Primitivismus - ein im 19. Jahrhundert entstandener Malstil, der eine bewusste Vereinfachung des Bildes beinhaltete und seine Formen primitiv machte, wie die Werke der Urzeit.

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Die Malerei als individuelle Angelegenheit, die vollständig vom Autor selbst ausgeführt wurde, war die erste, die sich diesen Zustand zunutze machte, entschiedener und weiter als andere mit der Routine brach und sich von akzeptierten ästhetischen Stereotypen entfernte.

Die Richtung dieser Bewegung – der Übergang vom Naturalismus zur Konvention, von der Raffinesse zur Vereinfachung, von der modernistischen Raffinesse zum Primitivismus – war dieselbe wie in Europäische Kunst. Die Analyse zeigt, dass die Ursprünge dieses Trends außerhalb der russischen Kunsttradition liegen.

Allerdings werden in der Hinwendung zum Primitivismus schon von Beginn an mehr oder weniger zwei gegensätzliche Tendenzen unterschieden. Der erste trägt implizit die Idee der Vereinfachung (im Rousseauschen Sinne) und entspricht dem Konzept des „Primitiven“. Die zweite, in einem frühen Stadium ununterscheidbare, drückt sich ebenfalls in verallgemeinerten, konventionellen Formen aus, ihr Ziel ist jedoch eine lakonische Form als solche, die Verallgemeinerung der Form, ihre Vereinfachung. Im ersten Sinne hat der Primitivismus unserer Avantgarde seine Grundlagen in der russischen Mentalität, in den Besonderheiten seiner bäuerlichen Lebensweise, in der Mythologisierung seines eigenen Volkes, in Tolstois Vereinfachungspredigten.

Die Unähnlichkeit sowohl zur deutschen als auch zur französischen Version ist offensichtlich. Dort beginnt es mit einem Appell an die „primitive“ Kunst Ozeaniens und Afrikas. Hier - von einem Appell an verschiedene Formen der russischen Tradition künstlerische Kultur: zu städtischer Folklore, Ritualen, Nationalkleidung, Architektur, populären Drucken, Volksspielzeug usw. Diese Elemente werden auf unterschiedliche Weise von Künstlern wie Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova und anderen verwendet. Die Bilder von Bauern in Goncharova und Malewitsch haben einen gemeinsamen Ausgangspunkt . In den Werken von K. Malevich, die 1910 auf der Ausstellung „Jack of Diamonds“ präsentiert wurden, ist der Einfluss des eigentümlichen Primitivismus der fauvistischen Farbgebung spürbar, der für die Arbeit von N. Goncharova aus dem 20. Jahrhundert charakteristisch ist. Einige Werke (z. B. Walking, 1910) ermöglichen es uns, hier über den Einfluss Gontscharowas auf Malewitsch zu sprechen frühe Periode. Das weitere Schicksal der Tendenzen, in denen sich das Werk dieser Künstler entwickelt, lässt jedoch erkennen, dass die Ähnlichkeit ihrer frühen Werke täuscht. Diese embryonale Ähnlichkeit bleibt in entwickelten Formen nur teilweise erhalten.

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Der Begriff „Primitivismus“ in der Malerei ist nicht so einfach. Erstens sind sich Kunsthistoriker bei der Entschlüsselung ihrer Bedeutung nicht immer einig. Darüber hinaus wird alles durch das Vorhandensein von Synonymen belastet, mit denen es bezeichnet werden kann. Oder gar keine Synonyme – je nachdem, welchen Standpunkt man vertritt.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Löwe und Sonne

Lassen Sie uns die Konzepte verstehen

Im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert waren einige fortschrittlich Europäische Künstler Sie beginnen, verrückt nach der Ausdruckskraft und Kürze der Artefakte primitiver Kulturen zu werden. Die einfache und grobe Naivität afrikanischer Ritualmasken und Holzfiguren scheint ihnen eine einfache und offensichtliche Antwort auf die Suche nach Wegen zu sein, die Gefühllosigkeit und Stagnation in der akademischen Malerei zu überwinden. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Impressionismus bereits seine frühere Frische und Skandalität verloren und konnte daher nicht für sich beanspruchen, die Grundfesten zu erschüttern.

Zu den Werken primitiver Kulturen – den Vorfahren moderner primitivistischer Meisterwerke – gehören sowohl prähistorische Felsmalereien oder Steinidole als auch Kulturelle Traditionen moderne Stammesvölker, die Afrika, Ozeanien und dergleichen bewohnen. Afrikanische Masken wie diese waren ein entscheidender Faktor für die Entstehung vieler Avantgarde-Bewegungen im frühen 19. Jahrhundert.

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In einem der Koordinatensysteme wird angenommen, dass es sich um Kreativität handelt professionelle Künstler Wer über eine akademische Kunstausbildung und alle notwendigen Fähigkeiten verfügt, aber bewusst auf die Vereinfachung stilistischer und technischer Techniken setzt, um primitive Kunst nachzuahmen, gehört zum Primitivismus. Das Erbe autodidaktischer Künstler, die auf ungeschickte, kindische Art Bilder malen, wird in diesem Fall als naive Kunst bezeichnet.

In einem anderen Universum der Kunstgeschichte sind Primitivismus und naive Kunst völlige Synonyme und austauschbare Konzepte. Unter diesem Gesichtspunkt ist der Begriff „naive Kunst“ eine Art Euphemismus, der für einen größeren Wohlklang benötigt wird, im Gegensatz zum Begriff „Primitivismus“, der in vielen Sprachen eine etwas abfällige Konnotation hat.

Wir werden die zweite Version als Axiom nehmen und bedenken, dass Primitivismus sowie naive Kunst Stile sind, die die Arbeit nicht professioneller Künstler umfassen, deren Ausmaß das Fehlen bestimmter Fähigkeiten, wie z. B. der Fähigkeit, abdeckt um die Perspektive richtig aufzubauen oder Hell-Dunkel zu vermitteln.

Für das Erbe anspruchsvoller Meister, die sich kompetent mit der Stilisierung der einen oder anderen Art primitiver Kunst (z. B. antike Ikonenmalerei, ethnische Motive oder populäre Drucke) auseinandersetzen, verwenden wir den Begriff „Neo-Primitivismus“. Genau das taten Mitglieder der russischen Kunstvereine „Jack of Diamonds“ und „Donkey’s Tail“ zu Beginn des letzten Jahrhunderts.

Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch. Kinder
1908, 30,2×23,8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Bleichen von Flachs. Aus der „Bauernreihe“

Avantgardistische Künstler wie Kasimir Malewitsch, Michail Larionow und Natalja Gontscharowa ließen sich von der Volkskunst inspirieren, die ebenfalls zur primitiven Kunst zählt. Und der Begriff Neoprimitivismus wurde erstmals in einer Broschüre von Alexander Schewtschenko verwendet, die der Künstler 1913 veröffentlichte: „Neoprimitivismus. Seine Theorie. Seine Fähigkeiten. Seine Errungenschaften."

Während in Westeuropa Künstler in ihren Werken nur teilweise naive Kunsttechniken verwendeten und auf ihrer Grundlage Strömungen wie Fauvismus, Kubismus oder Expressionismus entwickelten, entwickelte sich in Russland der Neoprimitivismus zu einer bedeutenden Bewegung, aus der schließlich der Suprematismus erwuchs und Gestalt annahm. Daher verwenden westliche Kunstkritiker manchmal den Begriff Neoprimitivismus speziell in Bezug auf russische Anhänger der Ideale der naiven Kunst, die diese fleißig förderten und in die Praxis umsetzten.

Michail Fedorovich Larionov. Venus und Michael
1912, 85,5×68 cm

Laut Alexandre Benois, „Die Besonderheit des Neoprimitivismus bestand darin, dass seine Vertreter nicht nach Stilisierung, nicht nach Nachahmung strebten Volksmeister, sondern zum Ausdruck der wesentlichen Aspekte der Volksästhetik. Das anschaulichste Beispiel ist hier das Werk von Larionov, der – im Einklang mit der Volksästhetik – das Wichtige und das Unwichtige, das Hohe und das Niedrige gleichsetzt, bis zum Äußersten geht – und dabei die Prinzipien des Zaunzeichnens und der „Kasernenmalerei“ kultiviert..

Zurück zum Wesentlichen

Der Weg durch die Dornen zu den Sternen der Primitivisten wurde von so anerkannten Schöpfern wie Gauguin, Picasso und Matisse geebnet. Nachdem ich Heilung gesucht habe ernsthafte Krankheit, zu dem Gauguin die Vorteile der Zivilisation hinzufügte, ging der Künstler nach Tahiti und verschmolz dort auf jede erdenkliche Weise mit der Natur, bereicherte gleichzeitig seinen Stil mit den leuchtenden Farben einer exotischen Insel und naiven Bildern der lokalen Kultur, und andere folgten ihm.

Paul Gauguin. Tahitianische Pastoren
1898, 87,5×113,7 cm

Auch die deutschen Expressionisten Emil Nolde und Max Pechstein versuchten ihr Glück in den Weiten Ozeaniens, doch ihre Kameraden Ernst Ludwig Kirchner und Erich Heckel rekonstruierten primitive Landschaften direkt in ihren Werkstätten. Französische Künstler mussten nicht weit reisen, um sich inspirieren zu lassen; sie mussten nicht einmal Paris verlassen. Aus den französischen Kolonien in Westafrika brachten Händler allerlei ethnisches Kunsthandwerk in die Hauptstadt, das dann in Museen und kleinen Läden vertrieben wurde.

Will Gompertz im Buch „Unverständliche Kunst. Von Monet bis Banksy“ erzählt, wie der Künstler Maurice de Vlaminck unbeabsichtigt zum Auslöser für einen Ausbruch des Interesses an primitiver Kunst und in der Folge für die Entstehung einer Bewegung wie des Fauvismus wird. 1905 sah er in einem Pariser Café drei geschnitzte afrikanische Masken. Beeinflusst vom Ausdruck „instinktiver Kunst“, wie er es nannte, kaufte Vlaminck die Masken vom Besitzer des Lokals und beeilte sich, die Beute seinen Künstlerfreunden zu zeigen.

Henri Matisse. Frau mit Hut
1905, 24×31 cm

Maurice de Vlaminck. Restaurant

Andre Derain. Hafen von Colliour
1905, 72×91 cm

Henri Matisse und Andre Derain teilten Vlamincks Faszination für Van Goghs ausdrucksstarke Palette und Gauguins exotische Suche. Seine Berechnung war berechtigt: Seine Freunde betrachteten die erworbenen Artefakte als Ausdruck der Freiheit des Denkens, nicht mit den materialistischen Idealen der Zivilisation verstopft, sondern mit kindlicher Spontaneität und Naivität. Das Ergebnis des Treffens der drei Künstler war die Schlussfolgerung, dass Farbe und Emotionen auf der Leinwand im Gegensatz zum Realismus und der Authentizität des Bildes eine dominierende Bedeutung haben.

Dadurch entstanden Gemälde, in denen sie versuchten, ihre neuen künstlerischen Prinzipien so weit wie möglich zum Leben zu erwecken. Die für die damalige Zeit verrückten, mit Kombinationen aus reinen, unvermischten Farben gefärbten Leinwände, die in scharfen, getrennten Strichen aufgetragen wurden, waren so provokant, dass die Organisatoren des Salons von 1905 zunächst die Annahme von Werken zur Ausstellung ablehnten. Nur dank Matisses persönlicher Autorität war es möglich, die Teilnahme der Experimente des Trios am Salon durchzusetzen.

Dann wird es stürmische und empörte Kritiken von Kunstkritikern geben, von denen einer, wie so oft (siehe Impressionismus), der neuen Avantgarde-Bewegung den Namen geben wird – dem Fauvismus: Der ehrwürdige Kritiker Louis Vaucelle wird sagen, dass die Gemälde mit spritzen Farben wurden von wilden Tieren gemalt – „les fauves“ auf Französisch Aber das ist eine etwas andere Geschichte.

Wie Picasso Rousseau entdeckte

Auch die Malerei des vielversprechenden jungen Spaniers machte unter dem direkten Einfluss der primitiven Kunst und ihrer Bekenner einen bemerkenswerten Salto. Als Picasso das letzte Quietschen von Matisses Autorschaft sah – auffällig, anders als alle anderen Leinwände, frei von jeglichen akademischen Vorurteilen –, verlor er Ruhe und Schlaf. Ohne lange nachzudenken, geht Picasso zu Ethnographisches Museum, wo eine umfangreiche Sammlung afrikanischer Masken aufbewahrt wurde. Dort durchlief er eine Art Initiationsritus. Wer weiß, vielleicht enthielten diese Ritualgegenstände tatsächlich magische Kräfte?

„Ich war ganz allein, erinnerte sich der Künstler. - Ich wollte von dort weglaufen. Aber ich bin geblieben. Ich konnte einfach nicht gehen. Mir wurde etwas sehr Wichtiges klar; etwas passierte mit mir. Als ich mir diese Fetische ansah, wurde mir plötzlich klar, dass auch ich gegen jeden war. Ich habe auch das Gefühl, dass alles um mich herum unbekannt und feindselig ist. Als ich allein in diesem schrecklichen Museum stand, umgeben von Masken, Indianerpuppen und staubigen Schaufensterpuppen, müssen mir „Les Demoiselles d’Avignon“ erschienen sein; nicht, dass sie durch die Formen, die sie sahen, dazu veranlasst worden wären: Dieses Bild wurde meine erste Erfahrung mit Exorzismus – ja, das stimmt!"

Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907

So zwangen mehrere Stammesartefakte Picasso dazu, ein Bild zu malen, das zum Vorläufer des Kubismus und in der Folge des Futurismus und eines guten Dutzends anderer -ismen wurde. Aber ihr magischer Eingriff in das damalige Kunstleben der französischen Hauptstadt endete damit nicht. Dem Charme erliegen primitive Kunst Picasso konnte das Phänomen des aufstrebenden Sterns der naiven Kunst nicht übersehen und trug maßgeblich dazu bei, dass Paris die unprofessionellen Schöpfungen des bescheidenen Zollarbeiters Henri Rousseau ernst nahm.

Nicht haben Kunstunterricht Der Zollbeamte (wie ihn die Pariser Bohemiens nannten) hatte dennoch ernsthafte Ambitionen in der Malerei. Die kindliche Spontaneität spielte Rousseau dabei in die Hände – sonst hätte er es kaum gewagt, seine ungelenken Experimente 1986 dem anspruchsvollen Publikum des Salons der Unabhängigen vorzustellen, an dem alle interessierten Künstler teilnehmen konnten.

Ein Wunder geschah nicht; Kritiker gaben sich alle Mühe, den aufstrebenden Künstler lächerlich zu machen, der vierzig Jahre alt war und keine Ahnung von linearer Perspektive oder den Prinzipien kompositorischer Konstruktion hatte. Die Stimme des Meisters Camille Pissarro ragte aus dem harmonischen Chor des Spottes hervor und bemerkte die satten Töne von Rousseaus Gemälde.

Henri Rousseau. Karnevalsabend
1886

Das Scheitern im Salon der Unabhängigen konnte den zielstrebigen Zollbeamten nicht brechen. Im Gegenteil, er gibt seinen Job auf, um sich ganz seiner Karriere als Künstler zu widmen. Auch sein größter Bewunderer Picasso hatte uneingeschränktes Vertrauen in ihn. Eines Tages stieß er in einem Provinzladen auf ein Gemälde von Rousseau, das dort zum Preis der gebrauchten Leinwand verkauft wurde – selbst der Trödelhändler traute sich nicht, dafür einen hohen Preis zu verlangen. Der Spanier kaufte es sofort und behielt es anschließend bis ans Ende seiner Tage mit der Antwort, dass es ihm gehörte „Eingefangen wie eine Obsession... das ist eines der wahrhaftigsten Psychologische Porträts in der französischen Malerei“.

Henri Rousseau. Porträt von Jadwiga

Darüber hinaus veranstaltete er zu Ehren des seltsamen Porträts eine Dinnerparty, zu der er die gesamte Pariser Elite und den Helden des Anlasses selbst – den ersten Superstar der naiven Kunst – einlud. Picasso hängte das Gemälde des Zollbeamten an der prominentesten Stelle seines eigenen Ateliers und setzte seinen Autor auf einen Stuhl, der eher wie ein Thron aussah. Dies war ein echter Triumph für den Amateurkünstler, obwohl einige der Öffentlichkeit das Geschehen wahrscheinlich als besonders raffinierten Spott oder Scherz empfanden.

Aber nicht Picasso. Ihm wird zugeschrieben, dass er vier Jahre damit verbracht habe, das Schreiben wie Raffael zu erlernen, aber es dauerte sein ganzes Leben, bis er das Zeichnen wie ein Kind lernte. Daher bewunderte er Rousseaus Begabung, die es ihm ermöglichte, diese Phasen getrost zu überspringen und sofort mit der Schaffung primitivistischer Meisterwerke zu beginnen.

Henri Rousseau. Tiger in einem tropischen Sturm

Woraus bestehen die Gemälde der Primitivisten?

Welche Anzeichen weisen darauf hin, dass es sich bei dem, was Sie sehen, um ein Werk naiver Kunst handelt und nicht beispielsweise um das Werk eines Expressionisten, Abstraktionisten oder Vertreters einer anderen Avantgarde-Bewegung? Mark Rothko, der im Bereich des abstrakten Expressionismus berühmt wurde, suchte übrigens nach Inspiration und dem Geheimnis der Malkunst Kinderzeichnung und widmete diesem sogar ein ganzes Buch – noch bevor er begann, sich selbstlos mit der Farbfeldmalerei zu beschäftigen.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Eine Bärenmutter mit ihren Jungen
1917, 140×100 cm

Beispiele für Primitivismus zeichnen sich tatsächlich durch charakteristische Fehler aus, die Kinder beim Zeichnen machen. Es ist jedoch nicht notwendig, alle folgenden Punkte auf einem Bild zu haben. Einige Dinge konnten autodidaktische Künstler dennoch tun.

1. Fehlende lineare Perspektive: Objekte im Vordergrund sind gleich groß wie Objekte im Hintergrund, wodurch ihre räumliche Beziehung unklar wird und das Bild an Volumen verliert.

2. Hintergrunddetails werden mit der gleichen Sorgfalt behandelt wie Objekte in der Nähe. Die Konsequenzen sind die gleichen wie im vorherigen Absatz.

Großmutter (Anna Mary) Moses. Fest

3. Farben verlieren nicht an Helligkeit und Sättigung im Verhältnis zum Abstand der Objekte von der Vorderkante der Leinwand. Das Bild wird flach und ähnelt einer Postkarte.

4. Von Lichtquellen ist nichts zu sehen: Selbst wenn die Sonne im Bild ist, werden alle Flächen gleichmäßig ausgeleuchtet, Personen und Gegenstände werfen keine Schatten und auch Glanzlichter werden Sie nicht finden.

Camille Bombois. Überraschte Badegäste
1930, 65×81,5 cm

5. Verletzung der Anatomie: Proportionen des menschlichen Körpers, Fehler in der Darstellung von Tieren. Aber was ist mit Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon und vielen anderen, von deren Werken man nicht sagen kann, dass sie mit der Struktur des menschlichen Körpers überhaupt vertraut sind? Sind sie auch Primitivisten? - Nein. Wenn Sie sich ein Gemälde eines Vertreters der naiven Kunst ansehen, werden Sie feststellen, dass die Person ihr Bestes gegeben hat, und es ist diesen Bemühungen zu verdanken, dass ihre naiven Versuche, die „großen“ Künstler zu erreichen, so berührend und unwiderstehlich wirken Charme. Solche Ziele verfolgten die oben genannten Persönlichkeiten jedoch nicht, und in ihrer Liste stand schon gar nicht der Punkt „um es allen recht zu machen“.

6. Wie Kinder unterscheiden Primitivisten nicht zwischen Realität und Fantasie. In ihren Bildern können Menschen und Einhörner sicher koexistieren, nicht im Rahmen einer surrealen Fantasie, sondern als alltägliches Ereignis. Löwen auf solchen Gemälden stellen keine Gefahr für den Menschen dar und ein Hirsch kann wie ein Märchenwesen aussehen.

Iwan Generalich. Einhorn

7. Und schließlich ein grundlegender Unterschied, der eine Antwort auf die natürlich aufkommende Frage gibt, wie sich die gegenstandslosen Gemälde der Modernisten im Stil „Mein 5-Jähriger, den kann jeder besser“ unterscheiden die Schöpfungen der Primitivisten. Laienkünstler stellen Objekte mit dem Grad an Realismus dar, der ihnen aufgrund begrenzter Kenntnisse, Fähigkeiten und Fertigkeiten zur Verfügung steht. Und Vertreter der Avantgarde-Kunst versuchen ihr Bestes zu vergessen, was ihnen an Kunstschulen beigebracht wurde, oder so zu tun, als hätten sie sie überhaupt nicht besucht. Aber die Harmonie und Nachdenklichkeit der Komposition, die überzogene Symbolik oder der kulturelle Hintergrund, der tückisch durch das vorgetäuschte naive und bewusst ungeschickte Bild hindurchschimmert, werden einen Profi immer noch verraten. Ja, ja, Sie können sich abmelden, wir haben Sie trotzdem erkannt, Genosse Chagall und Herr Klee.

Mark Sacharowitsch Chagall. Alter Mann mit Brille
1950er Jahre

Paul Klee. Puppentheater
1923

Primitivismus: Spickzettel. Künstler, die im Stil des Primitivismus arbeiteten

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Oma Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Ikonische Gemälde der Primitivisten

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Schauspielerin Margarita
1909, 94×117 cm

Die Geschichte der Malerei Pirosmanis ist zur Legende geworden. Sie war es, die in den Gedichten von Andrei Voznesensky verewigt wurde, die von Raymond Pauls vertont wurden und das Lied „A Million Scarlet Roses“ schufen. Es geht um die Versuche eines armen Künstlers, das Herz der unnahbaren französischen Schauspielerin Margarita de Sèvres zu gewinnen, die 1905 in Tiflis auftrat, wo Pirosmani seinen Kopf an sie verlor. Einigen Versionen zufolge befanden sich unter dem „Blumenmeer“, das der verzweifelte Niko in das Hotel seiner Liebsten schickte, nicht nur Rosen und nicht nur scharlachrote, sondern auch Mohnblumen, Pfingstrosen, Lilien, Flieder, Akazien und andere Blumen Geschenke des georgischen Landes. Alles, was der Künstler für seine Leistung verdiente, war nur ein Kuss von Margarita. Doch viele Jahre später, nachdem sie sowohl die Massen der Fans als auch ihre frühere Attraktivität verloren hatte, kam die Schauspielerin jeden Tag in den Louvre, wo 1969 Pirosmanis Gemälde ausgestellt war, und verbrachte Stunden damit, ihr Porträt zu betrachten. So überlebte die Kunst kurzlebige Liebe und flüchtige Schönheit.

Maria Avksentievna Primachenko. Der Fischkönig hat einen Wiedehopf gefangen und freut sich
20. Jahrhundert

Grenzenlose Fantasie, kühne Farbgebung, entwaffnende Volksfarben sind nur einige der Bestandteile des Geheimnisses der scheinbar unscheinbaren Kunst eines Künstlers aus dem ukrainischen Hinterland. Wenn Sie die Gemälde von Maria Primachenko erst einmal gesehen haben, ist es unwahrscheinlich, dass Sie sie mit den Werken eines anderen Autors verwechseln können, sie sind so originell und originell. Auch im Ausland wurden sie geschätzt: Marias Werke waren ein voller Erfolg auf Ausstellungen in Paris, Warschau, Prag und anderen europäischen Städten.

Henri Rousseau. Traum
1910, 298×204 cm

„Dream“ gilt als einer der beste Gemälde Rousseau. Der Autor kommentierte sein späteres (und möglicherweise letztes) Werk wie folgt: „Jadwiga hat einen magischen Traum. Sie schlief ruhig zum Klang der Flöte eines unbekannten Verführers ein. Wenn der Mond Blumen und grüne Bäume beleuchtet, erstarren Tiere und sogar Raubtiere und lauschen den wunderbaren Klängen der Musik.“. Die Leinwand beeindruckt durch ihre technische Komplexität, und der Reichtum der Palette, den Pissarro in Rousseaus erstem Gemälde feststellte, erreicht hier seinen Höhepunkt: Es ist kein Scherz, allein mehr als zwei Dutzend Grüntöne! Selbst die scharfsinnigsten Kritiker konnten der hypnotisierenden Wirkung von „Der Traum“ nicht widerstehen, und Rousseaus Landsmann und Zeitgenosse, der Schriftsteller Andre Breton, sagte, dass das Bild „hat die ganze Poesie und alle Geheimnisse unserer Zeit in sich aufgenommen“.

Sie sind Experte, wenn:

Zögern Sie nicht, das Wort „Primitivismus“ zu sagen, wenn Sie über die mittelalterlichen Meisterwerke von Rogier van der Weyden oder Duccio di Buoninsegni sprechen.

Anhand des Pinselstrichs eines echten Primitivisten Pirosmani kann man sofort erkennen, wo eine keusche Schönheit ist und wo eine falsche „Naivität“ von Michail Larionow ist.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Ortachal-Schönheit. Rechte Seite des Diptychons

Michail Fedorovich Larionov. Jüdische Venus
1912, 147 cm

Sie sind Laie, wenn:

Sie nehmen die bewusste Vereinfachung, die bei der Erstellung von Illustrationen und Karikaturen notwendig ist, für bare Münze und halten sie für Beispiele unkomplizierten Primitivismus.

Glauben Sie, dass Primitivismus jedes Kunstwerk umfasst, das dazu verleitet, als Gekritzel bezeichnet zu werden? Tatsächlich ist Primitivismus (bewusst, auch vorsätzlich) nicht nur eine ungeeignete Form, sondern auch eine besondere Sicht auf das Wesen der Dinge: rein, spontan, kindisch oder sogar primitiv. Hinter den Gemälden von Malewitsch, Kandinsky und Mondrian stehen große, ausgereifte Theorien.

In diesem, früheren und nachfolgenden Beiträgen verwende ich Material aus Will Gompertz‘ Buch „Obscure Art“, einer Vortragsreihe im Garage Museum von Irina Kulik, Vorträgen von Dmitry Gutov, Susie Hodges Buch „Modern Art in Detail“, BBC-Dokumentationen, usw.

PRIMITIVISMUS, FAUVISMUS

In einem früheren Beitrag habe ich über den Kubismus von Picasso und Braque gesprochen. Eine der Inspirationsquellen Picassos war eine Ausstellung afrikanischer Kunst. Die Einfachheit und zugleich die ursprüngliche Kraft und Erhabenheit der Holzmasken faszinierten den Künstler. Und nicht nur er.

Tatsächlich zieht sich der Wunsch nach dieser Einfachheit wie ein roter Faden durch die gesamte Geschichte der modernen Kunst. Einerseits versuchten Künstler, den Arbeitsstil der primitiven Stämme Afrikas, Australiens und Südamerikas zu kopieren, andererseits Kinderzeichnungen.

Im Allgemeinen wurde die freudige Vorfreude auf Veränderungen, die mit der rasanten Entwicklung der Industrie in Frankreich verbunden war, schnell durch Müdigkeit aufgrund des Tempos ersetzt, das das Leben angenommen hatte.

Bereits Ende des 19. Jahrhunderts verbreitete sich die „Rückkehr zum Ursprung“-Bewegung.

In der Malerei war es, wie ich bereits schrieb, Gauguin mit seinen „tahitianischen“ Themen, flachen Bildern und reichem Symbolismus.

Paul Gauguin, Alte Zeiten, 1892

Die Bewegung, die sich für die Vereinfachung der Kunst einsetzte, nahm an verschiedene Formen. Beispielsweise sind die Werke des berühmten österreichischen Malers und Hauptakteurs der Wiener Sezessionsgesellschaft, Gustav Klimt (1862-1918), viel raffinierter und dekorativer als die von Gauguin. Klimt liebte Ornamente, Bronze- und Goldfarben und reich verzierte Kleidung. Bei der gleichen Einfachheit der Linien und der Zweidimensionalität des Bildes ist Klimts Primitivismus luxuriös.

Gustav Klimt, Erwartungen, 1909

Gustav Klimt, Apfelbaum, 1912

Gustav Klimt, Mädchen mit Fächer, 1918

Diejenigen, die als Begründer des Primitivismus des 20. Jahrhunderts gelten, lebten jedoch in Frankreich. Auch Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () und Henri Derain (1880-1954) bewunderten afrikanische Kunst. Darüber hinaus teilten sie eine Leidenschaft für satte Farben, wie in den Werken von Van Gogh. Mit den Niederländern verband sie auch die Überzeugung, dass Emotionen in einem Bild wichtiger sind als der abgebildete Gegenstand.

Durch die Kombination der Einfachheit der Stammeskunst mit satten, reinen Farben schufen sie unglaublich lebendige und fröhliche Werke. In ihnen wird Farbe dazu verwendet, Emotionen zu vermitteln und nicht, um ein reales Objekt zu beschreiben.

Maurice de Vlaminck, Der Obstgarten, 1905

Maurice de Vlaminck, Brücke von Chatou, 1907

André Deurin, Estac, 1905

André Deurin, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, Rote Zwiebel, 1906

Henri Matisse, Harmonie in Rot, 1908

„Ich habe in die Sprache der Farben übersetzt, was ich instinktiv gesehen habe, ohne die Möglichkeit zu haben, die Wahrheit zu sagen, nicht als Künstler, sondern als Person. Bis zum Ende quetschend, Röhren aus Aquamarin und Zinnober zerbrechend“, beschreibt Maurice de Vlaminck sein Werk aus dieser Zeit. Tatsächlich ist es die Farbe, die bald werden wird Visitenkarte dieses Künstlertrio. Sie beschlossen, im Salon 1905 auszustellen. Die Kritik war wie üblich heftig. Louis Vassel (ein einflussreicher Kritiker dieser Zeit) witzelte, dass die Gemälde von „wilden Tieren“ (les fauves auf Französisch) gemalt wurden.

Und obwohl weder Matisse noch Vlaminck noch Doren die Absicht hatten, sich auf irgendeine Richtung festzulegen, gefiel ihnen das Wort.

Der Fauvismus war direkt und im übertragenen Sinne ein heller Blitz am Horizont der Kunst. Tatsächlich fand diese Idee, große Flecken unverdünnter Farbe zu verwenden, die von einer einfachen Form eingerahmt werden, in den Werken vieler Künstler des 20. Jahrhunderts ihre logische Fortsetzung.

Friedensreich Hundertwasser, Der Weg zu Dir, 1966

Roy Lichtenstein, Stillleben mit Kristallvase, 1973

Wilem de Kooning, Ohne Titel 5, 1983

Doch 1905 hatte sich das Publikum noch nicht von den Neoimpressinisten erholt, und dann kam Matisse mit seiner berühmten „Frau mit Hut“.

Henri Matisse, Frau mit Hut, 1905

Ich weiß nicht, ob Madame Matisse in diesem Moment froh war, den Künstler geheiratet zu haben, denn das Porträt erwies sich als umstritten. Das auf ein paar einfache Striche reduzierte gelbgrüne Gesicht und die orangefarbenen Akzente der Haare werden nicht jedermanns Geschmack sein. Allerdings gefiel es Leo Stein, einem Sammler und Förderer zeitgenössischer Künstler. Er kaufte „Frau mit Hut“ und weniger als ein Jahr später erwarb er „Die Lebensfreude“, ein weiteres berühmtes Gemälde aus Matisses fauvistischer Zeit.

Henri Matisse, „Die Freude des Lebens“, 1906

Inspiriert von pastoralen Szenen malte Matisse Gruppen von Menschen, die sich verschiedenen Freuden hingaben: Musik, Tanz, Liebe. Und wieder ist die Hauptfigur die Farbe. Die menschlichen Figuren sind nachlässig und zweidimensional gemalt, obwohl die Komposition selbst sauber und harmonisch aufgebaut ist.

Die Handlung selbst ist nicht so neu wie der Schreibstil.

Agostino Caracci, Gegenseitige Liebe, 1602

Der Kontrast zwischen diesen beiden Werken zeigt, wie sehr sich die Wahrnehmung des Künstlers verändert hat. Es scheint, als ob Matisse herumspielt und mit dem Betrachter flirtet. Seine Lebensfreude liegt weniger in der Handlung als vielmehr im Gemälde selbst: Linie, Farbe.

Matisse träumte nach eigenen Angaben davon, dass Kunst wie „ein guter Sessel zum Entspannen“ sei. Auch als der Fauvismus der Vergangenheit angehörte, arbeitete der Künstler weiterhin nach demselben Prinzip. Seine Muse, Freundin und Begleiterin war übrigens ein Mädchen aus Tomsk - Lydia Deliktorskaya, die bis zu seinem Lebensende bei ihm blieb und ihm dann mehrere Gemälde schenkte (die Matisse ihr für ihr angenehmes Alter hinterlassen hatte). Puschkin-Museum und die Eremitage.

Ich gehe ein wenig beiseite: Kürzlich las ich Kritik an der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts, was dazu führte, dass ich die Gemälde von Matisse etwas anders betrachtete. Neben Durchbrüchen in technischen Bereichen kam es in dieser Zeit auch zu einer Stagnation in den sozialen Beziehungen. Die gewohnten Lebensformen sind ziemlich abgenutzt. Der Künstler hatte das Bild eines wohlgenährten Bürgers im Frack, der der Hauptkunde war, satt.

Der Wunsch zu brechen wurde zur Hauptantriebskraft. Die Kubisten verkörperten dieses Prinzip natürlich am deutlichsten, indem sie das vertraute Erscheinungsbild der Dinge buchstäblich zerstörten.

Aber andere Künstler, die das Geschehen wie eine Membran auffingen, spiegelten ihre Unzufriedenheit in der Malerei wider. Sie veränderten alles, was dem Durchschnittsmenschen bekannt war, zerstörten die bürgerliche Welt auf ihrer Leinwand. Der Künstler protestierte bewusst oder unbewusst gegen veraltete Konventionen. Vielleicht sind die Kontraste der Fauves kein Ausdruck der Lebensfreude, sondern eine ähnliche Herausforderung an die Realität?

Daher die grünen Gesichter der Frauen, das nachlässige/konventionelle Design. Unter diesem Gesichtspunkt ist Matisses Gemälde „Die Freude am Leben“ eher eine Ironie oder Satire auf den Hedonismus des europäischen Bürgertums, dessen gesamte Lebensfreude auf fleischlicher Liebe, Liedern und Tänzen beruht. So eine Süßigkeitenwelt mit Figuren, die an Jahrmarktsbonbons erinnern. Aber dieser Standpunkt ist nicht besonders beliebt. Dennoch wird Matisses Werk häufiger als Ausdruck der Freude und Helligkeit des Lebens interpretiert.

Kunst als Augen- und Herzgenuss ist ein Prinzip, das nicht nur Matisse nahe stand. Und wenn er sich anstrengen musste, kindisch leicht zu zeichnen, dann tat es Henri Rousseau (1844-1910), weil er einfach nicht wusste, wie er es anders machen sollte.

Henri Rousseau, Selbstporträt, 1890

Henri Rousseau ist ein Zollbeamter, ein Analphabet, der sich im Alter von 40 Jahren dazu entschloss, mit der Malerei zu beginnen, ohne irgendeine Ausbildung oder Ausbildung zu erhalten. Als Stubenhocker, kein Fan von Boheme-Partys und weit entfernt von der Kunstszene, wurde er zu einem der berühmtesten Künstler des Primitivismus-Stils. Rousseau war einfältig und naiv, was vielleicht der Grund dafür ist, dass seine Werke die Einfachheit von Kinderzeichnungen haben. Natürlich lachten Publikum und Kritiker zunächst über den Künstler.

Henri Rousseau, Karnevalsnacht, 1886

Der Reiz der Einfachheit und Kindlichkeit schien dem damaligen Betrachter eine banale Unfähigkeit zum Zeichnen zu sein, mehr nicht. Rousseaus Mangel an Technik wird jedoch durch die Klarheit, die wiederum für japanische Stiche charakteristisch ist, mehr als ausgeglichen. Eine große Hilfe für den aufstrebenden Künstler war seine absolute Immunität gegenüber Kritik, die es ihm ermöglichte, weiterhin das zu tun, was er liebte.

Henri Rousseau

Es ist klar, dass seine Werke hinsichtlich der Ausführung nicht mit den Meistern der Vergangenheit oder talentierten Zeitgenossen verglichen werden können. Rousseau nahm andere. Seine einfachen Handlungen faszinierten viele Künstler der damaligen Zeit. Zu den Bewunderern gehörte beispielsweise Picasso, der es besitzt berühmter Satz: „Ich kann wie Raphael zeichnen, aber ich werde mein ganzes Leben brauchen, um zu lernen, wie ein Kind zu zeichnen.“ Rousseau war derjenige, der dies geschafft hat. Picasso kaufte sogar sein Gemälde „Porträt einer Dame“, das ihn, so der Spanier, einfach faszinierte.

Henri Rousseau, Porträt einer Frau, 1895

Rousseaus Werke stehen sozusagen bereits mit einem Bein im Surrealismus. Sie faszinieren nicht so sehr durch ihre Schlichtheit, sondern durch ihren Subtext, ihre Mehrdeutigkeit und ihren allegorischen Charakter. Es ist wie in den Momenten in Horrorfilmen, in denen die Schaukeln auf einem leeren Spielplatz ein wenig schwanken, als ob sie vom Wind bewegt würden ... Oder nicht? Diese Frage überlässt Rousseau dem Betrachter.

Rousseaus Art wurde nicht nur von Pablo Picasso bewundert. Zu seinen Fans zählte auch der rumänische Bildhauer Constantin Brancusi (Brancusi), doch im Gegensatz zu Rousseau empfing ihn die Pariser Künstlerszene mit großem Jubel. Brancusi wählte die Rolle eines einfachen Künstlers: ein dicker Bart, Holzschuhe und ein Leinenhemd. Die Materialien, mit denen der Bildhauer arbeitete, waren geeignet – Holz und Stein. Marmor beeindruckte den Meister nicht besonders.

Brancusi war einige Zeit Lehrling in Rodins Werkstatt, doch ihre Arbeitsansätze erwiesen sich als völlig unterschiedlich.

Auguste Rodin, Der Kuss, 1886

Constantin Brancusi, Der Kuss, 1912

Bilder sagen mehr als jede Erklärung. Brancusi glaubte, dass man in der Bildhauerei auf eine vorherige Modellierung verzichten und direkt mit dem Material arbeiten könne. Er versuchte, die ursprüngliche Form des Felsens so weit wie möglich beizubehalten und seine Textur beizubehalten. Keine romantischen Kurven, einfache Linien, fehlende dekorative Elemente ... Ich mag Brancusis Skulpturen gerade wegen ihrer Einfachheit und Originalität in der Ausführung. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war dies eine weitere Herausforderung für die Tradition.

Ihm folgten weitere primitive Bildhauer: Modigliani (er versuchte sich auch in der Bildhauerei, und zwar recht erfolgreich), Giacometti, Hepworth ...

Amadeo Modigliani, Kopf, 1910

Giacometti, Walking Man 1, 1960

Barbara Hepworth, Einzelform, 1964

In Russland ist dies der Bildhauer Vadim Sidur. Meiner Meinung nach sehr cool.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

In Russland waren übrigens Michail Larionow und Natalja Gontscharowa, die in der „Splint“-Technik arbeiteten, einer der ersten Primitivisten in der Malerei. Hierbei handelt es sich um eine Grafikart, die sich durch Einfachheit und flaches Design auszeichnet. Goncharova ließ sich von russischen Ikonen inspirieren. In ihren Werken verwendete sie ein charakteristisches Element der Ikonenmalerei – Maschinen – vertikale weiße Linien.

Michail Larionow, Jüdische Venus, 1912

Natalya Goncharova, Mäher, 1911

Wie wir sehen können, wurden Einfachheit, Ordnung und Struktur zu den grundlegenden Konzepten und Zielen der Künstler, beginnend mit den Postimpressionisten. Allerdings hatten diese scheinbar harmlosen Bestrebungen auch destruktives Potenzial. Denn jeder Wunsch, die Welt in eine Struktur einzupassen, hat eine Kehrseite – die Schaffung eines starren Systems. Und wie die Praxis gezeigt hat, führen Versuche, alle Lebewesen einer subjektiven starren Logik unterzuordnen, zu Tod und Zerstörung. Weitere Ereignisse des 20. Jahrhunderts sind ein klarer Beweis dafür.

Fortsetzung folgt)

Und ein Nachwort.

Eine wundervolle Amerikanerin – Granny Moses – eine Amateurkünstlerin, eine Vertreterin des Primitivismus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, hat einfach mein Herz erobert. Sie erinnerte mich sogar irgendwie an die Niederländer mit ihren gemütlichen Alltagsszenen des Landlebens. Zum Beispiel:

Granny Moses, Early Spring on the Farm, 1945

Pieter Bruegel der Ältere, Volkszählung, 1566

P.S. Danke an alle, die lesen und interessiert sind. Ich veröffentliche diesen Beitrag zu spät – ich wollte gerade gehen und musste eine Pause machen)

Am 10. Januar 2016 jährte sich die Geburt des berühmten Kusbass-Künstlers Iwan Egorowitsch Seliwanow zum 109. Mal.

Er wurde der sibirische Pirosmani und Van Gogh genannt, und das ist in vielerlei Hinsicht ein richtiger Vergleich. Mäzene, Kunstkritiker und Bewunderer tummelten sich eine Zeit lang um beide, doch sowohl Pirosmani als auch Selivanov starben allein, nachdem sie posthum Ruhm erlangt hatten.

Ich ging lange und hart zu mir selbst

Der berühmte primitivistische Kusbass-Künstler Iwan Egorowitsch Seliwanow wurde am 10. Januar 1907 geboren. „Ich wurde in der Provinz Archangelsk im Bezirk Shenkursky im Dorfrat Edem im Dorf Wassiljewskaja als Sohn einer armen Bauernbettlerfamilie geboren“, erinnerte er sich.

Später schrieb er: „Ich wurde von meiner Mutter Tatjana Jegorowna nicht für großes Geld geboren, nicht für ein luxuriöses Leben, sondern einfach für das Leben, wie alles andere auch.“ Lebewesen in der Natur. Er wuchs in der Bettlerschicht auf. Mein ganzes Leben, meine ganze Arbeit war umsonst, und warum – ich weiß es nicht. Gibt es wirklich Leute, die meine Arbeit wie ein gieriges Krokodil verschlingen oder wegwerfen? Zukünftige Generationen werden solche Menschen nicht loben.“

„Mein Vater starb früh, im Jahr 1912. Meine Mutter hinterließ von meinem Vater drei Söhne: Der ältere Bruder wurde 1904 geboren, ich wurde 1907 geboren, der jüngste Bruder wurde 1912 geboren. Meine Mutter, mein Bruder Sergei und ich mussten gleich nach dem Tod meines Vaters Almosen für Jesus Christus sammeln. 1922 ging ich in das Nachbardorf Iwanowsk, um Hirte zu werden. Aufgrund des Landmangels war es meiner Mutter und uns drei Brüdern unmöglich, in unserem Dorf zu leben. Am 5. Februar verließ ich meine Heimat – das Dorf im Jahr 1924. Mein Schicksal und mein Glück waren auf der Seite eines anderen schwierig, es gab auch Bettelei ...“

Iwan Jegorowitsch hat im Laufe seiner Zeit viele Dinge ausprobiert verschiedene Werke. Er arbeitete als Schmied, Mechaniker, Feuerwehrmann, Ofenbauer und Wächter und führte ein schwieriges und karges Leben. Er beherrschte die Kunst der Öfen bis zur Perfektion, da er so viele gut gemachte Öfen gebaut hatte, dass er ein Jahrhundert in Ehre und Zufriedenheit leben konnte, aber seine Seele wartete immer auf etwas, er konnte nicht an einem Ort sitzen.

Und dann verlief das Leben so: Ich wanderte viele Jahre lang umher. Habe viele Städte besucht. Er besuchte Baustellen in Murmansk, Archangelsk, Onega, Swerdlowsk, Saporoschje. Hier wählte er seine Frau Varvara Illarionovna für das Ganze Lebensweg. Zusammen mit ihr ging er nach Leningrad, wo der Große Vaterländische Krieg sie traf. Von dort wurde Iwan Jegorowitsch 1941 nach Kusbass evakuiert. Zunächst lebt er in Nowokusnezk, Mundybasch, arbeitet als Hammerhammer, Lader, Mechaniker und Stuckateur. Ich habe nie über Kunst nachgedacht, ich hatte keine Zeit ...

Und 1943 zog er nach Prokopjewsk.

In der Stadt der Bergleute entschied er sich Eisenbahn Lineman. Wir lebten im Dorf Golubevka. Und der Ort, an dem sich Iwan Jegorowitsch später, im Jahr 1951, ein Haus baute, hieß Mars. Er roch nach Exotik, Romantik und Raum. Nicht umsonst saß Iwan Jegorowitsch an Sommerabenden auf der Veranda des Hauses und blickte in die Sterne über seinem Kopf.

Selivanov kam nicht sofort auf die Idee zu malen. 1946 sah er ein Gemälde in einem Geschäft. Die Farbenpracht des Heuhaufens überraschte ihn und bewegte seine Seele. In seinen eigenen Worten: „Im Leben fand eine Revolution statt, ein Sturm entstand im ganzen Körper, wie im Meer.“ Ich wollte mich selbst zeichnen.

Und in seiner ersten Zeichnung in seinem Leben stellte Selivanov einen Spatz dar. Zu diesem Zeitpunkt war er fast 40 Jahre alt. So begann er bereits im Erwachsenenalter zu zeichnen. Zunächst – mit dem Bleistift, später – beherrschte er die Ölmalerei.

Freunde und Verwandte lachten: „Was denkst du, Spinner, mit vierzig Jahren zu studieren!“ Und warum? Irgendeine Kleinigkeit, Zeichnen.“ Auch die Frau war empört: „Es wäre besser, ich würde den Ofen einbauen!“ Aber ich wurde stur geboren, was auch immer ich dachte, ich werde es plötzlich tun“, erinnerte sich Selivanov an den Beginn seiner Arbeit. Wie Experten später bedenken werden, liegt seine Hartnäckigkeit in seinem Nachnamen selbst: Er kommt vom kanonischen männlichen Namen Selivan (vom lateinischen silvanus – „Gott der Wälder“).

Alles Gesehene und Erlebte erforderte ein Umdenken, eine sichtbare Verkörperung. So werden offenbar Dichter, Musiker, Schriftsteller und Künstler geboren. Der Funke Talent flammt bei begabten Menschen hell auf, unabhängig von Zeit und Alter ...

Zufällig sah er in einer Zeitung eine Anzeige für die Zulassung von Amateurkünstlern an der nach N.K. benannten Moskauer Korrespondenz-Volksuniversität der Künste. Krupskaja (ZNUI). Iwan Jegorowitsch schickte Dokumente und eine Zeichnung eines Spatzen an die Volksuniversität. Und bald erhielt er eine Immatrikulationsbescheinigung; Julia Ferapontovna Luzan wurde zu seiner Lehrerberaterin ernannt.

Ivan Egorovich erwies sich als hartnäckiger, vielversprechender Student. Das ist aufgefallen erfahrene Lehrer, Künstler. Sie taten alles, um ihr Wissen an ihn weiterzugeben.

„Im September 1947 begann ich, Kunst und Kreativität zu studieren. Ich studierte ohne zeitliche Begrenzung unter dem Vorwand, was passieren würde und was funktionieren würde. Ich zeichne immer noch auf Wunsch meines Lehrers Aksenov Yu.G. für Illustrationen für Lehrbücher und Literatur, die eine sehr, sehr sehr wichtig Nicht nur für die Correspondence University of Arts, sondern für das ganze Land, und ich mache mir nicht die Mühe, jemanden für meine Arbeit zu bezahlen. Es passt mir nicht. Früher oder später werden die Leute meine unschätzbare, kolossale Arbeit verstehen“, erinnert sich I.E. Selivanov später.

Künstler werden

Nach seinem Eintritt in das ZNUI war das Leben von Iwan Jegorowitsch voller neuer Inhalte und freudiger Kreativität. „Für ihn war Kunst kein Selbstzweck, sondern eine Möglichkeit, sich weiterzuentwickeln und auf den Schmerz der Welt zu reagieren“, erinnert sich sein zweiter Lehrer, Juri Grigorjewitsch Aksjonow, der nach dem Tod von Ju. F. zu ihm berufen wurde. Luzan. Mit Yu.G. Der Künstler beriet und korrespondierte 40 Jahre lang mit Aksenov.

Selivanovs erste Werke sind mit Wasserfarben oder Buntstiften kolorierte Zeichnungen. Im Zentrum seines Schaffens steht ein Objekt, ein Tier oder ein Mensch als eigenständiges Phänomen.

Die Kursleiter, die Selivanov unterrichteten, ahnten natürlich, welches enorme Talent in ihrem Prokopjewsker Schüler verborgen lag. Doch als er ihnen 1956 das Porträt eines Mädchens schickte, waren selbst sie erstaunt. Das war Selivanovs Einsicht, seine „schönste Stunde“.

Experten nannten das „Mädchen“ sofort eine „Amateur-Mona Lisa“, da sie laut Yu.G. Aksenov, „die ethnische Geschichte eines Künstlers über seine Heimat im Norden.“ In der golden-sonnigen Farbgebung dieses Werkes konnte ein aufmerksames Auge eine dezente nördliche Landschaft erkennen, die für immer die liebste Erinnerung des Künstlers blieb.“

Seitdem hat Iwan Jegorowitsch viel gearbeitet: Er fertigt Selbstporträts, Porträts, Stillleben, Landschaften, Tierwerke und stellt seinen armen Haushalt dar: eine Katze, ein Huhn, einen Hahn.

Alle Werke – und es sind bereits rund 400 – werden sofort nach Moskau geschickt: „Für die Nachwelt, für neue Generationen“ werden viele seiner Werke heute in der Hauptstadt aufbewahrt. Es war Moskau, das Selivanov „entdeckte“. Filme über ihn, Ausstellungen – alles wurde hier konzipiert und organisiert. Lokale Behörden und Vertreter der „kreativen Intelligenz“ und „Profis“ erkannten den Künstler nicht an.

Selivanov weigerte sich, seine Werke zu verkaufen. Zu seinen Lebzeiten wurden nur zwei Gemälde verkauft: „Selbstporträt“ – an Susdal, und eines von zwei Porträts des Regisseurs M.S. Litvyakov - zum All-Union-Museum für Volkskunst. Iwan Jegorowitsch willigt nicht mehr ein, seine Werke zu verkaufen; er strebt danach, dass sie alle an einem Ort (in Moskau) sind.

Iwan Jegorowitsch führte seine Werke oft auf der Grundlage seiner Eindrücke aus Filmen auf. Genau so schuf er etwa 50 Werke, und die Werke, die er 1978 dem Nowokusnezker Museum der Schönen Künste schenkte, entstanden nach Eindrücken aus dem Kino: „Spartacus“, „Anka die Maschinengewehrschützin“, „Pawka Kortschagin“.

In seinen Zeichnungen „Napoleon“, „Lomonossow“, „Kopernikus“, „Robespierre“ fällt die strikte Ähnlichkeit zum Originalbild und eine gewisse naive Einfachheit in der Handhabung auf. Als würden Sie einen klassischen Text mit Ihren eigenen Worten nacherzählen. Der Künstler zeichnete das Bild „Spartacus“, ohne Giovagnolis Roman zu lesen. Wie Experten anmerken, „schrieb er es gleichzeitig in antiker Klarheit, slawischer Einfachheit und Sanftmut.“

Die Werke von Iwan Jegorowitsch wurden zur Ausstellung im Hauptfach empfohlen Kunstausstellungen. Sie erhalten die enthusiastischsten Kritiken. Nachdem der Künstler Robert Falk sein „Girl“ gesehen hatte, brachte er es kurz auf den Punkt: „Take care“ und meinte damit sowohl das Bild als auch den Autor. Und der Kunstkritiker Mikhail Alpatov schrieb in der Zeitschrift „Creativity“: „Und wir können stolz auf Amateurkünstler sein.“ Unter ihnen gibt es diejenigen, die sich in eine Reihe mit Niko Pirosmani und Henri Rousseau stellen lassen, die verdientermaßen ihren Platz in Kunstmuseen eingenommen haben.“

Die Gemälde von Iwan Jegorowitsch wurden in vielen Städten unseres Landes und im Ausland ausgestellt: in Paris, London, Prag, Berlin, Bonn, Budapest, Montreal, New York. Seine Werke erregten die Aufmerksamkeit des Malereiakademikers Georgy Nissky und Amerikanischer Künstler Anton Refrezhier.

Aber Ivan Egorovich selbst lange Zeit wusste nichts von seiner großen Popularität und seinem Ruhm, obwohl er von Zeit zu Zeit herzlich beglückwünscht und über die Kritiken informiert wurde, die Künstler und Kritiker über seine Werke gaben. Er war nicht eitel. Ihm wurde angeboten, eines der Werke für viel Geld im Ausland zu verkaufen, aber er lehnte rundweg ab: „Alles, was getan wurde, gehört nur meinem Sowjetrussland.“ Und doch ist Ruhm Ruhm. Er verspürte Zufriedenheit, einen Anstieg geistiger und körperlicher Stärke, Inspiration und Freude.

Im Jahr 1969 drehte der berühmte Dokumentarfilmregisseur Michail Litwjakow den Film „Menschen im Kusnezker Land“, dessen Kurzgeschichte Iwan Seliwanow gewidmet war. Und 1984 kam es heraus Spielfilm In „Seraphim Polubes und andere Bewohner der Erde“ des Regisseurs Viktor Prokhorov, der auf Selivanovs Biografie basiert, wurden seine Werke gezeigt. Der Film erzählt die Geschichte eines autodidaktischen Dorfkünstlers, des sogenannten „naiven“ Malers. Die Aufmerksamkeit des Publikums wurde durch die Aufnahmen, die das Werk des Künstlers zeigten, im wahrsten Sinne des Wortes gefesselt. Hund. Kuh. Hahn. Das Mädchen füttert die Hühner. Der Kater. Selbstporträt. Die Gemälde verblüffen durch die Reinheit des erstaunten Blicks eines Kindes und die Reife der Handschrift des Meisters.

Übrigens, als die Premiere dieses Films im zentralen Kino von Prokopjewsk stattfand, achtete niemand auf den alten Mann, der von zwei Lehrern gebracht wurde. So fand die Premiere des Films für Selivanov selbst statt.

Einen zentralen Platz im Werk von Iwan Jegorowitsch Seliwanow nehmen Tiere und Vögel ein. Das natürliche Talent des Künstlers offenbarte dem Publikum „Mädchen mit Hühnern“, „Löwe im Wald“, „Landschaft mit Wolf“, „Puma“, „Hund“, „Hahnfamilie“, „Hirsch“, „Katze“, „ Landschaft. (Kühe).“ Er stellt sie mit großer Fantasie dar, sorgfältig, liebevoll, verleiht ihnen Schlauheit und Unschuld, als würde er ihre Bilder vermenschlichen: Mit großen, nachdenklichen, traurigen „Selivanovsky“-Augen schauen uns Hunde, Kühe und Vögel aus den Zeichnungen des Künstlers an.

Obwohl offizielle Beziehungen Nach dem Ende der Volksuniversität schickt Selivanov seit fast vier Jahrzehnten seine Bilder dorthin. Er schickte Yu.G. Aksyonov schrieb eine große Anzahl von Gleichnissen und Tagebucheinträgen und nannte sie „Schriften zur Entwicklung eines persönlichen Gehirnsystems“. Dies sind erstaunlich nackte Gefühle und in der Sprache „unbeholfen“ Selivanovs geschätzte Gedanken über das Leben, über die Arbeit, über die Kunst.

Hier sind einige davon: „Ich liebe Tiere wirklich. Ich kann jeden, den Sie wollen, aus dem Gedächtnis zeichnen. Die Natur gibt uns eine Stimmung, ein Gefühl von Schönheit. Ohne dies kann es keinen Künstler geben.“

Der Künstler begleitete die Landschaft „Mein Vaterland, meine Heimat“ mit folgenden Worten: „Ich liebe dich, russisches Land, nach der Dunkelheit der Nacht, wenn die Sonne aufgeht.“ Er atmet noch, er lacht, er schaut dir in die Augen. Dein Herz jubelt, deine Seele tanzt. Wie gut bist du, russisches Land, mein Vaterland!“

Geständnis

IN beste Werke ah I.E. Selivanov – und das sind meist Porträts – zeigte die Gabe eines lebendigen Verständnisses der Natur. Im Laufe von zwanzig Jahren fertigte er vierzig Porträts seiner Frau an. In seinen Porträts gelingt es Selivanov, die „Durchdringung“ seines Blicks zu vermitteln. Dieser Look ist wie alte Ikonen Sie verlässt den Betrachter nicht, sie „führt“ ihn, egal wohin er das Bild betrachtet. Normalerweise ist eines von Selivanovs besten Werken beeindruckend – sein „Selbstporträt“. Ein bärtiger alter Mann, der seinen Wert kennt, blickt den Betrachter fast ausdruckslos mit leuchtenden Augen an, eine Art Weiser Zauberer aus der russischen Folklore, ein Träger ewiger Wahrheiten, ein verzauberter Wanderer-Wahrheitssucher. Iwan Jegorowitsch selbst ist im Leben von kleiner Statur, mit himmlisch blauen Augen, ein völlig irdischer Mensch mit seinen praktischen Sorgen, Leidenschaften und Ambitionen.

Als seine Frau Warwara Illarionowna starb, die mit ihm Nöte und Freuden teilte, verstummte das Haus auf dem Mars. SÜD. Aksjonow erinnert sich: „Mitte der 1970er Jahre verstummte Iwan Jegorowitsch plötzlich: Es gab keine Pakete mit Werken oder Briefen von ihm. Befürchten Sie, dass etwas passiert ist? Und plötzlich, ein Jahr später, kommt ein Bild: Selivanovskys Katze Vasya sitzt mit traurigen Augen im Schnee. Es wurde klar: Es war ein Unglück passiert.“ Der blaue Schatten der Katze mit seinem durchdringenden Blau ließ die Seelen des Publikums erschauern und betonte die Trostlosigkeit der kauernden Gestalt. Die Augen der Katze schienen zu schreien: „Warum habt ihr mich alle vergessen, armer Kerl?“ Dies ist ein Gefühl schrecklicher Einsamkeit, wenn es Ihnen so vorkommt, als ob im gesamten Universum, dunkel und formlos, nur Sie allein existieren. Für Iwan Jegorowitsch war es ein Jahr schwerer Depression.

Im Jahr 1985 betrat Iwan Egorowitsch das Inski-Alten- und Behindertenheim am Ufer des Belovskoye-Stausees in der Nähe der Stadt Belovo. Er erhielt staatliche Unterstützung und erhielt, wie er es ausdrückte, eine Gehaltsrente. Ihm wurden zwei Räume zugewiesen, einer davon als Werkstatt. Er verbrachte den ganzen Tag an seiner Staffelei. Er verursachte die Menschen um ihn herum verschiedene Gefühle. Die Persönlichkeit ist geheimnisvoll und für Internatsbewohner bedeutsam, ungewöhnlich. Um seinen Namen tauchten manchmal absurde Legenden auf. Neidische Menschen verunglimpften seine Arbeit, verglichen sie mit Basar Isokhultura und sprachen verächtlich über sein Leben außerhalb der Mauern dieses Hauses.

In Kusbass öffnete sich Ivan Selivanov erst 1986 einem breiten Publikum. Dann, nach Wladimir Dolmatows Artikel in der Zeitung „Sowjetrussland“ „Blaue Katze auf weißem Schnee“, war der Name Iwan Jegorowitsch fast im ganzen Land zu hören. Im selben Jahr fanden nacheinander zwei persönliche Ausstellungen des Künstlers in Kemerowo und Nowokusnezk statt.

Zu sagen, dass das Publikum fassungslos war, wäre eine Untertreibung. Dem Publikum wurde unsere bekannte und zugleich völlig neue Realität offenbart. Neues Universum. Die Zuschauer gingen umher und quälten sich geschockt gegenseitig, warum schmerzt das Herz beim Anblick eines traurigen Affen und was ist das Faszinierende an „Die Familie des Hahns“? Iwan Jegorowitsch selbst, klein und unscheinbar, in neuen Planenstiefeln, und er kannte nur Filzstiefel und Planenstiefel, eine ungewöhnliche Jacke und Mütze, erklärte nichts. Er wirkte weise und listig, als wäre er nicht in die Aufregung verwickelt, die um ihn herum aufflammte. Und erst als ich neben meinen Selbstporträts stand, wurde mir klar, dass es alles von ihm war. Selivanov stellte sich darin immer als kraftvoll und voller innerer Stärke dar. Es war mehr als genug Kraft in ihm.

Und das, obwohl sein Talent in Fachkreisen längst als nationaler Schatz anerkannt wird. In einem Brief an I.E. Selivanov Korrespondierendes Mitglied der Akademie der Künste S.M. Nikireev schreibt: „Für mich sind Sie ein Künstler mit enormem, seltenem Talent, wie es das russische Land selten hervorbringt.“ Du bist ein unglaubliches Talent. Ich wünsche Ihnen, dass Sie gesund sind und zuversichtlich sind, dass Sie ein Nugget von außergewöhnlichem Gewicht und Glanz sind.“

Die letzte Lebensausstellung von I.E. Selivanova fand 1987 statt – im Jahr des 80. Geburtstags des Künstlers. Iwan Jegorowitsch feierte seinen 80. Geburtstag mit einem berühmten Amateurkünstler Russische Föderation. Auf dem Territorium der Pension Insky schrieb er sein eigenes neueste Gemälde: „Selbstporträt“ und „Porträt einer Mutter“.

Es war Juri Grigorjewitsch Aksenow, der ihm vorschlug, ein Porträt seiner Mutter zu malen. Iwan Jegorowitsch dachte ernsthaft darüber nach und begann sich zu erinnern, wie seine Mutter in seiner Erinnerung geblieben war. Er hatte sie seit seinem zwanzigsten Lebensjahr nicht mehr gesehen; sie starb 1937. Und hier auf dem Bild erscheint das Gesicht eines echten Nordländers aus dem Dorf Wassiljewskaja, Bezirk Shenkursky, Provinz Archangelsk. Helle Augen, helles, üppiges Haar, gewohnheitsmäßig zu einem Knoten zusammengebunden, ein einfaches russisches Gesicht. Eine Bäuerin, deren Hände spinnen, weben, Teig kneten und ein kleines Stück Land bewirtschaften. Eine Frau mit einem bitteren Schicksal, ohne Ehemann, mit drei Kindern und gezwungen, sie erwachsen, aus ihren Herzen gerissen, „zu den Menschen“ zu schicken. Höchste Einfachheit, sogar Heiligkeit in diesem Gesicht. Es war notwendig, so lange zu leben und schweres Leben, das Iwan Jegorowitsch lebte, um das Bild seiner Mutter zu verstehen und einen Blick auf das Ewige in seinen heimatlichen Zügen zu erhaschen.

...Iwan Jegorowitsch starb allein am 1. März 1988. Er wurde im Dorf Inskoy, Bezirk Belovsky, Region Kemerowo, auf dem örtlichen Friedhof beigesetzt. Er lebte nur fünf Tage vor dem Tag, an dem ein Dokumentarfilm über sein Leben gezeigt wurde, in dem er es für „heilig hielt, bis zu den letzten Tagen seines Lebens zu arbeiten“.

Seine Freunde und Bewunderer verließen ihn und philosophierten über jeden Zentimeter seines Gemäldes, über jedes Wort, das er schrieb. Aber I.E. Selivanov hat uns ein prophetisches Wort hinterlassen: „Der Mensch lebt so lange, wie er das Leben genießt.“ Er hinterließ nicht ganz gewürdigte Schriften und Legenden, eine von ihm begonnene Geschichte über zwei Jungen aus Archangelsk.

Sein Name ist in der World Encyclopedia of Naive Art enthalten, die in Großbritannien veröffentlicht wurde. Seine Werke wurden mit drei Grand-Prix-Preisen ausgezeichnet Internationale Ausstellungen in Paris. Über vier Jahrzehnte kreativer Tätigkeit hat der Künstler I.E. Selivanov hinterließ Hunderte von Gemälden und Skizzen. Einige von ihnen werden im Heimatmuseum Prokopjewsk aufbewahrt.

Im Jahr 1990 veröffentlichte der Verlag „Young Guard“ ein Buch von I.E. Selivanov und N.G. Kataeva „Und da war Leben...“ Das Buch enthält Reproduktionen der Gemälde und Tagebücher des Künstlers. Darin sprach er über die Tragödie, den Schmerz und die Schönheit des russischen Lebens.

...Sowohl der georgische Künstler Pirosmani als auch Selivanov haben zunächst einmal das gleiche Schicksal. Beide wussten um ihre hohe Begabung. Beide waren obdachlos und arm. Mäzene, Kunstkritiker und Bewunderer tummelten sich eine Zeit lang um beide. Allerdings starben sowohl Pirosmani als auch Selivanov allein und erlangten nach ihrem Tod Ruhm. Das Bild Russlands von Ivan Selivanov ist Geduld und Wille, Leiden, Stärke und Selbstaufopferung. Äußerst zurückhaltende, strenge, intensive Arbeit. Er war derselbe in der Sprache. Sowohl dort als auch hier - asketische Kraft und absolute Einfachheit des Ausdrucks.

Die Sonne des Ruhms scheint nicht oft auf die ursprünglichen Künstler des Volkes. Deshalb möchte ich wirklich diesen einfachen, freundlichen, ehrlichen und edlen Namen – Ivan Egorovich Selivanov, der mehr als einmal verherrlicht wurde Volkskunst auf Ausstellungen im In- und Ausland, wurde nicht vergessen. Denn das Werk dieses Künstlers aus dem Volk gehört uns Volksvermögen das muss geschützt werden.

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Die Strenge und Spiritualität des russischen Nordens – seiner Heimat – lebt in seinen Werken. Eine weitere Besonderheit von Selivanov ist seine einzigartige Philosophie, die sich in den Tagebucheinträgen widerspiegelt, die der Künstler über viele Jahre hinweg führte.

Farbenfroher, lebendiger Stil Volksrede, lebendige Bilder von Erinnerungen und Träumen, aphoristische Aussagen – all das macht Selivanovs Tagebucherbe nicht weniger wertvoll als seine künstlerischen Werke.

„Ohne die Hilfe anderer kann man es nicht selbst herausfinden. Vielleicht ist das eine Eigenart? Teuflische Macht in meinem Gehirn? ...“ – diese Worte von Selivanov könnten als Epigraph für das gesamte Studium der naiven Kunst verwendet werden.

Kreativität, d. h. Selivanov, der von den Moskauern bei Ausstellungen in den sogenannten Clubs der kreativen Intelligenz – dem Zentralen Haus der Künstler, dem Zentralen Haus der Künstler, dem Vorstand des Künstlerverbandes am Gogolevsky Boulevard – entdeckt wurde, wurde als frischer Wind, als Beweis wahrgenommen dass die Volkskunst trotz jahrelanger staatlicher Ausbeutung und Verfälschung immer noch lebendig ist.

Mit dem Werk von Selivanov und mehreren anderen in diesen Jahren „entdeckten“ Originalkünstlern begann eine Welle allgemeiner Begeisterung für naive Kunst, die in den 1970er Jahren ihren Höhepunkt erreichte.

Selivanovs erster Lehrer an der nach N.K. benannten Moskauer Korrespondenz-Volksuniversität der Künste. Krupskaja (ZNUI) Yulia Ferapontovna Luzan hatte 1947 eine glückliche Idee: Sie bat die Studentin, Tiere von vorne und im Profil zu zeichnen. Die Figuren in seinen Zeichnungen dieser Zeit waren eine Kuh, ein Hund, eine Katze, ein Hahn, und bis zu seinem Lebensende waren sie die treuen Freunde und „Gesprächspartner“ des Künstlers.

Später, als Yu.G. der Lehrer des Künstlers wurde. Aksenov, ein Elefant, ein Löwe und eine Hirschkuh tauchten in Selivanovs Werken auf. Der Künstler wandte sich an Aksenov mit der Bitte, ihm dabei zu helfen, „unverständliche Wörter in der gesamten Literatur zu verstehen … Schreiben Sie, wie versprochen, was gegenstandslose Kunst, Ästhetik, Dogmatik ist … Ich sende insgesamt vierhundert Wörter.“

Ivan Selivanov und die kulturelle Welt, mit der er in Kontakt kam, sprachen verschiedene Sprachen. Er studierte das Album „Russian Portrait“ sorgfältig, was jedoch keinen Einfluss auf seine eigenen Porträts hatte.

Keiner der Nachbarn wollte für den Künstler posieren. Er porträtierte seine Frau, Lehrer und Helden aus populären Filmen – Spartacus, Cleopatra. Seine Selbstporträts sind die bedeutendsten. Selivanov hatte das charakteristische Aussehen eines russischen Bauern – einen dicken Bart, eine Kappe aus dichtem Haar, das wie eine Schüssel geschnitten war, durchdringender Blick mit einem Schlauen.

Er erregte die Aufmerksamkeit von Fernsehjournalisten und Filmemachern und wurde in der lokalen und zentralen Presse beschrieben. Dennoch verfügte der Kreis der Menschen, die direkt mit dem Künstler kommunizierten, selbst nicht über ein ausreichend hohes Bildungsniveau, um seine Kunst angemessen zu interpretieren.

Bis heute ist sein Werk sprachlich nicht näher beschrieben. moderne Wissenschaft. Ivan Yegorovich Selivanov, ein ursprünglicher Bauernphilosoph, ein Fremder in der Welt des „entwickelten Sozialismus“, projizierte in seinem Werk Bilder einer harmonischen Weltordnung – ein Zuhause mit einem Garten, Freunden, Lehrern, Helden und jedem Geschöpf Gottes.

Persönliche Ausstellungen von I.E. Selivanova:

Zentrales Haus der Schriftsteller, Moskau, 1971;

Zu Ehren des 70. Jahrestages von I.E. Selivanova, Moskau, 1977; Zu Ehren des 80. Jahrestages von I.E. Selivanova, Museum der Schönen Künste, Region Kemerowo, 1986;

Museum der Schönen Künste Nowokusnezk, 1986;

Zentrale Ausstellungshalle der Moskauer Zweigstelle des Künstlerverbandes der RSFSR, Moskau, 1987.

Ausstellungen mit Werken des Künstlers:

Ausstellung von Werken von Hobbykünstlern und Kursteilnehmern Fernunterricht TsDNT im. N.K. Krupskaja, Zentrales Haus der Künstler, Moskau, 1965;

Allrussische Ausstellung mit Werken von Amateurkünstlern, Moskau, 1960;

All-Union-Ausstellungen von Amateurkünstlern in Moskau: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Ausstellung „100 Werke von Originalkünstlern“, Moskau, Vorstandssaal des Künstlerverbandes am Gogolevsky Boulevard, 1971;

Jubiläumsausstellung mit Werken von Studierenden der Fakultät für Bildende Künste zu Ehren des 50-jährigen Jubiläums von ZNUI in Central Ausstellungshalle Künstlerverband der RSFSR in Podolsk, 1983-1984;

„Naifs sovietiques“ (Frankreich), 1988;

Allrussische Ausstellung mit Werken von Amateurkünstlern zu Ehren des 40. Jahrestages des Sieges des sowjetischen Volkes im Großen Vaterländischen Krieg, Allrussisches Museum für Volkskunst, Moskau, 1985;

„Goldener Traum“, 1992;

„Paradise Apples“, 2000;

„Festnaive-04“.

Sammlungen von Gemälden von I.E. Selivanov werden gespeichert:

Staatshaus für Volkskunst;

Wladimir-Susdal-Museumsreservat;

Museum „Tsaritsyno“, Moskau.

Filmografie:

„Menschen des Kusnezker Landes“, Regie: M. Litvyakov, Leningrader Dokumentarfilmstudio, 1969;

„Sie zeichneten seit ihrer Kindheit“, Regie: K. Revenko, Zentrales Fernsehen, Fernsehfilm, 1979;

„Kusbass Pirosmanashvili“, Fernsehstudio Kemerowo, 1981;

„Seraphim Polubes und andere Bewohner der Erde“ (ein Spielfilm mit Werken von Selivanov), Regie: V. Prochorow, Mosfilm, 1984;

„Blaue Katze auf weißem Schnee“, Regie: V. Lovkova, TsSDF, 1987.

Literatur:

Shkarovskaya N. Volksamateurkunst. L., 1975;

Weltenzyklopädie der naiven Kunst. London, 1984. R. 529;

Ivan Selivanov ist Maler. Essays über den Künstler. Kemerowo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. Und da war das Leben... M., 1990;

Ausstellung von Werken von Amateurkünstlern, Studenten von Fernkursen im nach ihr benannten Central Children's Science and Technology Center. N.K. Krupskaja, Zentrales Haus der Künstler, Moskau, 1965.

Katalog der Artikel in Printmedien:

Alpatov M. Direkt und aufrichtig // Kreativität. 1966. Nr. 10;

Gerchuk Yu. Sind Primitiven primitiv? // Schaffung. 1972. Nr. 2;

Baldina O. Zweite Berufung. M., 1983;

Aksenov Yu. Sehen Sie mit eigenen Augen // Künstler. 1986. Nr. 9;

Shkarovskaya N. Die Anziehungskraft der Liebe zur Natur // Ogonyok. 1987. Nr. 36;

Amateur Kunst// Amateurkünstlerisches Schaffen: Essays zur Geschichte der 1960er-1990er Jahre. St. Petersburg, 1999.

Ein armer Künstler ist Schicksal?! EINIGE FAKTEN AUS DEM LEBEN VON IWAN SELIWANOW

Der Name des Prokopchanikers Ivan Selivanov ist in der im Vereinigten Königreich veröffentlichten Encyclopedia of Naive Art enthalten. Im Ausland wurde Iwan Jegorowitsch der russische Pirosmani und Van Gogh genannt, er kam in die Top Ten naive Künstler Russland.

Seine Werke wurden nach London und New York gebracht, illegal verkauft und er schmachtete in Armut. Im Laufe von 45 Jahren schrieb Selivanov Hunderte von Gemälden und Skizzen, aber seine Tagebücher mit seinen eigenen philosophischen Ansichten sind nicht weniger interessant. Das Heimatmuseum Prokopjewsk beherbergt eine kleine Sammlung seiner Werke, und etwa hundert werden in Moskau im Staatlichen Russischen Haus der Volkskunst aufbewahrt.

Ich bin psychisch krank... Warum befand ich mich in einer solchen Situation? Jede Arschlochfrau kontrolliert mich! Dies betrifft auch den gesamten Körper, das Gehirnsystem... Dies ist ein Zitat aus dem Film „Ivan Selivanov. Fragmente des Lebens“

Im nach ihm benannten Central City Hospital. Gogols Salon „Künstler“ veranstaltete einen Abend zum Gedenken an Ivan Selivanov. Erschienen auf der Website der Bibliothek E-Book, dem ursprünglichen Künstler aus Prokopewsk gewidmet. Es enthielt Artikel über Selivanov, bisher unveröffentlichte Fotografien und Reproduktionen von Gemälden. 20 Jahre lang sammelte die Kunstkritikerin Galina Stepanowna Iwanowa Stück für Stück Material für das Buch.

Im April 1986 wurde der Künstler in den Filmclub „Dialogue“ eingeladen; er besuchte das Dostojewski-Museum und die Festung Kusnezk. In der Werkstatt von Vitaly Karmanov, wohin er gebracht wurde, war er überrascht, dass der Künstler so viele Farbtuben haben konnte.

Fans von Selivanovs Werk haben die Plakate für seine persönliche Ausstellung aufbewahrt, die am 22. Oktober 1986 im Kunstmuseum Nowokusnezk stattfand.

Selivanov verbrachte seine letzten Jahre in einer Pension für ältere und behinderte Menschen im Dorf. Inskoy. Er erlebte seine Situation der Unfreiheit und bezeichnete sich selbst als einen Regierungsmenschen, der aufgrund einer seelischen Störung nicht arbeiten kann.

- Ich bin psychisch krank... Warum befand ich mich in einer solchen Situation? Jede Arschlochfrau kommandiert mich herum! Dies betrifft den gesamten Körper, das Gehirnsystem...

Er lebte nicht lange in seinem eigenen Haus, wohin er ein Jahr vor seinem Tod verlegt wurde. Am 5. März 1988 wurde Selivanov begraben.

Bei einem ihrer Besuche in Selivanov brachte Galina Iwanowa (auf Wunsch des Künstlers) Iwan Jegorowitsch einen Teller und eine Bratpfanne. Dann stellte sich heraus, dass er diesen Teller anstelle einer Palette benutzte.
Er bedeckte die Bratpfanne mit Zeitungspapier, stellte einen Becher Lösungsmittel hinein und begann erst dann zu schreiben. In den letzten Jahren hat er sich mit Ölen beschäftigt.

Das Lenkom-Theater war in Nowokusnezk auf Tournee und die Schauspieler Nikolai Karachentsov und Oleg Yankovsky kamen in unser Studio (Film- und Fotobüro KMK). Erst am Tag zuvor besuchte der Kunstkenner und Sammler Jankowski Seliwanow, ohne sich der exzentrischen Gesinnung des Besitzers bewusst zu sein.

„Ich bin ein berühmter Schauspieler, Oleg Jankowski“, begann der Bewohner von Lenkomov von der Schwelle aus.

Dem beliebten Schauspieler blieb nichts anderes übrig, als dem Rat des alten Mannes zu folgen. Die Werke des genialen Künstlers sah er später – im Dokumentarfilm von S. Shakuro und V. Skoda. Nikolai Karachentsov betrachtete den kleinen (Größe 154 cm!), bärtigen Mann mit echter Bewunderung und war dennoch überrascht:

Was für ein kompletter Charakter!

Am nächsten Tag brachte Nikolai Petrowitsch die gesamte Truppe zur Vorführung...

Wenn man seine Gedanken liest, denkt man, dass er ein echter Philosoph ist:

„Der Mensch wird nicht von selbst geboren, er kommt aus einem unbekannten Grund auf die Welt und ist mit allem Lebendigen verbunden.
Wenn ein Mensch seine Arbeit und seine Kameraden ehrlich behandelt, dann erfüllt er das Gesetz über faire soziale Arbeit.“

„Um einen Tag damit zu leben wahre Wahrheit Auf der Erde muss man von morgens bis abends viel an sich arbeiten. Damit Herz und Seele in ihrer Reinheit dem Bernstein oder den Sonnenstrahlen gleichkommen.“

„Ich betrachte es als Glück, unabhängig von anderen zu sein, Roggenbrot mit Kartoffeln in der Schale und etwas Salz und viel Wasser zu essen. Lass es in meiner Hütte ungemütlich und schmutzig sein, das macht nichts. Ich halte die Wärme in meiner Hütte im Winter für wichtig. Es gibt auf der gesamten Erdkruste so viele alte Männer, junge Frauen und alte Frauen wie mich.“

IWAN SELIWANOW: LEBEN UND SCHICKSAL

« Ich wurde von meiner Mutter geboren... nicht für großes Geld, nicht für ein luxuriöses Leben, sondern einfach für das Leben, wie jedes Lebewesen in der Natur" Das dachte und schrieb der Held unseres Artikels, der einzigartige russische Künstler und Denker Iwan Egorowitsch Seliwanow (1907-1988).

Nein, offiziell war er kein „Volkskünstler“ – er erhielt weder akademische Titel noch Insignien vom Staat. Aber er war ein wahrer „Volkskünstler“ der UdSSR-Ära. Zusammen mit Niko Pirosmani und Efim Chestnyakov ist er ein Schatz der Menschheit. Und seine Tagebücher können vom Inhalt und der Tiefe her als echt bezeichnet werden Volksweisheit... Heute werden wir über ihn, sein Schicksal und seine Gedanken sprechen.

Bei diesem Artikel handelt es sich nicht um eine biografische Skizze; unser Ziel war es nicht, den Lebensweg von Ivan Selivanov vollständig zu beleuchten, dennoch können wir auf eine kurze Einleitung nicht verzichten. Das schreibt die Lokalhistorikerin und Forscherin seines Lebens und Werks Nina Grigorievna Kataeva:

« Der Künstler traf mich in einem Haus, das auf dem Gelände eines Internats für Arbeitsveteranen im Dorf Inskom, Bezirk Belovsky, Region Kemerowo, gebaut wurde. Das Haus war wie eine Hütte gebaut, in der Selivanov vierunddreißig Jahre lang lebte. Alter, Gebrechlichkeit und Einsamkeit zwangen sie schließlich dazu, sich von ihr zu trennen und nach einem Jahr des traurigen Daseins in der Behaglichkeit eines Zimmers in einem Pflegeheim zu leben alter Künstler Endlich hatte ich das Gefühl, dass die örtlichen Führungskräfte sich um mich kümmerten».

Der Lehrer von Selivanov, dieser originelle Künstler, ein Dorfofenbauer, Juri Grigorjewitsch Aksjonow von der Moskauer Korrespondenz-Volksuniversität der Künste, sagte über ihn: „Das Einzige, wovor ihn sein Leben rettete, war die Flucht aus dem Lager. Alles andere war da.“ Was sonst? Wirklich, das ist es. Unfaire Anschuldigungen, Hunger, Kälte, Armut, Einsamkeit, Umherwandern ohne Arbeit. Aber vielleicht ist es gerade diesem Schicksal zu verdanken, dass der Künstler bis zu seinem letzten Atemzug kristallklar blieb.

Ein Kunstkritiker aus Polen, der bei einem Filmabend in Moskau im Kulturministerium der RSFSR hörte, dass für Selivanovs Erbe noch kein würdiger Ort gefunden worden sei, rief überrascht aus:

- Ja, wenn wir einen Künstler wie Ihren Iwan Jegorowitsch finden würden, würden wir ihm das beste Museum in Warschau schenken!

Nun, die Polen hätten es vielleicht zurückgeben können. Es gibt keinen Propheten in seinem eigenen Land.

Die Einsamkeit eines Langstreckenläufers

Selivanov selbst behandelte die Wechselfälle des Schicksals nicht gerade stoisch, sondern eher bescheiden, als wären sie unvermeidlich. Er betrachtete sich überhaupt nicht als Künstler.

- Ich bin ein Mann, der zwischen den Hausarbeiten Bilder malt, er sagte. Und er verwies wiederholt auf Leo Tolstoi, der auf die Frage, warum seine Figuren allesamt Grafen und Fürsten seien, antwortete:

„Weil sie die Geschichte kontrollieren können.“

Selivanov glaubte auch, dass die Armen den Verlauf historischer Ereignisse nicht beeinflussen können. Und als sie versuchten, ihn zu überzeugen, sagten sie: „Du bist ein Schöpfer und kannst nicht anders, als den Lauf des Lebens zu beeinflussen!“," er wiederholte: „Nein, ich bin ein Bettler“.

Und er behandelte Geld genauso. Als der Betrüger ihn um alles betrog, was er für die Ausstellungen bekommen konnte, zuckte er nur mit den Schultern: „Nun, anscheinend braucht sie es mehr…“

Iwan Jegorowitsch hinterließ viele Tagebuchnotizbücher – hier und „ Prophetische Träume Künstler“ und „Wo bist du, Glück?“ und „Geschichten und Gleichnisse“... Und er hielt das Notizbuch, das wir jetzt teilweise kennenlernen werden, für besonders bedeutsam für ihn.

„Gilt für alle“

Genau so betitelte Selivanov eines seiner Tagebuchnotizbücher: „Geht alle an.“ Und das natürlich nicht umsonst – sie sprachen über viele wichtige Dinge. Zum Beispiel über das seiner Meinung nach wertlose sowjetische Bildungs- und Erziehungssystem („Ich weiß nicht einmal, welcher der gebildeten Menschen die wichtige Aufgabe der Bildung eines Menschen übernehmen kann. Während alle diese Angelegenheit mit Kühle betrachten, geht sie niemanden etwas an. Die Menschen lernen also selbst – wer auch immer Erfolg hat.“ Gibt es nicht deshalb so viele Löcher in unserem Staat? Und es gibt alle möglichen „Schichten“ und diejenigen, die im Leben Privilegien genießen?“).

Und Selivanov schreibt dort über korrupte Schriftsteller und über die Arbeit als Lebensgrundlage und über Moskau, das so sehr gelitten hat, aber Moskau geblieben ist ... Selivanov schreibt auch viel über die Liebe.

« Ich habe meine Frau Varenka nicht betrogen. Seine Frau zu betrügen bedeutet dasselbe, wie sein Heimatland zu verraten. Ich verachte solche Männer immer und überall. IN Kriegszeit Wer sein Heimatland verriet, wurde an die Wand gestellt. Und welche Strafe verdient ein männlicher Ehemann wegen Hochverrats?».

Selivanov nennt sich selbst „Der Kapitän, der die Kontrolle über das Schiff verlor“. Aber er schreibt das voller Stolz „Dient dem Volk zu einer bescheidenen Mahlzeit, zu einem Stück Brot“.

Indem er seine Gedanken zur Moral zum Ausdruck bringt, denkt er schmerzlich über ewige Fragen nach, über die Hauptgeheimnisse der Existenz, über das, was von Immanuel Kant kommt – „ der Sternenhimmel über uns und das moralische Gesetz in uns" Iwan Jegorowitsch bezieht sich natürlich nicht auf Kant, aber sein, Selivanovs, „Sternenhimmel“ ist eine unendlich veränderliche Natur, die die Menschen auf unterschiedliche Weise belohnt: für wen „Instinkt zu stehlen“, Und wem - „zu guten Taten.“

Sehr bezeichnend ist sein Tagebucheintrag aus dem Jahr 1982: „ Gehen Sie zum steilen Hochufer. Der Horizont vor dir wird sich erweitern. Sie werden bewundern, was Sie sehen. Im Moment Ihres Nachdenkens wird am Horizont eine riesige Menschenmasse – die Menschen – auftauchen. Diese Menschen sind gefesselt und können sich kaum bewegen. Wo? Und das harmonische System Ihrer Gedanken würde durch den Willen Ihres Herzens sofort aus dem Gleichgewicht geraten. Sie würden denken – was ist das? Wohin gehen, wohin laufen? Aus einer so großen Masse gefesselter Menschen? Was für Menschen gibt es in diesem Menschenmeer ... Warum sind sie in eisernen Fesseln gefesselt? Ich würde jeden von ihnen von ganzem Herzen bitten... Ja, man kann das Gesetz nicht brechen, man kann sich ihnen nicht nähern».

Wenige unter anderem

So war er, Iwan Jegorowitsch Seliwanow, ein Künstler, Dichter und Weiser. Menschen, die ihn kannten, staunten manchmal – eine sehr bescheidene Ausbildung und eine würdevolle Rede! Selivanov sagte zum Beispiel: „ Rembrandt ist ein Ausnahmephänomen; es gibt nur wenige Künstler auf der Welt wie Rembrandt. Vielleicht zehn Leute. Im Gegensatz zu den anderen haben sie einen Ausdruck der Realität" Aber diese Worte lassen sich auch auf Iwan Jegorowitsch selbst übertragen. Es gibt nur wenige Menschen wie ihn auf der Welt ...

Andrey Bystrov,

) konnte in ihren ausdrucksstarken, schwungvollen Werken die Transparenz des Nebels, die Leichtigkeit des Segels und das sanfte Schaukeln des Schiffes auf den Wellen bewahren.

Ihre Bilder beeindrucken durch ihre Tiefe, ihr Volumen, ihren Reichtum und ihre Textur, die es unmöglich macht, den Blick von ihnen abzuwenden.

Warme Einfachheit von Valentin Gubarev

Primitivistischer Künstler aus Minsk Walentin Gubarew jagt nicht dem Ruhm hinterher und tut einfach das, was er liebt. Seine Werke erfreuen sich im Ausland großer Beliebtheit, sind bei seinen Landsleuten jedoch nahezu unbekannt. Mitte der 90er Jahre verliebte sich der Franzose in seine Alltagsskizzen und unterzeichnete einen Vertrag mit dem Künstler über 16 Jahre. Die Bilder, die scheinbar nur für uns, Träger des „bescheidenen Charmes des unentwickelten Sozialismus“, verständlich sein sollten, fanden großen Anklang beim europäischen Publikum, und Ausstellungen begannen in der Schweiz, in Deutschland, Großbritannien und anderen Ländern.

Sinnlicher Realismus von Sergei Marshennikov

Sergei Marschennikow ist 41 Jahre alt. Er lebt in St. Petersburg und arbeitet in den besten Traditionen der klassischen russischen Schule des Realismus Porträtgemälde. Die Heldinnen seiner Gemälde sind Frauen, die in ihrer Halbnacktheit zart und wehrlos sind. Viele der berühmtesten Gemälde zeigen die Muse und Frau des Künstlers, Natalya.

Die kurzsichtige Welt von Philip Barlow

IN moderne Ära Mit hochauflösenden Bildern und einem blühenden Hyperrealismus fällt Philip Barlows Werk sofort auf. Allerdings ist vom Betrachter eine gewisse Anstrengung erforderlich, um sich dazu zu zwingen, die verschwommenen Silhouetten und hellen Flecken auf den Leinwänden des Autors zu betrachten. Wahrscheinlich sehen Menschen mit Kurzsichtigkeit die Welt auch ohne Brille und Kontaktlinsen so.

Sonnige Hasen von Laurent Parselier

Gemälde von Laurent Parcelier ist wunderbare Welt, in dem es weder Traurigkeit noch Verzweiflung gibt. Düstere und verregnete Bilder sucht man bei ihm vergeblich. Es gibt viel Licht, Luft und helle Farben, die der Künstler mit charakteristischen, wiedererkennbaren Strichen aufträgt. Dadurch entsteht das Gefühl, als seien die Bilder aus tausenden Sonnenstrahlen gewoben.

Urbane Dynamik in den Werken von Jeremy Mann

Der amerikanische Künstler Jeremy Mann malt dynamische Porträts einer modernen Metropole in Öl auf Holztafeln. „Abstrakte Formen, Linien, der Kontrast von hellen und dunklen Flecken – all das schafft ein Bild, das das Gefühl hervorruft, das ein Mensch im Gedränge und Trubel der Stadt verspürt, aber auch die Ruhe ausdrücken kann, die man findet, wenn man stille Schönheit betrachtet.“ sagt der Künstler.

Die Scheinwelt von Neil Simon

In den Gemälden des britischen Künstlers Neil Simone ist nichts so, wie es auf den ersten Blick scheint. „Für mich ist die Welt um mich herum eine Reihe fragiler und sich ständig verändernder Formen, Schatten und Grenzen“, sagt Simon. Und in seinen Gemälden ist alles wirklich illusorisch und miteinander verbunden. Grenzen verschwimmen, Geschichten fließen ineinander.

Liebesdrama von Joseph Lorasso

Der zeitgenössische amerikanische Künstler Joseph Lorusso, ein gebürtiger Italiener, überträgt Motive, die er im Alltag beobachtete, auf die Leinwand. gewöhnliche Menschen. Umarmungen und Küsse, leidenschaftliche Ausbrüche, Momente der Zärtlichkeit und des Verlangens füllen seine emotionalen Bilder.

Landleben von Dmitry Levin

Dmitry Levin ist ein anerkannter Meister der russischen Landschaft, der sich als talentierter Vertreter der russischen realistischen Schule etabliert hat. Die wichtigste Quelle seiner Kunst ist die Verbundenheit mit der Natur, die er zärtlich und leidenschaftlich liebt und deren Teil er sich fühlt.

Heller Osten von Valery Blokhin