber es geht nicht nur um die Quantität: In Schuberts Werk vollzog sich ein qualitativer Sprung, der dem Lied einen völlig neuen Platz unter den Musikgattungen einbrachte. In der Kunst gespieltes Genre Wiener Klassiker offensichtlich unwichtige Rolle wurde in ihrer Bedeutung der Oper, der Symphonie und der Sonate gleichgestellt.

Schuberts Instrumentalwerk

Schuberts Instrumentalwerk umfasst 9 Sinfonien, über 25 kammermusikalische Instrumentalwerke, 15 Klaviersonaten und viele Stücke für Klavier zu 2 und 4 Händen. Aufgewachsen in einer Atmosphäre lebendiger Auseinandersetzung mit der Musik von Haydn, Mozart und Beethoven, die für ihn nicht Vergangenheit, sondern Gegenwart war, beherrschte Schubert überraschend schnell – im Alter von 17 bis 18 Jahren – die Traditionen der Wiener perfekt klassische Schule. In seinen ersten Symphonie-, Quartett- und Sonatenexperimenten sind die Anklänge an Mozart, insbesondere die 40. Symphonie (die Lieblingskomposition des jungen Schubert), besonders spürbar. Schubert ist eng mit Mozart verwandt klar zum Ausdruck gebrachte lyrische Denkweise. Gleichzeitig fungierte er in vielerlei Hinsicht als Erbe der Traditionen Haydns, was sich in seiner Nähe zum Österreichisch-Deutschen zeigt Volksmusik. Er übernahm die Zusammensetzung des Zyklus, seine Teile und die Grundprinzipien der Organisation des Materials von den Klassikern. Allerdings ordnete Schubert die Erfahrung der Wiener Klassiker neuen Aufgaben unter.

Romantische und klassische Traditionen bilden in seiner Kunst eine einzige Verschmelzung. Schuberts Dramaturgie ist eine Folge eines besonderen Plans lyrische Ausrichtung und Liedhaftigkeit als Hauptprinzip der Entwicklung. Schuberts sonatensinfonische Themen sind mit Liedern verwandt – sowohl in ihrer Intonationsstruktur als auch in ihren Darstellungs- und Durchführungsmethoden. Wiener Klassiker, insbesondere Haydn, schufen oft auch Themen, die auf Liedmelodien basierten. Der Einfluss der Liedhaftigkeit auf die Instrumentaldramaturgie insgesamt war jedoch begrenzt – die entwicklungspolitische Entwicklung der Klassiker ist rein instrumentalen Charakter. Schubert betont auf jede erdenkliche Weise den Liedcharakter der Themen:

präsentiert sie oft in geschlossener Reprise-Form und vergleicht sie mit einem fertigen Lied (MP des ersten Satzes der Sonate in A-Dur);
entwickelt sich mit Hilfe abwechslungsreicher Wiederholungen, Variantentransformationen, im Gegensatz zu dem, was für die Wiener Klassiker traditionell ist symphonische Entwicklung(Motivisolation, Sequenzierung, Auflösung in allgemeine Formen Bewegung);
Auch das Verhältnis zwischen den Teilen des Sonaten-Sinfonie-Zyklus wird anders – die ersten Teile werden oft in gemächlichem Tempo vorgetragen, wodurch der traditionelle klassische Kontrast zwischen dem schnellen und energischen ersten Teil und dem langsamen lyrischen zweiten Teil deutlich geglättet wird aus.

Die Kombination von scheinbar Unvereinbarem – Miniatur mit Großformat, Lied mit Symphonie – ergab einen völlig neuen Typus eines Sonaten-Sinfonie-Zyklus – lyrisch-romantisch.

Die Romantik war eine Art Reaktion auf die Aufklärung mit ihrem Vernunftkult. Sein Auftreten hatte verschiedene Gründe. Die wichtigste davon ist die Enttäuschung über die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution, die den in sie gesetzten Erwartungen nicht gerecht wurden.

Die romantische Weltanschauung ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Träumen gekennzeichnet. Die Realität ist niedrig und geistlos, sie ist vom Geist des Spießertums, des Spießertums durchdrungen und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber unerreichbar und für die Vernunft unverständlich.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, das „Leben des Herzens“, gegenüber. Die Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft. „Der Künstler appelliert an das Gefühl, nicht an die Vernunft“, so Wagner. Und Schumann sagte: „Der Geist verirrt sich, aber die Gefühle nie.“ Es ist kein Zufall, dass die Musik als ideale Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Spezifität die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik der Romantik, die im Kunstsystem einen führenden Platz einnahm.

Wenn in Literatur und Malerei romantische Richtung Wenn die Musikromantik in Europa ihre Entwicklung bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts im Wesentlichen abschließt, dauert sie noch viel länger. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Erste Stufe die musikalische Romantik wird durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, N. Paganini repräsentiert; die darauffolgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. Die Spätphase der Romantik reicht bis zum Ende des 19. Jahrhunderts.

Als Hauptproblem romantische Musik Das Problem der Persönlichkeit wird in einem neuen Licht beleuchtet – in seinem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Thema Einsamkeit– vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Sehr oft ist damit der Gedanke verbunden kreative Persönlichkeit: Ein Mensch ist einsam, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Der Künstler, der Dichter, der Musiker sind Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann).

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Wechsel der Genres – der Texte, die dominiert werden Bilder der Liebe.

Sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochten Naturthema. Da es sich um den Geisteszustand einer Person handelt, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung des Genres und der lyrisch-epischen Symphonie ist eng mit Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Sinfonie in C-Dur).

Eine echte Entdeckung romantischer Komponisten war Fantasy-Thema. Zum ersten Mal lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln sagenhafte und fantastische Bilder zu verkörpern. Romantische Komponisten lernten zu vermitteln Fantasiewelt als etwas völlig Spezifisches (unter Verwendung ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben). Sehr charakteristisch für die musikalische Romantik Interesse an Volkskunst. Wie die romantischen Dichter, die durch Folklore bereicherten und aktualisierten literarische Sprache, Musiker wandten sich weitgehend der nationalen Folklore zu – Volksliedern, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg usw.). Bilder verkörpern nationale Literatur, Geschichten, heimische Natur Sie stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore und belebten alte diatonische Modi wieder. Unter dem Einfluss der Folklore veränderte sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch.

„Der Tod begrub hier einen reichen Schatz, aber noch wunderbarere Hoffnungen“, dieses Epitaph des Dichters Grillparzer ist in ein bescheidenes Denkmal eingemeißelt Franz Schubert auf dem Wiener Friedhof.

Tatsächlich bescherte das Schicksal dem in seiner Genialität einzigartigen Musiker eine unglaublich kurze Lebensspanne – nur einunddreißig Jahre. Aber die Intensität seiner Kreativität war wirklich erstaunlich. „Ich komponiere jeden Morgen; „Wenn ich ein Stück beendet habe, beginne ich ein anderes“, gab der Komponist zu. Er scheint es eilig zu haben, weil er spürt, wie wenig Zeit ihm zur Verfügung steht; auch nachts gibt er seine Brille nicht ab, so dass er, als er von einem weiteren Lichtblitz aufwacht, aufwacht musikalische Idee, schreib es sofort auf. Schubert schrieb seine erste Symphonie im Alter von 16 Jahren, dann zwei im Alter von 18 Jahren, zwei im Alter von 19 Jahren ... Die brillante h-Moll-Symphonie mit dem Titel „Unvollendete“ wurde von ihm im Alter von 25 Jahren geschrieben! Für manche ist die Jugend noch der Anfang einer Reise, für ihn jedoch der Höhepunkt kreativer Reife. Lieder – das Genre, in dem der Komponist am besten sein eigenes, neues Wort, das Wort eines romantischen Komponisten, aussprechen konnte – wurden manchmal bis zu einem Dutzend pro Tag geboren, und insgesamt hatte Schubert über 600 davon!

Es war das Lied mit seiner rein schubertschen Reinheit, gefühlvollen Aufrichtigkeit und erhabenen Einfachheit, das die Originalität seines gesamten Schaffens bestimmte, die Welt seiner Klavierstücke, Kammerensembles, Symphonien und Werke anderer Genres durchdrang und nährte.

F. Schubert wurde 1797 in einem Vorort von Wien - Lichtental geboren. Sein Vater, Schullehrer, stammte aus einer Bauernfamilie, die die Musik sehr liebte und ständig Musikabende veranstaltete. Daran beteiligte sich auch der kleine Franz, der in Streichquartetten den Bratschenpart spielte. Die Natur hat Franz beschenkt mit einer wundervollen Stimme Deshalb wurde der Junge, als er elf Jahre alt war, in eine Strafanstalt gebracht – eine Ausbildungsschule für Kirchenchöre.

Während er im Gefängnis studierte, in einem Studentenorchester spielte und manchmal die Aufgaben eines Dirigenten wahrnahm, komponierte Schubert selbst viel und mit großer Begeisterung. Seine herausragenden Fähigkeiten erregten die Aufmerksamkeit des berühmten Hofkomponisten Salieri, bei dem Schubert ein Jahr lang studierte.

Der Wunsch des Vaters Schuberts, seinen Sohn zu seinem Nachfolger zu machen, scheiterte. Nachdem er drei Jahre lang als Lehrerassistent gearbeitet hatte Grundschulklassen, verließ der junge Musiker dieses Feld, verdiente sich ein bescheidenes, aber verlässliches Einkommen und widmete sich ganz der Kreativität. Völlige materielle Instabilität, Not und Entbehrung – nichts konnte ihn aufhalten.

Um Schubert bildet sich ein Kreis begabter junger Menschen, Künstler, Dichter, Musiker, die sich leidenschaftlich für Kunst und Politik interessieren. Manchmal waren diese Treffen ganz der Musik Schuberts gewidmet und erhielten daher den Namen „Schubertiade“.

Allerdings fand Schuberts Musik zu seinen Lebzeiten keine breite öffentliche Resonanz, während die brillante und unterhaltsame Musik von I. Strauss und Lanner ein großer Erfolg war, wurde keine einzige Schubert-Oper zur Produktion angenommen, keine einzige seiner Symphonien von einem Orchester aufgeführt.

Und doch erkannte und liebte man in Wien Schuberts Musik. Maßgeblichen Anteil daran hatte der herausragende Sänger Johann Michael Vogl, der Schuberts Lieder unter Begleitung des Komponisten selbst wunderschön vortrug. Dreimal unternahmen sie Konzertreisen durch die Städte Österreichs und ihre Auftritte stießen stets auf großes Zuhörerinteresse.

1828, kurz vor Schuberts Tod, fand das einzige Konzert zu seinen Lebzeiten statt, dessen Programm Werke verschiedener Genres umfasste. Das Konzert wurde durch die Bemühungen von Schuberts Freunden organisiert und war ein großer Erfolg, der den Komponisten inspirierte und ihn mit großen Hoffnungen erfüllte. Doch diese wunderbaren Hoffnungen sollten nicht in Erfüllung gehen.

Werke von F. Schubert:

Lieder, Sinfonien;

„Ave Maria“;

"Serenade";

« Stürmischer Strom»;

Lieder nach Heines Gedichten aus dem Buch der Lieder;

"Doppelt";

Symphonie in h-Moll („Unvollendete“).

Gesangszyklen: „The Beautiful Miller's Wife“, „Winter Retreat“

Vielleicht gibt es keinen anderen Komponisten, der zu Recht den Titel eines großen, brillanten und gleichzeitig fast ausschließlich für ein Instrument – das Klavier – geschaffenen Werks erhalten hat. Im Gesicht verbinden Frederic Chopin Als Geschenk eines Komponisten und Pianisten schien das Schicksal ihn dazu bestimmt zu haben, die unerschöpfliche Seele dieses Instruments zu offenbaren Ausdrucksfähigkeiten, wirklich Neues, bisher Unbekanntes zum Leben erwecken romantische Genres Klaviermusik: Balladen, Nocturnes, Scherzos, Impromptu.

Fördern Sie Ihre Kreativität aus den Ursprüngen des Volkes Polnische Musik, Chopin erhebt einfach, unprätentiös Volkstänze(Mazurken, Polonaisen) auf die Skala romantischer Gedichte, sättigt sie mit Drama und großer Tragödie.

Chopins Werk ist eine brillante, perfekte Verkörperung in der Musik dramatisches Schicksal Sein Heimatland Polen, sein tragischer Kampf um seine Unabhängigkeit und die Tragödie seines eigenen Privatlebens lebten getrennt von seinem Heimatland, von Familie und Freunden.

Frédéric Chopin wurde 1810 in der Nähe von Warschau in der Stadt Zhelyazova Wola geboren, wo sein Vater als Heimlehrer auf dem Anwesen des Grafen Skarbek diente. Der Junge wuchs umgeben von Musik auf: Sein Vater spielte Geige und Flöte, seine Mutter sang gut und spielte Klavier.

Musikalische Fähigkeiten Friedrichs Charakterzüge zeigten sich schon sehr früh. Der erste Auftritt des kleinen Pianisten fand im Alter von sieben Jahren in Warschau statt. Gleichzeitig erschien eines seiner ersten Werke – eine Polonaise für Klavier in g-Moll. Das schauspielerische Talent des Jungen entwickelte sich so schnell, dass Chopin bereits im Alter von zwölf Jahren auf Augenhöhe mit den besten polnischen Pianisten war.

Nach seinem Abschluss am Lyzeum trat Chopin in das Lyzeum ein Weiterführende Schule Musik. Sein Unterricht wurde vom berühmten Lehrer und Komponisten Joseph Elsner geleitet. Habe es konserviert eine kurze Beschreibung von, gegeben junge Musiker: „Erstaunliche Fähigkeiten. Musikalisches Genie.“

Im Jahr 1830 unternahm der zwanzigjährige Musiker eine Konzertreise ins Ausland. Aus der vorübergehenden Trennung von der Heimat wurde jedoch eine lebenslange Trennung. Die Niederlage des polnischen Aufstands und die darauf folgende Verfolgung und Unterdrückung versperrten Chopin den Weg zur Rückkehr. Er drückte seine Trauer, Wut und Empörung in Musik aus. So entstand eine seiner größten Kreationen – eine Etüde in c-Moll mit dem Titel „Revolutionär“.

Von 1831 bis zu seinem Lebensende lebte Chopin in Paris. Doch Frankreich wurde nicht zur zweiten Heimat des Komponisten. Sowohl in seiner Zuneigung als auch in seinem Werk blieb Chopin ein Pole.

Als Chopin starb, vermachte er sein Herz seiner Heimat. Dieses Testament wurde von seinen Lieben ausgeführt. Aber eingemauert in der Kirche mit. Kreuz in Warschau, Chopins Herz, ewig lebendig, zitternd und stolz, schlägt in seiner Musik, in seinen Präludien, Etüden, Walzern, Konzerten.

Werke von F. Chopin:

Mazurkas, Polonaisen;

Werke Nr. 24, Nr. 2, Nr. 53;

Nocturnes, Fantasien, Impromptu;

Etüde Nr. 12 „Revolutionär“;

Er sagte: „Verlangen Sie niemals etwas! Niemals und nichts, und besonders nicht unter denen, die stärker sind als du. Sie werden alles selbst anbieten und geben!“

Dieses Zitat stammt von unsterbliche Arbeit„Der Meister und Margarita“ charakterisiert das Leben des österreichischen Komponisten Franz Schubert, den die meisten aus dem Lied „Ave Maria“ („Ellens drittes Lied“) kennen.

Sein Leben lang strebte er nicht nach Ruhm. Obwohl die Werke des Österreichers aus allen Salons Wiens vertrieben wurden, lebte Schubert äußerst karg. Einmal hängte der Schriftsteller seinen Mantel mit umgestülpten Taschen auf den Balkon. Diese Geste war an die Gläubiger gerichtet und bedeutete, dass Schubert nichts mehr abzunehmen war. Nachdem Franz die Süße des Ruhms nur flüchtig gekannt hatte, starb er im Alter von 31 Jahren. Doch Jahrhunderte später wurde dieses musikalische Genie nicht nur in seiner Heimat, sondern auf der ganzen Welt anerkannt: Schuberts kreatives Erbe ist immens, er komponierte etwa tausend Werke: Lieder, Walzer, Sonaten, Serenaden und andere Kompositionen.

Kindheit und Jugend

Franz Peter Schubert wurde in Österreich in der Nähe der malerischen Stadt Wien geboren. Der begabte Junge wuchs in einer einfachen, armen Familie auf: Sein Vater, der Lehrer Franz Theodor, stammte aus einer Bauernfamilie, seine Mutter, die Köchin Elisabeth (geb. Fitz), war die Tochter eines Schlossers aus Schlesien. Das Paar zog neben Franz noch vier weitere Kinder groß (von den 14 geborenen Kindern starben 9 im Säuglingsalter).

Es ist nicht verwunderlich, dass der zukünftige Maestro schon früh eine Vorliebe für Noten zeigte, denn in seinem Haus war ständig Musik im Umlauf: Schubert der Ältere spielte als Amateur gern Geige und Cello, und Franz‘ Bruder liebte Klavier und Klavier. Franz Jr. war von einer reizvollen Welt der Melodien umgeben, denn die gastfreundliche Familie Schubert empfing oft Gäste und veranstaltete Musikabende.

Als die Eltern das Talent ihres Sohnes bemerkten, der im Alter von sieben Jahren auf der Tastatur spielte, ohne Noten zu lernen, schickten sie Franz auf die Lichtenthaler Pfarrschule, wo der Junge versuchte, das Orgelspiel zu erlernen, und M. Holzer lehrte den jungen Schubert Gesangskunst, die er hervorragend beherrschte.

Als der zukünftige Komponist 11 Jahre alt war, wurde er in den Chor aufgenommen Hofkapelle, mit Sitz in Wien, und war auch im Konvikt-Internat eingeschrieben, wo er seine besten Freunde fand. IN Bildungseinrichtung Schubert verstand eifrig die Grundlagen der Musik, aber auch Mathematik und Latein waren schlecht für den Jungen.

Es ist erwähnenswert, dass niemand am Talent des jungen Österreichers zweifelte. Wenzel Ruzicka, der Franz den Bass der polyphonen Musikkomposition beibrachte, sagte einmal:

„Ich kann ihm nichts beibringen! Er weiß bereits alles von Gott, dem Herrn.“

Und 1808 wurde Schubert zur Freude seiner Eltern in den Kaiserchor aufgenommen. Als der Junge 13 Jahre alt war, schrieb er selbstständig sein erstes ernsthaftes Werk musikalische Komposition, und nach 2 Jahren begann der anerkannte Komponist Antonio Salieri mit dem jungen Mann zu arbeiten, der vom jungen Franz nicht einmal eine finanzielle Entschädigung erhielt.

Musik

Als Schuberts sonore Knabenstimme zu brechen begann, sah sich der junge Komponist verständlicherweise gezwungen, das Konvikt zu verlassen. Franz‘ Vater träumte davon, dass er ein Lehrerseminar besuchen und in seine Fußstapfen treten würde. Schubert konnte dem Willen seiner Eltern nicht widerstehen und begann nach seinem Abschluss an einer Schule zu arbeiten, wo er den Unterstufen das Alphabet beibrachte.

Einem Mann, dessen Leben aus einer Leidenschaft für Musik bestand, gefiel die edle Arbeit des Lehrens jedoch nicht. Deshalb setzte er sich zwischen den Unterrichtsstunden, die bei Franz nur Verachtung hervorriefen, an den Tisch und komponierte Werke und studierte auch die Werke von Gluck.

1814 schrieb er die Oper Satan's Pleasure Castle und eine Messe in F-Dur. Und im Alter von 20 Jahren war Schubert Autor von mindestens fünf Sinfonien, sieben Sonaten und dreihundert Liedern. Die Musik verließ Schuberts Gedanken keine Minute: Der talentierte Komponist wachte sogar mitten in der Nacht auf, um Zeit zu haben, die Melodie aufzunehmen, die im Schlaf erklang.

In seiner arbeitsfreien Zeit organisierte der Österreicher Musikabende: Bekannte und enge Freunde erschienen im Haus Schuberts, der das Klavier nicht verließ und oft improvisierte.

Im Frühjahr 1816 versuchte Franz, eine Anstellung als Manager zu bekommen Chorkapelle Seine Pläne sollten jedoch nicht in Erfüllung gehen. Dank Freunden lernte Schubert bald den berühmten österreichischen Bariton Johann Fogal kennen.

Es war dieser Romanzensänger, der Schubert dabei half, sich im Leben zu etablieren: Er sang Lieder zur Begleitung von Franz in den Wiener Musiksalons.

Man kann aber nicht sagen, dass der Österreicher es besaß Tasteninstrument so meisterhaft wie zum Beispiel Beethoven. Da er beim Zuhörerpublikum nicht immer den richtigen Eindruck hinterließ, erregte Fogal bei seinen Auftritten die Aufmerksamkeit des Publikums.

Franz Schubert komponiert Musik in der Natur

Im Jahr 1817 wurde Franz Autor der Musik zum Lied „Forelle“, basierend auf den Worten seines Namensvetters Christian Schubert. Berühmt wurde der Komponist auch durch die Musik zur berühmten Ballade des deutschen Schriftstellers „Der Waldkönig“, und im Winter 1818 erschien Franz‘ Werk „Erlafsee“ im Verlag, obwohl vor Schuberts Ruhm die Herausgeber ständig arbeiteten fand einen Vorwand, den jungen Künstler abzulehnen.

Es ist erwähnenswert, dass Franz in den Jahren seiner höchsten Popularität gewinnbringende Bekanntschaften machte. So halfen seine Kameraden (Schriftsteller Bauernfeld, Komponist Hüttenbrenner, Künstler Schwind und andere Freunde) dem Musiker mit Geld.

Als Schubert schließlich von seiner Berufung überzeugt war, gab er 1818 seine Stelle an der Schule auf. Aber seinem Vater gefiel es nicht spontane Entscheidung Sohn, also beraubte er sein bereits erwachsenes Kind finanzielle Unterstützung. Aus diesem Grund musste Franz Freunde um einen Schlafplatz bitten.

Das Schicksal im Leben des Komponisten war sehr wechselhaft. Die von Schober komponierte Oper Alfonso und Estrella, die Franz als seinen Erfolg ansah, wurde abgelehnt. In dieser Hinsicht verschlechterte sich die finanzielle Situation Schuberts. Ebenfalls im Jahr 1822 erkrankte der Komponist an einer Krankheit, die seine Gesundheit beeinträchtigte. Im Hochsommer zog Franz nach Zeliz, wo er sich auf dem Anwesen des Grafen Johann Esterhazy niederließ. Dort unterrichtete Schubert seine Kinder im Musikunterricht.

1823 wurde Schubert Ehrenmitglied des Steirischen und Linzer Musikvereins. Im selben Jahr komponierte der Musiker Liederzyklus„Die schöne Müllersfrau“ nach den Worten des romantischen Dichters Wilhelm Müller. Diese Lieder erzählen von einem jungen Mann, der sich auf die Suche nach Glück machte.

Doch das Glück des jungen Mannes lag in der Liebe: Als er die Müllerstochter sah, schoss Amors Pfeil in sein Herz. Aber der Geliebte machte auf seinen Rivalen, einen jungen Jäger, aufmerksam, so der freudige und erhabenes Gefühl Die Trauer des Reisenden verwandelte sich bald in verzweifelte Trauer.

Nach dem enormen Erfolg von „Die schöne Müllerin“ im Winter und Herbst 1827 arbeitete Schubert an einem weiteren Zyklus mit dem Titel „Winterreise“. Die zu Müllers Worten geschriebene Musik ist von Pessimismus geprägt. Franz selbst nannte seine Idee „einen Kranz gruseliger Lieder“. Bemerkenswert ist, dass Schubert kurz vor seinem eigenen Tod solch düstere Kompositionen über unerwiderte Liebe schrieb.

Aus der Biografie von Franz geht hervor, dass er zeitweise auf heruntergekommenen Dachböden leben musste, wo er im Schein einer brennenden Fackel großartige Werke auf fettigen Papierfetzen komponierte. Der Komponist war äußerst arm, wollte aber nicht von der finanziellen Hilfe von Freunden leben.

„Was wird mit mir geschehen“, schrieb Schubert, „im Alter werde ich vielleicht wie Goethes Harfenist von Tür zu Tür gehen und um Brot betteln müssen.“

Aber Franz konnte sich nicht einmal vorstellen, dass er nicht alt werden würde. Als der Musiker am Rande der Verzweiflung stand, lächelte ihn die Schicksalsgöttin erneut an: 1828 wurde Schubert zum Mitglied der Wiener Gesellschaft der Musikfreunde gewählt, und am 26. März gab der Komponist sein erstes Konzert. Der Auftritt war triumphal und der Saal platzte vor lautem Applaus. An diesem Tag erfuhr Franz zum ersten und letzten Mal in seinem Leben, was echter Erfolg ist.

Privatleben

Im Leben war der große Komponist sehr schüchtern und schüchtern. Daher profitierten viele aus dem Umfeld des Schriftstellers von seiner Leichtgläubigkeit. Die finanzielle Situation von Franz wurde zum Stolperstein auf dem Weg zum Glück, denn seine Geliebte wählte einen reichen Bräutigam.

Schuberts Liebe hieß Teresa Gorb. Franz traf diese Person während seines Aufenthalts Kirchenchor. Es ist erwähnenswert, dass das blonde Mädchen nicht als Schönheit galt, sondern im Gegenteil ein gewöhnliches Aussehen hatte: Ihr blasses Gesicht war mit Pockenflecken „geschmückt“, und auf ihren Augenlidern „prangten“ spärliche und weiße Wimpern.

Aber es war nicht Schuberts Aussehen, das ihn dazu veranlasste, sich für die Dame seines Herzens zu entscheiden. Er fühlte sich geschmeichelt, dass Teresa mit Ehrfurcht und Inspiration der Musik zuhörte und in diesen Momenten ihr Gesicht ein rötliches Aussehen annahm und Glück in ihren Augen leuchtete.

Da das Mädchen jedoch ohne Vater aufwuchs, bestand ihre Mutter darauf, dass sie sich für Letzteres zwischen Liebe und Geld entschied. Deshalb heiratete Gorb einen wohlhabenden Konditor.

Weitere Informationen über Schuberts Privatleben sind sehr rar. Gerüchten zufolge infizierte sich der Komponist bereits 1822 – damals – mit Syphilis unheilbare Krankheit. Auf dieser Grundlage kann davon ausgegangen werden, dass Franz Bordellbesuche nicht verachtete.

Tod

Im Herbst 1828 wurde Franz Schubert von einem zweiwöchigen Fieber geplagt, das durch eine ansteckende Darmkrankheit – Typhus – verursacht wurde. Am 19. November verstarb der große Komponist im Alter von 32 Jahren.

Der Österreicher wurde (gemäß seinem letzten Wunsch) auf dem Wehringfriedhof neben dem Grab seines Idols Beethoven beigesetzt.

Mit dem Erlös des Triumphkonzerts, das 1828 stattfand, kaufte Franz Schubert ein Klavier.
Im Herbst 1822 schrieb der Komponist die „Symphonie Nr. 8“, die als „Unvollendete Symphonie“ in die Geschichte einging. Tatsache ist, dass Franz dieses Werk zunächst in Form einer Skizze und dann in Form einer Partitur geschaffen hat. Doch aus irgendeinem unbekannten Grund beendete Schubert die Arbeit an seiner Idee nie. Gerüchten zufolge gingen die restlichen Teile des Manuskripts verloren und wurden von Freunden des Österreichers aufbewahrt.

Manche Leute schreiben Schubert fälschlicherweise die Urheberschaft für den Titel des Improvisationsstücks zu. Doch der Begriff „Musikalischer Moment“ wurde vom Verleger Leydesdorff erfunden.
Schubert verehrte Goethe. Der Musiker träumte davon, dies näher kennenzulernen berühmter Autor Sein Traum sollte jedoch nicht wahr werden.
Schuberts große C-Dur-Symphonie wurde 10 Jahre nach seinem Tod gefunden.

Der 1904 entdeckte Asteroid wurde nach Franz‘ Theaterstück Rosamund benannt.
Nach dem Tod des Komponisten blieben zahlreiche unveröffentlichte Manuskripte übrig. Lange Zeit Man wusste nicht, was Schubert komponierte.