Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Bereits Ende der 20er Jahre zeichneten sich in der sowjetischen Literatur alarmierende Tendenzen ab, die darauf hindeuteten, dass literarische Werke zunehmend die „fürsorgliche“ Aufmerksamkeit sowohl der Behörden als auch der ihnen loyalen „zuständigen Behörden“ auf sich zogen. Dies spiegelte sich insbesondere in der Verschärfung repressiver Maßnahmen gegen anstößige Schriftsteller wider. So wurde 1926 eine Ausgabe der Zeitschrift „Neue Welt“ mit B. Pilnyaks Geschichte „Die Geschichte vom nicht ausgelöschten Mond“ beschlagnahmt: Die Geschichte des Armeekommandanten Gavrilov, der Hauptfigur der Geschichte, erinnerte zu sehr an das Schicksal von Michail Frunse, einer der größten Persönlichkeiten der Revolution und des Bürgerkriegs, der auf Druck der Partei zu einer unnötigen Operation gezwungen wurde und der Chirurg unter dem Messer starb. Im selben Jahr wurde die Wohnung von M. Bulgakov durchsucht, das Manuskript der Geschichte wurde beschlagnahmt. Hundeherz". Im Jahr 1929 wurde eine echte Verfolgung einer Reihe von Autoren durchgeführt, darunter Y. Olesha, V. Veresaev, A. Platonov und andere. Die Rappisten verhielten sich besonders ungezügelt, spürten ihre Straflosigkeit und schreckten vor nichts zurück, um sie zu verunglimpfen Im Jahr 1930 begeht V. Mayakovsky, gejagt und unfähig, das Gewirr persönlicher und kreativer Probleme zu entwirren, Selbstmord, und E. Zamyatin, der von seinem Leser exkommuniziert wurde, hat Schwierigkeiten, die Erlaubnis zu erhalten, sein Heimatland zu verlassen.

Verbot literarischer Vereinigungen und Gründung von SSP

Im Jahr 1932 verbot der Beschluss des Zentralkomitees der Partei „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ alle literarischen Vereinigungen, einschließlich der berüchtigten RAPP. Aus diesem Grund wurde die Resolution von vielen Schriftstellern mit Freude aufgenommen, außerdem schlossen sich alle Schriftsteller zu einer einzigen Union zusammen Sowjetische Schriftsteller(SSP) und übernimmt die gesamte Pflege, um sie mit allem Notwendigen für Kreativität zu versorgen. Das erste Plenum des Organisationskomitees des Schriftstellerverbandes war ein wichtiger Schritt zur Vereinigung der gesamten sowjetischen Literatur. Die Vereinigung der schöpferischen Kräfte des Landes in einer einzigen Union vereinfachte nicht nur die Kontrolle über sie – die Exkommunikation von ihr bedeutete auch die Exkommunikation von der Literatur, vom Leser. Nur Mitglieder der SSP hatten die Möglichkeit, zu publizieren, von den Einnahmen aus dem Schreiben zu leben, kreative Geschäftsreisen zu unternehmen und Sanatorien zu besuchen, während der Rest zu einem erbärmlichen Dasein verurteilt war.

Zustimmung zur Methode des sozialistischen Realismus

Ein weiterer Schritt der Partei zur Erlangung einer vollständigen ideologischen Kontrolle über die Literatur war die Übernahme des sozialistischen Realismus als einzige kreative Methode der gesamten sowjetischen Literatur. Das Konzept des „sozialistischen Realismus“ wurde der Legende nach erstmals bei einem Treffen literarischer Kreise in Moskau in einer Rede von I. M. Tronsky gehört, die am 23. Mai 1932 im Literaturblatt veröffentlicht wurde, und wurde von Stalin selbst unter den vorgeschlagenen Optionen ausgewählt Definition der neuen Methode als „proletarischer“ Realismus, „tendenziös“, „monumental“, „heroisch“, „romantisch“, „sozial“, „revolutionär“ usw. Es ist bemerkenswert, dass jede dieser Definitionen eine der Seiten von offenbart die neue Methode. „Proletarisch“ – thematische und ideologische Unterordnung unter die Aufgabe, einen proletarischen Staat aufzubauen. „Tendenz“ ist eine ideologische Voraussetzung. „Monumental“ ist der Wunsch nach groß angelegten künstlerischen Formen (der sich insbesondere in der Literatur in der Dominanz großer Romanformen manifestierte). Die Definition von „heroisch“ entspricht am ehesten dem Heldenkult verschiedene Bereiche Leben (ausgehend von den Worten von M. Gorki: „Im Leben gibt es immer einen Platz für Heldentum“). „Romantisch“ – ihr romantisches Streben nach der Zukunft, nach der Verkörperung des Ideals, dem romantischen Gegensatz der Welt der Träume und der Welt der Realität. „Sozial“ und „Klasse“ – ihr sozialer Zugang zum Menschen, ein Blick durch das Prisma sozialer (Klassen-)Verhältnisse. Schließlich bringt die Definition von „revolutionär“ den Wunsch der Literatur des sozialistischen Realismus zum Ausdruck, „die Wirklichkeit in ihrer revolutionären Entwicklung darzustellen“.

Dies erinnert teilweise an den „fantastischen Realismus“, von dem E. Zamyatin sprach, aber seine Bedeutung ist eine andere: Literatur sollte nicht darstellen, was ist, sondern was sein sollte, das heißt, sie muss unbedingt nach der Logik der marxistischen Lehre erscheinen. Gleichzeitig wird die bloße Vorstellung, dass das Leben viel komplexer sein könnte als alle gewagten Konstruktionen der Theoretiker des Kommunismus, hinweggefegt und will nicht nur zum Beweis für die Wahrheit der kommunistischen Idee werden. Daher ist im Konzept des „sozialistischen Realismus“ das Schlüsselwort nicht „Realismus“ (verstanden als Treue zur Realität), sondern „sozialistisch“ (d. h. treu der Ideologie des Aufbaus einer neuen, noch nie dagewesenen Gesellschaft). .

Die Vorherrschaft des Romans in der Prosa

Aus der Vielfalt ideologischer und stilistischer Tendenzen gelangte die sowjetische Kultur zu einer ihr auferlegten Einheitlichkeit und Einstimmigkeit: Der Roman begann in epischen Formen zu dominieren – eine große epische Leinwand mit klischeehaften Handlungsabläufen, einem Charaktersystem und einer Fülle an Rhetorik und didaktische Einschlüsse. Besonders beliebt ist die sogenannte „Inszenierungsprosa“, die oft Elemente eines „Spionageromans“ enthält (die Namen der Werke sprechen für sich): F. Gladkov. "Energie"; M. Shaginyan. „Hydrozentral“; Ja, Iljin. „Der große Förderer“ usw. Prosa, die sich der Gestaltung des Kollektivwirtschaftslebens widmet, wird ebenfalls aktiv veröffentlicht, und auch aussagekräftige Titel: F. Panferov. "Riegel"; P. Zamoyski. „Lapti“; V. Stavsky. „Laufender Lauf“; I. Schuchow. „Hass“ usw.

Der denkende Held weicht dem handelnden Helden, der keine Schwächen und Zweifel, keine moralischen Qualen und nicht einmal erklärbare menschliche Schwächen kennt. Ein Standardsatz stereotyper Charaktere wandert von Roman zu Roman: ein bewusster Kommunist, ein bewusstes Komsomol-Mitglied, ein Buchhalter mit „geringem Einkommen“ aus dem „Ehemaligen“, ein schwankender Intellektueller, ein Saboteur, der zu sich kam Soviet Russland unter dem Deckmantel eines Fachberaters...

Der Kampf gegen den „Formalismus“

Mitte der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts begann ein Kampf gegen den „Formalismus“, also jede Suche auf dem Gebiet des künstlerischen Ausdrucks, jedes kreative Experiment, sei es eine Erzählung, eine Ausschmückung oder einfach die Neigung des Autors zu lyrischen Meditationen. Die sowjetische Literatur erkrankte an einer schweren Krankheit der Durchschnittlichkeit – eine natürliche Folge der Vereinigung. Trotz des Sternenregens staatliche Auszeichnungen und Auszeichnungen werden immer weniger Werke veröffentlicht, die man ohne weiteres als literarische Großereignisse bezeichnen kann.

Die Trennung der Literatur von der Realität

Schon die Entwicklung der Methode des sozialistischen Realismus zeigte, dass es unmöglich ist, den lebendigen Prozess der Kreativität zu bewältigen, ohne das Wichtigste zu töten – den kreativen Geist. Um sie an die offizielle Methode der sowjetischen Literatur zu „binden“, waren komplexe Denkpirouetten von offiziellen Kritikern erforderlich beste Werke diese Jahre - „Quiet Don“ und „Virgin Soil Upturned“ von M. Sholokhov, das Epos „Das Leben von Klim Samgin“ von M. Gorki, der Roman „Peter der Große“ von A. Tolstoi usw.

Die Literatur spiegelte nicht mehr die Realität wider und beantwortete nicht mehr wirklich drängende Fragen. Infolgedessen hinterließen Schriftsteller, die sich nicht an die neuen Spielregeln anpassten, häufig „große Literatur“ in Grenzgebieten. Ein solcher Bereich sind Kinderbücher. Werke für Kinder von B. Zhitkov, A. Gaidar, M. Prishvin, K. Paustovsky, V. Bianki, E. Charushin, Y. Olesha, Autoren der OBERIU-Gruppe (D. Kharms, N. Oleinikov, A. Vvedensky, usw.) berührten oft Probleme, die für die „Erwachsenen“-Literatur jener Jahre unzugänglich waren, blieben Kinderlyrik fast die einzige auf legale Weise mit Experimenten arbeiten künstlerische Formen, bereichernde russische Verse. Ein weiterer Bereich der „inneren Emigration“ für viele Autoren war die Übersetzungstätigkeit. Die Tatsache, dass viele bedeutende Künstler, darunter B. Pasternak, A. Akhmatova, S. Marshak und A. Tarkovsky, in dieser Zeit die Möglichkeit hatten, sich nur mit Übersetzungen zu beschäftigen, war die Schaffung einer russischen Übersetzungsschule auf höchstem Niveau .

„Verborgene“ Literatur

Die Autoren hatten jedoch eine andere Alternative: Im Verborgenen, verborgen vor dem allsehenden Auge der Behörden, entstand eine andere Literatur, die „geheim“ genannt wurde. Einige Schriftsteller, die an der Veröffentlichung ihrer mühsamsten Werke verzweifelten, verschoben sie auf bessere Zeiten; andere erkannten zunächst die Unmöglichkeit einer Veröffentlichung, schrieben aber aus Angst, die Zeit zu verpassen, sofort „auf den Tisch“, für die Nachwelt. Der Unterwasserteil des Eisbergs der sowjetischen Literatur war in seiner Bedeutung und Kraft durchaus mit der Reihe offiziell autorisierter Werke vergleichbar: darunter Meisterwerke wie „The Pit“ und „Chevengur“ von A. Platonov, „Heart of a Dog“ und „Der Meister und Margarita“ von M. Bulgakov, „Requiem“ von A. Achmatowa und anderen. Diese Bücher fanden ihre Leser in den 60er und 80er Jahren und bildeten einen mächtigen Strom sogenannter „zurückgegebener Literatur“. Wir sollten jedoch nicht vergessen, dass diese Werke unter denselben Bedingungen und unter dem Einfluss derselben historischen und kulturellen Faktoren wie die „autorisierten“ Werke entstanden sind und daher ein organischer Bestandteil der einheitlichen russischen Literatur des 20. Jahrhunderts sind. 30er Jahre.

Literatur der russischen Sprache im Ausland

Das Bild der russischen Literatur der nachrevolutionären Jahrzehnte wird noch unvollständig sein, wenn wir nicht auch die Literatur des russischen Auslands erwähnen. Zu dieser Zeit verließen viele wunderbare Schriftsteller und Dichter das Land, darunter I. Bunin, A. Kuprin, I. Schmelev, M. Zwetajewa und andere. Sie sahen ihre Mission darin, Russland so zu bewahren, wie sie es in Erinnerung hatten: auch viele tausend Kilometer entfernt Heimatautoren der älteren Generation wandten sich in ihrer Arbeit ihrem Heimatland, seinem Schicksal, seinen Traditionen und seinem Glauben zu. Viele Vertreter jüngere Generation, die als sehr junge oder wenig bekannte Autoren auswanderten, versuchten, die Traditionen russischer Klassiker mit neuen Tendenzen in der europäischen Literatur und Kunst zu verbinden und setzten sich intensiv mit den Erfahrungen sowjetischer Schriftsteller auseinander. Einige Schriftsteller, wie M. Gorki oder A. Tolstoi, kehrten später aus dem Exil zurück, aber im Allgemeinen wurde die Literatur der russischen Emigration der ersten Welle zu einem bedeutenden Phänomen der Welt- und Innenkultur, zu ihrem integralen Bestandteil. Es ist kein Zufall, dass I. Bunin der erste russische Schriftsteller war, der 1933 den Nobelpreis erhielt.

Nicht alle Schriftsteller der russischen Emigration konnten ihr Talent im Exil bewahren und steigern: Das Beste, was A. Kuprin, K. Balmont, I. Severyanin, E. Zamyatin und andere Schriftsteller und Dichter schufen, waren Werke, die in ihrer Heimat geschrieben wurden .

Das Schicksal eines bedeutenden Teils der in Russland verbliebenen Wortschmiede war tragisch. Die Gedenkliste der russischen Schriftsteller, die in den Kerkern und Lagern des NKWD starben, umfasst die Namen von N. Gumilev, I. Babel, N. Klyuev, O. Mandelstam, N. Oleinikov, B. Pilnyak, D. Kharms und vielen anderen wunderbare Autoren. Zu den Opfern dieser Ära zählen A. Blok, S. Yesenin, V. Mayakovsky und M. Tsvetaeva... Allerdings konnten weder Unterdrückung noch offizielles Vergessen aus der russischen Kultur entfernt werden kreatives Erbe die besten Vertreter der russischen Literatur.

Das Bild des lebendigen literarischen Prozesses der 20er und 30er Jahre des 20. Jahrhunderts wird ohne die Kreativität von Schriftstellern unvollständig sein, die aufrichtig an die Ideale der sozialistischen Revolution und den Sieg des Kommunismus glaubten, die unter dem Joch des ideologischen Diktats versuchten, ihre schöpferische Individualität zu bewahren, oft auf Kosten der Freiheit und sogar des Lebens, und diejenigen, die sich fern ihrer Heimat mit Schmerz und Liebe an sie erinnerten, hatten jedes Recht, es nach 3 zu wiederholen. Gippius: „Wir sind nicht im Exil , wir sind in einer Nachricht.“ Die russische Literatur ist geeint, trotz der ideologischen Barrieren und sogar Staatsgrenzen, die sie trennen.

Literarischer Prozess der 20er Jahre. Problemthematische und Genrevielfalt der Prosa. Formen russischer Poesie. Dramaturgische Entwicklung der Gattung des heroisch-romantischen Schauspiels. Die Entstehung neuer Genres, Romanthemen und Verstechniken in der Literatur der 30er Jahre.

Das Senden Ihrer guten Arbeit an die Wissensdatenbank ist ganz einfach. Nutzen Sie das untenstehende Formular

Studierende, Doktoranden und junge Wissenschaftler, die die Wissensbasis in ihrem Studium und ihrer Arbeit nutzen, werden Ihnen sehr dankbar sein.

Veröffentlicht am http://www.allbest.ru/

Veröffentlicht am http://www.allbest.ru/

Ministerium für höhere und sekundäre Sonderbildung der Republik Usbekistan

STAAT KARAKALPAK

UNIVERSITÄT NACH BERDAKH BENANNT

ABTEILUNG FÜR RUSSISCHE PHILOLOGIE

Vorlesungskurs

zum Thema „GESCHICHTE DER RUSSISCHEN LITERATUR des 20. Jahrhunderts (20-30er Jahre)“

Zusammengestellt von: Tleubergenova G.U.

NUKUS – 2006

Vorlesung 1. Allgemeine Merkmale des literarischen Prozesses der 20er Jahre

Die Große Oktoberrevolution rief die Literatur in die Reihen ihrer aktiven Kämpfer auf. In diesem Zusammenhang war der Journalismus das führende Genre zu Beginn der Periode. Sie stellte Fragen, die in der gesamten Entwicklungsgeschichte der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts relevant blieben. Dies ist die Beziehung zwischen Revolution und Menschlichkeit, Politik und Moral, das Problem der Krise des traditionellen Humanismus und der Geburt des „neuen Menschen“, das Problem der technischen Zivilisation und der Zukunft, das Schicksal der Kultur im Zeitalter der Demokratisierung, das Problem Volkscharakter, das Problem der Einschränkung und Unterdrückung der Persönlichkeit unter neuen Bedingungen usw. Nach der Revolution von 1917 gab es viele verschiedene literarische Gruppen. Viele von ihnen tauchten auf und verschwanden, ohne auch nur eine erkennbare Spur zu hinterlassen. Allein in Moskau gab es 1920 mehr als 30 literarische Gruppen und Vereine.

Oft waren die Menschen in diesen Gruppen weit von der Kunst entfernt. Es gab zum Beispiel eine Gruppe namens „Nothing“, die verkündete: „Unser Ziel: die Ausdünnung des Werks eines Dichters im Namen des Nichts.“ Das Petrograder Haus der Künste (1919–1923) spielte eine wichtige Rolle im literarischen Leben. Dort arbeiteten Literaturateliers - Samjatin, Gumilyov, Chukovsky und zwei gleichnamige Almanache wurden veröffentlicht. Zusammen mit dem Haus der Schriftsteller und dem Haus der Wissenschaftler war es ein „Schiff“, eine „Arche“, die die Intelligenz von St. Petersburg in den Jahren der revolutionären Verwüstung rettete – die Rolle Noahs wurde Gorki zugeschrieben. (Nicht umsonst hieß O. Forshs Roman über das Leben im Haus der Künste „Crazy Ship“). Erwähnenswert ist die älteste Gesellschaft der Liebhaber der russischen Literatur (1811-1930), zu deren Vorsitzenden und Mitgliedern fast alle berühmten russischen Schriftsteller gehörten. Im 20. Jahrhundert sind die Namen von L. Tolstoi, V. Solovyov, V. Korolenko, V. Veresaev, M. Gorky, K. Balmont, D. Merezhkovsky, V. Bryusov, A. Bely, Vyach mit ihm verbunden. Ivanova, M. Voloshina, B. Zaitsev, A. Kuprina, N. Berdyaeva. Im Jahr 1930 Diese einzigartige Gesellschaft, die sich aktiv für die Förderung literarischer Klassiker einsetzte, teilte das Schicksal aller anderen Vereine und Gruppen.

Auch die Abwanderung eines großen Teils russischer Schriftsteller ins Ausland trug zur Entstehung verschiedener Arten von Vereinigungen bei, zumal es in den 1920er Jahren zu einer Art Konkurrenz zwischen den beiden Literaturzweigen kam. In Paris erschien 1920 die Zeitschrift „Coming Russia“. (1920), verbunden mit den Namen M. Aldanov, A. Tolstoi, war das Leben von „Modern Notes“ (1920-1940) – einer Zeitschrift der sozialrevolutionären Strömung, in der es veröffentlicht wurde – lang. ältere Generation Auswanderer. Merezhkovsky und Gippius gründeten in Paris die literarische und philosophische Gesellschaft „Green Lamp“ (1926), G. Ivanov wurde ihr Präsident. Der Niedergang der Vereinigung wurde durch das Erscheinen der neuen Zeitschrift „Numbers“ (1930-1934) erleichtert. „Unter der Last der „Zahlen“ geht die „Lampe“ langsam und deutlich aus“, beklagte Z. Gippius, auch in anderen Großstädten Europas seien russische Literaturzentren entstanden.

Im Berlin der frühen 20er Jahre. es gab das Haus der Künste, den Schriftstellerclub, gegründet von N. Berdyaev, S. Frank, F. Stepun und M. Osorgin, die aus Russland vertrieben wurden. Gorki gab in Berlin die Zeitschrift „Conversation“ heraus (1923-1925), wo auch A. Bely, V. Khodasevich, N. Berberova und andere veröffentlicht wurden. Der literarische Almanach „Grani“ (1922-1923) erschien dort. „Russisches Berlin“ ist Gegenstand zahlreicher Studien und Forschungen ausländischer Slawisten. In Prag erschienen beispielsweise die Zeitschriften „The Will of Russia“ (1922–1932) und „In Our Own Ways“ (1924–1926). Interessant ist die „Geographie“ der Veröffentlichung der Zeitschrift „Russian Thought“ – in Sofia (1921-1922), in Prag (1922-1924), in Paris (1927). Eine allgemeine Beschreibung der Zeitschriften gibt Gleb Struve. In dem Buch „Russische Literatur im Exil“ bezeichnet er Schriftstellervereinigungen als literarische Nester und betont deren Einfluss auf die Entwicklung literarischer Talente.

Der stürmische gesellschaftspolitische Kampf konnte nicht umhin, den literarischen Prozess dieser Jahre zu beeinflussen. Begriffe wie „proletarischer Schriftsteller“, „Bauernschriftsteller“, „bürgerlicher Schriftsteller“, „Mitläufer“ entstehen und verbreiten sich. Man beginnt, Schriftsteller nicht mehr nach ihrer Bedeutung und nicht nach dem künstlerischen Wert ihrer Werke zu beurteilen, sondern nach ihrer sozialen Herkunft, nach ihren politischen Überzeugungen und nach der ideologischen Ausrichtung ihrer Arbeit.

Ende der 20er Jahre kam es zu einer Zunahme negativer Phänomene: Parteiführung und Staat begannen, sich aktiv in das literarische Leben einzumischen, es gab eine Tendenz zu einer monovarianten Entwicklung der Literatur, es kam zu Verfolgungen herausragende Schriftsteller(E. Zamyatin, M. Bulgakov, A. Platonov, A. Akhmatova).

Die Hauptmerkmale dieser Zeit waren also die Auswirkungen der Ereignisse der Revolution und des Bürgerkriegs auf das literarische Schaffen, der Kampf gegen klassische Strömungen, die Ankunft neuer Autoren in der Literatur, die Entstehung der Emigrantenliteratur, die Tendenz zur multivariaten Entwicklung von Literatur zu Beginn des Zeitraums und die Zunahme negativer Trends am Ende.

Vorlesung 2. Prosa der 20er Jahre

Die Prosa der 1920er Jahre zeichnet sich durch einen direkten Appell an die Reproduktion historischer Ereignisse und eine umfassende Einführung in die vielfältigen Realitäten der Zeit aus. In künstlerischer und stilistischer Hinsicht kommt es in den Werken dieser Zeit zu einer Aktivierung konventioneller, ausdrucksstarker Formen, zu einer Wiederbelebung der Traditionen der populistischen Literatur: Vernachlässigung der Kunst, Eintauchen in den Alltag, Mangel an Handlung, Missbrauch von Dialektismen und Umgangssprache.

Die beiden bedeutendsten Trends in der Prosa der 1920er Jahre waren Skaz und Zierprosa. Eine Geschichte ist eine Organisationsform literarischer Text, das sich auf eine andere Art des Denkens konzentriert. Der Charakter des Helden manifestiert sich vor allem in seiner Sprechweise.

Ornamentprosa ist ein Stilphänomen. Was mit der Organisation eines Prosatextes nach den Gesetzen der Poesie verbunden ist: Die Handlung als Organisationsmittel der Erzählung tritt in den Hintergrund, Wiederholungen von Bildern, Leitmotiven, Rhythmen, Metaphern und Assoziationen gewinnen die größte Bedeutung. Das Wort wird an sich wertvoll und erhält viele Bedeutungsnuancen.

Ein erheblicher Teil der während des Bürgerkriegs und kurz nach seinem Ende veröffentlichten Romane und Erzählungen wurde von Schriftstellern der Moderne verfasst.

Im Jahr 1921 erschien der Roman „Der Schlangenbeschwörer“ von F. Sologub. Die Handlung des Romans spielte sich in einem Arbeiterdorf ab. Erzählt wurde die Geschichte des geistigen Verfalls der Familie eines Fabrikbesitzers. In der Nähe waren Arbeiter dargestellt, die Gerechtigkeit suchten, als Verkörperung der gesunden Prinzipien der Gesellschaft. Eine der Figuren des Romans, ein erfahrener Revolutionär, sprach ganz im Sinne eines Volksliedes aus der Zeit der Revolution über die Klassenfeinde des Proletariats: „Sie produzieren selbst nichts, sondern fressen sich an Haselhuhn.“ und Ananas ...“. Der Konflikt zwischen dem Fabrikanten und den Arbeitern wurde mit Hilfe der Hexenzauber der Arbeiterin Vera Karpunina erfolgreich gelöst. In konstruierten Kollisionen gibt es keinen Platz für Lebenskonflikte; sie werden in Zungenbrechern kommuniziert. Den Hauptplatz des Romans nimmt die Bekräftigung der Idee des Vorrangs der Träume vor dem Leben ein. Das Leben wird mit einer großen Wüste und einem dunklen Wald verglichen. Das Leben werde von „Süßigkeit und der Kraft der Reize“ dominiert, „was zum Tod führt, aber auch die Erfüllung eines Traums ist“.

Eine besondere Version der Synthese von Realismus und Moderne erscheint im Werk von A. Remizov, der das Leben als Schicksal, das Reich des Teufels, betrachtete, der die Sinnlosigkeit der menschlichen Existenz bekräftigte. Der Autor zeichnete sich durch pessimistische Vorstellungen über das Schicksal des Menschen und der Menschheit aus. In seinen Werken predigte er die Idee der fatalen Wiederholung der menschlichen Existenz, ihrer Pulsationen von Angst zu Hoffnung und von Hoffnung zu Lebensangst. Seine Werke zeichnen sich durch eine Tendenz zur Stilisierung aus. Appell an die Motive der mündlichen Volkskunst, an legendäre und märchenhafte Handlungen („Posolon“, „Limonar“, „Bova Korolevich“, „Tristan und Isolda“ usw.)

In „Die Geschichte von der Zerstörung des russischen Landes“ stellt Remizov die Revolution als „Affenboom“ dar, als den Tod des sympathischen alttestamentarischen „Heiligen Russlands“. Die Welt der Revolution wird auch in „Whirlwind Rus“ als katastrophal und unglückbringend dargestellt.

Wiederbelebung der alten russischen Literatur, Bereicherung des Wortschatzes des Schriftstellers, Übertragung von Metaphern in Prosa, Suche nach neuen lexikalischen und syntaktischen Möglichkeiten der russischen Sprache literarische Sprache– all dies hatte spürbare Auswirkungen auf die Zierprosa der 20er Jahre.

Der Einfluss von A. Remizov ist auch in B. Pilnyaks Roman „Das nackte Jahr“ zu spüren, der in seiner Architektur und seinem Inhalt komplex ist – der erste große Versuch, das Material unserer Zeit zu beherrschen. Im Roman wendet sich Pilnyak dem durch die Revolution erschütterten Bezirksleben zu. Hier prallen zwei Wahrheiten aufeinander – das patriarchalische, jahrhundertealte Schweigen der russischen Provinz und das Element des Volkes, das die etablierte Ordnung hinwegfegt. Der Autor experimentiert mit künstlerische Mittel, verwendet Montage, Verschiebung, Mosaik, Symbolik usw. Es gibt keine einzige Handlung im Roman – es gibt einen Fluss, einen Wirbelsturm, eine in Stücke gerissene Realität. Kritiker bemerkten, dass Pilnyak die Revolution als Rebellion interpretiert, als ein Element, das sich befreit hat und von niemandem kontrolliert wird. Das Bild eines Schneesturms spielt in seiner Prosa eine zentrale Rolle (hier erbt der Autor A. Bloks „Die Zwölf“).

Er akzeptiert die Revolution als unvermeidlich und historisches Muster. Blut, Gewalt, Opfer, Verwüstung und Verfall – für ihn ist das eine unausweichliche Realität, ein Durchbruch der lange gezügelten organischen Lebenskraft, der Triumph der Instinkte. Revolution ist für Pilnyak vor allem ein ästhetisches Phänomen (in der untrennbaren Verschmelzung von Gut und Böse, Schönheit und Hässlichkeit, Leben und Tod). Der Schriftsteller freut sich über den Zerfall und stellt auf groteske Weise die vergehende edle Welt dar. Er erwartet, dass aus der feurigen, wirbelnden, schneesturmartigen Quelle ein weiteres, neues und gleichzeitig verwurzeltes, ursprüngliches Rus geboren wird, das von Peter I. zerstört wurde begrüßt es und verfolgt wohlwollend die Aktion „Lederjacken“ (Bolschewiki), die er für „ein Zeichen der Zeit“ hält.

In der pessimistischen Interpretation des „neuen“ Sowjetmenschen schloss er sich Remizov und E. Zamyatin an. Samjatins dystopischer Roman „Wir“ entstand 1920 und legte den Grundstein für eine ganze Reihe von Dystopien in der Weltliteratur („Oh, eine schöne neue Welt!“ von O. Huxley, „1984“ von J. Orwell usw.). Samjatin versuchte, es in seiner Heimat zu drucken, aber ohne Erfolg. Dennoch kannten sie den Roman und erwähnten ihn in kritischen Artikeln, da der Autor immer wieder öffentliche Lesungen organisierte. Yu.N. Tynyanov bewertete den Roman in seinem berühmten Artikel „Literary Today“ als Erfolg und sah die Quelle von Samjatins Fiktion in seinem Stil, dessen Prinzip laut Kritiker „ein wirtschaftliches Bild statt einer Sache“ sei. „Statt drei Dimensionen zwei.“ Es gab auch negative Kritiken (aufgrund des politischen Hintergrunds des Romans). Der unter den frischen Eindrücken der „strengen“ Ära des Kriegskommunismus mit seinen Notmaßnahmen verfasste Roman war eines der ersten künstlerischen Experimente zur Sozialdiagnostik, das alarmierende Tendenzen in der damaligen politischen Realität und öffentlichen Mentalität aufzeigte, die sich unter Stalin entwickeln sollten Innenpolitik.

Gleichzeitig handelte es sich um ein Werk über die Zukunft, von der in jenen Jahren weithin geträumt wurde und die das gegenwärtige und einzigartige menschliche Leben auf den Altar brachte. Der Roman schildert einen perfekten Staat, an dessen Spitze ein gewisser Wohltäter steht, eine Art Patriarch mit unbegrenzter Macht. In diesem Zustand transparenter Wände, rosa Liebescoupons, mechanischer Musik und „gesattelter Elemente“ der Poesie, in dieser Gesellschaft der „intelligenten Mechanik“ und des „mathematisch perfekten Lebens“ ist ein unpersönlicher Mensch nichts weiter als ein Rädchen in einem beispielhaften Brunnen -Geölter Mechanismus. Es gibt keine Namen, sondern Zahlen, hier stehen Ordnung und Vorschriften im Vordergrund, und Abweichungen von allgemein anerkannten Regeln und der sanktionierten Denkweise bedrohen den Übertreter mit der Wohltätermaschine (so etwas wie eine modernisierte Guillotine).

Auch die Prosa der 20er Jahre zeichnet sich durch eine spannungsgeladene Handlung und akute soziale Konflikte aus. Roman, Erzählung, Kurzgeschichte, Essay in der Form, in der sich diese Genres in den Vorjahren entwickelt haben, sind in den 20er Jahren selten. Zu dieser Zeit hatte bereits jene beispiellose Genremischung begonnen, die sich in den weiteren Entwicklungsstadien der russischen Literatur deutlich manifestierte.

Die Prosa der 1920er Jahre zeichnet sich durch problematische Themen- und Genrevielfalt aus.

In heroisch-romantischen Geschichten („The Fall of Dair“ von A. Malyshkin, „Partisan Stories“ von Vs. Ivanov, „The Iron Stream“ von A. Serafimovich) entsteht ein bedingt verallgemeinertes poetisches Bild des Volkslebens. „The Fall of Dair“ von A. Malyshkin wurde 1923 veröffentlicht. In der Geschichte wurde die alte Welt der neuen, revolutionären gegenübergestellt. Hier sprechen wir über den historischen Sturm auf Perekop durch die revolutionären Massen. Serafimovichs „Iron Stream“ ist ein tragisches, zutiefst konfliktreiches Epos. Es gibt keine unveränderlichen, innerlich statischen menschlichen Populationen, in denen ein Mensch völlig auf sein „Ich“ verzichtet: Serafimovichs Menschen im Roman haben sozusagen eine innere „Autobiographie“ und durchlaufen tiefgreifende Veränderungen. Der Autor beschreibt die Ereignisse im Jahr 1918 im Kuban, als Kosaken und „Ausgestoßene“ bis zum Tod um Land kämpften. Nichtansässige, dazu verdammt, Landarbeiter zu sein, Lohnarbeiter, angeführt von Kozhukh. Serafimovich vermittelt eine Idee, die auch heute noch wichtig ist: In einem Bürgerkrieg gewinnt oft nicht derjenige, der gewissenhafter, weicher, sympathischer ist, sondern derjenige, der fanatisch, „schmal“, wie eine Säbelklinge, ist unempfindlicher gegenüber Leid, der sich stärker der abstrakten Lehre verpflichtet fühlt.

Das Thema des Bürgerkriegs war „Woche“ von Y. Libedinsky, „Oktober“ von A. Yakovlev, „Chapaev“ und „Meuterei“ von D. Furmanov, „Panzerzug 14-69“ So. Ivanov, „Zerstörung“ von A. Fadeev. In diesen Werken war die Beschreibung des Bürgerkriegs heroisch-revolutionärer Natur.

Eine der führenden Prosageschichten der 20er Jahre waren Geschichten über die tragischen Schicksale der bäuerlichen Zivilisation, über das Problem der poetischen Ursprünge des Volkslebens („Tschertukhinsky Balakir“ von S. Klychkov, „Andron der Neputje“, „Gänse-Schwäne“ von A. Neverov, „Humus“, „Virineya“ von L. Seifullina) In der Darstellung des Dorfes prallten gegensätzliche Ansichten über das Schicksal der Bauernschaft aufeinander.

Auf den Seiten der Werke entbrannte ein Streit über den Bauern, über beschleunigte und natürliche Entwicklung. Die Zeit, die das Leben der Bauern erschütterte, wurde in ihrer historischen Besonderheit und realistisch dargestellt.

Akute soziale Konflikte und bedeutende Veränderungen in den Seelen der Bauern bildeten die Grundlage für Werke zu ländlichen Themen.

Die 20er Jahre waren die Blütezeit der Satire. Die thematische Bandbreite war sehr breit: von der Verunglimpfung der äußeren Staatsfeinde bis zur Verspottung der Bürokratie in den sowjetischen Institutionen, von Arroganz, Vulgarität und Spießertum. Eine Gruppe satirischer Schriftsteller arbeitete Anfang der 20er Jahre in der Redaktion der Zeitung Gudok. Auf seinen Seiten wurden Feuilletons von M. Bulgakov und Y. Olesha veröffentlicht, und I. Ilf und E. Petrov begannen ihre Reise. Ihre Romane „Die zwölf Stühle“ und „Das goldene Kalb“ erfreuten sich großer Beliebtheit und erfreuen sich auch heute noch großer Beliebtheit. Die Geschichte der Suche nach verborgenen Schätzen gab den Autoren die Möglichkeit, auf den Seiten ihrer Werke eine ganze Galerie satirischer Typen zu zeigen.

In den 20er Jahren waren die Geschichten von M. Zoshchenko sehr beliebt. Die Erzählung in Soschtschenkos Werken wird meist von einem Erzähler geleitet – einem selbstzufriedenen Bürger. In seinem Werk dominiert das Parodieprinzip, die komische Wirkung wird durch die tiefe Ironie des Autors gegenüber dem Erzähler und den Figuren erreicht. Ab Mitte der 1920er Jahre veröffentlichte Soschtschenko „sentimentale Geschichten“. Ihr Ursprung war die Erzählung „Die Ziege“ (1922). Dann die Geschichten „Apollo und Tamara“ (1923), „Menschen“ (1924), „Weisheit“ (1924), „Schreckliche Nacht“ (1925), „Was die Nachtigall sang“ (1925), „Ein lustiges Abenteuer“ ( 1926) und „Der Flieder blüht“ (1929). Im Vorwort dazu sprach Soschtschenko erstmals offen sarkastisch über die „planetaren Aufgaben“, heroisches Pathos und „hohe Ideologie“, die von ihm erwartet werden. In bewusst einfacher Form stellte er die Frage: Wo beginnt der Tod des Menschen im Menschen, was bedingt ihn und was kann ihn verhindern. Diese Frage erschien in Form einer nachdenklichen Intonation. Die Helden der „sentimentalen Geschichten“ entlarvten weiterhin das vermeintlich passive Bewusstsein. Entwicklung von Bylinkin („Was die Nachtigall sang“), der zu Beginn „schüchtern, sich umschauend und schleppend“ durch die neue Stadt ging und „eine starke gesellschaftliche Stellung“ erlangte, Öffentlicher Dienst und ein Gehalt der siebten Klasse plus für die Arbeitsbelastung“, verwandelte sich in einen Despoten und Grobian und überzeugte, dass die moralische Passivität des Soshchen-Helden immer noch illusorisch sei. Seine Aktivität zeigte sich in der Degeneration seiner mentalen Struktur: Die Züge der Aggressivität traten darin deutlich zum Ausdruck. „Mir gefällt wirklich“, schrieb Gorki 1926, „dass der Held von Soschtschenkos Geschichte „Was die Nachtigall sang“ – ehemaliger Held„The Overcoat“, zumindest ein enger Verwandter von Akaki, erregt dank der geschickten Ironie des Autors meinen Hass.“

In den 20er Jahren war die Arbeit eines der Hauptthemen, die im sogenannten Produktionsroman („Zement“ von F. Gladkov, „Hochofen“ von N. Lyashko, „Time, Forward“ von V. Kataev) zum Ausdruck kam. . Werke dieser Art zeichnen sich durch eine einseitige Interpretation des Menschen aus, das Überwiegen des Arbeitskonflikts gegenüber dem künstlerischen Konflikt und die Formalisierung ihrer Handlung und kompositorischen Grundlage ist ein Zeichen ihrer ästhetischen Minderwertigkeit.

Zu dieser Zeit gab es Interesse und das Genre des epischen Romans wurde wiederbelebt: Die ersten Bücher wurden veröffentlicht: „Das Leben des Klim Samgin“ von M. Gorki, „Der letzte von Udege“ von A. Fadeeev, „The Quiet Don“ von M. Sholokhov, „Russia Washed in Blood“ von A. Vesely, Das zweite Buch „Walking through Torment“ von A. Tolstoi wird veröffentlicht. In diesen Romanen werden der räumliche und zeitliche Rahmen und der Maßstab des Bildes des Einzelnen erweitert und es entsteht ein verallgemeinertes Bild des Menschen.

Die Wege und Schicksale der Intelligenz während des Bürgerkriegs waren in der Prosa der 1920er Jahre nicht weniger komplex (die Romane „At a Dead End“ von V. Veresaev, „Change“ von M. Shaginyan, „Cities and Years“ von K . Fedin, „Die Weiße Garde“ von M. Bulgakov, „Schwestern“ von A. Tolstoi). In diesen Werken versuchten die Autoren, die Ära des Zusammenbruchs traditioneller Normen und Lebensformen und ihre dramatische Widerspiegelung im Bewusstsein und Schicksal der Menschen zu verstehen. Im Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit steht ein Mensch, der der vergänglichen Welt fremd ist, sich aber gleichzeitig nicht in der neuen Realität wiedergefunden hat.

So bestimmten die Ereignisse der Revolution und des Bürgerkriegs mit ihren unversöhnlichen ideologischen und politischen Widersprüchen, drastischen Veränderungen im Schicksal der Menschen die thematischen und künstlerische Originalität Prosa der 20er Jahre sowie ihre Suche nach neuen Formen und Mitteln zur Darstellung der Wirklichkeit.

Vorlesung 3. Poesie der 20er Jahre

In Bezug auf die Fülle an Talenten, den Reichtum und die Vielfalt an Inhalten und Formen ist die russische Poesie der 20er Jahre das auffälligste Phänomen in der Literatur des 20. Jahrhunderts.

Die Poesie der frühen 20er Jahre war überwiegend lyrisch. Schnelle und globale Veränderungen erforderten einen direkten poetischen Ausdruck. Später entstanden epische Werke, die mit bedeutenden Verallgemeinerungen verbunden sind.

Das prägende Stilmerkmal beider Epos. Ebenso hat die Lyrik ihre heroisch-romantische Färbung.

Die bürgerliche Lyrik klang mit beispielloser Kraft, und es wurden die wirksamsten Genres entwickelt, die sich direkt an die Massen richteten: Marsch, Lied, poetischer Appell, Botschaft. Dichter, die alte Formen wiederbeleben, sie modifizieren, ihnen eine neue Richtung geben („Ode an die Revolution“ von V. Mayakovsky, „May Day Hymn“ von V. Kirillov, „Kantate“ von S. Yesenin), versuchen zu schaffen neue Genres: „Befehle“ für die Armee der Künste V. Mayakovsky, „Aufrufe“ der Proletkultisten, Monologe in rhythmischer Prosa von A. Gastev. „Barrikade“-Klänge dominierten in der Poesie. Die Traditionen der Liebes-, Natur- und philosophischen Reflexionstexte traten in den Hintergrund.

Einen herausragenden Platz unter den Werken dieser Zeit nimmt A. Bloks Gedicht „Die Zwölf“ ein. Es ist klein und besteht aus 12 Kapiteln, von denen jedes sein eigenes Motiv und seine eigene Rhythmus- und Intonationsstruktur hat. Die charakteristischen Merkmale des Gedichts sind scharfe Kontraste, die Verwendung symbolischer Bilder (der Wind, zwölf Soldaten der Roten Armee, Christus mit einer „blutigen Fahne“) und die Idee der Revolution als grassierendes Element. So spricht der Autor selbst über das Gedicht: „Das Gedicht wurde in dieser außergewöhnlichen und immer kurzen Zeit geschrieben, in der ein vorbeiziehender revolutionärer Wirbelsturm einen Sturm in allen Meeren erzeugt – Natur, Leben, Kunst; im Meer Menschenleben es gibt auch so ein kleines Rückstaubecken, wie das Marquis-Becken, das Politik genannt wird; Die Meere der Natur, des Lebens und der Kunst tobten, die Gischt erhob sich wie ein Regenbogen über uns. Ich habe auf den Regenbogen geschaut, als ich „Die Zwölf“ schrieb; Deshalb bleibt ein Tropfen Politik im Gedicht.“ Unmittelbar nach „Die Zwölf“ schreibt Blok „Skythen“. In diesem Gedicht, das eng mit dem Gedicht verbunden ist, drückt er seine Vorstellungen von Gerechtigkeit und Brüderlichkeit der Völker aus, von der Entwicklung der Weltgeschichte als Konfrontation zweier Rassen – der Mongolen und der Europäer.

Romantische Tendenzen in der Poesie spiegelten sich am deutlichsten in der Poesie von V. Mayakovsky wider. Mayakovsky „trat in die Revolution ein, als würde er sein eigenes Haus betreten. Er ging geradeaus und begann, die Fenster in seinem Haus zu öffnen“, bemerkte V. Shklovsky richtig. Die Begriffe „Majakowski“ und „Dichter der Revolution“ sind zu Synonymen geworden. Dieser Vergleich hat auch im Ausland Einzug gehalten, wo Mayakovsky als eine Art „poetisches Äquivalent“ des Oktobers wahrgenommen wird. Im Gegensatz zu vielen anderen sah Majakowski in der Revolution zwei Gesichter: nicht nur Größe, sondern auch Tieflandmerkmale, nicht nur ihre menschliche („kindliche“) Seite, sondern auch Grausamkeit („geöffnete Adern“). Und als Dialektiker könnte er sich statt eines „in Schlachten errichteten Sozialismus“ auch einen „Trümmerhaufen“ vorstellen. Und das kam bereits 1918 in der berühmten „Ode an die Revolution“ zum Ausdruck:

Oh, bestialisch! Oh, Kinder! Ach, billig! Oh, großartig! Welchen anderen Namen hattest du? Wie sonst willst du dich umdrehen, mit zwei Gesichtern? Ein schlankes Gebäude, ein Trümmerhaufen?

Eine romantische Wahrnehmung der Revolution war auch charakteristisch für die Poesie des Proletkult. Die Feier der Energie der Massen, der Kollektivismus, die Verherrlichung der Industriearbeit und die Verwendung symbolischer Bilder von „Maschine“, „Fabrik“, „Eisen“ waren charakteristisch für die Poesie von V. Aleksandrovsky, A. Gastev, V. Kirillov, N. Poletaev.

Die Kunst der bäuerlichen Dichter nahm in der Poesie der 20er Jahre einen großen Platz ein. Die berühmtesten von ihnen waren S. Yesenin, N. Klyuev, S. Klychkov, A. Shiryaevets, P. Oreshin. Sie begannen ihre literarische Tätigkeit in den 900er Jahren und wurden damals Neubauern genannt. Der Geist der Demokratie, die vor allem mit dem bäuerlichen Leben verbundenen Bilder und der volkstümliche Liedstil ihrer Gedichte waren vor dem Hintergrund vieler poetischer Schöpfungen dieser Jahre besonders spürbar. Sie präsentierten das Konzept der Revolution mit einer bäuerlichen Note. Beispielsweise zeichneten sich die Werke von S. Yesenin durch romantische Hochstimmung, Übertreibung der Bilder, biblische Symbolik und die Verwendung kirchenslawischer Ausdrücke aus. Mit Begeisterung schreibt er, nachdem er der Revolution begegnet ist, mehrere kurze Gedichte („Dove of Jordan“, „Inonia“, „Heavenly Trommler“, alle 1918 usw.), erfüllt von einer freudigen Vorfreude auf die „Transformation“ des Lebens. Sie kombinieren gottlose Gefühle mit biblischen Bildern, um das Ausmaß und die Bedeutung der stattfindenden Ereignisse anzuzeigen.

Yesenin, der die neue Realität und ihre Helden verherrlichte, versuchte, der Zeit zu entsprechen („Kantate“, 1919). In späteren Jahren schrieb er „Das Lied vom Großen Marsch“ (1924), „Der Kapitän der Erde“ (1925) usw. Beim Nachdenken darüber, „wohin uns das Schicksal der Ereignisse führt“, wendet sich der Dichter der Geschichte zu (dramatisches Gedicht „Pugachev “, 1921).

N. Klyuev setzte seine Suche nach dem Ideal des patriarchalischen Russlands fort. Die Erwartung seiner Auferstehung durchdringt den Inhalt und die Bildform vieler seiner Gedichte, in denen sich Modernität mit Archaik verbindet („Pesnoslow“), Klyuev spricht sich gegen die Aggression der „Sänger aus Eisen“ („Viertes Rom“) aus. In seinen Gedichten tauchen Bilder wehrloser Natur und Ideen universaler Brüderlichkeit auf.

Zu Beginn der Periode erschienen viele Gedichte berühmter Dichter, Vertreter poetischer Schulen der vorrevolutionären Zeit.

Andrei Belyy verherrlichte in dem Gedicht „Christus ist auferstanden“ und in den Gedichten der Sammlung „Asche“ das „feurige Element“ der Revolution und drückte seine Bereitschaft aus, sich ihr zu opfern. Aber Revolution ist für ihn ein rebellisches Element und eine Katastrophe, die eine Krise des Geistes auslöst. Der Dichter baut sein poetisches Konzept der Vergangenheit auf (das Gedicht „Erstes Date“), wonach die alte patriarchalische Rus, die alle besten Eigenschaften verkörperte, durch eine Revolution des Geistes wiederbelebt werden muss.

M. Woloschin blieb den gesellschaftlichen Umwälzungen nicht fern. Die Oktoberrevolution und der Bürgerkrieg finden ihn in Koktebel, wo er alles tut, „um zu verhindern, dass seine Brüder sich selbst zerstören und sich gegenseitig ausrotten“. Woloschin akzeptierte die Revolution als eine historische Unvermeidlichkeit und sah seine Pflicht darin, den Verfolgten zu helfen, unabhängig von ihrer „Farbe“ – „sowohl der rote Führer als auch der weiße Offizier“ suchten (und fanden!) „Schutz, Schutz und Rat“ in seinem Haus. In den nachrevolutionären Jahren veränderte sich Woloschins poetische Palette dramatisch: Philosophische Meditationen und impressionistische Skizzen wurden durch leidenschaftliche journalistische Reflexionen über das Schicksal Russlands und seine Auserwähltheit (das Bild des „brennenden Dornbuschs“), Gemälde und Charaktere aus der russischen Geschichte ersetzt – die Sammlung „Gehörlose und stumme Dämonen“ (1919), Gedichtband „Der brennende Dornbusch“, darunter das Gedicht „Russland“. Im Zyklus „Auf den Wegen Kains“ wendet sich der Dichter der Geschichte der materiellen Kultur der Menschheit zu.

In dieser Zeit veröffentlichte V. Bryusov zwei Sammlungen: „Last Dreams“ und „On Days Like These“. Die Sammlung „On Days Like These“ ist ein neuer und wichtiger Meilenstein in Bryusovs ideologischer und kreativer Entwicklung. In den Gedichten dieser Sammlung sind die Hauptmotive Schöpfung, „Zusammentreffen der Zeiten“, „Freundschaft der Völker“. Er nutzt heroische Assoziationen, die bis in die Tiefen der Jahrhunderte zurückreichen, das Archaische. In den 20er Jahren erschienen die Sammlungen „Mig“, „Dali“, „Mea“ (Eile). Die in diesen Sammlungen enthaltenen Gedichte sind Beweis dafür breiteste Paletteöffentliche, kulturelle und wissenschaftliche Interessen von Bryusov.

Tragische Motive erklangen in den Texten von M. Tsvetaeva (Sammlung „Versts“ und „Swan Camp“). In diesen Jahren entstanden schließlich die wichtigsten lyrischen Zyklen: „Gedichte über Moskau“, „Gedichte an Blok“, „Schlaflosigkeit“. Die Hauptthemen ihrer Arbeit sind das Thema des Dichters und Russlands, das Thema Trennung und Verlust. Damit verbunden ist das Auftreten von Volks- und Liedmotiven in ihren Gedichten.

Charakteristisch für die Poesie von A. Achmatowa war auch die Steigerung des tragischen Pathos. Ihr lyrisches Konzept der Moderne, das Thema Humanismus, wird in den Kollektionen „Plantain“ und „Anno Domini“ verkörpert. Aber zum ersten Mal tauchen in ihrem Werk patriotische Motive auf („Ich hatte eine Stimme. Er rief bequem an.“) In der zweiten Hälfte der 20er Jahre wandte sich Achmatowa vom aktiven poetischen Schaffen ab und wandte sich dem zu Puschkin-Thema, Veröffentlichung von Artikeln, Kommentaren und Notizen zu seinen Werken.

Heroische Romantik prägt die Gedichte von E. Bagritsky in den 20er Jahren. Bagritskys Gedichte über „Eroberer der Straßen“ und „fröhliche Bettler“, die die Poetik der „südlichen Akmeisten“ wiedergeben, zeichneten sich durch ihre bildliche Helligkeit, frische Intonation und nicht triviale Rhythmen aus und brachten ihn schnell an die Spitze der Dichter der revolutionären Romantik. In den frühen 1920er Jahren. Bagritsky nutzte aktiv das Material der Balladen von R. Burns, W. Scott, T. Goode, A. Rimbaud, aber bereits in seinem ersten poetischen Buch „Southwest“ koexistierten konventionell romantische Charaktere in „Maskenkostümen“ aus England und Flandern der Held des Gedichts „Duma über Opanas“ – ein wunderbares lyrisches Epos, das den Stil von „Haidamaks“ von T. Shevchenko und „The Tale of Igor's Campaign“ aufnahm. Klage um Opanas ist die tragische Erkenntnis des Dichters, der entdeckte, dass es in einem Bruderkampf, in dem es für Henker und Opfer so einfach ist, die Plätze zu tauschen, keinen „dritten Weg“ gibt.

Der Dichter zeigte wahrheitsgetreu die ganze Tragödie des Bürgerkriegs; er betonte, dass es fast unmöglich sei, ihm zu entkommen und eine neutrale Position einzunehmen.

Der Beginn des kreativen Weges von Dichtern wie M. Isakovsky, A. Surkov, A. Prokofiev und V. Lugovskoy reicht bis in die 20er Jahre zurück.

Das Hauptmotiv der Gedichte von Lugovsky und Surkov der 20er Jahre ist der Heldentum des Bürgerkriegs. Doch auch wenn das Pathos ihrer frühen Werke viele Gemeinsamkeiten aufweist, sind ihre Herangehensweise an das Thema und der Stil unterschiedlich. Lugovskys Gedichte, die in seinen ersten Sammlungen „Flashes“ und „Muscle“ enthalten waren, zeichneten sich durch romantische Hochstimmung und Allgemeingültigkeit, erhöhte Ausdruckskraft und Metapher sowie scharfe rhythmische Veränderungen aus. Surkows Texte aus dieser Zeit sind betont einfach und voller realistischer Details.

Die Werke Isakowskis und Prokofjews vereinten ein lyrisch eindringliches Bild heimische Natur, Liedintonationen und die Tatsache, dass der Fokus beider Dichter auf dem russischen Dorf liegt.

Vortrag 4. Dramaturgie der 20er Jahre

Das führende Genre im Drama der 20er Jahre war das heroisch-romantische Schauspiel. „Storm“ von V. Bill-Belotserkovsky, „Yarovaya Love“ von K. Trenev, „Fracture“ von B. Lavrenev – diese Stücke eint die epische Breite, der Wunsch, die Stimmung der Massen als Ganzes widerzuspiegeln. Diese Werke basieren auf einem tiefen gesellschaftspolitischen Konflikt, dem Thema des „Bruchs“ der alten und der Geburt einer neuen Welt. Kompositorisch zeichnen sich diese Stücke durch eine breite Berichterstattung über das Geschehen im Laufe der Zeit, die Gegenwart von aus viele Nebenhandlungen, die nichts mit der Haupthandlung zu tun haben, freie Handlungsübertragung von einem Ort zum anderen.

Im Stück „Storm“ von V. Bill-Belotserkovsky gibt es beispielsweise viele Massenszenen. Dazu gehören Soldaten der Roten Armee, Sicherheitsoffiziere, ein Matrose, ein Redakteur, ein Dozent, ein Militärkommissar, Komsomol-Mitglieder, ein Sekretär, ein Militärausbilder und ein Versorgungsmanager. Es gibt viele andere Personen, die weder Namen noch Titel haben. Weder menschliche Beziehungen, sondern die Geschichte sind die Hauptquelle der Handlungsentwicklung im Stück. Dabei geht es vor allem um die Darstellung einer historischen Schlacht. Dies ist auf das Fehlen gezielt entwickelter Intrigen, die Fragmentierung und Eigenständigkeit einzelner Szenen zurückzuführen. Die zentrale Figur des Stücks ist der Vorsitzende von Ukom, eine Person, die eher symbolisch als real ist. Aber er greift aktiv in das Leben ein: Er organisiert den Kampf gegen Typhus, entlarvt den Schurken aus der Mitte, bestraft Savandeev für seine verantwortungslose Haltung gegenüber Frauen usw. Somit hatte „Sturm“ offenkundig Propagandacharakter. Aber in jenen Jahren waren die Bedeutung solcher Stücke und die Kraft ihrer Wirkung stärker als Stücke zutiefst psychologischer Natur.

Im Drama der 20er Jahre nimmt Boris Andrejewitsch Lawrenews Stück „Die Verwerfung“ einen herausragenden Platz ein. Die Handlung basiert auf den historischen Ereignissen vom Oktober 1917. Das Stück ist jedoch keine Chronik; soziale und alltägliche Konflikte nehmen darin einen großen Platz ein. In „Razlom“ gibt es keine für das heroisch-romantische Genre typischen Kampfszenen: Ereignisse auf dem Kreuzer „Zarya“ werden durch Alltagsszenen in der Wohnung der Bersenevs unterbrochen. Soziales und Alltägliches sind untrennbar miteinander verbunden, doch das Klassenprinzip überwiegt: Tatjana Berseneva und ihr Mann, Leutnant Stube, stehen an unterschiedlichen Polen der gesellschaftlichen Weltanschauung, was sich in ihren persönlichen Beziehungen widerspiegelt und zu einem endgültigen Bruch führt. Die persönlichen Beziehungen der Charaktere spielen in der Handlung keine Hauptrolle: Der Vorsitzende des Schiffskomitees des Kreuzers „Zarya“ Godun ist in Tatjana Berseneva verliebt, Tatjanas Sympathie für Godun beruht jedoch weitgehend auf der Ähnlichkeit ideologischer Positionen .

„The Rift“ ist eine Kombination aus zwei Genres: Es ist ein sozialpsychologisches Drama mit einer tiefgreifenden Entwicklung eines begrenzten Figurenkreises, mit ausgeprägtem Alltagsgeschmack und einem heroisch-romantischen Stück, das die Stimmung der Menschen charakterisiert als Ganzes Massenpsychologie.

Die Tragödie des Bürgerkriegs wird auch in K. Trenevs Stück „Yarovaya Love“ vermittelt. In der Mitte ist das Bild von Lyubov Yarovaya und ihrem Ehemann zu sehen. Was auf den gegenüberliegenden Seiten der Barrikaden endete. Die Charaktere darin werden authentisch und glaubwürdig dargestellt und unterscheiden sich deutlich von den eindeutigen Charaktereigenschaften der Helden in vielen Stücken dieser Jahre. Trenev gelang es, die schematischen, übertriebenen, primitiven Ideen zu überwinden.

Einen besonderen Platz im Drama der 20er Jahre nimmt M. Bulgakovs Stück „Tage der Trubins“ ein – eines der besten Stücke über den Bürgerkrieg, über das Schicksal der Menschen in einer Wende. Bulgakows Stück „Tage der Turbinen“, geschrieben auf den Spuren der „Weißen Garde“, wird zur „zweiten „Möwe“ des Kunsttheaters. Lunatscharski nannte es „das erste politische Stück des sowjetischen Theaters“. Die Uraufführung, die am 5. Oktober 1926 stattfand, machte Bulgakow berühmt. Die vom Dramatiker erzählte Geschichte schockierte das Publikum Lebenswahrheit katastrophale Ereignisse, die viele von ihnen kürzlich erlebt hatten. Bilder von weißen Offizieren, die Bulgakow furchtlos auf die Bühne brachte das beste Theater Länder erlangten vor dem Hintergrund eines neuen Publikums, einer neuen Lebensweise eine erweiterte Bedeutung für die Intelligenz, egal ob militärisch oder zivil. Die Aufführung, die von der offiziellen Kritik angefeindet wurde, wurde bald gefilmt, aber 1932 wieder aufgenommen

Die Handlung des Dramas passt in das Haus der Turbins, wo „die Revolution in einen schrecklichen Wirbelsturm ausbricht“.

Alexey und Nikolay Turbins, Elena, Lariosik, Myshlaevsky - freundlich und edle Leute. Sie können die komplexen Elemente der Ereignisse nicht verstehen, ihren Platz darin nicht verstehen oder ihre bürgerliche Pflicht gegenüber ihrem Heimatland bestimmen. All dies führt zu einer beunruhigenden, innerlich angespannten Atmosphäre im Haus der Turbins. Sie sind besorgt über die Zerstörung der altbekannten Lebensweise. Deshalb spielt das Bild des Hauses selbst, der Ofen, der im Gegensatz zur umgebenden Welt Wärme und Behaglichkeit bringt, in dem Stück eine so große Rolle.

In den 1920er Jahren entstanden zahlreiche Komödientheater. Im Bereich der Komödie verfeinerten M. Gorki und L. Leonov, A. Tolstoi und V. Mayakovsky ihre satirischen Fähigkeiten. Es waren Bürokraten, Karrieristen und Heuchler, die ins Visier der satirischen Kritiker gerieten.

Gegenstand gnadenloser Bloßstellung war das Spießertum. Die bekannten Komödien dieser Jahre „Mandate“ und „Suicide“ von N. Erdman, „Air Pie“ von B. Romashov, „Zoykinas Apartment“ und „Ivan Vasilyevich“ von M. Bulgakov, „Embezzlers“ und „Squaring the Circle“ von V. Kataev widmeten sich genau diesem Thema.

Fast zeitgleich mit „Tage der Turbinen“ schrieb Bulgakow die tragische Farce „Sojkas Wohnung“ (1926). Die Handlung des Stücks war für diese Jahre sehr relevant. Die unternehmungslustige Zoika Peltz versucht, Geld zu sparen, um für sich und ihren Geliebten ausländische Visa zu kaufen, indem sie in ihrer eigenen Wohnung ein unterirdisches Bordell organisiert. Das Stück fängt den abrupten Zusammenbruch der gesellschaftlichen Realität ein, der sich in einem Wandel sprachlicher Formen äußert. Graf Obolyaninov weigert sich zu verstehen, was ein „ehemaliger Graf“ ist: „Wo bin ich hingegangen? Hier stehe ich vor dir.“ Mit demonstrativer Einfachheit akzeptiert er weniger „neue Wörter“ als vielmehr neue Werte. Der brillante Chamäleonismus des charmanten Schurken Ametistov, des Verwalters in Zoykins „Atelier“, bildet einen markanten Kontrast zum Grafen, der sich den Umständen nicht anzupassen weiß. Im Kontrapunkt von zwei zentrale Bilder, Amethystov und Graf Obolyaninov, das tiefe Thema des Stücks kommt zum Vorschein: das Thema der historischen Erinnerung, die Unmöglichkeit, die Vergangenheit zu vergessen.

Einen besonderen Platz im Drama der 20er Jahre nehmen Mayakovskys Komödien „The Bedbug“ und „Bathhouse“ ein; sie sind eine Satire (mit dystopischen Elementen) auf eine bürgerliche Gesellschaft, die die revolutionären Werte, für die sie geschaffen wurde, vergessen hat. Interner Konflikt mit der umgebenden Realität des nahenden „bronzefarbenen“ Sowjetzeitalters erwies sich zweifellos als einer der wichtigsten Anreize, die den Dichter zur letzten Rebellion gegen die Gesetze der Weltordnung trieben – zum Selbstmord.

Vorlesung 5. Allgemeine Merkmale der Literatur der 30er Jahre

In den 1930er Jahren kam es zu einer Zunahme negativer Phänomene im literarischen Prozess. Die Verfolgung herausragender Schriftsteller beginnt (E. Zamyatin, M. Bulgakov, A. Platonov, O. Mandelstam). S. Yesenin und V. Mayakovsky begehen Selbstmord.

In den frühen 30er Jahren kam es zu einem Wandel in den Formen des literarischen Lebens: Nach der Veröffentlichung des Beschlusses des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki erklärten RAPP und andere literarische Vereinigungen ihre Auflösung.

Im Jahr 1934 fand der Erste Kongress der sowjetischen Schriftsteller statt, der den sozialistischen Realismus zur einzig möglichen kreativen Methode erklärte. Im Allgemeinen hat eine Politik der Vereinheitlichung des kulturellen Lebens begonnen, und es ist ein starker Rückgang der gedruckten Publikationen zu verzeichnen.

Thematisch werden Romane über die Industrialisierung und die ersten Fünfjahrespläne zu den Leitromanen; Und im Allgemeinen wird das Thema Arbeit zum Leitthema.

Die Belletristik begann sich mit den Problemen zu befassen, die mit dem Eindringen von Wissenschaft und Technologie in den menschlichen Alltag verbunden waren. Neue Bereiche des menschlichen Lebens, neue Konflikte, neue Charaktere, Modifikationen traditioneller literarischer Materialien führten zur Entstehung neuer Helden, zur Entstehung neuer Genres, neuer Methoden der Versifikation und Suchen im Bereich der Komposition und Sprache.

Eine Besonderheit der Poesie der 30er Jahre ist die rasante Entwicklung des Liedgenres. In diesen Jahren entstanden die berühmten Werke „Katyusha“ (M. Isakovsky), „Wide is my native Country...“ (V. Lebedev-Kumach), „Kakhovka“ (M. Svetlov) und viele andere.

An der Wende der 20er und 30er Jahre zeichneten sich interessante Tendenzen im literarischen Prozess ab. Die Kritik, die kürzlich die „kosmischen“ Gedichte der Proletkultisten begrüßte, „Der Fall von Dair“ von A. Malyshkin und „Der Wind“ von B. Lavrenev bewunderte, änderte ihre Ausrichtung. Der Leiter der soziologischen Schule, V. Fritsche, startete eine Kampagne gegen die Romantik als idealistische Kunst. Es erschien ein Artikel von A. Fadeev „Nieder mit Schiller!“, der sich gegen das romantische Prinzip in der Literatur richtete.

Das war natürlich das Gebot der Stunde. Das Land verwandelte sich in eine riesige Baustelle und der Leser erwartete eine sofortige Reaktion der Literatur auf die Ereignisse.

Aber es gab auch Stimmen, die die Romantik verteidigten. So veröffentlicht die Zeitung Iswestija Gorkis Artikel „Mehr zum Thema Alphabetisierung“, in dem der Autor Kinderbuchautoren vor der Kinderbuchkommission des Volkskommissariats für Bildung verteidigt, die Werke ablehnt, die in ihnen Elemente von Fantasie und Romantik finden. Die Zeitschrift „Print and Revolution“ veröffentlicht einen Artikel des Philosophen V. Asmus „In Defense of Fiction“.

Und dennoch gerät der lyrisch-romantische Beginn in der Literatur der 30er Jahre im Vergleich zur Vorzeit in den Hintergrund. Auch in der Poesie, die stets zu lyrisch-romantischer Wahrnehmung und Darstellung der Wirklichkeit neigt, siegen diese Jahre epische Genres(A. Tvardovsky, D. Kedrin, I. Selvinsky).

Vorlesung 6. Prosa der 30er Jahre

In der Literatur der dreißiger Jahre kam es im Zusammenhang mit dem allgemeinen historischen Prozess zu bedeutenden Veränderungen. Das führende Genre der 30er Jahre war der Roman. Literaturwissenschaftler, Schriftsteller und Kritiker haben die künstlerische Methode in der Literatur etabliert. Sie gaben ihm eine genaue Definition: sozialistischer Realismus. Die Ziele und Zielsetzungen der Literatur wurden vom Schriftstellerkongress festgelegt. M. Gorki verfasste einen Bericht und identifizierte das Hauptthema der Literatur – die Arbeit.

Die Literatur trug dazu bei, Erfolge zu zeigen und eine neue Generation auszubilden. Der wichtigste pädagogische Moment waren Baustellen. Der Charakter einer Person manifestierte sich im Team und in der Arbeit. Eine einzigartige Chronik dieser Zeit besteht aus den Werken von M. Shaginyan „Hydrocentral“, I. Ehrenburg „The Second Day“, L. Leonov „Sot“, M. Sholokhov „Virgin Soil Upturned“ und F. Panferov „Whetstones“. Das historische Genre entwickelte sich („Peter I“ von A. Tolstoi, „Tsushima“ von Novikov-Priboy, „Emelyan Pugachev“ von Shishkov).

Das Problem der Bildung der Menschen war akut. Ihre Lösung fand sie in den Werken: „Menschen aus dem Outback“ von Malyshkin, „Pädagogisches Gedicht“ von Makarenko.

In Form eines kleinen Genres wurden die Kunst der Lebensbeobachtung und die Fähigkeiten des prägnanten und präzisen Schreibens besonders erfolgreich verfeinert. So wurden die Geschichte und der Essay nicht nur wirksame Mittel Wissen über das Neue in der schnelllebigen Moderne und zugleich der erste Versuch, ihre Leitströmungen zu verallgemeinern, aber auch ein Labor künstlerischer und journalistischer Kompetenz.

Die Fülle und Effizienz kleiner Genres ermöglichte es, alle Aspekte des Lebens umfassend abzudecken. Der moralische und philosophische Inhalt der Kurzgeschichte, die soziale und journalistische Gedankenbewegung im Essay, die soziologischen Verallgemeinerungen im Feuilleton – das zeichnete die kleinen Prosatypen der 30er Jahre aus.

Der herausragende Kurzgeschichtenschreiber der 30er Jahre, A. Platonov, war in erster Linie ein Künstler-Philosoph, der sich auf moralische und humanistische Themen konzentrierte. Daher seine Anziehungskraft auf das Genre der Gleichnisgeschichten. Der letzte Moment in einer solchen Geschichte wird stark abgeschwächt, ebenso wie die geografische Note. Die Aufmerksamkeit des Künstlers richtet sich auf die spirituelle Entwicklung der Figur, dargestellt mit subtilem psychologischem Geschick („Fro“, „Immortality“, „In the Beautiful and“) wütende Welt") Platonov betrachtet den Menschen im weitesten philosophischen und ethischen Sinne. In dem Bemühen, die allgemeinsten Gesetze zu verstehen, die ihn beherrschen, ignoriert der Romanautor nicht die Bedingungen der Umwelt. Der springende Punkt ist, dass seine Aufgabe nicht darin besteht, Arbeitsprozesse zu beschreiben, sondern die moralische und philosophische Seite des Menschen zu verstehen.

Kleine Genres im Bereich Satire und Humor erleben eine für die Ära der 30er Jahre charakteristische Entwicklung. M. Zoshchenko beschäftigt sich am meisten mit den Problemen der Ethik, der Bildung einer Gefühls- und Beziehungskultur. In den frühen 1930er Jahren schuf Soschtschenko einen anderen Heldentyp – einen Mann, der „seine menschliche Form verloren hat“, einen „gerechten Mann“ („Die Ziege“, „Die schreckliche Nacht“). Diese Helden akzeptieren die Moral der Umwelt nicht, sie haben andere ethische Standards, sie möchten nach einer hohen Moral leben. Doch ihre Rebellion scheitert. Doch anders als die Rebellion des „Opfers“ bei Chaplin, die immer von Mitgefühl bedeckt ist, ist die Rebellion von Soschtschenkos Helden frei von Tragödien: Der Einzelne steht vor der Notwendigkeit spirituellen Widerstands gegen die Moral und die Ideen seiner Umgebung, und Die strengen Ansprüche der Schriftstellerin verzeihen ihr keine Kompromisse und Kapitulation. Der Appell an den Typus der gerechten Helden verriet die ewige Unsicherheit des russischen Satirikers über die Selbstgenügsamkeit der Kunst und war eine Art Versuch, Gogols Suche nach einem positiven Helden, einer „lebendigen Seele“, fortzusetzen. Man kommt jedoch nicht umhin zu bemerken: in „ sentimentale Geschichten» die künstlerische Welt des Schriftstellers ist bipolar geworden; die Harmonie von Bedeutung und Bild wurde gestört, philosophische Überlegungen offenbarten eine predigende Absicht, das Bildgefüge wurde dünner. Das mit der Maske des Autors verschmolzene Wort dominierte; im Stil ähnelte es Geschichten; Mittlerweile hat sich der Charakter (Typ) verändert, der die Erzählung stilistisch motiviert: Er ist ein durchschnittlicher Intellektueller. Es stellte sich heraus, dass die alte Maske am Schriftsteller befestigt war.

Die ideologische und künstlerische Umstrukturierung Soschtschenkos ist insofern bezeichnend, als sie einer Reihe ähnlicher Prozesse ähnelt, die in den Werken seiner Zeitgenossen stattfanden. Dieselben Tendenzen finden sich insbesondere bei Ilf und Petrov – Kurzgeschichtenschreibern und Feuilletonisten. Neben satirischen Erzählungen und Feuilletons werden ihre Werke veröffentlicht, die sowohl lyrisch als auch humorvoll sind („M.“, „Wonderful Guests“, „Tonya“). Ab der zweiten Hälfte der 30er Jahre erschienen Erzählungen mit einer radikaleren Aktualisierung der Handlung und der kompositorischen Gestaltung. Der Kern dieser Änderung bestand in der Einführung eines positiven Helden in die traditionelle Form einer satirischen Geschichte.

In den 1930er Jahren wurde der Roman zum führenden Genre, vertreten durch den epischen Roman, den sozialphilosophischen Roman, den journalistischen Roman und den psychologischen Roman.

In den 1930er Jahren wurde es immer häufiger neuer Typ Handlung. Die Ära wird durch die Geschichte jedes Unternehmens in einem Kraftwerk, Kraftwerk, einer Kolchose usw. offenbart. Und so wird die Aufmerksamkeit des Autors auf die Schicksale einer Vielzahl von Menschen gelenkt, und keiner der Helden nimmt mehr eine zentrale Stellung ein.

In „Hydrocentral“ von M. Shaginyan wurde die „Idee der Planung“ des Wirtschaftsmanagements nicht nur zum thematischen Schwerpunkt des Buches, sondern ordnete auch die Hauptkomponenten seiner Struktur unter. Die Handlung des Romans entspricht den Bauabschnitten eines Wasserkraftwerks. Die Schicksale der mit dem Bau von Mezinges verbundenen Helden werden in Bezug auf den Bau detailliert analysiert (die Bilder von Arno Arevyan, Glavinge, Lehrer Malkhazyan).

In „Soti“ von L. Leonov wird die Stille der stillen Natur zerstört, das alte Kloster, aus dem Sand und Kies für den Bau geholt wurden, wurde innen und außen erodiert. Der Bau einer Papierfabrik in Soti wird als Teil des systematischen Wiederaufbaus des Landes dargestellt.

F. Gladkovs neuer Roman „Energie“ schildert Arbeitsprozesse unvergleichlich detaillierter. F. Gladkov verwendet bei der Nachbildung von Bildern industrieller Arbeit neue Techniken und entwickelt alte Techniken weiter, die in den Umrissen von „Cement“ enthalten waren (große Industrielandschaften, die durch die Schwenktechnik geschaffen wurden).

I. Ehrenburgs Roman „Der zweite Tag“ fügt sich organisch in den Mainstream der Suche nach neuen Formen der großen Prosagattung ein, um die neue Realität widerzuspiegeln. Dieses Werk wird als lyrischer und journalistischer Bericht wahrgenommen, der direkt inmitten großer Ereignisse und Ereignisse geschrieben wird. Die Helden dieses Romans (Vorarbeiter Kolka Rzhanov, Vaska Smolin, Shor) stellen sich Wolodja Safonow entgegen, der sich für die Seite des Beobachters entschieden hat.

Das Prinzip des Kontrastes, das eigentlich ausmacht wichtiger Punkt in jedem Kunstwerk. In Ehrenburgs Prosa fand er einen originellen Ausdruck. Dieses Prinzip half dem Autor nicht nur, die Vielfalt des Lebens umfassender darzustellen. Er brauchte es, um den Leser zu beeinflussen. Überraschen Sie ihn mit dem freien Assoziationsspiel witziger Paradoxien, dessen Grundlage der Kontrast war.

Die Bekräftigung der Arbeit als Kreativität, die erhabene Darstellung von Produktionsprozessen – all dies veränderte die Natur von Konflikten und führte zur Entstehung neuer Romantypen. In den 30er Jahren ragten unter den Werken die Typen des sozialphilosophischen Romans („Sot“), des journalistischen („Der zweite Tag“) und des sozialpsychologischen („Energy“) heraus.

Die Poetisierung der Arbeit, verbunden mit einem leidenschaftlichen Gefühl der Liebe zum Heimatland, fand ihren klassischen Ausdruck im Buch des Ural-Schriftstellers P. Bazhov „The Malachite Box“. Dies ist kein Roman oder eine Geschichte. Aber das Märchenbuch, das durch das Schicksal derselben Charaktere zusammengehalten wird, verleiht der Integrität der ideologischen und moralischen Sichtweise des Autors eine seltene handlungskompositionelle Kohärenz und Genreeinheit.

In diesen Jahren gab es auch eine Reihe sozialpsychologischer (lyrischer) Romane, vertreten durch „The Last of Udege“ von A. Fadeev und die Werke von K. Paustovsky und M. Prishvin.

Der Roman „Der letzte von Udege“ hatte nicht nur pädagogischen Wert, wie er für alltägliche Ethnographen üblich ist, sondern vor allem auch künstlerischen und ästhetischen Wert. Die Handlung von „Der letzte Udege“ findet im Frühjahr 1919 in Wladiwostok und in den von der Partisanenbewegung erfassten Gebieten Suchan, Olga und Taiga-Dörfern statt. Doch zahlreiche Retrospektiven führen den Leser in das Panorama des historischen und politischen Lebens von Primorje lange vor dem „Hier und Jetzt“ ein – am Vorabend des Ersten Weltkriegs und im Februar 1917. Die Erzählung, insbesondere ab dem zweiten Teil, ist epischer Natur. Alle inhaltlichen Aspekte des Romans sind künstlerisch bedeutsam und offenbaren das Leben unterschiedlichster gesellschaftlicher Kreise. Der Leser findet sich im reichen Haus der Gimmers wieder, trifft den demokratisch gesinnten Arzt Kostenetsky, seine Kinder Seryozha und Elena (nachdem sie ihre Mutter verloren hat, wächst sie, die Nichte von Gimmers Frau, in seinem Haus auf). Fadeev verstand die Wahrheit der Revolution klar und brachte seine intellektuellen Helden zu den Bolschewiki, zu denen er auch beitrug persönliche Erfahrung Schriftsteller. Schon in jungen Jahren fühlte er sich als Soldat einer Partei, die „immer Recht“ hatte, und dieser Glaube wurde in den Bildern der Helden der Revolution festgehalten. Auf den Bildern des Vorsitzenden des Partisanenrevolutionskomitees Pjotr ​​​​Surkow, seines Stellvertreters Martemjanow, des Vertreters des regionalen Untergrundparteikomitees Alexei Churkin (Aljoscha Malenky), des Kommissars der Partisanenabteilung Senya Kudryavy (das Bild ist in Bezug auf Levinson polemisch ), zeigte der Kommandant Gladkikh jene Vielseitigkeit der Charaktere, die es uns ermöglicht, im Helden nicht die Funktionen einer Oper, sondern einer Person zu sehen. Fadeevs künstlerische Entdeckung war zweifellos das Bild von Elena; hervorzuheben ist die Tiefe der psychologischen Analyse der emotionalen Erfahrungen eines Teenager-Mädchens, ihr fast lebensbedrohlicher Versuch, die Welt von unten kennenzulernen, die Suche nach dem sozialen Selbst -Entschlossenheit, der Ausbruch von Gefühlen für Langovoy und Enttäuschung über ihn. „Mit erschöpften Augen und Händen“, schreibt Fadeev über seine Heldin, „fing sie diesen letzten warmen Atemzug des Glücks ein, und das Glück verschwand wie ein trüber Abendstern im Fenster immer wieder von ihr.“ Fast ein Jahr ihres Lebens nach dem Bruch mit Langov „hat sich in Lenas Gedächtnis als das schwierigste und schwierigste eingeprägt schreckliche Zeit„Ihre extreme, gnadenlose Einsamkeit in der Welt“ treibt Lena dazu, mit Hilfe des ihr ergebenen Langovoy zu ihrem Vater, ins von den Roten besetzte Suchan, zu fliehen sie, angetrieben von der Nähe zum Leben der Menschen (im Abschnitt „Zerstörung“ sprachen wir bereits über ihre Wahrnehmung der Menschen, die sich im Wartezimmer ihres Vaters, des Arztes Kostenetsky, versammelten). Als sie anfängt, als zu arbeiten Sie war eine Schwester unter den Frauen, die sich darauf vorbereiteten, ihre verwundeten Söhne, Ehemänner und Brüder zu treffen. Sie war schockiert über das leise, herzliche Lied:

Ihr Frauen betet für unsere Söhne.

„Alle Frauen sangen, und es kam Lena so vor, als gäbe es Wahrheit, Schönheit und Glück in der Welt. Sie spürte es in den Menschen, denen sie begegnete, und jetzt „in den Herzen und Stimmen dieser Frauen, die über ihre Ermordeten sangen.“ und kämpfende Söhne. Mehr denn je spürte Lena in ihrer Seele die Möglichkeit von Wahrheit, Liebe und Glück, obwohl sie nicht wusste, wie sie diese finden sollte.“

In der vermeintlichen Entscheidung über das Schicksal der romantischen Hauptfiguren Elena und Langovoy in der Interpretation der schwierigen Beziehung zwischen Wladimir Grigorjewitsch und Martemjanow kam das humanistische Pathos des Autors voll zum Ausdruck. Natürlich hat der Autor im humanistischen Aspekt auch Bilder von Untergrundkämpfern und Partisanen dargestellt, von „normalen“ Menschen, die ihre Angehörigen im schrecklichen Fleischwolf des Krieges verlieren (der Schauplatz des Todes und der Beerdigung von Dmitri Iljin); Die leidenschaftliche Leugnung der Grausamkeit durch den Autor prägt die Beschreibungen des Todeskampfes von Ptashka-Ignat Sayenko, der in einem Kerker der Weißen Garde zu Tode gefoltert wurde. Im Gegensatz zur Theorie des „sozialistischen Humanismus“ erstreckte sich Fadeevs humanistisches Pathos auch auf Helden des entgegengesetzten ideologischen Lagers. Dieselben Ereignisse im Leben des Udege werden von Fadeev aus verschiedenen Blickwinkeln behandelt, was der Erzählung eine gewisse Polyphonie verleiht, und der Erzähler gibt sich nicht direkt bekannt. Diese Polyphonie tritt besonders deutlich hervor, weil der Autor drei „Quellen“ der Erleuchtung des Lebens herangezogen hat, die zusammen eine vollwertige Vorstellung von der Realität ergeben.

Dies ist zunächst einmal die Wahrnehmung von Sarla – dem Sohn eines Stammes, der sich in einem prähistorischen Entwicklungsstadium befindet; Sein Denken trägt trotz der Veränderungen im Bewusstsein den Abdruck der Mythologie. Die zweite Stilebene des Werkes ist mit dem Bild des erfahrenen und rauen russischen Arbeiters Martemjanow verbunden, der die aufrichtige und vertrauensvolle Seele des Udege-Volkes verstand. Schließlich spielte der Udege von Sergei Kostenetsky, einem intelligenten jungen Mann mit einer romantischen Wahrnehmung der Realität und einer Suche nach dem Sinn des Lebens, eine bedeutende Rolle bei der Enthüllung der Welt. Das leitende künstlerische Prinzip des Autors von „The Last of the Udege“ ist die Offenlegung des Pathos des Romans durch Analyse psychologische Zustände seine Helden. Die russische sowjetische Literatur übernahm Tolstois Prinzip eines facettenreichen und psychologisch überzeugenden Bildes einer Person einer anderen Nationalität, und „Der letzte Udege“ war ein bedeutender Schritt in diese Richtung und führte Tolstois Traditionen fort (Fadeev schätzte besonders „Hadji Murad“).

Der Autor stellte die Originalität des Denkens und Fühlens eines Menschen nach, der sich in einem fast primitiven Entwicklungsstadium befand, sowie die Gefühle eines Europäers, der sich in einer primitiven patriarchalischen Welt befand. Der Autor hat viel daran gearbeitet, das Leben der Udege zu studieren und Material unter den folgenden Überschriften zu sammeln: Aussehen, Kleidung, soziale Struktur und Familie; Überzeugungen, religiöse Ansichten und Rituale; Erklärung der Worte des Udege-Stammes. Die Manuskripte des Romans zeigen, dass Fadeev eine maximale Genauigkeit der ethnografischen Farbgebung anstrebte, obwohl er in einigen Fällen nach eigenen Angaben und den Beobachtungen der Leser bewusst davon abwich. Dabei ließ er sich nicht so sehr von einem genauen Bild des Lebens dieses bestimmten Volkes – der Udege – leiten, sondern vielmehr von einer verallgemeinerten künstlerischen Darstellung des Lebens und der inneren Erscheinung einer Person des Stammessystems in der fernöstlichen Region: „.. „Ich hielt mich für berechtigt, bei der Darstellung des Udege-Volkes auch Materialien über das Leben anderer Völker zu verwenden“, sagte Fadeev, der dem Roman ursprünglich den Titel „Der letzte der Becken“ geben wollte.

Ähnliche Dokumente

Offenlegung und Untersuchung der Besonderheiten der Funktionsweise der Hochzeitshandlung im russischen Drama des 19. Jahrhunderts. Die Entwicklung des Bräutigammotivs in der Literatur des 19. Jahrhunderts am Beispiel der Komödie von N.V. Gogols „Ehe“ und das satirische Stück von A.N. Ostrowski „Die Hochzeit des Balsaminow“.

Dissertation, hinzugefügt am 03.12.2013


Die Hauptmerkmale der russischen Poesie des Silbernen Zeitalters. Symbolik auf Russisch künstlerische Kultur und Literatur. Steigen Geisteswissenschaften, Literatur, Theaterkunst am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Bedeutung des Silbernen Zeitalters für die russische Kultur.

Präsentation, hinzugefügt am 26.02.2011


Die Hauptprobleme beim Studium der Geschichte der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts. Literatur des 20. Jahrhunderts als zurückgegebene Literatur. Das Problem des sozialistischen Realismus. Literatur der ersten Oktoberjahre. Haupttrends in der romantischen Poesie. Schulen und Generationen. Komsomol-Dichter.

Vorlesungsreihe, hinzugefügt am 06.09.2008


Das Bild von Hamlet in der russischen Kultur des 18.-19. Jahrhunderts verstehen. Charakteristische Merkmale in der Interpretation des Hamlet-Bildes in der russischen Literatur und dem russischen Drama des 20. Jahrhunderts. Transformationen des Hamlet-Bildes im poetischen Weltbild von A. Blok, A. Akhmatova, B. Pasternak.

Dissertation, hinzugefügt am 20.08.2014


Kennenlernen mit literarische Denkmäler„Ancient Rus“, eine Studie über Genres und ein Arsenal künstlerischer Techniken. Das Problem der Urheberschaft und Anonymität der Werke „The Lay of Igor’s Campaign“, „The Tale of Massaker von Mamaev", "Das Wort über die Zerstörung des russischen Landes."

Zusammenfassung, hinzugefügt am 14.12.2011


Die Entwicklung des Lebens und Merkmale der Entstehung des hagiographischen Genres auf russischem Boden. Das Leben als Genre Literatur XVIII Jahrhundert. Richtungen in der Entwicklung des hagiographischen Genres. Besonderheiten weibliche Bilder V Literatur XVII V. Ulyaniya Lazarevskaya ist wie eine Heilige.

Kursarbeit, hinzugefügt am 14.12.2006


Entwicklung des Russischen Literatur des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. Die Hauptrichtungen des Sentimentalismus. Romantik in der russischen Literatur von 1810-1820. Politische Ausrichtung öffentlicher Interessen auf einen patriotischen Geist, eine patriotische Idee religiöse Wiederbelebung Land und Leute.

Kursarbeit, hinzugefügt am 13.02.2015


Innovationen und Traditionen der russischen Poesie des frühen 20. Jahrhunderts, eine gründliche Transformation der traditionellen Genres Ode, Romantik, Elegie und die Entwicklung nicht-traditioneller Genres: Fragment, Miniatur, lyrische Kurzgeschichte. Merkmale der Kreativität von Yesenin, Blok, Mayakovsky.

Präsentation, hinzugefügt am 15.09.2014


Die vorherrschenden Konzepte und Motive in der russischen klassischen Literatur. Parallele zwischen den Werten der russischen Literatur und der russischen Mentalität. Familie als einer der Hauptwerte. Moral wird in der russischen Literatur und im Leben so verherrlicht, wie es sein sollte.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 21.06.2015


Biografie und kreativer Weg von Konstantin Nikolaevich Batyushkov. Elegie als neues Genre romantische Literatur. Die Bedeutung von Batjuschkows Poesie in der Geschichte der russischen Literatur. Literarischer Geschmack Unterscheidungsmerkmale Prosa, Reinheit, Brillanz und Bildsprache der Sprache.

Die spirituelle Atmosphäre des Jahrzehnts und ihre Widerspiegelung in Literatur und Kunst. Eine komplexe Einheit aus Optimismus und Bitterkeit, Idealismus und Angst, dem Aufstieg des Arbeiters und der Bürokratisierung der Macht.

Die Geburt einer neuen liedlyrischen Situation. Heldinnen der Gedichte von P. Vasiliev und M. Isakovsky (symbolisches Bild von Russland – dem Mutterland). Text B. Kornilova, Dm. Kedrina, M. Svetlova, A. Zharova und andere.

Literatur auf einer Baustelle: Werke der 30er Jahre über arbeitende Menschen („Energy“ von F. Gladkov, „Sot“ von L. Leonov, „Hydrocentral“ von M. Shaginyan, „Time, vorwärts!“ von V. Kataeva, „ „Menschen aus dem Outback“ von A Malyshkina usw.). Die menschliche und kreative Leistung von N. Ostrovsky. Die Einzigartigkeit und polemische Schärfe des Bildes von Pavel Korchagin im Roman „How the Steel Was Tempered“.

Das Thema der Kollektivierung in der Literatur. Das tragische Schicksal von N. Klyuev und den Dichtern des „Bauernkaufmanns“. A. Tvardovskys Gedicht „Das Land der Ameise“ und M. Sholokhovs Roman „Virgin Soil Upturned“.

Der erste Kongress des Schriftstellerverbandes der UdSSR und seine sozialhistorische Bedeutung.

Der ausgewanderte „Zweig“ der russischen Literatur in den 30er Jahren. Nostalgischer Realismus von I. Bunin, B. Zaitsev, I. Shmelev. „Pariser Note“ der russischen Poesie der 30er Jahre. Songtexte von G. Ivanov, B. Poplavsky, N. Otsup, D. Knuth, L. Chervinskaya und anderen.

EIN. Tolstoi

Die Geschichte „Peters Faulheit“, der Roman „Peter der Große“. Versuche, die Persönlichkeit des Reformzaren in der frühen Prosa von A. Tolstoi („Der Tag des Petrus“) künstlerisch zu erfassen. Vertiefung des Bildes von Peter in der „neuartigen“ Entwicklung des Themas. Die Hauptstadien der Bildung einer historischen Persönlichkeit, nationale Charaktereigenschaften im Bild von Peter. Bilder von Mitarbeitern des Zaren und Gegnern von Peters Reformen. Probleme von Mensch und Macht, Persönlichkeit und Geschichte im künstlerischen Konzept des Autors. Genre, kompositorische und stilistisch-sprachliche Originalität des Romans.

Grundkonzepte: historische und biografische Erzählung; kollektives Bild der Epoche.

Intrasubjektive Verbindungen: das „Petrine“-Thema in den Werken von M.V. Lomonosov, A.S. Puschkina, A.K. Tolstoi, A.A. Blok.

Interdisziplinäre Verbindungen: historische Quellen der Roman „Peter der Große“ (Werke von N. Ustrjalow, S. Solowjow usw.).

Für unabhängiges Lesen: Trilogie „Durch die Qual gehen“.

M.A. Scholochow

Epischer Roman „Quiet Don“. Die historische Breite und das Ausmaß des Scholochow-Epos. „Don Stories“ als Prolog zu „Quiet Don“. Bilder aus dem Leben der Donkosaken im Roman. Darstellung der Revolution und des Bürgerkriegs als nationale Tragödie. Die Idee des Zuhauses und die Heiligkeit des Familienherds im Roman. Die Rolle und Bedeutung weiblicher Bilder im künstlerischen System des Romans. Die Komplexität und Widersprüchlichkeit des Weges des „Kosakenhamlets“ Grigory Melekhov, die darin enthaltene Widerspiegelung der Traditionen der volkstümlichen Wahrheitssuche. Künstlerische und stilistische Originalität von „Quiet Don“. Historisch konkret und zeitlos in den Problemen von Scholochows epischem Roman.

Grundbegriffe: Chronotop eines epischen Romans; Humanistischer Geschichtsbegriff in der Literatur.

Innersubjektbezogene Verbindungen: Fortsetzung der Traditionen von Tolstois Epos in „Quiet Don“ („Volksgedanke“ und „Familiengedanke“); Scholochows Epos im Kontext von Werken über den Bürgerkrieg (A. Fadeev, I. Babel, M. Bulgakov).

Interdisziplinäre Verbindungen: historische Quellen des Romans „Quiet Don“ (Werke von V. Vladimirova, A. Frenkel, M. Korchin usw.); „Quiet Don“ in Illustrationen von Künstlern (S. Korolkov, O. Vereisky, Yu. Rebrov) und Filmversionen (Film von I. Pravov und O. Preobrazhenskaya (1931), S. Gerasimov (1958).

Zum unabhängigen Lesen: Geschichten „Azure Steppe“, „Shibalkovo Seed“, „Muttermal“.

Auf der literarischen Karte Russlands

Rezension der Werke von B.V. Shergina, A.A. Prokofieva, S.N. Markov – freiwillig. Die Fähigkeit, die Charaktere russischer Entdecker in den Werken von S. Markov nachzubilden. Das spirituelle Erbe des russischen Liedes Nord in den Werken von B. Shergin. Das poetische Bild Russlands in den Texten von A. Prokofjew.

M.A. Bulgakow

Der Roman „Der Meister und Margarita“ ist ein „Labyrinthroman“ mit komplexen philosophischen Themen. Das Zusammenspiel dreier Erzählebenen im figurativen und kompositorischen System des Romans. Moralischer und philosophischer Klang der „Yershalaim“-Kapitel. Satirisches „teuflisches Spiel“ von M.A. Bulgakow im Roman. Die Untrennbarkeit der Verbindung zwischen Liebe und Kreativität in den Problemen von „Der Meister und Margarita“. Der Weg von Ivan Bezdomny bei der Suche nach seiner Heimat.

Grundbegriffe: „historische Landschaft“; Karnevalsgelächter; Essay über Moral.

Innersubjektbezogene Verbindungen: Evangeliumsmotive in der Prosa von M. Bulgakov; Traditionen der Weltliteratur in „Der Meister und Margarita“ (I.V. Goethe, E.T.A. Hoffman, N.V. Gogol).

Interdisziplinäre Verbindungen: M. Bulgakov und Theater; Bühnen- und Filminterpretationen der Werke von M. Bulgakov; musikalische Reminiszenzen in Bulgakows Prosa.

Zum unabhängigen Lesen: die Geschichte „Die rote Krone“, die Geschichte „Herz eines Hundes“, die Theaterstücke „Running“, „Tage der Turbinen“.

B.L. Pastinake

Gedichte „Februar. Holt die Tinte raus und weint!...“, „Es schneit“, „Weinender Garten“, „Im Krankenhaus“, „Winternacht“, „Hamlet“, „Bei allem möchte ich auf den Punkt kommen...“ “, „Die Definition von Poesie“, „Garten Gethsemane“ und andere Ihrer Wahl. Die Einheit der menschlichen Seele und der Elemente der Welt in den Texten von B.L. Pasternak. Die Untrennbarkeit der Verbindung zwischen Mensch und Natur, ihre gegenseitige Kreativität. Liebe und Poesie, Leben und Tod im philosophischen Konzept von B.L. Pasternak. Die Tragödie von Hamlets Konfrontation zwischen dem Künstler und der Epoche im Spätwerk des Dichters. Metaphorischer Reichtum und bildliche Helligkeit der Texte von B.L. Pasternak.

Roman „Doktor Schiwago“. Merkmale einer neuen lyrisch-religiösen Erzählung im Roman von B.L. Pasternak. Die Figur von Juri Schiwago und das Problem der Intelligenz und Revolution im Roman. Moralische Suche Held, seine Einstellung zur revolutionären Doktrin der „Neugestaltung des Lebens“. „Gedichte von Juri Schiwago“ als letzter lyrischer Akkord der Geschichte.

Grundkonzepte: metaphorische Reihe; lyrische und religiöse Prosa.

Innersubjektive Verbindungen: B. Pasternak und die Poesie des russischen Futurismus; Gospel- und Shakespeare-Themen in den Texten und der Prosa des Dichters; B. Pasternak und V. Mayakovsky.

Interdisziplinäre Verbindungen: Zeichnungen von L.O. Pasternak; musikalische Bilder von F. Chopin in den Texten von B. Pasternak.

Zum selbstständigen Lesen: die Zyklen „Meine Schwester ist das Leben“, „Wenn es klar wird“, das Gedicht „Neunhundertfünftes Jahr“.

A.P. Platonow

Geschichten „Return“, „Juli-Gewitter“, „Fro“, Geschichten „ Versteckter Mann", "Grube" - optional. Originalität, Originalität Kunstwelt A.P. Platonow. Der Typus des platonischen Helden – ein Träumer, ein Romantiker, ein Wahrheitssucher. „Kindlichkeit“ des Stils und der Sprache des Autors, das Thema der Kindheit in der Prosa von A.P. Platonow. Die Beziehung zwischen dem Helden des „nachdenklichen“ Autors und der revolutionären Doktrin des „universellen Glücks“. Die Bedeutung des tragischen Endes der Geschichte „The Pit“, die philosophische Mehrdeutigkeit ihres Titels. Die Rolle von „Schlüssel“-Wortkonzepten im künstlerischen System des Schriftstellers.

Grundkonzepte: individueller Stil des Autors; Literarische Dystopie.

Intrasubjektive Verbindungen: das dystopische Genre in den Werken von A. Platonov und E. Zamyatin. Sharikov A.P. Platonova und Sharikov M.A. Bulgakow („Der verborgene Mann“ – „Herz eines Hundes“).

Interdisziplinäre Verbindungen: Prosa von A. Platonov und Malerei von P. Filonov.

Zum unabhängigen Lesen: Geschichten „Das Mutterland der Elektrizität“, „Der alte Mechaniker“, die Geschichte „Jan“.

V.V. Nabokov

Roman „Maschenka“. Das Drama der Emigranten-Nichtexistenz der Helden von Mashenka. Das Bild von Ganin und der Typus des „Helden des Kompromisses“. Die Originalität der Handlungs-Zeit-Organisation der Erzählung. Merkmale von Tschechows „Tölpeln“ bei den Bewohnern der Pension von Frau Dorn. Nabokovs verbale Plastizität bei der Offenlegung des Innenlebens der Charaktere und der Beschreibung des „materiellen“ Lebens. Das Ende des Romans hat einen bitter ironischen Klang.

Grundkonzepte: Eliteprosa; literarische Zweisprachigkeit.

Intrasubjektbezogene Verbindungen: Puschkin-Erinnerungen und der Roman „Maschenka“; V. Nabokov und I. Bunin.

Interdisziplinäre Verbindungen: literarische Zweisprachigkeit in den Werken von V. Nabokov; die Überlegungen des Autors zur künstlerischen Bedeutung der russischen Sprache.

Zur unabhängigen Lektüre: die Geschichte „Wolke, See, Turm“, der Roman „Die Verteidigung von Luzhin“.

Literatur der großen Zeit Vaterländischer Krieg

Reflexion der Chronik der Kriegsjahre in den Werken russischer Schriftsteller. Journalismus während des Krieges (A. Tolstoi, I. Ehrenburg, L. Leonov, O. Berggolts, Y. Grossman usw.).

Liedtexte der Kriegsjahre. Liedpoesie von V. Lebedev-Kumach, M. Isakovsky, L. Oshanin, E. Dolmatovsky, A. Surkov, A. Fatyanov.

Das Genre des Gedichts in der literarischen Chronik des Krieges („Zoya“ von M. Aliger, „Son“ von P. Antokolsky, „Twenty Eight“ von M. Svetlov usw.). A. Tvardovskys Gedicht „Wassili Terkin“ als Höhepunkt des Krieges. Verherrlichung der Leistung des Volkes und des russischen Soldaten im „Buch über einen Kämpfer“.

Prosa über den Krieg. „Days and Nights“ von K. Simonov, „Star“ von E. Kazakevich, „Satellites“ von V. Panova, „Young Guard“ von A. Fadeev, „The Tale of a Real Man“ von B. Polevoy, „In die Schützengräben von Stalingrad“ von V. Nekrasov usw.

BEI. Twardowski

Gedichte „Das ganze Wesen liegt in einem einzigen Bund...“, „Über existierende Dinge“, „Der zerrissene Sockel des Denkmals ist zerschmettert…“, „Ich weiß, es ist nicht meine Schuld…“, „In Erinnerung an die Mutter“, „Ich werde es selbst herausfinden, ich werde danach suchen ...“, „Was auch immer Sie der Menschheit vorwerfen wollen ...“ und andere Ihrer Wahl. Zuversicht und Wärme der lyrischen Intonation von A. Tvardovsky. Liebe zur „wahren Wahrheit“ als Hauptmotiv des „lyrischen Epos“ des Künstlers. Erinnerung an den Krieg, das Thema moralischer Prüfungen auf den Straßen der Geschichte in Werken verschiedene Jahre. Philosophische Fragen späte Poesie des Dichters.

Gedicht „Mit dem Recht der Erinnerung“. „Durch das Recht der Erinnerung“ als Gedicht-Geständnis, Gedicht-Testament. Das Thema Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft im Lichte des historischen Gedächtnisses, Lehren aus Erfahrung. Staatsbürgerschaft und moralische Höhe der Position des Autors.

Grundbegriffe: lyrisch-patriotisches Pathos; lyrisches Epos.

Intrasubjektbezogene Verbindungen: I.A. Bunin über das Gedicht „Wassili Terkin“; Nekrasov-Traditionen in den Texten von A. Tvardovsky.

Interdisziplinäre Verbindungen: literarische Tätigkeit A. Tvardovsky in der Zeitschrift „New World“: Dokumente, Beweise, Erinnerungen.

Zum selbstständigen Lesen: Gedichte „Grausame Erinnerung“, „Wie nach den Schneestürmen im März ...“, „Mitternacht in meinem Stadtfenster ...“, Gedichte „Haus an der Straße“, „Jenseits der Distanz – die Distanz“.

Es waren „kollektivistische“ Themen, die in der verbalen Kunst der 30er Jahre zu einer Priorität wurden: Kollektivierung, Industrialisierung, der Kampf eines revolutionären Helden gegen Klassenfeinde, sozialistischer Aufbau, die führende Rolle der Kommunistischen Partei in der Gesellschaft usw.

Dies bedeutet jedoch keineswegs, dass in den Werken, die im Geiste „Partei“ waren, keine Hinweise auf schriftstellerische Besorgnis über die moralische Gesundheit der Gesellschaft und die traditionellen Fragen der russischen Literatur über das Schicksal des „kleinen Mannes“ zu finden waren. wurden nicht gehört. Lassen Sie uns nur ein Beispiel geben.

Im Jahr 1932 schuf V. Kataev einen typisch „kollektivistischen“ Industrieroman „Time, Forward!“ darüber, wie beim Bau des Magnitogorsker Eisen- und Stahlwerks der Weltrekord im Betonmischen gebrochen wurde. In einer der Episoden wird eine Frau beschrieben, die Bretter trägt.

„Hier ist zum Beispiel einer.

In einem rosa Wollschal, in einem gerafften Country-Rock. Sie kann kaum gehen, tritt schwer auf die Fersen und taumelt unter dem Gewicht der Bretter, die sich wie Federn auf ihrer Schulter biegen. Sie versucht, mit anderen mitzuhalten, verliert aber ständig den Schritt; Sie stolpert, sie hat Angst, zurückzufallen, sie wischt sich beim Gehen schnell mit dem Ende ihres Taschentuchs über das Gesicht.

Ihr Bauch ist besonders hoch und hässlich. Es ist klar, dass sie sich in ihren letzten Tagen befindet. Vielleicht hat sie noch Stunden übrig.

Warum ist sie hier? Was denkt sie? Was hat es mit allem drumherum zu tun?

Unbekannt."

Über diese Frau wird im Roman kein Wort verloren. Aber das Bild ist entstanden, die Fragen sind gestellt. Und der Leser weiß zu denken... Warum arbeitet diese Frau mit allen anderen zusammen? Aus welchen Gründen wurde sie ins Team aufgenommen?

Das gegebene Beispiel ist keine Ausnahme. In den meisten bedeutenden Werken der „offiziellen“ sowjetischen Literatur der 30er Jahre findet man ebenso verblüffend wahrheitsgetreue Episoden. Solche Beispiele überzeugen uns davon, dass die heutigen Versuche, die Vorkriegszeit in der Literatur als „Ära der Stummbücher“ darzustellen, nicht ganz stichhaltig sind.

In der Literatur der 30er Jahre herrschte Vielfalt künstlerische Systeme. Zusammen mit der Entwicklung des sozialistischen Realismus war die Entwicklung des traditionellen Realismus offensichtlich. Es manifestierte sich in den Werken ausgewanderter Schriftsteller, in den Werken der Schriftsteller M. Bulgakov, M. Zoshchenko und anderer, die im Land lebten. Offensichtliche Merkmale der Romantik sind im Werk von A. Green erkennbar. A. Fadeev und A. Platonov waren keine Unbekannten in der Romantik. In der Literatur der frühen 30er Jahre tauchte die OBERIU-Richtung auf (D. Kharms, A. Vvedensky, K. Vaginov, N. Zabolotsky usw.), die dem Dadaismus, Surrealismus, dem Theater des Absurden und der Literatur des Bewusstseinsstroms nahe steht.

Die Literatur der 30er Jahre zeichnet sich durch eine aktive Interaktion zwischen verschiedenen Literaturgattungen aus. Das biblische Epos manifestierte sich beispielsweise in den Texten von A. Akhmatova; M. Bulgakovs Roman „Der Meister und Margarita“ hat viele Gemeinsamkeiten mit dramatischen Werken – vor allem mit I. V. Goethes Tragödie „Faust“.

In dieser Phase der literarischen Entwicklung veränderte sich das traditionelle Genresystem. Es entstehen neue Romantypen (vor allem der sogenannte „Industrieroman“). Der Handlungsentwurf eines Romans besteht oft aus einer Reihe von Essays.

Die Autoren der 30er Jahre waren in ihren kompositorischen Lösungen sehr unterschiedlich. „Produktions“-Romane zeigen meist ein Panorama des Arbeitsprozesses und verknüpfen die Entwicklung der Handlung mit den Bauphasen. Die Komposition eines philosophischen Romans (V. Nabokov spielte in dieser Genrevariante) ist vielmehr nicht mit äußerer Handlung verbunden, sondern mit dem Kampf in der Seele der Figur. In „Der Meister und Margarita“ präsentiert M. Bulgakov einen „Roman im Roman“, und keine der beiden Handlungsstränge kann als führend angesehen werden.

Schriftsteller A. Tolstoi und M. Sholokhov