Was studiert das Fach Weltkünstlerische Kultur? Was bringt uns das Studium von MHC?

Ziel der Lektion: Schaffung von Bedingungen für die Offenlegung der Merkmale der Moderne in Malerei und Architektur durch das analytische und kreative Potenzial von Gymnasiasten.

Aufgaben:

Durchführung selbstständiger Arbeiten von Gymnasiasten in Gruppen (Analyse von Kunstwerken);
Einführung der Schüler in eine Vielzahl kreativer Ansätze durch visuelles Demonstrationsmaterial;
Ausführung kreative Arbeitüber die Schaffung eines ornamentalen Motivs im Jugendstil;
Demonstration der subjektiven Wahrnehmung der moralischen Fragen des künstlerischen Stils durch Schüler.

Unterrichtsausrüstung:

Computerpräsentation (Computer, Projektor, Leinwand);
Computer mit Internetzugang;
Notizbücher, Buntstifte.

Detaillierte schematische Unterrichtsplanung:

FORTSCHRITT DER LEKTION

I. Grüße

Ankündigungen über bevorstehende kreative Arbeiten zur Erstellung einer Zeichnung in einem neuen Stil. Demonstration von drei Werken in einem neuen (unerforschten) Stil: „Der Kuss“ von G. Klimt, „Der Dämon“ von M. Vrubel, „Casa Mila“ von A. Gaudi ( Anhang 1 , Folie 1)

II. Lehrer:

- Erinnern wir uns an das, was wir in der letzten Lektion dargestellt haben (Zwei Äpfel, einer im Geiste des Impressionismus, der andere im Postimpressionismus).

– Wie unterscheiden sich diese beiden Äpfel? (Die Ausdrucksmittel und die Idee, die in dieses Bild investiert werden, werden notiert, was für die Impressionisten und Postimpressionisten von Bedeutung sein wird.)
– Welche Ausdrucksmittel des Impressionismus bzw. Postimpressionismus werden Ihrer Meinung nach in den präsentierten Werken verwendet? (In Bezug auf die Ausdruckskraft werden diese Werke dank des linearen Musters und der Klarheit der Silhouette dem Postimpressionismus nahe kommen.)
Abschluss: Die Hauptsache sind die Bilder Symbol

Künstlervereinigungen „Welt der Kunst“ „Sezession“ (Folie 10).
Die Moderne konzentriert sich auf Traditionen im Gegensatz zur Antike und Renaissance, auf die Kunst der Vorrenaissance, auf das russische und westliche Mittelalter (Folie 11).
Die Moderne ist geprägt von der Sehnsucht nach „hybriden“ Bildern – Meerjungfrauen, Zentauren, Sphinxen (Folien 12-16).
Es werden gruselige Symbole für Dunkelheit und Nacht verwendet. Das Farbschema von Modern erzeugt beim Betrachter das Gefühl, sich in einem Unterwasserreich zu befinden, in einer Welt aus mehrwertigen Symbolen (Folien 17-19).
Charakteristisch sind Träume von Schönheit und jenseitigen Dingen (Folien 20-21).
Es besteht ein Bekenntnis zu Bildern der Natur und insbesondere zum Element Wasser. Er ist bestrebt, die Verbindung zwischen Mensch und Natur wiederherzustellen, was sich in der weit verbreiteten Durchdringung „pflanzlicher“ Motive manifestiert (Folien 22-29).
Moderne eröffnet Design. Einheit von Stil und Ensemble (Folien 30-31).
Ein Objekt, ein Motiv ist ein Zeichen eines anderen Inhalts, universell und ewig. Äußeres und Inneres, Sichtbares und Unsichtbares sind untrennbar miteinander verbunden.
Der Modernismus neigt zur Stilisierung (Folie 33).

Übung: Wählen Sie aus den vorgeschlagenen Wörtern nur diejenigen aus, die für den modernen Stil charakteristisch sind.
Wörter: Schönheit, Leere, Spiritualität, Realismus, Symbol, Prunk, Dekorativität, Harmonie, Frivolität, Primitivität, Understatement, Erzählung, Nationalität, Orientalismus, Kanonizität, Selbstausdruck.

Übung: Nehmen Sie Folgendes an und beschreiben Sie es:

Stilstärken (Schönheit, Gesamtkunstwerk, Selbstdarstellung usw.)
Schwächen des Stils (Unverständlichkeit von Symbolen, Realitätsvermeidung)
Stilmöglichkeiten („Schönheit wird die Welt retten“, weit verbreitete Verwendung im Design)
Risiken (hohe Kosten des Projekts, aufgrund der Meinungsfreiheit, ins Chaos geraten – Modernismus))

VI. Kreative Arbeit

Bild einer Blume im Jugendstil. Vor der kreativen Arbeit werden 34, 35 Folien gezeigt Bewerbungen 1 , wo Oberstufenschüler aus den vorgeschlagenen Emblemen verschiedener Künste solche im Jugendstil auswählen.
Auf der Tafel stellt der Lehrer eine gewöhnliche, einfach geformte Blume dar. Gymnasiasten sind eingeladen, diese Blume im Geiste des Jugendstils darzustellen, ihre Form zu verkomplizieren und ein ornamentales Muster hinzuzufügen.

Beispiel einer abgeschlossenen kreativen Arbeit

V. Aus den vorgeschlagenen Aphorismen, Zitaten und Aussagen werden die Schüler gebeten, diejenigen auszuwählen, die das Thema der Lektion am besten widerspiegeln.

„Die neue Kunst war von Anfang an prätentiös und narzisstisch. Es führte unweigerlich dazu verschiedene ArtenÜbertreibung, Inkongruenz und Extravaganz ...“
„Wen immer ein Mensch darzustellen unternimmt, der spielt immer gleichzeitig sich selbst“ ( M. Montain B)
„Malerei ist etwas Ähnliches zwischen einem Gedanken und einer Sache“ ( S. Coleridge)
„Persönliche Präsenz schadet dem Ruhm“ ( F. Petrarca)
„Vieles, was sich moderne Kunst nennt, ist Geschwätz über das, was die alte Kunst bereits klar gesagt hat.“
„Ein Haus sollte seinem Besitzer passen wie ein makellos geschnittenes Kleid“ Architekt ( V.Orta)
„Ich schaue diesen Film zum vierten Mal und ich muss Ihnen sagen, dass die Schauspieler heute wie nie zuvor gespielt haben“ ( F. Ranevskaya)

2. Heben Sie die Funktionen des MHC-Kurses hervor.

* Volkov N.N. Künstlerische Wahrnehmung. M., 1997, S. 283.

Kapitel 1. Künstlerische Wahrnehmung.

Der Begriff der „ästhetischen Wahrnehmung“* in Bezug auf den funktionalen, sozialpsychologischen Aspekt der Kunst hat sich allgemein durchgesetzt. Manchmal werden jedoch Einwände erhoben, weil es nicht völlig ausreichend sei, den komplexen, vielschichtigen Prozess der ästhetischen Erkenntnis und ästhetischen Kommunikation zu charakterisieren. Einige Autoren schlagen radikale Maßnahmen vor: Dieses Konzept zugunsten der „ästhetischen Kontemplation“ oder des „ästhetischen Wissens“ aufzugeben. Bei aller Aufmerksamkeit für ästhetische Kontemplation und Empathie, die für die moderne Theorie erforderlich sind, ist es kaum möglich, damit auszukommen. „Wahrnehmung“ hat eine starke Tradition, die bis ins 18. Jahrhundert zurückreicht, in die Blütezeit der psychologischen Kunstkonzepte der Aufklärung. Es geht auf Dubos, Burke, Home und viele andere Namen sinnlicher Geschmacksästhetik zurück. Die Tradition der Verwendung des Begriffs „Wahrnehmung“, die von der deutschen klassischen philosophischen Ästhetik verdrängt wurde und Konzepte wie „ästhetische Erkenntnis“ und „Kontemplation“ kultivierte, hat 2013 wieder an Stärke gewonnen letztes Jahrhundert als der zweite gegründet wurde historische Bühne psychologische Ästhetik, basierend auf Experimenten, Beobachtungen und psychologischen Daten (die Psychologie der Kreativität und die Psychologie der Wahrnehmung).* Wahrnehmung ist bekanntlich eine bestimmte Ebene der sensorischen Kognition

* Tkemaladze A. Fragen des ästhetischen Wissens. M., 1987, S. 46.

* Ebenda, S. 49.

Prozess – die Reflexion von Objekten durch Menschen und Tiere mit ihrer direkten Einwirkung auf die Sinnesorgane in Form integraler Sinnesbilder.“* Der Begriff der Wahrnehmung erfasst die direkte Einwirkung auf die Sinnesorgane, die Bildung integraler Bilder, deren starke Sinnesbasis und der Verlauf des Prozesses in der Gegenwart, dem die Vergangenheitsphase vorausgeht und die Zukunftsphase folgt.

Ästhetische Wahrnehmung kann nur Verständnis und Bewertung, Verständnis und Fähigkeit zur Geschmacksreaktion umfassen, einen Mechanismus, bei dem allgemeine kulturelle und persönliche Normen sozioästhetischer Natur in filmischer Form dargestellt werden. Die individuelle ästhetische Wahrnehmung wird in erster Linie durch das Reflexionsobjekt, die Gesamtheit seiner Eigenschaften, bestimmt.

Aber der Reflexionsprozess ist nicht tot, kein Spiegelakt der passiven Reproduktion eines Objekts, sondern das Ergebnis der aktiven spirituellen Aktivität des Subjekts, der zielgerichteten Haltung seines Bewusstseins; es wird indirekt durch die soziohistorische Situation, die Wertorientierungen einer bestimmten sozialen Gruppe, zutiefst persönliche Einstellungen, Geschmäcker und Vorlieben des Wahrnehmenden bestimmt, die zuvor gebildet wurden. Wenn die Kommunikation mit einem Kunstobjekt in drei in unserer ästhetischen Wissenschaft akzeptierte Phrasen unterteilt wird – präkommunikativ, kommunikativ und postkommunikativ – dann sollte die Wahrnehmung als die wichtigste kognitiv-psychologische betrachtet werden

*Philosophische Enzyklopädie. T. 1, M., 1990 S. 292..

die Entstehung der kommunikativen Phase selbst, wenn ein Kunstwerk zum Gegenstand direkter Einflussnahme auf den Betrachter und seine Wahrnehmung wird. Mittlerweile wurde in der Literatur zur Ästhetik mehrfach darauf hingewiesen, dass der Begriff „Wahrnehmung“ in seinem Begriffssystem in zwei Bedeutungen verwendet wird – weit und eng, sowie als Begriff des ästhetischen Geschmacks. Es gibt einen Unterschied zwischen Wahrnehmung im engeren Sinne – Wahrnehmungshandlungen der Objekte, die unseren Sinnen gegeben werden, und im weiteren Sinne – einem relativ langen Prozess, der Denkhandlungen, die Interpretation der Eigenschaften eines Objekts und das Finden von Systemen umfasst verschiedener Zusammenhänge und Korrelationen im wahrgenommenen Objekt.

Nach Ansicht einiger Wissenschaftler ist die Wahrnehmung in im engeren Sinne In der Psychologie wird es als der Prozess verwendet, durch den Menschen Informationen sensorischen Ursprungs organisieren und verarbeiten. Im weitesten Sinne des Wortes, wenn wir nicht nur die Ebene der Sinneswahrnehmung meinen, sondern auch Ansichten über das Leben, die Weltanschauung, die Interpretation von Ereignissen usw., wird dieser Begriff von der Anthropologie und der breiten Öffentlichkeit verwendet. Mit einem Wort: Es gibt Grund, den Begriff „künstlerische Wahrnehmung“ sowohl im engeren als auch im weiten Sinne des Wortes zu verwenden.

Der Prozess der ästhetischen Wahrnehmung hat seine eigene Vergangenheit und Zukunft, was sich besonders in der Wahrnehmung temporärer Künste bemerkbar macht, deren Gegenstand den Wahrnehmenden kraftvoll führt, die wahrgenommenen Bilder im Gedächtnis speichert und die Wahrnehmung in der Zukunft vorhersagt, was in den meisten Fällen der Fall ist an diesem Ort stattfinden, und zwar in einem relativ kontinuierlichen Zeitraum (Kino, Konzerte, Theater, Zirkus, Varieté), kann aber auch über einen unbestimmten Zeitraum und einen relativ langen Zeitraum andauern (ein Roman zum alleinigen Lesen, eine Fernsehserie, u. a.). Lesezyklus große Form im Radio). Allerdings hat die ästhetische Wahrnehmung auch in diesem Fall eine gewisse zeitliche Begrenzung, einen Rahmen, der den Anfang und das Ende dieses Prozesses markiert, eingerahmt von mehr oder weniger langen Phasen seines „Kommens“ und seines „Abschlusses“.

Die Wahrnehmung eines Kunstwerks kann entweder primär oder vielfältig sein. Die primäre Wahrnehmung kann vorbereitet (Bekanntschaft mit Kritik, mit Rezensionen von Menschen, denen wir vertrauen) oder unvorbereitet, d. h. wie bei Null begonnen, mit dem Wissen über ein Kunstwerk begonnen werden. In den allermeisten Fällen ist es beabsichtigter Natur (wir gehen in ein Konzert, ins Theater, in eine Ausstellung, ins Kino), es kann aber auch unbeabsichtigt sein (ein versehentlich in die Hand genommenes Buch, eine im Fernsehen gesehene Sendung usw.). Klang, der unsere Aufmerksamkeit erregte Stück Musik im Radio das Erscheinen einer architektonischen Struktur, die plötzlich vor uns auftauchte). In den meisten Fällen handelt es sich bei der Wahrnehmung um eine spezifische „Kombination“ aus Absicht und Unabsichtlichkeit: Als wir die Ausstellung besuchen wollten, wussten wir nicht, was unsere besondere Aufmerksamkeit auf sie lenken würde, welche Art von Leinwänden, grafischen Blättern und Skulpturen uns ein ästhetisches Erlebnis vermitteln würden Aufregung und Anlass zur langfristigen ästhetischen Betrachtung. Die wiederholte Wahrnehmung kann auf einer solchen ausreichenden Kenntnis des Werkes basieren, die mit dem Auswendiglernen verbunden ist.

Auch rein formale Eigenschaften können unsere Aufmerksamkeit auf ein Werk lenken, ähnliche Themen, was uns an nicht-künstlerischen Objekten reizt: die Größe des Bildes, der ungewöhnliche Rahmen, den wir schon von weitem sehen, das kunstvoll bemalte Material usw. Aber tatsächlich ist der erste Test für die ästhetische Wahrnehmung das Eintreten in eine Art Mikrobild. In einem literarischen Werk: die erste poetische Zeile, in einem Roman – der erste Satz oder Absatz. Ein Bild ist aufgetaucht – und der Leser ist bereits davon berührt, angezogen oder nicht angezogen. So angezogen, dass man zum Beispiel weiterlesen kann. Das erklingende Thema, die Melodie, der eingefangene Umriss der menschlichen Figur, das kompositorische Zentrum des Stilllebens, seine wunderschön dargestellte Frische, Samtigkeit, Farbklänge – all dies kann eine vorläufige prädiktive Emotionsbewertung bewirken, die wir klären, entwickeln, bestätigen, ergänzen usw. im Prozess der weiteren Wahrnehmung .d. und manchmal widerlegen. Wenn wir ein Werk zum ersten Mal wahrnehmen und diese Wahrnehmung nicht vorbereitet ist, dann gehen wir bei der Gestaltung dieses Prozesses nicht von einer Bildhaltung aus, nicht von Vorstellungen darüber aus ganze Arbeit und aus einem unmittelbar erfassten und vorbewerteten Teil auf einer intuitiven Ebene - eine künstlerische und figurative Komponente, die den Eindruck des Ganzen, oder genauer gesagt, eine Vorahnung des Ganzen erzeugt. Der Grad der Unvorhersehbarkeit des Ganzen ist bei der ersten und unvorbereiteten Wahrnehmung eines Kunstwerks äußerst hoch. Die Erwartung bestimmter Richtungen, in die sich Thema, Charakter, Handlung usw. entwickeln, entsteht im Prozess der „Beherrschung“ des Werkes, im Prozess des Verstehens seiner inneren moralischen, psychologischen, kompositorischen und stilistischen Normen. Bei visuell wahrgenommenen Kunstwerken dominiert hier eher die sogenannte Betrachtung erworbener, vom Rezipienten spirituell angeeigneter Qualitäten.

Bei der Wahrnehmung temporärer Kunstwerke geben wir uns der Ruhe-Kontemplation nur in der Erinnerung hin, in der Nachwirkungsphase, die als Ergebnis einer komplexen Arbeit an der Synthese und dem Vergleich von in der Vergangenheit erhaltenen Informationen mit Informationen, die „gebracht“ werden, entsteht im Moment Wahrnehmung.

Wenn im Prozess der primären Wahrnehmung eines Kunstwerks das Moment der Überraschung und Neuheit dominiert, dann „bewegen“ wir uns bei der wiederholten Wahrnehmung in Richtung einer bestimmten Erwartung. Es basiert auf einem zuvor erstellten Bild eines Kunstwerks, in manchen Fällen sogar gestützt durch detailliertes Wissen darüber, Wissen „auswendig“. Um den Prozess der ästhetischen Wahrnehmung zu verstehen, ist W. Wundts Idee nicht ohne Interesse, dass die Abfolge im System „Gefühl-Vorstellung“ zwischen den Sinnesrepräsentationen, die unter dem Einfluss äußerer Reize entstehen, und den Repräsentationen, die bei der Reproduktion durch das Gedächtnis entstehen, unterschiedlich ist . Im ersten Fall folgen Gefühle den Ideen, im zweiten Fall umgekehrt. Bei der Mehrfachwahrnehmung ist der Ausgangspunkt nicht wie bei der Primärwahrnehmung ein Bestandteil des Ganzen, sondern das künstlerische Ganze als solches, bzw. eine figurativ-emotionale Idee des Werkes, ein bestimmtes im existierenden Objekt ästhetischer Wahrnehmung Geist. In dieser Situation kommt der Zufriedenheit durch die Bestätigung der Erwartungen eine große Bedeutung zu, wenn die anfängliche Wahrnehmung positiv war. Der Grad der Befriedigung aus der Übereinstimmung des bisherigen ästhetischen Objekts (dem Gesamtbild eines Kunstwerks) mit den im Prozess der Neuwahrnehmung gewonnenen Eindrücken ist bei nichtdarstellenden Künsten (wiederholtes Lesen von Gedichten, Besuch einer Kunstgalerie) extrem hoch ). Die Neuheit des ästhetischen Eindrucks (das Unerwartete darin) wird durch seine größere Vollständigkeit erreicht, durch die Möglichkeit, die vielen zusätzlichen Komponenten künstlerischer Integrität besser zu berücksichtigen, sich klarer vorzustellen und sie mit dem Kern des poetischen Konzepts in Beziehung zu setzen. Das Subjekt der Wahrnehmung befindet sich bei wiederholter oder einfach wiederholter Kommunikation mit einem Kunstwerk in einer neuen Situation, die oft durch die Erweiterung seines ästhetischen, moralischen und allgemeinen kulturellen Potenzials bestimmt wird Aktivität des Subjekts. Der Gegenstand der ästhetischen Wahrnehmung ist, wenn er Veränderungen erfährt, nicht so bedeutsam. Für die Genauigkeit des gezeichneten Bildes müssen diese Änderungen jedoch berücksichtigt werden.

Erstens kann das Werk in einem neuen künstlerischen Kontext erscheinen (bei einer persönlichen Ausstellung des Künstlers, in den gesammelten Werken eines Schriftstellers). Selbst eine uns bekannte Aufnahme wird in einem anderen künstlerischen Bereich und einem neuen Situationskontext (beim öffentlichen Hören beispielsweise in einem Musikmuseum) neu wahrgenommen.

Zweitens ist die „statische Natur“ künstlerischer Objekte nicht gegeben darstellende Künste wird durch ihre Ausstrahlung über den Kanal neuer Materialien und technischer Kommunikation (Kino, Fernsehen) durch die Schaffung eines besonderen Dokumentarfilms gestört. Diese Art der Ausstrahlung stellt ein Kunstwerk nicht nur in eine neue künstlerische Dimension (z. B. im Bereich der musikalischen Begleitung), sondern bietet auch die Möglichkeit, bekannte Objekte in ihrer Gesamtheit neu zu sehen, dank unerwartete Winkel, Kamerabewegung (Vergrößern – Verkleinern, Nahaufnahme), und dadurch durch eine Zunahme der Details eine Fokussierung der Aufmerksamkeit auf diese, gefolgt von einer schnellen Bewegung hin zum Ganzen. Gleichzeitig ist das Fernsehen nicht nur ein allmächtiger, sondern auch unser heimtückischer Assistent, der die Illusion erzeugt, dass man alles über den Künstler erfahren kann, ohne das Haus zu verlassen.

Drittens kann die Neuheit der Informationen eines statischen Objekts – eines Kunstwerks – durch die Restaurierung der Leinwand- und Farbschicht sowie die Restaurierung zahlreicher Baudenkmäler bestimmt werden.

Viertens verändert sich der Eindruck desselben künstlerischen Gegenstandes, wenn wir ihn durch eine Reproduktion kennenlernen und erst anschließend das Original wahrnehmen. Die moderne Kunstkultur ist durch eine Situation der Mehrfachwahrnehmung gekennzeichnet – einen Übergang von der Bekanntschaft mit einem Werk über Reproduktionen, Grafiken, Fernseh- und Filmbilder hin zur Kommunikation mit dem Original. In beiden Fällen ist die Wahrnehmung frei von primären Qualitäten: Sie ist auf das im Kopf des Empfängers gebildete Bild des Werkes überlagert, obwohl sie vorläufiger, einleitender Natur ist.

Wiederholte Wahrnehmung ist ein notwendiger Bestandteil künstlerischer Kultur. Also, A.V. Bakushinsky schrieb, dass einmalige Ausflüge ins Museum eine Linderung seien. V.F. Asmus äußerte sich sogar noch radikaler: „...ohne Gefahr zu laufen, in ein Paradoxon zu verfallen, sagen wir mal, dass die wahre erste Lektüre eines Werkes, das wahre erste Hören einer Symphonie streng genommen nur ihr zweites Hören sein kann.“ Es ist die sekundäre Lektüre, die eine solche Lektüre sein kann, bei der die Wahrnehmung jedes einzelnen Bildes vom Leser und Zuhörer sicher auf das Ganze bezogen wird.“

Hegels Briefe aus Wien sind in dieser Hinsicht äußerst interessant. Der Philosoph war schon immer davon überzeugt, dass die Schönheit von Kunstwerken durch die Freude bestätigt wird, die wir immer wieder erleben, wenn wir wiederkommen. Aus Wien schrieb er, dass er „hörte“ Barbier von Sevilla„Rossini hat zweimal gesagt, dass der Gesang italienischer Schauspieler so schön ist, dass man keine Kraft mehr hat, ihn zu verlassen, und weiter: „...das Sehen und Hören der örtlichen Kunstschätze ist im Allgemeinen in dem Maße abgeschlossen, in dem sie zugänglich waren.“ Mich. Weil ich sie weiter studieren würde, würde ich weniger tieferes Wissen erhalten, als vielmehr die Gelegenheit, sie wieder zu genießen; Es stimmt, ist es jemals möglich, mit dem Betrachten dieser Bilder aufzuhören, mit dem Hören auf diese Stimmen? Aber andererseits sollte dies zu einem tieferen und gründlicheren Verständnis führen, als es in jeder Hinsicht möglich und gelungen war.“*

Unsere Wahrnehmung hängt von historisch gewachsenen Interpretationen der Kultur ab, auch unbekannte Interpretationen beeinflussen sie indirekt. Nach mehrmaligem Kennenlernen des Originals ist dies nicht der Fall darstellender Typ Kunst wird die Neuheit ästhetischer Eindrücke und Erfahrungen durch Veränderungen des kulturellen und ästhetischen Potenzials bestimmt, vor allem durch das Wachstum und die Bereicherung der Bedürfnisse des Wahrnehmungssubjekts. Die Neuheit des Objekts der ästhetischen Wahrnehmung wird in viel geringerem Maße durch das Objekt der Wahrnehmung – ein Kunstwerk – bestimmt, obwohl wir oben einige Umstände seiner Funktionsweise und der damit einhergehenden Interpretation berücksichtigt haben, um die Genauigkeit des Bildes sicherzustellen. Neu

*Hegel. Ästhetik. T. 4, S. 531.

Aspekte der Arbeit werden durch die Neuheit des Kulturellen offenbart

die künstlerische Situation, in der es sich befindet: a) die Art der Ausstellung, in der sich der Kontext der Umgebung verändert; b) Foto-Fernseh-Filmbild, das der Begegnung mit dem Original sowohl vorausgehen als auch folgen kann.

Künstlerische Wahrnehmung als vollwertige, bewusste künstlerische und mitgestaltende Tätigkeit wird erst im Jugendalter möglich.

Es stellt sich die Frage: Warum in diesem Alter?

Während der Adoleszenz kommt es zu einem „Sprung“ in der psychophysiologischen Entwicklung des Individuums.

Die Aufmerksamkeit des Teenagers, die zuvor auf das Verständnis der umgebenden Realität gerichtet war („objektive“ Phase), kehrt zu seiner eigenen Persönlichkeit zurück. Gleichzeitig versucht der Teenager, seinen Platz in der Welt um ihn herum zu finden.

Zu diesem Zeitpunkt verfügt eine Person über ein ausreichend ausgereiftes Denken, die Fähigkeit, bestimmte Phänomene der Realität zu analysieren, die Fähigkeit, komplexe Widersprüche zu verstehen und gleichzeitig über Integrität zu verfügen

künstlerisches Bild durch die aktive Entwicklung der Vorstellungskraft.

In der Psyche eines Teenagers treten während der Pubertät völlig neue Qualitäten auf – eine Tendenz zur Selbstbeobachtung, Selbstbeherrschung, Selbstbewusstsein nimmt zu usw. Die Fähigkeit, sich über einen längeren Zeitraum zu konzentrieren, stellt sich ein

Manie, ein Bild zu betrachten. Im Alter von 14 bis 15 Jahren können Sie ein besonderes Interesse daran bemerken, die Persönlichkeit anderer Menschen zu verstehen, das aus der Aufmerksamkeit für sich selbst entsteht.

Daher besteht im Bereich der Wahrnehmung von Kunst (insbesondere bildender Kunst) ein erhöhtes Interesse an der Porträtmalerei.

In der künstlerischen Wahrnehmung kommt in diesem Alter der subjektive Faktor, der Moment der „Übertragung“, am aktivsten zum Ausdruck: Die Interpretation des künstlerischen Bildes spiegelt sich wider eigene Probleme Teenager.

Kapitel 2. Bildende Kunst: ihre Merkmale, Formen und Lehrmethoden.

Die Wahrnehmung der bildenden Kunst, die die Realität widerspiegelt, basiert auf der Wahrnehmung der Ästhetik der Realität, die wiederum durch die menschliche Kommunikation mit der Kunst bereichert wird. Jede echte künstlerische Wahrnehmung wird von sozialen und natürlichen Eindrücken beeinflusst, die diese Wahrnehmung bereichern und verändern.

Die Schönheit eines Kunstwerks, das eine Person darstellt, soll bei Schülern eine ästhetische Reaktion hervorrufen und sie durch Inhalt und Form emotional fesseln.

Erwähnenswert ist auch die besondere Aufmerksamkeit im Unterricht Schöne Künste befasst sich mit der Entwicklung des Sehvermögens als einem der wichtigsten Sinne des Menschen. „Der Kunstunterricht – ein akademisches Fach, das sich neben allen Schulfächern mit der Entwicklung des visuellen Systems des Kindes befasst, soll die visuelle Erfahrung der Kinder in Bezug auf ein breites Spektrum natürlicher Phänomene, Objekte und Phänomene der umgebenden Realität mobilisieren, entwickeln.“ die Fähigkeit, den Strom eingehender visueller Informationen zu sehen, zu beobachten, zu begründen und zu bewerten, Ordnung herzustellen und auszuwählen.“

Eine Person, die kein „ästhetisches Sehen“ entwickelt hat, ist nicht in der Lage, ein Gemälde oder eine Skulptur sofort und ohne fremde Hilfe als integrales, vollkommenes, vollständiges Kunstwerk in der Einheit von Form und Inhalt wahrzunehmen.

Was zeichnet die bildende Kunst aus?

Bildende Kunst als allgemeines Thema des künstlerischen Zyklus umfasst tatsächlich bildende Kunst als Teil der spirituellen Kultur, der Kunstgeschichte, der visuellen Kompetenz und der Entwicklung der Fähigkeit zum kreativen Selbstausdruck. Zu den Inhalten des Faches Bildende Kunst gehören: Wahrnehmung und Studium von Werken der bildenden Kunst, Beherrschung der visuellen Kompetenz und Entwicklung einer künstlerischen und kreativen Einstellung zur Realität, künstlerisches Denken und Kreativität der Kinder.

Was ist bildende Kunst? Dazu gehören jene Kunstarten, die auf einer Ebene oder im Raum visuell greifbare Bilder der umgebenden Welt erzeugen, die durch das Sehen wahrgenommen werden. Zur bildenden Kunst zählen solche künstlerisch ausgeführten Gegenstände, die das menschliche Leben schmücken. Diese Merkmale unterscheiden die bildende Kunst von Musik, Belletristik, Theater, Kino und anderen Künsten und charakterisieren sie als eine besondere Art von Kunst. Aber auch innerhalb der bildenden Künste gibt es eine eigene Einteilung in Gattungen: Malerei, Grafik, Bildhauerei, Dekoration Angewandte Kunst, theatralische und dekorative Darstellung der Welt, dekorative, künstlerische Konstruktion (oder Gestaltung). Alle diese Arten von bildender Kunst haben ihre eigene, einzigartige Besonderheit.

Malerei und Grafik schaffen ein künstlerisches Bild der objektiven Welt auf einer Ebene: Malerei – mit Hilfe von Farbe und Grafik – mit einem monochromatischen Muster. Die Gemälde werden auf Leinwand (manchmal auf einem Holzbrett) gemalt. Ölfarben. Grafische Arbeiten werden auf Papier oder Karton mit Bleistift, Tinte oder Pastell, Rötel, Aquarell oder Gouache angefertigt (mit diesen Farben hergestellte Arbeiten werden mit einiger Konvention als Grafiken klassifiziert: Sie nehmen eine Zwischenstellung zwischen Malerei und Grafik ein). Bei grafischen Arbeiten kann es sich auch um einen Druckabdruck von einem Holzbrett, einer Metallplatte oder einen Abdruck von einem Stein handeln, auf dem ein Motiv eingemeißelt (eingraviert) ist (Lithographie).

Skulptur ist im Gegensatz zu Malerei und Grafik dreidimensional und besteht aus harte Materialien(Holz, Stein, Metall, Gips...). Aber die Skulptur gibt auch – nur nicht in der Ebene, sondern im Raum – das wieder, was visuell, haptisch wahrnehmbar ist.

Die Tatsache, dass bildende Kunst die visuell wahrgenommene Welt nachbildet, bestimmt viele ihrer ästhetischen Merkmale. Es kann ein Gefühl der lebendigen Realität vermitteln und nicht nur die äußere Ähnlichkeit einfangen, sondern auch die Bedeutung des Dargestellten, den Charakter, das innere Wesen eines Menschen, die einzigartige Schönheit der Natur, den ganzen Farben- und Plastikreichtum der Welt offenbaren .

Einen besonderen Platz innerhalb der bildenden Künste nehmen die dekorativen und angewandten Künste ein. Es ist räumlich und wird, wie alle Arten dieser Kunst, durch Sehen und Fühlen wahrgenommen. Aber wenn Malerei, Bildhauerei und Grafik das Leben reproduzieren und dabei die Erscheinung des Dargestellten bewahren, dann bewahren Werke der dekorativen und angewandten Kunst diese Erscheinung nicht und stellen sie nicht direkt dar. Werke dieser Kunst befriedigen die praktischen und ästhetischen Bedürfnisse der Menschen, dienen ihnen und spiegeln das Leben nicht nur wider, sondern erschaffen es auch und werden zu einem integralen Bestandteil des menschlichen Lebens und Alltags.

Die möglichst vollständige Wahrnehmung von Kunstwerken erfordert eine besondere Ausbildung, Erfahrung im Umgang mit Kunst und Kenntnis ihrer Grundgesetze.

Der Lehrer hat das Recht, Kunstwerke nach eigenem Ermessen zu verwenden, abhängig vom künstlerischen Ausbildungsstand der Schüler, seinen persönlichen Neigungen, der Verfügbarkeit geeigneter Materialien usw.

Der Autor ist der Meinung, dass die Aufmerksamkeit der Studierenden darauf gerichtet sein sollte, persönliche, starke Alltagskontakte mit der Kunst – mit ihrer komplexen und vielfältigen Welt – aufzubauen. Während der Schulzeit muss ein Lehrer einem jungen Menschen lediglich keine Informationen, sondern ein System zum Verständnis der Inhalte der Kunst vermitteln, das dann im Laufe seines Lebens mit immer mehr Wissen gefüllt werden kann.

Das gesamte Programm ist klar in 3 Phasen unterteilt:

1) Klassen 1-3 – Grundlagen der künstlerischen Darstellung (die Aufgabe, das Kind auf emotionaler Ebene an alle vielfältigen Zusammenhänge zwischen Kunst und Leben heranzuführen);

2) Klassen 4-7 – Grundlagen des künstlerischen Denkens (die Aufgabe besteht darin, emotionale Verbindungen mit der Kunst, bewusste Verbindungen, sprachliche Verbindungen und Lebensfunktionen aller Arten von Kunst zu überbauen); Klassen 8-10 – die Grundlagen des künstlerischen Bewusstseins (die Aufgabe besteht darin, empfangene Gefühle in Wissen und Überzeugungen umzuwandeln). Die Studierenden erlernen drei Formen künstlerischen Handelns: (Konstruktion, Bild, Dekoration) und nehmen selbst aktiv am künstlerischen Handeln teil. Die Aufgabe des ersten Studienjahres besteht darin, das Kind tatsächlich an die Welt der Kunst heranzuführen. Im Laufe des Jahres entwickelt das Kind die Vorstellung, dass alle Kunst (also alle Arten künstlerischer Betätigung) auf unsere Gefühle ausgerichtet sind. Nichts in der Kunst wird nur zum Zwecke der Darstellung dargestellt oder ohne ein bestimmtes Lebensgefühl, ohne Ausdruck geschaffen Diese Einstellung enthält und lehrreich pädagogische Aufgabe. Die Wahrnehmung wird durch kreative praktische Tätigkeit ständig gestärkt. Es ist kein Zufall, dass man sagt, dass das Verständnis eines Kindes zum Greifen nah ist.

Die kreativen Fähigkeiten von Schülern entwickeln sich im Laufe des Unterrichts in einem Zeichen- und Malzirkel, in einem Kunstatelier. In den Kreisen gibt es drei Hauptgruppen. Für die jüngere Gruppe (1. bis 3. Klasse) ist die häufigste Art der Arbeit eine Komposition zu einem bestimmten Thema (Landschaft, Bilder von Menschen in unterschiedlichen Bedingungen), die mit Wasserfarben, Gouache, Bleistiften, Tinte usw. angefertigt wird. Kinder zeichnen auch einzelne Objekte und deren Gruppen aus dem Gedächtnis, aus der Beobachtung, aus der Natur: Sie führen dekorative und angewandte Arbeiten aus.

IN bildende Kunst Schüler mittleren Alters (4.–7. Klasse) – mehr Möglichkeiten für vielfältige Aufgabenstellungen. „Die wichtigsten pädagogischen Ziele der Arbeit mit Kindern dieses Alters: ein aktives Interesse an der Realität und die Fähigkeit zu wecken, ihre ästhetischen Ausdrucksqualitäten in der Natur zu sehen, die visuellen Fähigkeiten der Kinder zu verbessern.“

Schüler im Oberschulalter (Klassen 8–11) streben danach, sich berufliche Kenntnisse und Fähigkeiten im Bereich der bildenden Künste anzueignen.

Eine weitere interessante Form der Arbeit in der bildenden Kunst ist die Verbindung zwischen Schule und Kunstmuseen. Interessant sind die Erfahrungen des Kasaner Museums der Schönen Künste bei der Arbeit mit Schulen in den 80er Jahren. Jedes Jahr veranstaltete das Museum Ausstellungen mit Kinderkunst. Separate Ausstellungen zeigen Kinderzeichnungen, die während des Kunstunterrichts entstanden sind und haben methodische Ziele: damit der Lehrer die Thematik erkennen kann

Erstellung eines Lehrplans für das Fach Bildende Kunst von der 1. bis zur 10. Klasse. Die Debatten und Reflexionen der Lehrer bei diesen Ausstellungen sind interessant. Sie diskutieren über Fragen der bildenden Kunst von Kindern: Wie soll sie sein? Wie kann es im Unterricht und in Vereinen vermittelt werden? Das Museum informierte seine Besucher durch Plakate und Ankündigungen im lokalen Radio über alle Kurse in den bildenden Künsten.

Damit die ästhetische Bildung in der Schule und im Kunstmuseum ein einheitliches System darstellt, ist gegenseitiges Verständnis notwendig. Nur dank des im Programm von B. M. Nemensky vorgesehenen Unterrichtssystems können Kinder auf die Wahrnehmung von Kunst vorbereitet werden, und das Museum kann diese Wahrnehmung und dieses Wissen mithilfe seines Arsenals an wertvollen Sammlungen von Originalwerken erweitern und vertiefen. In der Schule vermittelt der Unterricht eines Künstlerlehrers ein System von Wissen und Fähigkeiten sowie allgemeiner ästhetischer und künstlerischer Entwicklung.

Der Unterricht in einem Kunstmuseum hat seine eigenen Merkmale; er ist für die Entwicklung der Wahrnehmung von Kunst nicht ersetzbar, da keine Lektion, kein Buch oder Anmerkung, keine Reproduktion oder Folie, keine Vorlesung jemals die Kraft der lebendigen Wirkung der Originalquelle ersetzen kann . Jeder Museumsausflug stellt immer auch die Aufgabe dar, ein ästhetisches Erlebnis von Kunstwerken zu ermöglichen. Das System der Aktivitäten im Museum hat ein Ziel: durch das Erwecken von Gefühlen, bis hin zur ästhetischen Wahrnehmung und Bildung

künstlerischer Geschmack, um das eigentliche ästhetische Wesen der Kunst zu offenbaren und es nicht in Informationen über Kunst oder eine Art Lehrmittel umzuwandeln.

Das Museum verfügt über eine bedeutende Sammlung in- und ausländischer Kunst und kann einen enormen pädagogischen Wert haben, indem es die Massenschule in die spirituellen Werte der weltweiten Kunstkultur einführt.

Kapitel 3. Kurs „Welt künstlerische Kultur„in einer weiterführenden Schule.

Die Grundlage für die Entwicklung des experimentellen Programms der Entstehungsphase dieser Studie. In der weiteren Forschung wollen wir moderne Ansätze berücksichtigen umfassende Lösung Fragen der Entwicklung der visuellen Kreativität bei Kindern im höheren Vorschulalter. 1.3 Moderne Ansätze zu einer umfassenden Lösung für die Entwicklung der visuellen Kreativität bei älteren Vorschulkindern...

V.S. und andere. Gegenstand der Untersuchung ist der Bildungsprozess eines Schulkindes jüngeres Alter. Gegenstand der Studie ist Volkskunst als Mittel der Schulbildung. Ziel ist es, die Besonderheiten und Möglichkeiten zur Optimierung der Bildung eines Kindes im Grundschulalter mithilfe von Volkskunst zu ermitteln. Ziele: 1. Analysieren Sie die Arten und Inhalte der Volkskunst; 2. Bestimmen Sie die meisten...

MHC-Unterrichtsnotizen, Klasse 10

Nach dem Programm von Danilova G.I.

MHC und Musiklehrer

Amursk

Gebiet Chabarowsk

EINFÜHRUNG IN DAS THEMA MHC.

ALLGEMEINES KULTURKONZEPT. Formen spiritueller Kultur

Ziele :

Erweiterung der Vorstellungen über den Begriff „Kultur“;

Betrachtung der Entwicklung dieses Konzepts aus historischer Perspektive;

die Fähigkeit entwickeln, die eigene ästhetische Einschätzung zu rechtfertigen;

Entwicklung der Fähigkeit, gegenüber alternativen Urteilen tolerant zu sein.

Typ Lektion : Einführungslektion.

Das Schöne erweckt das Gute.

D. Kabalewski

Unterrichtsfortschritt

Organisatorischer Moment.

Kennenlernen der Studierenden; Anforderungen an den Unterricht.

II. Einführung in das Unterrichtsthema.

GLEITEN

Ab heute beginnen Sie mit dem Studium eines neuen interessanten Fachs – MHC. Während des Unterrichts „reisen“ wir in verschiedene Länder und lernen die Kultur verschiedener Länder kennen. Aber wir reisen nicht in die Gegenwart, sondern reisen viele Jahrhunderte und sogar Jahrtausende zurück und erfahren, wie die Menschheit am Anfang ihrer Existenz lebte.

Bereits vor vielen tausend Jahren verspürte ein primitives Lebewesen, das am Rande dichter Wälder lebte, das Bedürfnis, seine Existenzbedingungen zu verbessern und zu verändern; Um sich vor Kälte und Hitze zu schützen und ständig Nahrung zu haben, lernten die Wilden, Behausungen zu bauen, Kleidung zu nähen und Werkzeuge herzustellen. Um seine Kameraden vor drohender Gefahr zu warnen, zum Kampf aufzurufen oder die Freude über den Sieg auszudrücken, lernte er, bestimmte Lautkombinationen auszusprechen – Schlachtrufe, Gesänge usw.; lernte, primitive Symbole und Muster auf Felsen und Höhlenwände zu zeichnen oder zu kratzen.

Doch durch die Schaffung einer künstlichen Umgebung für die Existenz in einer komplexen Welt voller Gefahren begann das primitive Geschöpf gleichzeitig, sich selbst zu verändern. Aus der Herde ist eine Gesellschaft geworden. Aus dem Biest wurde ein Mensch.

Und der Mensch lebt seit vielen Jahrtausenden auf der Erde, und ebenso lange existieren seine Schöpfungen. Alles, was der Mensch geschaffen hat – seien es Werkzeuge, Wohnraum, Kleidung oder Musik, Theater, bildende Kunst, Sprache – ist die Kultur der Gesellschaft.

Das Thema, das wir studieren werden, heißt „Weltkunstkultur“.

Lassen Sie uns herausfinden, was dieser Name bedeutet, und so den Inhalt des Themas allgemein herausfinden.

III. Neues Material lernen.

Lassen Sie uns die Bedeutung des Begriffs „Kultur“ klären.

Fragen:

Was ist Kultur?

Was ist passiert kultivierter Mensch?

Welche Arten menschlicher Aktivitäten können Sie als Kultur klassifizieren?

Wie sollte sich ein kultivierter Mensch zur Natur und zum Leben verhalten?

GLEITEN

Albert Schweitzer – deutscher Wissenschaftler, prominenter Humanist Im 20. Jahrhundert glaubte man, dass eine Kultur zum Niedergang verurteilt sei, wenn sie die Wahrnehmung jeglichen Lebens als großen Wert verliere. „Ich bin das Leben, das leben will.“ Das Prinzip der „Ehrfurcht vor dem Leben“ wird durch die humanistische Verbindung von Kultur und Natur als Bereich der Lebewesen bestimmt.

Also Kultur - ein wesentlicher Bestandteil des Lebens eines zivilisierten Menschen. Es manifestiert sich in allem, was er geschaffen hat und erschafft. Wir sprechen über die Arbeits- und Produktionskultur, die Kommunikationskultur, die Sprachkultur, die Alltagskultur.

Somit prägt Kultur die unterschiedlichsten Aspekte des menschlichen Lebens.

Es ist bekannt, dass je komplexer und vielfältiger ein Phänomen ist, desto schwieriger ist es, sein Wesen zu charakterisieren, und desto mehr Definitionen generiert es. Ähnliches geschah mit dem Begriff „Kultur“. Das

Das Konzept ist so vielfältig, dass es noch keine einheitliche Definition dafür gibt. Die amerikanischen Wissenschaftler A. Kerber und K. Kluckhohn wählten bereits 1964 257 Definitionen aus; Man geht davon aus, dass sich ihre Zahl inzwischen verdoppelt hat.

Um die Bedeutung dieses Wortes besser zu verstehen, schauen wir uns seinen Ursprung an.

Ursprünglich lateinisches Wort cultura bedeutete „Pflege des Landes“, „Bewirtschaftung des Landes“ und wurde mit der Bedeutung des Wortes „Natur“, d. h. Natur („unkultiviertes Land“), kontrastiert.

In seiner ursprünglichen Bedeutung bedeutet dieser Begriff also die Verarbeitung natürlicher Rohstoffe; „Kultur“ ist eine Transformation, Verbesserung von etwas, das im Prozess zielgerichteten Handelns entsteht.

Später wurde dieser Begriff in ähnlichen Bedeutungen verwendet: zunächst - Verbesserung, Transformation, dann Bildung, Entwicklung, Verbesserung.

Unter „Kultur“ versteht man also alles, was geschaffen wird menschliche Arbeit als Ergebnis der materiellen und spirituellen Entwicklung. Dies ist nicht nur das Ergebnis, sondern auch der eigentliche Prozess der kreativen Tätigkeit der Menschen.

GLEITEN

Kultur ist der Prozess spiritueller und materieller menschlicher Aktivität sowie die Ergebnisse dieser Aktivität, die eine Reihe gesellschaftlich bedeutsamer Werte bilden, die sowohl die äußeren Bedingungen des menschlichen Lebens als auch die Bildung der Person selbst bestimmen.

P Daher existiert Kultur nicht außerhalb menschlicher Aktivität. Die Geschichte der menschlichen Gesellschaft ist die Geschichte der künstlerischen Weltkultur.

Lassen Sie uns untersuchen, wie die Struktur der Kultur aussieht und welche Arten menschlicher Aktivitäten zum Begriff „Kultur“ gehören.

GLEITEN

Kultur wird normalerweise in weltliche und nationale, materielle und spirituelle unterteilt.

Eine solche Aufteilung ist natürlich sehr bedingt. Aufgrund der engen Beziehung zwischen materiellen und spirituellen Werten ist es oft schwierig, viele Phänomene eindeutig der materiellen oder spirituellen Kultur zuzuordnen. Welchen Platz sollte beispielsweise der Wissenschaft eingeräumt werden, die sowohl eine Form des gesellschaftlichen Bewusstseins als auch eine direkte Produktivkraft oder Buchproduktion oder ein Mittel ist? Massenmedien? Als Unterscheidungskriterium kann die Abhängigkeit davon angesehen werden, welche Bedürfnisse befriedigt werden – materielle oder spirituelle.

Beispielsweise können die ägyptischen Pyramiden der spirituellen Kultur zugeschrieben werden, da der Hauptzweck ihres Baus darin bestand, zu inspirieren gewöhnliche Menschen Ehrfurcht und Entsetzen vor der Größe des Pharaos als Stellvertreter Gottes auf Erden.

Diskussion An Thema : „Kultur heute. Braucht der moderne Mensch das?

GLEITEN

Abschluss : Kultur ist ein Produkt von Mensch und Gesellschaft. Dieses Konzept gibt es in der Tierwelt nicht. Das Biest wird vom Instinkt kontrolliert. Der Mensch wird von der Moral regiert moralische Werte, das ist der Hauptunterschied zum Biest. Die Aufgabe unserer und Ihrer Generation besteht darin, dafür zu sorgen, dass diese Hebel, die das Bewusstsein steuern, richtig funktionieren. Andernfalls besteht die Gefahr, dass sich eine Person in ein Tier verwandelt.

IV. Zusammenfassung der Lektion.

GLEITEN

Befragung.

1. Meine Wünsche für den MHC-Unterricht (d. h. wie sollte meiner Meinung nach der MHC-Unterricht aussehen)

2.Was bringt mir das MHC-Studium?

3. Brauche ich diesen Artikel?

Liste der verwendeten Literatur:

Valchyats.A.M. Variationen der Schönheit. Weltkünstlerische Kultur: Arbeitsbuch: Studienführer M.: LLC „Firma MHK“, 2000.

Gatenbrink.R. Geheimnisse der ägyptischen Pyramiden. M.: Veche, 2000

Altes Ägypten, Sumer, Babylonien. Antikes Griechenland: Texte/zusammengestellt von G.N. Kudrina, Z.N. Novlyanskaya.-M.: INTOR, 2000

Weltkünstlerische Kultur: Lehrbuch. Handbuch für Studierende weiterführender pädagogischer Bildungseinrichtungen. -M.: Verlagszentrum „Akademie“, 1999

Elite-Home.narod.ru

Multimediales Lehrbuch zum Studiengang „World Artistic Culture“

WELTKUNSTKULTUR

KURSINHALT Der Kurs zur Weltkunstkultur auf der Ebene der sekundären (vollständigen) Allgemeinbildung zielt auf die Einführung ab herausragende Leistungen Kunst in verschiedenen historischen Epochen in verschiedenen Ländern. Es enthält keine vollständige Auflistung aller Phänomene der weltweiten Kunstkultur, zeigt aber anhand einiger der herausragendsten Denkmäler der Architektur, der bildenden Kunst, der Literatur, der Musik, des Theaters oder der Werke eines Meisters die soziokulturellen Dominanten von die Ära, ihre wichtigste künstlerische Ideen. Das Thema MHC ist seinem Wesen nach integrativ, daher das Prinzip Integration steht im Mittelpunkt des Kurses und ist das Prinzip des Programms. Die in- und ausländische Kunstkultur und verschiedene Kunstgattungen werden umfassend studiert: Bildende Kunst, Literatur, Musik, Theater usw. Prinzip Historismus ermöglicht es uns, die Entwicklungsmuster der weltweiten künstlerischen Kultur aufzuzeigen, und vermittelt ein Verständnis für die Abhängigkeit künstlerischer Phänomene von den Phänomenen des gesellschaftlichen Lebens. Prinzip Vertrauen auf die kreative Methode ermöglicht eine progressive Entwicklung verschiedene Künste in ihren ideologischen und künstlerischen Beziehungen, um die spirituellen, moralischen und ästhetischen Dominanten der Zeit zu identifizieren. Die ideologischen und ästhetischen Gründe für die Entstehung und Veränderung kreativer Methoden werden aufgezeigt: Klassizismus, Romantik, Realismus, Symbolismus, Surrealismus usw. Das Material wird entsprechend verteilt territorial Prinzip, das es uns ermöglicht zu zeigen, welches Wertesystem jede Nation als Träger einer bestimmten religiösen und kulturellen Tradition betreibt. Der Kurs folgt der Logik der historischen linearen Entwicklung der Kultur von der Urwelt bis zum 20. Jahrhundert. Gleichzeitig bedeutende Rolle konzentriert sich auf die Entwicklung der Fähigkeit der Schüler, Logik zu verstehen historische Entwicklung ideologische Prozesse und die verschiedenen von ihnen erzeugten Prozesse künstlerische Systeme und Stile. Der Kurs ermöglicht es Ihnen, die Einzigartigkeit und Originalität verschiedener Kulturen zu verstehen, und lehrt die Studierenden, die Welt als eine „Welt der Welten“ wahrzunehmen, in der jede Kultur ihren Platz hat; bildet positive Lebensrichtlinien und seine eigene ideologische Position. Eine Besonderheit des MHC-Studiums auf der Ebene der sekundären (vollständigen) Allgemeinbildung auf Profilebene ist seine Verknüpfung mit den Aufgaben der Fachpädagogik und der Organisation der voruniversitären Ausbildung der Studierenden. Es ist geplant, nicht nur den Studiengang umfassend zu erweitern, sondern auch höhere Anforderungen an das Niveau der Vorbereitung der Studierenden zu formulieren, um ihre Fähigkeiten, persönlichen Qualitäten und Motivation zu entwickeln, die für die erfolgreiche Fortsetzung ihres Hochschulstudiums erforderlich sind. Das vorgeschlagene Programm auf der Stufe der sekundären (vollständigen) Allgemeinbildung auf Profilebene ist auf 210 Stunden ausgelegt: in den Klassen X und XI jeweils 105 Stunden, bei einem Unterrichtsumfang von 3 Unterrichtsstunden pro Woche. Das Programm besteht aus zwei Teilen. Der erste Teil (Klasse 10) befasst sich mit der künstlerischen Kultur von der Antike bis zur Neuzeit. Der zweite Teil (Klasse 11) untersucht die künstlerische Kultur der Zeiträume „Moderne Zeit – 20. Jahrhundert“. Dazu gehört auch Material zur russischen Kunstkultur. Im Material 1 Teil Zu den Themen gehörten:

Ursprung der Kunst. Im Material 2 Teile Zu den Themen gehörten:

Ziele

Das Studium der künstlerischen Weltkultur auf der Ebene der sekundären (vollständigen) Allgemeinbildung auf Profilebene zielt auf die Erreichung folgender Ziele ab:

kulturelle Traditionen

Das Programm sieht die Entwicklung allgemeiner pädagogischer Fähigkeiten der Studierenden vor: die Fähigkeit der Studierenden, sich motivierend zu organisieren kognitive Aktivität– von der Zielsetzung bis zur Erzielung und Bewertung von Ergebnissen – und selbstständig Kriterien für die vergleichende Analyse, den Vergleich und die Bewertung kultureller Phänomene verschiedener Epochen und Völker auswählen; Beteiligung an kreativen, pädagogischen, Forschungs-, Informations- und Kommunikationsaktivitäten; die Fähigkeit, die notwendigen Informationen aus verschiedenen Quellen zu beziehen, Multimedia-Ressourcen und Computertechnologien zu nutzen; Verständnis für den Wert von Bildung für die Entwicklung der persönlichen Kultur und des kritischen Selbstwertgefühls; die Fähigkeit, eine persönliche Einschätzung von Phänomenen abzugeben modernes Leben, Definition ihrer Staatsbürgerschaft KURSPROGRAMM (10. Klasse)

	Thema		Anzahl der Stunden
1.	Ursprung der Kunst	Weltkünstlerische Kultur – Einheit und Vielfalt. Künstlerisches Bild- das wichtigste Mittel zur Darstellung und zum Verständnis der Welt in der Kunst. Der Ursprung der Kunst und die Bildung der Grundlagen des künstlerischen Denkens: Prototyp (Weltenbaum, Muttergöttin); Polarkräfte (Licht-Dunkelheit, Leben-Tod) Mythologien (Chaos-Schöpfungsordnung, Tod-Wiedergeburt).	3
	Künstlerische Kultur Asiens, Afrikas, Lateinamerikas	11. Klasse	21
2.	Künstlerische Kultur der Urwelt und alter Zivilisationen	Architektonische und malerische Denkmäler des Peläolithikums und Neolithikums (Altamira und Stonehenge). Geometrisches Ornament als Symbol des Übergangs vom Chaos zur Form (Kreis, Quadrat, Dreieck, Mäander). Traditionelle Kulturen (australische Aborigine-Kultur). Die Mythologie ist die Hauptquelle für Bilder der Kunst der Antike.	3
3.	Künstlerische Kultur Mesopotamiens	Darstellung kosmogonischer Mythen und der natürlichen Umwelt in der Tempelarchitektur. Zikkurats Etemeniguru in Ur und Etemenaki in Babylon. Arten von Palastgebäuden. Flächenverkleidung mit glasierten Ziegeln - Unterscheidungsmerkmal Mesopotamischer Stil (Ischtar-Tor, Prozessionsstraße, Thronsaal des Südpalastes in Babylon). Erleichterung - Hauptelement Dekor sumerisch-akkadischer und assyrisch-babylonischer Paläste. Shedu ist ein einzigartiges Beispiel für eine Kombination aus Flachrelief und Hochrelief (Sargons Palast 11 und in Dur-Sharrukin). Das Heldenepos „Das Gilgamesch-Märchen“ ist die Hauptbildquelle für die Außendekoration. Realistische Merkmale in Reliefs und Freskenmalereien von Innenräumen.	5
3.	Künstlerische Kultur des alten Ägypten	Die Idee des ewigen Lebens ist die Grundlage der altägyptischen Kultur. Die Legende von Osiris und Isis. Das Ritual der Mumifizierung und die Nekropole als materielle Verkörperung der Idee des ewigen Lebens (die Pyramiden in Gizeh, der Halbfelsentempel in Deir el-Bahri, der Felsentempel in Abu Simbel). Skulptur. Erleichterung. Malerei. Die Architektur des oberirdischen Tempels ist ein Symbol für die Selbstwiedergeburt von Ra (Karnak-Tempel, Ramesseum). Die bildliche und skulpturale Ausschmückung von Sarkophagen und Gräbern ist eine Zauberformel für die ewige Existenz. Kombination von Front- und Profilelementen im Kanon des Ewigen Lebens.	9
4.	Kreto-mykenische Kultur	Die Architektur des Labyrinthpalastes von Knossos als Spiegelbild des Mythos des Minotaurus. Die Einheit von Umwelt und malerischer Landschaft ist die Besonderheit der minoischen Kultur. „Zyklopischer“ Charakter der Architektur und Dekoration der mykenischen Herrscher (der Palast von König Agamemnon in Mykene).	3
	Künstlerische Kultur des Ostens	Reflexion des religiösen und mythologischen Weltbildes in der spirituellen Kultur der Völker des Alten Ostens.	13
5.	Künstlerische Kultur Indiens	Hinduismus als Kern der indischen Kunstkultur. Die Epen „Mahabharata“ und „Ramayana“. Hindu – ein architektonisches Analogon von mystischem Opfer und asketischer Askese (Kandarya Mahadeva-Tempel in Khajuraho). Die Rolle der Skulptur (die „Schwellungsform“-Technik) bei der Außendekoration eines Hindu-Tempels. Der buddhistische Stupa in Sanchi ist ein Modell des Universums des alten Indien. Steinrelief als Chronik des Lebens und Wirkens Buddhas. Die Freskenzyklen der Ajanta-Höhlentempel sind eine Enzyklopädie des indischen Lebens. Das Taj Mahal ist ein Beispiel indomuslimischer Ästhetik. Die indische Miniaturmalerei ist eine raffinierte Verschmelzung indomuslimischer Stile.	4
6.	Chinesische künstlerische Kultur	Der Kosmologe ist die Grundlage der chinesischen Kultur. Manifestation der ewigen Harmonie von Yin und Yang im Landschaftsgenre „Berg-Wasser“. Das große Bild der Welt in der dekorativen Art von Gong-Bi (Li Sixun „Reisende in den Bergen“) vermitteln; Stimmungslandschaft mit der Sei-Technik (Wang Wei, „Räumung nach einem Schneefall in Goa am Fluss“). Die Einheit von Wort, Zeichen und Bild ist der Maßstab der chinesischen Malerei. Darstellung der Ethik des Konfuzianismus, Taoismus und Buddhismus in literarische Werke(„Lunyu“ – „Urteile und Gespräche“, „Daodejing“ – „Buch des Weges und der Gnade“, „Jin, Ping, Mei“ – „Pflaumenblüten in einer goldenen Vase“). Ästhetik der Leere in der bildenden Kunst. Die Architektur von Palästen und Tempeln spiegelt das fünfteilige Weltmodell (Gugong, Himmelstempel) wider. Der Yiheyuan-Park in Peking als ideale Verkörperung himmlischer Harmonie.	4
7.	Japanische künstlerische Kultur	Shinto-Ästhetik in der japanischen Kultur. Der Kult natürlicher Formen und alltäglicher Schönheit in der Architektur (Amaterasu-Schrein in Ise). „Alles in einem“ („Kiefernnadel-Zivilisation“) ist ein Schlüsselgedanke der japanischen Kunstkultur: die Chanoyu-Teezeremonie, die philosophischen Steingärten von Hiraniwa (Ryoanji in Kyoto), Ukiyo-e-Holzschnitte (Ogata Korin, Kitagawa). Utamaro, Katsushika Hokusai). Ästhetisierung des Augenblicks. Bilder Antike Welt in der modernen Kultur. Dialog zwischen West und Ost in der Kultur.	5
8.	Künstlerische Kultur von Mesamérica	Opferrituale im Namen des Lebens sind der Kern der Kultur der Indianer Mittel- und Südamerikas. Teotihuacan-Bauart als Beispiel für Tempel- und Profanarchitektur der Maya- und Azteken-Indianer (Palenque, Chichen Itza, Tenochtitlan). Die heilige Funktion der skulpturalen Dekoration von Tempeln. Eine Kombination aus Symbolik und Realismus in der Bilddekoration (Bonampak). Kolonialstil in der Architektur Mexikos. Mythos und Realität in den Gemäldezyklen von D. Rivera (Bildungsministerium, Nationalpalast in Mexiko-Stadt).	3
	Künstlerische Kultur Westeuropa Und Nordamerika	11. Klasse	54
	Alte künstlerische Kultur	11. Klasse	15
9.	Künstlerische Kultur des antiken Griechenlands	Ästhetik der Antike. Anthropomorphismus der Weltanschauung. Reflexion der poetischen Mythologie der Griechen in der Architektur (Athena-Tempel in Paestum, Parthenon und Erechtheinon in Athen). Vom linearen Rhythmus im Archaischen zum Volumen (Hochrelief) im Hellenismus („Perseus tötet die Gorgone Medusa“ auf der Metope des Athenatempels in Selinunt; ionischer Fries des Parthenon; Hochrelief „Gigantomachie“ des Zeus-Altars in Pergamon). Der dekorative Charakter archaischer Kora und Kouros ist der Ursprung der griechischen Skulptur. Griechische Skulptur der frühen (Chiasmus von Polykletos), hohen (Harmonie von Phidias), späten (rasenden Impuls von Skopos) Klassiker. Mensch und Schicksal im antiken griechischen Theater: das Thema des Fluches der Familie Atrides in den Tragödien von Aischylos („Orestie“), Sophokles („Elektra“), Euripides („Elektra“).	10
10.	Künstlerische Kultur Antikes Rom	Die Besonderheiten der etruskischen Weltanschauung als Grundlage der römischen Kultur. Malerische Dekoration etruskischer Gräber. Naturalismus von Porträts und Tempelskulpturen. Römische Tapferkeit zum Ruhm des Staates ist das Credo der Kultur des antiken Roms. Der Grundriss der römischen Stadt und Architektur als Spiegelbild der Größe des antiken Roms (Forum Romanum, Pantheon, Kolosseum). Fresken und Mosaike sind die wichtigsten Mittel zur Dekoration eines römischen Hauses (Villa der Mysterien). Porträtskulptur der Römer – der Vorläufer Europäische Skulptur(Friedensaltar, Reiterstatue des Mark Aurel).	5
11.	Frühchristliche Kunst	Arten frühchristlicher Tempel: Rotunde (Mausoleum der Galla Placidia in Ravenna) und Basilika (Kirche Sant'Apollinare in Classe). Die Reihenfolge der Platzierung der Mosaike im Innenraum des Tempels (Mausoleum der Galla Placidia, Kirche Sant'Apollinare Nuovo in Ravenna). Christliche Symbolik. Traditionen der Antike in der europäischen und heimischen Kultur.	3
12.	Künstlerische Kultur des Mittelalters.	Reflexion der ostchristlichen Weltanschauung in der Architektur der byzantinischen Kreuzkuppelkirche. Raum. Topografische, temporäre Symbolik des Tempels (St. Sophia von Konstantinopel). Die Entwicklung des byzantinischen Stils in der Ikonenmalerei und Mosaikdekoration (die Kirchen San Vitale in Ravenna und Chora in Konstantinopel). Die Entwicklung der Basilika von der vorromanischen Basilika Saint-Michel de Cuxa zur romanischen Basilika Saint-Pierre in Moissac. Die romanische Basilika ist ein Symbol des Kreuzweges und der Erlösung durch Sühne. Steindekor als Spiegelbild des menschlichen Lebens im Mittelalter (Thema der Leidenschaft auf den Portalen und Kapitellen der Säulen). Polychromie in der Freskendekoration romanischer Basiliken. Die Alhambra ist eine Synthese römischer und muslimischer Kulturen. Gotische Ästhetik. Der gotische Tempel ist ein Abbild der Welt (architektonisches Design, Skulptur, Mille-Fleurs, Glasmalerei, Musik). Monodie als Grundlage mittelalterlicher Kirchenmusik (Gregorianischer Gesang). gotischer Stil in Deutschland (Köln, Nürnberg), Spanien (Sevilla, Toledo), Italien (Siena, Orvieto). Heldenepos, ritterliche Hoftexte, Volksprosa (Beispielpredigt) sind die Quellen von Handlungssträngen in mittelalterlicher Bildhauerei, Malerei, Miniaturbildern der mittelalterlichen Kultur in der Kunst nachfolgender Epochen.	19
13.	Kultur der Renaissance	Ideale des Humanismus in der Kunst Italienische Renaissance. Proto-Renaissance in Literatur (D. Alighieri „Neues Leben“) und Malerei (Giotto: Fresken der Kirche Santa Maria del Arena in Padua). Der Begründer der Renaissance-Architektur F. Brunelleschi (Waisenhaus, Pazzi-Kapelle). Meister der Frührenaissance in den bildenden Künsten (Donatello, Masaccio, S. Botticelli). Neue Ästhetik Hochrenaissance: D. Bramante (Architektur), L. da Vinci, Raphael (Malerei), Michelangelo (Skulptur): A. Paladio, Tizian, Tintoretto. Das Aufblühen der Polyphonie (der Schule des „strengen Schreibens“) Merkmale der Renaissance in den Niederlanden: das Genter Altarbild von J. Van Eyck; P. Bruegel der Ältere – Künstler der Menge. Renaissance in Deutschland: Ateliers der Kupferstiche von A. Dürer. Französische Renaissance: die Fontainebleau-Schule – eine Verschmelzung literarischer und visueller Bilder (P. Ronsard, Rosso Fiorentino, F. Primaticcio, J. Goujon). W. Shakespeares Tragödien sind der Höhepunkt der künstlerischen Verallgemeinerung von Charakteren und Situationen. Die Größe und Tragik der utopischen Ideale der Renaissance.	27
	Künstlerische Kultur der Neuzeit	11. Klasse	17
14.	Barocke Ästhetik	Architektonische Merkmale des Stils des Ensembles (Kirche Il Gesu in Rom). L. Bernini. Bildung neuer Genres in der Malerei (Historie, Alltag, Stillleben). „Großer Stil“ P.-P. Rubens. Neue Musikgenres: Oper (C. Monteverdi: „Orpheus“), Instrumentalmusik(A. Corelli: Concerto Grosso, A. Vivaldi). Der Höhepunkt der freien Polyphonie im Werk von J.-S. Bach. („Matthäus-Passion“)	2
15.	Ästhetik des Klassizismus	„Großer Stil“ Ludwigs XIV. in der Architektur (Versailles, Ensembles von Paris). Klassizismus in der bildenden Kunst (N. Poussin). Theater Französischer Klassizismus(P. Corneille, J. Racine).	2
16.	Realismus in der Malerei des 17. Jahrhunderts	Die Schönheit der realen Welt in den Werken von M. Caravaggio (Italien), H. Rembrandt (Holland), D. Velazquez (Spanien).	1
17.	Rokoko-Kunst	„Galante Feste“ von A. Watteau, „Pastorale“ von F. Boucher.	1
18.	Ästhetik der Aufklärung	Philosophische Geschichten von Voltaire, bürgerliches Drama von D. Diderot, sentimentaler Roman von J.-J. Rousseau). Revolutionärer Klassizismus und Empire-Stil J.-L. David. Opernreform von K.-V. Glück. Wiener Symphoniker klassische Schule(Sonaten-Symphonie-Zyklus von J. Haydn, Oper von W.-A. Mozart, Sinfonien von L. van Beethoven).	2
19.	Ästhetik der Romantik	Musik ist die führende Gattung der Romantik: Lieder (F. Schubert), Programmwerke (G. Berlioz), Oper (R. Wagner), Folklore (J. Brahms). Religiöse und literarische Themen der präraffaelitischen Malerei (D.-E. Milles, D.-G. Rossetti). Landschaft in der romantischen Malerei (K.-D. Friedrich. W. Turner). Revolutionäre Romantik von E. Delacroix und F. Goya. Englischer Park.	2
20.	Ästhetik des kritischen Realismus	11. Klasse	2
	Künstlerische Kultur des späten 19.-20. Jahrhunderts.	11. Klasse
21.	Ästhetik der künstlerischen Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts	Verabsolutierung des Augenblicks im Impressionismus: Malerei (C. Monet, P.-O. Renoir, E. Degas), Musik (C. Debussy), Skulptur (O. Rodin). Der Kult des Irrationalen in der Symbolik: Malerei (G. Moreau, P. Puy de Chevannes), Skulptur (E.-A. Burdell). Fixierung des Ewigen in einem Moment im Postimpressionismus (P. Cezanne, V. Van Gogh, P. Gauguin).
21.	Jugendstil-Ästhetik	Ein ikonischer Stilausdruck in der Architektur (V. Orte. A. Gaudi), der Malerei (A.-M. Mucha). Grafik (O. Beardsley), dekorative und angewandte Kunst (L.-C. Tiffany, G.-J. Guimard). Synthese der Künste in der Architektur. Der Kult der absoluten Schönheit als Credo der Kunst in der Malerei (Beethovens Fries).
22.	Die Ära der Moderne	Eine neue Vision von Schönheit als Verleugnung der Einheit von Form, Raum und Farbe. Individuelle Freiheit des Künstlers und kreatives Experiment: Fauvismus von A. Matisse, Expressionismus von F. Marc, Primitivismus von A. Rousseau, Kubismus von P. Picasso, abstrakte Kunst V. Kandinsky, Surrealismus von R. Magritte, S. Dali. Neue Techniken (Dodekaphonie, Aleatorik) und Richtungen (Neue Wiener Schule) in der Musik. Konstruktivismus in der Architektur von Sh.-E. Le Corbusier: Villa Savoye in Poissy. „Großer Stil“ totalitäre Staaten. Das Prinzip der „Nationalität“ und des Autoritarismus in der totalitären Kunst. Die künstlerische und ideologische Einzigartigkeit der US-Kultur: Literatur (W. Irving, G. Longfellow. W. Whitman, E. Hemingway), Malerei (E. Hopper. E. Warchel) . Musik (C. Ives). Wolkenkratzer sind eine elegante Stilisierung der Tempel-Pyramiden-Architektur der Tolteken, Mayas und Azteken (Empire State Building in New York). Geometrisches Dekor als Ausdruck von Optimismus, Energie und Tatendrang. Afroamerikanische Folklore (Märchen, Gleichnisse, Spirituals, Blues, Jazz).
23.	Postmodernismus	Grundprinzipien. Neue Kunstarten und neue Syntheseformen: Kino, Installation, High Fashion (D. Galliano), Computergrafik und Animation. Musikkunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts (The Beatles, Pink Floyd, New Wave). Elektronische Musik. Populäre Kultur und die Wiederbelebung archaischer Formen in künstlerisches Denken. Pop-Art. Dialog der Kulturen und Globalisierung.
	Russische künstlerische Kultur	11. Klasse
24.	Künstlerische Kultur Altes Russland	Slawisch heidnische Traditionen und Ästhetik der Orthodoxie. Der kulturelle Einfluss von Byzanz und die Entstehung des Nationalstils (Sophia-Kathedrale in Kiew). Das mimetische Bild ist das Ideal der byzantinischen bildenden Kunst. Kiewer Schule für Ikonenmalerei (Alimpiy). Die Architektur aus weißem Stein ist ein Zeichen des Wladimir-Susdal-Stils (Fürbittekirche am Nerl, Wladimir-Kathedrale). Die Steinschnitzerei an der Fassade ist eine Synthese aus romanischem und byzantinischem Stil (Dmitrievsky-Kathedrale in Wladimir). Freskenmalerei ist die Hauptart der Innendekoration. Interpretation des Themas Jüngstes Gericht in einer russischen Kirche. Merkmale der Architektur der Kirchen Nowgorod und Pskow. Gründung nationaler Schulen für Ikonenmalerei. Nowgoroder Schule für Ikonenmalerei („St. Georg mit Leben“). Pskower Schule für Ikonenmalerei („Abstieg in die Hölle“). F. Griechisch. Frühe Moskauer Schule der Ikonenmalerei in den Werken von A. Rublev. Die Dreifaltigkeitsikone als nationales Symbol der Einheit der russischen Länder. Russische Ikonostase als Symbol der Einheit der Kirche von Adam bis zum Jüngsten Gericht. Bildung nationaler Identität. Früher Moskauer Architekturstil (Kathedrale der Verklärung im Spaso-Andronikov-Kloster). Renaissance-Trends in der Architektur des Moskauer Kremls (Aleviz Neu: Erzengel-Kathedrale). Die Mariä Himmelfahrt-Kathedrale von Fioravanti ist ein einzigartiges Beispiel für die Synthese von Wladimir-Susdal- und Renaissance-Stilen. Das Werk des Dionysius als Spiegelbild der Größe und Herrlichkeit des russischen Nationalstaates (Freskenzyklus in der Mariä-Geburt-Kathedrale in Ferapontovo). Berühmter Gesang; Partes-Konzert. Der Schwerpunkt auf der russischen Antike liegt in der Besonderheit der Kultur unter Iwan dem Schrecklichen. Die Himmelfahrtskirche in Kolomenskoje ist ein Beispiel für eine Kirche mit Zeltdach. Die Kirche der Fürbitte der Heiligen Jungfrau Maria „auf dem Wassergraben“ in Moskau ist ein Beispiel für ein Tempeldenkmal. Freskenzyklen (Smolensk-Kathedrale des Nowodewitschi-Klosters in Moskau) und Ikonenmalerei (Ikone der „militanten Kirche“) sind Beispiele für die kanonische Reproduktion des Textes der Heiligen Schrift. Kontakte mit Westeuropa (Piscator-Bibel). Zivilarchitektur (Terem-Palast des Moskauer Kremls). Weltliche Motive in der religiösen Architektur (Auferstehungskathedrale des Klosters Neu-Jerusalem). Mehrfarbig glasierte Fliesen sind eine neue Art von Dekor in der russischen Architektur. Der weltliche Klang der Tempelfresken (Handelskirchen von Moskau und Jaroslawl). Holzarchitektur (der Palast des Zaren Alexei Michailowitsch in Kolomenskoje, die Verklärungskirche in Kischi). Naryshkinskoe-Barock (Glockenturm des Nowodewitschi-Klosters, Refektoriumsraum der Dreifaltigkeits-Sergius-Lavra) als Beispiel europäischen Einflusses. Altrussische Literatur: von „Die Geschichte von Igors Feldzug“ bis „Das Leben des Erzpriesters Avvakum“ in der russischen Kunst.
	Künstlerische Kultur Russlands in der Neuzeit	11. Klasse
25.	Kulturelle Verbindungen Russland mit Europa	Das Problem der kulturellen Synthese und kulturellen Anleihe. Petersburger Stil als Spiegelbild des persönlichen Geschmacks von Peter I. Peter-und-Paul-Festung- eine Auswahl von Befestigungsanlagen. Die Peter-und-Paul-Kathedrale ist ein Beispiel religiöser Architektur. Ein Beispiel für ein Privathaus ist ein Sommerhaus. Peterhof – „Paradies“ von Peter I. auf See. Neue Dekorarten. „Monumentales Rokoko“ F.-B. Rastrelli als russische Spielart des Barock ( Winterpalast in St. Petersburg, Zarskoje-Selo-Palast. Auferstehungskathedrale des Smolny-Klosters). Die Originalität von Catherines Klassizismus in der Architektur; „Frühklassizismus“ von A. Rinaldi (Marmorpalast in St. Petersburg, Palast in Gatschina); „Strenger Klassizismus“ J. Quarenghi (Akademie der Wissenschaften, Smolny-Institut für edle Jungfrauen). „Transparenter Klassizismus“ von Charles Cameron ist eine subtile Stilisierung des Klassizismus Katharinas (Zarskoje Selo). Die Besonderheit des Moskauer Klassizismus als Stil der „edlen Republik“. Weltliche (Moskauer Universität, Adelsversammlung, Senat) und religiöse (Kirche der Himmelfahrt am Nikitsky-Tor, Tempel im Golitsyn-Krankenhaus) Gebäude von M.F. Kazakova. Pawlowsk und das Michailowski-Schloss in St. Petersburg sind ideale Beispiele für eine romantische Haltung in der Architektur des Klassizismus. Romantische Tendenzen in der Malerei (F.S. Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky) und Skulptur (F. Shubin, E.-M. Falcone) des Klassizismus Alexanders des frühen 19. Jahrhunderts als Orientierung an den Idealen des antiken Griechenland: Kasaner Kathedrale , die Börse, die Admiralität – Symbole der militärischen, kommerziellen und maritimen Macht Russlands. Alexanders Empire-Stil als Orientierung an den Idealen des antiken Roms: Stadtplanungsensembles von K. Rossi (Arch Generalstab, Alexandrinsky-Theater, Michailowski-Palast). Weißer Saal Michailowski-Palast als Beispiel für ein Empire-Interieur. Architekturkulisse von P. di Gottardo Gonzaga im russischen Theater. Die Rolle der skulpturalen Dekoration bei der Dekoration von Gebäuden im Klassizismus und Empire-Stil (S.S. Pimenov, I.I. Terebenev). Monumental und dekorativ (V.I. Demut-Malinovsky). Park (P.P. Sokolov), Gedenkskulptur (I.P. Martos). Synthese von Romantik, Realismus und Klassizismus in der Malerei (O, A, Kiprensky, K, P. Bryullov, A. A. Ivanov, P. A. Fedotov). Russische klassische Musik (M.I. Glinka).
26.	Kritischer Realismus in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.	Suche nach nationaler Identität in der Kunst. Die Wanderer sind die Vorboten drängender gesellschaftlicher Probleme (I.N. Kramskoy, I.E. Repin). National psychologisches Porträt(V. G. Perov: Porträt von F. M. Dostoevsky; I. N. Kramskoy: Porträt von M. P. Mussorgsky). Historisches Genre(V. I. Surikov). Die besondere Rolle der Landschaft als „Landschaft der russischen Seele“ in der russischen Landschaftsschule (A.K. Savrasov, F.A. Vasiliev, I.I. Levitan). Das Prinzip der „musikalischen Wahrheit“ in den Werken von Komponisten „ Mächtiger Haufen" Romantische Traditionen in der Musik von P.I. Tschaikowsky. Russisches klassisches Ballett (M. Petipa). Reflexion der russischen „ethnischen Originalität“ in der Architektur (russisch-byzantinischer Stil der Christ-Erlöser-Kathedrale in Moskau von K.A. Ton; der „La-Russe“-Stil der Erlöser-auf-Blut-Kirche in St. Petersburg. A.A. Parlanda) und in der monumentalen Malerei (Fresken der Wladimir-Kathedrale in Kiew von V. M. Vasnetsov).
27.	Russische Kunst des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts	Die Originalität der russischen Moderne in der Architektur. Die wichtigsten Stilrichtungen im Werk von F.O. Shekhtel: Neoromantik (Z.G. Morozovas Herrenhaus, Jaroslawski-Bahnhofsgebäude), Plastizismus (Ryabushinskys Haus), Neoklassizismus (Shekhtels Herrenhaus in Bolshaya Sadovaya), Rationalismus (Druckerei „Morning of Russia“). Malerischer Realismus V.A. Serova. Historische Erinnerungen an die Künstler der „Welt der Künste“ (K.A. Somov, M.V. Dobuzhinsky, A.N. Benois). Synthese von Worten, Farbe und Klang in der Musik von A, N, Skrjabin. Raffinierte Jugendstil-Stilisierung in Ballettaufführungen„Russische Jahreszeiten“ in Paris (I. F. Strawinsky). Symbolik in der Malerei (M.A. Vrubel. V.E. Borisov-Musatov, K.S. Petrov-Vodkin, „Blaue Rose“) und Skulptur (A.S. Golubkina).
28.	Russische Kultur in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts	Globale Bedeutung kreative Quests Russische Künstler in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Malerei (V.V. Kandinsky, K.S. Malevich, M. Chagall), Musik (S.S. Prokofjew, D.D. Schostakowitsch, A.G. Schnittke). Kino (S.M. Eisenstein), Theater (K.S. Stanislavsky, V.E. Meyerhold). Architektur (V.E. Tatlin, K.S. Melnikov).
29.	Russische Kultur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts	Propagandakunst: monumentale Skulptur (N.A. Andreev), politisches Plakat (D.S. Moor). Die Kunst des sozialistischen Realismus in Malerei (A.A. Deineka, P.D. Korin), Skulptur (V.I. Mukhina) und Gravur (V.A. Favorsky). Stalins Empire-Stil: Hochhäuser in Moskau (L.V. Rudnev), Moskauer U-Bahn. Entwicklung der russischen Kultur in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. „Eine Stadt für dreitausend Einwohner“ ist ein Zukunftsprojekt, das zur Gegenwart geworden ist. Entwicklung der russischen Kunst am Ende des 20. Jahrhunderts: Musik, Malerei. Theater, Fernsehen. Offenheit der modernen russischen Kultur und Kontinuität in ihrer Entwicklung.

PÄDAGOGISCHE UND METHODISCHE MATERIALIEN

Einführung

Die moderne Kulturgesellschaft ist äußerst komplex und widersprüchlich. Das Leben um uns herum bietet einem Menschen unterschiedliche Verständnisse der Welt, unterschiedliche Sichtweisen auf ihr Verständnis. Dennoch suchen die Menschen heute mehr denn je nach Antworten auf wichtige Fragen des irdischen Daseins:

Was ist die Welt und der Platz des Menschen darin? Was ist heute der moralische Maßstab? Was ist Schönheit und was ist das ästhetische Ideal? Antworten auf diese Fragen erhält der Studierende direkt oder indirekt in den Fächern des naturwissenschaftlichen, mathematischen und geisteswissenschaftlichen Zyklus. Mathematik, Physik, Chemie, Biologie schaffen ein naturwissenschaftliches Weltbild. Geschichte ist sozial und wissenschaftlich. Auch Literatur, Sprachen, Musik und bildende Kunst fördern das Verständnis der Welt, aber durch menschliche Kreativität kann die Sicht auf die Welt sowohl materialistisch als auch religiös sein. MHC hilft auch bei der Beantwortung dieser Fragen. MHC nimmt im schulischen Lernprozess eine besondere Stellung ein. Mit Literatur, Musik, bildender Kunst Kunst MHC vereinen gemeinsame Ziele: moralische, ästhetische und spirituelle Bildung, Bildung des ästhetischen Geschmacks, Kenntnis der künstlerischen Kultur. Einführung in das Universelle und Nationale künstlerische Werte, Entwicklung eines breiten, ganzheitlichen Denkens. Die Aufgabe besteht darin, den Studierenden beizubringen, die Einheit der künstlerischen Kultur durch die Vielfalt unterschiedlicher Werke zu erkennen; Werke unterscheiden verschiedene Stile, Anweisungen, deren Inhalt verstehen; in der Lage sein, für Ihr Verständnis und Ihre Beurteilung von Werken zu argumentieren; die Fähigkeit zur unabhängigen Analyse vermitteln.

Ausgewählte Kapitel

Im Material 1 Teil Zu den Themen gehörten:

Ursprung der Kunst.I Künstlerische Kultur Asiens, Afrikas, Lateinamerikas.

Künstlerische Kultur der Urwelt und alter Zivilisationen. Künstlerische Kultur Mesopotamiens. Künstlerische Kultur des alten Ägypten. Kreto-mykenische Kultur. Künstlerische Kultur des Ostens. Künstlerische Kultur Indiens. Künstlerische Kultur Chinas. Künstlerische Kultur Japans. Künstlerische Kultur von Mesamérica.II Künstlerische Kultur Westeuropas und Nordamerikas.

Künstlerische Kultur des antiken Griechenlands. Künstlerische Kultur des antiken Roms. Frühchristliche Kunst. Künstlerische Kultur des Mittelalters. Kultur der Renaissance. Im Material 2 Teile Zu den Themen gehörten:

Künstlerische Kultur des New Age. Barocke Ästhetik. Ästhetik des Klassizismus. Realismus in der Malerei des 17. Jahrhunderts. Rokoko-Kunst. Ästhetik der Aufklärung. Ästhetik der Romantik. Ästhetik des kritischen Realismus. Künstlerische Kultur des späten 19. und 20. Jahrhunderts. Ästhetik der künstlerischen Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Moderne Ästhetik. Die Ära der Moderne. Postmodernismus. III Russisch künstlerische Kultur.

Künstlerische Kultur des antiken Russlands. Künstlerische Kultur Russlands in der Neuzeit. Kulturelle Beziehungen zwischen Russland und Europa. Kritischer Realismus in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Russische Kunst des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Russische Kultur in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Russische Kultur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Abschluss