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Seit mehr als einem Vierteljahrhundert Russisch Musik Band„Turetsky Choir“ bleibt auf dem Höhepunkt des Erfolgs und begeistert Musikliebhaber. Zehn Solisten, geleitet von Nationaler Künstler RF haben ihren Weg in die Herzen von Millionen Fans nicht nur durch ihre tadellose Leistung und ihr Talent gefunden, sondern auch durch die Tatsache, dass die Gruppe keinen Repertoirebeschränkungen unterliegt. Das Arsenal der Gesangsgruppe umfasst Hits von Weltklassikern, Rockkompositionen, Jazz und Volkslieder.

Der Verzicht auf Soundtracks und „Live“-Stimmen machen jede Aufführung einzigartig. Das Repertoire des „Turetsky Choir“ umfasst Lieder, die in 10 Sprachen aufgeführt werden. Mehr als 5.000 Auftritte auf Bühnen in Russland, den postsowjetischen Ländern, Europa, Asien und Amerika haben die Gruppe weltberühmt gemacht.

Musik

Das Debüt der Gruppe fand 1990 statt, doch die Ursprünge der Kreativität liegen tiefer. Die Kunstgruppe wurde Ende der 1980er Jahre in der Chorsynagoge in Moskau gegründet. Das Repertoire umfasste zunächst jüdische Kompositionen und liturgische Musik. Nach ein paar Jahren wuchsen die Ambitionen der Band und die Solisten erweiterten ihr Genre-Repertoire um populäre Lieder und Musik verschiedene Länder und Epochen, Oper und Rockkompositionen.

Um den Hörerkreis zu erweitern, wurde laut Mikhail Turetsky, dem Leiter der Gruppe, Musik aus den letzten vier Jahrhunderten in das Repertoire aufgenommen – vom Chanson bis zum Pop-Hit der sowjetischen Bühne.

Die Debütkonzerte des „Turetsky Choir“ fanden mit Unterstützung der jüdischen Wohltätigkeitsorganisation „Joint“ statt und fanden in Tallinn, Chisinau, Moskau, Leningrad und Kiew statt. Interesse am Jüdischen Musikalische Tradition, das nach 1917 eingefroren war, flammte mit neuer Kraft auf.

In den Jahren 1991-92 ging der Turetsky-Chor auf Tournee durch Kanada, Frankreich, Großbritannien, Amerika und Israel. Im spanischen Toledo nahm das Ensemble an einem Festival zum 500. Jahrestag des jüdischen Exils teil und betrat die Bühne mit den Weltstars Isaac Stern und.

Mitte der 1990er Jahre spaltete sich der Turetsky-Chor: Die eine Hälfte blieb in der russischen Hauptstadt, die zweite zog nach Miami, wo die Musiker unter Vertrag arbeiteten. Das Repertoire der zweiten Hälfte wurde um Broadway-Klassiker und Jazz-Hits erweitert.

1997 unternahmen Sänger unter der Leitung von Turetsky eine Abschiedstournee durch das Land und gaben zusammen mit dem Sänger über 100 Konzerte.

Im Jahr 1999 präsentierte der „Turetsky Choir“ dem Publikum eine Repertoireaufführung mit dem Titel „Mikhail Turetsky’s Vocal Show“. Die Premiere fand auf der Bühne des Varieté-Theaters statt.

Im Jahr 2002 erhielt Mikhail Turetsky den Titel „Verdienter Künstler der Russischen Föderation“ und zwei Jahre später gab der Chor sein erstes Konzert im Rossija-Konzertsaal. Im selben Jahr 2004 Nationaler Preis„Person des Jahres“, das Programm der Gruppe mit dem Titel „Zehn Stimmen, die die Welt erschütterten“, wurde als „Kulturereignis des Jahres“ nominiert.

Anfang 2005 ging der Turetsky Choir auf Amerikatournee und gab Konzerte auf Bühnen Konzerthallen San Francisco, Los Angeles, Boston und Chicago. Im gleichen nächstes Jahr Sänger besuchten mit Hunderten von Städten in Russland und der GUS neues Programm, genannt „Born to Sing“.

Im Jahr 2007 gewann der Turetsky-Chor den Record 2007 Award, der dem Ensemble für das Album Great Music verliehen wurde. Die Sammlung umfasst klassische Kompositionen.

In den Jahren 2010-2011 gingen die Musiker zum Jubiläum Tour„20 Jahre: 10 Stimmen“, und 2012 fand zum 50. Jahrestag des Gruppenleiters ein Konzert im Kremlpalast statt, an dem neben dem Chor auch Stars teilnahmen Russisches Showbusiness. Im selben Jahr präsentierte das Ensemble den Fans das Lied „The Smile of God Rainbow“, zu dem ein Video aufgenommen wurde.

Im Frühjahr 2014 präsentierte Turetskys Team Musikliebhabern ein von einem Choreografen inszeniertes Showprogramm. Es hieß „Die Sicht eines Mannes auf die Liebe“. Um die Aufführung live zu sehen, versammelten sich 19.000 Zuschauer im Stadion des Olimpijski-Sportkomplexes und verfolgten von interaktiven Bildschirmen aus das Geschehen auf der Bühne.

Am Tag des Sieges gaben die Musiker Poklonnaja-Hügel 2-stündiges Konzert, das 150.000 Menschen anzieht. Im April 2016 präsentierte der Turetsky-Chor den Fans im Kremlpalast eine unvergessliche Show zu Ehren des 25-jährigen Jubiläums der Gruppe mit dem Titel „Mit dir und für immer“.

Verbindung

Im Laufe der Zeit änderte sich die Zusammensetzung der Künstlergruppe, der Leiter, Michail Turetsky, blieb jedoch unverändert. Nach seinem Abschluss am nach ihm benannten Institut Mitte der 1980er Jahre gelangte er zum Anführer des illustren Teams. Gnesine. Mikhails erste Schützlinge waren Kinder – Turetsky leitete einen Chor junger Sänger. Anschließend leitete er die Chorgruppe des Yuri Sherling Theaters.

Im Jahr 1990 gründete Michail Turezki eine Chorsynagoge in der Hauptstadt Männerchor, das sich zu einem renommierten Team entwickelt hat.

Einer der ältesten und zugleich jüngsten Solisten der Künstlergruppe, Alex Alexandrov, trat 1990 dem Chor bei. Der Moskauer schloss Mitte der 1990er Jahre sein Studium an der Gnesinka ab. Alexandrov wurde berühmt für das Kopieren von Stimmen und. Der Sänger hat eine reiche, dramatische Baritonstimme.

1991 schloss sich Turetskys Idee dem Dichter und Bassprofundo Evgeniy Kulmis an, der zuvor den Kinderchor leitete. Evgeniy wurde in der Nähe von Tscheljabinsk geboren, begann seine Karriere als Pianist und wechselte von Gnesinka zur Arbeit im Turetsky-Chor. Kulmis ist Autor von Liedtexten und russischen Übersetzungen einiger Lieder.

In den Jahren 1991-92 schlossen sich zwei weitere Moskauer dem Team an: der dramatische Tenor Jewgeni Tulinow und der Altino-Tenor Michail Kusnezow. Tulinov und Kuznetsov sind seit 2006 bzw. 2007 geehrte Künstler der Russischen Föderation. Beide sind Gnesinka-Absolventen.

Mitte der 1990er Jahre trat er dem Ensemble bei lyrischer Tenor aus Minsk Oleg Blyakhorchuk, der Klavier, Akkordeon, Melodica, Elektro und spielt Akustikgitarren. Er kam aus dem Orchester von Mikhail Finberg, wo er Solist war, zum Team.

Im Jahr 2003 nahm der Turetsky-Chor zwei weitere Hauptstadtbewohner in seine Zusammensetzung auf: Boris Goryachev, der zuvor russische Kirchenmusik aufgeführt hatte und über einen lyrischen Bariton verfügt, und Igor Zverev (Basscantanto).

In den Jahren 2007 und 2009 wurde die Künstlergruppe durch den Bariton-Tenor Konstantin Kabo und den Countertenor Vyacheslav Fresh bereichert. Beide sind gebürtige Moskauer.

Von denen, die die Gruppe verließen, erinnern sich Musikliebhaber an Boris Voinov, der von seiner Gründung bis 1993 im Turetsky-Chor arbeitete, an den Tenor Vladislav Vasilkovsky (1996 in die USA ausgewandert) und an den Operntenor Valentin Sukhodolets (verließ ihn 2009). Von 1991 bis 1999 sangen der Tenor Mark Smirnov und der Bass Vladimir Aranzon im Turetsky-Chor.

Jetzt „Turetsky-Chor“.

2017 präsentierte die Kunstgruppe den Fans das lyrische Lied „With You and Forever“, für das Regisseurin Olesya Aleinikova ein Video drehte. Das Video war einer der Spitzenreiter bei den VII Awards des Senders RU.TV. Die Zeremonie fand im Crocus City Hall der Hauptstadt statt.

Beim alljährlichen Musikpreis RU.TV präsentierte zum ersten Mal eine Nominierung für das beste auf der Krim gedrehte Video. VladiMir und der Turetsky-Chor kämpften um den Sieg.

Im Oktober 2017 überraschte das Team von Mikhail Turetsky Musikliebhaber erneut mit der Präsentation des Liedes und Videos „You Know“. Die Schauspielerin spielte in dem Video die Hauptrolle.

Auf der Seite des „Turetsky Choir“ in "Instagram" und auf der offiziellen Website erfahren Fans der Gruppe die Neuigkeiten in kreatives Leben Team. Im Februar 2018 gab das Ensemble ein Konzert im Kreml.

Diskographie

• 1999 – „Hohe Feiertage (jüdische Liturgie)“
• 2000 – „Jüdische Lieder“
• 2001 – „Bravissimo“
• 2003 – „Turetsky-Chor präsentiert...“
• 2004 – „Star Duette“
• 2004 – „Wenn Männer singen“
• 2006 – „Born to Sing“
• 2006 – „Großartige Musik“
• 2007 – „Moskau – Jerusalem“
• 2007 – „Musik aller Zeiten und Völker“
• 2009 – „Halleluja der Liebe“
• 2009 – „Musik aller Zeiten“
• 2010 – „Musik unserer Herzen“
• 2010 – „Die Show geht weiter“

Hauptfragen.

ICH.1) Definition des Chores durch herausragende Meister der Chorkunst.

2) Anweisungen im Chorauftritt.

3) Blick auf den Chor.

4) Anzahl der Chormitglieder.

II. Arten von Chören.

III. Anordnung Chorgruppe.

Ziel: Bestimmen Sie die Bedeutung der Anordnung der Chorgruppe für den günstigsten Klang des Chorwerkes, in Verbindung mit der Art und Art des Chores.

Definition eines Chores durch herausragende Meister der Chorkunst

A. A. Egorov („Theorie und Praxis der Arbeit mit einem Chor“): „Ein Chor ist eine mehr oder weniger zahlreiche Gruppe von Sängern, die ein Vokal-Chor-Werk aufführen. Darüber hinaus wird jeder Teil von mehreren homogenen Stimmen gesungen. Dadurch unterscheidet sich eine Chorgruppe als Gesangsorganisation deutlich von einem Kammergesangsensemble (Duett, Trio, Quartett etc.), bei dem jede einzelne Stimme immer nur einem Interpreten zugeordnet ist. Das typischste sauberes Aussehen Eine Chorgruppe ist ein A-cappella-Chor, also eine Gruppe, die ohne Instrumentalbegleitung singt. Eine andere Art von Chorgruppe – eine von einem Klavier, einem Instrumentenensemble oder einem Orchester begleitete Chorgruppe – ist nicht mehr völlig unabhängig: Sie teilt sich ihre Auftrittsaufgaben mit der Instrumentalbegleitung.

Ein A-cappella-Chor ist eine Art Vokalorchester, das auf der Grundlage der Synthese von Klang und Wort mit seinen satten Farben die künstlerischen Bilder eines Musikwerks vermittelt.“

V. G. Sokolov („Arbeiten mit einem Chor“): „Ein Chor ist eine Gruppe, die über ausreichende technische und künstlerische Kenntnisse verfügt Ausdrucksmittel Chordarbietung, die notwendig ist, um Gedanken, Gefühle und ideologische Inhalte zu vermitteln, die in das Werk eingebettet sind.“

P. G. Chesnokov („Chor und seine Leitung“): „Der A-cappella-Chor ist eine vollwertige Vereinigung einer beträchtlichen Anzahl menschlicher Stimmen, die in der Lage ist, die subtilsten Biegungen mentaler Bewegungen, Gedanken und Gefühle zu vermitteln, die in der aufgeführten Komposition zum Ausdruck kommen.“ Ein Chor ist eine Ansammlung von Sängern, deren Klangfülle ein streng ausgewogenes Ensemble, eine genau kalibrierte Struktur und künstlerische, klar ausgeprägte Nuancen aufweist.“

Beachten Sie, dass Tschesnokow Nuancen Elementen des Chorklangs zuschreibt und dieses Konzept breiter interpretiert als eine bewegte dynamische Tonleiter. Nuancen decken laut Chesnokov die Mittel der musikalischen und chorischen Ausdruckskraft ab – Merkmale von Rhythmus, Tempo, Agogie, Diktion usw. im Zusammenhang mit ihren dynamischen Veränderungen.

Chor ist ein äußerst umfangreiches Konzept. Normalerweise handelt es sich dabei um eine Musik- und Gesangsgruppe, deren Tätigkeit im kreativen Prozess des Musizierens (oder Darbietens) von Chormusik besteht. In diesem Zusammenhang ist ein Chor eine Gesangs- und Auftrittsgruppe, die durch kreative Ziele und Vorgaben vereint und organisiert ist. Das Prinzip des gemeinsamen Beginns ist für alle Chorteilnehmer verbindlich und muss in jeder Phase der Chorarbeit eingehalten werden. Ein Chor ist ein Vokalensemble mit einer großen Anzahl von Teilnehmern, bestehend aus Chorstimmen. Die Grundbasis jeder Chorstimme ist das Unisono, das die vollständige Einheit aller vokal-choralen Darbietungskomponenten voraussetzt – Klangerzeugung, Intonation, Klangfarbe, Dynamik, Rhythmus, Diktion, mit anderen Worten, ein Chor ist ein Ensemble vokaler Unisonostimmen. Der Chorauftritt drückt sich in zwei Formen des Musizierens aus: Singen ohne Begleitung (a cappella) und Singen mit Begleitung. Je nach Art der Intonation – in natürlicher oder temperierter Stimmung – nimmt die Rolle der Intonation zu. Eine genaue Intonation (Stimmung) und ein ausgewogener Klang (Ensemble) in einem Chor sind die Hauptvoraussetzungen für seine Professionalität. Eine gut eingespielte Chorgruppe wird immer als Vokalorchester bestehend aus menschlichen Stimmen wahrgenommen und erfordert daher vom Moment des Chorgesangs bis zum Konzertauftritt auf der Bühne eine ständige und systematische Aufmerksamkeit des Chorleiters. Die Struktur im Chor hängt von den Fähigkeiten und der Ausbildung der daran beteiligten Sänger sowie von den persönlichen und beruflichen Qualitäten des Dirigenten-Chorleiters, seinem Willen, seinem Wissen und seiner Erfahrung ab. Struktur in einem Chor ist immer mit der Umsetzung vieler verschiedener, miteinander verbundener Aufgaben verbunden – von der Organisation des Gesangs-Chor-Prozesses über die Ausbildung (Ausbildung) der Sänger bis hin zur Integration der eigentlichen Chorklanglichkeit mit der Identifizierung von Ensemble- und Strukturproblemen. Gleichzeitig werden wichtige Aufgaben im Prozess des Choraufbaus – die Bildung eines Ensembles von Stimmunisonen, die Tonhöhengleichmäßigkeit der gespielten Klänge, ihre klangliche Einheitlichkeit – gelöst, sofern die Gesangs- und Chorarbeit mit den Sängern ordnungsgemäß erfolgt organisiert. Der Chorauftritt verbindet auf organische Weise verschiedene Arten von Künsten – Musik und Literatur (Poetik). Die Synthese dieser beiden Arten von Künsten führt spezifische Merkmale in die Chorkreativität ein. Eine logische und sinnvolle Kombination von Musik und Worten definiert das Konzept des Gesangs-Chor-Genres. Ein guter Chor zeichnet sich immer durch eine technische und künstlerisch-ausdrucksstarke Leistung aus, bei der neben den Ensemble- und Strukturproblemen auch die Probleme der musikalischen und literarischen Interpretation gelöst werden.

Keine der oben aufgeführten Eigenschaften kann isoliert existieren. Alle Komponenten sind miteinander verbunden und in ständiger Harmonie.

Der Chorauftritt war zunächst Amateurmusik und erlangte erst dank besonderer historischer Bedingungen den Status einer professionellen Kunst. Hierher kommen zwei Hauptformen der Chortätigkeit – Profichor und Amateurchor, daher die Eigennamen – Berufschor und Amateurchor (Folk, Amateur). Beim ersten handelt es sich um einen Chor, der aus speziell ausgebildeten Sängern besteht, beim zweiten handelt es sich um einen Chor, an dem jeder teilnimmt, der singen möchte. Der Unterricht in Amateurchören ist nicht so reglementiert wie in professionellen Chören.

Bei der Choraufführung gibt es zwei Hauptrichtungen – akademische und volkstümliche Richtungen, die sich durch qualitative Unterschiede in der Art der Aufführung auszeichnen.

Ein akademischer Chor (oder eine akademische Kapelle) basiert seine Aktivitäten auf den Prinzipien und Kriterien der musikalischen Kreativität und Aufführung, die von der professionellen Musikkultur und den Traditionen jahrhundertealter Erfahrung in den Genres Oper und Kammermusik entwickelt wurden. Akademische Chöre haben eine einzige Voraussetzung für Gesangsarbeit – einen akademischen Gesangsstil. Bei der Betrachtung der Probleme des Vokal- und Chorgesangs gehen wir vom Konzept des akademischen Gesangsstils aus.

Ein Volkschor ist eine Gesangsgruppe, die Volkslieder mit ihren inhärenten Merkmalen (Chorstruktur, Gesangsstil, Phonetik) aufführt. Volkschöre bauen ihre Arbeit in der Regel auf der Grundlage lokaler oder regionaler Gesangstraditionen auf. Dies bestimmt die Vielfalt der Kompositionen und Aufführungsweisen von Volkschören. Es sollte unterschieden werden Volkschor in seiner natürlichen, alltäglichen Form von einem speziell organisierten Volkschor, ob Profi oder Amateur, der sowohl echte Volkslieder als auch originelle Kompositionen im Volksgeist aufführt.

Chorwerke können durch die Anzahl ihrer eigenständigen Chorstimmen charakterisiert werden, die durch das Konzept des Chortyps bestimmt wird. Es gibt Werke für Chöre unterschiedlicher Zusammensetzung – einstimmig, zweistimmig, drei-, vier- und mehrstimmig. Die Prinzipien der Verwendung von Divisi (Trennung) in Chorstimmen hängen mit den Tonhöhenverhältnissen von Singstimmen sowie ihren harmonischen und Klangfarben-Farbkombinationen zusammen. Es ist bekannt, dass Divisi die Chorpräsentation harmonisch sättigt, gleichzeitig aber die Klangstärke der Chorstimmen merklich schwächt.

Die wichtigste und quantitativ minimale Struktureinheit des Chores ist der Chorteil, ein koordiniertes Ensemble von Sängern, deren Stimmen in ihren allgemeinen Parametern in Tonumfang und Klangfarbe relativ identisch sind. Ausgehend von der Chorstimme (einer Gruppe von Sängern) beginnt der Aufbau des Chorklangs in vielerlei Hinsicht: Die Chorstimme stellt den Ausgangsgegenstand der Arbeit des Dirigenten bei der Bildung des Ensembles und der Struktur sowie bei der künstlerischen Ausschmückung des Werkes dar. In diesem Zusammenhang wird das Problem der geringsten Anzahl von Sängern (Stimmen) in einer Chorstimme – 3-4 Sänger – sowie deren Klangfarbe und dynamisches Gleichgewicht deutlich.

Theoretisch kann nach der Definition von P. G. Chesnokov ein homogener zweistimmiger Kinder-, Frauen- oder Männerchor aus mindestens 6 Sängern bestehen, zum Beispiel 3 Sopranistinnen (Soprane) + 3 Altisten, 3 Tenöre + 3 Bässe. In der modernen Aufführungspraxis wird ein Chor ähnlicher Größe jedoch als Vokalensemble bezeichnet. Als gehaltvoller gilt eine Doppelbesetzung des Chores, bei der jede Stimme mindestens zwei Besetzungen hat: 6 erste Soprane + 6 zweite Soprane + 6 erste Altisten + 6 zweite Altisten, also insgesamt 24 Sänger. Hier ist es auch möglich, jede Partei in zwei Gruppen aufzuteilen (divisi).

Die Anzahl der Sänger in den Chorstimmen muss gleich sein. Es ist inakzeptabel, dass eine Sängergruppe von Frauen oder Kindern von 30 Personen beispielsweise aus 11 ersten Sopranistinnen, 9 zweiten Sopranistinnen, 6 ersten Altistinnen und 4 zweiten Altistinen besteht. Es wird empfohlen, die Anzahl der Sänger in der ersten Sopran- und zweiten Altstimme in einem vierstimmigen Frauenchor (Kinderchor) leicht zu erhöhen, was sowohl mit der dynamischen Auswahl der Chorstimme, die die obere melodische Stimme (C I) spielt, als auch verbunden ist mit dem kompakteren Klang der Akkordbasis (A II), zum Beispiel:

erste Soprane – 8 Personen;

zweiter Sopran – 7 Personen;

Bratschen zuerst – 7 Personen;

Alt 2. – 8 Personen.

Gesamt: 30 Personen.

Die Klangdichte der Unisonostimmen eines Kammerchors, dessen Anzahl 10 Sänger nicht überschreitet, steht in keinem Verhältnis zum Klang der Chorstimmen eines großen Chores, bei dem die Anzahl der Sänger in den Chorstimmen 20 beträgt. 25 Sänger.

In der Theorie der Chorwissenschaft ist es üblich, die quantitative Zusammensetzung von Chören in drei Haupttypen einzuteilen – kleine (Kammer-), mittlere und große Chöre. In der modernen Aufführungspraxis besteht ein Kammerchor mit einer ungefähren Anzahl von Sängern aus 20 bis 30 Personen. Bei einem durchschnittlichen gemischten Chor mit bis zu 40 Personen wird jeder Chorteil in zwei Teile geteilt. Die Größe eines großen gemischten Chores liegt normalerweise zwischen 80 und 120 Personen (gelegentlich auch mehr).

Unter günstigen Bedingungen massiv und kombinierte Chöre mehrere hundert und sogar tausende Menschen. In der Chorliteratur gibt es Beispiele für mehrchörige Kompositionen, die im Allgemeinen mehr als eineinhalb Dutzend unabhängige Chorstimmen umfassen.

Das bestehende Konzept eines Doppelchors bedeutet einen Chor, der in zwei Honorare aufgeteilt ist, von denen jeder relativ unabhängig ist; beide Teile des Doppelchors können entweder gemischt (vollständig oder unvollständig) oder homogen sein. Der Dreichor besteht dementsprechend aus drei Teilen.

Für jeden auftretenden Chor gibt es spezielle Chorliteratur, die selbstverständlich die klanglich-katholischen Besonderheiten und die Chorgröße berücksichtigt. So werden Werke, die für einen Kammerchor geschrieben wurden und sich daher an eine kleine Gruppe richten, in einem großen Chor mit etwa 100 Sängern voll und schwer klingen. Umgekehrt ist die Partitur für großen Chor mit Aufteilung verschiedene Stimmen im Klang eines kleinen Chores verliert es seine bildliche Farbigkeit.

Arten von Chören

Die Zusammensetzung der auftretenden Gruppe in Gruppen wird durch den Begriff Chortypus charakterisiert. Singstimmen werden in drei Gruppen eingeteilt: Frauen-, Männer- und Kinderstimmen. Ein Chor, der aus den Stimmen einer Gruppe besteht, wird als homogen bezeichnet, und ein Chor, der aus Frauen- (oder Kinder-) und Männerstimmen oder den Singstimmen aller drei Gruppen besteht, wird als gemischt bezeichnet. Derzeit gibt es vier Arten von Chören: Frauen-, Männer-, Kinder- und gemischte Chöre.

Gemischter Chor (vollständige Komposition)

Der Tonumfang eines gemischten Chores beträgt mehr als 4 Oktaven G-A-Gegenoktave bis zu 3 Oktaven. Ein gemischter Chor verfügt über eine große Klangdynamik vom kaum hörbaren PP bis zum FF, die mit einem Sinfonieorchester mithalten kann.

Männerchor

Der Bereich einer Gegenoktave beträgt bis zu 2 Oktaven. Der Männerchor hat einen sehr dynamischen Klang und helle Klangfarben. Der Tenor ist die führende Melodiestimme und singt mit einem dickeren Brustklang.

Frauenchor

Bereich von tödlicher Oktave bis zu 3 Oktaven. Extreme Geräusche sind selten. Am häufigsten ist eine gemischte und enge Anordnung der Stimmen. Viele Originalkompositionen und Arrangements Volkslieder Russische und ausländische Komponisten schufen für den Frauenchor.

Kinderchor

Die ausdrucksstarken und technischen Fähigkeiten eines Kinderchors hängen eng mit den Altersmerkmalen der Komposition zusammen.

Die Stimme eines Kindes zeichnet sich durch Transparenz, Weichheit, Schärfe der Intonation und die Fähigkeit aus, eine ideale Stimmung und Ensemble zu erreichen. Der Klang des Kinderchors zeichnet sich durch Spontaneität und Aufrichtigkeit des Auftritts aus. Der Kinderchor verfügt über hervorragende Auftrittsmöglichkeiten.

Chorarrangement

Die Choranordnung ist ein spezifisches System der Anordnung von Sängern zum Zweck ihrer gemeinsamen Auftrittstätigkeit. Die heimische Chorkultur hat in der Frage der Chorplatzierung umfangreiche Erfahrungen gesammelt. Das theoretische Verständnis dieser Erfahrung spiegelte sich in den Werken von P.G. Chesnokov, G.A. Dmitrevsky, S.V. So stellt V.G. Sokolov fest, dass „eine bestimmte Stimmenanordnung bei Proben und Konzertaufführungen von nicht geringer Bedeutung ist.“

Einer der wichtigsten Aspekte in dieser Angelegenheit ist der künstlerische und darstellerische Aspekt. Es ist bekannt, dass die Anordnung den Sängern die günstigsten Bedingungen für die Besetzung bieten soll. In diesem Zusammenhang schreibt A.A. Egorov: „Durch die konsequente Neuanordnung der Stimmen innerhalb der Gruppe und die sorgfältige Auswahl einer Stimme zur anderen auf der Grundlage von Homogenität und Klangfarben ist es möglich, eine vollständige Verschmelzung herbeizuführen und so den Grundstein für einen Chorpart zu legen.“

Durch die richtige Anordnung soll die Möglichkeit des Hörkontakts zwischen den Sängern unterschiedlicher Chorstimmen gewährleistet werden, denn „eine gute gegenseitige Hörbarkeit der Chorstimmen schafft die günstigsten Voraussetzungen für die Entstehung eines Ensembles und einer Struktur, die die Grundlage für den Zusammenhalt des Chors bildet.“ .“

Normalerweise orientiert sich die Platzierung des Chors oder der Bühne an etablierten Traditionen. Nahestehende Parteien gehören zur gleichen Gruppe. Die Stimmen jedes Teils entsprechen einander in Klangfarbe, Klangumfang usw. Die Chorgruppe ist so positioniert, dass linke Hand Es gab hohe Stimmen vom Dirigenten und tiefe Stimmen von rechts. In einem gemischten Chor sind die Sopranistinnen links vom Dirigenten platziert, gefolgt von den Tenören; rechts sind die Altstimmen, gefolgt von den Bässen.

Unter den vielen Möglichkeiten, homogene Chöre zu arrangieren, ist die Anordnung der einzelnen Stimmen in einer Gruppe, ähnlich einem Sektor, die beliebteste. In einem Frauen- oder Kinderchor (von links nach rechts): zweite Sopranistin, erste Sopranistin, erste Altistin, zweite Altistin. Im Männerchor: zweiter Tenor, erster Tenor, zweiter Bässe, erster Bässe, Oktavisten stehen im Zentrum. Es wird angenommen, dass die Räumlichkeiten des ersten hohe Stimmen(I. Sopran oder I. Tenöre) in der Mitte des Chores verbessert die Klangfülle, und die Platzierung der zweiten hohen Stimmen (II. Sopran oder II. Tenöre) „überdeckt“ bis zu einem gewissen Grad den Klang der ersten.

Frauen-(Kinder-)Chor

Männerchor

Diese Anordnung des Chores wird üblicherweise bei Aufnahmen verwendet. Dabei wird vor jeder Chorstimme ein eigenes Mikrofon platziert. Die Platzierung eines gemischten Chores bei der Tonaufnahme berücksichtigt die Richtung des Klangs jeder Chorstimme zu einem separat platzierten Mikrofon.

Neben der angegebenen werden auch andere Möglichkeiten der Chorgruppenbildung genutzt, zum Beispiel:

Frauen-(Kinder-)Chor

Während der Proben sollte der Chor genauso positioniert sein wie während des Auftritts. Es wird nicht empfohlen, die Chorgruppe in einer horizontalen Ebene zu platzieren, da dies dazu führt, dass die Sänger den richtigen Sichtkontakt zum Dirigenten verlieren. Darüber hinaus werden Chormitglieder gezwungen, „hinter“ den Chormitgliedern vorn zu singen. In einem gemischten Chor ist es üblich, die Männerstimmen etwas höher anzuordnen als die Frauenstimmen.

Die Quartettbesetzung des Chores schafft beste Voraussetzungen für die auditive Selbstkontrolle der Sänger, berücksichtigt die individuellen Gesangsfähigkeiten jedes einzelnen Gruppenmitglieds und wird in Kammerchören eingesetzt.

Die Platzierung des Chores auf der Bühne richtet sich nach den akustischen Eigenschaften des Nachhalls. Hall ist die akustische Eigenschaft eines Raumes, die auf der Reflexionsfähigkeit seiner Innenflächen beruht und die Stärke und Dauer von Klängen erhöht (der „Echo“-Effekt). Bei zu wenig Hall wird der Klang „trocken“, bei zu viel wird die Darbietung „unverständlich, dreckig“. Auf dieser Grundlage befindet sich derzeit die nach ihr benannte St. Petersburger Staatliche Singkapelle. M. I. Glinka (Regisseur V. A. Chernushenko) verwendet eine Choranordnung, bei der Frauenstimmen die dritte und vierte Reihe bilden männliche Stimmen belegen die erste und zweite Reihe. Gleichzeitig nutzt der Leiter dieser Gruppe eine breite Besetzung des Chores.

Besser ist es, die Chorgruppe in Form eines kleinen Halbkreises (fächerförmig) oder im Extremfall in einer geraden Linie mit leichten Rundungen an den Rändern anzuordnen. Den Chor ausschließlich in einer geraden Linie zu platzieren, ist weniger praktisch.

Bei der Aufführung von Chorwerken mit Klavierbegleitung wird das Instrument vor dem Chor in der Mitte oder rechts (vom Dirigenten) aufgestellt; Bei Aufführungen mit Orchester- oder Ensemblebegleitung wird das Orchester bzw. Ensemble davor und der Chor in einem kleinen Halbkreis dahinter platziert. Bei der Aufführung von „Drei russischen Liedern“ von S. Rachmaninow, die für einen unvollständigen gemischten Chor (Alte und Bässe) und Orchester geschrieben wurden, befinden sich die Chorstimmen beispielsweise normalerweise links (Alte) und rechts (Bass) des Chors Dirigent hinter dem Orchester auf einer speziellen Plattform (Chorgestühl). In diesem Fall wird der Klang jedes einzelnen Teils kompakter und monolithischer. Die langfristige Verwendung einer Chorstimme, wie beispielsweise im angegebenen Werk, ermöglicht es uns, die Chorstimme mit einem sehr seltenen Begriff zu charakterisieren – Altchor oder Basschor.

Durch die Durchführung moderner wissenschaftlicher Untersuchungen zum Einfluss akustischer Muster und der Position von Sängern konnten Anpassungen an der Anordnung des Chores vorgenommen und eine Reihe praktischer Empfehlungen entwickelt werden, die darauf abzielen, angemessene Bedingungen für die auditive Selbstkontrolle von Sängern sicherzustellen:

Platzieren Sie starke und schwache Stimmen nicht in unmittelbarer Nähe.

Verwenden Sie eine gemischte Version eines breiten Arrangements mit abwechselnd verwandten und unterschiedlichen Stimmen.

Die vorgestellte Anordnungsmöglichkeit hat folgende Vorteile:

Schafft Bedingungen für die Erzielung eines künstlerischen Ensembles nicht auf der Grundlage der Nivellierung der Klangfarben, sondern durch die Identifizierung der natürlichen Klangfarbenfähigkeiten jeder Stimme, was den Trend fortschrittlicher Gesangs- und Chortechniken widerspiegelt und fördert erfolgreiche Entwicklung und Verbesserung der Gesangsfähigkeiten.

Schafft mehr effektive Bedingungen den Chor als Gemeinschaft von Einzelpersonen (Ensemble von Solisten) zu organisieren.

Trägt dazu bei, dass bei jedem Sänger ein höheres Maß an Verantwortung für die Qualität seiner „Gesangsproduktion“ entsteht. Das Musizieren in diesem Arrangement erfordert vom Sänger ein Höchstmaß an Eigeninitiative und Unabhängigkeit.

Hilft dabei, die individuellen Klangfarbeneigenschaften jeder Stimme zu identifizieren und hat somit einen ganz erheblichen Einfluss auf die Klangqualität des Chores, der klangfarbenreicher, gesättigter und voluminöser wird.

Stichworte

Chor; Typ; Sicht; Nummer; Chorstimmen; weiblich; männlich; gemischt; Kinder; Anordnung; Ausführung; Klangfarben

Kurze Schlussfolgerungen

Der stimmliche und methodische Aspekt der Chorgestaltung wird in Arbeiten zur musikalischen Kindererziehung angesprochen. So weist M.F. Zarinskaya auf die Bedeutung der Anordnung der Sänger hin, um den Einfluss einiger Stimmen auf andere im Prozess der Gesangsausbildung im Chor zu organisieren. Sie empfiehlt, in der letzten Reihe und an den Rändern des Chores „diejenigen zu platzieren, die mit der schönsten Klangfarbe singen, und natürlich auch erfahrene Chorsänger, ganz vorne – Kinder, die schwächer singen oder gewisse Gesangsdefizite haben.“

Kontrollfragen

1.Was ist ein Chor?

2.Beschreiben Sie den gemischten Chor.

3. Welche Möglichkeiten der Chorgründung kennen Sie?

4.Welche Faktoren beeinflussen die Platzierung von Chorsängern auf der Bühne?

Literatur

Osenneva M. S., Samarin V. A. Chorklasse und praktische Arbeit mit dem Chor. - M. 2003

Keerig O.P. Chorstudien - S.-P. 2004

Sokolov Vl. Arbeit mit dem Chor - M., „Musik“ 1983.

In der musikalischen Praxis gibt es weitere Begriffe, die in ihrer Bedeutung dem Begriff „Arrangement“ ähneln: Transkription, Bearbeitung, Harmonisierung, Orchestrierung oder Orchesterausgabe.

Die Choranordnung hat Unterscheidungsmerkmale. Bevor er mit der Bearbeitung eines Werkes beginnt, muss der Arrangeur sicherstellen, dass das Werk mit der beabsichtigten Aufführungskomposition gut klingt und dass die wesentlichen und wesentlichen Aspekte hinsichtlich des künstlerischen Werts des Werks erhalten bleiben. Darüber hinaus gilt diese Anforderung für die Übertragung eines Vokal- oder Instrumentalwerks in die Gattung Chor. Zum Beispiel in Liebesromanen poetischer Text wird oft in der ersten Person angegeben und ist daher für eine kollektive Aufführung ungeeignet. Wir dürfen nicht vergessen, dass das Genre der Romantik subtile agogische (Tempo) und dynamische Nuancen erfordert, was bei der Choraufführung nur mit großer Mühe erreicht werden kann.

Das Arrangieren ist in erster Linie ein kreativer Prozess, der vom Arrangeur vor allem Talent und Instinkt im Verständnis des Taktes erfordert, der nicht überschritten werden sollte, um die Absicht des Autors nicht zu verfälschen. Die Hauptaufgabe besteht dabei darin, die Hauptmerkmale des Werks wie musikalisches Themenmaterial, modale Struktur, harmonische Sprache, Rhythmus, Tempo, literarischer Text. Es ist bekannt, dass sich die Gesamtfarbe eines Werkes verändert, wenn man es in eine andere Tonart transponiert. Bei höheren Pegeln klingt das Werk immer leichter, bei niedrigeren Pegeln jedoch weniger ausdrucksstark.

Die Hauptanforderung an ein Chorarrangement besteht darin, den Normen einer geeigneten Tessitura zu folgen. Singstimmen müssen innerhalb des Arbeitsbereichs und der Arbeitsnotizen liegen. Der Arbeitsbereich unterscheidet sich vom Vollbereich dadurch, dass ihm hohe und tiefe Töne fehlen.

Schauen wir uns allgemeine und typische Anordnungsmethoden an. Manchmal kann sich die Anordnung auf minimale Änderungen am Original beschränken. So werden beispielsweise einzelne melodische Wendungen auf andere Chorgruppen übertragen, sodass die Melodielinie lebendiger, ausdrucksvoller und ohne übermäßige Betonung vorgetragen wird.

Es sollte über die Besonderheiten der Anordnung einiger Intervallkonsonanzen gesprochen werden. Die Besonderheit des Chorklangs besteht darin, dass alle Ingervalen in bequemen Registern normalerweise gut und edel klingen. Dies gilt auch für Intervalle wie Quarte, Quinte, Oktave, die auf dem Klavier leer klingen. In Chorklangfarben haben diese Konsonanzen eine völlig andere Färbung, so dass sie in zweistimmigen Partituren frei verwendet werden können.

Anordnung zweistimmiger homogener Chöre

Wenn ein homogener Chor durch seine übliche Zusammensetzung repräsentiert wird, also ein Frauenchor – Soprane und Altstimmen, ein Männerchor – Tenöre und Bässe, dann bleibt in der Anordnung in der Regel die Tonalität des homogenen Chores erhalten.

Besteht ein homogener Chor aus zwei hohen Stimmen (Sopran I und II oder Tenor I und II), ist bei der Transkription in einen gemischten Chor eine Abwärtstransposition in einem geeigneten Intervall erforderlich, das normalerweise eine große Terz nicht überschreitet. Wenn ein homogener Chor aus zwei tiefen Stimmen besteht, ist eine Aufwärtstransposition erforderlich.

In zweistimmigen homogenen Chören werden alle drei Stimmen verdoppelt, wenn sie dreistimmige Elemente enthalten. Wird in der Oberstimme eine Zweiteilung durchgeführt, so wird Sopran I durch Tenöre I, Sopran II durch Tenöre II, Altbass verdoppelt. Bei Divisi in der Unterstimme wird der Sopran durch Tenöre, Alt I durch Bässe II verdoppelt. Ein Umstieg auf einen anderen Schlüssel ist hier nicht erforderlich.

1. Die Partitur für gemischten Chor entsteht durch Verdoppelung aller drei Stimmen.
2. Die Partitur für gemischten Chor entsteht durch Verdoppelung zweier Stimmen drei Stimmen homogener Chor.
3. Die Partitur eines gemischten Chores entsteht durch die Verdoppelung einer der Stimmen eines homogenen Chores.

Methode II:

Bei Transkriptionen nach der zweiten Methode bleibt in der Regel die Tonalität eines homogenen Chors erhalten. Wenn in einem homogenen Chor jedoch eine Divisi in der Oberstimme (Sopran oder Tenor) vorhanden ist, ist eine Abwärtstransposition erforderlich, da sonst die Altstimmen in einem gemischten Chor sehr hoch positioniert werden.

III-Methode:

wenn von einem Frauenchor arrangiert

wenn transponiert mit Männerchor

Die Hauptmethode solcher Transkriptionen besteht darin, die Anordnung der Stimmen in einem homogenen Chor zu ändern und gleichzeitig die Tonalität des Werks beizubehalten. In der Chorpraxis hat es sich am weitesten verbreitet, da es bei seiner Verwendung keine Einschränkungen des Stimmumfangs eines homogenen Chores erfordert.

Diese Methode ist am praktischsten, wenn die Stimmen eines homogenen Chors eng beieinander liegen. In diesem Fall sorgt die Bearbeitung für einen gemischten Chor für eine gleichmäßige Stimmenverteilung im Akkord und damit für seinen vollen, einheitlichen Klang.

Bei einer breiten oder gemischten Stimmenanordnung eines homogenen Chores in einem Arrangement können sich unerwünschte Lücken zwischen den Chorstimmen bilden, die die Klangqualität der Partitur verschlechtern. Um solche Brüche zu verhindern, ist es notwendig (sofern dies unter den Bedingungen von Stimmführung und Tessitura möglich ist), die Intervallbeziehungen, die in den Akkorden eines homogenen Chores bestanden, beizubehalten oder die Mittelstimmen im Akkord so neu anzuordnen es keine Pause gibt, oder an der Stelle der Pause eine fünfte Stimme einzuführen.

Bei dieser Transkription kann es auch bei Stimmenüberschneidungen in den Akkorden eines homogenen Chores zu Stimmlücken kommen. Um Lücken zu vermeiden, ist es in solchen Fällen nicht erforderlich, die Mittelstimmen zu vertauschen. Es ist notwendig, die gleiche Anordnung wie im homogenen Chor beizubehalten.

Es muss daran erinnert werden, dass diese Anordnungsmethode eher für Werke mit ruhigem, gemächlichem Charakter geeignet ist. Eine Erweiterung des Chorumfangs um eine Oktave und eine Änderung der Position der Stimmen hat in diesem Fall keinen negativen Einfluss auf den Klangcharakter.

Ein anderes Ergebnis, genau das Gegenteil, kann eintreten, wenn das Stück in einem schnellen Tempo aufgeführt wird und von kurzen Dauern dominiert wird. Bei der Darbietung können Schwerfälligkeit und Schwere auftreten, die dem Bewegungstempo fremd sind. Daher besteht für solche Transkriptionen keine Notwendigkeit, Werke zu übernehmen, bei denen sich eine Änderung der Textur negativ auswirkt künstlerische Verdienste Transkriptionen.

Es gibt auch einen anderen Weg, der jedoch in der Praxis selten vorkommt, da er eine Begrenzung der Stimmlagen der beiden unteren Stimmen eines homogenen Chors erfordert.

Arrangement von dreistimmigen homogenen Chören homophon-harmonischer Natur für vierstimmige gemischte Chöre

Anders als bei der vorherigen Art der Anordnung, bei der ein gemischter Chor durch Oktavverdoppelung der Stimmen eines homogenen Chors gebildet wurde, beinhaltet diese Art der Anordnung die Erstellung einer vierstimmigen Partitur, in der jede Stimme ihre eigene unabhängige Melodielinie hat. Diese Methode kann angewendet werden, wenn ein dreistimmiger Chor oder seine einzelnen Strukturen homophon-harmonisch präsentiert werden. Für solche Transkriptionen sollten Sie keine Chöre mit subvokaler Entwicklung wählen, da die vierstimmige harmonische Struktur die charakteristische Farbgebung der subvokalen Struktur verfälschen kann.

Wenn ein Frauenchor transkribiert wird, erklingt die Unterstimme eine Oktave tiefer und wird auf den Bass übertragen; Wenn Sie ein Arrangement für einen Männerchor erstellen, steigt die oberste Stimme, übertragen auf die Sopranstimme, eine Oktave höher.

Die Mittelstimmen eines gemischten Chores (Alt- und Tenörstimmen) werden unter Beachtung der Normen der Stimmführung gebildet, die darauf basieren, die Harmonie eines vierstimmigen Akkords mit den fehlenden Klängen zu füllen. Dabei muss die Mittelstimme eines homogenen Chores nicht unbedingt unverändert in eine der Mittelstimmen eines gemischten Chores übergehen.

Weder die melodische Position des Akkords, noch sein Aussehen, noch harmonische Funktion. Nur die Fülle des harmonischen Klangs und die Anordnung der Stimmen im Akkord können sich ändern. In dreistimmigen Werken wird die Tonika häufig durch einen Sextakkord dargestellt. In einer vierstimmigen gemischten Partitur wird dieser Sextakkord durch den Hauptakkordtyp ersetzt.

Arrangements homogener Chöre mit variabler Stimmenzahl für gemischte Chöre

Solche Transkriptionen basieren auf einer Kombination verschiedener zuvor besprochener Methoden. Einstimmige Besetzungen, zweistimmige Besetzungen sowie zweistimmige Besetzungen mit dreistimmigen Elementen erfordern eine Oktavverdopplung der Stimmen eines homogenen Chores. In dreistimmigen Episoden können sich zwei Möglichkeiten der Anordnung ergeben: Oktavverdoppelung der Chorstimmen oder Ersatz dreistimmiger Akkorde durch eine vierstimmige Darbietung, bei der jede der Stimmen des gemischten Chors eine eigenständige Melodielinie erhält.

Die Wahl der einen oder anderen Methode hängt von den Eigenschaften der jeweiligen Konstruktion ab.

Bearbeitung vierstimmiger gemischter Chöre in vierstimmige homogene Chöre

Ein charakteristisches Merkmal der Anordnung vierstimmiger gemischter Chöre für vierstimmige homogene Chöre besteht darin, dass das Werk von einer an Register- und Klangfarben-Ausdrucksmerkmalen reicheren Komposition auf einen Chor mit bescheideneren Mitteln und Fähigkeiten übertragen wird. Daher lässt sich nicht jedes für gemischten Chor geschriebene Werk für homogene Kompositionen arrangieren, ohne seinen künstlerischen Inhalt zu beeinträchtigen.

1. Der Chor präsentiert sich in enger Anordnung.
2. Der Chor ist breit aufgestellt.
3. Der Refrain wird in variabler Besetzung präsentiert.
4. Der Refrain ist unabhängig von seinem Standort in einer komplexen, entwickelten Form geschrieben.

In der Chorliteratur gibt es Werke für gemischte Chöre, die von Anfang bis Ende eng arrangiert sind. Häufiger handelt es sich dabei um kleine Konstruktionen in Form einer Epoche. Um einen solchen gemischten Chor für einen Frauenchor zu arrangieren, müssen Sie die Tonart um eine Sekunde oder Terz anheben und die Stimmen nach folgendem Schema übertragen:

Ein solcher Gangwechsel verändert manchmal die Umkehrung des Akkords. Bei der Bearbeitung von Werken, die für einen gemischten Chor der genannten Art geschrieben wurden, für einen Männerchor muss die Tonart des Werks in der Regel um eine Quinte abgesenkt werden (für einen professionellen Männerchor) und für Laienchor bis zur Oktave inklusive.

Solche Kompositionen sind in der Chorliteratur selten zu finden. Ebenso wie Werke mit einer konstanten engen Anordnung werden Chöre mit einer konstant breiten Stimmenanordnung meist in Form von Chorminiaturen präsentiert. Ihre Anordnung für eine homogene Komposition erfolgt dadurch, dass eine breite Anordnung in eine enge umgewandelt wird, ohne die Tonart zu ändern.

Eine Ausnahme bildet die Bearbeitung für einen professionellen Männerchor, bei dem die Tonalität des Werkes leicht erhöht werden darf. Die Tonalität des Amateurs hängt vom oberen Klang der Sopranstimme ab. Es sollte nicht höher als „F“ der ersten Oktave sein.

In der Chorliteratur sind am häufigsten Werke für gemischte Chöre mit wechselnden Stimmen zu finden. Bei der Gestaltung einer solchen Partitur für homogene Kompositionen stellt sich die Frage nach der Wahl der Tonalität für Männer- und Frauenchor.

Tatsache ist, dass in Werken, die sowohl eine weite als auch eine enge Anordnung beinhalten und es sich somit nicht mehr um Chorminiaturen handelt, sondern um Werke von mehr große Form, kann der gesamte Tonumfang des Chores genutzt werden, einschließlich der extremen Register des Chores oder seiner einzelnen Stimmen, die sich meist weder nach oben noch nach unten ändern lassen.

Daraus folgt, dass es vorzuziehen ist, die Tonalität des Originals beizubehalten. Allerdings führt die erhaltene Tonalität immer wieder zu einer Diskrepanz zwischen den Registern einer Chorkomposition und einer anderen. Daher ist es bei der Gestaltung eines gemischten Chores mit variabler Stimmenanordnung für homogene Kompositionen in letzterem oft notwendig, die Anzahl der Stimmen in den Akkorden zu reduzieren und sie auf dreistimmig, zweistimmig und manchmal auch auf einstimmig zu reduzieren. Achten Sie dabei lediglich darauf, dass die Füllakkordklänge nicht über der Oberstimme liegen und keine willkürlichen Quartersex-Akkorde bilden.

Besonders sorgfältig muss auf die Glätte der Stimmführung geachtet werden, deren Einhaltung mit zusätzlichen Schwierigkeiten verbunden ist, die sich aus dem ständigen Wechsel von enger und breiter Anordnung im Original ergeben, die jeweils eine Umstrukturierung der Stimmenanordnung innerhalb homogener Chöre erfordern . Wir müssen ständig von der Sprachführung des Autors abweichen und dann wieder darauf zurückgreifen.

Wenn ein Werk für gemischten Chor den Charakter einer ausgedehnten, großformatigen Leinwand hat, arrangieren Sie diese Art von Werk sowohl für Frauen als auch für Frauen männliche Besetzung Aufgrund der Diskrepanz zwischen den Fähigkeiten der angegebenen Aufführungskompositionen ist dies in der Regel nicht möglich.

Bearbeitungen vierstimmiger gemischter Chöre für dreistimmige homogene Chöre

Solche Übersetzungen werden wie folgt durchgeführt. Die Melodielinie der Oberstimme eines gemischten Chores bleibt vollständig erhalten und wird auf die Oberstimme eines homogenen Chores übertragen. Bei einem Arrangement für Männerchor kann sich lediglich die Oktave des Klangs ändern. Die Bildung der beiden anderen Stimmen eines homogenen Chores erfolgt auf Basis des harmonischen Klangs der anderen drei Stimmen des gemischten Chores unter Berücksichtigung ihrer neuen Anordnung im Akkord.

Sie können es sich nicht zur Aufgabe machen, eine der drei tieferen Stimmen eines gemischten Chores akkurat in die Partitur eines homogenen Chores zu übertragen. Der Wunsch, diese Stimmen intakt zu halten, kann dazu führen, dass die Akkorde in einem homogenen Chor schlechter klingen. In einer dreistimmigen Partitur ist es nicht notwendig, das Erscheinungsbild des Akkords im Vergleich zu seiner vierstimmigen Darstellung beizubehalten. Wichtiger ist in diesem Fall die richtige Platzierung der Stimmen im Akkord. Kadanzdrehungen in der dreistimmigen Fassung ermöglichen eine freiere Gestaltung des Arrangements. Beispielsweise können die Schlusstonika und die ihr vorangehende Dominante durch ihre Umkehrungen dargestellt werden: ein sechster Tonika-Akkord und ein zweiter Dominant-Akkord (unvollständig). Wenn beim Ersetzen vierstimmiger Akkorde durch dreistimmige Akkorde die Fülle des harmonischen Klangs bis zu einem gewissen Grad verloren geht, ist es daher wünschenswert, in diesen Akkorden den Leitton, Septimen, keine veränderten Töne, beizubehalten, auf denen die Farbe des Harmonie, sein spezifischer Geschmack hängt direkt davon ab.

Eine der wichtigsten Aufgaben beim Übersetzen dieser Art ist richtige Wahl der Abstand zwischen der Melodielinie und der neu gebildeten Unterstimme. Dieses Intervall sollte die harmonische Färbung des entsprechenden vierstimmigen Akkords möglichst genau wiedergeben. Wenn beispielsweise ein dominanter Septakkord (in der dritten Position) mit einer Auflösung zu einem Tonika-Dreiklang durch einen zweistimmigen Akkord ersetzt wird, klingt eine erhöhte Quarte mit einer Auflösung zu einer Tonika-Sechste am besten:

Es ist zu beachten, dass es beim Ersetzen des Dominantseptakkords und seiner Umkehrungen durch einen zweistimmigen Klang wünschenswert ist, den charakteristischsten Klang dieses Akkords – die Septime – beizubehalten.

Die Wahl des erforderlichen Intervalls bei der Transkription in einen zweistimmigen Chor hängt maßgeblich von der melodischen Lage ab, in der sich der vierstimmige Akkord eines gemischten Chores befindet. Wenn es beispielsweise einen dominanten zweiten Akkord an der melodischen Position des Leittons gibt, ist es am besten, diesen Akkord durch einen übermäßigen Quartakkord zu ersetzen:

Nimmt man einen dominanten Sekundakkord an der Stelle einer Quinte oder eines Grundtons, dann erklingt statt einer überhöhten Quarte eine große Sexte (1) oder eine große Sekunde (2):

Wenn man vierstimmige gemischte Chöre für zweistimmige homogene Chöre arrangiert, wird die harmonische Färbung von Dreiklängen und ihren Umkehrungen am besten durch vollstimmige Intervalle vermittelt: Terzen, Sexten und seltener Dezims. Beim Ersetzen der Septakkorde der Dominantgruppe durch einen zweistimmigen Klang werden häufig die große Sekunde, die kleine Septime, Tritone und seltener die Sexte und Terz verwendet.

Leer klingende Intervalle (Quart und Quinte) in harmonischen Werken werden am besten auf den schwachen Taktschlägen eingesetzt. Bei einem starken Schlag in der Mitte musikalischer Konstruktionen wird die Quarte häufiger in Form einer Nachhaltung eingesetzt. In den letzten Runden werden die Quarte und die Quinte in ihrem unmittelbaren Klang verwendet. Die Quarte reproduziert normalerweise die Harmonie des Kadenz-Quartett-Sex-Akkords und die Quinte – die Kadenz-Dominante, aufgelöst in der Schlusstonika.

Quarten und Quinten in Kombination mit anderen Intervallen werden in zweistimmigen Darbietungen russischer Volkslieder auf vielfältige Weise eingesetzt. Hier erweitert sich der Anwendungsbereich erheblich. Die charakteristische Färbung dieser Intervalle verleiht dem Klang den besonderen, einzigartigen Geschmack, der der subvokalen Struktur der russischen Volksmusik innewohnt.

Das Konzept eines Chortyps als spezifische Komposition und als spezifische Komposition Chormusik. Arten von Chören. Merkmale ihrer stimmlichen, technischen und darstellerischen Fähigkeiten. Beispiele.

Arten von Chören. Bestimmung des Chortyps und Chorpartitur. Definition des Begriffs „Chorpart“. Vollständiger Satz Chorstimmen mit entsprechenden Soli singende Stimmen. Die quantitative Zusammensetzung von Chören und die damit verbundenen Leistungsfähigkeiten. Beispiele Chorwerke verschiedene Arten.

Verschiedene Optionen Standort des Chores.

Terminologie zum Thema:

Homogener Chor– ein Chor bestehend aus Stimmen des gleichen Typs (Männer, Frauen oder Kinder).

Kinderchor- homogen. Es gibt Junior-, Mittel- und Senior-Chöre, die in der Regel zwischen 6 und 15 Jahren alt sind.

Teilchor– ein gemischter Chor, in dem es keine Stimme gibt.

Gemischter Chor– ein Chor bestehend aus 4 Stimmen: Sopran, Alt, Tenor und Bass.

Die Sendung- ein Teil des Chores singt mit den gleichen Stimmen.

Abteilungen(divisi) ist ein musikalischer Begriff, der in einer Chorpartitur die Teilung eines Teils in zwei oder mehr Teile bedeutet.

7. Stellt euch im Chor auf.

Definition des Begriffs „musikalische Struktur“. Historischer Aspekt die Entstehung und Veränderung verschiedener Musiksysteme, sogenannte Musiksysteme.

Die Chorstruktur ist eines der Hauptelemente des Chorklangs.

Erläuterung des Begriffs „Zonensystem“. Bestätigung der wichtigsten Schlussfolgerungen von P.G. Chesnokov wissenschaftliche Forschung und die Arbeiten des Akademiemitglieds N.A. Garbuzov über die Zonennatur des Stimmsystems.

Melodische (horizontale) und harmonische (vertikale) Struktur. Melodische Struktur als das Erreichen von Einheitlichkeit im Klang einer Chorstimme durch das Bewusstsein für modale Tendenzen und die Gesetze der Zonenintonation von Schritten und Intervallen. Harmonische Struktur und ihre Beziehung zur melodischen Struktur. Intonation von Akkorden. Entwicklung der Hörfähigkeiten bei Sängern. Die aktive Natur des Stimmhörens und seine Beziehung zu Muskelempfindungen. Die Beziehung zwischen Atmung und Stimmung, Gesang und Stimmung. Die Abhängigkeit des Erreichens von Harmonie von den musikalischen Ausdrucksmitteln der Partitur, dem Tempo, der Dynamik usw. Schwierigkeiten beim Erreichen von Harmonie im Zusammenhang mit Arbeitsbedingungen und anderen externen Faktoren.

Terminologie zum Thema:

Chorstruktur– eines der Hauptelemente des Chorklangs, das die Intonationsreinheit des Gesangs bestimmt.

Intonation– bewusste Wiedergabe von Musik. Klang durch Stimme oder Instrument. Eine genaue Intonation beruht auf modalen Verbindungen.

Gabel– eine Klangquelle, die beim Stimmen als Maßstab für die Tonhöhe dient Musikinstrumente und im Gesang. Die Referenztonfrequenz für die erste Oktave beträgt 440 Hz.

Ensemble im Chor.

Der Begriff eines Ensembles in seinen verschiedenen Bedeutungen, einschließlich struktureller und organisatorischer Bedeutung. Das Ensemble als eines der Hauptelemente der Chorklanglichkeit. Psychologische Basis des Ensembles. Das Ensemble ist privat und allgemein. Technologische Arten des Ensembles: in Bezug auf die Klangqualität (Gesang), in der Stärke (Dynamik), in der Zeit (Rhythmus, Tempo). Abhängigkeit von Ensemble und Struktur. Vokalensemble als Einheit von Stimmlage, Artikulationsform und Klangfarbe. Ein dynamisches Ensemble umfasst: ein natürliches und künstliches Ensemble, ein Ensemble in Bedingungen verschiedene Texturen, Ensemble aus Solist und Chor, Ensemble aus Chor und Instrumentalbegleitung. Rhythmisches Ensemble, seine Abhängigkeit von Metrhythmus, Tempo, Textur usw. Tempo-Ensemble. Künstlerisches Ensemble, sein Einfluss auf das technologische Ensemble.

Terminologie zum Thema:

Chorensemble(Ensemble – zusammen) ist einer der Hauptbestandteile der Chorklangfülle.

Dynamik in der Musik– Schallstärke, Lautstärke und deren Veränderungen.

Tempo– die Geschwindigkeit des Wechsels metrischer Schläge in der Musik. Das Tempo hängt eng mit dem Charakter, dem Stil, dem Genre sowie der Persönlichkeit des Interpreten zusammen.

Meter- die Reihenfolge des Wechsels von starken und schwachen Schlägen in der Musik.

Metronom- ein Gerät zur Bestimmung des Tempos eines Musikstücks.

Rhythmus– temporäre Organisation musikalische Klänge und ihre Kombinationen.

Synkope– Diskrepanz zwischen metrischer und rhythmischer Betonung.

Begleitung– Begleitung durch ein oder mehrere Instrumente sowie ein Orchester für einen Solopart (Sänger, Instrumentalist, Chor).

Textur– ein Lagerhaus, die Struktur des musikalischen Gefüges, die Gesamtheit seiner Elemente. Und die Elemente der Textur, woraus sie besteht: Melodie, Begleitung, Bass, Mittelstimmen und Hintergrundstimmen. Die Textur kann sehr vielfältig sein: homophon, harmonisch, polyphon usw.

Ein Chor ist ein Kollektiv, das die technischen, künstlerischen und ausdrucksstarken Mittel des Chorauftritts ausreichend beherrscht, die erforderlich sind, um die Gedanken und Gefühle sowie den ideologischen Inhalt zu vermitteln, der dem Werk innewohnt.

Arten von Chören:

Es gibt Stimmenpartien im Chor. Sie werden nach der Art ihres Klangs und ihrem Stimmumfang gruppiert. Hoch Frauenstimmen- Sopran; tiefe Frauenstimmen - Bratschen; hoher Mann - Tenöre; niedriges Männchen - Bass; hohe Kinderstimmen - Sopran (Sopran).

Merkmale der Chorstimmen:

SOPRANO zeichnet sich durch einen hohen, beweglichen, leichten und leichten Klang aus. Am häufigsten wird dieser Partei die Aufführung der Hauptmelodie des Werkes übertragen. Bereich: bis zur ersten Oktave – D der zweiten Oktave.

Bratschen haben einen tieferen, dichten und satten Klang. In einem zweistimmigen Frauenchor übernehmen Altstimmen oft die Hauptrolle und singen die Melodie allein oder zusammen mit der Sopranistin. Tonumfang: A der kleinen Oktave – D der zweiten Oktave.

TENOR: zeichnet sich durch einen beweglichen, leichten, aber gleichzeitig soliden, kräftigen Klang aus. In einem gemischten Chor ist es so Mittelstimme, spielt aber manchmal auch die Rolle der Hauptrolle und spielt die Melodie unabhängig oder zusammen mit der Sopranistin. Tonumfang: bis zur kleinen Oktave – A der zweiten Oktave.

BASS: normalerweise das Fundament, die Basis des Chores. Gekennzeichnet durch Stärke, Kraft. Gleichzeitig ist der Klang leicht. In einem zweistimmigen Männerchor wird die Rolle der zweiten Stimme gespielt, manchmal wird jedoch auch die Hauptmelodie des Werkes aufgeführt. Tonumfang: F, G große Oktave – D kleine Oktave.

Quantitative Zusammensetzung des Chores.

Die Anzahl der Sänger in jeder Gruppe sollte ungefähr gleich sein. Die kleinste Stimmenzahl einer Partei beträgt drei. Die Mindestzusammensetzung eines gemischten Chores sollte 12 Personen betragen.

C.3 + A.3 + T.3+B.3=12; C.3 + A.3=6; T.3 + B.3=6

Vokalensembles

S.6 + A.6 + T.6 + B.6=24 – kleiner Refrain.

Elemente der Choraufführung:

Ensemble (rhythmisches Ensemble). Die Fähigkeit aller Sänger, gleichzeitig zu singen, Wörter auszusprechen, Luft zu holen, ein Lied zu beginnen und zu beenden.

Stimmung (reine Intonation jedes Sängers).

Nuancen (unterschiedliche Klänge verschiedener Teile des Werkes).

Diktion (die Sänger sprechen den Text klar und deutlich aus).

Chorarrangement

Für die erfolgreiche Arbeit des Chores ist eine bestimmte Stimmenanordnung von nicht geringer Bedeutung. Existieren verschiedene Wege Vereinbarungen. Empfehlenswerter ist es, den Chor in Form eines Halbkreises anzuordnen, da so der konzentrierteste Klang entsteht. (siehe Anhang 1)