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Es ist bekannt, dass alle Musik nach der allgemeinen Genreklassifizierung in unterteilt wird Vokal Und instrumental. Vokalmusik kann Solo-, Ensemble- oder Chormusik sein. Die Chorkreativität wiederum hat ihre eigenen Spielarten, die man nennt Chorgattungen:

2) Chorminiatur;

3) Chor große Formen S;

4) Oratorienkantate (Oratorium, Kantate, Suite, Gedicht, Requiem, Messe usw.);

5) Oper und andere Werke mit Bezug zum Bühnengeschehen (unabhängige Chornummer und Chorszene);

6) Verarbeitung;

7) Anordnung.

Chorlied (Volkslieder, Lieder für Konzertaufführungen, Chormesslieder) – das demokratischste Genre, gekennzeichnet durch eine einfache Form (hauptsächlich Verse) und Einfachheit der musikalischen Ausdrucksmittel. Beispiele:

M. Glinka „Patriotisches Lied“

A. Dargomyzhsky „Der Rabe fliegt zum Raben“

„Aus einem Land, einem fernen Land“

A. Alyabyev „Lied über einen jungen Schmied“

P. Tschaikowsky „Ohne Zeit, ohne Zeit“

P. Chesnokov „Keine Blume verdorrt auf dem Feld“

A. Novikov „Straßen“

G. Sviridov „Wie das Lied entstand“

Chorminiatur - das am weitesten verbreitete Genre, das sich durch den Reichtum und die Vielfalt der Formen und Mittel des musikalischen Ausdrucks auszeichnet. Der Hauptinhalt sind Texte, die Gefühle und Stimmungen vermitteln, Landschaftsskizzen. Beispiele:

F. Mendelssohn „Wald“

R. Schumann „Nachtstille“

„Abendstern“

F. Schubert „Liebe“

"Reigen"

A. Dargomyzhsky „Komm zu mir“

P. Tschaikowsky „Nicht der Kuckuck“

S. Tanejew, „Serenade“

„Venedig bei Nacht“

P. Chesnokov „Alpen“

"August"

Ts. Cui „Alles ist eingeschlafen“

„In der Ferne erleuchtet“

V. Schebalin „Klippe“

„Winterstraße“

V. Salmanov „So wie du lebst, kannst du“

„Löwe im eisernen Käfig“

F. Poulenc „Traurigkeit“

O. Lasso „Ich liebe dich“

M. Ravel „Nicoletta“

P. Hindemith „Winter“

Großer Chor — Werke dieser Gattung zeichnen sich durch die Verwendung komplexer Formen (drei-, fünfstimmig, Rondo, Sonate) und Polyphonie aus. Der Hauptinhalt sind dramatische Kollisionen, philosophische Reflexionen, lyrisch-epische Erzählungen. Beispiele:

A. Lotti „Crucifixus“.

C. Monteverdi „Madrigal“

M. Berezovsky „Lehne mich nicht ab“

D. Bortnyansky „Cherub“

„Chorkonzert“

A. Dargomyzhsky „Der Sturm bedeckt den Himmel mit Dunkelheit“

P. Tschaikowsky „Für den Schlaf“

Yu. Sakhnovsky „Federgras“

Vic. Kalinnikov „Auf dem alten Hügel“

„Die Sterne verblassen“

S. Rachmaninow „Konzert für Chor“

S. Taneev „Am Grab“

"Prometheus"

„Die Ruine des Turms“

„Auf den Bergen hängen zwei düstere Wolken“

"Sterne"

„Die Salven verstummten“

G. Sviridov „Herde“

V. Salmanov „Aus der Ferne“

C. Gounod „Nacht“

M. Ravel „Drei Vögel“

F. Poulenc „Marie“

Kantate-Oratorium (Oratorium, Kantate, Suite, Gedicht, Requiem, Messe usw.). Beispiele:

G. Händel Oratorium: „Samson“,

"Messias"

I. Haydn-Oratorium „Die Jahreszeiten“

W.A. Mozart „Requiem“

IST. Bach-Kantaten. Messe in h-Moll

L. Beethoven „Feierliche Messe“

J. Brahms „Deutsches Requiem“

G. Mahler 3. Symphonie mit Chor

G. Verdi „Requiem“

P. Tschaikowsky Kantate „Moskau“

„Liturgie des Johannes. Chrysostomus“

S. Rachmaninow Kantate „Frühling“

„Drei russische Lieder“

Gedicht „Glocken“

„Die ganze Nachtwache“

S. Prokofjews Kantate „Alexander Newski“

D. Schostakowitsch 13. Sinfonie (mit Basschor)

Oratorium „Lied der Wälder“

„Zehn Chorgedichte“

Gedicht „Die Hinrichtung von Stepan Rasin“

G. Sviridov „Pathetisches Oratorium“

Gedicht „In Erinnerung an S. Yesenin“

Kantate „Kursker Lieder“

Kantate „Nachtwolken“

V. Salmanov „Schwan“ (Chorkonzert)

Oratoriengedicht „Die Zwölf“

V. Gavrilin „Chimes“ (Choraufführung)

B. Briten „War Requiem“.,

K. Orff „Carmina Burana“ (Bühnenkantate)

A. Onneger „Jeanne d’Arc“

F. Poulenc Kantate „Das menschliche Gesicht“

I. Strawinsky „Hochzeit“

„Symphonie der Psalmen“

„Heiliger Frühling“

Opern-Chor-Genre. Beispiele:

G. Verdi „Aida“ („Wer ist da mit Sieg zur Herrlichkeit“)

„Nebukadnezar („Du bist schön, o unser Vaterland“)

J. Bizet „Carmen“ (Finale von Akt I)

M. Glinka „Ivan Susanin“ („Mein Vaterland“, „Glory“))

„Ruslan und Lyudmila („Lel der Geheimnisvolle“)

A. Borodin „Prinz Igor“ („Ehre sei der roten Sonne“)

M. Mussorgsky „Chovanshchina“ (Begegnungsszene von Chovansky)

„Boris Godunov“ (Szene in der Nähe von Kromy)

P. Tschaikowsky „Eugen Onegin“ (Ballszene)

„Mazepa“ („Ich werde einen Kranz zusammenrollen“)

„Die Pik-Dame“ (Szene im Sommergarten)

N. Rimsky-Korsakov „Frau von Pskow“ (Veche-Szene)

„Schneewittchen“ (Abschied von Maslenitsa)

„Sadko“ („Höhe, Höhe unter dem Himmel“)

„Die Zarenbraut“ („Liebestrank“)

D. Schostakowitsch. Katerina Izmailova“ (Sträflingschor)

Chorarrangement (Bearbeitung eines Volksliedes für Chor- und Konzertaufführung)

A) Die einfachste Art der Liedbearbeitung für Chor (Versvariationsform, die Melodie und Genre des Liedes beibehält). Beispiele:

„Shchedrik“ – Ukrainisches Volkslied, arrangiert von M. Leontovich „Told me Something“ – Russisches Volkslied, arrangiert von A. Mikhailov „Dorozhenka“ – Russisches Volkslied, arrangiert von A. Sveshnikov „Ah, Anna-Susanna“ – Deutsches Volkslied, Lied arrangiert von O. Kolovsky

„Steppe und Steppe ringsum“ – russisches Volkslied, arrangiert von I. Poltavtsev

B) Erweiterte Art der Verarbeitung – während die Melodie unverändert bleibt, kommt der Stil des Autors klar zum Ausdruck. Beispiele:

„How young, baby I am“ – russisches Volkslied, arrangiert

D. Schostakowitsch „Der Zigeuner aß gesalzenen Käse“ – Bearbeitung 3. Kodály

B) Freie Art der Songbearbeitung – Änderung des Genres, der Melodie usw. Beispiele:

„Auf dem Hügel, auf dem Berg“ – Russisches Volkslied, arrangiert von A. Kolovsky

„Die Glocken läuteten“ – russisches Volkslied, arrangiert von G. Sviridov „Witze“ – russisches Volkslied V arrangiert von A. Nikolsky „Pretty-young“ – Russisches Volkslied, arrangiert von A. Loginov

Chorarrangement

• Arrangement von einem Chor zum anderen (von gemischt bis weiblich oder männlich)

A. Lyadov Wiegenlied – Arrangement von M. Klimov

• Bearbeitung eines Sololiedes für Chor mit Solist

A. Gurilev Die Schwalbe flattert – Bearbeitung von I. Poltavtsev

• Bearbeitung eines Instrumentalstücks für Chor

R. Schumann Dreams – Arrangement für Chor von M. Klimov

M. Oginsky Polonaise – Bearbeitung für Chor von V. Sokolov

S. Rachmaninov Italienische Polka – Bearbeitung für Chor von M. Klimov

Einführung. Chorminiatur

Lepins Werk „Forest Echo“ wurde im Genre der Chorminiatur geschrieben.
Miniatur (französische Miniatur; italienische Miniatur) ist ein kleines Musikstück für verschiedene darstellende Gruppen. Ähnlich wie bildliche und poetische Miniaturen sind musikalische Miniaturen in der Regel in der Form verfeinert, aphoristisch, überwiegend lyrisch im Inhalt, landschaftlich oder bildlich charakteristisch (A.K. Lyadov, „Kikimora“ für Orchester), oft auf der Grundlage eines Volksgenres (F. Chopins Mazurkas, Chor). bearbeitet von A.K. Lyadov).
Die vokale Miniatur basiert normalerweise auf der Miniatur. Die Blüte instrumentaler und vokaler Miniaturen im 19. Jahrhundert wurde von der Ästhetik der Romantik bestimmt (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin, A. N. Skrjabin); Miniaturen werden oft zu Zyklen zusammengefasst, auch in der Musik für Kinder (P. I. Tschaikowsky, S. S. Prokofjew).
Eine Chorminiatur ist ein kleines Stück für einen Chor. Im Gegensatz zu einem Lied ist in einer Chorminiatur die polyphone Chorstruktur stärker entwickelt und es kommt häufig Polyphonie zum Einsatz. Viele Chorminiaturen wurden für unbegleitete Chöre geschrieben.

Kurze bibliografische Informationen zum Komponisten S. Taneev

Sergej Iwanowitsch Tanejew (13. November 1856, Wladimir – 6. Juni 1915, Djutkowo bei Swenigorod) – russischer Komponist, Pianist, Lehrer, Wissenschaftler, Musiker und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens aus der Adelsfamilie Tanejew.

1875 schloss er sein Studium am Moskauer Konservatorium bei N. G. Rubinstein (Klavier) und P. I. Tschaikowsky (Komposition) mit einer Goldmedaille ab. Er trat als Solopianist und Ensemblespieler in Konzerten auf. Der erste Interpret vieler Klavierwerke Tschaikowskys (das zweite und dritte Klavierkonzert, letzteres wurde nach dem Tod des Komponisten fertiggestellt) und der Interpret seiner eigenen Kompositionen. Von 1878 bis 1905 arbeitete er am Moskauer Konservatorium (ab 1881 war er Professor), wo er Kurse in Harmonielehre, Instrumentierung, Klavier, Komposition, Polyphonie und musikalischer Form unterrichtete. Von 1885 bis 1889 war er Direktor des Moskauer Konservatoriums . Er war einer der Gründer und Lehrer des Volkskonservatoriums (1906).

Als überzeugter Anhänger der Klassiker (in seiner Musik fanden sie die Umsetzung der Traditionen von M. I. Glinka, P. I. Tschaikowsky sowie J. S. Bach, L. Beethoven) nahm Tanejew viele Trends in der Musikkunst des 20. Jahrhunderts vorweg. Sein Werk zeichnet sich durch die Tiefe und Noblesse seiner Ideen, hohe Ethik und philosophische Orientierung, Zurückhaltung im Ausdruck, Beherrschung der thematischen und polyphonen Entwicklung aus. In seinen Schriften beschäftigte er sich mit moralischen und philosophischen Fragen. Dies ist beispielsweise seine einzige Oper „Oresteia“ (1894, nach Aischylos) – ein Beispiel für die Umsetzung einer antiken Handlung in der russischen Musik. Seine kammermusikalischen Instrumentalwerke (Trios, Quartette, Quintette) gehören zu den besten Beispielen dieser Gattung in der russischen Musik. Einer der Schöpfer der lyrisch-philosophischen Kantate in der russischen Musik („Johannes von Damaskus“, „Nach der Psalmlesung“). Er belebte die populäre russische Musik des 17.-18. Jahrhunderts wieder. Genre - A-cappella-Chöre (Autor von mehr als 40 Chören). In der Instrumentalmusik legte er besonderen Wert auf die Intonationseinheit des Zyklus, die Monothematik (4. Sinfonie, kammermusikalische Instrumentalensembles).
Er schuf ein einzigartiges Werk – „Beweglicher Kontrapunkt der strengen Schrift“ (1889-1906) und seine Fortsetzung – „Die Lehre vom Kanon“ (Ende der 1890er – 1915).

Als Lehrer bemühte sich Tanejew um die Verbesserung der professionellen Musikausbildung in Russland und kämpfte für ein hohes Maß an musiktheoretischer Ausbildung für Konservatoriumsstudenten aller Fachrichtungen. Er gründete eine Kompositionsschule und bildete viele Musikwissenschaftler, Dirigenten und Pianisten aus.

Kurze Informationen über den Dichter

Michail Jurjewitsch Lermontow (1814–1841) ist ein großer russischer Dichter, Schriftsteller, Künstler, Dramatiker und Offizier der zaristischen Armee des Russischen Reiches. Geboren am 15. Oktober 1814 in Moskau. Sein Vater war Offizier und Jahre später sollte sein Sohn in seine Fußstapfen treten. Als Kind wurde er von seiner Großmutter großgezogen. Es war seine Großmutter, die ihm die Grundschulbildung ermöglichte, woraufhin der junge Lermontov in eine der Pensionen der Moskauer Universität ging. In dieser Institution entstanden die allerersten, noch nicht sehr erfolgreichen Gedichte aus seiner Feder. Nach Abschluss dieses Internats wurde Michail Jurjewitsch Student an der Moskauer Universität und besuchte erst dann die Schule der Wachen in der damaligen Hauptstadt St. Petersburg.

Nach dieser Schule begann Lermontov seinen Dienst in Zarskoje Selo und trat dem Husarenregiment bei. Nachdem er über Puschkins Tod das Gedicht „Der Tod eines Dichters“ geschrieben und veröffentlicht hatte, wurde er verhaftet und ins Exil in den Kaukasus geschickt. Auf dem Weg ins Exil schrieb er sein brillantes Werk „Borodin“, das er dem Jahrestag der Schlacht widmete.

Im Kaukasus beginnt der verbannte Lermontow sich mit der Malerei zu beschäftigen und malt Bilder. Gleichzeitig geht sein Vater zu den Beamten und bittet sie, seinen Sohn zu begnadigen. Was bald geschieht: Michail Jurjewitsch Lermontow wird wieder in den Dienst aufgenommen. Doch nachdem er mit Barant in ein Duell geraten ist, wird er erneut ins Exil im Kaukasus geschickt, diesmal in den Krieg.

In dieser Zeit schrieb er viele Werke, die für immer in den Goldenen Fonds der Weltliteratur aufgenommen wurden – das sind „Held unserer Zeit“, „Mtsyri“, „Dämon“ und viele andere.

Nach dem Exil kommt Lermontov nach Pjatigorsk, wo er versehentlich seinen alten Freund Martynov mit einem Witz beleidigt. Genosse wiederum,
fordert den Dichter zu einem Duell heraus, das für Lermontov tödlich endete. Am 15. Juli 1841 stirbt er.

Musiktheoretische Analyse

„Pine“ von S. Taneev wurde in 2 Teilen geschrieben. Der erste Teil ist ein Punkt, der aus zwei Sätzen besteht. Der Inhalt des ersten Teils entspricht den ersten vier Zeilen des Gedichts. Die Musik vermittelt das Bild einer einsamen Kiefer, wehrlos gegenüber den Elementen der nördlichen Natur. Der erste Satz (Band 4) führt den Hörer in die Klangpalette d-Moll ein, die der lyrischen Stimmung dieses Werkes entspricht. Der zweite Teil besteht aus drei Sätzen im gleichnamigen D-Dur (der zweiten Hälfte des Gedichts). Im zweiten Teil beschrieb Lermontov einen hellen Traum voller Wärme und Sonnenlicht: „Und sie träumte von allem in der fernen Wüste. In der Region, wo die Sonne aufgeht ...“ Die Musik des zweiten Teils vermittelt die herzliche Wärme des Gedichts. Bereits der erste Satz (Band 4) ist von hellen Gefühlen durchdrungen, freundlich und gelassen. Der zweite Satz führt Spannung ein, die Entwicklung dramatischer Erlebnisse. Die dritte Periode scheint die Dramatik des zweiten Satzes logisch auszubalancieren. Dies wird erreicht, indem der Umfang auf acht Takte erweitert und die musikalische Spannung schrittweise reduziert wird (die letzte Zeile des Gedichts „Die schöne Palme wächst“ läuft dreimal).
Die Gesangs- und Chorminiatur „Pine“ wurde in einer gamophonisch-harmonischen Struktur mit Elementen der Polyphonie geschrieben. Die Bewegung der Musik, ihre Entwicklung wird durch wechselnde Harmonien, die Klangfarben des Chores, ihre strukturierte Präsentation (enge, weite, gemischte Anordnung der Stimmen), polyphone Techniken, Mittel zur Entwicklung der melodischen Linie der Stimmen und den Vergleich von erreicht Höhepunkte.
Die organische Natur des Werkes und die Harmonie seiner Form hängen davon ab, wo im Werk der Höhepunkt liegt. Der poetische Text wird von jedem Menschen individuell wahrgenommen. S. Taneev offenbarte in der Musik von „Pines“ seine Vision und Wahrnehmung des poetischen Wortes von Lermontovs Gedicht. Die Höhepunkte eines dichterischen Werks und eines musikalischen Werks fallen im Allgemeinen zusammen. Der hellste musikalische Höhepunkt findet mit der wiederholten Bereitstellung der Zeilen statt: „Allein und traurig auf einer Klippe wächst eine wunderschöne Palme.“ Durch musikalische Wiederholung verstärkt Tanejew den emotionalen Gehalt des Gedichts und hebt den Höhepunkt hervor: Der Sopran erklingt #f der zweiten Oktave, der Tenor erklingt #f der ersten Oktave. Sowohl für Soprane als auch für Tenöre klingen diese Noten reich und hell. Der Bass nähert sich allmählich dem Höhepunkt: Vom ersten Höhepunkt (Takt 11) über die zunehmende Spannung der Harmonien, Abweichungen und polyphonen Entwicklung führen sie das Werk zu seinem hellsten Höhepunkt (Takt 17), wobei sie schnell die Dominante (Melodielinie) hinaufsteigen Bass in Takt 16).
„Pine“ ist in d-Moll (erster Teil) und D-Dur (zweiter Teil) geschrieben. Moll im ersten Teil und Dur im zweiten Teil ist ein Kontrast, der dem Inhalt des Verses innewohnt. Erster Teil: Der erste Satz beginnt in d-Moll, es gibt Abweichungen in G-Dur (der Tonart der Subdominante), der Satz endet auf der Tonika. Der zweite Satz beginnt in d-Moll und endet in der Dominante. Zweiter Teil: beginnt mit der Dominante d-Moll, geht nach D-Dur über und endet im gleichen D-Dur. Erster Satz: D-Dur, zweiter Satz: beginnt in D-Dur, endet auf der Dominante, hier erfolgt eine Abweichung in die Subdominante (Takt 14 G-Dur), in die zweite Stufe D-Dur (gleicher Takt e-Moll). Der dritte Satz beginnt und endet in D-Dur, es gibt Abweichungen: zur zweiten Stufe (Takt 19 e-Moll) und zur Subdominante (Takt 20 G-Dur). Der erste Satz hat eine unvollkommene Kadenz und endet auf der Dominante.
Die Kadenz des zweiten Satzes besteht aus alterierten Septakkorden zweiter Stufe, K6/4, Dominante und Tonika D-Dur (volle, perfekte Kadenz).
Tanejews „Pine“ ist im Viertakttakt geschrieben, der bis zum Ende des Werks beibehalten wird.
Die Textur von „Pine“ hat einen gamophonisch-polyphonen Charakter. Grundsätzlich sind die Stimmen vertikal aufgereiht, in einigen Takten (Takt 12,13,14,15,16,17) erklingen die Stimmen jedoch polyphon horizontal und das melodische Muster ist nicht nur in S, sondern auch in anderen Stimmen zu hören. In denselben Takten sticht die Solostimme hervor. In den Takten 12, 13, 16, 17 gibt es ein- oder zweistimmige Pausen; in Takt 12 erklingt ein blockierter Ton. Größe C geht von einer Ausführung in vier Meter Länge aus.

Wie gesagt, das Frühwerk von S. Taneev, „Pine“, ist in d-Moll und dem gleichen D-Dur geschrieben. Dies ist eine der frühen Chorpartituren des Komponisten, enthält jedoch bereits Merkmale, die allgemein für den Komponisten charakteristisch sind. „Pine“ weist Merkmale eines polyphonen Stils auf, der auch für Tanejews Werk charakteristisch ist. Die Harmonien von „Sosna“, der polyphonen Stimmleitung, zeichnen sich durch Harmonie und Melodie aus. In der Akkordfolge besteht ein Bezug zum russischen Volkslied (Bd. 1, 6, 7 - natürliche Dominante). Auch die Verwendung des Dreiklangs sechsten Grades (Band 2) ähnelt einem russischen Volkslied. Merkmale des russischen Songwritings sind charakteristisch für Tanejews Werk. Manchmal sind die Harmonien von „Pine“ recht komplex, was an der musikalischen Sprache des Komponisten liegt. Hier gibt es alterierte Septakkorde (Takt 2, 5, 6, 14, 18, 19, 23), die intensive Konsonanzklänge erzeugen. Auch der polyphone Einsatz von Stimmen erzeugt oft einen scheinbar zufälligen dissonanten Klang (Bd. 11, 12, 15). Die harmonische Sprache des Werkes trägt dazu bei, die Erhabenheit des Gedichts des großen Dichters zu offenbaren. Abweichungen in verwandte Tonarten (Bd. 2-g-Moll, T. 14-e Moll, T. 19-e Moll, T. 20-G-Dur) verleihen eine besondere lyrische Färbung. Auch die Dynamik von „Pine“ entspricht einer konzentrierten traurigen, dann verträumt hellen Stimmung. Es gibt kein ausgeprägtes f im Werk, die Dynamik ist gedämpft, es gibt keine hellen Kontraste.

Gesangs- und Choranalyse

Gesangs- und Choranalyse
Polyphones Werk von Tanejew „Pine“
geschaffen für vierstimmigen gemischten Chor ohne Begleitung.
Sopran (S) Alt (A) Tenor (T) Bass (B) Gesamtumfang

Schauen wir uns jede Charge einzeln an.
Die Tessitura-Bedingungen für S sind angenehm, die Stimmspannung überschreitet nicht den Arbeitsbereich. In Takt 4 S singen sie den Ton d der 1. Oktave – dies wird durch die Dynamik von p unterstützt. Der Teil ist sprunghaft (Sprung auf ch4 Bände 6,13; auf ch5 Bände 11,19; auf b6 19-20 Bände), aber die Melodie ist bequem vorzuführen und leicht zu merken. Es bewegt sich oft entlang der Klänge eines Dreiklangs (Vol.), der Komponist muss sich diesem Thema kreativ nähern, die Dynamik kann auf der Grundlage der Tessitura erfolgen.
Die Bratschenstimme ist in einer praktischen Tessitura geschrieben. Mit der harmonischen Belastung sind Schwierigkeiten verbunden. Zum Beispiel: t.2 die Altstimmen haben die Note d; die anderen Stimmen haben eine bewegende Melodie; wie sauber die Note d gesungen wird, hängt davon ab, wie rein die Melodie ist; T.3-4 hat die Bratsche einen komplexen Zug aus zwei absteigenden Quarten. Eine ähnliche Schwierigkeit, wenn die Bratsche auf einem Ton gehalten wird, findet sich an mehreren Stellen (Bd. 5, 6-7, 9-10). Der Teil hat eine harmonische Funktion, aber im zweiten Teil, wo sich der Charakter des Werks ändert, verwendet Tanejew polyphone Techniken und die Mittelstimmen schmücken die harmonische Textur des Werks, indem sie melodische Bewegungen nicht nur im Sopran und in allen anderen ausführen Stimmen.
Auch die Tenorstimme ist in einer praktischen Tessitura geschrieben. Seine Komplexität hängt mit der Akkordfolge zusammen, die die Sopranmelodie begleitet. Zum Beispiel: T. 2 wird der Ton f verändert und die Reinheit der Abweichung aller Stimmen in g-Moll hängt von der Genauigkeit dieses Übergangs ab (ähnlich wie bei T. 18). Die Komplexität der Aufführung besteht darin, dass sie wie eine harmonische Füllung des musikalischen Gefüges ist: T. 5-6, der Tenor hält den Ton g auf dem Ton, was für die Interpreten eine gewisse Schwierigkeit darstellt (ähnliche Stellen, T. 21, 23). Die harmonischen Akkorde des Werks tragen die emotionale Konnotation von Traurigkeit, leichter Traurigkeit und nostalgischen Gefühlen aus Lermontovs Gedicht. In diesem Zusammenhang gibt es instabile Harmonien und alterierte Septakkorde (Bände 2, 5, 6, 14, 18), deren Genauigkeit weitgehend von den Tenören abhängt. Der Teil trägt eine harmonische und manchmal polyphone Last.
Die Basslinie ist in der für Bass üblichen Tessitura geschrieben. Intonational ist es nicht immer einfach; die Bewegungen auf der chromatischen Tonleiter sind beispielsweise komplex (Zeilen 5-6, 14, 23). Einer der schwierigsten Teile des Werkes für die Bässe ist ihr Soloauftritt in Worten: „Eine wunderschöne Palme wächst ...“ (Bd. 15-16), bei dem es um die Intonation aufsteigender Terzen und Quarten geht. Im Allgemeinen sollte die Rolle den Darstellern jedoch keine besonderen Schwierigkeiten bereiten.
Der Atem im Werk ist phrasal, denn der Text ist poetisch. Das Innere der Phrase ist kettenartig.
Beispiel:
Im wilden Norden steht eine Kiefer allein auf einer kahlen Wipfel. Und sie döst, schaukelt und ist wie ein Gewand in losen Schnee gekleidet (1-8 Bände).
Auch die Wörterbuchmerkmale des Werkes erfordern Aufmerksamkeit. Vokale und Konsonanten werden reduziert. An Stellen mit p müssen Sie den Text sehr deutlich aussprechen, um dem Zuhörer die Bedeutung des Verses zu vermitteln. In der Klangwissenschaft muss eine Kantilene vorhanden sein, die Vokale müssen gesungen werden und die Konsonanten müssen zur nächsten Silbe, zum nächsten Vokal, hinzugefügt werden.
Schwierigkeiten beim Dirigieren. 1) Es ist notwendig, die Integrität des Formulars zu wahren.
2) Zeigen Sie jede Partei richtig an
auftakty.

3) Es ist notwendig, die Stimmung einer musikalischen Phrase durch eine Geste zu vermitteln.
4) Präzise Übertragung der Dynamik.

Abschluss

Sergej Iwanowitsch Tanejew hat einen großen Beitrag zur russischen Musik geleistet. Er war maßgeblich daran beteiligt, Werke für A-cappella-Chor zu schaffen und diese Gattung zu einer eigenständigen, stilistisch eigenständigen Komposition zu erheben. Tanejew wählte die Texte für die Chöre mit großer Sorgfalt aus; Sie alle gehören zu den besten russischen Dichtern und zeichnen sich durch hohe Kunstfertigkeit aus. Tanejews Themen, auf denen er seine Werke aufbaut, zeichnen sich durch ihre Melodie aus. Die Sprachausgabe ist einwandfrei. Chorstimmen, die sich zu Klangkomplexen verflechten, erzeugen eine interessante und einzigartige Harmonie. Der Komponist übertreibt die extremen Klänge der Bereiche nie. Er versteht es, seine Stimmen in einer bestimmten Position zueinander zu halten und so eine hervorragende Klangfülle zu gewährleisten. Polyphone Gesangsdarbietungen beeinträchtigen die Klangeinheit nicht. Dies ist das Ergebnis der Beherrschung von Tanejews Chorstil.
Tanejews Chöre weisen erhebliche Strukturschwierigkeiten auf, die auf Chromatiken und komplexe Harmonien zurückzuführen sind. Der entlastende Aspekt ist die strenge Logik der Sprachführung. Tanejew stellt hohe Ansprüche an die Interpreten seiner Chöre. Seine Werke erfordern von den Chorsängern eine gute stimmliche Grundlage, die es ihnen ermöglicht, einen melodischen, langgezogenen Klang zu erzeugen, der in allen Registern frei ist.
Das Werk „Pine“ basiert auf den poetischen Zeilen von M. Yu. Lermontov und enthüllt das Thema Einsamkeit. Eine Kiefer, die allein in einer kalten Region unter dem Schnee steht. Ihr ist kalt, aber nicht körperlich, ihre Seele ist eingefroren. Dem Baum mangelt es an Kommunikation, jemandes Unterstützung, Sympathie. Jeden Tag träumt eine Kiefer davon, mit einer Palme zu kommunizieren. Doch die Palme steht fernab des wilden Nordens, im heißen Süden.
Aber die Kiefer sucht keinen Spaß, sie ist nicht an einer fröhlichen Palme interessiert, die ihr Gesellschaft leisten würde, wenn sie in der Nähe wäre. Pine erkennt, dass irgendwo weit weg in der Wüste eine Palme steht und sie fühlt sich allein genauso schlecht. Die Kiefer ist nicht am Wohlergehen der Umwelt interessiert. Die Kälte und die Wüste um sie herum sind ihr egal. Sie träumt von einem anderen so einsamen Wesen.
Wenn die Palme in ihrem heißen Süden glücklich wäre, hätte die Kiefer überhaupt kein Interesse daran. Denn dann wäre die Palme nicht in der Lage, die Kiefer zu verstehen, mit ihr zu sympathisieren. Tanejew war in der Lage, all diese Erfahrungen durch Musik zu vermitteln, indem er Ausdrucksmittel wie Dynamik, Tempo, Tonalität und Textur der Präsentation einsetzte.

Literaturverzeichnis

Musikalisches Enzyklopädisches Wörterbuch / Kap. Hrsg. G.V. Keldysch. – M.: Sowjetische Enzyklopädie, 1990 – 672 Seiten: Abb.
www.wikipedia.ru
http://hor.by/2010/08/popov-taneev-chor-works/

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Grinchenko Inna Viktorovna. Chorminiatur in der russischen Musikkultur: Geschichte und Theorie: Dissertation... Kandidat: 17.00.02 / Grinchenko Inna Viktorovna; Staatliches Konservatorium Rostow, 2015. - 178 P.

Einführung

Kapitel 1. Chorminiatur im historischen und kulturellen Kontext 10

1.1. Miniaturisierung in der Musik- und Chorkunst: philosophische Grundlagen 11

1.2. Chorminiatur im Kontext russischer Kunsttraditionen 19

1.3. Forschungsansätze zur Untersuchung von Chorminiaturen 28

1.3.1. Ein textueller Ansatz zum Studium der Chorminiaturgattung 28

1.3.2. Chorminiatur: ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte 32

Kapitel 2. Chorminiatur in den Werken von Komponisten der russischen Schule: historischer und kultureller Hintergrund, Entstehung und Entwicklung des Genres 44

2.1. Musikalische und poetische gegenseitige Beeinflussung und ihre Rolle bei der Entstehung der Chorminiaturgattung 44

2.2. Chorminiatur als theoretische Definition 52

2.3. Kristallisation der Merkmale des Chorminiaturgenres in den Werken russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts 68

Kapitel 3. Chorminiatur in der Musikkultur des 20. Jahrhunderts 91

3.1. Genresituation des 20. Jahrhunderts:

soziokultureller Kontext des Genres 93

3.2. Die Entwicklung der Chorminiaturgattung in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts 106

3.3 Hauptvektoren der Entwicklung des Genres 118

3.3.1. Chorminiatur zur Kultivierung klassischer Bezugspunkte 118

3.3.2. Chorminiatur, konzentriert auf russische Nationaltraditionen 126

3.3.3. Chorminiatur unter dem Einfluss neuer Stilrichtungen der 60er Jahre 133

Fazit 149

Literaturverzeichnis

Forschungsansätze zur Untersuchung von Chorminiaturen

Warum ist der philosophische Aspekt des Problems bedeutsam? Die philosophische Reflexion vermittelt ein Verständnis der Kunst als Ganzes sowie ihres einzelnen Werks unter dem Gesichtspunkt, in ihr die tiefen Bedeutungen zu fixieren, die mit der Natur des Universums, dem Zweck und der Bedeutung des menschlichen Lebens verbunden sind. Nicht zufällig Anfang XXI Jahrhundert ist von besonderer Aufmerksamkeit geprägt Musikwissenschaft zum philosophischen Denken, das hilft, eine Reihe von Kategorien zu verstehen, die für die Musikkunst von Bedeutung sind. Dies ist vor allem darauf zurückzuführen, dass angesichts der Änderung modernes Konzept ein Weltbild, in dem Mensch und Universum wechselseitig bestimmt und voneinander abhängig sind, anthropologische Ideen für die Kunst neue Bedeutung erlangten und die wichtigsten Richtungen des philosophischen Denkens erwiesen sich als eng mit axiologischen Problemen verbunden.

In diesem Zusammenhang ist es bezeichnend, dass B.V. auch im Werk „The Value of Music“ Asafiev, der Musik philosophisch interpretierte, gab ihr eine breitere Bedeutung und interpretierte sie als ein Phänomen, das „die tiefen Strukturen der Existenz mit der menschlichen Psyche verbindet, die natürlich die Grenzen der Art der Kunst oder künstlerischen Tätigkeit überschreitet“. Der Wissenschaftler sah in der Musik keine Widerspiegelung der Realität unseres Lebens und unserer Erfahrungen, sondern eine Widerspiegelung des „Bildes der Welt“. Er glaubte, dass man durch Wissen zu 1 Der Begriff „Miniaturisierung“ stammt nicht vom Autor, sondern wird in der modernen kunsthistorischen Literatur allgemein akzeptiert. Durch die Betrachtung des musikalischen Prozesses kann man dem Verständnis der formalisierten Weltordnung näher kommen, da „der Prozess der Klangbildung an sich ein Spiegelbild des „Bildes der Welt“ ist“ und er die Musik selbst als Aktivität „in eine Reihe“ stellte von Weltpositionen“ (Konstruktionen der Welt), wodurch ein Mikrokosmos entsteht – ein System, das das Maximum zum Minimum synthetisiert.

Die letzte Bemerkung ist für das untersuchte Thema von besonderer Bedeutung, da sie einen Fokus auf die Analyse von Argumenten legt, die die Relevanz von Trends in aufzeigen moderne Kultur orientiert sich an Miniaturen in der Kunst. Die Grundlagen dieser Prozesse wurden vor allem im Bereich des philosophischen Wissens erfasst, in dessen Rahmen sich das Problem der Beziehung zwischen dem Großen und dem Kleinen – der Makro- und Mikrowelt – durchzieht. Schauen wir uns das genauer an.

Am Ende des 20. Jahrhunderts kam es in der Weltphilosophie und -wissenschaft zu einer aktiven Wiederbelebung traditioneller philosophischer Konzepte und Kategorien, die die Integrität der Welt und des Menschen widerspiegeln. Mithilfe der Makrokosmos-Mikrokosmos-Analogie können wir die Zusammenhänge „Natur – Kultur“, „Kultur – Mensch“ betrachten und erklären. Diese Reflexion der Struktur des Lebens führte zur Entstehung einer neuen methodischen Position, in der der Mensch die Gesetze der umgebenden Welt versteht und sich selbst als Krone der Schöpfung der Natur erkennt. Er beginnt, in die Tiefen seines eigenen psychologischen Wesens einzudringen, „bricht“ die Sinneswelt in ein Spektrum verschiedene Farbtöne, bewertet emotionale Zustände, operiert mit subtilen psychologischen Erfahrungen. Er versucht, die Variabilität der Welt in sich selbst im Zeichensystem der Sprache widerzuspiegeln, ihre Fluidität in der Wahrnehmung anzuhalten und einzufangen.

Reflexion ist aus philosophischer Sicht „die Wechselwirkung materieller Systeme, bei der sich die Systeme gegenseitig ihre Eigenschaften aufprägen, die „Übertragung“ der Eigenschaften eines Phänomens auf ein anderes und vor allem die „Übertragung“ struktureller Merkmale.“ Daher kann die Reflexion des Lebenssinns in einem literarischen Text als „die strukturelle Entsprechung dieser im Interaktionsprozess etablierten Systeme“ interpretiert werden.

Im Lichte dieser Bestimmungen werden wir feststellen, dass Miniaturisierung ein Spiegelbild der komplexen, flüchtigen Eigenschaften lebender Materie, der „Faltung“ oder eines fragmentarisch erfassten Prozesses der Interaktion zwischen Systemen ist, der in der Bedeutungsbildung eines künstlerischen Textes zum Ausdruck kommt . Sein Wesen liegt in der Kompaktheit des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung wird die Möglichkeit geschaffen, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern.

Nachdem wir das Problem der Beziehung zwischen Makro- und Mikrowelt skizziert haben, das für das Verständnis des Wesens der Miniaturen von grundlegender Bedeutung ist und im 20. Jahrhundert zu einem eigenständigen Konzept Gestalt annahm, weisen wir darauf hin, dass die Philosophie viele wertvolle Informationen darüber gesammelt hat ermöglicht es uns, die Essenz des Genres der Chorminiaturen tief zu verstehen. Betrachten wir sie im historischen Rückblick.

Die Bedeutung des Begriffs Makro und Mikrokosmos reicht bis in die Antike zurück. In der Philosophie des Demokrit taucht erstmals die Kombination mikroskosmos („Der Mensch ist eine kleine Welt“) auf. Eine detaillierte Lehre vom Mikro- und Makrokosmos wurde bereits von Pythagoras dargelegt. Im ideologischen Sinne erwies sich das von Empedokles aufgestellte Wissensprinzip als verwandt: „Gleiches erkennt man durch Gleiches.“ Sokrates argumentierte, dass das Wissen über den Kosmos „aus dem Inneren des Menschen heraus“ gewonnen werden könne. Annahmen über die Gemeinsamkeit des existierenden Menschen und des Universums. Um in das Wesen des Phänomens der Textminiaturisierung einzudringen, vergleichen wir es mit einem ähnlichen Phänomen in der inneren menschlichen Sprache. Die moderne Wissenschaft hat experimentelle Daten erhalten, die den Mechanismus der Interaktion zwischen Wörtern und Gedanken, Sprache und Denken präzisieren. Es wurde festgestellt, dass die innere Sprache, die wiederum aus der äußeren Sprache hervorgeht, alle Prozesse der geistigen Aktivität begleitet. Der Grad seiner Bedeutung steigt mit dem abstrakten logischen Denken, das eine detaillierte Aussprache der Wörter erfordert. Verbale Zeichen erfassen nicht nur Gedanken, sondern beeinflussen auch den Denkprozess. Diese Funktionen sind sowohl natürlichen als auch künstlichen Sprachen gemeinsam. BIN. Korshunov schreibt: „Wenn ein verallgemeinertes logisches Schema des Materials erstellt wird, bricht die innere Sprache zusammen. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass die Generalisierung durch Auswahl erfolgt Schlüsselwörter, in dem die Bedeutung der gesamten Phrase und manchmal des gesamten Textes konzentriert ist. Die innere Sprache wird zu einer Sprache semantischer Stützpunkte.“ lässt sich in den Werken Platons nachvollziehen. Auch Aristoteles spricht vom kleinen und großen Kosmos. Dieses Konzept entwickelte sich in der Philosophie von Seneca, Origenes, Gregor dem Theologen, Boethius, Thomas von Aquin und anderen.

Die Idee des Makrokosmos und Mikrokosmos erlebte in der Renaissance eine besondere Blüte. Große Denker – Giordano Bruno, Paracelsus, Nikolaus von Kues – einte die Idee, dass die Natur in der Person des Menschen geistiges und geistiges Denken enthält sinnliche Natur und „zieht“ das gesamte Universum in sich zusammen.

Basierend auf dem sich historisch entwickelnden Postulat über die Entsprechung von Makro- und Mikrowelt kommen wir zu dem Schluss, dass der Makrokosmos der Kultur dem Mikrokosmos der Kunst und der Makrokosmos der Kunst dem Mikrokosmos der Miniaturen ähnlich ist. Es spiegelt die Welt des Individuums in der zeitgenössischen Kunst wider und ist ein Abbild des Makrosystems, in das es eingeschrieben ist (Kunst, Kultur, Natur).

Die Dominanz der Ideen von Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bestimmte die wesentlichen Leitlinien, nach denen sich die Chorkunst entwickelte. Um das Problem der Miniaturisierung in der Kunst zu entwickeln, ist daher die Idee der Konziliarität unerlässlich, die ein Element in die russische Musik einführt philosophische Kreativität. Dieses Konzept wird zunächst mit dem Chorprinzip in Verbindung gebracht, was durch seine Verwendung in dieser Perspektive durch russische Philosophen bestätigt wird. Insbesondere „K.S. Aksakov identifiziert das Konzept der „Konziliarität“ mit einer Gemeinschaft, in der „der Einzelne frei ist wie in einem Chor“. AUF DER. Berdyaev definiert Konziliarität als eine orthodoxe Tugend, Vyach. Ivanov - als idealer Wert. P. Florensky enthüllt die Idee der Konziliarität anhand eines russischen Liedes. B.C. Solowjow verwandelt die Idee der Konziliarität in die Einheitslehre.“

Chorminiatur: ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte

Unter den historischen und künstlerischen Prozessen, die die Entstehung der Gattung der Chorminiaturen beeinflussten, sind besonders die Tendenzen hervorzuheben, die die gegenseitige Beeinflussung und gegenseitige Bereicherung von Musik und Poesie bestimmten. Die Koordinaten dieser Beziehungen sind in den verschiedenen Schichten der russischen Musikkultur unterschiedlich. In der Volkskunst wuchs und entwickelte sich diese Beziehung auf der Parität der beiden Künste, ihrer Synthese. In der Kultmusik dominierte das Wort. In der säkularen Berufskultur basierte diese Beziehung auf der ungleichen Entwicklung von Poesie und Musik, wobei die Innovationen einer Kunst als Anstoß für die Errungenschaften der anderen dienten. Dieser Prozess hatte tiefe historische Wurzeln. „Es scheint eine verlässliche Annahme zu sein“, schreibt T. Cherednichenko, dass die alte russische weltliche Poesie, die früher als die Prosa entstand, ursprünglich mit Melodie in Verbindung gebracht wurde, „zum Lesen gedacht war und für jedes Genre eine bestimmte, einzigartige Art der Intonation hatte.“ .“

Das 18. Jahrhundert erwies sich als sehr fruchtbar und interessant für die Entwicklung der musikalischen und poetischen Interaktion im beruflichen Schaffen. Das wichtigste poetische und musikalische Genre dieser Zeit ist der russische Gesang, der „als Kammerspielart des Partes-Gesangs betrachtet werden sollte“. Mit seiner Intonation wurzelt es in den Traditionen des russischen Volksliedes, verschmolzen mit der Intonation des Alltagsgesangs. Wie T.N. schreibt Livanov: „Der Cant des 18. Jahrhunderts blieb die unmittelbar greifbare Grundlage der russischen Berufskunst, da er mit allen Bereichen der Musikkultur in Berührung kam und gleichzeitig weit in den Alltag eindrang.“

Der russische Kant und das Kammerlied in seiner Blütezeit, aus denen später das lyrische Lied hervorging, sind aus unserer Sicht einer der Vorläufer der russischen Chorminiatur, da sie das grundlegende Merkmal der von uns betrachteten Gattung, nämlich die Einheit, offenbarten der musikalischen und poetischen Natur der musikalischen Strophe, die sich im Zusammenspiel poetischer und musikalischer Faktoren entwickelt. Das poetische Wort strebte immer nach Bildlichkeit, nach Wahrhaftigkeit und fand sie in den Tiefen der intonierten Bedeutung, und der musikalische Ton „suchte nach der Wahrheit“ im Ausdruck des bildlich intonierten Wortes. Immerhin, wie B.V. Asafiev, „im Menschen selbst, im „Organischen“ seiner Klangäußerungen – sowohl das Wort als auch der Ton – werden gleichermaßen durch die Intonation bestimmt.“ Somit wurde der Zusammenhalt der beiden Künste durch ihre Verwurzelung in einer Quelle bestimmt – der Intonation. Die beharrliche kreative Suche nach künstlerischer Wahrheit (besonders wichtig für die russische Tradition), basierend auf der organischen intonatorischen Einheit von Wort und Ton, sowohl in der Musik als auch in der Poesie, bestimmte ihren weiteren Austausch ihrer Ausdrucksmittel. Für den musikalischen Typus führte dies objektiv zur Anerkennung neuer, klassischer Formmuster, für den poetischen zur Stärkung eines neuen, syllabisch-tonischen Verssystems. Betrachten wir einige für uns bedeutsame Stadien der Entstehung dieses Phänomens.

Musik und Poesie offenbaren seit der Antike ein einziges Organisationsprinzip von Musik und Musik Poetische Strukturen. Die im 16. Jahrhundert entstandene Versdichtung organisierte in ihren frühen Beispielen die Silbenpositionen in der Strophe nicht. Der Vers war asymmetrisch, mit einer poetischen Kadenz – einer gereimten „Randvereinbarung“. Die Struktur der Melodien des Znamenny-Gesangs war ähnlich. Melodische Phrasen korrespondierten einander nur durch Endungen – Unisono-Kadenzen, die das organisierende Element der Form waren. Das monotone Metrum in Musik und Poesie wurde durch Intonationszurückhaltung ergänzt. Strukturelle Einheit die Gedichte dieser Zeit sind Couplets. Die poetische Strophe hatte keine klaren Grenzen, sie bestand aus Versen; sie konnte endlos und ziemlich amorph sein. Eine andere Situation sehen wir in der Musik. In musikalischer Form ist die Einheit eine melodische Phrase. Musikalische Formen dieser Zeit erreichen das Niveau der Beherrschung geschlossener Reprisenstrukturen. Im Prozess der Korrelation üben sie ihren Einfluss auf die poetische Linie aus und zwingen die Dichter, bei der Darstellung der Handlung des Gedichts nach semantischen Kapazitäten zu suchen.

Aber zu Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert – auf dem Höhepunkt der Popularität der Virsch-Dichtung bahnen sich Veränderungen an. Sie bestehen im Auftreten eines weiteren organisierenden Faktors in der Versifikation – der Gleichheit der Silbenzahl in einer Strophe. Diese Art von Versen wurde als Silbenvers bezeichnet. Hervorzuheben ist, dass „der Übergang zum gleichsilbigen Silbenvers im Rahmen der Lieddichtung vollzogen wurde.“ Die Gedichte der Dichter waren zum Singen und nicht zum Lesen gedacht und wurden zu einer bestimmten Art von Melodie geschaffen, und manchmal, vielleicht auch zu beidem gleichzeitig.“ Unter den berühmten Dichtern dieser Zeit, die Gedichte für Gesänge und Lieddichtungen schrieben, kann man S. Polotsky, V.K. Trediakovsky, A.P. Sumarokova, Yu.A. Neledinsky-Miletsky. Das Kompositionskorps wurde durch V.P. vertreten. Titov, G. N. Teplov, F.M. Dubyansky, O.A. Kozlovsky. Durch die asketischen Bemühungen dieser Musiker und Dichter kam es zu einer so aktiven Verfeinerung der Normen der russischen poetischen Sprache und zu experimentellen Arbeiten am Zusammenspiel der Ausdrucksmittel von Musik und Poesie. Zum Beispiel A.P. Sumarokov, ein talentierter Schriftsteller seiner Zeit, verlangt von einem Dichter, der Lieder schreibt, vor allem Einfachheit und Klarheit:

Chorminiatur als theoretische Definition

Aus unserer Sicht ist es also die Kreativität von SI. Tanejew war ein Meilenstein in der Entwicklung des Genres der weltlichen Chorminiatur. Das moderne Verständnis des großen Erbes hat zu einem neuen, tiefen Verständnis seines ästhetischen Konzepts geführt, das noch immer nicht vollständig anerkannt wird: „Die hohen Verdienste seiner Musik sind allgemein anerkannt, aber die Reinheit der Ideale, die ein langes Leben bestimmen, ist noch nicht bekannt.“ ausreichend gewürdigt beste Werke Tanejew“. Betrachten wir einige Aspekte der Kreativität des Musikers im Zusammenhang mit weltlichen Chorminiaturen. Dazu skizzieren wir die kreativen Ambitionen des großen Künstlers und betonen dabei die Aspekte, die für die Herangehensweise des Autors an das untersuchte Genre von Bedeutung sind.

Bekanntlich im Interessenbereich von SI. Tanejew verfügte als Komponist und Wissenschaftler über das kreative Arsenal der großen Musiker der Renaissance, das einer eingehenden Analyse, Studie und künstlerischen Neuinterpretation unterzogen wurde. Die Ressource der Polyphonie der Renaissance erwies sich als relevant für Chorminiaturen. Die Kombination mehrerer Melodien im Simultanklang, von denen jede gleichwertig und künstlerisch bedeutsam ist, ist für die Gestaltung des Chorgefüges weltlicher Werke von grundlegender Bedeutung geworden. Der Charakter und die Merkmale des Thematismus wurden durch seine stimmliche Natur bestimmt und erbten eine tiefe Wurzelverbindung mit dem Wort. Gleichzeitig eröffnete die Synthese polyphoner und homophon-harmonischer Texturen ein neues Potenzial für die Strukturierung des musikalischen Gefüges und spiegelte „den Wunsch der Künstler nach der Einzigartigkeit des ausgedrückten Zustands, nach der Individualität des Ausdrucks und damit der …“ wider Originalität eines bestimmten Designs.“

Tanejew steht dem Prinzip der kontinuierlichen thematischen Weiterentwicklung nahe; er kreiert Chormusik auf der Grundlage einer Methode, die „das Potenzial für Fließfähigkeit, Kontinuität mit dem Potenzial für klare Strukturierung antinomisch verbindet“. Dieses Konzept ermöglichte es dem Musiker, die Muster von Fugen- und Strophenkompositionen in einer Form zu vereinen. „Die harmonischsten Chorwerke sind diejenigen“, schreibt Tanejew, „in denen kontrapunktische Formen mit freien Formen kombiniert werden, das heißt, in denen nachahmende Formen in Satzteile und Perioden unterteilt werden.“ Besonders bedeutsam ist das Gesagte, wenn man darauf hinweist, dass das Interesse an der vielfältigen Innenwelt eines Menschen den Kern des Inhalts der SI-Musik bildet. Tanejew wurde in der reichen Sphäre polyphoner Bilder verwirklicht, die der Künstler im Genre der Chorminiatur organisch verkörperte.

Um die Essenz der künstlerischen Leistungen von SI zu offenbaren. Tanejew im Bereich des uns interessierenden Genres werden wir eine vergleichende Analyse einer Reihe von Werken durchführen, nachdem wir zuvor einige aus unserer Sicht wichtige Positionen skizziert haben, die in der theoretischen Forschung von E.V. dargelegt wurden. Nazai-kinsky, der sich der Entstehung des Miniaturgenres widmet. Beachten wir Folgendes: Der Wissenschaftler bestimmt das konzeptionelle Wesen der Miniatur, indem er „die Gesamtheit und Vielfarbigkeit der Phänomene untersucht, mit denen das betreffende Wort auf die eine oder andere Weise in Verbindung gebracht werden kann“. Darunter nennt er die wichtigsten und „zuverlässigsten Kriterien, die es einem ermöglichen, sich in diesem Bereich zurechtzufinden“. Der erste Teil ihrer Serie, der im Kleinen einen „Miniatureffekt“ erzeugt, ist die Einhaltung des Prinzips „Groß im Kleinen“. Dieses Kriterium „ist nicht nur großräumig und quantitativ, sondern auch poetisch, ästhetisch, künstlerisch.“

Die Meinung von E.V. teilen Nazaikinsky über die grundlegende Rolle dieses Kriteriums, wir werden darauf die Analyse mehrerer SI-Chöre projizieren. Tanejew, um herauszufinden, inwieweit sich darin die Merkmale des Miniaturgenres manifestieren. Gehen wir von der Hypothese aus, dass die grundlegenden Mittel und Techniken zur Ersetzung des Großen durch das Kleine alle Ebenen des künstlerischen Ganzen abdecken und die Gattungsspezifität der Chorminiatur bilden. Eine dieser Techniken, Methode 76

Zur künstlerischen Verdichtung der semantischen Energie trägt die Verallgemeinerung durch das Genre bei. Es verwirklicht sich durch eine assoziative „Verbindung mit Primärgattungen, mit dem Lebenskontext“. Es basiert auf dem Mechanismus der Bedeutungsentleihung: Der Genre-Prototyp der Miniatur „verleiht“ ihr generische Eigenschaften und Spezielle Features, die im künstlerischen Ganzen spezifische semantische Funktionen erfüllen. Verbindung mit Genre-Prototypen in SI-Werken. Tanejew wird vor allem auf der Ebene des thematischen Materials sichtbar. Seine künstlerische Entwicklung und Bearbeitung erfolgt mit den Mitteln der Polyphonie. Neben den primären Genres haben die Themen von S.I. Tanejew oft ihren Ursprung im altrussischen Gesang und stehen dem ursprünglichen Stil der Kirchenmusik nahe, basieren aber in jedem Fall auf russischer melodischer Musik.

Der klar zum Ausdruck gebrachte nationale Charakter der Thematik prädisponiert eine besondere Fähigkeit ihrer Darstellung, die Fähigkeit zur kontinuierlichen Intonationsentwicklung sowie zu Variationen und Variantentransformationen. Für S. I. Tanejew hat diese Fülle an Möglichkeiten, thematisches Material zu entwickeln, wie bereits erwähnt, eine grundlegende Grundlage. Es geht umüber das polyphone Denken des Komponisten, das die Möglichkeiten verschiedener kontrapunktischer Darstellungs- und Entwicklungsmethoden eröffnet, umgesetzt in den besten künstlerischen Traditionen des polyphonen Schreibens.

Um das Gesagte zu bestätigen, lassen Sie uns auf eine Reihe von Beispielen verweisen. So liegt in der Miniaturlandschaft „Abend“ das Hauptthema im Barkarolen-Genre. Es unterliegt einer aktiven Transformation, bei der verwandte thematische Elemente gebildet werden. Sie „verdichten“ den Klang und färben ihn dank der Intonation und rhythmischen Veränderungen im „Profil“ des Themas in den es umgebenden Kontrapunkten mit neuen Farbtönen. Ihr allmähliches Abschalten gegen Ende des Werks erzeugt den Effekt eines verblassenden Klangs und verwirklicht den Übergang der Natur zur Ruhe der Nacht. Ein weiteres Beispiel: Der Tanzcharakter der feurigen Tarantella, der dem Nebenthema des Refrains „Die Ruine des Turms“ innewohnt, schildert die „glanzvolle“ Vergangenheit des alten Turms. Das Hauptthema, das ein düsteres Bild der Gegenwart zeichnet, steht in starkem Kontrast dazu. Der Entwicklungsteil interessiert uns Genre-Thema In eine elegische Tonart umgewandelt, erhält es dank der kontrapunktischen Durchführung einen Hauch von Traurigkeit und Bitterkeit.

Der Refrain „Look at the Darkness“ basiert auf einem Liedthema. Zunächst in einer homophon-harmonischen Struktur angelegt, wird es bereits in der zweiten Aufführung durch einen endlosen Kanon entwickelt. Die Simulationstechnik ist hier, wie im vorherigen Beispiel, der Software untergeordnet. Das Bild der Natur – das „Flackern“ ihrer Schattierungen – wird durch das Spiel der Klangfarben vermittelt, dank des Stimmwechsels, der abwechselnd thematische Themen aufgreift und „Cluster“ von Imitationen bildet. Bei der Strukturierung kommt es auf die polyphone Technik an künstlerisches Bild. Die Beherrschung der komplexen Ressourcen polyphoner Variationstechniken, die in der Lage sind, die feinsten Ausdrucksnuancen zu vermitteln, trägt zur „Erschaffung eines luftigen musikalischen Bildes bei, das die Stimmung perfekt vermittelt“.

Lassen Sie uns also betonen, dass auf thematischer Ebene das Prinzip „Groß im Kleinen“ durch eine radikale Transformation der primären Genrebasis von Themen im Prozess ihrer Entwicklung umgesetzt wird, die nicht zuletzt auf polyphonen Mitteln und Techniken basiert die Ressourcen der höchsten polyphonen Gattung der Fuge.

Wir werden die beweiskräftige Argumentation der Wirkungsweise des von uns untersuchten Prinzips auf der inhaltlich-semantischen Ebene fortsetzen, deren Offenlegung durch die Analyse der gegenseitigen Beeinflussung literarischer und musikalischer Texte möglich ist, die eine gewisse Gemeinsamkeit von Eigenschaften erkennen lassen. Grundlage ihres Inhalts ist die „punktuelle“ Fixierung kontrastierender Bilder unter Ausschluss der Entwicklungsphase. Bedeutungen werden dem Zuhörer als Folge integraler Bilder vermittelt, die nach dem Prinzip der Antithese oder Identität verglichen werden. E.V. Nazaikinsky stellt dies als „eine Konfrontation zwischen den Polen dar, die, auch ohne Festlegung der Übergangsstadien und Erweiterungen, die sie normalerweise trennen, eine Vorstellung vom Umfang der zwischen den Polen enthaltenen Welt geben kann.“

Die Besonderheit der Umsetzung dieser Technik in der Chorminiatur steht in direktem Zusammenhang mit dem semantischen Gewicht des literarischen Textes und besteht aus Folgendem. Die bedeutungsvollen Umrisse der Miniaturen von S. I. Tanejew stellen „besondere“ poetische Texte dar, die über bedeutenden Inhalt, dramatisches Potenzial, Emotionalität und die Möglichkeit zum Umdenken und zur Vertiefung verfügen. Typisches Beispiel Dieser Ansatz zur Wahl der poetischen Grundlage von Werken ist Chöre op. 27 zu den Gedichten von Yakov Polonsky, in dessen Gedichten S.I. Taneev das notwendige „plastische“ Material sah, um das Bild einer „klaren psychologischen Musikalität“ zu formen. Es ist kein Zufall, dass B.C. Solovyov betonte: „Polonskys Poesie hat die Eigenschaften von Musikalität und Bildhaftigkeit in starkem und gleichem Maße.“ Analysieren wir das Gedicht „On the Grave“ von Ya. Polonsky, das die Grundlage für den gleichnamigen Chor bildete. Lassen Sie uns ein Beispiel für einen poetischen Text geben.

Hauptvektoren der Entwicklung des Genres

Unter Berücksichtigung dieser Versprechen der Forscher wird die Betrachtung der Chorminiatur in diesem Abschnitt der Arbeit darauf abzielen, Genretransformationen auf der Ebene des Informationsgehalts des Textes zu identifizieren. Diese Frage scheint die wichtigste zu sein, da sie uns ermöglicht zu verstehen, wie sich der Inhaltsumfang einer Miniatur in der Beziehung zwischen verbalen und musikalischen Texten auf der Hintergrundtonhöhen-, lexikalischen, syntaktischen und kompositorischen Ebene ihrer Interaktion bildet. Gehen wir davon aus, dass im Zuge der Modernisierung des Genres bestimmte Strukturmerkmale eine dominierende Bedeutung für seine Entwicklung erlangten. Um diese Aufgabe zu erfüllen, werden wir die folgenden analytischen Operationen verwenden: Wir werden die Chorminiatur unter dem Aspekt der Interaktion zwischen den Genres betrachten und den Einfluss assimilierter Merkmale anderer Künste auf das interne strukturelle und sprachliche System des Werkes identifizieren .

Also eine gigantische Geldverteilung Massenkommunikation führte ein beispielloses Publikum an kulturelle Werte heran. Die kolossale Erweiterung des Umfangs der Klangwelt war mit der Präsentation von Musik nicht nur als eigenständiges Wahrnehmungssubjekt, sondern auch mit ihrer Nutzung als Bestandteil anderer und nicht nur der Künste verbunden. Die musikalische Komponente war mitunter ein skurriler, unglaublich bunter Wechsel von Werken und Fragmenten unterschiedlicher Stilrichtungen und Genres. Diese Reihe umfasst verschiedene Kombinationen von Musik, Bildern und Worten, die Radio und Fernsehen bieten: von musikalischen Bildschirmschonern von Radiobeiträgen über Spielfilme und Dokumentationen bis hin zu Ballett- und Opernproduktionen.

Das Genre der Chorminiatur befand sich auch im Umfeld kreativer Suchen, die mit der Entstehung verschiedener Formen der Genresynthese verbunden waren und oft an der Schnittstelle verschiedener Kunstarten durchgeführt wurden. Die Suche nach figurativer Tiefe, die teilweise in fernen Kunstbereichen „getastet“ wurde, wurde zu einem charakteristischen Merkmal der Epoche. Betrachten wir den Prozess der Genreinteraktionen, der für den Lebensabschnitt des untersuchten Genres so wichtig ist, am Beispiel der Chorminiaturen von G.V. Sviridov aus dem Zyklus „Fünf Chöre zu den Worten russischer Dichter“ für gemischten Chor a cappella. Unsere Aufmerksamkeit wird auf neue Merkmale des untersuchten Genretyps in der individuellen kreativen Entscheidung des Komponisten gelenkt.

Die Chorminiatur von G.V. Sviridova befand sich, den Trends der Zeit entsprechend, im Epizentrum der gegenseitigen Einflüsse zwischen den Genres einer sich dynamisch entwickelnden neuen Kultur und erlebte den Einfluss anderer Kunstarten. Die Bildung des strukturell-semantischen Modells von Sviridovs Chören war mit den charakteristischen Merkmalen des Massenliedes verbunden, dessen Quelle intonatorischer Ideen bekanntlich die Volksmusik war. Brechung volkstümlicher Melodien in der Intonation sowjetischer Messen und lyrisches Lied, laut K.N. Dmitrevskaya macht „die Folk-Basis einerseits allgemeiner, andererseits der breiten Öffentlichkeit zugänglicher, da sie bereits erlernte Meilensteine ​​in der Wahrnehmung von Musik setzt.“ Das Gesagte lässt uns sagen, dass Sviridovs Chorwerke eine Erweiterung des sozialen Zwecks der Chorkunst darstellten und die Prozesse der Bildung und Gewinnung eines neuen Hörers anregten, der persönliche und wertvolle Bedeutungen in der künstlerischen Realität der Musik versteht und wahrnimmt. Offensichtlich bereiteten diese Prozesse die Entstehung einer Chorkomposition lyrischen Typs vor.

Eine weitere wichtige Quelle der Erneuerung des Chorminiaturgenres war die aktive Einbindung des Chores in eine Vielzahl von Genrekontexten. So werden Chorepisoden auf verschiedene Weise in die symphonische Musik eingearbeitet (D.D. Schostakowitsch, B.I. Tischchenko, A.G. Schnittke, A.R. Terteryan, A.L. Lokshin), in Theateraufführungen(G. V. Sviridov für das Stück „Zar Fjodor Ioannowitsch“, A. G. Schnittke für F. Schillers Drama „Don Carlos“, E. V. Denisov für das Stück „Verbrechen und Strafe“). Eine solche Interaktion des Chorgenres mit der Symphonie und dem Theater musste die künstlerischen Transformationen der Chorminiatur prägen.

Der Symphonismus manifestierte sich in den Chören von G.V. Sviridov als Prinzip des musikalischen Denkens, als Dramaturgie, die das Zusammenspiel verschiedener figurativer Sphären und deren qualitative Transformation als Ergebnis dieses Prozesses darstellt. Dies wird durch die Verwendung der Sonaten-Allegro-Form durch den Komponisten in den Sekundärstrukturen (Chor „In the Blue Evening“), die Einführung eines Systems von Leitthemen und Intonationsbögen (Chöre „In the Blue Evening“, „How the Song Was“) bestätigt Geboren").

Elemente des symphonischen Denkens manifestierten sich auch in den Besonderheiten der textlichen Darstellung. Im „Tabun“-Chor wird der figurative Kontrast der Werkteile durch eine radikale Veränderung des strukturierten Reliefs des Musikgefüges erreicht. Die Chorbesetzung jeder Strukturschicht wird als Mittel zur musikalischen Ausdruckskraft genutzt. In der Chorminiatur „On Lost Youth“ können wir eine homophone Art der Polyphonie, die Verwendung eines Chorpedals im „Tabun“-Chor und eine Kombination aus Solo und Tutti in der Miniatur „How the Song Was Born“ beobachten. Die Vielseitigkeit des strukturierten Designs manifestiert sich in der Kombination der wichtigsten thematischen Strukturen und der begleitenden subvokalen Elemente (der Refrain „How the Song Was Born“) im musikalischen Gefüge. In manchen Chören scheint die unterstützende Stimmführung recht ausgeprägt zu sein und bildet Fragmente – Vokalisen („Wie das Lied entstand“).

Die Instrumentalkunst beeinflusste auch den Bereich der Klang- und Bildkunst in der Chormusik. Dies manifestierte sich in der hellen Differenzierung der Klangfarben, ihrem Umgang mit instrumentaler Farbgebung („Wie das Lied geboren wurde“), in kontrastierenden Vergleichen von Strichen und Nuancen, in Sprache und deklamatorischer Agogie, in der besonderen Rolle von Pausen.

Aus der Theaterkunst, die sich in den Aktivitäten vieler Theater unterschiedlicher Richtungen so energisch durchsetzte, übernahm das Chorspiel dramatische Methoden zur Entwicklung musikalischen Materials: die Personifizierung von Bildern, ihre konflikthafte Interaktion (der Chor „Der Sohn traf seinen Vater“), die Wunsch nach emotionaler Darstellung des Wortes, Deklamation, Sprechangst, die besondere Rolle von Pausen. Die Kreativität des Oratoriums brachte ein episches Element in die Miniatur, das sich in der Verwendung einer Erzählung, gepaart mit figurativem Verständnis, einer Art und Weise der Darstellung der Hauptereignisse und in der Einleitung der Hauptfigur-Leserin (Chor „Über die verlorene Jugend“) ausdrückt.

Für die Chorminiaturen war die Entwicklung der Kinematographie von besonderer Bedeutung. Die Besonderheiten der Kinematographie hatten einen starken Einfluss auf die Schaffung eines dramatischen Umrisses in den Werken von G.K. Sviridova. Das Konzept der Bildkonstruktion im Kino bestand darin, die Technik der „Montage von Einzelbildern“ zu verwenden. Die Montagetheorie wurde von SM entdeckt und entwickelt. Eisenstein. Sein Kern lautete wie folgt: „Der Vergleich zweier Montagestücke gleicht eher nicht ihrer Summe, sondern einem Werk (Kursivschrift des Autors). Es ähnelt einem Produkt – im Gegensatz zu einer Summe – darin, dass das Ergebnis der Zusammensetzung qualitativ immer unterschiedlich ist, wenn man jedes einzelne Element einzeln betrachtet.“ Der große Regisseur bestand darauf, dass die Kultur des Schnitts vor allem deshalb notwendig sei, weil ein Film nicht nur eine logisch zusammenhängende Geschichte sei, sondern auch die aufregendste, emotionalste Widerspiegelung des Lebens – ein Kunstwerk. Und als eines der wichtigsten Mittel zur Schaffung eines filmischen Bildes betrachtete er die Komposition von Einzelbildern, deren Vergleich durch das künstlerische Ganze bestimmt wird.

Genres Chormusik

Chorgesang hat dieselbe alte Geschichte wie Lieder. Denken Sie daran, dass alte Rituallieder gemeinsam aufgeführt werden. Es stimmt, jeder singt im Einklang die gleiche Melodie. Viele Jahrhunderte lang blieb der Chorgesang monophon, und die ersten Beispiele der Chorpolyphonie stammen aus dem 10. Jahrhundert.

IN Volksmusik wir stoßen auf Polyphonie in einem langgezogenen Lied. Aus der Volkspolyphonie entstand die Tradition, Lieder im Chor zu singen. Manchmal handelt es sich einfach um ein Arrangement eines Liedes für den Chor, und manchmal werden die Lieder speziell für die Aufführung durch den Chor geschrieben. Aber ein Chorlied ist es nicht unabhängiges Genre Chormusik ist eine der Spielarten des Liedgenres.

Zu den Genres der Chormusik gehören:

Chorminiatur

Chorkonzert

Kantate

Oratorium

Chorminiatur ist ein kurzes Stück für Chor. Im Gegensatz zum Chorlied weist die Chorminiatur eine hochentwickelte Polyphonie auf, und es werden häufig polyphone Techniken verwendet. Viele Chorminiaturen sind für unbegleiteten Chor geschrieben (in diesem Fall wird der italienische Begriff „ACappella”).

In V. Shebalins Chorminiatur „Winter Road“ beispielsweise hebt der Komponist die erste Sopranstimme als Hauptmelodie hervor. Andere Stimmen wiederholen einzelne Phrasen. Sie singen diese Phrasen mit Akkorden, die als harmonische Begleitung dienen. Auf dem Höhepunkt wird die Textur komplexer, die Melodielinie erscheint nicht nur im Sopran, sondern auch in anderen Stimmen.

Chorkonzert – Trotz des Namens ist es nicht für eine Konzertaufführung gedacht; es handelt sich um ein Konzert, das für die Aufführung in einer orthodoxen Kirche während eines feierlichen Feiertagsgottesdienstes gedacht ist. Dies ist ein Genre der russisch-orthodoxen Kirchenmusik.

Ein Chorkonzert ist keine Miniatur, sondern ein großes mehrteiliges (zyklisches) Werk. Dies ist eine Chorgeschichte in mehreren Kapiteln, wobei jeder Teil eine Fortsetzung des vorherigen ist. Normalerweise gibt es kurze Pausen zwischen den Teilen, aber manchmal werden Teile ohne Unterbrechung aufgeführt und gehen ineinander über. Alle Chorkonzerte sind für Chor geschrieben.ACappella“, da Instrumentalmusik in der orthodoxen Kirche verboten ist.

Kantate - ein Wort mit derselben Wurzel wie das Wort „cantilena“, was „singen“ bedeutet. Der Name „Kantate“ (Musik, die gesungen wird) entstand im frühen 17. Jahrhundert, zusammen mit den Bezeichnungen „Sonate“ (Musik, die gespielt wird) und „Toccata“ (Musik, die dazu bestimmt ist, weitergespielt zu werden). Tasteninstrumente). Nun hat sich die Bedeutung dieser Namen etwas geändert.

Seit dem 18. Jahrhundert bezeichnet Kantate kein Stück, das gesungen wird.

Eine Kantate ist ein mehrsätziges Werk für Solosänger, Chor und Orchester.

Der Aufbau der Kantate ähnelt einem Chorkonzert. Kantaten waren zunächst wie Chorkonzerte geistliche Werke, allerdings nicht der orthodoxen, sondern der katholischen Kirche. Doch bereits in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erschienen weltliche Kantaten, die für die Konzertaufführung gedacht waren. Viele spirituelle und weltliche Kantaten geschrieben von I.S. Bach.

Oratorium – dieses Wort bezeichnete ursprünglich eine völlig nichtmusikalische Gattung. Ein Oratorium war ein Raum für Gebete in Kirchen sowie für Gebetstreffen, die in diesen Räumen stattfanden. Der Gottesdienst in der katholischen Kirche wurde auf Latein abgehalten, das niemand sprach und nur wenige kannten. Nur gebildete Menschen verstanden es – vor allem die Priester selbst. Und damit die Gemeindemitglieder verstehen konnten, wovon sie sprachen, wurden Theateraufführungen basierend auf einer religiösen Handlung organisiert – liturgische Dramen. Begleitet wurden sie von Musik und Gesang. Aus ihnen entstand im 17. Jahrhundert die Gattung Oratorium.

Wie in der Kantate sind auch im Oratorium Solosänger, ein Chor und ein Orchester beteiligt. Ein Oratorium unterscheidet sich von einer Kantate in zweierlei Hinsicht:

Viel größere Größen (bis zu 2 – 2,5 Stunden)

Stimmige Erzählhandlung

Antike Oratorien entstanden in der Regel am biblische Geschichten und waren sowohl für kirchliche als auch weltliche Aufführungen gedacht. Im 18. Jahrhundert erlangte G. F. Händel, ein deutscher Komponist, der lange Zeit in England lebte und wirkte, vor allem durch seine Oratorien Berühmtheit. Ende des 18. Jahrhunderts ließ das Interesse an Oratorien nach. Aber in England liebte man Händels Oratorien weiterhin. Und als der österreichische Komponist Joseph Haydn 1791 England besuchte, war er von Händels Oratorien fasziniert und schuf selbst drei Oratorien – „Die sieben Worte des Erlösers am Kreuz“, „Die Jahreszeiten“ und „Die Erschaffung der Welt“.

Im 19. Jahrhundert entstanden auch Oratorien, die jedoch ebenso wie Kantaten keinen Erfolg hatten. Im 20. Jahrhundert wieder aufgetaucht bedeutende Werke im Genre Oratorium: „Jeanne d’Arc auf dem Scheiterhaufen“ des französischen Komponisten Arthur Honegger und „Pathetic Oratorio“ des russischen Komponisten Georgy Sviridov nach Gedichten Majakowskis.

Fragen an Studierende:

Welche Genres der Chormusik gibt es?

Erzählen Sie uns von jedem einzelnen davon.

Als Manuskript

Grinchenko Inna Viktorowna

CHORMINIATUR IN DER RUSSISCHEN MUSIKKULTUR: GESCHICHTE UND THEORIE

Spezialität 17.00.02 - Musikalische Kunst

Rostow am Don – 2015

Die Arbeit wurde an der Abteilung für Musiktheorie und Komposition des Staatlichen Konservatoriums Rostow durchgeführt. C.B. Rachmaninow

Wissenschaftlicher Leiter:

Offizielle Gegner:

Leitende Organisation:

Doktor der Kulturwissenschaften, Kandidat der Kunstgeschichte, Professor

Krylova Alexandra Wladimirowna

Malatsay Lyudmila Viktorovna,

Staatliches Institut für Kunst und Kultur Orjol, Professor der Abteilung für Chorleitung

Nemkova Olga Wjatscheslawowna,

Doktor der Kunstgeschichte, außerordentlicher Professor,

Staatliches Musikpädagogisches Institut Tambow, Professor der Abteilung für Chorleitung

Staatliche Akademie der Künste Ufa, benannt nach Zagir Ismagilov, Abteilung für Musiktheorie

Die Verteidigung findet am 24. Juni 2015 um 16.00 Uhr bei einer Sitzung des Dissertationsrates D 210.016.01 am nach S.B. benannten Staatlichen Konservatorium Rostow statt. Rachmaninow bei:

344002, Rostow am Don, Budennovsky Ave., 23.

Die Dissertation befindet sich in der Bibliothek des Staatlichen Konservatoriums Rostow. C.B. Rachmaninow und auf der Website http://\vww.rostcons.ru//discouncil.html

Wissenschaftlicher Sekretär des Dissertationsrates

Dabaeva Irina Prokopjewna

ALLGEMEINE BESCHREIBUNG DER ARBEIT

Die Relevanz der Forschung. Chorkunst ist ein wesentlicher Bestandteil der russischen Kultur. Die Fülle an brillanten Gruppen ist ein direkter Beweis für die Vitalität der heimischen Chortraditionen, die heute durch zahlreiche Festivals und Wettbewerbe der Chormusik auf verschiedenen Ebenen bestätigt wird. Ein solch „sprudelnder Inhalt“ der Chordarbietung ist eine natürliche Quelle des ungebrochenen Interesses der Komponisten an diesem Genrebereich.

In der Vielfalt der Genres der Chormusik spezieller Ort besetzt mit einer Chorminiatur. Seine Entwicklung und sein Bedarf an der Praxis haben mehrere Gründe. Eine davon ist das Vertrauen auf die Grundbasis des gesamten Spektrums der Chorgattungen – die primäre Gattung des russischen Volksliedes, die die kleine Grundform darstellt, aus der sich andere, komplexere Gattungstypen entwickelten. Das andere liegt in der Spezifität der Miniaturformen, mit einem charakteristischen Fokus auf einen emotionalen Zustand, der tief empfunden und bedeutungsvoll ist, mit einer fein detaillierten Nuance von Gefühlen und Stimmungen, die durch eine exquisite klangfarbene Chorpalette vermittelt werden. Der dritte liegt in den Besonderheiten der Wahrnehmung des modernen Hörers, der durch den Einfluss des Fernsehens mit einem Clip-Bewusstsein ausgestattet ist, das zur Fragmentierung tendiert, der kurzen Länge der Ton-„Frames“ und der Schönheit der „Oberfläche“. .

Die Nachfrage nach dem Genre in der Aufführungspraxis ist jedoch noch nicht durch eine wissenschaftliche Begründung seines Wesens gestützt. Man kann feststellen, dass es in der modernen russischen musikwissenschaftlichen Literatur keine Werke gibt, die sich mit der Geschichte und Theorie dieses Phänomens befassen. Es sollte auch beachtet werden, dass in der modernen Kunst der Wunsch nach Miniaturisierung der Form mit inhaltlicher Tiefe einer der charakteristischen allgemeinen Trends ist, die durch eine neue Runde des Verständnisses des philosophischen Problems der Beziehung zwischen der Makro- und Mikrowelt vorgegeben sind.

Im Genre der Chorminiatur dieses Problem konzentriert sich mit besonderer Schärfe darauf, dass die Personifizierung der Makrowelt im Rahmen dieses Genres das Chorprinzip ist, sich aber dank der besonderen Gesetze der Verdichtung von Form und Bedeutung als in das Format der zusammengebrochen erweist Mikrowelt. Offensichtlich erfordert dieser komplexe Prozess eine eigene Untersuchung, da er reflektiert

allgemeine Muster der modernen Kultur. Das Obige bestimmt die Relevanz des Forschungsthemas.

Forschungsgegenstand ist die russische Chormusik des 20. Jahrhunderts. Gegenstand der Forschung ist die Entstehung und Entwicklung der Chorminiaturgattung in der russischen Musikkultur.

Ziel der Studie ist es, den Gattungscharakter von Chorminiaturen zu begründen und die Identifizierung kleinvolumiger Chorwerke mit den Prinzipien und der Ästhetik von Miniaturen zu ermöglichen. Das gesetzte Ziel identifizierte folgende Aufgaben:

Identifizierung der Entstehung von Miniaturen in den Traditionen der russischen Kultur;

Beschreiben Sie die wichtigsten Parameter, die eine Zuordnung ermöglichen

Betrachten Sie die Chorminiatur als künstlerisches Kunstobjekt;

Entdecken Sie den Entwicklungsweg des Genres im Kontext der russischen Musikkultur des 20. Jahrhunderts;

Analyse der Merkmale der individuellen Interpretation des Chorminiaturgenres in den Werken russischer Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Der Zweck und die Ziele der Arbeit bestimmten ihre methodische Grundlage. Es ist umfassend auf der Grundlage theoretischer wissenschaftlicher Entwicklungen und Arbeiten von Wissenschaftlern – Musikwissenschaftlern und Literaturkritikern – sowie einer Analyse des Schaffens von Komponisten des 19. bis 20. Jahrhunderts aufgebaut. Die Dissertation verwendet Methoden der kulturhistorischen, strukturell-funktionalen, axiologischen und vergleichenden Analyse.

Forschungsmaterialien. Aufgrund der Breite des Problemfeldes des gestellten Themas beschränkt sich der Umfang der Dissertationsforschung auf die Betrachtung des Entwicklungsprozesses von Chorminiaturen in russischer Sprache weltliche Kunst XIX - XX Jahrhunderte. Das empirische Material waren A-cappella-Chöre, da sie den Gedanken der Miniaturisierung in der Chormusik am deutlichsten verkörpern. Das Werk verwendet Werke von M. Glinka, A. Dargomyzhsky, P. Tschaikowsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Mussorgsky, S. Taneyev, A. Arensky, P. Chesnokov, A. Kastalsky,

B. Shebalina, G. Sviridova, V. Salmanova, E. Denisova, A. Schnittke, R. Shchedrina,

S. Gubaidullina, S. Slonimsky, V. Gavrilin, Y. Falik, R. Ledenev, V. Krasnoskulov, V. Kikty, V. Khodosh.

Der Grad der wissenschaftlichen Entwicklung des Themas. Probleme der Geschichte und Theorie der Gattung Chorminiatur sind in der Musikwissenschaft nicht ausreichend bearbeitet. In Co-

vorübergehend wissenschaftliche Forschung Es gibt keine Werke, die es ermöglichen, ein kleinformatiges Chorwerk mit den Prinzipien und der Ästhetik einer Miniatur zu identifizieren. Allerdings enthalten kunstkritische, literaturwissenschaftliche, kulturwissenschaftliche und musikwissenschaftliche Werke unterschiedlicher problematischer Ausrichtung eine Reihe von Ideen und Vorgaben, die für diese Dissertation konzeptionell bedeutsam sind.

IN diese Arbeit Auf der Grundlage der Werke von M. Bakhtin, H. Gadamer, M. Druskin, T. Zhavoronkova, M. Kagan, S. Konenko, G. Kolomiets, A. Korshunova, Y. Keldysh, I. Loseva, A. Nozdrina, V. Sukhantseva, P. Florensky.

Die Identifizierung der Phasen der Assimilation der Erfahrung der Miniaturisierung durch verschiedene Arten russischer Kunst erforderte die Hinwendung zu den Werken musikalischen, historischen und kulturellen Inhalts von B. Asafiev, E. Berdennikova, A. Belonenko, G. Grigorieva, K. Dmitrevskaya, S. Lazutin, L. Nikitina, E. Orlova, Y. Paisov, V. Petrov-Stromsky, N. Sokolov. Der soziologische Aspekt wurde in das Problemfeld einbezogen, was zur Einbeziehung der Ideen von A. Sokhor und E. Dukov führte.

Die Darstellung des Genres als mehrkomponentige Genstruktur mit voneinander abhängigen und voneinander abhängigen Ebenen basierte auf dem in der Musikwissenschaft entstandenen mehraspektiven Ansatz der Genrekategorie, der die Hinwendung zur Forschung von M. Aranovsky, S . Averintsev, Yu. Tynyanov, E. Nazaikinsky, O. Sokhor, S. Skrebkov, V. Zuckerman.

Die Analyse musikalischer Werke, mit deren Hilfe die Merkmale der Vokal-Chor-Form identifiziert wurden, erfolgte auf der Grundlage der Werke von K. Dmitrevskaya, I. Dabaeva, A. Krylova, I. Lavrentieva, E. Ruchevskaya, L. Shaimukhametova. Aus der Arbeit konnten wertvolle Klarstellungen gewonnen werden

A. Khakimova über die Theorie der Gattung A-cappella-Chor. Die Ausdrucksmittel der Chortextur wurden auf der Grundlage der Werke von V. Krasnoshchekov, P. Levando, O. Kolovsky, P. Chesnokov, Sammlungen, betrachtet wissenschaftliche Artikel bearbeitet von

B. Protopopova, V. Fraenova.

Bei der Untersuchung von Beispielen von Chormusik aus der Perspektive der musikalischen und poetischen Natur des Genres und ihrer engen Interaktion mit anderen Arten

Künste, die Bestimmungen und Schlussfolgerungen in den Werken von S. Averintsev, V. Vasina-Grossman, V. Vanslov, M. Gasparov, K. Zenkin, S. Lazutin, Yu. Ruchevskaya, B Verwendet wurden Eikhenbaum, S. Eisenstein.

Die wissenschaftliche Neuheit der Studie liegt darin, dass sie erstmals:

Es wurde eine Definition des Genres der Chorminiaturen formuliert, die eine Genrezuordnung kleinformatiger Chorwerke ermöglicht;

Eine Untersuchung der Natur des Genres der Chorminiaturen wurde durch das Prisma des philosophischen Wissens über die Makro- und Mikrowelten durchgeführt und enthüllte endlose semantische Möglichkeiten für die Verkörperung künstlerischer Ideen in einem komprimierten Inhaltsfeld bis hin zur Reflexion im Phänomen von Miniaturen bedeutender Attribute des Kulturbildes;

Kleine Formen berücksichtigt verschiedene Arten Russische Kunst, um ihre generischen Merkmale und Merkmale zu identifizieren, die in geschmolzener und indirekter Form den Genotyp des Genres darstellten.

Die Rolle verschiedener Musikgenres – der historischen Vorläufer der Chorminiaturen – bei der Bildung ihrer Genremerkmale wird aufgezeigt;

Die sich historisch verändernde Konfiguration der Genremerkmale von Chorminiaturen im soziokulturellen Kontext des 20. Jahrhunderts wurde untersucht.

Zur Verteidigung werden folgende Bestimmungen vorgelegt:

Das Genre der Chorminiatur ist ein kleines Musikwerk a cappella, das auf einer mehrstufigen Synkresis von Worten und Musik (Hintergrund, lexikalisch, syntaktisch, kompositorisch, semantisch) basiert und eine zeitlich konzentrierte, tiefe Offenlegung des lyrischen Typs ermöglicht von Bildern, die symbolisierende Intensität erreichen.

Die Miniatur ist eine Art Analogie zum Makrosystem, in das sie eingeschrieben ist – Kunst, Kultur, Natur. Als Mikrokosmos im Verhältnis zum real existierenden Makrokosmos Mensch ist er reflexionsfähig komplexe Eigenschaften lebende Materie als Ergebnis der Konzentration vielfältiger Bedeutungen in einem kleinen literarischen Text. Durch den Prozess der Miniaturisierung kommt es zu einer Verdichtung des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung wird die Möglichkeit geschaffen, mit ganzen „semantischen Komplexen“ zu operieren, sie zu vergleichen und zu verallgemeinern.

Die genetischen Wurzeln der Chorminiaturen sind untrennbar mit Beispielen kleiner Formen verschiedener Künste, ihrer Poetik und Ästhetik verbunden. Im Rahmen der Miniaturgenres und -formen der russischen Kunst wurden wesentliche Merkmale der Chorminiatur herausgebildet, wie die Verfeinerung einer kleinen Form, ein hohes Maß an Kunstfertigkeit, das sich aus der filigranen, anspruchsvollen Handwerkskunst des Herstellers ergibt, die Spezifität des Inhalts - emotionale und ideologische Konzentration, tiefes Verständnis der Welt und der menschlichen Gefühle, funktionaler Zweck.

Der Kristallisationsprozess des Genres vollzog sich auf der Grundlage einer aktiven Interaktion zwischen den Genres sowie einer zunehmenden gegenseitigen Beeinflussung der musikalischen und poetischen Künste. Als Ergebnis dieser Prozesse bildete sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Gattung heraus, in der das musikalische Element in Synthese mit der poetischen Form die Grenze der künstlerischen Ausdruckskraft erreicht.

Die Ansätze des Autors zur Schaffung einer neuen Bildsprache in Chorminiaturen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts sind geprägt von der Erweiterung der Gattungsgrenzen durch Transformationen der Musiksprache und der Sättigung des Gattungsmodells mit außermusikalischen Faktoren. Der Einsatz verschiedener Arten von Techniken durch Komponisten in Synthese mit alten Traditionen, die Genreelementen eine neue semantische Färbung verleihen, hat die modernen Facetten des Chorminiaturgenres geformt.

Die theoretische Bedeutung der Studie wird dadurch bestimmt, dass eine Reihe entwickelter Bestimmungen das gesammelte Wissen über die Natur der untersuchten Gattung erheblich ergänzen. Die Arbeit lieferte eine detaillierte Argumentation und analytische Evidenzbasis für Fragestellungen, die die Möglichkeit einer weiteren wissenschaftlichen Suche nach den Merkmalen dieses Genretyps untermauern. Dazu gehören eine Analyse des Phänomens der Miniaturisierung in der Kunst aus der Sicht philosophischer Erkenntnisse, die Identifizierung der Poetik der Miniaturen in verschiedene Typen Russische Kunst, Begründung der Gattungsmerkmale von Chorminiaturen in ihrer Differenz zu Kleinformen, die besondere Rolle der individuellen Interpretation des Gattungsmodells durch russische Komponisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts im Kristallisationsprozess der Gattung und andere .

Die praktische Bedeutung der Studie liegt darin begründet, dass die vorgestellten Materialien die Anwendungsmöglichkeiten deutlich erweitern werden wissenschaftliches Wissen in der Praxis, da sie in Lehrveranstaltungen zur Musikgeschichte und Formenanalyse integriert werden können Musikschulen und Universitäten, in Musikprogrammen für weiterführende Schulen und werden auch bei der Arbeit von Chorleitern nützlich sein.

Aufbau der Dissertation. Die Dissertation besteht aus einer Einleitung, drei Kapiteln, einem Fazit und einem Literaturverzeichnis aus 242 Quellen.

Die Einleitung enthält eine Begründung für die Relevanz des Themas, legt die Hauptprobleme der Forschung und den Grad ihrer wissenschaftlichen Entwicklung offen, definiert Ziele und Zielsetzungen, materielle, methodische Grundlagen, argumentiert den Grad der wissenschaftlichen Neuheit und gibt Hinweise zur Prüfung der Ergebnisse der Arbeit.

Im ersten Kapitel „Chorminiatur im historischen und kulturellen Kontext“ wird das Wesen des Phänomens der Miniaturisierung in der Kunst durch das Prisma philosophischen Wissens skizziert. Das Verständnis dieser für die Chorminiatur so wichtigen Essenz wird im Lichte des russischen philosophischen Denkens offenbart. Die Rolle der Miniatur als Artefakt der modernen Kultur wird betrachtet, die Merkmale der Miniaturpoetik werden in kleinen Formen verschiedener Kunstgattungen identifiziert, in denen die Erfahrung der Miniaturen von Musikern aufgenommen wurde, was eine Art stille Phase in der Entwicklung darstellt des Genres. Es werden wissenschaftliche Ansätze zur Betrachtung dieses Phänomens skizziert.

1.1. Miniaturisierung in der Musik- und Chorkunst: philosophisch

Gründe

Ausgehend von Asafievs Verständnis des Wesens der Musik als Widerspiegelung des „Bildes der Welt“, als „einer Weltanschauung, die einen Mikrokosmos hervorbringt – einem System, das das Maximum zum Minimum synthetisiert“e1, in diesem Abschnitt der Arbeit Basierend auf der Analyse philosophischer Ansätze zum Problem der Makro- und Mikrowelten wird die Natur der Chorminiatur untersucht. Es wird betont, dass die Miniatur als Produkt der Kunst und als kulturelles Artefakt dem Raum, der Kultur und dem Menschen ähnelt , das heißt, es ist ein reflektierter Mikrokosmos im Verhältnis zum real existierenden Makrokosmos des Menschen, dass der Gegenstand der Miniatur (als in die Kultur eingebauter Kunstgegenstand) der Mikrokosmos mit all seinen Elementen ist,

1 Asafiev, B.V. (Igor Glebov) Der Wert der Musik [Text]: Artikelsammlung / B.V. Asafiev (Igor Glebov); bearbeitet von Igor Glebov; Staat Petrograd Akademische Philharmonie. -Petrograd: De música, 1923. - S. 31.

Prozesse, Muster, die in ihren Organisationsprinzipien, der Grenzenlosigkeit der Phänomene, dem Makrokosmos ähneln.

Es hat sich gezeigt, dass die Reflexion der komplexen, flüchtigen Eigenschaften lebender Materie im Miniaturformat einen „Zusammenbruch“ des Bedeutungsbildungsprozesses eines künstlerischen Textes, also seiner Miniaturisierung, darstellt. Sein Wesen liegt in der Kompaktheit des Zeichensystems, wobei das Zeichen die Bedeutung eines Bildsymbols erhält. Dank der semantischen Kodierung ist es möglich, mit ganzen „semantischen Komplexen“, deren Vergleich und Verallgemeinerung zu operieren.

Es wird auch darauf hingewiesen, dass die Tiefe des philosophischen Wissens, das in den Miniaturen russischer Komponisten enthalten ist, aus der Idee der Konziliarität abgeleitet ist und die Dominanz der Ideen von Makro- und Mikrowelten in der russischen Philosophie bedeutende Ideen bestimmte, unter deren Zeichen Die Chorkunst entwickelte sich von großen Chorleinwänden zur Miniatur, vom kollektiven Chorprinzip zum Subjektiven und Individuellen. Man kommt zu dem Schluss, dass die in den vergangenen Jahrhunderten entstandene Kunst der Miniaturen ihre Bedeutung in der modernen Kultur stärkt und alle Erfahrungen und Vielfalt bündelt künstlerische Traditionen Russische Kunst, die sie bereichert und die Lebensfähigkeit ihres historischen Erbes beweist. Und die inhaltliche Tiefe und Leistungsfähigkeit, das kommunikative Potenzial, die Vielfalt musikalischer und außermusikalischer Verbindungen beziehen die Miniatur in den Evolutionsprozess ein.

1.2. Chorminiatur im Kontext russischer Kunsttraditionen

Die Entstehung des Phänomens der russischen Chorminiatur war auf romantische Tendenzen zurückzuführen, die aus der westlichen Kunst kamen. Beeinflusst wurde der lyrische Selbstausdruck, der ein neues Selbstverständnis in der Kunst prägte Nationalkultur Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Die Idee der tiefen Einheit aller Arten von Künsten ermöglicht es uns, die Vorgeschichte der Chorminiaturen zu betrachten, um die Prinzipien der Bedeutungskonzentration in ihren kleinen Formen zu bestimmen. Dies wurde durch die Ausdruckskraft und das Können der Buchgrafiken erleichtert – die Verzierung von Großbuchstaben, die Erstellung kleiner Zeichnungen und Illustrationen, die dem Text eine besondere Bedeutung und einen emotionalen Inhalt verleihen, die Kapazität und den Aphorismus von Wörtern, verfeinert in kleinen Formen literarische Kreativität, die Tiefe der psychologischen Ausdruckskraft russischer Intonationen

Chinesisches klingendes Lied, der Wunsch nach Räumlichkeit und filigraner Dekoration in Miniaturformen der bildenden Kunst.

Die Methoden und Prinzipien, mit deren Hilfe kleine Kunstwerke geschaffen wurden, die ihren Nutzen im Leben eines Menschen erlangten, eng verflochten mit seinen inneren Sehnsüchten, dem Alltag voller für ihn bedeutungsvoller Bedeutungen, bildeten die Erfahrung der Verkörperung des tiefe Konzentration eines künstlerischen Bildes.

1.3. Forschungsansätze zur Untersuchung von Chorminiaturen

Textansatz. Da ein besonderes Merkmal der Chorminiatur der äußerst informative Inhalt ist, der in der Synthese von Wort und Musik entsteht, besteht die Notwendigkeit, sie mit einem textuellen Ansatz zu betrachten, bei dem der Text unter dem Gesichtspunkt seines kommunikativen Charakters betrachtet wird. Der textuelle Ansatz zur Untersuchung von Chorminiaturen als mehrelementiger Struktur eines synthetischen Textes ermöglicht die Analyse der im Text verwendeten figurativen und ausdrucksstarken Sprachmittel, die mit dem von ihnen bezeichneten Inhalt, also ihnen, identifiziert und korreliert werden haben semantische Bedeutungen.

Durch das Zusammenspiel semantischer Komplexe musikalischer und poetischer Texte entsteht ein besonderer künstlerischer und semantischer Inhalt des Bildes, wodurch der Prozess der Bereicherung der Ausdrucksmittel der Sprache einer Kunst auf Kosten der anderen erfolgt. Strukturell-semantische Komplexe, die durch das Zusammenspiel poetischer und musikalischer Texte entstehen, erreichen in ihrer Synthese manchmal die Intensität von Symbolen. Sie sind die Grundlage eines strukturell-semiotischen Systems, in dem „die Organisation und Bedeutung der Elemente der musikalischen Materie von mindestens zwei Merkmalen abhängt: der Ära, in der der Mensch lebt, und der individuellen Vision, Wahrnehmung und dem Verständnis des Menschen für die Welt.“ Die Betrachtung des künstlerischen Textes einer Chorminiatur sollte auf der Korrelation der Prinzipien der Bildung strukturell-semantischer Beziehungen künstlerischer Zeichen der poetischen Quelle und des musikalischen Textes basieren. Dies ist wichtig, weil

1 Kornelkzh, T. A. Musikwissenschaft als offenes System: Erfahrung in der Problemstellung: basierend auf dem Material der heimischen Musikwissenschaft [Text]: dis. ... offen. Kunstgeschichte: 17.00.02. / T.A. Korneljuk; Staat Nowosibirsk Wintergarten - Nowosibirsk, 2007. -S.147

Das Besondere an der Miniatur ist die Konzentration des Inhalts und die enge Verknüpfung mit Außenwelt, das heißt, die Bedeutung außertextueller Verbindungen, die die semantischen Bedeutungen beider Texte tragen, nimmt für sie multidimensional zu.

Der strukturell-systemische Ansatz bietet Überlegungen zur Konstruktion eines künstlerischen Ganzen durch die Kombination seiner Elemente auf der Grundlage des Konzepts der Strukturpoetik. Sie weist darauf hin, dass in einem Gedicht eine auf besondere Weise organisierte Sprache die Eigenschaften eines künstlerischen Systems erhält, wodurch das Gewicht des Wortes als bedeutender Textabschnitt zunimmt. Folglich erfolgt die Umsetzung einer künstlerischen Idee durch den Mechanismus der Verknüpfung dieser mit semantischer Bedeutung ausgestatteten Elemente. Demnach der strukturelle und künstlerische Prozess des Werdens musikalischer Inhalt basiert auf einem hohen Maß an Ausdruckskraft der Elemente der Musiksprache und ihrer komplexen Kombination. Die Konstruktionen der „Kopplung“ thematischer Elemente bilden die Grundlage des projektiven Raums des künstlerischen Textes der Chorminiatur. In der Chorpolyphonie handelt es sich um eine dramaturgisch bedingte Veränderung der strukturellen Funktionen der Stimmen, ihres Zusammenspiels. Im Rahmen des angegebenen Ansatzes liegt der Schwerpunkt auf den künstlerisch-strukturellen Beziehungen und der Interaktion von musikalischen und literarischen Texten, die für die Untersuchung des Wesens der Gattung der Chorminiaturen so notwendig sind.

Das zweite Kapitel „Chorminiatur im Werk der Komponisten der russischen Schule: historischer und kultureller Hintergrund, Entstehung und Entwicklung von Zhapra“ beleuchtet die historischen und künstlerischen Prozesse, die die Bildung invarianter Merkmale des Genres beeinflussten. Dies sind Merkmale der Entwicklung der russischen Kultur, Trends, die das Zusammenspiel von Poesie und Musik bestimmten, der Einfluss analoger Genres auf die Bildung der charakteristischen Merkmale von Chorminiaturen. Basierend auf theoretischen Konzepten der heimischen Musikwissenschaft wird der Genrebegriff formuliert.

2.1. Musikalische und poetische gegenseitige Beeinflussung und ihre Rolle bei der Entstehung des Genres

Chorminiaturen

Die gegenseitige Beeinflussung von Poesie und Musik im historischen Rückblick zielte auf die Suche nach Konzentration und Vertiefung künstlerischer Bedeutung ab. IN

Grundlage dieses Prozesses war der Wunsch beider Künste, die Wahrhaftigkeit der Wiedergabe der natürlichen Intonation der menschlichen Sprache in der Kunst zu erreichen, die die bedeutungsvolle und emotionale Tiefe des Wortes enthält. Neuerungen dieser Art in der Poesie, die sich im 18. Jahrhundert bemerkbar machten, führten zur Bildung eines syllabisch-tonischen Verssystems, das wiederum als Anstoß für die Schaffung musikalischer Formgesetze diente. Ein weiterer enger Kontakt zwischen den beiden Künsten im Bereich der kleinen Gesangs- und Chorgattungen trug nicht nur zur Entwicklung freier poetischer Formen in der Poesie, sondern auch zur Bildung immanenter Wege zur Steigerung des sinnvollen Informationsgehalts in der Musik bei. Dazu gehören die Prinzipien der End-to-End-Entwicklung, die Aufteilung des Textes in kleine Fragmente mit detaillierten Nuancen und die Erhöhung der Komplexität der rhythmischen, modalen und harmonischen Aspekte des Musiktextes. Im Einklang mit diesen Prozessen ließ sich der Einfluss der Russen nachvollziehen Kulturelle Traditionen, die die Bildung der charakteristischen Merkmale der Chorminiaturgattung bestimmte, nämlich Melodie, Gesang, Integration der Eigenschaften der poetischen Sprache in die Melodie, assoziative Verbindungen beider Künste.

2.2. Chorminiatur als theoretische Definition

Der theoretische Rahmen, der den Forschungsvektor festlegt, sollte als die Definition des Genres betrachtet werden, die A. Korobova gehört. Darin wird betont, dass sich das Genre „durch seine historisch fließende Koordination auszeichnet Gemeinsamkeiten„Inhalt, Aufbau und Pragmatik basieren auf einem dominanten Merkmal“1. Das Wesen dieser Position wird indirekt in der Interpretation des Genres von S. Averintsev bestätigt, der feststellt, dass „die Kategorie des Genres mobil ist“, „grundlegenden Veränderungen unterliegt, historisch bedingt“2. S. Aranovsky weist auch darauf hin: „ erstaunliche Fähigkeit Genre zu bewahren und sich an veränderte Bedingungen anzupassen“3.

"Korobova, A.G. Moderne Theorie der Musikgenres und ihre methodischen Aspekte [Text] / A.G. Korobova // Musikwissenschaft. - 2008. - Nr. 4. - S. 5.

2 Averintsev, S. S. Historische Mobilität der Genrekategorie: Erfahrung der Periodisierung [Text]:

Sammlung von Artikeln / S.S. Averintsev // Historische Poetik. Ergebnisse und Aussichten der Studie. -M.: Nauka, 1986.-S. 104.

3 Aranovsky, M. G. Struktur Musik Genre und die aktuelle Situation in der Musik [Text]: Artikelsammlung / M.G. Aranovsky // Musikalischer Zeitgenosse. Bd. 6 - M.: Sowjetischer Komponist, 1987.- S. 5.

Um das Genre-Paradigma in verschiedenen Arten der historischen Existenz des Genres zu identifizieren, wurde die Etymologie seines Namens untersucht. Geben Sie ein dieses Konzept ist das Wort „Miniatur“. Die Quintessenz des terminologischen Wesens von „Miniatur“ in der temporären Kunst ist das Kriterium des Maßstabs (kleine Form) und der Effekt der Verdichtung des Informationsflusses (strukturelles Modell). Diese künstlerische Verdichtung basiert auf dem zeitlichen „Zusammenbruch“ der Handlungsorganisationsschicht und der Übertragung ihrer Funktionen auf die Intonationsschicht.

Aus diesem Grund, so E.V. Laut Nazaikinsky erweist sich für die Miniatur eine doppelte Beurteilung der syntaktischen Zeit als bedeutsam: sowohl die tatsächliche syntaktische Intonationszeit als auch die kompositorische. Die Dualität der Zeit im Miniaturgenre führt zu einer besonderen Spannung, Fülle und Konzentration der musikalischen Form und der in ihrem Rahmen ablaufenden Entwicklungsprozesse. Die Komplexität und Vielseitigkeit dieses Phänomens führte dazu, dass man sich den Ideen herausragender russischer Musikwissenschaftler zuwandte, deren theoretische Konzepte mit Ansätzen zur Bestimmung des Wesens der Gattung, der Poetik kleiner Formen und dem Problem der Interaktion von Wort und Musik verbunden sind . Indem die Ergebnisse dieser theoretischen Entwicklungen auf die Besonderheiten der Chorminiatur zurückgeführt wurden, wurden in diesem Abschnitt der Arbeit mehrere Definitionen künstlich konstruiert, die zu einem Verständnis dafür führten, wie und nach welchen Grundprinzipien die Bedeutungsverdichtung in der Chorminiatur erfolgt .

Durch den Vergleich der gegebenen Merkmale konnten wichtige semantische Akzente gesetzt werden. Es ist so offensichtlich, dass das Kriterium der Skalierung allen gemeinsam ist. Ein weiterer, recht stabiler Parameter zur Charakterisierung einer Chorminiatur ist die Verkörperung der Idee, auf welchen Grundprinzipien das Gesamtkunstwerk beruht. Als bedeutsam für das Wesen der Gattung werden auch die Spezifität des kompositorischen Ganzen (syntaktische Ebene) und seine Offenheit für stilistische Modifikationen sowie die Anfälligkeit für den Einfluss nichtchoraler Musikgattungen genannt. Als Ergebnis der Identifizierung der internen spezifischen Zusammensetzung der Genrestruktur, in der die synthetische Sprache am beweglichsten ist, die im Zusammenspiel von Musik und Worten entsteht und sich im künstlerischen System der Polyphonie verwirklicht, wurde eine Definition des Genres formuliert. Dies ermöglicht die Genrezuordnung von Chorwerken kleiner Formen und hebt Samples in ihrer Gesamtheit als Genre der Chorminiatur hervor.

Das Genre der Chorminiatur ist ein kleines musikalisches A-cappella-Werk, das auf einer mehrstufigen Synkresis von Worten und Musik (Phono-Tonhöhe, lexikalisch, syntaktisch, kompositorisch, semantisch) basiert und eine zeitlich konzentrierte, tiefe Offenlegung des lyrische Bildsprache, die symbolisierende Intensität erreicht.

2.3. Kristallisation der Merkmale des Chorminiaturgenres in den Werken russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts

Das Verständnis des Genres als bewegliche Kategorie, das evolutionäre Impulse aus den Tiefen des angrenzenden Genresystems zog, ermöglichte es, das Spektrum der betrachteten interagierenden Genres zu erweitern und die in die Chorminiatur eingeführten Merkmale aus Kirchenmusik, Romantik, Oper usw. zu identifizieren Klavierminiatur. Dazu gehört die Aufmerksamkeit für das poetische Wort, seine tiefe Bedeutung, die untrennbar „mit der Qualität der russischen Musik verbunden ist: das Persönliche nach außen bringen“1, das Spektrum emotionaler Zustände zu erweitern, sich zu entwickeln originelle Wege Konkretisierung des Bildes mit Programminhalten, der Wunsch, Intimität und Maßstab in einem künstlerischen Bild zu verbinden.

Die Merkmale des Genreparadigmas haben unserer Meinung nach in den Werken von S. Tanejew ihre klaren Konturen erhalten. Die Kombination mehrerer Melodien im Simultanklang, von denen jede gleichwertig und künstlerisch bedeutsam ist, ermöglichte es dem Künstler, mit Hilfe ihrer gesamten intonatorischen und psychologischen Wirkung eine enorme dynamische Spannung im Chorgefüge zu erzeugen. Um den poetischen Text tiefgreifend zu reflektieren, nutzte der Komponist als erster das multidirektionale Ausdruckspotenzial der Vokalmusik. Einerseits Diskretion in der Wortdarstellung, syntaktische Zerstückelung im Zusammenhang mit der Sprachgenese, andererseits dynamische Spannung durch intonatorische Kohärenz und dissonante Verschärfung der polyphonen Polyphonie. Eine legitime Veranschaulichung dieser theoretischen Schlussfolgerungen sind Chorminiaturen nach Gedichten von Ya. Polonsky, die die Grundprinzipien des Genres verkörpern. Der individuelle Stil des Komponisten spiegelte am deutlichsten seine Arbeit wider, die darauf abzielte, die Bedeutung der musikalischen Komponente der kleinen Chorform zu verdichten und zu vertiefen.

1 Zenkin, K.V. Klavierminiatur und die Wege der musikalischen Romantik [Text]: Monographie / K.V. Zenkin. -M.: Musik 1997. - S. 314.

Wichtige Bestandteile dieses Prozesses sind die Bearbeitung des poetischen Textes durch S. Tanejew, um sein dramatisches Potenzial zu erkennen, das den Aufbau einer adäquaten kompositorischen Form ermöglicht, sowie der Einsatz von Techniken, die den Zusammenbruch künstlerischer Musik gewährleisten. Information“, manifestiert sich auf der Ebene des Inhalts und der Semantik (Verallgemeinerung durch Genre) Chöre von S. Tanejew, die einen „Ausgangspunkt“ für die Entwicklung des Genres in der russischen Chorkunst darstellt.

Das dritte Kapitel „Chorminiatur in der russischen Musikkultur des 20 Genre.

3.1. Genresituation des 20. Jahrhunderts: Soziokultureller Existenzkontext

Dieser Abschnitt der Arbeit untersucht die Situation der gegenseitigen Beeinflussung des kulturellen Kontexts auf die Entwicklung kleiner Chorformen zu Beginn des Jahrhunderts. Es wird darauf hingewiesen, dass die Besonderheiten des Chorgenres weitgehend durch soziodemografische Faktoren vorgegeben sind. Dies ermöglichte die Feststellung, dass Chorminiaturen aufgrund der Veränderungen in der gesellschaftlichen Funktion der Kunst in der ersten Hälfte des Jahrhunderts aus der Praxis des öffentlichen Musizierens verschwinden. Neue Ästhetik sozialistische Kunst, kollektive Formen der Kreativität kultivieren, gebracht historische Szene Massenlied. Es wurde zu einem der symbolträchtigen kulturellen Phänomene der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Ihre Chorarrangements waren in den Werken von M. Antsev, D. Vasiliev-Buglai, M. Krasev, K. Korchmarev, G. Lobachev, A. Pashchenko, A. Egorov und anderen weit verbreitet Das Repertoire der postrevolutionären Jahrzehnte wurde durch Chorarrangements Russian1gh geprägt Volkslieder. Bearbeitungen von A. Glasunow wurden populär,

A. Kastalsky, P. Chesnokov, A. Davidenko und andere sowie die Dirigenten A. Arkhangelsky, M. Klimov und andere. Die Komponisten setzten ihre Arbeit in der alten Tradition der Chorschule fort. Im Rahmen dieser Richtung entstanden Werke von A. Kastalsky, V. Kalinnikov, A. Arensky, P. Chesnokov und anderen. Das oben Gesagte lässt den Schluss zu, dass in der historischen Zeit der revolutionären und postrevolutionären Ereignisse der Im 20. Jahrhundert wich die weltliche Chorminiatur vom Taneev-Typ dem Massengesang und der Choraufbereitung, was als Krise des Genres angesehen werden kann.

Perestroika öffentliches Bewusstsein in den 60er Jahren veränderte sich das kulturelle Leben des Landes. Die Fähigkeit der Kunst, offen in die Sphäre des Spirituellen und Persönlichen zurückzukehren, verändert den gesellschaftlichen Zweck der Chormusik, was zur Wiederbelebung der Chorminiaturen als Genre führt, deren Nachfrage durch die Tatsache bestimmt wurde, dass es in ihrer genetischen Struktur unzählige gibt Es könnten künstlerische Formen der Reflexion lyrischer Inhalte geschaffen werden. Die Renaissance der Chorminiaturen trug zur Wiederherstellung des auswendig gelernten Inhalts der Gattung bei. Die Miniatur „... selbst fungierte als einer der Bausteine ​​dieser Erinnerung und sorgte für die Schaffung eines Meistbegünstigungsregimes, um die Entwicklung der natürlichen Charakteristika des Genres zu bewahren“1. Die Semantik der Gattung bestimmte die Erneuerung der kommunikativen Funktionen ihrer Existenz, die mit den Bedingungen und Mitteln ihrer Ausführung verbunden war. Wir sprechen über die Wiederbelebung des Kammerchors.

Der Wandel des politischen Klimas, die Wiederherstellung der Traditionen der russischen Spiritualität und Kontakte mit der Weltkultur trugen zur Entwicklung eines figurativen und bedeutungsvollen Panoramas, zur Erneuerung der Ausdrucksmittel und zur Entstehung neuer synthetischer Genres bei. Chormusik spiegelt nicht nur das Leben wider, sondern auch das Leben des modernen Menschen in einer bestimmten historischen Phase. Ein „genrefremder“ Faktor und Muster aus anderen Kunstgattungen werden in den musikalischen und chorischen Kontext eingebracht. Die Stile der Komponisten zeichnen sich durch eine Steigerung der integrativen Qualitäten aus, was es ermöglichte, den Informationsgehalt der Chorminiatur zu erhöhen, was den Wunsch widerspiegelt, Gedanken und damit Mittel zu konzentrieren. Methoden der Informationskonzentration trugen zur Verbesserung künstlerischer Formen bei

1 Nazaykinsky, E.V. Stil und Genre in der Musik [Text]: Lehrbuch für Universitätsstudenten / E.V. Nazaykinsky. -M.: Humanitäres Verlagszentrum VLADOS, 2003. - S. 105.

Reflexion der Realität, die letztendlich die Entstehung einer musikalischen Komponente bestimmte, die die künstlerische Unabhängigkeit und Nützlichkeit eines poetischen Bildes darstellt, das die Möglichkeit einer groß angelegten Verallgemeinerung bietet. Der Prozess der Aktualisierung der Musiksprache hat sich auf allen Ebenen der Interaktion zwischen musikalischem und poetischem Text entwickelt. Es sind komplexe Beziehungen entstanden, die durch eine zunehmende Aufmerksamkeit für die Artikulation des verbalen Textes sowie seine Intonation gekennzeichnet sind. Die Klangerzeugung, die sich auf mehrere Artikulationstechniken stützte, zielte darauf ab, die verbale Bedeutung zu vermitteln: klare, präzise Darstellung des Wortes, Erweiterung der Aussprache- und Intonationsmethoden, Kombination von Relief-Intonations-Sprach-Mikrostrukturen zu einem einzigen semantischen Ganzen. Im Kontext der Entwicklung polystilistischer Tendenzen, der häufigen Einbeziehung fremder Genreelemente in die Binnenstruktur von Chorminiaturen, mit der Verbreitung der individualisierten Lesart des poetischen Textes entwickelt sich der Prozess der Erweiterung des semantischen Feldes des Werkes. Ausschlaggebend für die Anhäufung von Informationsinhalten war die Aktivierung der Interaktion zwischen verschiedenen strukturell-semantischen Plänen im figurativen Konzept künstlerischer Inhalt, Kapazität, künstlerische Vielseitigkeit von Chorminiaturen. Daher zielten evolutionäre Prozesse auf die Suche nach Techniken ab, die in der Lage sind, immer subtilere Nuancen bei der Offenlegung emotionaler und psychologischer Zustände sowie die breite und tiefe Konstruktion des künstlerischen Kontexts zu vermitteln.

3.2. Die Entwicklung der Chorminiaturen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts

Im Rahmen dieses Absatzes wird die Entwicklung der Gattung Chorminiatur aus der Perspektive eines neuen Verständnisses der Prinzipien der Gattungsbildung betrachtet, die unter dem Einfluss der modernen Schaffenspraxis in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts entwickelt wurden. Die Bildung des bedeutungsvollen Volumens einer Chorminiatur erfolgt im Epizentrum der Interaktion zwischen den Genres, die verschiedene Bereiche der Kunst umfasst. Darunter sind Instrumentalmusik, Theater und Kino. Aus dieser Perspektive ist das Werk von G. Sviridov ein eindrucksvolles Beispiel für den Einfluss des Symphonie- und Filmdramas auf die Chorminiatur. Die im Werk durchgeführte Analyse der Werke des Komponisten zeigt, dass das Konzept der Bildkonstruktion auf dem Einsatz von Bearbeitungstechnologie basiert

Rahmen. Dadurch wird die Entstehung eines künstlerischen Bildes als „eine Kette aneinandergereihter Bilder einzelner Aspekte“1 dargestellt. Diese Methode zur Konstruktion eines künstlerischen Bildes lässt sich auch auf andere Kunstformen anwenden, insbesondere auf die Poesie, die es ermöglichte, die kompositorische Struktur einer Miniatur mithilfe der Rahmenmontage zu berücksichtigen, wobei der „Rahmen“ des poetischen Textes dem musikalischen „ Rahmen“, der die Bedeutung der poetischen Strophe zusammenfasst.

Eine vergleichende Analyse der Chorminiaturen von S. Taneyev und S. Sviridov ermöglichte es, deren Innovationen auf allen Ebenen der Beziehung zwischen poetischen und musikalischen Texten zu identifizieren: Hintergrundtonhöhe, lexikalische, semantische, kompositorische. Im Prozess der Analyse wird der Wunsch von S. Sviridov deutlich, die Nuancen der Sprachintonation zu vermitteln, das dramatische Potenzial von Strukturplänen zu identifizieren, die Chorstruktur und ihre Instrumentalisierung zu schichten, Elemente der Sonaten-Allegro-Form einzuführen, symphonische Entwicklungstechniken zu verwenden usw Obwohl die Chorminiatur in den Werken beider Komponisten die strukturelle und semantische Ausrichtung der Genretypisierung beibehält, beobachtet Sviridov ihre stilistische Erneuerung. Modernisierungsprozesse spiegelten das Denken eines neuen Komponisten im Bereich der musikalischen Sprache wider, einen neuen Algorithmus zum Aufbau eines fantasievollen Konzepts, nämlich die Verkörperung eines künstlerischen Bildes durch die Dramaturgie der Rahmenbearbeitung. Die Brechung der Methode zur Konstruktion eines künstlerischen Ganzen in der Filmkunst, die in ihrem Arsenal visuelle Wege des Weltverständnisses nutzt, hat neue Formen der Interaktion zwischen Poesie und Musik offenbart.

3.3. Hauptvektoren der Entwicklung des Genres

Abschnitt 3.3.1. Den Werken ist „Chorminiatur zur Kultivierung klassischer Bezugspunkte“ gewidmet klassischer Stil. Zu den Komponisten, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts Chorminiaturen im Geiste klassischer Traditionen schrieben, gehörte G. Sviridov („ Wintermorgen" Auf der nächsten A. Puschkin aus dem Chorzyklus „Puschkins Kranz“), E. Denisov („Herbst“ zum Text von A. Fet aus dem Chorzyklus „Die Ankunft des Frühlings“), R. Ledenev („Geliebtes Land“ zum Text von S . Yesenin aus Chorovo -

1 Eisenstein, S.N. Montage 1938 [Text] / S.N. Eisenstein // Die Kunst des Kinos. - 1941. - Nr. 1.-S. 39.

Zyklus „Kranz für Sviridov“), V. Salmanov („Die Felder werden komprimiert“ nach den Worten von S. Yesenin), V. Krasnoskulov („Zarskoje-Selo-Statue“ nach den Worten von A. Puschkin) und andere.

Die Merkmale dieser Art von Miniaturen werden in der Arbeit am Beispiel einer vergleichenden Analyse der Werke von P. Tschaikowsky und V. Schebalin betrachtet, die auf dem Text von M. Lermontovs Gedicht „The Cliff“ verfasst wurde. Die Parameter der analytischen Überprüfung wurden so gewählt, dass durch den Vergleich der Ausdrucksfähigkeiten der Komponisten die Merkmale eines neuen künstlerischen Ansatzes zur Schaffung eines musikalischen und poetischen Bildes von V. Shebalin hervorgehoben und das Gewesene hervorgehoben werden soll Besonderes, das die künstlerische Unabhängigkeit und Nützlichkeit der musikalischen Komponente seiner Komposition sicherte. Durch analytische Verfahren konnten Unterschiede in der Bildinterpretation auf allen Ebenen der Interaktion zwischen Wort und Musik festgestellt werden. Das Folgende veranschaulicht die Denkweise des neuen Komponisten. Auf syntaktischer Ebene stellt P. Tschaikowsky eine klare Übereinstimmung zwischen der phonetischen Struktur eines Wortes und seiner Intonationswiedergabe fest, was zu einer völligen Übereinstimmung von melodischen und verbalen Mikrostrukturen führt. Bei V. Shebalin ist dieser Zusammenhang eher indirekt. Der Komponist strebt eine allgemeine Darstellung des Wortes, einen großen Strich an. Auf der inhaltlich-semantischen Ebene betonen wir die breitere Palette der Ausdrucksmittel von V. Shebalin. Wenn P. Tschaikowsky zur Beschreibung des Bildes nur die harmonischen, dynamischen, temporhythmischen Eigenschaften des Bildes verwendet, dann wendet V. Shebalin das Prinzip der Genregeneralisierung an und demonstriert die Beherrschung des ausdrucksstarken und visuellen Potenzials der Textur. Der vertikal-horizontale Fluss des Klangflusses und die Schichtung strukturierter Schichten spiegelten die komplementäre Korrespondenz zwischen Worten und Musik wider. Mit Hilfe des Reichtums an timbrophonen Farben, der durch die Vielfalt der Texturlösungen entsteht, erreicht V. Shebalin eine subtile psychologische Nuance des Bildes. Auf der kompositorischen Ebene der Interaktion zwischen Texten stellen wir fest, dass es bei P. Tschaikowski eine strophische Form gibt, während bei V. Schebalin die Form zu einer musikalischen Dreigliederung „kontrahiert“ wird. Beachten Sie, dass V. Shebalin eine Sekundärseite erstellt hat poetische Form. Wir werden auch auf die Verwendung von Chorgruppen, die Erweiterung des Registerumfangs der Sänger, artikulatorische Merkmale des Wortvortrags und die Verwendung ausdrucksstarker Qualitäten des klangvollen Gesangs hinweisen, die in der Chorminiatur von P. Tschaikowski nicht zu beobachten sind.

Dementsprechend ist der Weg von P. Tschaikowsky zu V. Shebalin der Weg, das Wort durch die Mittel der Musik zu konkretisieren und eine immer subtilere Parität zu finden

starke Beziehung und Interaktion mit der musikalischen Komponente, basierend auf Einheit und Gleichwertigkeit. Das Vorstehende lässt den Schluss zu, dass die musikalische Komponente in V. Shebalins „Cliff“ im Hinblick auf die Umsetzung ausdrucksstarker Ressourcen am reichsten ist. Es bestätigt die These, dass die Evolutionsprozesse der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in der Chorminiatur zunehmend ihr führendes Gattungsmerkmal etablierten – den Bedeutungszusammenbruch im Prozess der Interaktion musikalischer und poetischer Texte.

Abschnitt 3.3.2. „Chorminiatur, konzentriert auf russische Nationaltraditionen“ widmet sich der stilistischen Modifikation des Genres, die mit dem Umdenken und der Wiederherstellung der Merkmale der russischen Volkskunst durch moderne Kompositionstechniken verbunden ist. Im Rahmen dieses Abschnitts wurde versucht, anhand des Materials von V. Gavrilins Chorminiatur „Nonsense“ aus der Symphonie-Aktion „Chimes“ die strukturellen Prozesse zu betrachten, die die Entwicklung figurativer Inhalte bestimmten. Besonderes Augenmerk liegt auf musikalischen und sprachlichen Mitteln, die semantische Komplexe bilden, in denen die künstlerischen Textinformationen der Chorminiatur kodiert sind. Im Analyseprozess wird eine Interpretation der semantischen Bedeutungen der Elemente des Musiktextes gegeben, der Mechanismus ihrer Kopplung beschrieben, in dem mit Hilfe ihrer kontrastierenden Opposition jede der Bedeutungen geklärt und die Bedeutung verdeutlicht wird ergibt sich aus ihrem Vergleich.

Im Abschnitt 3.3.3. „Chorminiatur im Kontext neuer Stilrichtungen der 60er Jahre“ deutet darauf hin interessanteste Zeit Das 20. Jahrhundert ist durch eine deutliche Radikalisierung der Musiksprache gekennzeichnet. Individuelle Stilkonzepte russischer Komponisten entstehen im Prozess der permanenten Suche nach neuen Ausdrucksmitteln. Die Hauptrichtungen in diesem Bereich bezogen sich auf die Erweiterung des Spektrums der Ausdrucksmittel bei der Darstellung von Worten, die Suche nach Möglichkeiten zur Instrumentalisierung der Chortextur und die Nutzung der Ressourcen der Timbrophonie. Diese Prozesse spiegeln sich auch in den Werken von Komponisten wider, die sich mit der Gattung der Chorminiaturen befassen. Im Einklang mit neuen Trends schufen Y. Falik ihre Werke („Habanera“, „Intermezzo“, „Romance“ aus dem Chorkonzert „Poems of Igor Severyanin“), R. Ledenev („Prayer“ aus dem Chorzyklus „Wreath an Sviridov“), S. . Gubaidullina (Zyklus „Widmung an Marina Tsvetaeva“), E. Denisov („Herbst“ nach den Worten von V. Khlebnikov), A. Schnittke („Drei spirituelle Chöre“), V. Kikta

(„Winter Wiegenlied“), S. Slonimsky („Abendmusik“) usw. Interessant in diesem Zusammenhang ist die künstlerische Erfahrung bei der Umsetzung des Genres durch R. Shchedrin.

Im Schaffen des Künstlers im Genre der Chorminiaturen entstand eine neue Poetik des Genres. Sie wurzelte vor allem in einer historisch bedingten stilistischen Erneuerung der strukturellen und semantischen Einheit, einer subtileren Beziehung zwischen Musik und dem poetischen Wort, die auf der „Mischtechnik“1, einer für die moderne Kunst charakteristischen Synthese von Ausdrucksmitteln, basierte. Ziel der Analyse ist es, Methoden und Techniken der Kompositionstechnik zu identifizieren, die eng mit anderen Kunstgattungen verbunden sind und auf die Schaffung künstlerischer Strukturen abzielen, in deren Kleinmaßstab das semantische Potenzial ihrer Elemente die Intensität eines Symbols erreicht. Gegenstand der Analyse waren Chorminiaturen aus dem Zyklus „Vier Chöre zu Gedichten von A. Tvardovsky“.

Eine Analyse der Chorminiaturen von R. Shchedrin aus dem Zyklus „Vier Chöre zu Gedichten von A. Tvardovsky“ ließ uns folgende Schlussfolgerungen ziehen. Das kompositorische Denken der Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts prägte neue Züge des Genremodells, in dem es zu einer radikalen Erneuerung der Formen künstlerischer Inhalte kommt. Die Stärkung der Prozesse der gegenseitigen Beeinflussung der verbalen und musikalischen Komponenten – Themenerweiterung, Ansprache unterschiedlicher Musikstile, innovative Kompositionstechniken – führte zu einer Aktualisierung der musikalischen Semantik. Die Folge der verstärkten Interaktion verschiedener struktureller und semantischer Pläne im figurativen Konzept war die Anhäufung von Informationsgehalt, Kapazität und künstlerischer Vielseitigkeit der Chorminiatur.

Der Abschluss der Dissertation enthält Schlussfolgerungen, die für die Eigenschaften der Chorminiatur von Bedeutung sind. Eine Miniatur ist ein Mikrokosmos im Verhältnis zum real existierenden Makrokosmos eines Menschen; sie ist in der Lage, die komplexen Eigenschaften lebender Materie in einem großformatigen komprimierten künstlerischen Text widerzuspiegeln. Es verkörpert ein hohes Maß an künstlerischem Können und inhaltlicher Tiefe, was sich widerspiegelt dünne Kanten Welt und menschliche Gefühle.

Der Prozess der Genrekristallisierung erfolgte auf der Grundlage einer aktiven Interaktion zwischen den Genres, die eine Identifizierung ermöglichte

1 Grigorieva, G.V. Russische Chormusik der 1990er-80er Jahre [Text] / G.V. Grigorjewa. - M.: Musik, 1991. - S.7.

Mittel und Elemente der musikalischen Sprache, die zur Bildung von Strukturen beitragen, die das semantische Potenzial maximieren.

Der Vergleich der Ontologie des Gattungsnamens (Chorminiatur) mit dem genetischen Code bestimmte deren Identität und ermöglichte die Entwicklung von Ansätzen zur Gattungszuschreibung. Basierend auf den Entwicklungen der bedeutendsten Musikwissenschaftler auf dem Gebiet der Poetik kleiner Formen, der Gattungstheorie und der Beziehung zwischen poetischen und musikalischen Texten wurde eine Definition des Begriffs „Chorminiatur“ formuliert und seine theoretische Begründung gegeben. Die Analyse der Entwicklung dieses Genretyps ergab einen „Ausgangspunkt“ historisches Leben Genre in der russischen Kultur - das Werk von S. Tanejew, die durch sozialhistorische Umstände verursachte „Krise“ des Genres in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und seine Wiederbelebung in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. Die Untersuchung der Existenz des Genres zeigte, dass unter dem Einfluss polystilistischer Tendenzen multidirektionale „Vektoren“ entstanden, die sein „Image“ in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bestimmten. Evolutionsprozesse in dieser Zeit waren mit der Koordination zwischen musikalischen Faktoren und externen Determinanten verbunden. Ihre Analyse zeigte die Fähigkeit von Chorminiaturen, eine Vielzahl stilistischer Trends zu assimilieren und eine Ressource zur Erweiterung und Vertiefung des Inhalts in der Vielfalt der musikalischen Sprachen zu finden.

Abschließend stellte die Dissertation fest, dass sie trotz des in der Arbeit erreichten Niveaus des wissenschaftlichen Verständnisses des Themas für eine breite Zeitperspektive offen bleibt, da der Wechsel der Generationen von Komponisten, die Weitergabe ihres Wissens und ihrer kreativen Entwicklungen an nachfolgende Generationen, macht offensichtliche Tatsache die unvermeidliche Fortsetzung des Lebens des untersuchten Genres in seinen neuen Interpretationen.

Artikel in von Experten begutachteten wissenschaftlichen Fachzeitschriften, die von der Higher Attestation Commission empfohlen werden:

1. Grinchenko, I.V. Die Ursprünge der Chorminiaturen der Romantik im Kontext der Traditionen der russischen Kunst [Text]: Wissenschaftliche Zeitschrift / I.V. Grinchenko // Welt der Wissenschaft, Bildungskultur. - Gorno-Altaisk, 2012. - Nr. 3 (34). - S. 226-228.-0,4 S.l.

2. Grinchenko, I.V. Chorminiatur: Ein struktureller Ansatz zur Analyse poetischer und musikalischer Texte. [Text]: Wissenschaftliche, theoretische und angewandte Zeitschrift: in 2 Teilen. / I.V. Grinchenko // Historisch, philosophisch, politisch

und Rechtswissenschaften, Kulturwissenschaften und Kunstgeschichte. Fragen von Theorie und Praxis. - Tambow: Zertifikat, 2013. - Nr. 4 (30). - S. 47 -51.-0,4 S.l.

3. Grinchenko, I.V. Das Zusammenspiel von poetischen und musikalischen Texten im Genre der Chorminiatur (am Beispiel des Chors „Frühling“ aus V. Khodoshs Zyklus „Die Jahreszeiten“) [Text]: Fachzeitschrift / I.V. Grinchenko // Probleme der Musikwissenschaft. Ufa: Ufimskaya-Verlag Staatliche Akademie Kunst, 2013. -Nr. 2 (13). - S. 273 - 275. - 0,4 S.l.

4. Grinchenko, I.V. Chorminiatur in der russischen Musik der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts [Elektronische Ressource]: Wissenschaftliche Zeitschrift / I.V. Grinchenko // Grundlagenforschung. - 2014. - Nr. 9 - 6. - S. 1364 - 1369. - Zugriffsmodus: http://vak.ed.gov.ru. -0,4 p.l.

Weitere Veröffentlichungen zum Thema Dissertationsforschung:

5. Grinchenko, I.V. Das Genre der Chorminiatur in der russischen Musik an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert (am Beispiel der Zwölf A-cappella-Chöre op. 27 von S. Taneev) [Text]: wissenschaftliche Zeitschrift / I.V. Südrussischer Musikalmanach: Staatliches Konservatorium (Akademie) Rostow, benannt nach S.B. Rachmaninow.“-Rostov n/D., 2013.-Nr. 1 (12).-P. 18-25.-13.00 Uhr

6. Grinchenko, I.V. Aktualisierung der Bedeutung eines musikalischen und poetischen Textes als Technologie für die Arbeit mit einem Kinderchor [Text]: Konferenzmaterialien / I.V. Grinchenko // Moderne Choraufführung: Traditionen, Erfahrungen, Perspektiven: Internationale wissenschaftliche und praktische Konferenz [g. Rostov n/d., 28. – 29. April 2014]. - Rostov n/d.: Verlag des Staatlichen Konservatoriums (Akademie) Rostov, benannt nach S.B. Rachmaninow, 2014. - S. 94 -101.-0,5 S.

Digitales Drucken. Offsetpapier. Times-Schriftart. Format 60x84/16. Band 1.0 wissenschaftliche Veröffentlichung-l. Bestell-Nr. 3896. Auflage 100 Exemplare. Gedruckt im CMC „COPITSENTR“ 344006, Rostow am Don, st. Suworowa, 19, Tel. 247-34-88