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Landesbildungseinrichtung

höhere Bildung

„Staatliches Konservatorium Rostow

benannt nach S.V. Rachmaninow“

Als Manuskript

Grinchenko Inna Viktorowna

CHORMINIATUR IN DER RUSSISCHEN MUSIKKULTUR:

GESCHICHTE UND THEORIE

Spezialität 17.00.02 – Kunstgeschichte

These

für den Studiengang Kunstgeschichte

Wissenschaftlicher Leiter:

Doktor der Kulturwissenschaften, Kandidatin der Kunstgeschichte, Professorin Alexandra Vladimirovna Krylova Rostow am Don

Einführung

Kapitel 1. Chorminiatur im historischen und kulturellen Kontext.

Philosophische Grundlagen

1.2. Chorminiatur im Kontext der Traditionen der russischen Kunst................. 19

1.3. Forschungsansätze zum Studieren Chorminiaturen.......... 28 1.3.1. Ein textlicher Ansatz zur Untersuchung des Chorminiaturgenres

1.3.2. Chorminiatur: ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte.

Kapitel 2. Chorminiatur in den Werken von Komponisten der russischen Schule: historischer und kultureller Hintergrund, Entstehung und Entwicklung des Genres

2.1. Musikalische und poetische gegenseitige Beeinflussung und ihre Rolle bei der Entstehung der Gattung der Chorminiatur

2.2. Chorminiatur als theoretische Definition.

2.3. Kristallisation der Merkmale des Chorminiaturgenres in den Werken der Russen Komponisten des 19. Jahrhunderts Jahrhundert

Kapitel 3. Chorminiatur in der Musikkultur des 20. Jahrhunderts.

3.1. Genresituation des 20. Jahrhunderts:

soziokultureller Kontext der Existenz des Genres.

3.2. Die Entwicklung des Chorminiaturgenres in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts

3.3 Hauptvektoren der Entwicklung des Genres.

3.3.1. Chorminiatur, die klassische Bezugspunkte kultiviert.

3.3.2. Chorminiatur, konzentriert auf russische Nationaltraditionen.

3.3.3. Chorminiatur unter dem Einfluss neuer Stilrichtungen der 60er Jahre

Abschluss

Literaturverzeichnis.

EINFÜHRUNG

Relevanz Forschung. Chorkunst ist ein wesentlicher Bestandteil der russischen Kultur. Die Fülle an brillanten Gruppen ist ein direkter Beweis für die Vitalität der heimischen Chortraditionen, die heute durch zahlreiche Festivals und Wettbewerbe der Chormusik auf verschiedenen Ebenen bestätigt wird. Solch ein „sprudelnder Inhalt“ der Chordarbietung ist eine natürliche Quelle des ungebrochenen Interesses der Komponisten an diesem Genrebereich.

In der Vielfalt der Genres der Chormusik nimmt die Chorminiatur einen besonderen Platz ein. Seine Entwicklung und sein Bedarf an der Praxis haben mehrere Gründe. Eine davon ist das Vertrauen auf die Grundbasis des gesamten Spektrums der Chorgattungen – die primäre Gattung des russischen Volksliedes, die die kleine Grundform darstellt, aus der sich andere, komplexere Gattungstypen entwickelten. Das andere liegt in der Spezifität der Miniaturformen, mit einem charakteristischen Fokus auf einen emotionalen Zustand, der tief empfunden und bedeutungsvoll ist, mit einer fein detaillierten Nuance von Gefühlen und Stimmungen, die durch eine exquisite klangfarbene Chorpalette vermittelt werden. Der dritte liegt in den Besonderheiten der Wahrnehmung des modernen Hörers, der durch den Einfluss des Fernsehens mit einem Clip-Bewusstsein ausgestattet ist, das zur Fragmentierung tendiert, der kurzen Länge der Ton-„Frames“ und der Schönheit der „Oberfläche“. .

Die Nachfrage nach dem Genre in der Aufführungspraxis ist jedoch noch nicht durch eine wissenschaftliche Begründung seines Wesens gestützt. Man kann feststellen, dass es in der modernen russischen musikwissenschaftlichen Literatur keine Werke gibt, die sich mit der Geschichte und Theorie dieses Phänomens befassen. Es sollte auch beachtet werden, dass in der modernen Kunst der Wunsch nach Miniaturisierung der Form mit inhaltlicher Tiefe eine der charakteristischen allgemeinen Tendenzen ist, die durch eine neue Verständnisebene vorgegeben sind Philosophisches Problem Beziehungen zwischen Makro- und Mikrowelten.

In der Gattung der Chorminiaturen ist dieses Problem besonders akut, da die Verkörperung der Makrowelt innerhalb dieser Gattung das Chorprinzip ist, diese sich jedoch aufgrund der besonderen Gesetze der Verdichtung von Form und Bedeutung als zusammengebrochen erweist in das Format der Mikrowelt. Es liegt auf der Hand, dass dieser komplexe Prozess einer eigenen Untersuchung bedarf, da er die allgemeinen Muster der modernen Kultur widerspiegelt. Das Obige bestimmt die Relevanz des Forschungsthemas.

Gegenstand des Studiums ist die russische Chormusik des 20. Jahrhunderts.

Gegenstand der Studie– Entstehung und Entwicklung des Genres der Chorminiaturen in der heimischen Musikkultur.

Der Zweck der Studie besteht darin, den Genrecharakter von Chorminiaturen zu begründen und die Identifizierung kleinvolumiger Chorwerke mit den Prinzipien und der Ästhetik von Miniaturen zu ermöglichen. Das gesetzte Ziel bestimmte Folgendes Aufgaben:

– die Entstehung von Miniaturen in den Traditionen der russischen Kultur zu identifizieren;

– die wichtigsten Parameter charakterisieren, die es ermöglichen, das Genre zuzuordnen;

– die Chorminiatur als künstlerisches Kunstobjekt betrachten;

– den Entwicklungsweg des Genres im Kontext der russischen Musikkultur des 20. Jahrhunderts erkunden;

– Analysieren Sie die Merkmale der individuellen Interpretation des Chorminiaturgenres in den Werken russischer Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Ziel und Aufgaben Die Arbeiten legten ihre methodische Grundlage fest. Es ist umfassend auf der Grundlage theoretischer wissenschaftlicher Entwicklungen und Arbeiten von Wissenschaftlern – Musikwissenschaftlern und Literaturkritikern – sowie einer Analyse des Schaffens von Komponisten des 19. bis 20. Jahrhunderts aufgebaut. Die Dissertation verwendet Methoden der kulturhistorischen, strukturell-funktionalen, axiologischen und vergleichenden Analyse.

Forschungsmaterialien. Aufgrund der Breite des Problemfeldes des genannten Themas beschränkt sich der Umfang der Dissertationsforschung auf die Betrachtung des Entwicklungsprozesses von Chorminiaturen in der russischen weltlichen Kunst des 19.–20. Jahrhunderts. Das empirische Material waren A-cappella-Chöre, da sie den Gedanken der Miniaturisierung in der Chormusik am deutlichsten verkörpern. Die Arbeit verwendet die Werke von M. Glinka, A. Dargomyzhsky, P. Tschaikowsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Mussorgsky, S. Taneyev, A. Arensky, P. Chesnokov, A. Kastalsky, V. Shebalin, G. Sviridov, V. Salmanova, E. Denisova, A. Schnittke, R. Shchedrin, S. Gubaidullina, S. Slonimsky, V. Gavrilin, Y. Falik, R. Ledeneva, V. Krasnoskulov, V. Kikty, V. Khodosha.

Der Grad der wissenschaftlichen Entwicklung des Themas. Probleme der Geschichte und Theorie der Chorminiaturgattung sind in der Musikwissenschaft nicht ausreichend bearbeitet.

Im modernen wissenschaftliche Forschung Es gibt keine Werke, die es ermöglichen, ein kleinformatiges Chorwerk mit den Prinzipien und der Ästhetik einer Miniatur zu identifizieren. Allerdings enthalten kunstkritische, literaturwissenschaftliche, kulturwissenschaftliche und musikwissenschaftliche Werke unterschiedlicher problematischer Ausrichtung eine Reihe von Ideen und Vorgaben, die für diese Dissertation konzeptionell bedeutsam sind.

In dieser Arbeit wurde auf der Grundlage der Werke von M. Bakhtin eine philosophische Verallgemeinerung des Phänomens gebildet, die die Chorminiatur als Anschein eines Makrosystems positioniert und es uns ermöglicht, ihren Platz in der Kultur, ihre Rolle in der menschlichen Erfahrung zu bestimmen. H. Gadamer, M. Druskin, T. Zhavoronkova, M. Kagan, S. Konenko, G. Kolomiets, A. Korshunova, Y. Keldysh, I. Loseva, A. Nozdrina, V. Sukhantseva, P. Florensky.

Die Identifizierung der Phasen der Assimilation der Erfahrung der Miniaturisierung durch verschiedene Arten russischer Kunst erforderte die Hinwendung zu den Werken musikalischen, historischen und kulturellen Inhalts von B. Asafiev, E. Berdennikova, A. Belonenko, G. Grigorieva, K. Dmitrevskaya, S. Lazutin, L. Nikitina, E. Orlova, Yu . Paisov, V. Petrov-Stromsky, N. Sokolov. Der soziologische Aspekt wurde in das Problemfeld einbezogen, was zur Einbeziehung der Ideen von A. Sokhor und E. Dukov führte.

Die Darstellung des Genres als mehrkomponentige Genstruktur mit voneinander abhängigen und voneinander abhängigen Ebenen basierte auf dem in der Musikwissenschaft entstandenen mehraspektiven Ansatz der Genrekategorie, der die Hinwendung zur Forschung von M. Aranovsky, S . Averintsev, Yu. Tynyanov, A. Korobova, E. Nazaikinsky, O Sokolov, A. Sokhor, S. Skrebkov, V. Zuckerman.

Die Analyse musikalischer Werke, mit deren Hilfe die Merkmale der Vokal-Chor-Form identifiziert wurden, erfolgte auf der Grundlage der Werke von K. Dmitrevskaya, I. Dabaeva, A. Krylova, I. Lavrentieva, E. Ruchevskaya, L. Shaimukhametova. Wertvolle Klarstellungen wurden aus der Arbeit von A. Khakimova zur Theorie der Gattung A-cappella-Chor gewonnen. Die Ausdrucksmittel der Chortextur wurden auf der Grundlage der Werke von V. Krasnoshchekov, P. Levando, O. Kolovsky, P. Chesnokov und Sammlungen wissenschaftlicher Artikel, herausgegeben von V. Protopopov, V. Fraenov, betrachtet.

Bei der Untersuchung von Beispielen von Chormusik unter dem Gesichtspunkt der musikalischen und poetischen Natur des Genres und ihrer engen Interaktion mit anderen Kunstarten haben wir die Bestimmungen und Schlussfolgerungen in den Werken von S. Averintsev, V. Vasina-Grossman, V. verwendet . Vanslov, M. Gasparov, K. Zenkin, S. Lazutin, Y. Lotman, E. Ruchevskaya, Y. Tynyanov, B. Eikhenbaum, S. Eisenstein.

Wissenschaftliche Neuheit Die Forschung zeigt zum ersten Mal:

– Es wurde eine Definition des Genres der Chorminiatur formuliert, die eine Genrezuordnung kleinformatiger Chorwerke ermöglicht.

– Eine Untersuchung der Natur des Genres der Chorminiaturen wurde durch das Prisma des philosophischen Wissens über die Makro- und Mikrowelten durchgeführt und enthüllte endlose semantische Möglichkeiten der Verkörperung künstlerische Ideen in einem komprimierten Inhaltsfeld bis hin zur Reflexion im Miniaturphänomen wesentlicher Attribute des Kulturbildes;

– Es werden kleine Formen verschiedener Arten russischer Kunst betrachtet, um ihre generischen Merkmale und Merkmale zu identifizieren, die in geschmolzener und indirekter Form den Genotyp des Genres bilden.

– die Rolle verschiedener Musikgenres – der historischen Vorläufer der Chorminiatur – bei der Bildung ihrer Genremerkmale wird aufgezeigt;

– Die sich historisch verändernde Konfiguration der Gattungsmerkmale von Chorminiaturen im soziokulturellen Kontext des 20. Jahrhunderts wurde untersucht.

Zur Verteidigung eingereicht die folgenden Bestimmungen:

– Das Genre der Chorminiatur ist kleinformatig musikalische Komposition und Sarpella, basierend auf einer mehrstufigen Synkresis von Wort und Musik (Hintergrund, lexikalisch, syntaktisch, kompositorisch, semantisch), die eine zeitkonzentrierte, tiefe Offenlegung des lyrischen Bildtyps ermöglicht und symbolisierende Intensität erreicht.

– Eine Miniatur ist eine Art Analogie zum Makrosystem, in das sie eingeschrieben ist – Kunst, Kultur, Natur. Als Mikrokosmos im Verhältnis zum real existierenden Makrokosmos des Menschen ist er in der Lage, die komplexen Eigenschaften lebender Materie durch die Konzentration vielschichtiger Bedeutungen in einem kleinen literarischen Text widerzuspiegeln. Durch den Prozess der Miniaturisierung kommt es zu einer Verdichtung des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung wird die Möglichkeit geschaffen, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern.

– Die genetischen Wurzeln der Chorminiaturen sind untrennbar mit Beispielen kleiner Formen verbunden verschiedene Künste, ihre Poetik und Ästhetik. Im Rahmen der Miniaturgenres und -formen der russischen Kunst wurden wesentliche Merkmale der Chorminiatur herausgebildet, wie die Verfeinerung einer kleinen Form, hohes Niveau Kunstfertigkeit, die aus der filigranen, anspruchsvollen Handwerkskunst des Herstellers resultiert, die Spezifität des Inhalts ist emotionale und ideologische Konzentration, die Tiefe des Verständnisses der Welt und der menschlichen Gefühle, funktionaler Zweck.

– Der Kristallisationsprozess des Genres vollzog sich auf der Grundlage einer aktiven Interaktion zwischen den Genres sowie einer zunehmenden gegenseitigen Beeinflussung der musikalischen und poetischen Künste. Als Ergebnis dieser Prozesse bildete sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Gattung heraus, in der das musikalische Element in Synthese mit der poetischen Form die Grenze der künstlerischen Ausdruckskraft erreicht.

– Die Ansätze des Autors zur Schaffung eines neuen Bildtypus in Chorminiaturen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts sind durch die Erweiterung der Genregrenzen aufgrund von Transformationen gekennzeichnet musikalische Sprache und Sättigung des Genremodells mit außermusikalischen Faktoren. Verwendung durch Komponisten verschiedene Typen Technik in Synthese mit alten Traditionen, die Genreelementen eine neue semantische Färbung verleiht, bildete die modernen Facetten des Chorminiaturgenres.

Theoretische Bedeutung Die Forschung wird dadurch bestimmt, dass eine Reihe entwickelter Bestimmungen das gesammelte Wissen über die Natur des untersuchten Genres erheblich ergänzen. Die Arbeit lieferte eine detaillierte Argumentation und analytische Evidenzbasis für Fragestellungen, die die Möglichkeit einer weiteren wissenschaftlichen Suche nach den Merkmalen dieses Themas untermauern Genretyp. Dazu gehören die Analyse des Phänomens der Miniaturisierung in der Kunst aus der Sicht philosophischer Erkenntnisse, die Identifizierung der Poetik von Miniaturen in verschiedenen Arten der russischen Kunst, die Begründung der Gattungsmerkmale von Chorminiaturen in ihrem Unterschied zu kleinen Formen , die besondere Rolle im Kristallisationsprozess des Genres der individuellen Interpretation des Genremodells durch russische Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und andere.

Praktische Bedeutung Der Forschung liegt die Tatsache zugrunde, dass die vorgestellten Materialien die Möglichkeiten der Anwendung wissenschaftlicher Erkenntnisse in der Praxis erheblich erweitern werden, da sie integraler Bestandteil von Lehrveranstaltungen zur Musikgeschichte und Formenanalyse von Musikschulen und -universitäten sein können. in Musikprogrammen für weiterführende Schulen und wird auch bei der Arbeit von Chorleitern nützlich sein.

Dissertationsstruktur. Die Dissertation besteht aus einer Einleitung, drei Kapiteln, einem Fazit und einem Literaturverzeichnis aus 242 Quellen.

CHORMINIATUR

IM HISTORISCHEN UND KULTURELLEN KONTEXT

Die Probleme des ersten Kapitels sind auf den ersten Blick weit davon entfernt, die Chorminiatur in ihren immanenten musikalischen Eigenschaften zu untersuchen. Von größter Bedeutung sind jedoch die hier vorgestellten Fragen aus Sicht der Dissertation, die sich auf die philosophischen Grundlagen des Genres, den allgemeinen kulturellen Kontext, der seine Entstehung offenbart, sowie methodische Ansätze zur Analyse des untersuchten Phänomens beziehen. Aus unserer Sicht sind sie die Grundlage jener theoretischen Schlussfolgerungen über das Wesen der Gattung, die im zweiten und dritten Kapitel des Werkes gezogen wurden, und bilden die Grundlage für die Analyse spezifischer musikalischer Materialien. Zur Untermauerung dessen betonen wir, dass der interdisziplinäre Ansatz, der die Logik der Dissertationsforschung vom Allgemeinen zum Spezifischen bestimmt, nicht nur durch die Art des gewählten Themas vorgegeben ist. Es basiert auf den Prinzipien der klassischen russischen Musikwissenschaft, die seinerzeit von L.A. brillant untermauert wurden. Mazelem. Lassen Sie uns zwei Positionen hervorheben, die für diese Arbeit von Bedeutung sind. Zunächst wies der Forscher auf die philosophischen und methodischen Grundlagen aller Wissenschaften hin

Was er als selbstverständlich ansah; zweitens vertrat er die Haltung, dass „… die Errungenschaften und Methoden anderer Wissenschaften, die heute für die Musikwissenschaft relevant sind.“ Höchster Wert, werden bestimmt ... durch eng miteinander verbundene Vorstellungen von drei Wissensgebieten.“ Es ging um Psychologie, Soziologie, Semiotik und L.A. Mazel betonte, dass „für die Musikwissenschaft die Errungenschaften der Theorie anderer Künste und der Ästhetik wichtig sind, die oft wiederum mit dem psychologischen und systemisch-semiotischen Ansatz verbunden sind ...“.

Den genannten Leitlinien entsprechend widmet sich der erste Absatz dieses Kapitels den allgemeinen philosophischen Grundlagen der Miniaturisierungsprozesse1 in der Kunst. Der zweite untersucht die Gemeinsamkeit von Miniaturformen in verschiedenen Arten russischer Kunst und betont deren gemeinsames theoretisches und ästhetisches Wesen, und der dritte widmet sich der Analyse von Forschungsansätzen, unter denen die Semiotik entsprechend dem Musikalischen und Poetischen eine besondere Rolle spielt Natur des Chorminiaturgenres.

1.1. Miniaturisierung in der Musik- und Chorkunst:

Philosophische Grundlagen Welche Bedeutung hat der philosophische Aspekt des Problems? Die philosophische Reflexion vermittelt ein Verständnis der Kunst als Ganzes sowie ihres Einzelwerks unter dem Gesichtspunkt der Fixierung darin tiefe Bedeutungen im Zusammenhang mit der Natur des Universums, dem Zweck und der Bedeutung des menschlichen Lebens.

Es ist kein Zufall, dass der Beginn des 21. Jahrhunderts markiert wurde besondere Aufmerksamkeit Musikwissenschaft zum philosophischen Denken und hilft dabei, eine Reihe von Kategorien zu verstehen, die für die Musikkunst von Bedeutung sind. Dies ist vor allem darauf zurückzuführen, dass angesichts der Änderung modernes Konzept ein Weltbild, in dem Mensch und Universum wechselseitig bestimmt und voneinander abhängig sind, anthropologische Ideen für die Kunst neue Bedeutung erlangten und die wichtigsten Richtungen des philosophischen Denkens erwiesen sich als eng mit axiologischen Problemen verbunden.

Bezeichnend ist in diesem Zusammenhang, dass auch im Werk „Der Wert der Musik“

B.V. Asafiev, der Musik philosophisch begreift, gab ihr eine breitere Bedeutung und interpretierte sie als ein Phänomen, das „die tiefen Strukturen der Existenz mit der menschlichen Psyche verbindet, die natürlich die Grenzen der Kunstform überschreitet.“ künstlerische Tätigkeit". Der Wissenschaftler sah in der Musik keine Widerspiegelung der Realität unseres Lebens und unserer Erfahrungen, sondern eine Widerspiegelung des „Bildes der Welt“. Er glaubte, dass der Begriff „Miniaturisierung“ durch Wissen nicht vom Autor stammt, sondern in der modernen kunstkritischen Literatur allgemein akzeptiert wird.

Durch die Analyse des musikalischen Prozesses kann man dem Verständnis der formalisierten Weltordnung näher kommen, da „der Prozess der Klangbildung an sich ein Spiegelbild des „Bildes der Welt“ ist und er die Musik selbst als Aktivität „in eine Reihe“ stellte von Weltpositionen“ (Konstruktionen der Welt), wodurch ein Mikrokosmos entsteht – ein System, das das Maximum zum Minimum synthetisiert.

Die letzte Bemerkung ist für das untersuchte Thema besonders bedeutsam, da sie einen Fokus auf die Analyse von Argumenten legt, die die Relevanz von Trends in aufzeigen moderne Kultur orientiert sich an Miniaturen in der Kunst. Die Grundlagen dieser Prozesse wurden vor allem im Bereich des philosophischen Wissens erfasst, in dessen Rahmen sich das Problem der Beziehung zwischen dem Großen und dem Kleinen – der Makro- und Mikrowelt – durchzieht. Schauen wir uns das genauer an.

Am Ende des 20. Jahrhunderts kam es in der Weltphilosophie und -wissenschaft zu einer aktiven Wiederbelebung traditioneller philosophischer Konzepte und Kategorien, die die Integrität der Welt und des Menschen widerspiegeln. Mithilfe der Makrokosmos-Mikrokosmos-Analogie können wir die Beziehungen „Natur-Kultur“ und „Kultur-Mensch“ betrachten und erklären. Diese Reflexion der Struktur des Lebens führte zur Entstehung einer neuen methodischen Position, in der der Mensch die Gesetze der umgebenden Welt versteht und sich selbst als die Krone der Schöpfung der Natur erkennt. Er beginnt, in die Tiefen seines eigenen psychologischen Wesens einzudringen, „bricht“

die Sinneswelt in ein Spektrum unterschiedlicher Schattierungen, Abstufungen emotionale Zustände, operiert mit subtilen psychologischen Erfahrungen. Er versucht, die Variabilität der Welt in sich selbst im Zeichensystem der Sprache widerzuspiegeln, ihre Fluidität in der Wahrnehmung anzuhalten und einzufangen.

Reflexion ist aus philosophischer Sicht „die Wechselwirkung materieller Systeme, bei der sich die Systeme gegenseitig ihre Eigenschaften aufprägen, die „Übertragung“ der Eigenschaften eines Phänomens auf ein anderes und vor allem die „Übertragung“ struktureller Merkmale.“ Daher kann die Reflexion des Lebenssinns in einem literarischen Text als „die strukturelle Entsprechung dieser im Interaktionsprozess etablierten Systeme“ interpretiert werden.

Im Lichte dieser Bestimmungen werden wir feststellen, dass Miniaturisierung ein Spiegelbild der komplexen, flüchtigen Eigenschaften lebender Materie, der „Faltung“ oder eines fragmentarisch erfassten Prozesses der Interaktion zwischen Systemen ist, der in der Bedeutungsbildung eines künstlerischen Textes zum Ausdruck kommt . Sein Wesen liegt in der Kompaktheit des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung wird die Möglichkeit geschaffen, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern1.

Nachdem wir das Problem der Beziehung zwischen Makro- und Mikrowelt skizziert haben, das für das Verständnis des Wesens der Miniaturen von grundlegender Bedeutung ist und im 20. Jahrhundert als eigenständiges Konzept Gestalt annahm, weisen wir darauf hin, dass die Philosophie viele wertvolle Informationen gesammelt hat Das erlaubt uns, uns tief in die Essenz des Genres der Chorminiaturen hineinzuversetzen. Betrachten wir sie im historischen Rückblick.

Die Bedeutung des Begriffs Makro und Mikrokosmos reicht bis in die Antike zurück. In der Philosophie des Demokrit taucht erstmals die Kombination mikroskosmos („Der Mensch ist eine kleine Welt“) auf. Eine detaillierte Lehre vom Mikro- und Makrokosmos wurde bereits von Pythagoras dargelegt. Im ideologischen Sinne erwies sich das von Empedokles aufgestellte Wissensprinzip als verwandt: „Gleiches erkennt man durch Gleiches.“ Sokrates argumentierte, dass das Wissen über den Kosmos „aus dem Inneren des Menschen heraus“ gewonnen werden könne. Annahmen über die Gemeinsamkeit des existierenden Menschen und des Universums. Wenn wir uns mit dem Wesen des Phänomens der Textminiaturisierung befassen, vergleichen wir es mit einem ähnlichen Phänomen in der inneren menschlichen Sprache. Moderne Wissenschaft Es wurden experimentelle Daten gewonnen, die den Mechanismus der Interaktion zwischen Wörtern und Gedanken, Sprache und Denken spezifizieren. Es wurde festgestellt, dass die innere Sprache, die wiederum aus der äußeren Sprache hervorgeht, alle Prozesse der geistigen Aktivität begleitet. Der Grad seiner Bedeutung steigt mit dem abstrakten logischen Denken, das eine detaillierte Aussprache der Wörter erfordert. Verbale Zeichen erfassen nicht nur Gedanken, sondern beeinflussen auch den Denkprozess. Diese Funktionen sind sowohl natürlichen als auch künstlichen Sprachen gemeinsam. BIN. Korshunov schreibt: „Wenn ein verallgemeinertes logisches Schema des Materials erstellt wird, bricht die innere Sprache zusammen. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass die Generalisierung durch Auswahl erfolgt Schlüsselwörter, in dem die Bedeutung der gesamten Phrase und manchmal des gesamten Textes konzentriert ist. Die innere Sprache wird zu einer Sprache semantischer Stützpunkte.“

lässt sich in den Werken Platons nachvollziehen. Auch Aristoteles spricht vom kleinen und großen Kosmos. Dieses Konzept entwickelte sich in der Philosophie von Seneca, Origenes, Gregor dem Theologen, Boethius, Thomas von Aquin und anderen.

Die Idee des Makrokosmos und Mikrokosmos erlebte in der Renaissance eine besondere Blüte. Große Denker – Giordano Bruno, Paracelsus, Nikolai Cusansky – einte die Idee, dass die Natur in der Person des Menschen geistige und sinnliche Natur enthält und das gesamte Universum in sich „zusammenzieht“.

Basierend auf dem sich historisch entwickelnden Postulat über die Entsprechung von Makro- und Mikrowelt kommen wir zu dem Schluss, dass der Makrokosmos der Kultur dem Mikrokosmos der Kunst und der Makrokosmos der Kunst dem Mikrokosmos der Miniaturen ähnlich ist. Es spiegelt die Welt des Individuums in der zeitgenössischen Kunst wider und ist ein Abbild des Makrosystems, in das es eingeschrieben ist (Kunst, Kultur, Natur).

Die Dominanz der Ideen von Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bestimmte die wesentlichen Leitlinien, nach denen sich die Chorkunst entwickelte. Um das Problem der Miniaturisierung in der Kunst zu entwickeln, ist daher die Idee der Konziliarität unerlässlich, die ein Element philosophischer Kreativität in die russische Musik einführt. Dieses Konzept wird zunächst mit dem Chorprinzip in Verbindung gebracht, was durch seine Verwendung in dieser Perspektive durch russische Philosophen bestätigt wird. Insbesondere „K.S. Aksakov identifiziert das Konzept der „Konziliarität“ mit einer Gemeinschaft, in der „der Einzelne frei ist wie in einem Chor“. AUF DER. Berdyaev definiert Konziliarität als eine orthodoxe Tugend, Vyach. Ivanov - als idealer Wert. P. Florensky enthüllt die Idee der Konziliarität anhand eines russischen Liedes. V.S. Solowjow verwandelt die Idee der Konziliarität in die Einheitslehre.“

Es ist offensichtlich, dass Konziliarität die grundlegende nationale Grundlage der russischen Kunst ist und „die weltweite Einheit der Menschen auf der Grundlage besonderer spiritueller Kreativität widerspiegelt“, was zutiefst berührt Seelenfrieden Person, „erweitert die Grenzen der individuellen Fähigkeiten.“

Diese Aspekte der nationalen Kultur bestimmten die Besonderheiten der altrussischen Chortradition: „Das erste ist die Konziliarität, d.h. die Vereinigung der himmlischen und irdischen Kräfte des Universums in einer Sache und einer Aufgabe auf der Grundlage von Wahrheit, Güte und Schönheit; das zweite ist die Herzlichkeit, die Fähigkeit, Herzen zu vereinen und in einem Gefühl der Offenheit für die göttliche Wahrheit zu singen; drittens – Mehrgesänge (große Znamenny-, Reise-, Demesny-Gesänge); viertens – Melodie, Breite, Geschmeidigkeit, Länge, Wohlklang, majestätische Verlangsamungen im Finale von Chorwerken.“

Humanistische Ideen der Renaissance-Philosophie, die im Mittelpunkt standen kreative Persönlichkeit, bestimmte die Entstehung eines neuen musikalischen Weltbildes. Das anthropologische Prinzip fand seine Manifestation auch in der russischen Kunst des 18.–19. Jahrhunderts. Damit erreicht die Entwicklung der weltlichen Berufsmusik im 17. Jahrhundert qualitativ neue Errungenschaften, die vor allem den inhaltlichen Bereich betreffen. Darüber hinaus dringt das Säkulare in die Kirchenmusik selbst ein und verändert ihren Charakter und ihre Umsetzungsmethoden. „Der polyphone Partes-Gesang mit seiner klaren Rhythmik musikalischer Strukturen, Kadenzen und Klangeffekte (im Gegensatz zur Klangfülle von Solo und Tutti) führt den Menschen in eine begrenzte aktuelle Zeit ein, lenkt seine Aufmerksamkeit nach außen – in den Raum, in die umgebende Sinneswelt.“

A.P. Nozdrina charakterisiert diese Zeit wie folgt: „Die Reflexion der Zeitrichtung steigt vom Ideal in die materielle Sphäre hinab. Es ist erfüllt von der Sinneswelt des Menschen, der Bestätigung seiner Macht, und die Schönheit der menschlichen Stimme gewinnt an Unabhängigkeit. Die Kreativität des Musikers, sein künstlerisches „Ich“ wird durch die Realitäten der objektiven Welt wahrgenommen. Dadurch entstehen unterschiedliche musikalische Richtungen, entlang derer sich der Prozess der Miniaturisierung in verschiedenen Kunstgattungen entwickelt: Porträtskizzen, narrative Lyrik, expressive und figurative Miniaturen. Im musikalischen Schaffen dieser Zeit kreuzten sich die alten musikalischen Traditionen der Kirchenchormusik, die das kollektive Bewusstsein zum Ausdruck brachte, und neue Trends, die den persönlichen Anfang, die menschliche Psychologie und das Alltagsleben widerspiegelten... So russische Philosophen und Musiker des 19. und frühen 20. Jahrhunderts Jahrhunderte strebten danach, einen „neuen Humanismus“ zu schaffen, in dem nicht nur die Frage nach dem Individuum, sondern auch nach der Gesellschaft, nach den Beziehungen zwischen Menschen, nach dem Zusammenhang von individueller Freiheit und sozialer Befreiung gestellt wurde.“

Die Musikkunst dieser Zeit ist auch ein Spiegelbild der komplexen Prozesse des gesellschaftspolitischen Lebens. Die Idee der Konziliarität begann eine übertriebene Interpretation zu erlangen. Chorkunst ist die älteste russische Tradition Musikkultur, das den Charakter der Konziliarität hat, entwickelt sich nur auf säkularer Basis weiter.

Die Weltanschauungskrise, die um die Jahrhundertwende unter dem Einfluss des wissenschaftlichen und technischen Fortschritts entstand, definiert eine neue Perspektive für das Verständnis der spirituellen Verwandtschaft der menschlichen Welt und der natürlichen Welt. Das Pathos wissenschaftlicher Werke ausländischer Denker kommt dem Ausspruch von N.A. nahe. Berdyaev: „Persönlichkeit ist kein Teil der Welt, sondern ein Korrelat der Welt. Zweifellos ist die Persönlichkeit ein Ganzes und kein Teil. Persönlichkeit ist ein Mikrokosmos. Dadurch erhält die Miniaturisierung die Züge eines stabilen Trends in der Entwicklung bestimmter Kulturbereiche des 20. Jahrhunderts und wird zu einem Phänomen, das in der Neuzeit eine besondere künstlerische Haltung zur Welt festlegt. historische Grundlage. Kleine Objekte tragen das spirituelle Bild der Zeit durch künstlerische und figurative Formen der Wiedergabe der Realität. S.A. Konenko schreibt, dass die Miniatur „ein einzigartiges Merkmal entdeckt, das in anderen Kunstgattungen nicht zu beobachten ist: die Verdichtung der Zeichen der Kultur zu einer äußerst konzentrierten Form, die ihr eine helle, ausdrucksstarke Form der Wertquintessenz verleiht.“ Zeichen der Kultur werden in dieser Form ikonisch, in gewisser Weise symbolisch: In der Prägnanz offenbaren sich die bedeutsamsten und bezeichnendsten Merkmale des Kulturbildes.“

Tatsächlich wurde die Miniatur in der Mitte des 20. Jahrhunderts gewissermaßen zu einem der Zeichen der modernen Kultur und demonstrierte ihre Wertvorherrschaft, den Entwicklungsstand von Wissenschaft, Technologie, Kunst und Geist.

Begründen wir das Gesagte. Moderne Kultur als Summe kultureller Gefühle und philosophischer Konzepte wird als postmoderne Kultur bezeichnet. Zu den wichtigsten Errungenschaften des philosophischen Denkens dieser Art von Kultur gehört die Idee der Pluralität der Wissensweisen, die die Kunst in den Rang der letzteren erhebt und ihr einen außerordentlichen Wert bei der Gestaltung der Weltanschauung der Menschheit verleiht. Unter Verwendung der Makrokosmos-Mikrokosmos-Analogie stellt das postmoderne Denken diese als Methode zum Verständnis der Welt dar und stellt die These über die Einheit des gesamten Lebensflusses (vegetatives, tierisches und bewusstes Leben) auf. Die Besonderheit der postmodernen Kunst ist die Erweiterung des Spektrums künstlerischer Visionen und Techniken künstlerische Kreativität, neuer Ansatz zu klassischen Traditionen. N.B. schreibt darüber. Mankovskaya, Yu.B. Borev, V.O. Pigulewski. Einer dieser postmodernen Trends ist die Chorminiatur.

Dadurch erlangte die Gattung der Chorminiaturen ab der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine neue Qualität. Sie steht in engem Zusammenhang mit allgemeinen Kulturprozessen, insbesondere mit der Stärkung der gesellschaftlichen Funktion der Kunst, den entstandenen Voraussetzungen für ihre Offenheit gegenüber dem Weltkulturraum, der Anerkennung von Werken dieser Art von Kreativität als Gemeingut, in Zusammenhang mit der Entwicklung von Kommunikationsmitteln, der sich nicht an einen engen Kreis von Kennern, sondern an ein breites Zuhörerpublikum richtet. Eine Chorminiatur ist „eine Mikroähnlichkeit des Makrokosmos der Kultur mit seinen charakteristischen Merkmalen und Qualitäten“, die moderne Menschen nicht nur als kulturell bedeutsames Objekt, sondern „als Ausdruck eines kulturellen und philosophischen Konzepts im Allgemeinen“ wahrnehmen können .“

Lassen Sie uns zum Abschluss unseres kurzen Ausflugs noch einmal die Hauptsache betonen, die es uns ermöglicht, die Natur des untersuchten Genres zu verstehen, betrachtet durch das Prisma der philosophischen Lehre von Makro- und Mikrowelten:

– eine Miniatur ist als Produkt der Kunst und als kulturelles Artefakt dem Raum, der Kultur, dem Menschen ähnlich, das heißt, sie ist ein reflektierter Mikrokosmos im Verhältnis zum real existierenden Makrokosmos des Menschen;

– Das Objekt einer Miniatur (als in die Kultur eingebettetes Kunstobjekt) ist ein Mikrokosmos mit all seinen Elementen, Prozessen, Mustern, der in seinen Organisationsprinzipien, der Grenzenlosigkeit der Phänomene dem Makrokosmos ähnelt;

– Eine Reflexion der komplexen, flüchtigen Eigenschaften lebender Materie ist ein „Zusammenbruch“ des Bedeutungsbildungsprozesses eines künstlerischen Textes, also seiner Miniaturisierung. Sein Wesen liegt in der Kompaktheit des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung wird die Möglichkeit geschaffen, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern;

– die Tiefe des philosophischen Wissens, das in den Miniaturen russischer Komponisten enthalten ist, leitet sich aus der Idee der Konziliarität ab;

– die Dominanz von Ideen der Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bestimmte bedeutende Ideen, unter deren Zeichen sich die Chorkunst entwickelte – von großen Chorgemälden zu Miniaturen, vom kollektiven Chorprinzip – zum Subjekt-Individuellen;

– Die in vergangenen Jahrhunderten entstandene Miniaturkunst stärkt ihre Bedeutung in der modernen Kultur. Inhaltsreiche „Informationen“, eine Vielzahl musikalischer und außermusikalischer Zusammenhänge beziehen die Miniatur in den evolutionären Prozess der Komplikation ein Kulturraum. Eine Miniatur in der modernen Kunst ist eine Art Analogie zum Makrosystem, in das sie eingeschrieben ist: Kunst, Kultur, Natur.

1.2. Chorminiatur im Kontext russischer Kunsttraditionen

Betrachtung der Miniatur unter dem Gesichtspunkt der Projektion des philosophischen Problems der Beziehung zwischen Mikro- und Makrowelt, die es ermöglichte, das Entwicklungsmuster der Kunst in Richtung Miniaturisierung der Formen mit ihrer sinnvollen Mehrdimensionalität zu identifizieren, lässt uns behaupten, dass die Welt des russischen Chorminiaturgenres, voll von den hellsten künstlerischen Entdeckungen der Vergangenheit und Gegenwart, einen außergewöhnlichen Reiz hat. Allerdings ist es hier notwendig, die besondere Rolle der Kultur der Romantik hervorzuheben und die Idee zum Ausdruck zu bringen, dass das Phänomen der musikalischen Miniatur eine konzentrierte „Formel“ der Poetik der Romantik ist, die in der westeuropäischen Klaviermusik um die Jahrhundertwende entstand 18. – 19. Jahrhundert und spiegelte sich in der russischen Kunst wider.

Es ist interessant, dass die Wurzeln dieses Phänomens, die in der russischen Chormusik entstanden sind, sich durch die Originalität der nationalen „Überarbeitung“ romantischer Strömungen auszeichneten.

Zum Beispiel Chorminiaturen, die zu Beginn des Jahrhunderts von S.I. geschaffen wurden. Tanejew kann hinsichtlich der Konzentration romantischer Impulse nicht mit den Klavierminiaturwerken von F. Mendelssohn, F. Chopin und anderen verglichen werden. Im Chorgefüge von Taneievs Chören wird die tiefe Offenbarung der Persönlichkeit in der besonderen Zurückhaltung des polyphonen Prinzips, kombiniert mit Volksmelodien, mit Anklängen an Kultgesänge, assimiliert. Bevor wir in diesem Zusammenhang den allgemeinen Kontext der mit den Genres und Formen der Miniaturen verbundenen Traditionen der russischen Kunst betrachten und die allgemeinen kulturellen Wurzeln des untersuchten Genres nachzeichnen, wenden wir uns in diesem Zusammenhang den Seiten der Geschichte zu, die sich mit der Einführung romantischer Strömungen befassen in die russische Kunst.

Die Kommunikation mit der westeuropäischen Romantik war von einer spannungsgeladenen Dialektik von Anziehung und Abstoßung geprägt. Bereits im 17. Jahrhundert zeigten sich in Russland Anzeichen einer Akzeptanz der westeuropäischen Kultur mit einer negativen Einstellung gegenüber der eigenen, traditionellen Kultur. Dieser Prozess begann mit der Regierungszeit von Peter I. „Peter legte großen Wert auf das russische Grenzgebiet, indem er die Hauptstadt des Staates an den äußersten Rand des Staates verlegte ... Er legte größten Wert auf die Pfeiler dieser Hauptstadt ... Die Piers von St. Petersburg markierten jedoch nicht nur die Akzeptanz einer „anderen“ Kultur, sondern auch eine negative Einstellung gegenüber der eigenen, traditionellen Kultur.

Wichtig ist jedoch, dass dies nicht zur völligen Zerstörung der traditionellen altrussischen Kultur führte, sondern lediglich zur Aufspaltung der russischen Kultur in zwei Kanäle.

Ein Kanal führte die Kultur direkt an die Grenze zu Westeuropa, und der andere trennte sich feindselig vom Westen – das ist die Kultur der Altgläubigen und der Bauernschaft, die bis ins 20. Jahrhundert überlebte, in dem sich das Leben der Volkskultur fortsetzte.“ Also Nachdenken historisches Schicksal In Russland, das ihm einen Vektor zweier grundlegender Kulturentwicklung gab, können wir im Prozess der Bildung des russischen romantischen Bewusstseins einerseits die Aufnahme der allgemeinen Erfahrung der europäischen Romantik und andererseits die Entstehung der russischen Romantik feststellen in den Tiefen der nationalen Kultur andererseits.

Die romantische Stimmung der russischen Gesellschaft wurde durch den Sieg im Krieg von 1812 gefördert, der die Größe und Stärke des russischen Volkes zeigte. Das russische gesellschaftliche Bewusstsein des 19 Grundlage für die Wahrnehmung einer neuen Richtung. Das russische philosophische Denken löste weiterhin die umstrittene Frage westlicher (P.Ya. Chaadaev) und ursprünglicher russischer Ansichten (A.S. Khomyakov, I.V. Kireevsky) über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft Russlands, die als Konfrontation zwischen Westlern und Westlern in die Geschichte einging Slawophile. Aber die historischen und philosophischen Ideen der westeuropäischen Kultur (F. V. Schelling, G. V. Hegel) haben bereits ein Verständnis für das Wesen des Stils erklärt, das die Zeit so tief widerspiegelte: „In romantische Zeit Die Form unterliegt der Macht des Inhalts. Das Bild eines Gottes wird durch das Bild eines Ritters ersetzt. Das Aussterben der klassischen Kunst ist kein Niedergang, sondern nur ein Übergang von der Kontemplation zur Repräsentation... Das geistige Prinzip siegt über das Materielle, das Gleichgewicht des Geistigen und Materiellen, wie es in der Klassik war, ist gestört, Musik und Poesie beginnt vorherrschend zu sein. In der Musik kann ein Künstler mehr Freiheit zeigen als in anderen Kunstgattungen.“

Die intensive Kommunikation mit der westeuropäischen Romantik, ihrem philosophischen Konzept (F. V. Schelling, G. V. Hegel), ausgereiften Vorstellungen des russischen Denkens über die nationalen Besonderheiten der Entwicklung Russlands und der Bereitschaft des öffentlichen Bewusstseins führte zur Entstehung eines bestimmten russischen Verständnisses davon Wesen dieses künstlerischen Phänomens. „Die Romantik“, schrieb Apollo Grigoriev, „und darüber hinaus unsere russische, entwickelte und zeichnete sich in unseren ursprünglichen Formen aus, die Romantik war kein einfaches literarisches, sondern ein Lebensphänomen, eine ganze Ära der moralischen Entwicklung, die ihre eigene Besonderheit hatte.“ Farbe, die eine besondere Sichtweise in die Praxis umsetzt ... Der romantische Trend käme von außen, aus der westlichen Literatur und dem westlichen Leben, er fand in der russischen Natur den für seine Wahrnehmung bereiten Boden - und spiegelte sich daher in Phänomenen wider, die völlig originell waren ... ”

Erstens unterschieden sich diese Phänomene von den westlichen – weniger Umsetzung der Subjektivität des kreativen Bewusstseins und Orientierung an der grundlegenden Tradition der russischen Orthodoxie – der Unterordnung des individuellen Bewusstseins unter in der fernen Vergangenheit kollektiv entwickelte Ideen.

Vielleicht ist das der Grund, warum die russische Kunst, nachdem sie das Genre der Chorminiaturen in die kulturelle und historische Arena gebracht hatte, in ihrer ursprünglichen romantischen Weltanschauung die Traditionen des Liedes verband nationale Besonderheit ihre Kultur und das Pathos der Orthodoxie, die auf „Konziliarität“ basiert, die die Prinzipien der Organisation von Individuen darstellt, die ein gemeinsames Ziel haben, aber einen individuellen Weg dorthin wählen. K. Zenkin definiert das Wesen einer Klavierminiatur und schreibt, dass es „die Unmittelbarkeit, die Unmittelbarkeit eines Bildes, die Zeit der lyrischen Erfahrung, die Kristallisation eines einzelnen Zustands während seiner inneren Entwicklung“ ist.

Wenn man diese Definitionen mit dem chorischen Erscheinungsbild der Miniatur in Beziehung setzt, kann man davon ausgehen, dass alle diese Merkmale in dem von uns untersuchten Genre in gewissem Maße vorhanden sind. Beispielsweise wurde die Kristallisation eines einzelnen emotionalen Modus im antiken Psalmodiengesang, im Znamenny-Gesang, entwickelt, wo die Konzentration auf den psychischen Zustand der betenden Person, auf eine bestimmte mentale Erfahrung erfolgte. Die besondere Spiritualität des Znamenny-Gesangs blieb auch im Partes-Gesang erhalten. Von wesentlicher Bedeutung war unserer Meinung nach die Besonderheit des liturgischen Ritus, bei dem der Sänger mit Hilfe melodischer Gesänge kreativ „diese oder jene Idee des Textes hervorheben konnte, je nach dem spirituellen Ton, in dem er.“ habe es wahrgenommen.“

Er offenbarte den betenden Gemeindemitgliedern seine Gefühle und rief sie während des Gebets zu entsprechenden Emotionen auf. Daher die genetischen Wurzeln des „Inneren, Psychologischen“, die sich in der öffentlichen Atmosphäre offenbaren.

All dies trug zur Entstehung des Chor-Miniaturtyps bei – einer neuen Art von Miniaturgenres, in dem die alten Traditionen der nationalen Musikkultur verschmolzen.

Das Ergebnis der Entwicklung der russischen Kultur verlieh der Chorminiatur nicht nur alle Errungenschaften der Chorkunst, sondern präsentierte sie auch als lebendige Widerspiegelung romantischer Ästhetik, neuer Ideen über die tiefe Einheit aller Arten von Künsten, über die Möglichkeit von ihre Mischung und Synthese. Daher wäre es logisch, die Ursprünge der Chorminiatur nicht nur aus der Perspektive ihrer Entwicklung in einer Gattungskunst zu betrachten, sondern auch die Rolle prototypischer Genres in anderen Arten künstlerischen Schaffens zu bestimmen. Sie sind wie kleine kostbare Körner, verstreut in verschiedenen historischen Epochen und Künsten, tragen die ästhetische Schönheit des Genres der kleinen Form in sich und absorbieren und synthetisieren die Prinzipien der Ausdruckskraft verschiedene Typen Arts, präsentieren eine „Biographie“ des künstlerischen Phänomens der Chorminiaturen.

Wenden wir uns einigen Arten russischer Kunst zu, in deren kleinen Formen sich die Merkmale des Miniaturgenres herausbildeten, die von der Chorminiatur der Epoche der Romantik übernommen wurden. Seine genetischen Wurzeln reichen bis in die Antike zurück und sprechen für die Arbeit russischer Ikonenmaler des 10. bis 12. Jahrhunderts. Wie Sie wissen, sollten die Ikone und das Fresko die göttliche Welt darstellen. Die künstlerische Qualität eines jeden Bildes im Tempel wurde als zweitrangig gegenüber seinem Hauptzweck – der Wiedergabe eines heiligen Ereignisses – angesehen. Die Wahrheit von Bildern (sowohl verbaler als auch farbenfroher), verstanden im Geiste der sensorisch-materiellen Identität mit dem Prototyp, ist unendlich wichtiger als ihre Schönheit. Die Ähnlichkeit des Gesichts der Ikone mit einem menschlichen Bild, seine Anziehungskraft auf die innere Welt des Betenden, also das tiefe menschliche Wesen der Kunst, wird von nachfolgenden Epochen „aufgenommen“ und insbesondere zu einem werden wichtiger Bestandteil der Ästhetik der Romantik.

IN. Loseva schreibt: „In der Antike wurde dem Wort eine außerordentliche Bedeutung beigemessen. „„Sagen“ und „erschaffen“ waren identische Konzepte.

Das Wort, wie definiert antike Philosophie galt als Modell der Welt, einschließlich materieller, sinnlicher und ideeller Elemente.

Dazu ist es legitim, einen weiteren identischen Begriff „repräsentieren“ hinzuzufügen. Eine Bestätigung dafür ist die Begleitung von Großbuchstaben in handgeschriebenen Büchern mit Zeichnungen, die die tiefe ideologische Bedeutung der Texte offenbaren. Später materialisierten Buchminiaturen spirituelle Inhalte in der Darstellung von Symbolen, in Ornamenten und schließlich in den Zeichen von Buchschriften selbst. Wie der Forscher der Novgorod-Kunst E.S. schreibt. Smirnow zufolge ist dies „ein Zeichen, ein Symbol für die Heiligkeit des Textes, eine Warnung und Begleitung zum tiefen Inhalt des Buches.“ Einige Titelhandschriften enthalten Miniaturdekorationen, die den Text authentisch veranschaulichen.

Sie haben wirklich die Qualitäten einer besonderen Kunst, als wären sie sich ihrer geringen Größe bewusst und nicht dazu geneigt, Techniken zu kopieren monumentale Malerei. Die Objektivierung des semantischen und emotionalen Inhalts des Buchtextes in Kombination mit der dekorativen Funktion wird von der Chorminiatur wahrgenommen und führt in der Folge figurative Züge in sie ein, die sich in einer Tendenz zu programmatischen und dekorativen Zügen ausdrücken.

Eine weitere wichtige Quelle, die die Entstehung der zukünftigen Chorminiatur prägte, war die Folklore. Epen, Märchen, Sprichwörter und Sprüche schufen die Poetik kleiner Formen in der alten russischen Literatur. Sie enthüllten die Kapazität des Wortes, den Aphorismus der Aussage und sammelten die wertvollste Bedeutung für eine Person, „Verbindung mit der Situation, dem Alltag“. , die kompositorische Struktur des Textes entwickelte sich, die Sprachintonation wurde verfeinert“ 1. All diese Erfahrungen literarischer Kunst werden in der Chorminiatur aufgegriffen. In diesem Zusammenhang ist es interessant festzustellen, dass die Originalität der Kompositionen von Epen und Märchen mit „Mikroelementen“ wie „Chor“, „Ergebnis“ und „Spruch“ verbunden war. Beispielsweise bereitet ein kleiner Märchenspruch den Zuhörer auf eine unterhaltsame Erzählung vor und betont die Fiktionalität und den fantastischen Charakter des Märchens. Und die epischen Refrains malten trotz ihrer Lakonizität majestätische Bilder der Natur, vermittelten feierliches Pathos und bereiteten den Zuhörer darauf vor, etwas Wichtiges und Bedeutsames wahrzunehmen. Die funktionale Rolle dieser Abschnitte bestand darin, die Handlung vorherzusagen, vorwegzunehmen und eine bestimmte Stimmung in einer kleinen poetischen Struktur zu erzeugen. Diese Merkmale, die in der Musikkunst in Form von Einleitungen zu verschiedenen Formen und Präludien existierten, enthielten zweifellos Merkmale, die indirekt das Genre der Miniaturen beeinflussten.

Wenden wir uns der Musikkunst zu. ESSEN. Orlova weist darauf hin, dass sich im 15. Jahrhundert in der russischen Folklore das Genre des lyrischen Nachklangs herausbildete. Im Gegensatz zu Epen und Märchen, die zwangsläufig eine detaillierte Handlung hatten, basierte das Lied auf einer komprimierten Handlungssituation, nah an der Lebensweise der Menschen, die für sie von Bedeutung waren. Weitere Details: In lyrischen Volksliedern werden neben der Fülle der zum Ausdruck gebrachten Gedanken und Gefühle auch die Lebensumstände, alle möglichen handlungsbeschreibenden Situationen, die sie verursacht haben, recht anschaulich dargestellt.

Verletzungen bestimmte Gefühle und Gedanken. In der Synthese von Worten und musikalischer Intonation brachte die russische Liedkantilene ein unerschöpfliches Potenzial psychologischer Ausdruckskraft hervor, das zweifellos einen Einfluss auf die Natur der Chorminiaturen hatte.

Betrachtet man den Kontext verschiedener Kunstgattungen, in deren Rahmen sich bestimmte Ausdrucksprinzipien herausbildeten, die für die Ausbildung der Charakteristika der Miniatur wesentlich waren, wird deutlich, dass sich dieser Prozess im 16. Jahrhundert fortsetzte. Die Kunst dieser Zeit bewegte sich von der kirchlichen Askese zum Säkularismus, von der Abstraktion zu echten menschlichen Gefühlen und Klarheit des Denkens. Diese Themen manifestierten sich deutlich in der russischen Architektur. „Der Architekt und Dichter ... kombinierte Skulptur, die die von ihm geschaffenen Fassaden mit Schnitzereien bedeckte, und Malerei, ... und Musik, die die Glocken in Bewegung setzte.“ Die Reliefs, die die Kathedralen von Moskau, Wologda und Nowgorod schmückten, waren plastische Schnitzereien, die den Wunsch nach dreidimensionalem Volumen und kühnen Figurenwinkeln offenbarten. Das bildhauerische Talent russischer Meister spiegelte sich auch in kleinen Skulpturen wider: Ikonen, Steinmetzarbeiten, Panagia-Kreuze (Holz, Stein, Knochen). Durch die Art der Interpretation der Form sind sie mit einem skulpturalen Relief vergleichbar; durch die Gründlichkeit der Arbeit, die Miniaturisierung der Details – mit der Kunst des Schmucks.

Diese Beispiele kleiner Formen der bildenden Kunst trugen auch spezifische Merkmale, die sich später indirekt in der Chorminiatur manifestierten. Dies ist zunächst einmal der Wunsch nach Räumlichkeit, der subtilen Filigranität der Ausführung des Werkes.

Die Anhäufung künstlerischer Erfahrungen in kleinen Formen verschiedener Künste führt zur Entstehung der Miniatur als eigenständige Kunstform, die um die Wende des 17. Jahrhunderts erfolgt. XVIII Jahrhundert in der Malerei. Seine Blütezeit fand im 18.–19. Jahrhundert statt und war mit der Entwicklung des Porträt- und Landschaftsgenres verbunden. Porträt- und Landschaftsminiaturen waren gleich zu Beginn ihrer Reise eng mit der Ölmalerei verbunden. Dieser Zusammenhang wurde in den Handlungssträngen, in der Unterordnung unter gängige ästhetische Kanons und in allgemeinen Stilmerkmalen nachgezeichnet. Aus diesem Grund in Anfang des XVII ICH Jahrhundert zeichneten sich Miniaturen durch den für die Malerei charakteristischen Prunk und Dekorativismus aus. Doch nach und nach fließt die Miniatur in den allgemeinen Mainstream der Entwicklung der grafischen Kammerporträtmalerei ein. Miniaturen werden nach dem Leben gemalt, werden spontaner, vermitteln die charakteristischen Merkmale des Modells anschaulicher und werden demokratischer. Der Aufschwung dieses Genres war mit dem Aufkommen des Kammerporträts verbunden, das die Ernsthaftigkeit und Tiefe des dargestellten Bildes offenbarte. Der intime und lyrische Charakter der Verkörperung von Themen hat seinen Ursprung in den Traditionen der Malerei von V.L. Borovikovsky und A.G. Venetsianova.

Ihre Besonderheiten bezog die Miniatur nicht nur aus der professionellen bildenden Kunst, sondern auch aus der Volkskunst. Es ist durch starke Fäden mit der angewandten Kunst verbunden. In der Antike wurden Miniaturen aus Stein-, Holz-, Silber- und Kupferguss hergestellt. In mehr späte Periode Handwerker verwendeten Porzellan, Knochen, Gold, Silber, Terrakotta, Keramik und andere atypische Materialien. Die Entwicklung der traditionellen bäuerlichen und dekorativ angewandten altrussischen Kunst, Ikonographie und Malerei im 18. Jahrhundert bereitete die Entstehung eines künstlerischen Phänomens wie der russischen Lackminiaturen vor. Die Zentren dieser ursprünglichen Kunst waren Fedoskino, Palech und Mstera. Kleine Gravuren auf Schachteln und Schnupftabakdosen, die nach künstlerischen Originalen angefertigt wurden, vermittelten die Fülle des Gefühls ihres Heimatlandes, waren von emotionaler Tiefe durchdrungen, im Einklang mit der inneren Welt eines Menschen und trugen einzigartige Merkmale des Lokalkolorits.

Die Bildtechniken der künstlerischen Miniaturen wurden in Anlehnung an die Tradition der russischen Ikonenmalerei und der westeuropäischen Gravur mit der russischen Malerei entwickelt, die es ihr ermöglichte, religiöse Gefühle und weltliche Ansichten zu verbinden. Die Miniatur trug den Stempel hoher bildender Kunst und war zugleich im Format angewandter Volkskunst geschaffen. Daraus erklärt sich die Anziehungskraft auf märchenhafte, epische, historische, mythologische Sujets oder auf in diesem Sinne stilisierte Bilder aus dem modernen Leben. „Die Miniaturmalerei ist von einer besonderen inneren Dynamik durchdrungen. Im komplexen Rhythmusspiel, in den sich kreuzenden Figurenlinien, in den Konsonanzen von Farbmassen und -plänen sind Anklänge an Volksliedbilder zu hören.“ Das musikalische Bild des Volksliedes spiegelte sich in der künstlerischen Gestaltung wider und trug zur Entstehung einer musikalisch-rhythmischen Struktur des Gemäldes bei. Palech Lackminiaturen sind bekannt für Bilder zu den Themen russischer Volkslieder „Unten entlang der Mutter, entlang der Wolga“, „Hier saust die verwegene Troika“ usw. Die Miniatur gab den Dingen nicht nur spirituelle Bedeutung. Ich schätze sie in spiritueller Sinn Oft war es aus hochwertigem Material gefertigt, was ihm im wahrsten Sinne des Wortes einen Wert verlieh. Das verwendete Material wurde mit heimischen Gold- und Silberarbeiten, Porzellan- und Knochenarbeiten sowie mit Emaille-Fertigkeiten in Verbindung gebracht. Besonders hervorzuheben ist die exquisite Malerei mit kleinen Punkten, die sich parallel zur Stipple-Technik im Metallstich entwickelte. Das Volumen und die Räumlichkeit des Bildes, die subtile Technik des Schreibens auf kostbaren Materialien, die dekorative Wirkung, die „chorale“ Aufführungsmethode, die Darstellung der Erfahrung der Schule, des Kreativteams und die Kontinuität der Traditionen sind die wichtigsten Ästhetische Prinzipien Lacke, die später in einer Chorminiatur verkörpert wurden.

Zum Abschluss der Analyse der genetischen Grundlagen des Genres der Chorminiaturen sollte betont werden, dass das Erscheinen der ersten Beispiele von Chorminiaturen im 19. Jahrhundert, in der Zeit der Aneignung der Errungenschaften der westlichen Romantik durch Russland, zweifellos damit verbunden war die darin enthaltene Verallgemeinerung der künstlerischen Erfahrung kleiner Formen verschiedener Arten russischer Kunst. In der künstlerischen und schöpferischen Tätigkeit, nicht nur musikalisch, sondern auch fernab der Gesangskunst, haben sich bei der Entwicklung der Ideologie der Kleinformen wesentliche Merkmale und Gattungsmerkmale für das Genre der Chorminiatur herausgebildet. Nämlich: die Verfeinerung einer kleinen Form, ein hohes Maß an Kunstfertigkeit, das sich aus der filigranen, raffinierten Handwerkskunst des Herstellers ergibt, die Spezifität des Inhalts – emotionale und ideologische Konzentration, die Tiefe des Verständnisses der Welt und der menschlichen Gefühle, funktionaler Zweck.

9. Genres der Chormusik

Chorgesang hat dieselbe alte Geschichte wie einstimmiger Gesang. Erinnern wir uns daran, dass alte Rituallieder gemeinsam gesungen werden. Es stimmt, jeder singt die gleiche Melodie, singt einstimmig. Der Chorgesang blieb viele Jahrhunderte hintereinander erhalten Einklang, das ist in der Tat monophon. Die ersten Beispiele für Chorpolyphonie in der europäischen Musik gehen auf zurück X. Jahrhundert.

IN Volksmusik Sind Sie auf Polyphonie gestoßen? verweilen Lieder. Aus der Volkspolyphonie entstand die Tradition, Lieder im Chor zu singen. Manchmal handelt es sich einfach um Transkriptionen einstimmiger Lieder für Chor, manchmal handelt es sich dabei um Lieder, die speziell für den Chorauftritt gedacht sind. Aber Chorlied das ist nicht unabhängiges Genre, und einer von Sorten Genre Lieder.

Zu den Genres der Chormusik gehören: Chorminiatur Chorkonzert Kantate Oratorium

Chorminiatur

Chorminiatur ist ein kleines Stück für Chor. Im Gegensatz zu einem Lied ist in einer Chorminiatur die polyphone Chorstruktur stärker entwickelt und es kommt häufig Polyphonie zum Einsatz. Viele Chorminiaturen wurden für einen unbegleiteten Chor geschrieben (die Bezeichnung „unbegleiteter Chor“ wird verwendet). Italienischer Begriff A cappella"A cappella").

So nutzt der russische Komponist die Chortextur in der Chorminiatur „Winter Road“ nach Gedichten von A. S. Puschkin (Original in B-Dur unerheblich):

Allegro moderat. Leggiero [Mäßig schnell. Leicht]

Hier hebt der Komponist die Sopranstimme als Hauptmelodie hervor und die anderen Stimmen „klingen“ ihre Phrasen nach. Sie singen diese Phrasen mit Akkorden, die die erste Sopranstimme wie eine Instrumentalbegleitung unterstützen. In Zukunft wird die Textur komplexer und die führende Melodielinie wird manchmal in anderen Stimmen erscheinen.

Chorkonzert

Trotz eines solchen „Konzert“-Namens ist dieses Genre nicht beabsichtigt für Konzertauftritte. Chorkonzerte wurden aufgeführt Orthodoxe Kirche während eines feierlichen, festlichen Gottesdienstes. Das ist ein Genre Russisch-orthodoxe Kirchenmusik.

Ein Chorkonzert ist keine Miniatur mehr, sondern ein großes mehrteiliges Werk. Aber auch keine Serie von Miniaturen. Man kann es als musikalische „Geschichte“ in mehreren „Kapiteln“ bezeichnen; jeder neue Teil des Chorkonzerts ist eine Fortsetzung des vorherigen. Normalerweise gibt es kurze Pausen zwischen den Teilen, aber manchmal gehen Teile ohne Unterbrechung ineinander über. Alle Chorkonzerte sind für Chor geschrieben A cappella, da Musikinstrumente in der orthodoxen Kirche verboten sind.

Die großen Meister des Chorkonzerts des 18. Jahrhunderts waren.

In unserer Zeit gibt es auch weltliche Chorkonzerte. Zum Beispiel in den Werken von G.V. Sviridov.

Kantate

Sie haben wahrscheinlich schon gespürt, dass dieses Wort dieselbe Wurzel hat wie das Wort „Kantilene“. „Cantata“ kommt ebenfalls vom italienischen „canto“ („singen“) und bedeutet „ein Stück, das gesungen wird“. Dieser Name entstand im frühen 17. Jahrhundert zusammen mit den Bezeichnungen „Sonate“ (ein Stück, das gespielt wird) und „Toccata“ (ein Stück, das auf Tasteninstrumenten gespielt wird). Nun hat sich die Bedeutung dieser Namen ein wenig geändert.

MIT 18. Jahrhundert unter Kantate Sie verstehen nicht jedes Stück, das sie singen.

Die Kantate ähnelt in ihrem Aufbau einem Chorkonzert. Die ersten Kantaten waren wie Chorkonzerte spirituell funktioniert, aber nicht im Orthodoxen, sondern im katholisch Westeuropäische Kirche. Aber schon drin XVIII Jahrhundert erscheinen und weltlich Kantaten, die für die konzertante Aufführung bestimmt sind. J. S. Bach schrieb viele geistliche und weltliche Kantaten.

Im 19. Jahrhundert verlor die Gattung Kantate an Popularität, obwohl viele Komponisten weiterhin Kantaten schrieben.

Im 20. Jahrhundert wird dieses Genre wiederbelebt. Wundervolle Kantaten wurden von S. S. Prokofjew und G. V. Sviridov, einem herausragenden deutschen Komponisten, einem modernen St. Petersburger Komponisten, geschaffen.

Oratorium

Das Wort „Oratorium“ bedeutete ursprünglich überhaupt keine Musikgattung. Oratorien waren Gebetsräume in Kirchen sowie Gebetstreffen, die in diesen Räumen stattfanden.

Der Gottesdienst in der katholischen Kirche wurde auf Latein abgehalten, das niemand mehr sprach. Nur gebildete Menschen verstanden ihn, vor allem die Priester selbst. Und damit auch die Gemeindemitglieder verstanden, was in den Gebeten gesagt wurde, wurden Theateraufführungen zu religiösen Themen organisiert liturgische Dramen. Begleitet wurden sie von Musik und Gesang. Aus ihnen ist hervorgegangen XVII Jahrhundert Genre Oratorien.

Wie in der Kantate wird auch das Oratorium begleitet Solosänger, Chor Und Orchester. Ein Oratorium unterscheidet sich von einer Kantate in zweierlei Hinsicht: viel größer(bis zu zwei, zweieinhalb Stunden) und eine zusammenhängende Erzählhandlung. Antike Oratorien entstanden in der Regel am biblisch Die Grundstücke waren für beide bestimmt Kirche, und für weltlich Ausführung. In der ersten Hälfte wurde #null vor allem durch seine Oratorien berühmt #null, ein deutscher Komponist, der viele Jahre in England lebte. Ende des 18. Jahrhunderts ließ das Interesse am Oratorium nach, aber in England waren Händels Oratorien immer noch in Erinnerung und beliebt. Als der österreichische Komponist Haydn 1791 London besuchte, war er von diesen Oratorien fasziniert und schrieb bald selbst drei große Werke dieser Gattung: „Sieben Worte des Erlösers am Kreuz“, "Jahreszeiten" Und „Weltschöpfung“.

Im 19. Jahrhundert schufen Komponisten Oratorien, die jedoch ebenso wie Kantaten keinen Erfolg hatten. Sie wurden durch die Oper ersetzt. Im 20. Jahrhundert wieder aufgetaucht bedeutende Werke dieses Genre wie „Jeanne d’Arc auf dem Scheiterhaufen“ Französischer Komponist, Pathetisches Oratorium Sviridov basierend auf dem Gedicht „Gut“. Ein bedeutendes Ereignis im Musikleben von St. Petersburg war 1988 die Aufführung des Oratoriums „Das Leben des Fürsten Wladimir“ auf einer alten russischen Handlung.

1

1 Staatliche Haushaltsbildungseinrichtung für höhere Berufsbildung „Staatliches Konservatorium (Akademie) Rostow, benannt nach. S.V. Rachmaninow“ des Kulturministeriums der Russischen Föderation

Der Artikel widmet sich den Evolutionsprozessen im Chorminiaturwesen, die das Ergebnis von Transformationen der ideologischen, philosophischen, ethischen und soziokulturellen Ordnung in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts waren. Das Panorama tiefgreifender gesellschaftlicher Veränderungen wurde ergänzt durch die Tendenz, die künstlerische Reflexion des sich dynamisch entwickelnden Weltbildes zu intensivieren. In dieser Arbeit geht es darum, in diesem Zusammenhang zu überlegen, wie die Miniatur ihr musikalisch-assoziatives, bedeutungsvolles Volumen erweitert. Um das Problem zu beleuchten, wird der Begriff der Evolution in der Kunst herangezogen. Der Autor enthüllt sein Wesen und untersucht ausgehend davon die Miniatur aus der Sicht evolutionärer Prozesse in der Kunst. Der Autor weist auf bedeutende Richtungen in der Entwicklung der Musikkunst hin, die die Chorminiatur beeinflusst haben, nämlich: eine detailliertere und subtilere Darstellung der emotionalen und psychologischen Abstufungen des Bildes und die Entwicklung assoziativer Schichten, die den künstlerischen Kontext des Werkes verallgemeinern. Vor diesem Hintergrund wird die Aufmerksamkeit auf die sich erweiternden Möglichkeiten der musikalischen Sprache gelenkt. In diesem Zusammenhang werden verschiedene Parameter der evolutionären Flexibilität des Chorgewebes hervorgehoben. Als Ergebnis einer vergleichenden Analyse der Chöre von V.Ya. Shebalin und P.I. Tschaikowsky kommt zu dem Schluss: Eine breite Palette von Innovationen, die die erhöhte Ausdruckskraft melodisch-verbaler Strukturen widerspiegeln, und die Entstehung einer kontrastierenden Polyphonie strukturierter Pläne führten zu einem neuen Niveau des Informationsgehalts in der Chorminiatur.

evolutionärer Prozess

Informationsebene

musikalisch-assoziative Inhaltsebene

musikalische Sprache

Strukturell-sprachliche semantische Formationen

musikalische Strophe

melodisch-verbale Strukturen

1. Asafiev B.V. Musikalische Form als Prozess. – 2. Aufl. – M.: Musik, Zweigstelle Leningrad, 1971. – 375 S., S. 198.

2. Batyuk I.V. Zur Problematik der Aufführung neuer Chormusik des 20. Jahrhunderts: Zusammenfassung. dis. ... offen. Anspruch: 17.00.02. – M., 1999. – 47 S.

3. Belonenko A.S. Bilder und Merkmale des Stils der modernen russischen Musik der 60–70er Jahre für A-cappella-Chor // Fragen der Theorie und Ästhetik der Musik. – Bd. 15. – L.: Muzyka, 1997. – 189 S., S. 152.

5. Weitere Einzelheiten finden Sie unter: Mazel L. A. Fragen der Musikanalyse. Erfahrung der Konvergenz von theoretischer Musikwissenschaft und Ästhetik. – M.: Sowjetischer Komponist, 1978. – 352 S.

6. Khakimova A.Kh. Chor a capella (historische, ästhetische und theoretische Fragen des Genres). – Taschkent, „Fan“-Akademie der Wissenschaften der Republik Usbekistan, 1992 – 157 S., S. 126.

7. Siehe ausführlicher O. Cheglakov Evolutionäre Kunst [Elektronische Ressource]. – Zugriffsmodus: http://culture-into-life.ru/evolucionnoe_iskusstvo/ (abgerufen am 26. April 2014).

8. Shchedrin R. Kreativität // Composer's Bulletin. – Bd. 1. – M., 1973. – S.47.

Seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts ist die Chorkunst in eine neue Entwicklungsphase eingetreten. Dies ist auf neue Stimmungen in der Gesellschaft in den 60er Jahren und das wahrgenommene Bedürfnis nach einer Rückkehr zu den ursprünglichen Formen der Musikkultur und Spiritualität zurückzuführen. Die intensive Entwicklung des Chorauftritts, sowohl im professionellen als auch im Amateurbereich, und die Steigerung des Niveaus der Aufführungskultur sind zu einem Anreiz für die Schaffung vieler geworden innovative Arbeiten. Die Stabilisierung der Gattung der Chorminiatur und ihres künstlerischen Potenzials erforderte eine Erweiterung der Ausdrucksmöglichkeiten. Ein Beweis dafür war die Bildung von Chorzyklen. Das Aufblühen der Chorminiaturen und die Bildung der Prinzipien der Einheit wurden „zu einer Folge der allgemeinen Intellektualisierung des kreativen Denkens, die den Moment eines sinnvollen und rationalen Anfangs verstärkte“.

Im Einklang mit evolutionären Prozessen zeichneten sich einzelne Stile durch die Entwicklung integrativer Qualitäten aus und verfügten über die Fähigkeit, „weite Bereiche assoziativen Wissens sowie emotionaler und psychologischer Erfahrungen in den Kontext der künstlerischen Wahrnehmung einzubeziehen“. Und dies wiederum ermöglichte die Schaffung eines qualitativ neuen Niveaus des Informationsgehalts des Chorwerks. Besonders hervorzuheben sind in diesem Zusammenhang die Worte des großen modernen Künstlers Rodion Shchedrin: „Um diese oder jene Information zu übermitteln, werden die Menschen der Zukunft mit deutlich weniger Worten und Zeichen auskommen.“ Nun, wenn wir dies in Musik übersetzen, dann wird dies offenbar zu Kürze, Konzentration des Denkens und folglich zu einer Konzentration der Mittel und einer Art größerer Sättigung der musikalischen Informationen führen ...“

Das Kriterium für die Entwicklung in der Kunst ist nicht nur der „Aufruf zur Erhöhung des Geistes“, sondern natürlich auch das „künstlerische Niveau“, das für eine Steigerung der Präzision und Filigranität der Technik sorgt, deren Details die Tiefe bilden Mehrdimensionalität des Bildes.

Betrachten wir die Evolutionsprozesse der A-cappella-Chormusik durch das Prisma dieser Kriterien. Die Entwicklungsgeschichte der Musikkunst weist darauf hin, dass Prozesse zur Erweiterung der Ausdrucksmöglichkeiten der Sprache in zwei Richtungen gehen: „Vertiefung des Kontrasts und weitere Polarisierung des Stabilen und Instabilen in allen Ausdruckssystemen der Musik und verbunden mit einer immer detaillierteren und.“ subtile Abstufung emotionaler und psychischer Übergänge vom Spannungspol zur Entspannung und umgekehrt. Die Gefühle eines Menschen ändern sich nicht, aber seine Erfahrungen werden bereichert, was bedeutet, dass, wenn er zum Objekt der musikalischen Verkörperung wird, „sein Bild eine immer breitere Begründung erfordert – einen sozialen Hintergrund, eine historische Perspektive, Handlung und Alltagsspezifität, moralisch und ethisch.“ Verallgemeinerung." Im Wesentlichen geht es um den Einsatz einer breiten Palette neuer musikalisch-assoziativer Inhaltsebenen, die den künstlerischen Kontext des Werkes ergänzen, schattieren, vertiefen, erweitern, verallgemeinern und es so unendlich umfangreich machen, weit über den Rahmen der „Handlungsbilder“ hinaus “.

Diese evolutionären Prozesse stehen in engem Zusammenhang mit dem Hauptmerkmal der Miniatur – ihrer Fähigkeit, mit ihr zu korrespondieren Außenwelt, mit anderen Systemen, entstand in den inneren Strukturen und Elementen, die das Gefüge des Chorwerks bilden. Organisch miteinander verflochten, verfügen sie über unterschiedliche Fähigkeiten zur Transformation und Reflexion des Außermusikalischen, also Mobilität und damit evolutionäre Flexibilität. Das Klangvolumen der Chorstimmen und des gesamten Chors ist vollkommen stabil. Strukturelle und sprachliche Formationen sind relativ stabil – Träger bestimmter Semantiken und entsprechender Assoziationen. Und schließlich besitzt die musikalische Sprache Beweglichkeit und die Fähigkeit, endlos neue innere Strukturverbindungen zu schaffen.

Das polyphone System des Chores besteht aus einer Synthese verbaler und nonverbaler Komponenten innerhalb der Musiksprache. Aufgrund ihrer spezifischen Eigenschaften zeichnet sich die Musiksprache durch innere Mobilität aus und eröffnet grenzenlose Möglichkeiten zur Neuordnung des Gesamtsystems.

Wenden wir uns den ausdrucksstarken Sprachelementen der Musiksprache zu. Basierend auf B. Asafievs Konzept, dass Intonation „Klangverständnis“ ist, kommen wir zu dem Schluss, dass in seinem Rahmen das gesamte Spektrum charakteristischer inhaltlicher Schattierungen gebildet wird. Fügen wir hinzu, dass die Natur des vom Menschen reproduzierten Klangs eine einzigartige Fähigkeit besitzt, die Ausdrucksfähigkeiten und Qualitäten verschiedener Instrumente zu integrieren. Lassen Sie uns abschließen: Die bewegenden Elemente der verbalen Komponente eines polyphonen Chorsystems: emotionale Färbung und Klangerzeugung (Artikulation). Das heißt, in der Intonation der menschlichen Stimme erfassen wir die emotionale und semantische Komponente und in den Artikulationsmerkmalen des erzeugten Klangs können wir zusätzliche, tiefe Farben des organisch mit Bedeutung verschmolzenen Inhalts einfangen.

Im Zusammenspiel von Wort und Musik in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Es entstanden die komplexesten Beziehungen, die durch eine zunehmende Aufmerksamkeit für die Aussprache des verbalen Textes sowie seine Intonation gekennzeichnet waren. Die Art der Gesangssprache begann sich mit den Besonderheiten des Chorsatzes zu verändern. Die Klangerzeugung, also die Artikulation, begann, eine dreifache Aufgabe bei der Vermittlung der verbalen Bedeutung zu übernehmen: klare, präzise Darstellung des Wortes, Erweiterung der Aussprache- und Intonationsmethoden, Kombination verbaler Mikrostrukturen zu einem einzigen semantischen Ganzen. „...Der Sänger wird zum „Meister“ künstlerisches Wort„, der die „Sprache der Klangfarben“, die klangpsychologische Farbe des Wortes, zu nutzen weiß.“

Entwicklung von Mitteln zur Sprachpersonifizierung, um mit der Entwicklung Schritt zu halten Ausdrucksmittel Musik wurde zu einem der Gründe für die Entstehung einer Tendenz zur kontrastierenden Schichtung strukturierter Schichten. Dies lag insbesondere an der Anziehungskraft auf neue Themen, auf unterschiedliche „historische Musikstile“, die Melodie des modernen Instrumentalismus, romantische Texte usw.

Die texturierten Pläne sollten die koloristischen Eigenschaften der Vertikalen offenbaren, um die für den Chorklang charakteristische Klangfarbe zu erreichen. Der Kern dieser Innovationen lag in verschiedenen Kombinationen von Techniken zur Präsentation des Materials, die den Wunsch nach Vielfalt und Farbigkeit widerspiegelten. Das Spektrum der kreativen Experimente in diesem Bereich war recht breit: von „scharfem Kontrast, Vergleich der Arten von Chortexturen“ bis hin zu „betont asketischen Schwarz-Weiß-Grafiken zweistimmiger Stimmen“.

Wenden wir uns der musikalischen Komponente des Chorklangs zu. Lassen Sie uns die Beweglichkeit von Elementen in der musikalischen Komponente eines polyphonen Gefüges bestimmen. In den Entwicklungen der Grundlagenforschung „Fragen der Musikanalyse“ L.A. Mazel sagt, dass Ausdrucksmittel, die kombinierte Komplexe bilden, die Möglichkeit einer „großen Variabilität emotionaler und semantischer Bedeutungen“ haben.

Lassen Sie uns ein Fazit ziehen. Die Stärkung der Prozesse der gegenseitigen Beeinflussung verbaler, sprachlicher und musikalischer Komponenten im Lichte der Erweiterung der Themen, der Anziehung verschiedener Musikstile und modernster Kompositionstechniken führte zu einer Aktualisierung der musikalischen Semantik und einer Intensivierung der Interaktion verschiedener Strukturelemente -semantische Pläne und war entscheidend für die Anhäufung von Informationsgehalt des künstlerischen Inhalts, der Kapazität, der künstlerischen Vielseitigkeit der Chorminiatur.

Wenden wir uns in diesem Zusammenhang dem Werk russischer Chorkomponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu, insbesondere den Werken von V.Ya. Schebalina (1902-1963). Der Komponist gehörte zu jenem Zweig der Chorkünstler, die ihre Werke im Einklang mit romantischen Traditionen schufen und dabei die Grundlagen des Russischen sorgfältig bewahrten Chorschule. V. Ya. Shebalin bereicherte die Chorkunst mit einer grundlegend neuen Art der subvokal-polyphonen Gesangsdarbietung Tradition aufführen Bauernlied. Um neue Kompositionstechniken und ihre Bedeutung für die Evolutionsprozesse im Allgemeinen für Chorminiaturen klarer zu identifizieren, werden wir eine vergleichende analytische Skizze anfertigen Chorpartituren PI. Tschaikowsky und V.Ya. Shebalin, geschrieben über einen Text - ein Gedicht von M.Yu. Lermontov „Die Klippe“.

Beginnen wir mit der Verkörperung eines einzelnen verbalen Textes. Tschaikowskys gesamtes Werk ist in einer strengen Akkordstruktur geschrieben. Die Ausdruckskraft eines poetischen Textes erreicht der Komponist dadurch, dass er die musikalische Strophe klar in Mikrostrukturen gliedert, die jeweils einen intonationsspezifischen Höhepunkt aufweisen (siehe Beispiel 1). Die Betonung bedeutender Wörter (siehe Takt 3) erfolgt durch die besondere Anordnung des Akkords (Sextakkord mit doppelter Quinte in der Sopran- und Altstimme) und einen Intonationssprung in der oberen Leitstimme.

Beispiel 1. P.I. Tschaikowsky „Die goldene Wolke verbrachte die Nacht“, Strophe Nr. 1

Mikromelodisch-verbale Strukturelemente in V.Ya. Shebalin sind organisch in die musikalische und poetische Strophe integriert (siehe Beispiel 2), die eine einzige Syntax darstellt, die für ein langgezogenes russisches Lied charakteristisch ist.

Beispiel 2. V.Ya. Shebalin „Cliff“, Strophe Nr. 1

Betrachtet man die texturfunktionale Interaktion von Stimmen, werden wir die folgenden Unterschiede verfolgen. Wie oben erwähnt, ist die Arbeit von P.I. Tschaikowsky ist in strenger akkordischer Polyphonie mit einstufiger Stimmführung geschrieben. Dies ist ein homophones Lager koloristischer Inhalte mit einer führenden Sopranistin. Im Allgemeinen wird die semantische Färbung der Textur mit der spirituellen Musik russischer religiöser Gesänge in Verbindung gebracht (siehe Beispiel 1).

Genre und stilistische Färbung von „The Cliff“ von V.Ya. Shebalina spiegelt eine besondere Tradition der Aufführung russischer Volkslieder wider, insbesondere den abwechselnden Einsatz von Stimmen. Ihre strukturelle Interaktion kommt nicht gleichermaßen im Klang zum Ausdruck: Die Aufmerksamkeit wechselt von einer Stimme zur anderen (siehe Beispiel 2). In der Chorkomposition verwendet der Komponist verschiedene Arten von Texturmustern, was es uns ermöglicht, über die Farbigkeit der Texturlösungen im Allgemeinen zu sprechen. Lassen Sie uns Beispiele nennen. Der Künstler beginnt das Werk mit der Anordnung des musikalischen Gefüges im Stil der subvokalen Polyphonie mit charakteristischen Refrains, dann verwendet er eine homogene Akkordstruktur (siehe Band 11), in der letzten Phase der dramatischen Entwicklung schafft er kontrastierende Strukturschichten unter Verwendung der Klangfarbenfärbung verschiedener Chorgruppen. Die Schichtung der Textur erfolgt durch die Isolierung der Bratschenstimme, die mit der Hauptinformationslast ausgestattet ist, und der Gruppe der Bass- und Tenorstimmen, die die Hintergrundschicht bilden. Die künstlerische Wirkung volumetrischer emotionaler Inhalte erreicht der Komponist durch die Isolierung verschiedener struktureller und semantischer Klangebenen. Dies wird in der Hintergrundebene durch eine einzige rhythmische und dynamische Nuance, eine Verdichtung des Chorklangs durch die Teilung der Stimmen in Divisi, das Auftreten einer Ostinato-Tonika in der zweiten Bassstimme, die einen niedrigen Obertonbereich aufweist, und die erreicht Einsatz sonorer Klangtechniken. Diese Eigenschaften bilden eine düstere Klangfarbe. Im gleichen Teil des Werkes beobachten wir als Element der Ausdruckssteigerung die Technik der Nachahmung des Aufnehmens der Hauptstimme in der Sopranstimme (Bd. 16).

Dramaturgie des Gedichts von M.Yu. Lermontov basiert auf dem Gegensatz zweier Bilder. Wie zeichnet P.I. seine Charaktere aus? Tschaikowsky? Der Komponist nutzt die Ausdruckskraft der Chor-Akkord-Textur, indem er Schlüsselwörter hervorhebt, die Klangfülle aller Stimmen steigert, sie in eine hohe Tessitura „überführt“ und auch das Anhalten bei gehaltenen Klängen als Methode zur Erhöhung der Klangenergie nutzt, wenn nähert sich dem Höhepunkt. Wichtige semantische Momente, zum Beispiel, wenn die Neufokussierung von Informationsinhalten vom visuellen Plan zum internen Plan erfolgt psychologischer Zustand Held schreibt der Komponist lange Pausen zwischen den Wörtern, was ihnen eine erhebliche semantische Belastung verleiht. Der Künstler unterstreicht sie mit hellen harmonischen Verschiebungen, dynamischen Nuancen und einem besonderen Tempo.

Beispielsweise schafft Tschaikowsky in der poetischen Zeile „... aber eine feuchte Spur blieb in der Falte der alten Klippe“ die folgende syntaktische Konstruktion, die die Referenztöne der Intonationszellen hervorhebt.

Beispiel 3. P.I. Tschaikowsky „Die goldene Wolke verbrachte die Nacht“, Strophe Nr. 3

Der Komponist führt in die letzte melodisch-verbale Mikrostruktur eine unerwartete Synkope ein, die die Besonderheit des Schlüsselworts als Höhepunkt einer musikalischen Phrase hervorhebt.

Shebalin verfügt über verschiedene Texturtypen in seinem Arsenal und „reguliert“ die Variabilität des Klanginhalts, indem er seine vertikalen oder horizontalen Koordinaten aktiviert. Der Komponist baut seine musikalische Strophe anders auf. Er beginnt es mit einem charakteristischen Genre-Stil-Refrain (Einführung der Basslinie, dann Aufnahme der Altstimmen), der einen Impuls horizontaler melodischer Energie trägt, um dann aber das Wort „in einer Falte“ hervorzuheben, ändert er die strukturelle Position . Der Autor baut eine polyphone Struktur in eine Akkordvertikale ein und in dieser musikalischen Statik „taucht“ die deklamatorische Klarheit und Bedeutung des Schlüsselworts auf. In der Statik der musikalischen Entwicklung erscheinen andere Farben des Wortes: artikulatorische Darstellung, Klangfarben-Register-Hintergrund seines Klangs, harmonische Farbe. Durch die Änderung der texturierten Perspektive „hebt“ der Komponist die kleinen Details des Bildes hervor und behält gleichzeitig die gesamte Tonbewegung bei.

Im Gegensatz zu P.I. Tschaikowsky, V. Ya. Shebalin nutzt einen breiten Klangfarbenbereich der Chorstimmen, schaltet verschiedene Stimmen ein und aus und nutzt die Klangfarbendramaturgie von Chorgruppen.

Beispiel 4. V.Ya. Shebalin „Cliff“, Strophe Nr. 3

Zusammenfassend: Der Weg von P.I. Tschaikowsky an V.Ya. Shebalin ist ein Weg, das Wort durch Musik zu konkretisieren und eine immer subtilere paritätische Beziehung und Interaktion mit der musikalischen Komponente zu finden, die auf Einheit und Ausgewogenheit aufbaut. Dabei geht es darum, in einer polyphonen Klangbewegung ein Gleichgewicht zwischen der dynamischen Entfaltung des Geschehens und der Statik zu finden und die wesentlichen Meilensteine ​​des semantischen Kontextes hervorzuheben. Hierbei handelt es sich um die Schaffung eines umhüllenden strukturierten Hintergrunds, der eine emotionale Tiefe des Inhalts schafft und es dem Hörer ermöglicht, die Schönheit der Facetten des Bildes und die Abstufung der sinnlichen Palette wahrzunehmen. Die Evolutionsprozesse der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bestätigten in der Chorminiatur zunehmend ihr wichtigstes Wurzel- und Genremerkmal – den Zusammenbruch der Bedeutung in der diffusen Interaktion von musikalischem und poetischem Text.

Rezensenten:

Krylova A.V., Doktor der Kulturwissenschaften, Professorin am Staatlichen Konservatorium Rostow. S.V. Rachmaninow, Rostow am Don;

Taraeva G.R., Doktor der Kunstgeschichte, Professorin des nach ihr benannten Rostower Staatlichen Konservatoriums. S.V. Rachmaninow, Rostow am Don.

Das Werk ist am 23. Juli 2014 beim Herausgeber eingegangen.

Bibliografischer Link

Grinchenko I.V. CHORMINIATUR IN DER RUSSISCHEN MUSIK DER ZWEITEN HÄLFTE DES XX. JAHRHUNDERTS // Grundlagenforschung. – 2014. – Nr. 9-6. – S. 1364-1369;
URL: http://fundamental-research.ru/ru/article/view?id=35071 (Zugriffsdatum: 28.10.2019). Wir machen Sie auf Zeitschriften des Verlags „Academy of Natural Sciences“ aufmerksam.

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Grinchenko Inna Viktorowna. Chorminiatur in der russischen Musikkultur: Geschichte und Theorie: Dissertation... Kandidat: 17.00.02 / Grinchenko Inna Viktorovna; Staatliches Konservatorium Rostow, 2015. - 178 P.

Einführung

Kapitel 1. Chorminiatur im historischen und kulturellen Kontext 10

1.1. Miniaturisierung in der Musik- und Chorkunst: philosophische Grundlagen 11

1.2. Chorminiatur im Kontext russischer Kunsttraditionen 19

1.3. Forschungsansätze zur Erforschung von Chorminiaturen 28

1.3.1. Ein textueller Ansatz zum Studium der Chorminiaturgattung 28

1.3.2. Chorminiatur: ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte 32

Kapitel 2. Chorminiatur in den Werken von Komponisten der russischen Schule: historischer und kultureller Hintergrund, Entstehung und Entwicklung des Genres 44

2.1. Musikalische und poetische gegenseitige Beeinflussung und ihre Rolle bei der Entstehung der Chorminiaturgattung 44

2.2. Chorminiatur als theoretische Definition 52

2.3. Kristallisation der Merkmale des Chorminiaturgenres in den Werken russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts 68

Kapitel 3. Chorminiatur in der Musikkultur des 20. Jahrhunderts 91

3.1. Genresituation des 20. Jahrhunderts:

soziokultureller Kontext des Genres 93

3.2. Die Entwicklung der Chorminiaturgattung in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts 106

3.3 Hauptvektoren der Entwicklung des Genres 118

3.3.1. Chorminiatur zur Kultivierung klassischer Bezugspunkte 118

3.3.2. Chorminiatur, konzentriert auf russische Nationaltraditionen 126

3.3.3. Chorminiatur unter dem Einfluss neuer Stilrichtungen der 60er Jahre 133

Fazit 149

Literaturverzeichnis

Forschungsansätze zur Untersuchung von Chorminiaturen

Warum ist der philosophische Aspekt des Problems bedeutsam? Die philosophische Reflexion vermittelt ein Verständnis der Kunst als Ganzes sowie ihres einzelnen Werks unter dem Gesichtspunkt, in ihr die tiefen Bedeutungen zu fixieren, die mit der Natur des Universums, dem Zweck und der Bedeutung des menschlichen Lebens verbunden sind. Es ist kein Zufall, dass der Anfang 21. Jahrhundert gekennzeichnet durch die besondere Aufmerksamkeit der Musikwissenschaft auf das philosophische Denken, die hilft, eine Reihe von Kategorien zu verstehen, die für die Musikkunst von Bedeutung sind. Dies ist vor allem darauf zurückzuführen, dass anthropologische Ideen angesichts der Veränderungen im modernen Weltbild, in dem Mensch und Universum wechselseitig bestimmt und voneinander abhängig sind, eine neue Bedeutung für die Kunst erlangt haben, und zwar die wichtigste Es hat sich herausgestellt, dass die Richtungen des philosophischen Denkens eng mit axiologischen Problemen verbunden sind.

In diesem Zusammenhang ist es bezeichnend, dass B.V. auch im Werk „The Value of Music“ Asafiev, der Musik philosophisch interpretierte, gab ihr eine breitere Bedeutung und interpretierte sie als ein Phänomen, das „die tiefen Strukturen der Existenz mit der menschlichen Psyche verbindet, die natürlich die Grenzen der Art der Kunst oder künstlerischen Tätigkeit überschreitet“. Der Wissenschaftler sah in der Musik keine Widerspiegelung der Realität unseres Lebens und unserer Erfahrungen, sondern eine Widerspiegelung des „Bildes der Welt“. Er glaubte, dass man durch Wissen 1 Der Begriff „Miniaturisierung“ stammt nicht vom Autor, sondern wird in der modernen kunsthistorischen Literatur allgemein akzeptiert. Durch die Betrachtung des musikalischen Prozesses kann man dem Verständnis der formalisierten Weltordnung näher kommen, da „der Prozess der Klangbildung an sich ein Spiegelbild des „Bildes der Welt“ ist“ und er die Musik selbst als Aktivität „in eine Reihe“ stellte von Weltpositionen“ (Konstruktionen der Welt), wodurch ein Mikrokosmos entsteht – ein System, das das Maximum zum Minimum synthetisiert.

Die letzte Bemerkung ist für das untersuchte Thema von besonderer Bedeutung, da sie sich auf die Analyse von Argumenten konzentriert, die die Relevanz von Trends in der modernen Kultur aufzeigen, wobei der Schwerpunkt auf Miniaturen in der Kunst liegt. Die Grundlagen dieser Prozesse wurden vor allem im Bereich des philosophischen Wissens erfasst, in dessen Rahmen sich das Problem der Beziehung zwischen dem Großen und dem Kleinen – der Makro- und Mikrowelt – durchzieht. Schauen wir uns das genauer an.

Am Ende des 20. Jahrhunderts kam es in der Weltphilosophie und -wissenschaft zu einer aktiven Wiederbelebung traditioneller philosophischer Konzepte und Kategorien, die die Integrität der Welt und des Menschen widerspiegeln. Mithilfe der Makrokosmos-Mikrokosmos-Analogie können wir die Zusammenhänge „Natur – Kultur“, „Kultur – Mensch“ betrachten und erklären. Diese Reflexion der Struktur des Lebens führte zur Entstehung einer neuen methodischen Position, in der der Mensch die Gesetze der umgebenden Welt versteht und sich selbst als die Krone der Schöpfung der Natur erkennt. Er beginnt, in die Tiefen seines eigenen psychologischen Wesens einzudringen, „bricht“ die Sinneswelt in ein Spektrum unterschiedlicher Schattierungen, stuft emotionale Zustände ein und operiert mit subtilen psychologischen Erfahrungen. Er versucht, die Variabilität der Welt in sich selbst im Zeichensystem der Sprache widerzuspiegeln, ihre Fluidität in der Wahrnehmung anzuhalten und einzufangen.

Reflexion ist aus philosophischer Sicht „die Wechselwirkung materieller Systeme, bei der sich die Systeme gegenseitig ihre Eigenschaften aufprägen, die „Übertragung“ der Eigenschaften eines Phänomens auf ein anderes und vor allem die „Übertragung“ struktureller Merkmale.“ Daher kann die Reflexion des Lebenssinns in einem literarischen Text als „die strukturelle Entsprechung dieser im Interaktionsprozess etablierten Systeme“ interpretiert werden.

Im Lichte dieser Bestimmungen werden wir feststellen, dass Miniaturisierung ein Spiegelbild der komplexen, flüchtigen Eigenschaften lebender Materie, der „Faltung“ oder eines fragmentarisch erfassten Prozesses der Interaktion zwischen Systemen ist, der in der Bedeutungsbildung eines künstlerischen Textes zum Ausdruck kommt . Sein Wesen liegt in der Kompaktheit des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung wird die Möglichkeit geschaffen, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern.

Nachdem wir das Problem der Beziehung zwischen Makro- und Mikrowelt skizziert haben, das für das Verständnis des Wesens der Miniaturen von grundlegender Bedeutung ist und im 20. Jahrhundert zu einem eigenständigen Konzept Gestalt annahm, weisen wir darauf hin, dass die Philosophie viele wertvolle Informationen darüber gesammelt hat ermöglicht es uns, die Essenz des Genres der Chorminiaturen tief zu verstehen. Betrachten wir sie im historischen Rückblick.

Die Bedeutung des Begriffs Makro und Mikrokosmos reicht bis in die Antike zurück. In der Philosophie des Demokrit taucht erstmals die Kombination mikroskosmos („Der Mensch ist eine kleine Welt“) auf. Eine detaillierte Lehre vom Mikro- und Makrokosmos wurde bereits von Pythagoras dargelegt. Im ideologischen Sinne erwies sich das von Empedokles aufgestellte Wissensprinzip als verwandt: „Gleiches erkennt man durch Gleiches.“ Sokrates argumentierte, dass das Wissen über den Kosmos „aus dem Inneren des Menschen heraus“ gewonnen werden könne. Annahmen über die Gemeinsamkeit des existierenden Menschen und des Universums. Um in das Wesen des Phänomens der Textminiaturisierung einzudringen, vergleichen wir es mit einem ähnlichen Phänomen in der inneren menschlichen Sprache. Die moderne Wissenschaft hat experimentelle Daten erhalten, die den Mechanismus der Interaktion zwischen Wörtern und Gedanken, Sprache und Denken präzisieren. Es wurde festgestellt, dass die innere Sprache, die wiederum aus der äußeren Sprache hervorgeht, alle Prozesse der geistigen Aktivität begleitet. Der Grad seiner Bedeutung steigt mit dem abstrakten logischen Denken, das eine detaillierte Aussprache der Wörter erfordert. Verbale Zeichen erfassen nicht nur Gedanken, sondern beeinflussen auch den Denkprozess. Diese Funktionen sind sowohl natürlichen als auch künstlichen Sprachen gemeinsam. BIN. Korshunov schreibt: „Wenn ein verallgemeinertes logisches Schema des Materials erstellt wird, bricht die innere Sprache zusammen. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass die Verallgemeinerung durch die Hervorhebung von Schlüsselwörtern erfolgt, in denen die Bedeutung der gesamten Phrase und manchmal des gesamten Textes konzentriert ist. Die innere Sprache wird zu einer Sprache semantischer Stützpunkte.“ lässt sich in den Werken Platons nachvollziehen. Auch Aristoteles spricht vom kleinen und großen Kosmos. Dieses Konzept entwickelte sich in der Philosophie von Seneca, Origenes, Gregor dem Theologen, Boethius, Thomas von Aquin und anderen.

Die Idee des Makrokosmos und Mikrokosmos erlebte in der Renaissance eine besondere Blüte. Große Denker – Giordano Bruno, Paracelsus, Nikolai Cusansky – einte die Idee, dass die Natur in der Person des Menschen geistige und sinnliche Natur enthält und das gesamte Universum in sich „zusammenzieht“.

Basierend auf dem sich historisch entwickelnden Postulat über die Entsprechung von Makro- und Mikrowelt kommen wir zu dem Schluss, dass der Makrokosmos der Kultur dem Mikrokosmos der Kunst und der Makrokosmos der Kunst dem Mikrokosmos der Miniaturen ähnlich ist. Es spiegelt die Welt des Individuums in der zeitgenössischen Kunst wider und ist ein Abbild des Makrosystems, in das es eingeschrieben ist (Kunst, Kultur, Natur).

Die Dominanz der Ideen von Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bestimmte die wesentlichen Leitlinien, nach denen sich die Chorkunst entwickelte. Um das Problem der Miniaturisierung in der Kunst zu entwickeln, ist daher die Idee der Konziliarität unerlässlich, die ein Element philosophischer Kreativität in die russische Musik einführt. Dieses Konzept wird zunächst mit dem Chorprinzip in Verbindung gebracht, was durch seine Verwendung in dieser Perspektive durch russische Philosophen bestätigt wird. Insbesondere „K.S. Aksakov identifiziert das Konzept der „Konziliarität“ mit einer Gemeinschaft, in der „der Einzelne frei ist wie in einem Chor“. AUF DER. Berdyaev definiert Konziliarität als eine orthodoxe Tugend, Vyach. Ivanov - als idealer Wert. P. Florensky enthüllt die Idee der Konziliarität anhand eines russischen Liedes. B.C. Solowjow verwandelt die Idee der Konziliarität in die Einheitslehre.“

Chorminiatur: ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte

Unter den historischen und künstlerischen Prozessen, die die Entstehung der Gattung der Chorminiaturen beeinflussten, sind insbesondere die Tendenzen hervorzuheben, die die gegenseitige Beeinflussung und gegenseitige Bereicherung von Musik und Poesie bestimmten. Die Koordinaten dieser Beziehungen sind in verschiedenen Schichten der russischen Musikkultur unterschiedlich. IN Volkskunst Diese Beziehung wuchs und entwickelte sich auf der Parität der beiden Künste, ihrer Synthese. In der Kultmusik dominierte das Wort. In der säkularen Berufskultur basierte diese Beziehung auf der ungleichen Entwicklung von Poesie und Musik, wo die Innovationen einer Kunst als Anstoß für die Errungenschaften der anderen dienten. Dieser Prozess hatte tiefe historische Wurzeln. „Es scheint eine verlässliche Annahme zu sein“, schreibt T. Cherednichenko, dass die alte russische weltliche Poesie, die früher als die Prosa entstand, ursprünglich mit Melodie in Verbindung gebracht wurde, „zum Lesen gedacht war und für jedes Genre eine bestimmte, einzigartige Art der Intonation hatte.“ .“

Das 18. Jahrhundert erwies sich als sehr fruchtbar und interessant für die Entwicklung der musikalischen und poetischen Interaktion im beruflichen Schaffen. Das wichtigste poetische und musikalische Genre dieser Zeit ist der russische Gesang, der „als Kammerspielart des Partes-Gesangs betrachtet werden sollte“. Die Ursprünge der Intonation liegen in den Traditionen des russischen Volksliedes, verschmolzen mit der Intonation des Alltagsgesangs. Wie T.N. schreibt Livanov: „Der Cant des 18. Jahrhunderts blieb die unmittelbar greifbare Grundlage der russischen Berufskunst, da er mit allen Bereichen der Musikkultur in Kontakt kam und gleichzeitig weit in den Alltag eindrang.“

Der russische Kant und das Kammerlied in seiner Blütezeit, aus denen später das lyrische Lied hervorging, sind aus unserer Sicht einer der Vorläufer der russischen Chorminiatur, da sie das grundlegende Merkmal der von uns betrachteten Gattung, nämlich die Einheit, offenbarten der musikalischen und poetischen Natur der musikalischen Strophe, die sich im Zusammenspiel poetischer und musikalischer Faktoren entwickelt. Das poetische Wort strebte immer nach Bildlichkeit, nach Wahrhaftigkeit und fand sie in den Tiefen der intonierten Bedeutung, und der musikalische Ton „suchte nach der Wahrheit“ im Ausdruck des bildlich intonierten Wortes. Immerhin, wie B.V. Asafiev, „im Menschen selbst, im „Organischen“ seiner Klangäußerungen – sowohl das Wort als auch der Ton – werden gleichermaßen durch die Intonation bestimmt.“ Somit wurde der Zusammenhalt der beiden Künste durch ihre Verwurzelung in einer Quelle bestimmt – der Intonation. Die beharrliche kreative Suche nach künstlerischer Wahrheit (besonders wichtig für die russische Tradition), basierend auf der organischen intonatorischen Einheit von Wort und Ton, sowohl in der Musik als auch in der Poesie, bestimmte ihren weiteren Austausch ihrer Ausdrucksmittel. Für den musikalischen Typus führte dies objektiv zur Anerkennung neuer, klassischer Formmuster, für den poetischen zur Stärkung eines neuen, syllabisch-tonischen Verssystems. Betrachten wir einige für uns bedeutsame Stadien der Entstehung dieses Phänomens.

Musik und Poesie offenbaren seit der Antike ein einziges Organisationsprinzip von Musik und Poetische Strukturen. Die im 16. Jahrhundert entstandene Versdichtung organisierte in ihren frühen Beispielen die Silbenpositionen in der Strophe nicht. Der Vers war asymmetrisch, mit einer poetischen Kadenz – einer gereimten „Randvereinbarung“. Die Struktur der Melodien des Znamenny-Gesangs war ähnlich. Melodische Phrasen korrespondierten einander nur durch Endungen – Unisono-Kadenzen, die das organisierende Element der Form waren. Das monotone Metrum in Musik und Poesie wurde durch Intonationszurückhaltung ergänzt. Die Struktureinheit eines Gedichts dieser Zeit ist das Couplet. Die poetische Strophe hatte keine klaren Grenzen, sie bestand aus Versen; sie konnte endlos und ziemlich amorph sein. Eine andere Situation sehen wir in der Musik. In musikalischer Form ist die Einheit eine melodische Phrase. Musikalische Formen dieser Zeit erreichen das Niveau der Beherrschung geschlossener Reprisenstrukturen. Im Prozess der Korrelation üben sie ihren Einfluss auf die poetische Linie aus und zwingen die Dichter, bei der Darstellung der Handlung des Gedichts nach semantischen Kapazitäten zu suchen.

Doch Mitte des 18. Jahrhunderts, auf dem Höhepunkt der Popularität der Virsch-Dichtung, zeichneten sich Veränderungen ab. Sie bestehen im Auftreten eines weiteren organisierenden Faktors in der Versifikation – der Gleichheit der Silbenzahl in einer Strophe. Diese Art von Versen wurde als Silbenvers bezeichnet. Hervorzuheben ist, dass „der Übergang zum gleichsilbigen Silbenvers im Rahmen der Lieddichtung vollzogen wurde.“ Die Gedichte der Dichter sollten gesungen und nicht gelesen werden und waren zu Melodien komponiert bestimmter Typ, und manchmal, vielleicht auch gleichzeitig.“ Unter den berühmten Dichtern dieser Zeit, die Gedichte für Gesänge und Lieddichtungen schrieben, kann man S. Polotsky, V.K. Trediakovsky, A.P. Sumarokova, Yu.A. Neledinsky-Miletsky. Das Kompositionskorps wurde durch V.P. vertreten. Titov, G. N. Teplov, F.M. Dubyansky, O.A. Kozlovsky. Durch die asketischen Bemühungen dieser Musiker und Dichter kam es zu einer so aktiven Verfeinerung der Normen der russischen poetischen Sprache und zu experimentellen Arbeiten am Zusammenspiel der Ausdrucksmittel von Musik und Poesie. Zum Beispiel A.P. Sumarokov, ein talentierter Schriftsteller seiner Zeit, verlangt von einem Dichter, der Lieder schreibt, vor allem Einfachheit und Klarheit:

Chorminiatur als theoretische Definition

Aus unserer Sicht ist es also die Kreativität von SI. Tanejew war ein Meilenstein in der Entwicklung des Genres der weltlichen Chorminiatur. Das moderne Verständnis des großen Erbes hat zu einem neuen, tiefen Verständnis seines ästhetischen Konzepts geführt, das noch immer nicht vollständig anerkannt wird: „Die hohen Verdienste seiner Musik sind allgemein anerkannt, aber die Reinheit der Ideale, die ein langes Leben bestimmen, ist noch nicht bekannt.“ ausreichend gewürdigt beste Werke Tanejew“. Betrachten wir einige Aspekte der Kreativität des Musikers im Zusammenhang mit weltlichen Chorminiaturen. Dazu skizzieren wir die kreativen Ambitionen des großen Künstlers und betonen dabei die Aspekte, die für die Herangehensweise des Autors an das untersuchte Genre von Bedeutung sind.

Bekanntlich im Interessenbereich von SI. Tanejew verfügte als Komponist und Wissenschaftler über das kreative Arsenal der großen Musiker der Renaissance, das einer eingehenden Analyse, Untersuchung und künstlerischen Neuinterpretation unterzogen wurde. Die Ressource der Polyphonie der Renaissance erwies sich als relevant für Chorminiaturen. Die Kombination mehrerer Melodien im Simultanklang, von denen jede gleichwertig und künstlerisch bedeutsam ist, ist für die Gestaltung des Chorgefüges weltlicher Werke von grundlegender Bedeutung geworden. Der Charakter und die Merkmale des Thematismus wurden durch seine stimmliche Natur bestimmt und erbten eine tiefe Wurzelverbindung mit dem Wort. Gleichzeitig eröffnete die Synthese polyphoner und homophon-harmonischer Texturen ein neues Potenzial zur Strukturierung des musikalischen Gefüges und spiegelte „den Wunsch der Künstler nach der Einzigartigkeit des ausgedrückten Zustands, nach der Individualität des Ausdrucks und damit der …“ wider Originalität eines bestimmten Designs.“

Tanejew steht dem Prinzip der kontinuierlichen thematischen Weiterentwicklung nahe; er kreiert Chormusik auf der Grundlage einer Methode, die „das Potenzial für Fluidität, Kontinuität mit dem Potenzial für klare Strukturierung antinomisch verbindet“. Dieses Konzept ermöglichte es dem Musiker, die Muster von Fugen- und Strophenkompositionen in einer Form zu vereinen. „Die harmonischsten Chorwerke sind diejenigen“, schreibt Tanejew, „in denen kontrapunktische Formen mit freien Formen kombiniert werden, das heißt, in denen nachahmende Formen in Satzteile und Perioden unterteilt werden.“ Besonders bedeutsam ist das Gesagte, wenn man darauf hinweist, dass das Interesse an der vielfältigen Innenwelt eines Menschen den Kern des Inhalts der SI-Musik bildet. Tanejew wurde in der reichen Sphäre polyphoner Bilder verwirklicht, die der Künstler im Genre der Chorminiatur organisch verkörperte.

Um die Essenz der künstlerischen Leistungen von SI zu offenbaren. Tanejew im Bereich des Genres, das uns interessiert, werden wir umsetzen vergleichende Analyse eine Reihe von Arbeiten, die zuvor einige aus unserer Sicht wichtige Positionen skizziert haben, die in der theoretischen Forschung von E.V. dargelegt werden. Nazai-kinsky, Themen gewidmet die Entstehung des Miniaturgenres. Beachten wir Folgendes: Der Wissenschaftler bestimmt das konzeptionelle Wesen der Miniatur, indem er „die Gesamtheit und Vielfalt der Phänomene untersucht, mit denen das betreffende Wort auf die eine oder andere Weise verbunden sein kann“. Darunter nennt er die wichtigsten und „zuverlässigsten Kriterien, die es einem ermöglichen, sich in diesem Bereich zurechtzufinden“. Der erste Teil ihrer Serie, der im Kleinen einen „Miniatureffekt“ erzeugt, ist die Einhaltung des Prinzips „Groß im Kleinen“. Dieses Kriterium „ist nicht nur großräumig und quantitativ, sondern auch poetisch, ästhetisch, künstlerisch.“

Teilen der Meinung von E.V. Nazaikinsky über die grundlegende Rolle dieses Kriteriums, wir werden darauf die Analyse mehrerer SI-Chöre projizieren. Tanejew, um herauszufinden, inwieweit sich darin die Merkmale des Miniaturgenres manifestieren. Gehen wir von der Hypothese aus, dass die grundlegenden Mittel und Techniken zur Ersetzung des Großen durch das Kleine alle Ebenen des künstlerischen Ganzen abdecken und die Gattungsspezifität der Chorminiatur bilden. Eine dieser Techniken, Methode 76

Zur künstlerischen Verdichtung der semantischen Energie trägt die Verallgemeinerung durch das Genre bei. Es verwirklicht sich durch eine assoziative „Verbindung mit Primärgattungen, mit dem Lebenskontext“. Es basiert auf dem Mechanismus der Bedeutungsentleihung: Der Genre-Prototyp der Miniatur „verleiht“ ihr generische Merkmale und spezifische Merkmale, die im künstlerischen Ganzen spezifische semantische Funktionen erfüllen. Verbindung mit Genre-Prototypen in SI-Werken. Tanejew wird vor allem auf der Ebene des thematischen Materials sichtbar. Seine künstlerische Entwicklung und Bearbeitung erfolgt mit den Mitteln der Polyphonie. Neben den primären Genres haben die Themen von S.I. Tanejew oft ihren Ursprung im altrussischen Gesang und stehen dem ursprünglichen Stil der Kirchenmusik nahe, basieren aber in jedem Fall auf russischer melodischer Musik.

Der klar zum Ausdruck gebrachte nationale Charakter der Thematik prädisponiert eine besondere Fähigkeit ihrer Darstellung, die Fähigkeit zur kontinuierlichen Intonationsentwicklung sowie zu Variations- und Variantentransformationen. Für S.I. Tanejew hat diese Fülle an Möglichkeiten, thematisches Material zu entwickeln, wie bereits erwähnt, eine grundlegende Grundlage. Die Rede ist vom polyphonen Denken des Komponisten, das die Möglichkeiten vielfältiger kontrapunktischer Darstellungs- und Durchführungsmethoden in bester Umsetzung eröffnet künstlerische Traditionen polyphones Schreiben.

Um das Gesagte zu bestätigen, lassen Sie uns auf eine Reihe von Beispielen verweisen. So liegt in der Miniaturlandschaft „Abend“ das Hauptthema im Barkarolen-Genre. Es unterliegt einer aktiven Transformation, bei der verwandte thematische Elemente gebildet werden. Sie „verdichten“ den Klang und färben ihn dank der Intonation und rhythmischen Veränderungen im „Profil“ des Themas in den es umgebenden Kontrapunkten mit neuen Farbtönen. Ihr allmähliches Abschalten gegen Ende des Werks erzeugt den Effekt eines verblassenden Klangs und verwirklicht den Übergang der Natur zur Ruhe der Nacht. Ein weiteres Beispiel: Der Tanzcharakter der feurigen Tarantella, der dem Nebenthema des Refrains „Die Ruine des Turms“ innewohnt, schildert die „glanzvolle“ Vergangenheit des alten Turms. Das Hauptthema, das ein düsteres Bild der Gegenwart zeichnet, steht in starkem Kontrast dazu. Im Durchführungsteil wird das Genrethema, das uns interessiert, in eine elegische Tonart umgewandelt; es ist der kontrapunktischen Durchführung zu verdanken, dass es einen Hauch von Traurigkeit und Bitterkeit erhält.

Der Refrain „Look at the Darkness“ basiert auf einem Liedthema. Zunächst in einer homophon-harmonischen Struktur angelegt, wird es bereits in der zweiten Aufführung durch einen endlosen Kanon entwickelt. Die Simulationstechnik ist hier, wie im vorherigen Beispiel, der Software untergeordnet. Das Bild der Natur – das „Flackern“ ihrer Schattierungen – wird durch das Spiel der Klangfarben vermittelt, dank des Stimmwechsels, der abwechselnd thematische Themen aufgreift und „Cluster“ von Imitationen bildet. Die polyphone Technik ist an der Strukturierung des künstlerischen Bildes beteiligt. Die Beherrschung der komplexen Ressourcen polyphoner Variationstechniken, die in der Lage sind, die feinsten Ausdrucksnuancen zu vermitteln, trägt zur „Erschaffung eines luftigen musikalischen Bildes bei, das die Stimmung perfekt vermittelt“.

Lassen Sie uns also betonen, dass auf thematischer Ebene das Prinzip „Groß im Kleinen“ durch eine radikale Transformation der primären Genrebasis von Themen im Prozess ihrer Entwicklung umgesetzt wird, die nicht zuletzt auf polyphonen Mitteln und Techniken basiert die Ressourcen der höchsten polyphonen Gattung der Fuge.

Wir werden die beweiskräftige Argumentation der Wirkungsweise des von uns untersuchten Prinzips auf der inhaltlich-semantischen Ebene fortsetzen, deren Offenlegung durch die Analyse der gegenseitigen Beeinflussung literarischer und musikalischer Texte möglich ist, die eine gewisse Gemeinsamkeit von Eigenschaften erkennen lassen. Grundlage ihres Inhalts ist die „punktuelle“ Fixierung kontrastierender Bilder unter Ausschluss der Entwicklungsphase. Bedeutungen werden dem Zuhörer als Folge integraler Bilder übermittelt, die nach dem Prinzip der Antithese oder Identität verglichen werden. E.V. Nazaikinsky stellt dies als „eine Konfrontation zwischen den Polen dar, die, auch ohne Festlegung der Übergangsstadien und Erweiterungen, die sie normalerweise trennen, eine Vorstellung vom Umfang der zwischen den Polen enthaltenen Welt geben kann.“

Die Besonderheit der Umsetzung dieser Technik in Chorminiaturen steht in direktem Zusammenhang mit dem semantischen Gewicht des literarischen Textes und besteht aus Folgendem. Die bedeutungsvollen Umrisse der Miniaturen von S. I. Tanejew stellen „besondere“ poetische Texte dar, die über bedeutenden Inhalt, dramatisches Potenzial, Emotionalität und die Möglichkeit zum Umdenken und zur Vertiefung verfügen. Ein typisches Beispiel für diese Herangehensweise an die Wahl der poetischen Grundlage von Werken sind die Chöre op. 27 zu den Gedichten von Yakov Polonsky, in dessen Gedichten S.I. Taneev das notwendige „plastische“ Material sah, um das Bild einer „klaren psychologischen Musikalität“ zu formen. Es ist kein Zufall, dass B.C. Solovyov betonte: „Polonskys Poesie hat die Eigenschaften von Musikalität und Bildhaftigkeit in starkem und gleichem Maße.“ Analysieren wir das Gedicht „On the Grave“ von Ya. Polonsky, das die Grundlage für den gleichnamigen Chor bildete. Lassen Sie uns ein Beispiel für einen poetischen Text geben.

Hauptvektoren der Entwicklung des Genres

Unter Berücksichtigung dieser Versprechen der Forscher wird die Betrachtung der Chorminiatur in diesem Abschnitt der Arbeit darauf abzielen, Genretransformationen auf der Ebene des Informationsgehalts des Textes zu identifizieren. Diese Frage scheint die wichtigste zu sein, da sie uns ermöglicht zu verstehen, wie sich der Inhaltsumfang einer Miniatur in der Beziehung zwischen verbalen und musikalischen Texten auf der Hintergrundtonhöhen-, lexikalischen, syntaktischen und kompositorischen Ebene ihrer Interaktion bildet. Gehen wir davon aus, dass im Zuge der Modernisierung des Genres bestimmte Strukturmerkmale eine dominierende Bedeutung für seine Entwicklung erlangten. Um diese Aufgabe zu lösen, werden wir die folgenden analytischen Operationen verwenden: Wir werden die Chorminiatur unter dem Aspekt der Interaktion zwischen den Genres betrachten und den Einfluss assimilierter Merkmale anderer Künste auf das interne strukturelle und sprachliche System des Werkes identifizieren .

Die gigantische Verbreitung der Massenmedien hat also ein beispielloses Publikum an kulturelle Werte herangeführt. Die kolossale Erweiterung des Umfangs der Klangwelt war mit der Präsentation von Musik nicht nur als eigenständiges Wahrnehmungssubjekt, sondern auch mit ihrer Nutzung als Bestandteil anderer und nicht nur der Künste verbunden. Die musikalische Komponente war mitunter ein skurriler, unglaublich bunter Wechsel von Werken und Fragmenten unterschiedlicher Stilrichtungen und Genres. In dieser Reihe verschiedene Kombinationen Musik, Bilder und Worte, die Radio und Fernsehen bieten: von musikalischen Intros der Radiosektionen über Spielfilme und Dokumentationen bis hin zu Ballett- und Opernproduktionen.

Das Genre der Chorminiatur befand sich auch im Umfeld kreativer Suche, die mit der Entstehung verschiedener Formen der Genresynthese verbunden war und oft an der Schnittstelle verschiedener Kunstarten durchgeführt wurde. Die Suche nach figurativer Tiefe, die teilweise in fernen Kunstbereichen „getastet“ wurde, wurde zu einem charakteristischen Merkmal der Epoche. Betrachten wir den Prozess der Genreinteraktionen, der für den Lebensabschnitt des untersuchten Genres so wichtig ist, am Beispiel der Chorminiaturen von G.V. Sviridov aus dem Zyklus „Fünf Chöre zu den Worten russischer Dichter“ für gemischten Chor a cappella. Unsere Aufmerksamkeit wird auf neue Merkmale des untersuchten Genretyps in der individuellen kreativen Entscheidung des Komponisten gelenkt.

Die Chorminiatur von G.V. Sviridova befand sich, den Trends der Zeit entsprechend, im Epizentrum der gegenseitigen Einflüsse zwischen den Genres einer sich dynamisch entwickelnden neuen Kultur und erlebte den Einfluss anderer Kunstarten. Die Bildung des strukturell-semantischen Modells von Sviridovs Chören war damit verbunden Charakteristische Eigenschaften Massenlied, dessen Quelle intonatorischer Ideen bekanntlich die Volksmusik war. Die Brechung von Volksmelodien in der Intonation sowjetischer Mess- und lyrischer Lieder, so K.N. Dmitrevskaya macht „die Folk-Basis einerseits allgemeiner, andererseits der breiten Öffentlichkeit zugänglicher, da sie bereits erlernte Meilensteine ​​in der Wahrnehmung von Musik setzt.“ Das oben Gesagte lässt uns sagen, dass Sviridovs Chorwerke eine Erweiterung des sozialen Zwecks der Chorkunst darstellten und die Prozesse der Bildung und Gewinnung eines neuen Hörers anregten, der persönliche und wertvolle Bedeutungen in der künstlerischen Realität der Musik versteht und wahrnimmt. Offensichtlich bereiteten diese Prozesse die Entstehung einer Chorkomposition lyrischen Typs vor.

Eine weitere wichtige Quelle der Erneuerung des Chorminiaturgenres war die aktive Einbindung des Chores in eine Vielzahl von Genrekontexten. So werden Chorepisoden auf verschiedene Weise in die symphonische Musik eingearbeitet (D.D. Schostakowitsch, B.I. Tischchenko, A.G. Schnittke, A.R. Terteryan, A.L. Lokshin), in Theateraufführungen(G. V. Sviridov für das Stück „Zar Fjodor Ioannowitsch“, A. G. Schnittke für F. Schillers Drama „Don Carlos“, E. V. Denisov für das Stück „Verbrechen und Strafe“). Eine solche Interaktion Chorgenre Mit der Symphonie konnte das Theater nicht umhin, die künstlerischen Transformationen der Chorminiatur zu prägen.

Der Symphonismus manifestierte sich in den Chören von G.V. Sviridov als Prinzip des musikalischen Denkens, als Dramaturgie, die das Zusammenspiel verschiedener figurativer Sphären und deren qualitative Transformation als Ergebnis dieses Prozesses darstellt. Dies wird durch die Verwendung der Sonaten-Allegro-Form durch den Komponisten in den Sekundärstrukturen (Chor „In the Blue Evening“), die Einführung eines Systems von Leitthemen und Intonationsbögen (Chöre „In the Blue Evening“, „How the Song Was“) bestätigt Geboren").

Elemente des symphonischen Denkens manifestierten sich auch in den Besonderheiten der textlichen Darstellung. Im Chor „Tabun“ wird der figurative Kontrast der Werkteile durch eine radikale Veränderung der Textur des musikalischen Gefüges erreicht. Als Mittel wird die Chorinstrumentierung jeder strukturierten Ebene verwendet musikalische Ausdruckskraft. In der Chorminiatur „On Lost Youth“ können wir eine homophone Art der Polyphonie, die Verwendung eines Chorpedals im „Tabun“-Chor und eine Kombination aus Solo und Tutti in der Miniatur „How the Song Was Born“ beobachten. Die Vielseitigkeit des strukturierten Designs manifestiert sich in der Kombination der wichtigsten thematischen Strukturen und der begleitenden subvokalen Elemente (der Refrain „How the Song Was Born“) im musikalischen Gefüge. In manchen Chören scheint die unterstützende Stimmführung recht ausgeprägt zu sein und bildet Fragmente – Vokalisen („Wie das Lied entstand“).

Die Instrumentalkunst beeinflusste auch den Bereich der Klang- und Bildkunst in der Chormusik. Dies manifestierte sich in der hellen Differenzierung der Klangfarben, in der Herangehensweise an die Instrumentalfärbung („Wie das Lied geboren wurde“), in kontrastierenden Vergleichen von Strichen und Nuancen, in Sprache und deklamatorischer Agogik, in der besonderen Rolle von Pausen.

Aus Theaterkunst, das sich in den Aktivitäten vieler Theater unterschiedlicher Richtungen so energisch durchsetzte, übernahm das Chorspiel dramatische Methoden zur Entwicklung musikalischen Materials: Personifizierung von Bildern, ihre konflikthafte Interaktion (der Refrain „Der Sohn traf seinen Vater“), der Wunsch nach Emotionalität Präsentation des Wortes, für Deklamation, Sprechangst, insbesondere die Rolle von Pausen. Die Kreativität des Oratoriums brachte ein episches Element in die Miniatur, das sich in der Verwendung einer Erzählung, gepaart mit figurativem Verständnis, einer Art und Weise der Darstellung der Hauptereignisse und in der Einleitung der Hauptfigur-Leserin (Chor „Über die verlorene Jugend“) ausdrückt.

Für die Chorminiaturen war die Entwicklung der Kinematographie von besonderer Bedeutung. Die Besonderheiten der Kinematographie hatten einen starken Einfluss auf die Schaffung eines dramatischen Umrisses in den Werken von G.K. Sviridova. Das Konzept der Bildkonstruktion im Kino bestand darin, die Technik der „Montage von Einzelbildern“ zu verwenden. Die Montagetheorie wurde von SM entdeckt und entwickelt. Eisenstein. Sein Kern lautete wie folgt: „Der Vergleich zweier Montagestücke gleicht eher nicht ihrer Summe, sondern einem Werk (Hervorhebung durch den Autor). Es ähnelt einem Produkt – im Gegensatz zu einer Summe – darin, dass das Ergebnis der Zusammensetzung qualitativ immer unterschiedlich ist, wenn man jedes einzelne Element einzeln betrachtet.“ Der große Regisseur bestand darauf, dass die Kultur des Schnitts vor allem deshalb notwendig sei, weil ein Film nicht nur eine logisch zusammenhängende Geschichte sei, sondern auch die aufregendste, emotionalste Widerspiegelung des Lebens – ein Kunstwerk. Und als eines der wichtigsten Mittel zur Schaffung eines filmischen Bildes betrachtete er die Komposition von Einzelbildern, deren Vergleich durch das künstlerische Ganze bestimmt wird.

Pädagogisches Ziel: sich am Beispiel einer Chorbearbeitung von „Ein altes französisches Lied“ aus Tschaikowskys „Kinderalbum“ ein Bild von den Besonderheiten des musikalischen Miniaturgenres zu machen.

Ziele: die Beziehung zwischen verschiedenen Musikgenres nachzuzeichnen, indem der Inhalt der künstlerischen Absicht des Komponisten verstanden wird; durch bewusste Wahrnehmung von Musik einen hochwertigen Klang der Singstimmen von Kindern beim Erlernen und Vorführen eines Liedes zu erreichen.

Unterrichtsgenre: thematisch.

Unterrichtsart: Neues Material lernen.

Methoden: Immersionsmethode(ermöglicht Ihnen, den Wert und die semantische Bedeutung eines Musikwerks im Leben einer Person zu verstehen); phonetische Methode Tonproduktion(zielt sowohl auf die Entwicklung der qualitativen Merkmale der Singstimme als auch auf die Entwicklung stimmlicher und choraler Fähigkeiten ab); Methode, Musik zu spielen(verbunden mit der Beherrschung von Elementen des musikalischen Gefüges und Methoden der Musikaufführung basierend auf der internen Aktivität der Studierenden); die Methode der „plastischen Intonation“ (zielt auf die ganzheitliche Wahrnehmung des musikalischen Gewebes durch die motorischen Fähigkeiten des Körpers ab).

Ausstattung: Porträt von P.I. Tschaikowsky, Musiksammlung „Kinderalbum“, Illustration eines Sonnenuntergangs am Fluss (nach Wahl des Regisseurs), Karten mit musikalischen Begriffen „Höhepunkt“, „Reprise“.

Während des Unterrichts.

Zum Zeitpunkt des Unterrichts haben die Kinder das Werk von P.I. Tschaikowsky bereits im Musikunterricht kennengelernt und sollten das Porträt des Komponisten, das ihnen der Chorleiter zeigt, leicht erkennen.

Leiter: Leute, ihr habt die musikalischen Werke dieses brillanten Komponisten bereits im Schulmusikunterricht studiert. Wer erinnert sich an seinen Namen und welche Nation er angehört?

Kinder: Russischer Komponist Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.

Leiter: Ja, das ist tatsächlich der große russische Komponist des 19. Jahrhunderts, P. I., und ich freue mich, dass Sie ihn erkannt haben! Die Musik von Pjotr ​​Iljitsch ist auf der ganzen Welt bekannt und beliebt, und an welche seiner Werke erinnern Sie sich?

Die Schüler geben erwartete Antworten:

Kinder: „Marsch der Holzsoldaten“, „Die Puppenkrankheit“, „Polka“, „Walzer der Schneeflocken“ und „Marsch“ aus dem Ballett „Der Nussknacker“.

Leiter: Leute, Tschaikowsky hat eine Menge wunderbarer Musik für Erwachsene und Kinder in verschiedenen Genres geschaffen, von so großen wie Oper, Ballett und Symphonie bis hin zu sehr kleinen Instrumentalstücken und Liedern. Einige davon haben Sie heute bereits erwähnt. Zum Beispiel „Marsch der Holzsoldaten“ und „Puppenkrankheit“. Wissen Sie, für wen der Komponist diese Stücke geschrieben hat? Für meine kleinen Neffen, die Klavier spielen lernten. Leider hatte Pjotr ​​Iljitsch keine eigenen Kinder, aber er liebte die Kinder seiner Schwester sehr. Speziell für sie erstellte er eine Sammlung kurzer Stücke für Klavier, die er „Kinderalbum“ nannte. Insgesamt umfasste die Sammlung 24 Stücke, darunter „Der Marsch der Holzsoldaten“ und „Die Puppenkrankheit“.

Der Leiter zeigt den Kindern die Sammlung und spricht beim Durchblättern der Seiten einige Namen der Stücke aus, wobei er sich auf Folgendes konzentriert:

Anführer: „Deutsches Lied“, „Neapolitanisches Lied“, „Altes französisches Lied“... Leute, wie kann das sein? Hat ein russischer Komponist Theaterstücke mit solchen Titeln geschrieben?

Kindern fällt es in der Regel schwer zu antworten, und der Leiter kommt ihnen zu Hilfe:

Leiter: Pjotr ​​Iljitsch reiste in verschiedene Länder und studierte die Musik verschiedener Völker. Er besuchte Italien, Frankreich, Deutschland, England und andere europäische Länder und reiste sogar über den Ozean nach Nordamerika. Der Komponist verkörperte in seinen Kompositionen seine Eindrücke von der Volksmusik dieser Länder und vermittelte deren Schönheit und Originalität. So entstanden das „Deutsche Lied“, das „Neapolitanische Lied“, das „Alte französische Lied“ aus dem „Kinderalbum“ und viele andere Werke.

Jetzt spiele ich für Sie am Klavier eines meiner Lieblingsstücke aus dem „Kinderalbum“ – „Ein altes französisches Lied“, und Sie werden ein aufmerksamer Zuhörer sein und versuchen zu verstehen, warum der Komponist das Instrumentalwerk ein „Lied“ nannte. ?

Aufgabe: Bestimmen Sie den Gesangsanfang des Stücks anhand der Art der Melodie.

Nachdem sie sich die Musik angehört haben, geben die Schüler die erwarteten Antworten:

Kinder: Die Melodie ist sanft, langgezogen, legato, liedhaft, das Klavier scheint zu „singen“. Deshalb nannte der Komponist dieses Instrumentalstück „Lied“.

Leiter: Leute, ihr habt vollkommen recht. Nicht umsonst komponierte in unserer Zeit die moderne Dichterin Emma Alexandrova, die den Liedanfang dieser Musik spürte, den Text zum „Alten französischen Lied“. Herausgekommen ist ein Stück für einen Kinderchor, das wir heute im Unterricht lernen werden. Bitte hören Sie sich dieses Gesangswerk an und bestimmen Sie seinen Inhalt. Um was geht es in diesem Song?

Die Schüler hören das „Alte französische Lied“, das der Lehrer gesanglich zur Klavierbegleitung vorträgt.

Kinder: Dies ist ein Naturbild, eine musikalische Landschaft eines Abendflusses.

Anführer: Natürlich habt ihr Recht, Leute. Dies geht aus dem poetischen Text des Liedes hervor. Welche Stimmung drückt die Musik aus?

Kinder: Eine Stimmung des Friedens und der leichten Traurigkeit. Doch plötzlich, mitten im Lied, wird die Musik unruhig und ungestüm. Dann kehrt wieder die Stimmung des Friedens und der leichten Traurigkeit zurück.

Anführer: Gut gemacht, Leute! Sie konnten nicht nur die Stimmung dieser Musik bestimmen, sondern auch sehen, wie sie sich im Laufe des Liedes veränderte. Und dies wiederum wird uns helfen, die musikalische Form des „Altfranzösischen Liedes“ zu bestimmen. Was ist eine Musikform?

Kinder: Musikalische Form ist die Struktur eines Musikstücks in Teilen.

Leiter: In welcher Form sind die meisten Lieder, die Sie kennen, geschrieben?

Kinder: In Versform.

Leiter: Können wir davon ausgehen, dass das „Alte französische Lied“ auch diese Form hat? Immerhin ist dies ein ungewöhnliches Lied. Erinnern Sie sich, wie es entstand, und erinnern Sie sich, wie oft sich die Stimmung in diesem „Lied“ änderte?

Kinder: Dieses Lied hat eine dreiteilige Form, da sich die Stimmung der Musik dreimal änderte.

Leiter: Das ist die richtige Antwort. „Ein altes französisches Lied“ hat eine ungewöhnliche Form für das Gesangsgenre, da es ursprünglich von P.I. Tschaikowsky als Instrumentalstück für Klavier geschrieben wurde. Aus Ihrer Antwort können wir schließen, dass die Anzahl der Formteile eines Musikwerks dem Stimmungswechsel in der Musik entspricht.

Leiter: Mit welchen Mitteln der musikalischen Sprache hat der Komponist die Stimmung des „Liedes“ vermittelt?

Kinder: Legato-Sounddesign, Moll-Tonleiter, sanfter Rhythmus, ruhiges Tempo in den äußersten Teilen des Liedes, Beschleunigung des Tempos und erhöhte Dynamik im Mittelteil.

Vor dem nächsten Hören des „Alten französischen Liedes“ wird den Schülern eine Illustration des Liedes gezeigt – ein Sonnenuntergang am Fluss – und ihnen wird ein verbales Bild angeboten – eine Fantasie über die Gefühle des Komponisten, der diese Musik komponiert hat.

Leiter: Schauen Sie sich diese Illustration genau an und stellen Sie sich vor, als ob der Komponist selbst am Ufer der abendlichen Seine am Stadtrand von Paris säße und die Schönheit der umliegenden Natur und die Farben der untergehenden Sonne bewunderte. Und plötzlich kamen lebhafte Erinnerungen an sein fernes, aber so innig geliebtes Mutterland in ihm hoch. Er erinnert sich an seine heimischen Weiten, breite Flüsse, russische Birken und, wie die Stimme seiner Mutter, an das Läuten der Kirchenglocken ...

Der Regisseur platziert ein Porträt von P.I. Tschaikowsky auf dem Klavier.

Leiter: Leute, stellt euch vor, dass der Komponist selbst mit euch diese Musik hört.

Nachdem sie sich erneut Vokalmusik angehört haben, teilen die Schüler ihre Eindrücke von der gehörten Musik.

Leiter: Leute, Pjotr ​​Iljitsch hat Russland sehr geliebt, und liebt ihr euer Vaterland?

Erwartete Antworten der Studierenden:

Kinder: Ja natürlich, wir lieben sie auch sehr und sind stolz auf unser tolles Land!

Der Leiter verteilt den Liedtext an die Kinder.

Leiter: Leute, euch ist natürlich aufgefallen, wie wenig Text in diesem Lied enthalten ist. Trotzdem zeichnet er sehr anschaulich und bildlich ein Bild der abendlichen Natur und der wechselnden Stimmungen eines Menschen:

Abends herrscht Kühle und Ruhe über dem Fluss;
Die Wolken werden heller und verschwinden in der Ferne.
Sie streben danach, aber wohin? Fließen wie Wasser
Sie fliegen wie ein Vogelschwarm und verschwinden spurlos.

Chu! Das ferne Klingeln zittert, ruft, ruft!
Ist es nicht das Herz, das dem Herzen die Botschaft übermittelt?

Das Wasser läuft, das Wasser gurgelt, die Jahre vergehen,
Aber das Lied lebt noch, es ist immer bei dir.

Nachdem er den Text von „Ein altes französisches Lied“ vorgetragen hat, gibt der Leiter eine Definition des Genres der musikalischen Miniatur:

Leiter: Ein kleines Musikstück für Gesang, Chor, jedes Instrument und sogar ein ganzes Orchester hat einen schönen französischen Namen Miniatur. Leute, gehört „Ancient French Song“ von P.I. Tschaikowsky zum Genre der Gesangs- oder Instrumentalminiatur?

Kinder: „Ein altes französisches Lied“ von P.I. Tschaikowsky gehört zur Gattung der instrumentalen Miniaturen, weil der Komponist es für Klavier geschrieben hat. Aber nachdem das „Lied“ Worte gefunden hatte, wurde daraus eine Gesangsminiatur für einen Kinderchor.

Leiter: Ja, tatsächlich ist „An Old French Song“ sowohl eine Instrumental- als auch eine Chor-(Gesangs-)Miniatur. Hat euch dieses Lied gefallen? Möchten Sie es lernen? Sicherlich! Aber vorher müssen wir singen, damit Ihre Stimmen schön und harmonisch klingen.

2-stufig. Singen.

Die Kinder erhalten Gesangsunterricht.

Leiter: Leute, zeigt mir, wie man beim Singen richtig sitzt.

Kinder sitzen aufrecht, strecken die Schultern, legen die Hände auf die Knie.

Anführer: Gut gemacht, Leute. Vergessen Sie nicht, beim Singen auf Ihre Körperhaltung zu achten.

Die Schüler sind eingeladen, eine Reihe von Übungen durchzuführen, um stimmliche und technische Fähigkeiten zu entwickeln:

1.Stimmatmung und Chor-Unisono-Übung.

Dehnen Sie die Silbe „mi“ so lange wie möglich auf gleicher Höhe aus (Klänge „fa“, „sol“, „la“ der ersten Oktave).

Bei dieser Übung ist darauf zu achten, dass Kinder nicht die Schultern heben und „wie Frösche aus dem Bauch“ atmen (Unterrippenatmung).

2.Übungen zum Legato (sanfte kohärente Klangerzeugung).

Die Silbenkombination „mi-ya“, „da-de-di-do-du“ wird Schritt für Schritt auf und ab ausgeführt – I – III – I (D-Dur – G-Dur); I – V – I (C-Dur – F-Dur).

3.Übung zum Staccato (selektive Klangerzeugung).

Die Silbe „le“ wird entsprechend den Klängen eines Dur-Dreiklangs auf und ab (C-Dur – G-Dur) vorgetragen.

4.Stimmliche Diktion-Übung.

Gesangsmuster:

„Die coolen kleinen Lämmer wandern in den Bergen und durch die Wälder. Sie spielen Geige und unterhalten Wasja“ (russischer Volkswitz).

Wird auf einem Ton („re“, „mi“, „fa“, „sol“ der ersten Oktave) mit allmählicher Beschleunigung des Tempos gespielt.

3-stufig. Ein Lied lernen in Form des Spiels „Musical Echo“.

Ziel: ein umfassendes Verständnis des Liedes zu entwickeln.

Spielweise des Spiels: Der Leiter singt den ersten Satz des Liedes, die Kinder wiederholen ihn leise an der Hand des Leiters entlang, wie ein „Echo“. Der zweite Satz wird ebenfalls aufgeführt. Dann singt der Moderator zwei Sätze gleichzeitig. Es werden verschiedene Ausführungsmöglichkeiten durchgespielt:

• der Leiter singt laut, die Kinder singen leise;
• der Leiter singt leise, die Kinder singen laut;
• Der Leiter lädt jedes der Kinder ein, Darsteller zu werden.

Leiter: Leute, ihr habt den Inhalt des Songs, seine Form, die Art des Sounddesigns festgelegt und nun schauen wir uns seine Intonation und rhythmischen Eigenschaften an. Hören Sie sich also den ersten Musiksatz des ersten Teils des Liedes an und bestimmen Sie die Art der Bewegung der Melodie.

Der Leiter erfüllt den ersten Vorschlag.

Kinder: Die Melodie steigt an, verweilt auf dem oberen Ton und sinkt dann auf den tieferen Tönen bis zur Tonika (musikalischer Punkt).

Leiter: Was stellt diese Richtung der Melodie dar?

Kinder: Wellen auf dem Fluss.

Leiter: Lassen Sie uns diesen Satz aufführen, indem wir gleichzeitig das rhythmische Muster der Melodie (Muster aus kurzen und langen Tönen) klatschen und dabei die Betonung in den Worten betonen.

Dann vergleichen die Schüler den ersten und zweiten Satz des ersten Teils des „Liedes“ und kommen zu dem Schluss, dass ihre Musik dieselbe ist, aber die Worte unterschiedlich sind. Der Leiter unterrichtet mit den Kindern den ersten Teil der Chorminiatur, wobei er die Technik des „musikalischen Echos“ anwendet und an der Reinheit der Intonation und des Chorgleichklangs arbeitet.

Nach der Gesangsarbeit am ersten Teil des „Liedes“ lädt der Leiter die Kinder ein, sich den zweiten Teil anzuhören und ihn mit dem vorherigen zu vergleichen.

Kinder: Die Musik wird aufgeregt, das Tempo beschleunigt sich allmählich, die Klangstärke nimmt allmählich zu, die Melodie steigt „Schritt für Schritt“ zu den höchsten Tönen des „Liedes“ bei den Worten „Isn't it your heart...“ “ und friert am Ende der Bewegung plötzlich ein.

Anführer: Gut gemacht, Leute! Sie haben die Entwicklung der Melodie des Mittelteils des „Liedes“ richtig gespürt und den hellsten „Punkt“ dieser Chorminiatur identifiziert, der heißt Höhepunkt das heißt, der wichtigste semantische Ort eines Musikwerks. Lassen Sie uns diesen Teil spielen, während wir gleichzeitig mit unseren Händen die Aufwärtsbewegung der Melodie zeigen und am Höhepunkt verweilen.

Nach der gesanglichen Arbeit am Mittelteil lädt der Leiter die Schüler ein, sich den dritten Teil des „Liedes“ anzuhören und ihn mit den vorherigen zu vergleichen.

Kinder: Im dritten Teil des „Liedes“ ist die Melodie dieselbe wie im ersten. Sie ist genauso ruhig und maßvoll. Es enthält einen musikalischen Satz.

Anführer: Das stimmt, Leute. Der erste und dritte Teil dieser Chorminiatur haben die gleiche Melodie. Diese dreiteilige Musikform heißt Repressalie. Das Wort Reprise kommt aus dem Italienischen und bedeutet ins Russische übersetzt „Wiederholung“. Lassen Sie uns die extremen Teile des „Liedes“ vortragen und versuchen, mit unserer Stimme die sanfte Bewegung der Wellen auf dem Fluss und das Gleiten der Wolken am Abendhimmel zu vermitteln, die im Lied besungen werden.

Nach der gesanglichen Arbeit am dritten Teil der Chorminiatur bewertet der Regisseur die Leistung der Kinder, notiert die erfolgreichsten Momente und bietet an, diesen Teil, wenn die Schüler dies wünschen, solo aufzuführen. Anschließend sind die Studierenden eingeladen, sich das „Alte Französische Lied“ noch einmal als Instrumentalminiatur auf dem Klavier anzuhören und das „Lied“ dann selbst von Anfang bis Ende als Chor-(Gesangs-)Miniatur vorzutragen:

Leiter: Leute, versucht, die Gefühle des Komponisten zu vermitteln, der diese wunderschöne Musik komponiert hat, sowie eure eigenen Gefühle, die ihr bei der Aufführung von „An Old French Song“ erleben werdet.

4-stufig. Zusammenfassung der Lektion.

Anführer: Leute , Mit Heute im Unterricht waren Sie ausgezeichnete Zuhörer, Sie haben mit Ihrer Darbietung versucht, den bildlichen Inhalt des „Alten französischen Liedes“ zu vermitteln, Sie haben es geschafft, die Gefühle des Komponisten auszudrücken, der dieses Musikstück komponiert hat. Nennen wir diesen Komponisten noch einmal.

Kinder: Der große russische Komponist Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.

Leiter: Warum wird „Altes französisches Lied“ als musikalische Miniatur klassifiziert?

Kinder: Weil das ein sehr kleines Musikstück ist.

Leiter: Welche anderen interessanten Dinge haben Sie über diese musikalische Miniatur gelernt?

Kinder: Die Entstehungsgeschichte dieses Musikstücks ist interessant; „Ein altes französisches Lied“ wurde in die Klavierstücksammlung „Kinderalbum“ für junge Pianisten aufgenommen; Es ist sowohl eine Instrumentalminiatur als auch eine Chorminiatur, je nachdem, wer es aufführt.

Anführer: Gut gemacht, Leute! Lesen Sie nun sorgfältig die „musikalischen“ Wörter auf diesen Karten und merken Sie sich, was sie bedeuten.

Der Leiter zeigt den Kindern zwei Karten mit den Worten „Höhepunkt“, „Reprise“.

Kinder: Der Höhepunkt ist der wichtigste semantische Ort in einem Musikwerk; Reprise – Wiederholung eines musikalischen Teils, bezieht sich auf eine dreiteilige Form, bei der der dritte Teil die Musik des ersten Teils „wiederholt“.

Leiter: Gut gemacht, Sie haben diesen Wörtern die richtigen Definitionen gegeben. Lassen Sie uns diese neuen Karten in unser „Musikwörterbuch“ aufnehmen.

Einer der Schüler legt die Karten auf den Ständer „Musikalisches Wörterbuch“.

Leiter: Leute, während ihr heute im Unterricht „Ein altes französisches Lied“ gesungen habt, habt ihr mit musikalischen Farben ein Bild der abendlichen Natur am Fluss „gemalt“. Und Ihre Hausaufgabe besteht darin, mit gewöhnlichen Farben Illustrationen für diese Chorminiatur zu zeichnen.