Prüfung

2. Grundlegende Ausdrucksmittel der Theaterkunst:

Dekoration (von lateinisch decoro – ich dekoriere) ist die Gestaltung einer Bühne, die die materielle Umgebung, in der der Schauspieler agiert, nachbildet. Die Dekoration „stellt dar künstlerisches Bild Orte des Geschehens und zugleich eine Plattform, die vielfältige Möglichkeiten zur Aufführung von Bühnenaktionen bietet.“ Die Kulissen werden mit vielfältigen Ausdrucksmitteln gestaltet modernes Theater- Malerei, Grafik, Architektur, Kunst der Szenenplanung, besondere Textur der Szenerie, Beleuchtung, Bühnentechnik, Projektion, Kino usw. Grundlegende Bühnensysteme:

1) Wippe beweglich,

2) Anheben des Kipphebels,

3) Pavillon,

4) volumetrisch

5) Projektion.

Die Entstehung und Entwicklung jedes Bühnensystems und seine Ersetzung durch ein anderes wurden durch die spezifischen Anforderungen der Dramaturgie, der theatralischen Ästhetik entsprechend der Geschichte der Epoche sowie der Entwicklung von Wissenschaft und Technologie bestimmt.

Mobile Backstage-Dekoration. Backstage – Teile der Kulisse, die sich an den Seiten der Bühne in bestimmten Abständen hintereinander befinden (vom Portal bis tief in die Bühne hinein) und so gestaltet sind, dass sie den Backstage-Raum vor dem Betrachter verschließen. Die Vorhänge waren weich, mit Scharnieren versehen oder starr auf Rahmen montiert; manchmal hatten sie einen gemusterten Umriss, der ein architektonisches Profil darstellte, den Umriss eines Baumstamms, Laub. Der Wechsel der harten Szenen erfolgte mit speziellen Backstage-Maschinen – Rahmen auf Rädern, die sich (im 18. und 19. Jahrhundert) auf jedem Bühnenplan parallel zur Rampe befanden. Diese Rahmen bewegten sich in speziell im Bühnenbrett ausgeschnittenen Gängen entlang von Schienen, die entlang des Bodens des ersten Laderaums verlegt waren. In den ersten Palasttheatern bestand das Bühnenbild aus einer Kulisse, Flügeln und Deckenbögen, die beim Flügelwechsel gleichzeitig angehoben und abgesenkt wurden. Wolken, Äste mit Laub, Teile von Lampenschirmen usw. wurden auf die Stechpalme gemalt. Backstage-Dekorationssysteme sind bis heute im Hoftheater in Drotningholm und im Theater des ehemaligen Anwesens von Prince erhalten geblieben. Hinweis: Jussupow in Archangelskoje

Der Bühnenbogen-Hebeschmuck entstand im 17. Jahrhundert in Italien. und verbreitete sich in öffentlichen Theatern mit hohen Gittern. Bei dieser Art von Dekoration handelt es sich um eine Leinwand, die in Form eines Bogens mit Baumstämmen, Zweigen mit Laub, architektonischen Details (unter Einhaltung der Gesetze der linearen und linearen Ausrichtung) genäht ist Aerial Perspektive). Bis zu 75 dieser Backstage-Bögen können auf der Bühne aufgehängt werden, mit einem bemalten Hintergrund oder Horizont als Hintergrund. Eine Art Backstage-Bogendekoration ist die durchbrochene Dekoration (beschriftete „Wald“- oder „architektonische“ Backstage-Bögen, auf spezielle Netze geklebt oder auf Tüll appliziert). Heutzutage werden Backstage-Bögendekorationen hauptsächlich in Opern- und Ballettproduktionen verwendet.

Die Pavillondekoration wurde erstmals 1794 verwendet. Schauspieler und Regisseur F.L. Aktenvernichter. Die Pavillondekoration stellt einen geschlossenen Raum dar und besteht aus Rahmenwänden, die mit Leinwand bespannt und so bemalt sind, dass sie an Tapeten, Bretter und Fliesen erinnern. Die Wände können „massiv“ sein oder Spannweiten für Fenster und Türen haben. Die Wände sind durch Wurfseile – Überlappungen – miteinander verbunden und mit Schrägen am Bühnenboden befestigt. Die Breite der Pavillonwände in einem modernen Theater beträgt nicht mehr als 2,2 m (andernfalls passt die Wand beim Transport von Dekorationen nicht durch die Tür eines Güterwagens). Hinter den Fenstern und Türen der Pavillondekoration werden meist Backsplashes (Teile hängender Dekoration an Rahmen) angebracht, auf denen das entsprechende Landschafts- oder Architekturmotiv abgebildet ist. Die Pavillondekoration wird von einer Decke abgedeckt, die in den meisten Fällen am Gitter aufgehängt ist.

Im Theater der Neuzeit tauchte dreidimensionale Dekoration erstmals in den Aufführungen des Meininger Theaters im Jahr 1870 auf. In diesem Theater wurden neben flachen Wänden auch dreidimensionale Teile verwendet: gerade und geneigte Maschinen – Rampen, Treppen usw andere Strukturen zur Darstellung von Terrassen, Hügeln, Festungsmauern. Die Designs der Maschinen werden meist mit bemalten Leinwänden oder gefälschten Reliefs (Steine, Baumwurzeln, Gras) maskiert. Um Teile der volumetrischen Kulisse zu verändern, werden Rollplattformen auf Rollen (Furki), ein Drehteller und andere Arten von Bühnentechnik eingesetzt. Das volumetrische Bühnenbild ermöglichte es den Regisseuren, eine Inszenierung auf einem „kaputten“ Bühnenbrett aufzubauen und vielfältige konstruktive Lösungen zu finden, wodurch sich die Ausdrucksmöglichkeiten der Theaterkunst ungewöhnlich erweiterten.

Projektionsdekoration wurde erstmals 1908 in New York eingesetzt. Es basiert auf der Projektion (auf die Leinwand) von auf Transparentfolien gezeichneten Farb- und Schwarzweißbildern. Die Projektion erfolgt mit Theaterprojektoren. Der Bildschirm kann ein Hintergrund, ein Horizont, Wände oder ein Boden sein. Es gibt Vorwärtsprojektion (der Projektor befindet sich vor der Leinwand) und Gegenlichtprojektion (der Projektor befindet sich hinter der Leinwand). Die Projektion kann statisch (Architektur-, Landschafts- und andere Motive) und dynamisch (Wolkenbewegung, Regen, Schnee) sein. Im modernen Theater, das über neue Leinwandmaterialien und Projektionsgeräte verfügt, werden Projektionsdekorationen häufig verwendet. Einfache Herstellung und Bedienung, einfacher und schneller Bildwechsel, Langlebigkeit und die Möglichkeit, hohe künstlerische Qualitäten zu erreichen, machen Projektionsdekorationen zu einer der vielversprechenden Dekorationsarten für das moderne Theater.

2.2 Theaterkostüm

Theaterkostüm (vom italienischen Kostüm, eigentlich Sitte) – Kleidung, Schuhe, Hüte, Schmuck und andere Gegenstände, die der Schauspieler verwendet, um das von ihm geschaffene Bühnenbild zu charakterisieren. Eine notwendige Ergänzung zum Kostüm sind Make-up und Frisur. Das Kostüm hilft dem Schauspieler, das äußere Erscheinungsbild der Figur zu finden, die innere Welt der Bühnenfigur zu offenbaren, die historischen, sozioökonomischen und nationalen Merkmale der Umgebung, in der die Handlung stattfindet, zu bestimmen und (zusammen mit anderen Designkomponenten) zu schaffen ) das visuelle Bild der Aufführung. Die Farbe des Kostüms sollte in engem Zusammenhang mit der Gesamtfarbgebung der Aufführung stehen. Kostüme stellen einen ganzen Bereich der Kreativität eines Theaterkünstlers dar, der in Kostümen eine riesige Bilderwelt verkörpert – äußerst sozial, satirisch, grotesk, tragisch.

Der Prozess der Kostümerstellung von der Skizze bis zur Bühnenumsetzung besteht aus mehreren Phasen:

1) Auswahl der Materialien, aus denen der Anzug hergestellt werden soll;

2) Auswahl von Mustern für Malmaterialien;

3) Suche nach einer Linie: Patronen aus anderen Materialien herstellen und das Material auf eine Schaufensterpuppe (oder einen Schauspieler) tätowieren;

4) Überprüfung des Kostüms auf der Bühne bei unterschiedlicher Beleuchtung;

5) „Leben im Kostüm“ durch den Schauspieler.

Die Geschichte des Kostüms reicht bis in die Urgesellschaft zurück. Bei den Spielen und Ritualen, mit denen der alte Mensch auf verschiedene Ereignisse in seinem Leben reagierte, waren Frisur, Make-up und rituelle Kostüme von großer Bedeutung; Primitive Menschen haben viel Fantasie und originellen Geschmack in sie gesteckt. Manchmal waren diese Kostüme fantastisch, in anderen Fällen ähnelten sie Tieren, Vögeln oder Bestien. Seit der Antike gibt es Kostüme klassisches Theater Ost. In China, Indien, Japan und anderen Ländern sind Kostüme konventioneller, symbolischer Natur. Zum Beispiel im chinesischen Theater Gelb ein Anzug bedeutet, dass er zur kaiserlichen Familie gehört; die Darsteller der Rollen von Beamten und Feudalherren sind in schwarzen und grünen Anzügen gekleidet; In der klassischen chinesischen Oper zeigen Fahnen hinter einem Krieger die Anzahl seiner Regimenter an, und ein schwarzer Schal im Gesicht symbolisiert den Tod einer Bühnenfigur. Helligkeit, Farbenreichtum und Materialpracht machen das Kostüm aus Osttheater eine der Hauptdekorationen der Aufführung. Kostüme werden in der Regel für eine bestimmte Aufführung, einen bestimmten Schauspieler angefertigt; Es gibt auch traditionelle Kostümsätze, die von allen Truppen unabhängig vom Repertoire verwendet werden. Anzug rein Europäisches Theater erschien erstmals in Antikes Griechenland; Es wiederholte im Wesentlichen die Alltagstracht der alten Griechen, es wurden jedoch verschiedene konventionelle Details eingeführt, die dem Zuschauer nicht nur halfen, das Geschehen auf der Bühne zu verstehen, sondern auch besser zu sehen (die Theaterstrukturen waren enorm groß). Jedes Kostüm hatte eine besondere Farbe (zum Beispiel war das Kostüm des Königs lila oder safrangelb), die Schauspieler trugen weithin sichtbare Masken und Schuhe auf hohen Ständen – Buskins. Während der Zeit des Feudalismus lebte die Theaterkunst weiterhin in den fröhlichen, aktuellen und geistreichen Darbietungen wandernder theatralischer Schauspieler weiter. Die Tracht der Histrions (wie auch der russischen Possenreißer) ähnelte der modernen Tracht der städtischen Armen, war jedoch mit bunten Aufnähern und komischen Details verziert. Von den Aufführungen des religiösen Theaters, die in dieser Zeit entstanden, war das Mysterienspiel der größte Erfolg, dessen Aufführungen besonders luxuriös waren. Der Umzug von Mummern in verschiedenen Kostümen und Make-ups (fantastische Figuren aus Märchen und Mythen, Tiere aller Art), der der Mysterienvorführung vorausging, zeichnete sich durch seine leuchtenden Farben aus. Die Hauptanforderung an ein Kostüm in einem Mysterienspiel ist Reichtum und Eleganz (unabhängig von der gespielten Rolle). Die Tracht zeichnete sich durch Konventionen aus: Die Heiligen waren in Weiß, Christus hatte vergoldetes Haar, die Teufel trugen malerische, fantastische Kostüme. Die Kostüme der Darsteller erbaulicher und allegorischer Moraldramen waren wesentlich bescheidener. Im lebhaftesten und fortschrittlichsten Genre des mittelalterlichen Theaters – der Farce, die scharfe Kritik an der feudalen Gesellschaft enthielt – tauchten moderne karikierte charakteristische Kostüme und Make-ups auf. Während der Renaissance verwendeten Schauspieler der Commedia dell'arte Kostüme, um ihren Helden witzige, manchmal treffende und böse Charakterisierungen zu verleihen: Das Kostüm fasste die typischen Merkmale scholastischer Gelehrter und schelmischer Diener zusammen. In der 2. Hälfte. 16. Jahrhundert auf Spanisch und Englische Theater Die Schauspieler traten in Kostümen auf, die modischen Adelskostümen ähnelten, oder (wenn die Rolle es erforderte) in clownesken Trachten. Im französischen Theater folgte das Kostüm den Traditionen der mittelalterlichen Posse.

Realistische Tendenzen im Bereich der Kostüme zeigten sich bei Molière, der bei der Inszenierung seiner dem modernen Leben gewidmeten Stücke moderne Kostüme von Menschen unterschiedlicher Klassen verwendete. Während des Zeitalters der Aufklärung in England versuchte der Schauspieler D. Garrick, das Kostüm von Anmaßung und bedeutungsloser Stilisierung zu befreien. Er führte ein Kostüm ein, das zur gespielten Rolle passte und dabei half, den Charakter des Helden zu offenbaren. In Italien im 18. Jahrhundert. Der Komiker C. Goldoni ersetzte in seinen Stücken nach und nach die typischen Commedia dell'arte-Masken durch Bilder echte Menschen, unter Beibehaltung der passenden Kostüme und des passenden Make-ups. In Frankreich strebte Voltaire, unterstützt von der Schauspielerin Clairon, nach historischer und ethnografischer Genauigkeit der Kostüme auf der Bühne. Sie führte den Kampf gegen die Konventionen der Tracht tragischer Heldinnen, gegen Figuren, gepuderte Perücken und kostbaren Schmuck. Die Frage der Kostümreform in der Tragödie wurde durch den französischen Schauspieler A. Lequesne noch weiter vorangetrieben, der das stilisierte „römische“ Kostüm modifizierte, den traditionellen Tunnel aufgab und auf der Bühne orientalische Kostüme annahm. Für Lequesne war das Kostüm ein Mittel zur psychologischen Charakterisierung des Bildes. Maßgeblicher Einfluss auf die Kostümentwicklung in der 2. Hälfte. 19. Jahrhundert Bereitgestellte Aktivitäten in Deutschland. Meininger Theater, dessen Aufführungen sich durch hohe Produktionskultur und historische Genauigkeit der Kostüme auszeichneten. Allerdings erlangte die Authentizität der Tracht bei den Meiningern eine eigenständige Bedeutung. E. Zola forderte eine genaue Wiedergabe des sozialen Umfelds auf der Bühne. Die größten Theaterfiguren der Anfangsjahre strebten danach. 20. Jahrhundert - A. Antoine (Frankreich), O. Brahm (Deutschland), die sich aktiv an der Gestaltung von Aufführungen beteiligten und Menschen für die Arbeit in ihren Theatern gewannen bedeutende Künstler. Symbolistisches Theater, das in den 90er Jahren entstand. In Frankreich kämpfte er unter den Parolen des Protests gegen Theaterroutine und Naturalismus gegen die realistische Kunst. Künstler der Moderne schufen vereinfachte, stilisierte Bühnenbilder und Kostüme und entfernten das Theater von einer realistischen Darstellung des Lebens. Das erste russische Kostüm wurde von Possenreißern geschaffen. Ihre Tracht wiederholte die Kleidung der städtischen Unterschicht und der Bauern (Kaftane, Hemden, gewöhnliche Hosen, Bastschuhe) und war mit bunten Schärpen, Lumpen und bunt bestickten Mützen verziert. In dem, was am Anfang entstand. 16. Jahrhundert Im Kirchentheater trugen die Darsteller der Jugendrollen weiße Gewänder (Kronen mit Kreuzen auf dem Kopf), die Schauspieler stellten die Chaldäer dar – in kurzen Kaftanen und Mützen. Auch bei Schultheateraufführungen wurden konventionelle Kostüme verwendet; allegorische Charaktere hatten ihre eigenen Embleme: Der Glaube erschien mit einem Kreuz, die Hoffnung mit einem Anker, der Mars mit einem Schwert. Die Kostüme der Könige wurden durch die notwendigen Attribute königlicher Würde ergänzt. Das gleiche Prinzip zeichnete die Aufführungen des ersten aus professionelles Theater in Russland im 17. Jahrhundert, gegründet am Hofe des Zaren Alexei Michailowitsch, Aufführungen der Hoftheater von Zarewna Natalia Alekseevna und Zarin Praskowja Fjodorowna. Entwicklung des Klassizismus in Russland im 18. Jahrhundert. begleitet von der Wahrung aller Konventionen dieser Richtung in der Tracht. Die Schauspieler traten in Kostümen auf, die eine Mischung aus modischen modernen Kostümen mit Elementen antiker Kostüme darstellten (ähnlich der „römischen“ Kleidung im Westen); diejenigen, die die Rollen von Adligen oder Königen spielten, trugen luxuriöse konventionelle Kostüme. Am Anfang. 19. Jahrhundert modische moderne Kostüme wurden in Aufführungen des modernen Lebens verwendet;

Kostüme in historischen Theaterstücken waren immer noch alles andere als historisch korrekt.

Alle R. 19. Jahrhundert Bei den Aufführungen des Alexandrinsky-Theaters und des Maly-Theaters besteht der Wunsch nach historischer Genauigkeit in den Kostümen. Am Ende des Jahrhunderts erzielte Moskau auf diesem Gebiet große Erfolge. Kunsttheater. Die großen Theaterreformer Stanislawski und Nemirowitsch-Dantschenko erreichten zusammen mit Künstlern, die am Moskauer Kunsttheater arbeiteten, eine genaue Übereinstimmung des Kostüms mit der im Stück dargestellten Epoche und Umgebung, mit dem Charakter des Bühnenhelden; Im Kunsttheater war das Kostüm für die Gestaltung des Bühnenbildes von großer Bedeutung. In einer Reihe russischer Theater früh. 20. Jahrhundert Das Kostüm wurde zu einem wahrhaft künstlerischen Werk, das die Absichten des Autors, Regisseurs und Schauspielers zum Ausdruck brachte.

2.3 Geräuschdesign

Unter Noise Design versteht man die Reproduktion der Geräusche des umgebenden Lebens auf der Bühne. Zusammen mit Bühnenbild, Requisiten und Beleuchtung bildet Noise Design einen Hintergrund, der Schauspielern und Zuschauern das Gefühl gibt, sich in einer der Handlung des Stücks entsprechenden Umgebung zu befinden, die richtige Stimmung erzeugt und den Rhythmus und das Tempo der Aufführung beeinflusst. Böller, Schüsse, das Klappern von Eisenblechen, das Klopfen und Klingeln von Waffen hinter der Bühne begleiteten die Aufführungen bereits im 16.-18. Jahrhundert. Das Vorhandensein von Tongeräten in der Ausstattung russischer Theatergebäude weist darauf hin, dass in Russland bereits in der Mitte Lärmschutz eingesetzt wurde. 18. Jahrhundert

Modernes Noise Design unterscheidet sich in der Art der Geräusche: Naturgeräusche (Wind, Regen, Gewitter, Vögel); Industrielärm (Fabrik, Bau); Transportlärm (Wagen, Zug, Flugzeug); Kampfgeräusche (Kavallerie, Schüsse, Truppenbewegungen); Haushaltsgeräusche (Uhren, Glasklirren, Knarren). Die Geräuschgestaltung kann naturalistisch, realistisch, romantisch, phantastisch, abstrakt-konventionell, grotesk sein – je nach Stil und Entscheidung der Aufführung. Das Sounddesign übernimmt der Sounddesigner oder die Produktionsabteilung des Theaters. Die Darsteller sind in der Regel Mitglieder eines speziellen Lärmteams, dem auch Schauspieler angehören. Einfache Soundeffekte können von Bühnenarbeitern, Requisiteuren usw. ausgeführt werden. Die für die Tongestaltung in einem modernen Theater verwendete Ausrüstung besteht aus mehr als 100 Geräten unterschiedlicher Größe, Komplexität und Verwendungszweck. Mit diesen Geräten können Sie ein Gefühl von großem Raum erzeugen; Mittels Klangperspektive wird die Illusion des Lärms eines an- und abfahrenden Zugs oder Flugzeugs erzeugt. Moderne Rundfunktechnik, insbesondere stereophone Geräte, bietet große Möglichkeiten, die künstlerische Bandbreite und Qualität der Geräuschgestaltung zu erweitern und gleichzeitig diesen Teil der Aufführung organisatorisch und technisch zu vereinfachen.

2.4 Lichter auf der Bühne

Licht auf der Bühne ist eines der wichtigen künstlerischen und produktionstechnischen Mittel. Licht hilft dabei, den Ort und die Umgebung des Geschehens sowie die Perspektive nachzubilden und die nötige Stimmung zu erzeugen; Manchmal ist Licht bei modernen Aufführungen fast das einzige Dekorationsmittel.

Unterschiedliche Dekorationsarten erfordern entsprechende Beleuchtungstechniken. Flächenhafte szenische Dekorationen erfordern eine allgemein gleichmäßige Beleuchtung, die durch Allgemeinbeleuchtungsgeräte (Scheinwerfer, Rampen, tragbare Geräte) erzeugt wird. Aufführungen mit dreidimensionaler Szenerie erfordern eine lokale (Scheinwerfer-)Beleuchtung, die Lichtkontraste erzeugt, die das Volumen des Designs betonen.

Bei Verwendung einer gemischten Dekorationsart kommt entsprechend ein gemischtes Beleuchtungssystem zum Einsatz.

Theaterbeleuchtungsgeräte werden mit breiten, mittleren und engen Lichtstreuwinkeln hergestellt, letztere werden Fluter genannt und dienen der Beleuchtung einzelner Bereiche der Bühne und Figuren. Je nach Standort, Beleuchtungsausrüstung Theaterbühne ist in folgende Haupttypen unterteilt:

1) Deckenbeleuchtungsausrüstung, zu der Beleuchtungskörper (Scheinwerfer, Strahler) gehören, die gemäß den Plänen in mehreren Reihen über dem spielenden Teil der Bühne aufgehängt sind.

2) Horizontale Beleuchtungsgeräte zur Beleuchtung des Theaterhorizonts.

3) Seitenbeleuchtungsgeräte, zu denen in der Regel Scheinwerfergeräte gehören, die auf Portalbühnen und Seitenbeleuchtungsgalerien installiert sind

4) Fernbeleuchtungsausrüstung, bestehend aus Scheinwerfern, die außerhalb der Bühne in verschiedenen Teilen des Auditoriums installiert werden. Zur Fernbeleuchtung gehört auch eine Rampe.

5) Tragbare Beleuchtungsgeräte, bestehend aus Geräten verschiedene Typen, je nach Anforderung für jede Aktion der Aufführung auf der Bühne installiert.

6) Verschiedene spezielle Beleuchtungs- und Projektionsgeräte. Das Theater verwendet auch häufig verschiedene spezielle Beleuchtungsgeräte (dekorative Kronleuchter, Kandelaber, Lampen, Kerzen, Laternen, Feuer, Fackeln), die nach den Skizzen des Künstlers angefertigt werden, der die Aufführung gestaltet.

Für künstlerische Zwecke (Wiedergabe der realen Natur auf der Bühne) wird ein farbiges Bühnenbeleuchtungssystem verwendet, das aus Lichtfiltern verschiedener Farben besteht. Lichtfilter können aus Glas oder Folie sein. Farbveränderungen im Verlauf der Aufführung erfolgen: a) durch einen allmählichen Übergang von Beleuchtungsgeräten mit einem Farbfilter zu Geräten mit anderen Farben; b) Hinzufügen der Farben mehrerer gleichzeitig arbeitender Geräte; c) Wechseln der Lichtfilter in Beleuchtungskörpern. Bei der Gestaltung einer Aufführung kommt der Lichtprojektion eine große Bedeutung zu. Mit seiner Hilfe entstehen verschiedene dynamische Projektionseffekte (Wolken, Wellen, Regen, fallender Schnee, Feuer, Explosionen, Blitze, fliegende Vögel, Flugzeuge, Segelschiffe) oder statische Bilder, die die malerischen Details der Dekoration ersetzen (Lichtprojektionsdekorationen). . Der Einsatz von Lichtprojektion erweitert auf ungewöhnliche Weise die Rolle des Lichts in der Aufführung und bereichert ihre künstlerischen Möglichkeiten. Manchmal kommt auch Filmprojektion zum Einsatz. Licht kann nur dann ein vollwertiger künstlerischer Bestandteil einer Aufführung sein, wenn es ein flexibles System zentraler Kontrolle darüber gibt. Zu diesem Zweck wird die Stromversorgung aller Bühnenbeleuchtungsgeräte in Leitungen unterteilt, die sich auf einzelne Beleuchtungsgeräte oder -apparate und einzelne Farben installierter Lichtfilter beziehen. Auf der modernen Bühne gibt es bis zu 200-300 Zeilen. Um die Beleuchtung zu steuern, ist es notwendig, den Lichtstrom sowohl in jeder einzelnen Linie als auch in jeder Kombination davon ein- und auszuschalten und zu ändern. Zu diesem Zweck gibt es Lichtsteuergeräte, die ein notwendiger Bestandteil der Bühnentechnik sind. Der Lichtstrom von Lampen wird mithilfe von Spartransformatoren, Thyratrons, magnetischen Verstärkern oder Halbleiterbauelementen gesteuert, die den Strom oder die Spannung im Beleuchtungskreis ändern. Zur Steuerung der zahlreichen Bühnenbeleuchtungskreise gibt es komplexe mechanische Geräte, die allgemein als Theatersteuerungen bezeichnet werden. Am weitesten verbreitet sind elektrische Regler mit Spartransformatoren oder magnetischen Verstärkern. Derzeit sind elektrische Mehrprogrammregler auf dem Vormarsch; Mit ihrer Hilfe wird eine außergewöhnliche Flexibilität in der Bühnenlichtsteuerung erreicht. Das Grundprinzip eines solchen Systems besteht darin, dass die Regulierungsinstallation eine vorläufige Reihe von Lichtkombinationen für eine Reihe von Szenen oder Momenten der Aufführung mit deren anschließender Wiedergabe auf der Bühne in beliebiger Reihenfolge und in jedem Tempo ermöglicht. Besonders wichtig Dies gilt insbesondere für die Beleuchtung komplexer moderner Multi-Picture-Inszenierungen mit großer Lichtdynamik und schnellen Wechseln.

2.5 Bühneneffekte

Bühneneffekte (vom lateinischen effectus – Performance) – Illusionen von Flügen, Passagen, Überschwemmungen, Bränden, Explosionen, die mit Hilfe spezieller Geräte und Geräte erzeugt werden. Bühneneffekte wurden bereits im antiken Theater eingesetzt. In der Zeit des Römischen Reiches wurden individuelle Bühneneffekte in Pantomimendarbietungen eingeführt. Die Auswirkungen waren reich an religiösen Ideen des 14.-16. Jahrhunderts. So waren beispielsweise bei der Inszenierung von Krimis spezielle „Wundermeister“ für die Gestaltung zahlreicher Theatereffekte verantwortlich. In höfischen und öffentlichen Theatern des 16.-17. Jahrhunderts. Es entstand eine Art prächtiger Aufführung mit verschiedenen Bühneneffekten, die auf dem Einsatz theatralischer Mechanismen beruhte. Bei diesen Aufführungen kam das Können des Fahrers und Dekorateurs zum Vorschein, der allerlei Apotheosen, Flüge und Verwandlungen schuf. Die Traditionen solch spektakulärer Unterhaltung wurden in der Theaterpraxis der folgenden Jahrhunderte immer wieder wiederbelebt.

Im modernen Theater werden Bühneneffekte in Ton, Licht (Licht- und Filmprojektion) und mechanisch unterteilt. Mit Hilfe von Sound-(Lärm-)Effekten werden die Geräusche des umgebenden Lebens auf der Bühne reproduziert – Naturgeräusche (Wind, Regen, Gewitter, Vogelgezwitscher), Industrielärm (Fabrik, Baustelle etc.), Verkehrslärm (Zug, Flugzeug), Kampflärm (Kavalleriebewegung, Schüsse), Haushaltsgeräusche (Uhren, Glasklirren, Knarren).

Zu den Lichteffekten gehören:

1) alle Arten von Simulationen natürlicher Beleuchtung (Tag, Morgen, Nacht, Beleuchtung, die bei verschiedenen Naturphänomenen beobachtet wird – Sonnenaufgang und Sonnenuntergang, klarer und bewölkter Himmel, Gewitter usw.);

2) Illusionen von strömendem Regen, sich bewegenden Wolken, dem lodernden Schein eines Feuers, fallenden Blättern, fließendem Wasser usw. erzeugen.

Um Effekte der 1. Gruppe zu erzielen, verwenden sie normalerweise ein dreifarbiges Beleuchtungssystem – Weiß, Rot, Blau, das nahezu jede Tonalität mit allen notwendigen Übergängen ergibt. Eine noch reichhaltigere und flexiblere Farbpalette (mit Nuancen verschiedener Farbtöne) ergibt sich durch eine Kombination von vier Farben (Gelb, Rot, Blau, Grün), die der spektralen Grundzusammensetzung von weißem Licht entspricht. Methoden zur Erzielung von Lichteffekten der 2. Gruppe beruhen hauptsächlich auf der Verwendung von Lichtprojektion. Je nach Art der Eindrücke, die der Betrachter erhält, werden Lichteffekte in stationäre (bewegungslose) und dynamische Lichteffekte unterteilt.

Arten von stationären Lichteffekten

Blitz – wird durch einen sofortigen Blitz eines Voltaikbogens erzeugt, der manuell oder automatisch erzeugt wird. In den letzten Jahren haben elektronische Blitzgeräte mit hoher Intensität eine weite Verbreitung gefunden.

Sterne werden mithilfe einer großen Anzahl von Taschenlampenbirnen simuliert, die in verschiedenen Farben bemalt sind und unterschiedliche Leuchtintensitäten aufweisen. Die Glühbirnen und ihre Stromversorgung sind auf einem schwarz lackierten Netz montiert, das an der Stange der Flybar aufgehängt ist.

Mond – entsteht durch die Projektion eines entsprechenden Lichtbildes auf den Horizont sowie durch die Verwendung eines erhöhten Modells, das den Mond imitiert.

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WISSENSCHAFT. KUNST. KULTUR

Ausgabe 4(8) 2015

AUSDRUCKSMITTEL THEATRALISIERTER AUFFÜHRUNGEN UND FEIERTAGE UND IHRE WIRKUNG AUF DIE ZUSCHAUER

T.K. Donskaya1), I.V. Goliusova2)

Staatliches Institut für Kunst und Kultur Belgorod 1)E-Mail: [email protected] 2)E-Mail: [email protected]

Der Artikel untersucht die Ausdrucksmittel von Massenaufführungen und Feiertagen und beleuchtet ihre soziokulturellen Funktionen. Die Autoren offenbaren die Möglichkeiten der Ausdrucksmittel von Theateraufführungen und Feiertagen unter dem Gesichtspunkt ihrer Wirkung auf das Denken, Bewusstsein, Gefühle und Verhalten von Zuschauern und Zuhörern.

Schlüsselwörter: Kunst, Sprache der Kunst, Funktionen der Kunst, Theateraufführungen und Feiertage, Ausdrucksmittel Theateraufführungen und Feiern.

In der modernen Welt erfreuen sich spektakuläre Massentheateraufführungen und -feierlichkeiten (TPP) großer Beliebtheit, da sie den Bedürfnissen der Menschen nach wachsenden künstlerischen und ästhetischen Eindrücken gerecht werden. Grandios Sportfest in Sotschi (Olympische Winterspiele 2013), „Tag der slawischen Literatur und Kultur“ auf dem Roten Platz (24. Mai 2015), zahlreiche Wettbewerbssendungen im Fernsehen („The Voice“, „Dancing on Ice“ usw.), Jubiläumskonzert zu Ehren von L. Zykina im Kremlpalast, musikalische und literarische Konzerte und Festivals, die herausragenden Persönlichkeiten der russischen Kultur und Kunst gewidmet sind (G. V. Sviridov, K. S. Stanislavsky, P. I. Tschaikowsky, A. P. Tschechow,

M.A. Scholochow, M.S. Shchepkin und andere), denkwürdige historische und kulturelle Ereignisse (Schlacht von Kulikovo, Vaterländischer Krieg von 1812, Stalingrad und Schlacht von Kursk, 9. Mai usw.) - all dies ist ein Beweis für die reiche kulturelle Tradition unseres Volkes und ein Beweis seines Talents und seiner unerschöpflichen kreativen Möglichkeiten, ein Ausdruck der dankbaren und lebensspendenden Erinnerung an die Menschen, die sich als Erben erkennen der schöpferischen Schaffenstätigkeit ihrer Vorfahren im Namen des gegenwärtigen und zukünftigen Vaterlandes.

Bei der Organisation solcher Massenunterhaltungsaufführungen kommt den Produktionsleitern die führende Rolle zu, deren Namen zu Recht die Anerkennung des Publikums genießen: A.D. Silin, O.L. Orlov, E.A. Glazov, E.V. Vandalkovsky, V. A. Alekseev, A. I. Berezin, S.M. Komin, S.V. Tsvetkov und andere.

Der Grund für das Masseninteresse an Kunst, glaubte der berühmte Leningrader Regisseur N.P. Akimov, sei, dass „Kunst ein Mittel zur Kommunikation zwischen Menschen ist.“ Dies ist der zweite besondere Sprache(Hervorhebung von uns – I.G.), in der viele der wichtigsten und tiefgründigsten Dinge besser und vollständiger gesagt werden können als in der gewöhnlichen Sprache ...“1.

„Menschen kommen auf unterschiedliche Weise zu dieser oder jener Aufführung.<...>Aber wenn das, was auf der Bühne passiert, lebendig und authentisch ist<...>, die Wege verwandeln sich in eine große Straße, die jeden zu sich selbst führt und in ihm entdeckt, was er nicht tut

1 Kunst und Pädagogik. Leser / Komp. M.A.Verb. St. Petersburg: Bildung, 1995. S. 28.

DIE WISSENSCHAFT. KUNST. KULTUR

Ausgabe 4(8) 2015

angenommen...“, sagt G.G. Taratorkin, einer der wenigen modernen Schauspieler, der den Traditionen der russischen Theaterschule2 treu geblieben ist.

In der Struktur der Bereitschaft der studentischen Direktoren kreative Universitäten Zu

Ein wichtiger Bestandteil der eigenständigen Forschungsprojekttätigkeit zur Schaffung von Werken zu einem sozialhistorischen und kulturellen Thema ist die Beherrschung einer für ihre Tätigkeit als Vertreter spektakulärer Massenkunst spezifischen Regie- und Produktions-„Sprache“.

Jede Kunstgattung verfügt über besondere Ausdrucksmittel: die Sprache der Farben (Malerei), die Sprache der Körperbewegung (Tanz, Ballett), Melodie (Musik), Wort ( Fiktion) usw. Verfügbar Spezielle Features und in der „Sprache“ der Drehbuch- und Regietätigkeit des Direktors der Industrie- und Handelskammer als einer besonderen Art von Kunst, die eine eigene „Sprache“ hat. Daher erscheint es in einer spezifischen Analyse verschiedener Genres der Massenunterhaltung methodisch notwendig, zwischen der Idee der Kunstsprache als Kommunikationsmittel in einem bestimmten soziokulturellen Kontext und als System ausdrucksstarker Formen zu unterscheiden.

„Die Sprache der Kunst ist ein historisch etabliertes Modellierungssystem, das der natürlichen Sprache untergeordnet ist und sich durch ein bestimmtes System von Zeichen figurativer Natur und Regeln für deren Verbindung auszeichnet, die der Übermittlung besonderer Botschaften dienen, die auf andere Weise nicht vermittelt werden können.“ Der Erfolg einer künstlerischen Kommunikationshandlung wird durch den Grad der Gemeinsamkeit des abstrakten Systems der Kunstsprache für Sender und Empfänger der Nachricht bestimmt (richtiges Verständnis des Codes), somit erhält der Adressat die Informationen, für die er ist bereit wahrzunehmen dieser Moment, in Zukunft kann sich die Wahrnehmung vertiefen. „Die Sprache jeder Art von Kunst kann wie die natürliche Sprache in ein anderes Zeichensystem übersetzt werden (Verfilmung, Theaterproduktion, Illustration)“, glaubt Yu.M. Lotman3.

In Analogie zu den von Linguisten identifizierten Funktionen von Sprache und Sprache (kognitiv, kommunikativ, kumulativ, ausdrucksstark, axiologisch, appellativ, ideologisch usw.) hat V.I. Petrushin identifizierte die folgenden Funktionen von Kunst und künstlerische Kreativität in der Gesellschaft:

Kognitive Funktion spiegelt das Wissen über die Welt durch Bilder und Vorstellungen über die umgebende Realität wider; Das Verständnis von Kunst als einer besonderen Art des Denkens und Erlebens des Lebens ist in den Werken von V.G. weit verbreitet. Belinsky, der den Unterschied zwischen Wissenschaft und Poesie „nicht im Inhalt, sondern nur in der Art und Weise der Verarbeitung dieses Inhalts“ sah4;

Pädagogische Funktion: „Zu einem echten Kunstwerk gehört die Beurteilung des Künstlers dessen, was er darstellt und ausdrückt“, da „Ästhetik – die Schönheit der Form und Ethik – die Schönheit des Inhalts in einem klassischen Kunstwerk in einer Einheit erscheinen“5; Durch die Bekräftigung universeller menschlicher und nationaler spiritueller und moralischer Werte in künstlerischer und ästhetischer Form trägt der Künstler zur Stabilität des Ethnos bei, „der Fähigkeit, die Bedeutungen ihrer Einheiten zu „begreifen“, zu akkumulieren und auf jedes neue Mitglied des Ethnos zu übertragen.“ die wertvollsten Elemente der Sinnes-, Geistes- und Aktivitätserfahrung früherer Generationen und zahlreicher

2 Ebd., S. 84.

3 Lotman Yu.M. Die Struktur eines literarischen Textes // Lotman Yu.M. Über Kunst. St. Petersburg, 1998.

4 Petrushin V.I. Psychologie und Pädagogik des künstlerischen Schaffens: Lehrbuch für Universitäten. - 2. Aufl. M., 2008. S. 59.

5 Ebd., S. 60.

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Andere" ;

Die hedonische Funktion wird aus Sicht einiger Kunstkritiker zu Unterhaltungszwecken genutzt, aber auch L.N. Tolstoi sagte, dass wir „aufhören müssen, es als Mittel des Vergnügens zu betrachten, und uns stattdessen mit der Kunst befassen müssen.“

als eine der Bedingungen des menschlichen Lebens“; Die moderne Psychologie hat sich weit von diesen primitiven Ansichten über das Wesen der Kunst entfernt, aber auf dem Gebiet der Ästhetik erwiesen sie sich als recht hartnäckig. „Aber die höchsten Errungenschaften in jeder Kunstform werden nur möglich, wenn das notwendige Gleichgewicht zwischen ihnen erreicht wird

schöne äußere sinnliche Form und spirituelle Verkörperung, verkörpert in dieser Form

Die kommunikative Funktion ist mit einem der Hauptbedürfnisse des Menschen verbunden – dem Bedürfnis nach Kommunikation. „Kunst“, sagte L.N. Tolstoi „ist überhaupt kein Spiel, wie Physiologen denken, kein Vergnügen, sondern dies ist einfach eine der Arten der Kommunikation zwischen Menschen, und diese Kommunikation vereint sie in den gleichen Gefühlen“6 7 8 9 10;

Die kompensatorische Funktion gleicht die fehlenden emotionalen Eindrücke und Erfahrungen der Persönlichkeit im Bereich sozialer, historischer und kultureller Phänomene aus und gleicht den Mangel an Bildung und die Isolation von Kultur aus

Bildungszentren, Eintauchen in den Alltag, eingeschränkte soziale Aktivität usw. Für solche Menschen ist Kunst ein „Fenster zur Welt“, eine bereichernde Begegnung mit herausragenden Werken des klassischen und volkstümlichen Erbes und in manchen Fällen ein Impuls für unabhängiges Schaffen Aktivität.

Die psychotherapeutische Funktion von Kunstwerken wird nicht nur in kunstpädagogischen Aktivitäten, sondern auch im Alltag genutzt und reagiert auf das Bedürfnis jedes Menschen nach Schönheit und die Fähigkeit von Kunstwerken, einen Menschen über den Alltag zu erheben, ihn einzubeziehen im Dialog mit den Gemälden, die er mochte, mit Figuren aus der Literatur, Theaterstücken, die die Fantasie beflügelten, Kino, Ballett, erfüllen die Welt eines Menschen, auch fernab der kreativen Tätigkeit im Bereich Kunst und Kultur, mit Licht und a freudiges Gefühl,...

Allerdings sollte aus unserer Sicht noch eine weitere, aus unserer Sicht wichtige Funktion der Massenunterhaltungskunst hervorgehoben werden – die beeinflussende (aufladende – in den Worten von L. N. Tolstoi) Funktion der Kunst: „Sobald die Zuschauer, Zuhörer mit dem Gleichen infiziert werden.“ Gefühl, das der Autor erlebt hat, das ist Kunst.“ Diese „ansteckende“ Funktion der Kunst ist eng mit der Identifikation verbunden

Betrachter/Zuhörer mit diesen künstlerischen Bildern und Symbolen

Theateraufführungen, die jene spirituellen und moralischen Wertebedeutungen tragen, die dem Publikum am Herzen liegen und das sich als ein einziges Team mit einem gemeinsamen kollektiven Bewusstsein der Zugehörigkeit zu nationalen Schätzen fühlt, die uns von der Vergangenheit bis zur Gegenwart und in die Zukunft überliefert wurden ... Aber um diese Funktion angesichts des Inhalts und der Form des geschaffenen Werks umzusetzen, muss der Regisseur alle möglichen Mittel der emotionalen und moralischen Einflussnahme auf die Gefühle, das Bewusstsein, den Willen und das Verhalten des Publikums auf allen Kanälen beherrschen Wahrnehmung der Industrie- und Handelskammer.

6 Radbil T.B. Grundlagen des Studiums der sprachlichen Mentalität: Lehrbuch. Zulage / T.B.Radbil. M., 2010.

7 Kunst und Pädagogik. Leser / Komp. M.A. Verb. St. Petersburg, 1995. S. 15.

8 Petrushin V.I. Psychologie und Pädagogik des künstlerischen Schaffens: Lehrbuch für Universitäten. - 2. Aufl. M., 2008. S. 64.

9 Ebd., S. 65.

10 Kunst und Pädagogik. Leser / Komp. M.A. Verb. St. Petersburg, 1995. S. 17.

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Für die Umsetzung dieser wichtigsten – beeinflussenden – Funktion, die organisch mit den anderen von V.I. Petrushin aufgeführten Funktionen verbunden ist und im Wesentlichen in Bezug auf diese integrativ ist (sowohl das kognitive und informative Material der Darstellung als auch die angesprochene kommunikative Funktion). Erinnerung und persönliche Erfahrung des Betrachters und die Kunstfertigkeit der Künstler usw.), muss der Regisseur-Produzent als Autor „in sich selbst ein einmal erlebtes Gefühl hervorrufen und es in sich selbst hervorrufen, durch Bewegungen, Linien, Farben Töne, Bilder, ausgedrückt in Worten, vermitteln dieses Gefühl, so dass andere das gleiche Gefühl erleben, und das ist die Tätigkeit der Kunst.“11

Die aufgeführten Funktionen der Industrie- und Handelskammer manifestieren sich nicht in sich selbst, sondern sind das Ergebnis der professionellen künstlerischen und ästhetischen Tätigkeit des Direktors und des Künstlerteams seines Plans, die auf die Herstellung gegenseitigen Verständnisses und eines angemessenen „Gefühls“ abzielen ( der Begriff von L.S. Vygotsky - I.G.) durch das Publikum/die Zuhörer in die spirituelle und moralische Welt der sich vor ihnen entfaltenden Handlung ein und infiziert sie mit der organischen und harmonischen Einheit von Inhalt und Form der sichtbaren Darstellung, die durch verschiedene spezifische Mittel erreicht wird der Industrie- und Handelskammer – die Kunstsprache der Industrie- und Handelskammer.

Die Ausdrucksmittel zur Beeinflussung eines Forschungsprojekts zu einem soziokulturellen Thema im Hinblick auf ihre Auswirkungen auf das Denken, Bewusstsein, Gefühle und Verhalten von Zuschauern/Zuhörern von Massen-TPPs, die ihre spezifische Sprache ausmachen, können in zwei Gruppen unterschieden werden – verbale und non- verbal.

Zu den verbalen Ausdrucksmitteln zählen vor allem das Wort der Muttersprache mit seinen Funktionsvarianten, der Reichtum des Synonym- und Antonymiesystems, der Aphorismus der Phraseologie, die Weisheit geflügelter Wörter und Ausdrücke, Präzedenztexte usw metaphorische Natur bildlicher Bedeutungen von Wörtern und Phrasen, rhetorische Figuren, Konzepte, die die moralischen Werte des russischen Volkes widerspiegeln, die den konzeptionellen Bereich der russischen Kultur ausmachen (D. S. Likhachev). Und vor allem – die intonatorische Ausdruckskraft des gesprochenen Textes. Wie M.A. Rybnikova, eine leidenschaftliche russische Methodikerin und Literaturwissenschaftlerin, sagte: „Das Wort lebt in den Klängen der Stimme, das ist seine Natur.“ Aber gleichzeitig ist das ausdrucksstarke Lesen eine der Arten der Leserinterpretation, bei der darstellende Künste Leser-Rezitator und spiegelt das Ergebnis der Analyse der „Gefühlsbewertung“ des Textes wider Literarische Arbeit Der Autor des mündlichen Drehbuchs und der Darsteller sind bestrebt, die Gefühle der Zuschauer/Zuhörer zu wecken, ihnen zu helfen, sich an die Situation der Theateraufführung zu gewöhnen, gemeinsam mit den Charakteren der Industrie- und Handelskammer das Geistige zu verstehen und zu erleben und ihnen gemeinsame moralische Werte nationale Werte. Im Zuge der Wahrnehmung einer talentierten Darbietung des Drehbuchtextes wird beim Betrachter/Zuhörer die Illusion geboren, in die Ereignisse des Textes involviert zu sein. Damit dieser Ansteckungseffekt eintritt, ist es notwendig, bei der Vorbereitung einer CCI-Präsentation einen „Score“ zu erstellen. lesbarer Text, die Aufmerksamkeit des Lesers auf das Hervorheben von „Schlüsselwörtern“, Phrasen, das Heben und Senken der Stimme und andere ausdrucksstarke Stimmmittel, die die Merkmale eines poetischen oder prosaischen Textes vermitteln, mit der Stimme zu lenken, um die Aufmerksamkeit auf die Semantik und figurative Ausdruckskraft des zu lenken klingendes künstlerisches Wort. Somit ist das klingende Wort in der TPP-Schrift ein lebendiges Wort (der Begriff von G. G. Shpet und M. M. Bakhtin), inspiriert vom Gefühl des Sprechers, das in den Formen der Kultur „in einen Heiligenschein des Volksgeistes gehüllt“ ist. wie der deutsche Linguist V. von Humboldt, der russische Philologe F.I. Buslaev, der spanische Philosoph J. Ortego y Gasset und andere sagen würden, d.h. interessiert, teilweise, nicht

11 Kunst und Pädagogik. Leser / Komp. M.A. Verb. St. Petersburg, 1995. S. 17.

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mechanisches, aber vergeistigtes Wort, in dem Bedeutung und effektiv gefärbte Bedeutung miteinander verschmolzen sind (N.F. Alefirenko, 2009). Dieses Verständnis des lebendigen Wortes spiegelt „die tatsächliche Natur des Geistes als Mechanismus zur Verwirklichung des Geistes“ wider. Andernfalls führt die Konzentration nur auf die Philosophie des Rationalismus beim Verständnis des Wortes zu „behinderter Intelligenz“ (V. P. Zinchenko). Von diesen Standpunkten aus sollten wir die Einflussfunktion des Wortes im System der Kunstsprache der Industrie- und Handelskammer betrachten.

Schon die Wahl des Namens der Theateraufführungen richtet sich an die „Erinnerung des Herzens“ des Publikums, an das Gefühl der Identifikation mit den heroischen Traditionen der Ureinwohner („Unbezahlbare Chronik des Heiligen Krieges“, „Der Ruhm von …“) Diese Tage werden nicht schweigen ...“, „Heiliges Belogorye“ usw.); journalistisches Wort der Moderatoren, das ihre bürgerliche Position in der Bewertung der erzählten Ereignisse widerspiegelt und sie auffordert, die von unseren Vorfahren erkämpfte Freiheit des Vaterlandes zu bewahren, unter Bezugnahme auf die ausdrucksstarken und leidenschaftlichen Aussagen berühmter Persönlichkeiten Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, die Lichter der russischen Geschichte und Kultur („Denken Sie daran! Nur durch die Einheit wird Russland gerettet!“ – Hl. Sergius von Radonesch), gerichtet an uns, Bürger Russlands im 21. Jahrhundert; Reden der aktuellen Helden der Vergangenheit in Situationen der historischen Erzählung (Wladimir der Täufer, Jaroslaw der Weise, Wladimir Monomach, Alexander Newski, Dmitri Donskoi usw.), die sich an das Bewusstsein, die Gefühle und den Willen des Publikums richten und es dazu ermutigen Bewahren Sie heroische Traditionen und seien Sie bereit, das Vaterland vor den nächsten Angreifern zu verteidigen, ohne ihren Bauch zu schonen usw. - aktiviert bereits das nationale Selbstbewusstsein und ein Gefühl der persönlichen Identifikation mit dem proklamierten Thema und seinem Subtext. Die stilisierte Rede realer historischer Persönlichkeiten hat eine große emotionale Wirkung auf den Zuschauer/Zuhörer. Staatsmänner Und

Vertreter der Kultur, im Einklang mit den Gedanken und Gefühlen der Teilnehmer der Industrie- und Handelskammer (Peter I., M. Lomonosov, A. S. Puschkin, V. V. Stasov, M. Gorki, V. Mayakovsky, Ansager Levitan, Marschall G. Schukow usw.), die Umsetzung der kommunikativ-dialogischen Funktion des Projekts und die Einbeziehung der Zuschauer/Zuhörer in das interessierte Zuhören jedes an sie gerichteten Wortes, insbesondere in dem Fall, wenn die „Interpretation eines literarischen Textes durch den Leser“ (E.R. Yadrovskaya) die des Autors vermittelt Einstellung zur Realität, die er darstellt.

Die talentierte Wiedergabe des Textes des Autors durch die Interpreten schafft laut G.V. Artobalevsky, D.N. Zhuravlev und andere herausragende Meister des künstlerischen Ausdrucks, „Theater der Fantasie“. Durch die Beeinflussung der Vorstellungskraft des Betrachters/Zuhörers mit Worten beziehen alle Charaktere und das Projektteam als Ganzes sie in den Prozess der gemeinsamen Kreation ein: Sie scheinen mental bei dem Geschehen anwesend zu sein. „Dieser Moment der Interaktion, der Live-Kontakt zwischen Sprechern und Zuhörern ist absolut notwendig“, sagt D.N. Zhuravlev. Und das ist der Unterschied zwischen Leseleistung und Schauspiel: „... ohne Zuhörer gibt es keine Kunst künstlerische Lektüre“ und „Für einen Theaterschauspieler sind die natürlichen Partner, auf die er Einfluss nimmt, mit denen er interagiert, andere Schauspieler, seine Bühnenpartner“ (aus dem Artikel „Über die Kunst des Vorlesers“). Ohne eine emotionale Reaktion der Zuschauer/Zuhörer auf ausdrucksstarkes Lesen, so L.S. Vygotskij kann es keine Analyse geben, da er die Emotionen der Kunst „intelligente Emotionen“ nannte. Der herausragende Psychologe glaubte, dass man nicht nur talentiert denken, sondern auch talentiert fühlen kann... Einen solchen Zuschauer/Zuhörer mit den Mitteln der Industrie- und Handelskammer zu erziehen, ist die wichtigste Aufgabe, vor der der Regisseur von Massenaufführungen steht. Die Besten von ihnen verstehen das

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„Die kognitive Grundlage des „lebendigen“ Wortes ist lebendiges Wissen, das auf den Wechselbeziehungen von Bildung, Wissenschaft und Kultur basiert“12.

Aber das klingende lebendige Wort spiegelt die Bedeutung nur im Text als Produkt der sprachschöpferischen Umsetzung der Absicht des Autors wider. Ohne auf die lexikalische und grammatikalische Struktur des Textes einzugehen, sollte man sich der Intonation des Textes zuwenden, um diese Einheit der Kunstsprache der Industrie- und Handelskammer auf die Gefühle und Gedanken der Betrachter/Zuhörer zu beeinflussen der Industrie- und Handelskammer.

Intonation (Melodie, Rhythmomelodie, Tonalität, Tonhöhe, Dauer, Stärke, Intensität, Tempo, Klangfarbe usw. Intonation) ist ein komplexer Satz stimmlicher Merkmale der ausdrucksstarken Aussprache einer Textaussage, um die verschiedenen darin zum Ausdruck gebrachten Bedeutungen auszudrücken, einschließlich ausdrucksstarke und emotionale Konnotationen, die für verschiedene Arten von ausdrucksstarken, emotionalen und bewertenden Obertönen dienen und der Aussage Feierlichkeit, Lyrik, Optimismus, Traurigkeit, Verspieltheit, Leichtigkeit, Vertrautheit usw. verleihen können.

Die Intonation gilt seit jeher als das wichtigste Merkmal gesprochener Sprache, als Mittel ihrer kommunikativen Bedeutung und ihrer emotional ausdrucksstarken Nuancen. Aus diesem Grund ist die Empfehlung des Psychologen N.I. die wichtigste Technik, um TPP-Studierenden beizubringen, sich auszudrücken. Zhinkin – um die Fähigkeit zu lehren, die vom Autor in den Text geschriebene Intonation zu subtrahieren. Die Genauigkeit (Angemessenheit) des Verständnisses der Intonation des Textes des Autors wird nicht nur durch die Wahrheit des Wortes gewährleistet, sondern auch durch die „Wahrheit der Gefühle“, die durch die „Lesungs“-Intonation des Interpreten vermittelt wird. Ein brillanter Interpret der Werke von A.S. Puschkin war

V. N. Yakhontov. Die von I.L. Andronikov beschriebene Lektüre von V.N. Yakhontovs „Der Prophet“ ist ein unübertroffenes Beispiel für die Beherrschung des Konzepts der Intonation als eine der Ausdruckseinheiten der CCI-Sprache in ihrer beeinflussenden kommunikativen Funktion.

Es gibt jedoch keinen Text außerhalb der Gattung und des Stils, die sich in der journalistischen Intonation der Texte des dokumentarisch-pudlizistischen Genres der Industrie- und Handelskammer besonders ausdrucksstark manifestieren.

Journalistischer Stil des modernen Russisch literarische Sprache- eine funktionale Art der Rede, die den Fokus der Aussage auf die Ansprache der breiten Masse des Volkes mit der Erläuterung gesellschaftspolitischer Probleme widerspiegelt, die aktuelle soziokulturelle, spirituelle und moralische Bedeutung für die Stabilisierung der sozialen Ordnung der Gesellschaft haben. Dieses ideologische und politische Dilemma spiegelte sich in der mündlichen und schriftlichen Rede in einer besonderen journalistischen Intonation wider und beeinflusste das Bewusstsein, die Gefühle und den Willen der Zuschauer/Zuhörer, Teilnehmer an dokumentarischen und journalistischen Darbietungen:

Emotionalität, die die interessierte Haltung des Autors gegenüber dem soziokulturellen Problem widerspiegelt, das zur Diskussion mit dem Publikum vorgeschlagen wird,

Appell, das Erkennen des Agitations- und Propagandagehalts einer journalistischen Darstellung,

Objektiv-subjektive Modalität, die sich an das Publikum als Gesprächspartner, Teilnehmer am Dialog richtet,

Logische Überzeugungskraft, betonte Fokussierung der Aufmerksamkeit des Zuhörers durch logische und phrasale Betonung wichtiger, aus Sicht des Autor-Publizisten wichtiger Punkte des diskutierten Problems,

Ausdruckskraft der Sprache, einschließlich der angemessenen Verwendung von Tropen,

12 Alefirenko N.F. „Lebendes“ Wort: Probleme der funktionalen Lexikologie: Monographie / N.F. Alefirenko. M., 2009. S. 14.

13 Ebd., S. 7.

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rhetorische Fragen und rhetorische Ausrufe, die verstärken

dialogischer Charakter der sozialen Kommunikation,

Vertrauen in den Ton

Bürgerliches Pathos.

Aber die an das Publikum/die Zuhörer gerichtete Rede wird von Mimik und Gestik, Körperbewegungen, Kunstfertigkeit, organischem Verhalten der kostümierten Figur, Beherrschung der dem Spielbild entsprechenden Themendetails und anderen Verhaltensmerkmalen der Darsteller des Textes begleitet die geskriptete Aktion. Sie beleben, betonen und verstärken die Bedeutung der gesprochenen Aussage und lenken die Aufmerksamkeit auf jene semantischen Akte der künstlerischen Kommunikation, die die Gefühle des Autors und seine eigenen vermitteln. Somit werden nonverbale Ausdrucksmittel der IHK-Sprache zu zusätzlichen Ausdrucksmitteln zu den verbalen Einflussmitteln

Zuschauer/Zuhörer.

Zu den nonverbalen sprachlichen Ausdruckseinheiten eines bestimmten TPP-Genres gehören verschiedene künstlerische und ästhetische Symbole, die verbale Einheiten ersetzen, aber bestimmte verallgemeinerte, komprimierte semantische Informationen über ein darin kodiertes bekanntes historisches und kulturelles Ereignis (Symbol) enthalten. Die Rolle von Symbolen in der Schrift sind historische Daten (1380, 1812, 1941 usw.), Machtattribute (Banner, Wappen, Orden usw.), Porträts, Denkmäler, legendäre Orte, die für die Menschen unvergänglichen Ruhm haben (Aufstellen des Siegesbanners über dem Reichstag) usw.

Aufgrund ihres Synkretismus wendet sich die Kunst der Industrie- und Handelskammer jedoch dem Gesamtkunstwerk als der ausdrucksstärksten Einheit der Sprache der Industrie- und Handelskammer zu, da die semantische Nähe von Werken verschiedener Kunstarten (Wörter) besteht und Musik, Literatur und Ballett und Malerei usw.) trägt zur Schaffung eines allgemeinen künstlerischen Panoramabildes eines Objekts oder Phänomens bei, das in der einen oder anderen Gattung der Industrie- und Handelskammer zur künstlerischen Verkörperung herangezogen wird. Das Gesamtkunstwerk, das eine beeinflussende Funktion ausübt, wirkt auf verschiedene Wahrnehmungskanäle des Betrachters/Zuhörers mit der Sprache, die jeder Kunstart innewohnt: auf das Sehen – die Sprache der Farben in der Szenerie des Designers und den Klang- und Farbhintergrund mit technischen Mitteln entsprechend der Dur- oder Moll-Stimmung der Bühnenhandlung erzeugt; nach Gehör - in der Sprache der natürlichen Sprache und der Sprache der musikalischen Begleitung verbaler Texte; auf Bewusstsein und Unterbewusstsein – durch die Sprache des Tanzes durch die Wahrnehmung eines visuellen Tanzbildes und der entsprechenden Melodie und auf figuratives Denken – durch die Synthese aller Arten von Künsten, die (Synthese – I.G.) die Wirkung der „Interaktion von“ verstärkt „verschiedene semiotische Codes“, wenn in einer künstlerischen Darbietung „Elemente mehrerer Zeichensysteme kombiniert werden und so eine synergistische Wirkung erzielen“14.

Damit bestätigen wir den Gedanken von L.S. Vygotsky über die Rolle der Einheit von Form und Inhalt eines Kunstwerks und die Bedeutung der Form für die künstlerische Wahrnehmung eines Kunstwerks. Dies bedeutet nicht, dass allein die Form ein künstlerisches Kunstwerk schafft (die Inkonsistenz von formaler Ästhetik und formaler Kunst in ihrer Verleugnung der Handlung ist in der Theorie und Praxis der Literaturkritik und Kunsttheorie des 20. Jahrhunderts längst entlarvt): zum Beispiel Alle Laute einer Sprache können einen ausdrucksstarken Eindruck erlangen, wenn sie sich in der eigentlichen Bedeutung des Wortes treffen. Dieses psychologische Gesetz, abgeleitet vom Hervorragenden

Emittenten O.S. Spracheinfluss: Lehrbuch. Nutzen / O.S. Emittenten. - 3. Aufl., überarbeitet. M., 2013.

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Psychologe: „Klänge werden ausdrucksstark, wenn die Bedeutung des Wortes dazu beiträgt.“ „Klänge können ausdrucksstark werden, wenn Verse dazu beitragen“15 – bezieht sich auf den Ausdruckseindruck einer beliebigen Einheit der Kunstsprache. Aber die Künstler und sonstigen Darsteller künstlerischer Darbietungen sprechen diese „zweite Sprache“ der Kunst der Industrie- und Handelskammer entsprechend dem Plan und dem Endziel des Urhebers der Inszenierung.

Unter den wichtigsten Ausdruckseinheiten der CCI-Sprache muss dem künstlerischen Bild ein besonderer Platz eingeräumt werden, in dem ausdrucksstarke verbale und nonverbale Mittel organisch miteinander verflochten sind, was die Vermittlung der Absicht des Autors erleichtert und die Gedanken und Gefühle des Betrachters beeinflusst /Zuhörer. Inkarniert

ein künstlerisches Bild entweder in der Hauptfigur einer festlichen Aufführung oder in einem kollektiven Bild oder in einem künstlerischen Symbol, das die soziokulturelle und künstlerisch-ästhetische Absicht des Autors und Produzenten verwirklicht.

Ein künstlerisches Bild ist eine künstlerische Widerspiegelung von Ideen und Gefühlen in Worten, Farben und anderen Einheiten der Sprachen anderer Künste. Das vom Produktionsleiter geschaffene künstlerische Bild spiegelt einen bestimmten typischen Charakter wider, der spirituelle und moralische Werte nahe am russischen Betrachter trägt (zum Beispiel das kollektive Bild eines jungen Wehrpflichtigen, mutig, übermütig,

belastbar, der bereitwillig auf den Ruf des Mutterlandes reagierte – TPP „Indestructible and Legendary“, dir. I.V. Goliusov). Die künstlerische Kommunikation mit den Charakteren der Industrie- und Handelskammer ist ein Dialog zwischen Autor und Publikum, der durch ästhetische Wahrnehmung, Verständnis, aktives dialogisches Verstehen und spirituelle und kulturelle Aneignung eines Kunstwerks erfolgt. Es spiegelt die persönliche Erfahrung des Regisseurs wider, der persönliche Erfahrungen transformiert, um ein künstlerisches Schaffen zu schaffen. Die Manifestation dieser kreativen, kreativen Fähigkeit, reale Lebenserfahrungen neu zu kodieren und in ein künstlerisches Bild der Industrie- und Handelskammer umzuwandeln, ist der wichtigste Moment in der Forschungs- und Suchtätigkeit des Direktors, der gleichzeitig mit der Entstehung eines vorwegnehmenden Plans entsteht eine zukünftige Schöpfung. Die Beobachtung der Forschungsprojektaktivitäten der Studierenden zeigte, dass die künstlerische Intuition des Regisseurs in diesem Prozess eine wichtige Rolle spielt.

Daher ist die Beherrschung der Ausdruckseinheiten der Kunstsprache der Industrie- und Handelskammer durch die Studenten-Direktoren der wichtigste Bestandteil der Vorbereitung der Studenten Selbsterschaffung jede Art von Industrie- und Handelskammer.

Es sollte jedoch noch eine wichtige Sache beachtet werden Fachkompetenz Damit der Produktionsleiter eine bewusste Wahl der Einflussmöglichkeiten auf die Zuschauer/Zuhörer der Industrie- und Handelskammer treffen kann, ist die Fähigkeit vorherzusagen, welche Gefühle und Emotionen der Zuschauer/Zuhörer beim Autor einer bestimmten sozio-künstlerischen Aufführung empfindet plant zu beeinflussen, um Emotionen hervorzurufen, die den Bedürfnissen des Autors und der Teilnehmer der spektakulären Aufführung entsprechen.

Psychologe B.I. Dodonov klassifiziert Emotionen im Zusammenhang mit menschlichen Bedürfnissen, die das Auftreten dieser Emotionen „provozieren“. Grundlage seiner Klassifizierung sind Bedürfnisse und Ziele, d.h. Motive, denen bestimmte Emotionen dienen. Der Psychologe klassifiziert diese Emotionen als „wertvolle“ Emotionen, also solche, nach denen ein Mensch am häufigsten das Bedürfnis verspürt.

Wie verschiedene TPPs studentischer Regisseure belegen, setzen sie sich zumeist zum Ziel, bei Zuschauern/Zuhörern folgende Emotionen hervorzurufen:

1 altruistische Emotionen, die aus Verlangen entstehen

15 Vygotsky L.S. Psychologie der Kunst. M., 2001. S. 86.

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den Menschen Freude und Glück bringen (z. B. Industrie- und Handelskammer) Neujahrsmärchen»),

3 ängstliche Emotionen sind mit der Notwendigkeit verbunden, Schwierigkeiten und Gefahren zu überwinden, aufgrund derer Interesse am Ringen entsteht (zum Beispiel die Industrie- und Handelskammer „Sport“) -das ist die Welt!»),

4 romantische Emotionen sind mit dem Wunsch verbunden, ein „helles Wunder“ zu erleben, in einem Gefühl von besonderer Bedeutung des Geschehens (z. B. TPP „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment ...“),

5 Gnostische Gefühle oder intellektuelle Gefühle sind mit dem Bedürfnis verbunden, neue kognitive Informationen zu erhalten (z. B. CCI „Day Slawische Schrift und Kultur"),

6 ästhetische Emotionen entstehen aus dem Bedürfnis, Schönheit zu genießen, dem Bedürfnis nach dem Erhabenen oder Majestätischen im Leben und in der Kunst (zum Beispiel TPP „Sergius von Radonesch – Verteidiger des russischen Landes“).

Dieses „emotionale Toolkit“ stärkt die Bereitschaft studentischer Regisseure, die Wirkung der TPP-Funktion auf Zuschauer/Zuhörer zu planen. Bei der Festlegung des Themas seines TPP kann der Regisseur, der über vorausschauendes Denken verfügt, vorschlagen, welche „aufladenden“ Einheiten der TPP-Sprache als dominante Einheiten verwendet werden sollten, um Emotionen hervorzurufen, die der Absicht des Autors der Inszenierung entsprechen.

Zum Beispiel:

1. Heroisch-patriotisches Thema.

Ziel ist die Bildung des historischen Gedächtnisses.

Das Bedürfnis besteht darin, das Bedürfnis nach Interesse an der heroischen Vergangenheit des eigenen Volkes zu befriedigen.

Emotionen: kommunikativ, ängstlich, gnostisch, ästhetisch.

2. Jubiläumskonzert.

Ziel ist die Bereicherung des historischen und kulturellen Wissens.

Die Notwendigkeit besteht darin, die kulturellen und ästhetischen Werte der Vergangenheit oder Gegenwart des eigenen Volkes zu verbinden.

Emotionen: kommunikativ, romantisch, gnostisch, ästhetisch.

3. Dokumentarisches und journalistisches Projekt.

Ziel ist die Förderung soziokultureller Verhaltensnormen.

Die Notwendigkeit besteht darin, Erfahrungen in sozialen Aktivitäten zu sammeln.

Emotionen: altruistisch, kommunikativ, gnostisch.

4. Historisches und pädagogisches Projekt.

Ziel ist es, Zuschauer/Hörer mit Assets zu bereichern Nationalkultur und Kunst.

Bedürfnis – das Bedürfnis nach Schönheit im Leben und in der Kunst zu befriedigen.

Emotionen: altruistisch, kommunikativ, gnostisch, ästhetisch.

5. Kunstpädagogisches Projekt.

Ziel ist es, die negativen Auswirkungen antisozialer Phänomene auf Jugendliche zu verhindern. Die Notwendigkeit besteht darin, soziale Aktivität zu zeigen.

Emotionen: altruistisch, kommunikativ, ängstlich, gnostisch,

ästhetisch.

Somit bereichert die Beherrschung „emotionaler Werkzeuge“ durch Regisseure nicht nur ihre kognitive Kompetenz und entwickelt kreative (prognostische) Fähigkeiten, sondern trägt auch zur Bildung eines humanistischen Denkens bei

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Bewusstsein der Produktionsleiter in Richtung „Smart Emotions“

(J.C. Vygotsky) und „wertvolle Emotionen“ (B.I. Dodonov).

Referenzliste

1. Alefirenko, N. F. „Lebendiges“ Wort: Probleme der funktionalen Lexikologie: Monographie / N.F. Alefirenko. - M., 2009. - 344 S.

2. Vinogradov, S. „Theater ist ein Sakrament ohne Täuschung“ / S. Vinogradov // Russian World.Yai Magazine über Russland und die russische Zivilisation. - M., 2015. April, Nr. 1, S. 82-85.

3. Vygotsky, L. S. Psychologie der Kunst / L. S. Vygotsky. - M., 2001. - 211 S.

4. Interpretation künstlerischer Texte. Lehrbuch / Ed. E.R. Jadrowskaja. - St. Petersburg, 2011. -196 S.

5. Kunst und Pädagogik. Leser. / Komp. M.A. Verb. - St. Petersburg: Bildung, 1995. - 293 S.

6. Issers, O.S. Spracheinfluss: Lehrbuch. Zulage / O.S. Emittenten. - 3. Aufl., überarbeitet. - M., 2013. -240 S.

7. Lotman, Yu.M. Die Struktur literarischer Texte / Yu.M. Lotmann. Über Kunst. - St. Petersburg, 1998. -288 S.

8. Petrushin, V.I. Psychologie und Pädagogik des künstlerischen Schaffens: Lehrbuch für Universitäten / V.I. Petruschin. - 2. Aufl. - M., 2008. - 490 S.

9. Radbil, T.B. Grundlagen des Studiums der sprachlichen Mentalität: Lehrbuch. Zulage / T.B. Radbil. - M., 2010. - 328 S.

10. Yakhontov, V.N. Ein-Schauspieler-Theater / V.N. Jachontow. - M., 1958. - 455 S.

Die Ausdrucksmittel von Theateraufführungen und Festivals und ihre Wirkung auf die Zuschauer

T.K. Donskaya1-*, I.V. Goliusova2)

Staatliches Institut für Kunst und Kultur Belgorod 1)E-Mail: [email protected] 2)E-Mail: [email protected]

Der Artikel befasst sich mit den Ausdrucksmitteln und soziokulturellen Funktionen theatralischer Massenaufführungen und Feiertage. Die Autoren beleuchten die Möglichkeiten der Ausdrucksmittel von Theateraufführungen und Festivals unter dem Gesichtspunkt ihrer Wirkung auf das Denken, Bewusstsein, Gefühle und Verhalten von Zuschauern und Zuhörern.

Schlüsselwörter: Kunst, Sprache der Kunst, Funktion der Kunst, Ausdrucksmittel von Theateraufführungen und

V. Sachnowski

Meisterschaft

Ausdrucksvoll

Mittels

EINFÜHRUNG ................................................. ..................................4

Kapitel 1. Theorie der Ausdrucksmittel des Schauspielers. ................9

1. Konvention des Theaters................................................ ........ ...............9

2. Konvention der Aufführung und des Genres. ........................................10

3. Psychologie der Publikumswahrnehmung................................................ .....11

4. Arbeit am Bild................................................ ....... ............12

Kapitel 2. Allgemeine Fragen der Methodik zur Beherrschung der Ausdrucksmittel in einer Laientheatergruppe ....15

1. Methodik – als Fach................................................ ........ ......15

2. Die Rolle und Bedeutung der Förderung der schauspielerischen Ausdruckskraft bei Mitgliedern einer Amateurtheatergruppe.................15

4. Grenze: Regisseur (Lehrer) – Schauspieler (Schüler).................17

Kapitel 3. Allgemeine Merkmale der Beherrschung der Ausdrucksmittel in einer Laientheatergruppe:............18

1. Merkmale des Prozesses................................................ ...... ............18

2. Erforderliche Fähigkeiten................................................ ..... ...............15

3. Allgemeine Defizite in der Ausdrucksfähigkeit des Schauspielers.................................20

4. Didaktische Grundprinzipien der konzeptionellen Beherrschung von Ausdrucksmitteln. ................................................. ...... ......23

5. Merkmale der Psychologie der Teilnehmer einer Laientheatergruppe................................. ........................26

6. Merkmale der Kommunikationspsychologie in einer Laientheatergruppe................................. ........................27

Kapitel 4. Methodik zur konzeptionellen Beherrschung von Ausdrucksmitteln in einer Laientheatergruppe ....................30

1. Konzeptionelle Phase der Beherrschung der Ausdrucksmittel...30

2. Psychologische Altersmerkmale von Teilnehmern in Vorschul- und Schulgruppen................................. ............ ...33

3. Terminologie und Konzepte im Prozess der Meisterschaft.................................34

4. Zusätzliche Methoden, Methoden im Prozess der konzeptionellen Beherrschung von Ausdrucksmitteln.................................... ................ ......36

5. Mittel im Prozess der konzeptionellen Beherrschung von Ausdrucksmitteln ................................... .............. .................................... .................... .

Kapitel 5. Methodik zur praktischen Beherrschung der Ausdrucksmittel in einer Laientheatergruppe........................50

1. Der Begriff „Ausdrucksmittel“ ........................................ ............50

2. Altersmerkmale und Hauptschwierigkeiten bei der Vermittlung von Ausdrucksfähigkeiten in einer Laientheatergruppe................................. ................ ................................. ...................... ..........50

3. Schwierigkeiten und Hindernisse bei der praktischen Beherrschung der Ausdrucksmittel ................................... .............. ........................51

4. Methoden zur Lösung von Lernschwierigkeiten bei der praktischen Beherrschung von Ausdrucksmitteln.................................... ......... ......54

5. Schema der einfachsten Aufgaben in der Struktur des Prozesses der Beherrschung einer Fertigkeit................................. ................ ................................. ......................... ..........54

6. Demonstration vor Trainern und parallele Durchführung durch Auszubildende.......56

7. Methode der „Aktionen mit einer bestimmten Färbung“ von M. Tschechow.........................57

8. Methode „ psychologische Geste” M. Tschechow........................57

9. Die Spielmethode als eine Form der unbewussten Beherrschung einer Fähigkeit und eines Ausdrucksmittels................................. .................... ............59

10. Methode der Musik- und Handlungsverstärkung......61

11. Vorgeschlagene Umstände und Festlegung einer effektiven Aufgabe – als Möglichkeit zur Wiederbelebung der Ausdrucksmittel und als bewusster Ansatz zur Beherrschung der Ausdrucksmittel......61

12. Methode „Gruppenverarbeitung“. ................................................. .62

13. Methode „Improvisation“ ................................... ........ ...................63

14. Methode des „Eintauchens in die Atmosphäre“ .................................... ............ ...64

15. Methode der „räumlich-zeitlichen Partitur“ ...................................66

16. Einweisung in bestimmte verbindliche Bedingungen als Methode der praktischen Beherrschung................................. ........................................67

17. Methode der „Pflichtversuche und Selbstkorrektur von Fehlern“ .................................... ................ ................................. ...................... ......69

18. Mittel, die der praktischen Beherrschung von Ausdrucksmitteln helfen und sie beeinträchtigen.................................... ........................70

Abschluss...............................................................................73

Literaturverzeichnis...................................................................................75

Anwendung......................................................................................79

Einführung.

MIT Als das Land nun endlich Unterstützung verspürte und die Möglichkeit hatte, die Entwicklung der Kultur zu subventionieren, richtete die Regierung ihre Aufmerksamkeit auf die Jugend. Auf der Präsidialebene Russlands wurden die Programme „Jugend Russlands“, „Prävention von Drogensucht und anderen Arten der Substanzabhängigkeit bei Jugendlichen“ geschaffen, soziale Dienste und Einrichtungen für Jugendliche mit Verhaltensstörungen, Stadt- und Bezirksjugendliche geschaffen Es wurden Vereine gegründet, in weiterführenden Schulen wurden spezielle Klassen mit Schwerpunkt auf Choreografie, Theater, Sport usw. eröffnet, und das Problem, junge Menschen für sie zu gewinnen, wurde akut. Zu den Arten von Aktivitäten, die Institutionen Kindern anbieten, gehört die Aktivität in Laientheatergruppen. Das professionelle Ausbildungsniveau der Fachkräfte in solchen Amateurgruppen entspricht nicht immer den Bedürfnissen, so dass eine Art Mangel entsteht. Dies gilt insbesondere für Fachlehrer, die sich mit der Entwicklung der Ausdrucksfähigkeit von Schauspielern befassen. Die Arbeit verläuft in der Regel willkürlich, intuitiv, nach eigenen, experimentell geschaffenen Methoden, bringt Kinder hervor, ohne ihren ästhetischen Geschmack und kulturellen Horizont zu entwickeln, und ersetzt die Freude an erfolgreicher Arbeit (für Kinder) durch die Teilnahme von Amateuren an Veranstaltungen (einschließlich Aufführungen). .

Die in der Bildungsliteratur der Allgemeinen Pädagogik beschriebenen didaktischen Methoden und Prinzipien sind allgemeiner Natur, und unerfahrene Leiter von Laientheatergruppen, die sie nicht kreativ einsetzen, gehen davon aus, dass der Teilnehmer, der in ihre Gruppe kam, sozusagen ist ein „unbeschriebenes Blatt“ – sie nutzen die Demonstrationsmethode und das Prinzip der Klarheit und der Teilnehmer wird sofort oder nach einiger Zeit bei wiederholten Demonstrationen Ausdrucksmittel und Fähigkeiten beherrschen. In der Praxis ist alles viel komplizierter. Bei ihren Aktivitäten begegnen Lehrkräfte zunächst der vielfältigen Innenwelt des Teilnehmers: mit seinen Wünschen, Gefühlen, Motiven, Selbstwertgefühlen, Werten und Weltanschauungen. Und hier tauchen Hindernisse auf, deren Existenz in Lehrbüchern der allgemeinen Pädagogik und sogar in vielen nicht beschrieben wird Lehrbücher in der Bühnenpädagogik. Was für ein Hindernis ist zum Beispiel das sogenannte „Sternenfieber“, gegen das in den Bedingungen und Besonderheiten der Tätigkeit einer Laientheatergruppe noch keine wirksamen Mittel zur Bekämpfung gefunden wurden. Schließlich ist eine Theatergruppe kein Sport, bei dem die Ergebnisse im Wesentlichen in Sekunden, Zentimetern oder einem klaren Vorsprung im offenen Wettkampf errechenbar sind. Theateraktivitäten sind subjektiv und es kann schwierig sein, die Einstellung des Teilnehmers zur Manifestation seiner Fähigkeiten mit „umzustrukturieren“. Sternenfieber“ und sogar von Eltern und Lehrern weiterführender Schulen genehmigt, und es ist für den Teilnehmer viel schwieriger, sein kreatives Versagen und seine Fehler zu erkennen. So entstehen Hindernisse dieser Art bei der Beherrschung der Ausdrucksmittel, die der Leiter alleine bewältigen muss und sich dabei auf die Erfahrungen anderer Lehrer und Laientheatergruppen stützen muss. Und der Bedarf, solche Erfahrungen zu präsentieren, ist gerade für die Besonderheiten einer laienhaften kreativen (Theater-)Gruppe enorm, da Berufsgruppen im Laufe der langen Entstehungsgeschichte des professionellen Theaters ihre eigenen Methoden zur Überwindung kreativer, physischer und psychischer Hindernisse entwickelt haben, ihre eigene Hebel der Kontrolle und Interaktion mit dem Schauspieler.

Neben dem professionellen (schauspielerischen) Einsatz von Fähigkeiten und Ausdrucksmitteln, modernes Leben bietet einer Person die Möglichkeit, sich in anderen Bereichen der Kunst, des Journalismus, des Fernsehens, des Radios usw. zu verwirklichen. Natürlich könnten Ausdrucksmittel eine führende Rolle bei der Entwicklung der Teilnehmer zu Führungskräften spielen. Das. Die Entwicklung der schauspielerischen Ausdruckskraft ist ein wesentlicher Bestandteil der Entwicklung einer harmonischen Persönlichkeit. Daher werden an Lehrkräfte, die an der Entwicklung schauspielerischer Ausdrucksfähigkeit beteiligt sind, erhöhte Anforderungen an Wissen, Fähigkeiten und Arbeitsmethoden gestellt.

Es gab praktisch keine einzige theatralisch-wissenschaftliche und praktische Konferenz, bei der nicht die Probleme der Beherrschung der Ausdrucksmittel angesprochen wurden. So im Wissenschafts- und Produktionskomplex „Förderung von Prof. „Level of Directors of Professional and Amateur Theatres“, der im Dezember 2001 in Moskau stattfand, wurde besonderes Augenmerk auf methodische Fragen und Schulungen des Moskauer Theaters gelegt Landesinstitut Kultur, RATI (Moskau), LGITMiK (St. Petersburg), Theaterschule. Shchukina (Moskau) usw.; Es wurden Videomaterialien von Kursen zur Beherrschung von Ausdrucksmitteln vorgeführt.

Der Fähigkeit, Bewegung in Aktion umzusetzen, kommt heute in Laientheatergruppen aufgrund der Besonderheiten der Probenpraxis eine besondere Bedeutung zu. Die Entwicklung des Regieberufs regelte die Freiheit des Schauspielers bei der Gestaltung der plastischen Darstellung der Rolle erheblich. Starrheit, kalkulierte Präzision der Form der Aufführung, gegebene Rhythmik, Tempo, Plastizität, oft unterstützt durch die Unerbittlichkeit der musikalischen Gestaltung (und sogar auf Tonband aufgezeichnet!) – all das ist charakteristisch für die Aufführungen von Laientheatergruppen der letzten Jahre ... Improvisation – in engen „Rahmen“, Inspiration – „im Zeitplan“ – das sind die heutigen professionellen Anforderungen an die Schauspieltechnik. Und aus dieser Perspektive spielen die Entwicklung geistiger Bewegungsfähigkeiten und die Stabilität der Reflexverbindung des muskulären Bewegungsapparates eine große Rolle.

In verschiedenen Wissenschaftszweigen hat sich so viel experimentelles Material angesammelt, dass wir über die Schaffung eines methodischen Lehrsystems und dessen Zusammenführung im Rahmen des Sonderpädagogikunterrichts sprechen können. Bildungsinstitutionen.

„Der Prozess der Beherrschung von Ausdrucksmitteln“ ist Gegenstand dieser Studienarbeit.

Gegenstand ist die Auseinandersetzung mit „Problemen der konzeptionellen und praktischen Beherrschung von Ausdrucksmitteln in einer Laientheatergruppe“.

Ziel: Erforschung der Probleme der konzeptionellen und praktischen Beherrschung von Ausdrucksmitteln in einer Laientheatergruppe.

Methodisch: Identifizieren Sie die methodischen Grundlagen der Ausbildung und Beherrschung der Ausdrucksmittel eines Mitglieds einer Amateurgruppe;

Identifizieren und demonstrieren Sie die methodische Spezialisierung der allgemeinen Methodik, die sich auf die Beherrschung von Ausdrucksmitteln konzentriert;

Psychologisch und pädagogisch: Offenlegung der wissenschaftlichen Aspekte des Ansatzes zur Schulung der Ausdruckskraft eines Schauspielers in einer Laientheatergruppe;

Historiographisch: Studienansätze zu diesem Thema in Forschungsarbeiten in unterschiedlichen Zeiträumen und auf unterschiedlichen historischen Etappen;

Soziokulturell: Begründen Sie die soziokulturelle Bedeutung des Studiums dieses Themas für die Theaterbewegung, die Theaterpädagogik und für die Persönlichkeitsentwicklung sowohl eines Lehrers als auch eines Teammitglieds;

Verwendete Problemforschungsmethoden:

1. Methode der theoretischen Analyse;

2. Methode der pädagogischen Gestaltung;

Kapitel 1. Theorie der Ausdrucksmittel des Schauspielers.

Konvention des Theaters

Der grundlegende Faktor für die Existenz von Kunst ist die Fähigkeit einer Person (Betrachter), die Konventionen der Kunst wahrzunehmen.

Mann kommt zu sich Kunstausstellung Als er das Bild vor seinen Augen genau betrachtet, sieht er ein chaotisches „Pandämonium“ aus Ölstrichen oder grafischen Strichen. Wenn sich eine Person jedoch etwas von der Leinwand entfernt, erscheint vor ihren Augen ein Panorama des Lebens mit sich bewegenden Menschen, grünen Bäumen, Häusern, einem Sonnenuntergangshimmel usw.

Künstler Chinesisches Gemälde Mit wenigen Pinselstrichen kann er einen sprungbereiten Tiger oder einen unter Wasser schwimmenden Fisch darstellen. Das System der grafischen Zeichen verschmilzt in der menschlichen Vorstellungskraft zu einem einzigen Bild.

Dies ist das psychologische Gesetz der menschlichen Wahrnehmung, wenn er in der Lage ist, die fehlenden Elemente zu vervollständigen (darzustellen, zu spekulieren) und nur das vorgesehene, hypothetische Bild der Realität vollständig wiederherzustellen.

Hier ist ein Beispiel für die Wahrnehmung einer Übung zum Gedächtnis körperlicher Handlungen aus der Praxis von K.S. Stanislavskys Unterricht mit Studiostudenten: „... Er (K.S.) suchte zuerst nach der Bewegung der Finger, die einen greifen sollten imaginäre Kirsche; dann habe ich mehrmals versucht, andere anhaftende Beeren davon zu lösen; Schließlich nahm er eine Kirsche aus der Tüte, untersuchte sie, wischte vorsichtig den Staub davon, schüttelte einen Fleck ab, der übrigens lange nicht abgeschüttelt werden wollte, und steckte diese Kirsche in den Mund ; dann zerdrückte er es im Mund, schluckte den Saft herunter, drückte den Knochen mit der Zunge heraus ...

Lachend ertappte uns Konstantin Sergejewitsch dabei, wie wir ihm folgten und unwillkürlich Schluckbewegungen machten: Die Übung wurde so zuverlässig ausgeführt, dass wir buchstäblich „sabberten“. (46, 86)

Schon während der Lektüre dieser sequentiellen Handlungsbeschreibung stellt sich der Leser alles vor, was geschieht, und erwirbt vom Leser ergänzte und vermutete Details, auf denen die Leistungen des Lesers basieren. „Erzählen Sie mit Ihren Augen, nicht mit Ihren Ohren“ – genau das hat Stanislavsky den Studiostudenten in Bühnensprachkursen beigebracht.

2. Konvention der Aufführung und des Genres.

Der herausragende Regisseur und Lehrer G.A. Tovstonogov hat die Kategorie des Bühnenbildes theoretisch und praktisch verstanden und dieses Konzept in seine Bestandteile zerlegt. Eine der Komponenten ist die Fiktion, die durch ein System von Zeichen entsteht, die Phänomene der realen Welt bedeuten. In der Aufführung werden solche Zeichen bestimmte Techniken künstlerischer Konvention sein. Wenn es dem Regisseur gelingt, alle oben genannten Komponenten harmonisch wieder zu vereinen, dann gemäß den Gesetzen künstlerische Wahrnehmung Es soll eine ansteckende Wirkung im Zuschauerraum entstehen.

Die harmonische Einheit der Bestandteile des Bühnenbildes der Aufführung sowie die Differenz dieser Beziehungen sind stets in größtmöglicher Einheit mit dem Genrebegriff zu betrachten. Je höher beispielsweise der Konventionsgrad des Genres ist, desto wichtiger wird die Wahl der Ausdrucksmittel. In Stücken mit einem hohen Grad an Konventionalität des Genres manifestiert sich der „Hintergrund“ durch die klanglichen, plastischen und visuellen Aspekte der Aufführung. Die Kommunikation mit dem Zuschauer nimmt einen eher konventionellen Charakter an (Kommunikation direkt mit dem Publikum, Kommunikation zwischen Partnern im Publikum untereinander, Zongs usw.). Einschätzungen von Ereignissen und Fakten werden „sichtbarer“. Der Alltag lässt Übertreibungen, Übertreibungen und manchmal auch Deformationen zu – alles hängt vom Grad der Konvention in den Werken eines bestimmten Genres oder eines bestimmten Autors ab.

3. Psychologie der Publikumswahrnehmung.

Künstlerische Konventionen dienen als einer der Bestandteile des Bühnenbildes der Aufführung der Aufgabe, eine bestimmte Beeinflussung der Wahrnehmung des Publikums zu erreichen und tragen zur Schaffung einer einheitlichen psychologischen Wahrnehmungshaltung bei. Das gesamte System der Organisation künstlerischer Konventionen in einer Aufführung sollte auf ein Ziel abzielen: das Erwecken bestimmter Lebensassoziationen (assoziatives Feld) im emotionalen Gedächtnis des Betrachters. Das assoziative Feld aktiviert die Vorstellungskraft des Betrachters und lenkt die Aufmerksamkeit auf die Wahrnehmung semantischer Implikationen. Die semantischen Implikationen des Bildes, d.h. Die innerste Bedeutung der Episoden der Aufführung entsteht im Kopf des Betrachters in den Momenten der Wahrnehmung der Techniken der künstlerischen Konvention, als bedingungslose Schlussfolgerung in der Vorstellung des Betrachters. Im Kopf entstehen phänomenale Phänomene, die über das vom Regisseur vorgeschlagene Bild hinausgehen. (Aufbereitungsprobleme 90, 30).

Von der Ära des griechischen Theaters bis heute haben die Ausdrucksmittel bedeutende Veränderungen erfahren. Es gab Veränderungen in buchstäblich allen Bereichen der Ausdruckskraft:

In der Inszenierung – von der statischen Inszenierung, bei der der Schauspieler dem Publikum zugewandt ist, über halbfreie Bewegungen auf der Bühne bis hin zur „hinteren“ Inszenierung;

Im Einsatz von Bühnenkämpfen vom Fechten mit Schwertern und Dolchen in Shakespeares Theater, mit Zweihandschwertern in Ibsens Sagen bis hin zu Boxfiguren in Theaterstücken amerikanischer Autoren der 20er Jahre usw.;

Von den langwierigen, „heulenden“ oder pathetischen Intonationen des französischen Theaters bis hin zum Stadium des naturalistischen Gemurmels des Textes frühe Jahre Moskauer Kunsttheater, die Jahre der Entstehung des „Stanislawski-Systems“, zu einer absolut vielfältigen Form der Intonation und Stimmführung;

Die Stadien der skurrilen Clownerie der Commedia dell'arte, der realistischen bildenden Künste von Stanislavsky, der Biomechanik von Meyerhold, der plastischen und inszenierten Zeichnung von Wachtangow bis hin zu den psychedelischen bildenden Künsten von Merzoev und Adasinsky sind vorbei.

Der Einsatz der gesamten Vielfalt an Ausdrucksmitteln in einer Laientheatergruppe (ATC) hängt unter anderem vom Horizont des Leiters in Fragen der Geschichte der Ausdrucksmittel und der Geschichte des Theaters ab.

4. Arbeiten Sie am Bild

So wie eine Farbe oder ein Strich kein Ausdrucksmittel sein kann, unabhängig von ihrer Kombination mit einer anderen Farbe oder einem anderen Strich in der Malerei, kann ein Ausdrucksmittel nicht als eigenständiges Phänomen, isoliert, außerhalb des Kontexts des Werks existieren. Daher ist eine Kette (Partitur) von Ausdrucksmitteln erforderlich, die das Wesen des Bildes, seine Rolle im gesamten Gefüge der Aufführung zum Ausdruck bringt. Wie diese Kette zu existieren beginnt – erfunden vom Produktionsleiter, programmiert oder geboren vom kreativen und körperlichen Apparat des Schauspielers selbst – hängt davon ab, an welche methodischen Prinzipien der Arbeit an der Aufführung sich der Leiter des LTK, der Regisseur, hält. Der Ansatz beeinflusst die Anforderungen des Regisseurs an seinen Schauspieler, die Ausbildung, die Proben, die Formen der Szenenlösung und den Prozess der Bearbeitung des Bildes, seines äußeren Ausdrucks.

In der Lehrliteratur zum Können eines Schauspielers wird oft ein Beispiel aus der Geschichte von A.P. Tschechow genannt, als der alte Mann zuerst stampfte und dann wütend wurde. So brachten die von außen ausgeführten primären Ausdrucksmittel – die Handlung einer Geste – die Figur in einen bestimmten emotionalen Zustand. Experimente im Rahmen von Trainings mit Studierenden zeigten, dass äußere Veränderungen der Mimik oder Körperhaltung, gesteuert durch die Aufgaben des Trainers, zu Veränderungen im Innenleben der Schauspielerfigur führen. Der Schauspieler beschrieb sie, indem er den sich ändernden inneren Zuständen zuhörte. In diesem Fall wurde das Ausdrucksmittel in Form einer Gesichtsgrimasse oder einer Körpergeste (Position) (also eigentlich ein Komplex von Ausdrucksmitteln) entlang dieser Bezugspunkte in ein bestimmtes Bild des Charakters, seinen Zustand, phantasiert und die Situation, in der er sich befindet. Die Charaktere der Schüler drehten sich entweder wütend um oder suchten aufmerksam nach etwas unter ihren Füßen (jeder hatte sein eigenes Suchobjekt) oder beobachteten misstrauisch „Passanten“ usw. - d.h. mit einer bestimmten Färbung gehandelt. (siehe Kapitel 5)

Michail Tschechow entwickelte ein ganzes System der Suche nach dem Kern einer Rolle anhand einer Kette von Körpergesten, ein System der „psychologischen Geste“. (siehe Kapitel 5)

Oft werden Fälle beschrieben, in denen das richtige Make-up sofort das bildliche Geheimnis der Rolle enthüllte. K.S. Stanislavsky gibt das folgende Beispiel: „Ich beschloss, mich mit Hilfe einer grünlichen, fiesen Salbe, die neben mir stand, auszuziehen und zu entfernen... Ich habe sie verschmiert... Alle Farben verschwimmen, wie mit Wasser angefeuchtete Wasserfarben... Das Ergebnis war ein grünlich-grau-gelblicher Gesichtston, genau wie ein Anhänger für das Kostüm... Ich habe die gleiche Salbe zuerst auf den Bart und den Schnurrbart geschmiert, und dann auf die ganze Perücke... dieses Mal wusste ich es schon... .Wer derjenige war, den ich porträtierte, was für ein Mensch er war.

Während ich auf den Stift wartete, ging ich durch den Raum und spürte, wie alle Körperteile, Gesichtszüge und Gesichtslinien auf natürliche Weise die richtige Position und Bestätigung fanden.

Gleich an der Tür traf ich Iwan Platonowitsch.

Wer ist das?! - brach er unwillkürlich aus, als er mich sah. - Bist du es, Nazvanov? Wen porträtieren Sie?

K r i t i k a n a! - Ich antwortete mit einer Art knarrender Stimme und einer stacheligen Diktion.

Welcher Kritiker?...

Welcher Kritiker? - fragte ich noch einmal mit dem unverhohlenen Wunsch, zu beleidigen ...

Ich packte die Feder und drückte sie mitten zwischen meine Lippen. Dadurch wurde der Mund schmal, wie ein Schlitz, gerade und wütend ...“

Weiter wird beschrieben, wie die „Kritikerin“ Nazvanova ein Gespräch mit dem Lehrer Tortsov führte und sich dabei fast hinter dem Kamin versteckte. Somit stellte das allgemeine Gefühl des Ganzen ein meso-szenisches Ausdrucksmittel dar, das viel über diese Figur aussagt.

Genauso präzise ausgewählt Titellied Charakter, kann sofort (!) den gewünschten Gang, die gewünschte Geste, die gewünschte Sprechweise, das Kostüm, das Make-up, die Zustände und andere Ausdrucksmittel vorgeben.

Die geistigen Fähigkeiten eines talentierten Schauspielers sind so beschaffen, dass die Körnung einer Rolle oder eines Bildes sofort wie ein Blitz erscheinen und ein Gefühl für das Leben der Figur vermitteln kann, sowohl den Bereich der Empfindungen und Vorstellungskraft selbst als auch das Körperliche Apparat, der „ohne Anstrengung Ausdrucksmittel ausgibt“.

Kapitel 2. Allgemeine Fragen der Methodik zur Beherrschung der Ausdrucksmittel in einer Laientheatergruppe.

Maria Alexandrowna Kaliberova
„Ausdrucksmittel der Theateraufführung“

Eigenschaften Theaterspiele:

Literarische oder folkloristische Grundlage ihres Inhalts;

Verfügbarkeit von Zuschauern

Zwei Hauptgruppen Theaterspiele:

Dramatisierungen

Direktor

In Dramatisierungsspielen spielt das Kind eine Rolle als "Künstler", erstellt mithilfe des Komplexes selbstständig ein Bild Mittel verbal und nonverbal Ausdruckskraft.

Arten von Dramatisierungen:

Spiele, die Bilder von Tieren, Menschen und literarischen Figuren imitieren;

Rollenspieldialoge basierend auf Text;

Inszenierung von Werken;

Inszenierungsaufführungen basierend auf einem oder mehreren Werken;

Improvisationsspiele mit Handlungsspiel (oder mehrere Geschichten) ohne vorherige Vorbereitung.

Im Spiel des Regisseurs „Künstler“ sind Spielzeug oder deren Ersatz, und das Kind organisiert Aktivitäten wie„Drehbuchautor und Regisseur“, steuert „Künstler“. „Stimme“ Er verwendet verschiedene Charaktere und kommentiert die Handlung Mittel des verbalen Ausdrucks.

Arten von Regiespielen:

Desktop;

Planar;

Volumen;

Marionette (Bibabo, Finger, Puppen);

Veröffentlichungen zum Thema:

Entwicklung des Kindes bei Theateraktivitäten„Das Theater ist magische Welt Er gibt Unterricht in Schönheit, Moral und Ethik. Und je reicher sie sind, desto erfolgreicher verläuft die Entwicklung der geistigen Welt.

Magnetischer Tisch zur Verwendung bei Theateraktivitäten sowohl durch einen Lehrer als auch bei unabhängigen Aktivitäten von Kindern. Ziele und Vorteile: Schaffen.

Seminar über Theateraktivitäten Meisterkurs über Theateraktivitäten von Irina Aleksandrovna Gryakolova Zweck: Präsentation von Erfahrungen bei der Entwicklung kreativer Fähigkeiten.

GCD für Theateraktivitäten in der Seniorengruppe. Thema: „Theater im Leben von Kindern.“ Programminhalt: - Eltern einbeziehen Gemeinsame Aktivitäten; - Kinder zur aktiven Teilnahme ermutigen.

„Zayushkinas Hütte“ ist ein lautes Märchen. Zusammengestellt vom Musikdirektor von MADOU d/s Nr. 1 Art. Pavlovskaya, Region Krasnodar Shevchenko Ekaterina.

Mittel und Wege zur Steigerung der Spielaktivität von Kindern Artikel zum Thema: Mittel und Wege zur Steigerung der Spielaktivität von Kindern. Für die Entwicklung der Spielaktivität ist es erforderlich, dass Kinder...

Entwicklung von Theateraktivitäten in vorschulischen Bildungseinrichtungen Ziel: Interesse und Lust auf eine Theateraufführung wecken. Ziele: 1. Bereicherung der Entwicklung kohärenter Sprache bei der Formulierung eines Plans.

„Zuallererst ist es notwendig, dass der Kindergarten mehr Freude bereitet, damit die Erinnerungen daran mit der Idee von etwas Hellem verbunden sind.“ N.K.

A) Text . Die Grundlage der Theateraufführung ist Text. Dies ist ein Theaterstück für eine dramatische Aufführung; in einem Ballett ist es ein Libretto. Der Prozess der Arbeit an einer Aufführung besteht darin, den dramatischen Text auf die Bühne zu übertragen. Ergebend literarisches Wort zum Bühnenwort werden.

B) Bühnenraum . Das erste, was der Betrachter sieht, nachdem er den Vorhang geöffnet (aufgezogen) hat, ist Bühnenraum, die beherbergt Landschaft. Sie geben den Ort der Aktion an historische Zeit, spiegeln die Nationalfarbe wider. Mit Hilfe räumlicher Konstruktionen können Sie sogar die Stimmung der Charaktere vermitteln (z. B. in einer Leidensepisode des Helden die Szene in Dunkelheit tauchen oder den Hintergrund mit Schwarz überdecken).

C) Bühne und Zuschauerraum . Seit der Antike wurden zwei Arten von Bühnen und Zuschauerräumen gebildet: Logenbühne und Amphitheaterbühne.Die Logenbühne verfügt über Ränge und Stände, und die Amphitheaterbühne ist auf drei Seiten von Zuschauern umgeben. Derzeit werden weltweit zwei Typen verwendet.

D) Theatergebäude . Seit der Antike wurden Theater auf den zentralen Plätzen der Städte gebaut. Architekten strebten danach, dass Gebäude schön sind und Aufmerksamkeit erregen. Wenn der Zuschauer ins Theater kommt, ist er vom Alltag losgelöst, als würde er sich über die Realität erheben. Daher ist es kein Zufall, dass oft eine mit Spiegeln verzierte Treppe in den Flur führt.

e) Musik . Trägt dazu bei, die emotionale Wirkung einer dramatischen Aufführung zu verstärken Musik. Manchmal wird es nicht nur während der Aktion, sondern auch in der Pause gespielt, um das Interesse des Publikums aufrechtzuerhalten.

F) Schauspieler . Die Hauptfigur des Stücks ist Schauspieler, wodurch ein künstlerisches Bild einer Vielzahl von Charakteren entsteht. Der Dialog der Schauspieler besteht nicht nur aus Worten, sondern auch aus einem Gespräch über Gesten, Körperhaltungen, Blicke und Mimik. Die Konzepte von Schauspieler und Künstler sind unterschiedlich. Schauspieler ist ein Handwerk, ein Beruf. Das Wort Künstler (englisch art – art) bedeute nicht die Zugehörigkeit zu einem bestimmten Beruf, sondern zur Kunst im Allgemeinen, betont es hohe Qualität Fähigkeit. Ein Künstler ist ein Künstler, unabhängig davon, ob er im Theater spielt oder in einem anderen Bereich (Kino) arbeitet.

G) Direktor . Damit das Bühnengeschehen als Ganzes wahrgenommen wird, ist es notwendig, es durchdacht und konsequent zu organisieren. Diese Aufgaben werden wahrgenommen von Direktor. Der Regisseur ist der Hauptorganisator und Leiter einer Theaterproduktion. Arbeitet mit dem Künstler (Schöpfer des visuellen Bildes der Aufführung), mit dem Komponisten (Schöpfer der emotionalen Atmosphäre der Aufführung, ihrer musikalischen und klanglichen Lösung), dem Choreografen (Schöpfer der plastischen Ausdruckskraft der Aufführung) und anderen zusammen. Der Regisseur ist Regisseur, Lehrer und Lehrer des Schauspielers.

Abhängig von den Vorteilen bestimmter Bühnenausdrucksmittel werden unterschieden: Theaterarten

1. Schauspieltheater. Das wichtigste Ausdrucksmittel ist das Wort (nicht umsonst wird dieses Theater manchmal auch Gesprächstheater genannt). Die Bedeutung des auf der Bühne stattfindenden Geschehens und die Charaktere der Figuren werden mit Hilfe von Wörtern offenbart, die einen Text (prosaisch oder poetisch) bilden.

2. Oper(erschien an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Florenz). In der Oper kommen die Konventionen des Theaters besonders deutlich zum Ausdruck (im Leben singt man nicht, um über seine Gefühle zu sprechen). Das Wichtigste in der Oper ist die Musik.

3. Balletttheater(gegründet im 16. Jahrhundert auf der Grundlage von Höflingen und Volkstänze). Das Wort „Ballett“ selbst kommt vom spätlateinischen ballare – tanzen. Im Ballett werden die Ereignisse und Beziehungen der Figuren durch Bewegungen und Tänze erzählt, die die Künstler zu der darauf basierenden Musik aufführen Libretto (italienisches Libretto – literarischer Text einer Oper oder Drehbuch für Ballett und Pantomime, das den Inhalt – den Handlungsablauf auf der Bühne) festlegt.

DAZWISCHENLIEGENDArten von Theatern.

4. Operette(erschien in Frankreich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts). Die Handlungen sind meist komödiantisch, mit gesprochenen Dialogen, unterbrochen von Gesang und Tanz. Manchmal haben Musiknummern keinen Bezug zur Handlung und sind Zwischenspiele.

5. Musikalisch(erschien Ende des 19. Jahrhunderts in den USA). Hierbei handelt es sich um ein Bühnenwerk (sowohl komische als auch dramatische Handlung), das Formen der Pop-Art, des dramatischen Theaters, des Balletts und der Oper sowie des Alltagstanzes verwendet. Das Musical ist Kunst für jedermann. Die Handlungen sind meist einfach und die Melodien werden oft zu Hits.

6. Pantomime. Die älteste Art von Theateraufführungen, die ihren Ursprung in der Antike hat (griechisch „pantOmimos“ – alles, was durch Nachahmung reproduziert wird). Moderne Pantomime sind Darbietungen ohne Worte: Dabei handelt es sich entweder um kurze Nummern oder um eine umfangreiche Bühnenhandlung mit Handlung. Anhänger dieser Art von Theater glauben, dass eine Geste wahrer und heller ist als ein Wort.

7. Kabaretttheater(erschien Ende des 19. Jahrhunderts in ganz Europa) ist eine Kombination aus Theater-, Bühnen- und Restaurantgesang. Der Keller ist wie etwas Ungewöhnliches, ein wenig Verbotenes, Unterirdisches. Mit Kabarettaufführungen ( kurze Sketche, Sketche oder Lieder) verbanden sowohl das Publikum als auch die Darsteller ein besonderes Erlebnis – ein Gefühl uneingeschränkter Freiheit.

8. Puppentheater. Eine besondere Art der Theateraufführung. Es erschien in Europa während der Antike. Im antiken Griechenland und Rom wurden Hausaufführungen durchgeführt. Bei den Aufführungen handelt es sich ausschließlich um Puppen oder Puppen mit Puppenspielern (Schauspielern). Am häufigsten werden Puppen mit Fäden, Handschuhen und Stöcken gesteuert.

Eine Sonderform des Puppentheaters ist das Puppen- und Holzpuppentheater.

9. Eine besondere Art von Theater Kindertheater. Eine der ersten Kinderproduktionen war das Werk des Moskauer Kunsttheaters. Im Jahr 1908 inszenierte Stanislawski das Märchenstück „Der blaue Vogel“. Diese Inszenierung bestimmte den Entwicklungsweg der darstellenden Künste für Kinder – solches Theater muss für ein Kind verständlich, aber auf keinen Fall primitiv sein.

Varieté-Theater.

11. Theater der Miniaturen ist eine Gemeinschaft von Künstlern, die kleine Kunstformen (Monolog, Vers, Skizze) bevorzugen. Das Repertoire des Theaters besteht aus kleinen Einaktern und Theaterinszenierungen komödiantischer und satirischer Genres, die von grotesken und parodistischen Tendenzen geprägt sind.

12. Plastisches Theater– ein Theater, das die Ausdrucksmittel Schauspiel, Tanz, Pantomime, Zirkus, Pop und die bildenden Künste des Schauspielers nutzt. In den 30er Jahren gegründet. 20. Jahrhundert. Darüber hinaus wird der Tanz aktiv in die Plastizität dieses Theaters einbezogen, was die Entstehung einer neuen Richtung in Russland bestimmte – Tanztheater bzw Choreoplastisches Theater.

Der Regisseur löst die kreativen und technischen Probleme der Aufführung, leitet und gestaltet die Bühnenwelt. Direktor(aus dem Deutschen – verwalten) – derjenige, der verwaltet, führt. In Französisch ist ein Meister der Inszenierung.

Inszenierung(Französisch – Inszenierung auf der Bühne) ist die Position der Schauspieler auf der Bühne in jedem Moment der Aufführung. Durch den Wechsel der Inszenierungen in der vom Stück vorgegebenen Reihenfolge entsteht Bühnengeschehen. Manchmal wird ein anderer Begriff verwendet - Direktor Der Prozess der Arbeit an einer Aufführung beinhaltet die Übersetzung und Transposition eines literarischen Textes in eine spezielle Bühnensprache. Der Regisseur reproduziert, d.h. bringt das Stück mit Hilfe von Schauspielern, Bühnenbildnern, Komponisten usw. auf die Bühne, deren Handeln und Kreativität dem Plan seines Regisseurs untergeordnet sind.

Stanislawski Konstantin Sergejewitsch- Russisch Theaterregisseur, Schauspieler und Lehrer, Theaterreformer. Der Schöpfer des berühmten Schauspielsystems, das seit 100 Jahren in Russland und der Welt äußerst beliebt ist.

1898 gründete er zusammen mit Wladimir Iwanowitsch Nemirowitsch-Dantschenko das Moskauer Kunsttheater (MAT), das später in Moskauer Kunsttheater umbenannt wurde akademisches Theater(Moskauer Kunsttheater).

Die Hauptsache in Bühnenethik eines Schauspielers- die Lehre von der Kunst, die den Betrachter erziehen und veredeln soll. Zur allgemeinen Ethik gehören: Staatsbürgerschaft und Patriotismus des Schauspielers, Humanismus, Adel und harte Arbeit. Ethik ist die Lehre einer kreativen Disziplin; es handelt sich um künstlerische moralische Standards, nach denen ein Schauspieler geformt wird und ohne die kollektive Kreativität unmöglich ist.

Berühmte Sprüche K.S. Stanislawski:

"Ich glaube nicht!"

„Liebe die Kunst in dir selbst, nicht dich selbst in der Kunst“

„Es gibt keine kleinen Rollen, es gibt kleine Künstler.“

„Husten Sie, bevor Sie das Theater betreten, und lassen Sie nach dem Betreten nicht zu, dass jemand in alle Ecken spuckt.“

Bücher von K.S. Stanislawski:

Mein Leben in der Kunst

Die Arbeit eines Schauspielers an sich selbst

Stanislavsky-System – höchste Errungenschaft Theaterkultur, das einen großen Einfluss auf die darstellenden Künste der Welt hatte. Theorie und Praxis der „Kunst des Erlebens“ fanden im System von K.S. Stanislavsky umfassenden Ausdruck.

Die Kunst eines Schauspielers ist die Kunst, ein Bühnenbild zu schaffen, eine Art darstellende Kreativität. Das Material für die Bilderzeugung sind die natürlichen Daten des Schauspielers: Sprache, Körper, Bewegungen, Mimik, Emotionalität, Beobachtung, Vorstellungskraft, Gedächtnis usw.

Aufgabe Stanislavskys System ist die Beherrschung des normalen menschlichen Wohlbefindens und Verhaltens, das es Ihnen ermöglicht, auf der Bühne nach denselben Gesetzen zu denken, zu handeln und zu fühlen, nach denen jeder Mensch im wirklichen Leben denkt, handelt und fühlt. Um dies zu erreichen, muss der Schauspieler an seiner Verbesserung arbeiten intern Und extern Technologie.

Aufgabe intern Techniken sind die Beherrschung des Wohlbefindens eines Schauspielers: Aufmerksamkeit, Muskelfreiheit, Vertrauen in die vorgeschlagenen Umstände, Einschätzung der Tatsache, Rhythmusgefühl, Handlungsbereitschaft, Kommunikation.

Aufgabe extern Techniken: den Körper des Schauspielers an innere Impulse anpassbar machen, Stimmentwicklung, plastische Kultur, Rhythmusgefühl.

Basic Abschnitte Stanislavsky-Systeme:

die Arbeit des Schauspielers an sich selbst

die Arbeit eines Schauspielers an einer Rolle

Ethik(Unterricht über kreative Disziplin)