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Tastenmusikinstrumente sind durch ein Tonextraktionssystem gekennzeichnet, das Hebel verwendet, die durch Tasten gesteuert werden. Ein Satz von Tasten, die in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet sind, wird Instrumentaltastatur genannt.

Orgel - das erste Tastenblasinstrument

Die Geschichte der Tasteninstrumente beginnt in. Eines der ersten Tasteninstrumente war die Orgel. In den ersten Orgeln wurde der Klang durch Betätigung großer Ventile erzeugt. Sie erwiesen sich als ziemlich unpraktisch und ziemlich schnell wurden die Ventile durch Hebel ersetzt, die auch in ihrer Größe ziemlich beeindruckend waren. Im 11. Jahrhundert wurden Hebel durch breite Tasten ersetzt, die von Hand gedrückt werden konnten. Bequeme schmale Tasten, die für moderne Orgeln charakteristisch sind, tauchten erst im 16. Jahrhundert auf. So wurde aus der Orgel ein Tastenblasinstrument.

Clavichord - das erste Saitentasteninstrument

Die ersten Clavichorde wurden zwischen dem 14. und 16. Jahrhundert erfunden, mehr genaue Daten Historiker sind leider nicht bekannt. Das Gerät des mittelalterlichen Clavichords ähnelte einem modernen Klavier. Es zeichnet sich durch einen ruhigen, weichen Klang aus, weshalb das Clavichord nur selten vor großem Publikum gespielt wurde. Darüber hinaus hat es eine recht kompakte Größe und wurde daher häufig zum Abspielen von Musik zu Hause verwendet und war in reichen Häusern sehr beliebt. Speziell für das Clavichord schufen Komponisten der Barockzeit musikalische Werke: Bach, Mozart, Beethoven.

Cembalo

Das Cembalo tauchte erstmals im 14. Jahrhundert in Italien auf, sogar Boccaccio erwähnte es in seinem Decameron. Es ist ein Streichinstrument gezupfter Typ, da es sich durch eine Klangerzeugung durch Zupfen der Saite mit einem Plektrum im Moment des Tastendrucks auszeichnet. Die Rolle des Vermittlers übernimmt ein Plektrum aus einer Vogelfeder.

Es gibt ein- und zweimanualige Cembali. Anders als beim Clavichord oder Klavier verlaufen die Saiten beim Cembalo wie beim Klavier parallel zu den Tasten.

Cembalo

Das Cembalo gibt einen schwachen, scharfen Ton von sich. Es wurde in der Kammermusik oft als Begleitung von Gesangsdarbietungen verwendet. Der Körper des Cembalo war reich verziert, und im Allgemeinen wurde dieses Instrument eher als Dekorationselement betrachtet.

Spinett, Virginel und Muselar sind Spielarten des Cembalo. Sie haben ein ähnliches Prinzip der Klangerzeugung, aber unterschiedliche Designs. Dies sind kleine Instrumente, meist mit einer Klaviatur und einem Umfang von vier Oktaven.

Klavier

Es wurde erstmals im frühen 18. Jahrhundert vom italienischen Meister Bartolomeo Christofi entworfen. Tasteninstrumente konnten zu dieser Zeit vor allem der Konkurrenz der Streicher, die viel virtuoser und ausdrucksstärker war, praktisch nicht mehr standhalten. Das Klavier wurde zum Instrument, das Eindruck machen konnte Dynamikbereich und gewinnen Sie die Herzen der Musiker dieser Ära.

Dein neues Tasteninstrument Bartolomeo Christofi nannte es „laut und leise spielen“, was auf Italienisch „piano e forte“ klang. Ähnliche Variationen von Tasteninstrumenten wurden fast gleichzeitig von Christopher Gottlieb Schroeter und dem Franzosen Jean Marius geschaffen.

Das italienische Klavier Bartolomeo Christofi wurde wie folgt arrangiert: Ein Tastendruck betätigt einen Filzhammer, der Hammer wiederum versetzt die Saite in Schwingung, und ein spezieller Mechanismus zieht den Hammer zurück, wodurch verhindert wird, dass er die Saite drückt und den Klang übertönt. Dieses Klavier hatte keine Pedale oder Dämpfer. Später wurde die Möglichkeit hinzugefügt, den Hammer nur halb zurückzugeben, was sich als sehr praktisch für die Ausführung verschiedener Arten von Melismen herausstellte, die sich durch die schnelle Wiederholung von Noten auszeichnen.

Cembalo [Französisch] Clavecin, von Late Lat. Schlüsselbein, von lat. Clavis - Schlüssel (daher die Taste) und Cymbalum - Becken] - ein gezupftes Tastenmusikinstrument. Bekannt seit dem 16. Jahrhundert. (Beginn des Baus bereits im 14. Jahrhundert), die ersten Informationen über das Cembalo stammen aus dem Jahr 1511; Das älteste bis heute erhaltene Instrument italienischer Arbeit stammt aus dem Jahr 1521.

Das Cembalo entstand aus dem Psalterium (durch Umbau und Anbau einer Klaviatur).

Ursprünglich hatte das Cembalo eine viereckige Form und ähnelte Aussehen Das „freie“ Clavichord, im Gegensatz dazu hatte es Saiten unterschiedlicher Länge (jede Taste entsprach einer speziellen, in einem bestimmten Ton gestimmten Saite) und einem komplexeren Klaviaturmechanismus. Die Saiten des Cembalos wurden durch eine Prise mit Hilfe einer Vogelfeder, die auf einer Stange - einem Drücker - montiert war, in Schwingung versetzt. Beim Drücken einer Taste hob sich der an seinem hinteren Ende befindliche Drücker und die Feder blieb an der Saite hängen (später wurde statt einer Vogelfeder ein Lederplektrum verwendet).

Die Vorrichtung des oberen Teils des Drückers: 1 - Saite, 2 - Achse des Auslösemechanismus, 3 - Languette (aus der französischen Languette), 4 - Plektrum (Zunge), 5 - Dämpfer.

Der Klang des Cembalo ist brillant, aber nicht melodiös (ruckartig) - was bedeutet, dass es dynamischen Änderungen nicht zugänglich ist (es ist lauter, aber weniger ausdrucksstark als der von), die Änderung der Stärke und des Timbres des Klangs nicht hängen von der Art des Anschlags auf die Tasten ab. Um die Klangfülle des Cembalo zu verbessern, wurden doppelte, dreifache und sogar vierfache Saiten (für jeden Ton) verwendet, die unisono, oktaviert und manchmal in anderen Intervallen gestimmt wurden.

Evolution

Ab Anfang des 17. Jahrhunderts wurden anstelle von Darmsaiten Metallsaiten verwendet, die in der Länge zunahmen (von Diskant zu Bass). Das Instrument erhielt eine dreieckige Pterygoidform mit einer Längsanordnung (parallel zu den Tasten) der Saiten.

Im 17.-18. Jahrhundert. Um dem Cembalo einen dynamisch vielfältigeren Klang zu verleihen, wurden Instrumente mit 2 (manchmal 3) Manualklaviaturen (Manualen), die terrassenförmig übereinander angeordnet waren (meist war das Obermanual eine Oktave höher gestimmt), sowie Registerschaltern gebaut zum Erweitern von Höhen, Oktavverdopplung von Bässen und Änderungen in der Klangfarbenfärbung (Lautenregister, Fagottregister usw.).

Die Register wurden durch Hebel an den Seiten der Tastatur oder durch Knöpfe unter der Tastatur oder durch Pedale betätigt. Bei einigen Cembali wurde für eine größere Klangfarbenvielfalt eine 3. Klaviatur mit einer charakteristischen Klangfarbenfärbung angeordnet, die häufiger an eine Laute erinnert (die sogenannte Lautenklaviatur).

Aussehen

Äußerlich waren Cembali meist sehr elegant verarbeitet (der Korpus war mit Zeichnungen, Intarsien, Schnitzereien verziert). Das Finish des Instruments entsprach den stilvollen Möbeln der Ära Louis XV. Im 16.-17. Jahrhundert. zeichnen sich durch Klangqualität aus und Dekoration Cembali der Antwerpener Meister Ruckers.

Cembalo in verschiedenen Ländern

Der Name "Cembalo" (in Frankreich; Archichord - in England, kilflugel - in Deutschland, clavichembalo oder abgekürzt Cembalo - in Italien) wurde für große flügelförmige Instrumente mit einem Tonumfang von bis zu 5 Oktaven beibehalten. Normalerweise gab es auch kleinere Instrumente rechteckige Form, mit Einzelsaiten und einem Tonumfang von bis zu 4 Oktaven, genannt: Epinet (in Frankreich), Spinett (in Italien), Virginel (in England).

Cembalo mit vertikalem Korpus - . Das Cembalo wurde als Solo-, Kammerensemble- und Orchesterinstrument verwendet.

Der Schöpfer des virtuosen Cembalostils war italienischer komponist und der Cembalist D. Scarlatti (er besitzt zahlreiche Werke für Cembalo); der Gründer der französischen Schule der Cembalisten ist J. Chambonnière (seine Cembalostücke, 2 Bücher, 1670, waren sehr beliebt).

Unter den französischen Cembalisten des späten 17.-18. Jahrhunderts. -, J. F. Rameau, L. Daken, F. Daidriyo. französisch Cembalo Musik- die Kunst des raffinierten Geschmacks, raffinierte Umgangsformen, rationalistisch klar, der aristokratischen Etikette untergeordnet. Der zarte und kühle Klang des Cembalo harmoniert mit " guter ton» gewählte Gesellschaft.

Die französischen Cembalisten fanden ihre helle Verkörperung galanter Stil (Rokoko). Lieblingsthemen von Cembalo-Miniaturen (Miniatur - charakteristische Form Rokokokunst) waren weibliche Bilder("Capturing", "Flirty", "Düster", "Schüchtern", "Schwester Monica", "Florentine" Couperin), guter Platz besetzt mit galanten Tänzen (Menuett, Gavotte etc.), idyllischen Bildern des bäuerlichen Lebens („Schnitter“, „Weinlese“ von Couperin), onomatopoetischen Miniaturen („Huhn“, „Uhr“, „Zwitschern“ von Couperin, „Kuckuck “ von Daken usw. .). Ein typisches Merkmal der Cembalomusik ist die Fülle an melodischen Verzierungen.

Ende des 18. Jahrhunderts Die Werke französischer Cembalisten begannen aus dem Repertoire der Interpreten zu verschwinden. Als Ergebnis ein Instrument mit einer so langen Geschichte und einer so reichen künstlerisches Erbe, wurde aus der Musikpraxis gedrängt und durch das Klavier ersetzt. Und nicht nur verdrängt, sondern im 19. Jahrhundert völlig vergessen.

Dies geschah als Ergebnis einer radikalen Änderung der ästhetischen Präferenzen. Die barocke Ästhetik, die entweder auf einem klar formulierten oder klar empfundenen Begriff der Affektlehre (kurz das Wesentliche: eine Stimmung, ein Affekt - eine Klangfarbe) beruhte, für die das Cembalo ein ideales Ausdrucksmittel war, wich zunächst zum Weltbild des Sentimentalismus, dann in eine stärkere Richtung - Klassizismus und schließlich Romantik. Im Gegenteil, in all diesen Stilen ist die Idee der Veränderlichkeit - Gefühle, Bilder, Stimmungen - am attraktivsten und kultiviertesten geworden. Und das Klavier konnte es ausdrücken. Das alles konnte das Cembalo im Prinzip nicht leisten – aufgrund der Besonderheiten seiner Bauweise.

Ein Musiker, der sowohl auf dem Cembalo als auch auf seinen Spielarten musikalische Werke aufführt, wird genannt Cembalist.

Herkunft

Die früheste Erwähnung eines cembaloartigen Instruments findet sich in einer Quelle aus Padua (Italien) von 1397, das früheste bekannte Bild befindet sich auf einem Altar in Minden (1425). Als Soloinstrument blieb das Cembalo bis Ende des 18. Jahrhunderts in Gebrauch. Etwas länger wurde es verwendet, um Digitalbass zu spielen, um Rezitative in Opern zu begleiten. Um 1810 geriet es praktisch in Vergessenheit. Die Wiederbelebung der Kultur des Cembalospiels begann um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert.

Cembali des 15. Jahrhunderts sind nicht erhalten. Den Bildern nach zu urteilen, waren sie es kurze Werkzeuge mit schwerem Körper. Die meisten erhaltenen Cembali aus dem 16. Jahrhundert wurden in Italien hergestellt, wo Venedig das Hauptzentrum ihrer Produktion war.

Sie hatten ein 8`-Register (seltener zwei Register 8` und 4`), sie zeichneten sich durch ihre Eleganz aus. Ihr Körper bestand meistens aus Zypresse. Der Anschlag war bei diesen Cembali deutlicher und der Klang abrupter als bei späteren flämischen Instrumenten.

Das wichtigste Produktionszentrum für Cembali in Nordeuropa war Antwerpen, wo seit 1579 Vertreter der Familie Ruckers tätig waren. Ihre Cembali haben längere Saiten und schwerere Körper als Italienische Instrumente. Seit den 1590er Jahren werden in Antwerpen Cembali mit zwei Manualen hergestellt. Französische, englische und deutsche Cembali des 17. Jahrhunderts vereinen die Merkmale flämischer und niederländischer Modelle.

Einige französische zweimanualige Cembali mit Walnusskorpus sind erhalten. Seit den 1690er Jahren werden in Frankreich Cembali des gleichen Typs wie Rookers-Instrumente hergestellt. Unter den französischen Cembalomeistern stach die Blanchet-Dynastie hervor. 1766 erbte Taskin Blanches Werkstatt.

Die bedeutendsten englischen Cembalobauer des 18. Jahrhunderts waren Schudy und die Familie Kirkman. Ihre Instrumente hatten einen mit Sperrholz ausgekleideten Eichenkorpus und waren ausgezeichnet starker Klang reicher Ton. Im Deutschland des 18. Jahrhunderts war Hamburg das Hauptzentrum der Cembaloproduktion; unter den in dieser Stadt hergestellten Instrumenten mit 2'- und 16'-Registern sowie mit 3 Manualen. Das ungewöhnlich lange Modell des Cembalo wurde von J. D. Dülcken entworfen, einem führenden niederländischen Handwerker des 18. Jahrhunderts.

In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts begann die Verdrängung des Cembalo. Um 1809 produzierte die Firma Kirkman ihr letztes Cembalo. Der Initiator der Wiederbelebung des Instruments war A. Dolmech. Er baute sein erstes Cembalo 1896 in London und eröffnete bald Werkstätten in Boston, Paris und Heislemere.

Die Freigabe von Cembali wurde auch von den Pariser Firmen Pleyel und Erard etabliert. Pleyel begann mit der Herstellung eines Modell-Cembalos mit einem Metallrahmen, der dicke, straffe Saiten trägt; Wanda Landowska hat eine ganze Generation von Cembalisten auf diesem Instrumententyp ausgebildet. Die Bostoner Handwerker Frank Hubbard und William Dyde waren die ersten, die antike Cembali kopierten.

Gerät

Es hat die Form eines länglichen Dreiecks. Seine Saiten sind horizontal angeordnet, parallel zu den Tasten.

Am Ende jeder Taste befindet sich ein Drücker (oder Jumper). Am oberen Ende des Drückers befindet sich eine Langetta, in der ein Plektrum (Zunge) aus Feder (bei vielen modernen Instrumenten aus Kunststoff) befestigt ist, knapp über dem Plektrum befindet sich ein Dämpfer aus Filz oder weichem Leder. Wenn die Taste gedrückt wird, hebt sich der Drücker, das Plektrum zupft die Saite. Wenn die Taste losgelassen wird, ermöglicht der Freigabemechanismus dem Plektrum, an seinen Platz unter der Saite zurückzukehren, ohne dass die Saite erneut gezupft werden muss. Die Schwingung der Saite wird durch einen Dämpfer gedämpft.

Zur Anmeldung, d.h. Änderungen in der Stärke und Klangfarbe des Klangs, Hand- und Fußschalter werden verwendet. Es ist nicht möglich, die Lautstärke am Cembalo stufenlos zu erhöhen und zu verringern. Im 15. Jahrhundert betrug der Tonumfang des Cembalo 3 Oktaven (einige chromatische Töne fehlten in der unteren Oktave); im 16. Jahrhundert wurde sie auf 4 Oktaven (C - c"`), im 18. Jahrhundert auf 5 Oktaven (F` - f"`) erweitert.

Ein typisches deutsches oder niederländisches Cembalo des 18. Jahrhunderts hat 2 Manuale (Klaviaturen), 2 Sätze von 8'-Saiten und einen Satz von 4'-Saiten (eine Oktave höher klingend), die einzeln oder zusammen verwendet werden können, sowie einen manuellen Kopulationsmechanismus . Fuß- und Kniehebel erschienen Ende der 1750er Jahre. Die meisten Instrumente haben einen sog. das Lautenregister eines charakteristischen nasalen Timbres (um es zu erhalten, werden die Saiten mit einem speziellen Mechanismus durch Leder- oder Filzbeulen leicht gedämpft).

Komponisten, die Cembalomusik komponierten

Francois Couperin der Große
Louis Couperin
Louis Marchand
Jean-Philippe Rameau
Johann Sebastian Bach
Johann Pachelbel
Dietrich Buxtehude
Girolamo Frescobaldi
Johann Jakob Fröberger
Georg Friedrich Händel
Wilhelm Vogel
Henry Purcell
Johann Adam Reinecke
Domenico Scarlatti
Alessandro Scarlatti
Matthias Weckmann
Domenico Zipoli

Video: Cembalo auf Video + Ton

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Verkauf von Werkzeugen: Wo kaufen/bestellen?

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Artikel über die Geschichte der Antike Clavichorde, Cembali und ähnliches Tasteninstrumente. Fügt Interesse hinzu, dass dieser Artikel von der Urheberschaft stammt Eugenia Braudo, erschien 1916 in Form einer Broschüre in der Reihe "Musikalische Zeitgenössische" unter Nr. 6. Wie immer erkannte und übersetzte er aus dem vorrevolutionären ins moderne Russisch. Bilder natürlich Saugnäpfe in der Qualität, aber wenn Sie möchten, können Sie im Internet normale finden.

In jüngerer Zeit hat die Musikwissenschaft damit begonnen, ihr ernsthafte Aufmerksamkeit zu schenken Geschichte alter Instrumente. Noch vor zwanzig Jahren haben diese Menschen aus der fernen Antike aufrufende Ansichtüber die verführerische Schönheit vergangener Jahrhunderte, über vergessene musikalische Meisterwerke, interessiert nur Archäologen und Museumshüter. In den letzten Jahren hat dieser Bereich der musikalischen Forschung dank der erfolgreichen Tätigkeit verschiedener "Vereine zum Spielen alter Instrumente", von denen es eine beträchtliche Anzahl in allen großen Kulturzentren gibt, begonnen, herausragende wissenschaftliche Kräfte anzuziehen. Denn die allerersten Versuche, die Perlen der alten Musik im Rahmen ihrer ihnen eigenen Klangfülle zu präsentieren, zeigten, dass die so feine und zerbrechliche Musikkunst der alten Jahre einer virtuosen Verschmelzung von Technik und Inhalt bedarf, und dies nur einer akkuraten Klärung Die Gestaltungsmerkmale all dieser kuriosen Cembali, Clavichorde, Gamben machen es möglich, die verblichenen Perlen der alten Handwerkskunst wirklich wieder aufleben zu lassen.

Die folgenden Zeilen sind gewidmet tausend Jahre Geschichte das Üblichste Musikinstrument, das in allen Epochen der Hüter der höchsten musikalischen Werte war, will nicht so sehr seine äußere Entwicklung darstellen, sondern jene Merkmale der Struktur der fernen Vorfahren unseres modernen Klaviers aufzeigen, die zweifellos die Entwicklung beeinflusst haben des Clavierstils vergangener Jahrhunderte.

Genealogie Klavier geht auf eine Zeit zurück, die sehr weit von uns entfernt ist. Sein Vorläufer ist eine kleine Holzkiste mit einer darüber gespannten Schnur, die durch eine bewegliche Schwelle in zwei beliebige Teile geteilt werden kann. Dies ist ein Monochord, ein physikalisches Gerät, das den Lesern aus dem Physikunterricht des Gymnasiums bekannt ist. Schon in der Antike diente dieses Werkzeug zur mathematischen Definition von Tönen. Wenn wir eine beliebige Saite, zum Beispiel G, um 1/9 ihrer Länge reduzieren und die verbleibenden 8/9 davon vibrieren lassen, erhalten wir eine große Sekunde, A; 4/5 derselben Saite ergibt eine große Terz, H; drei Viertel - ein Quart, C; zwei Drittel - fünfte, D; drei Fünftel einer großen Sexte, E; halbe Oktave G.

Aber die primitive Einzelsaite hatte einen sehr bedeutenden Nachteil. Seine Saite zeigte das Verhältnis der Länge der klingenden Teile für alle Töne des Felsens, erlaubte aber nicht das gleichzeitige Erklingen der verglichenen Segmente, und schon in einer sehr frühen Zeit entstand die Idee, diese bereitzustellen "monochord" mehrere Saiten für eine bessere Sichtbarkeit der Konsonanz von Intervallen. Aristides Quintilian und Claudius Ptolemäus, Theoretiker des 2. Jahrhunderts, beschreiben ein Instrument, das mit vier Saiten ausgestattet ist und Helikon genannt wird.

Im Mittelalter das "Monochord", wie man es richtiger nennen würde "polychord", wurde nicht nur für theoretische Studien, sondern auch für begleitenden Gesang verwendet. Um den äußerst komplexen Vorgang des Spielens dieses Instruments zu erleichtern, wurde der Resonanzboden des Monochords mit Ständern mit scharfen Rippen ausgestattet, die an den Stellen der wichtigsten Unterteilungen der Saite angebracht wurden. Als sich ungefähr in der Mitte des 12. Jahrhunderts die ältesten Instrumente mit Tasten, kleinen tragbaren Orgeln, Insignien, die für Bildungszwecke und den Hausgottesdienst verwendet wurden, zu verbreiten begannen, wurden die ersten Versuche unternommen, die Tastatur an das Monochord anzupassen Form eines Systems von Ständern, von denen sich jeder, wenn er die entsprechende Taste drückte, erhob, um fest hineinzudrücken berühmter Platz Schnur. Es reichte jedoch nicht aus, mit Hilfe eines Ständers einen Teil der Saite abzutrennen, es war notwendig, ihn in Schwingung zu versetzen, und so wurden im Laufe der Zeit die primitiven Ständer des Monochords in Metallstifte (Tangenten) umgewandelt. . Diese an den Klaviaturarmen angebrachten Tangenten teilten die Saite nicht nur in zwei Teile, sondern brachten sie gleichzeitig zum Klingen.

Ein Instrument, das nach dem Prinzip gebaut ist Monochord, aber mit einer größeren Anzahl von Saiten, die mit Hilfe von Tasten und damit verbundenen Metalltangenten vibriert wurden, wurde Clavichord genannt.

Etwa tausend Jahre vergingen, bis aus der alten Einsaitige durch harte Arbeit an der Verbesserung der Mechanik ein Clavichord wurde. Die Musikgeschichte versuchte hartnäckig, den Namen Monochord für das Clavichord beizubehalten, was mittelalterlichen Theoretikern, die vergeblich nach einer Erklärung für eine solche Diskrepanz suchten, erhebliche Schwierigkeiten bereitete. Nicht minder hartnäckig versuchten Clavichordbauer über die Jahrhunderte hinweg, das monochordischste Prinzip bei der Anwendung auf ein neues Instrument unversehrt zu erhalten. Während das Monochord ausschließlich theoretischen Zwecken diente, war es ganz klar, dass zum Vergleich einzelner Töne in der Antike Saiten gleicher Länge genommen wurden, die es ermöglichten, einen direkten Zusammenhang zwischen der Länge des klingenden Teils visuell darzustellen und die Tonhöhe. Aber aufgrund einer seltsamen historischen Tradition behielt das Clavichord, das in der Musikkunst eine ganz andere Verwendung hatte, die gleiche Saitenlänge bei, so dass der Unterschied in den Tönen des Clavichords nur auf die unterschiedliche Position der Ständer zurückzuführen war seine Saiten in Schwingung versetzt. Außerdem, entsprach die Zahl der letzteren überhaupt nicht der Zahl der Schlüssel. Nach dem alten Prinzip des Monochords hatte jede einzelne Saite eine Reihe von Basen, die sie unterteilten verschiedene Punkte, und so war es mit Hilfe einer Saite möglich, mehrere Töne zu empfangen verschiedene Höhen. Alle Saiten waren auf den tiefsten Ton des Clavichords gestimmt, G, verbunden mit der ersten Taste, die über die gesamte Länge der Saite vibrierte. Die nächste Taste verkürzte die gleiche erste Saite mit ihrem breiten Metallstift um ein Nonum und gab so den Ton A. Die dritte Taste verkürzte die gleiche Saite um eine Quinte, was den Ton H ergab. Erst die vierte Taste schlug die zweite Saite an und trennte sie Viertel davon mit einem Stiftteil, so dass mit Hilfe von drei Vierteln der Saite ein C-Ton erhalten wurde.

Wir haben gesehen, dass die Töne G, A und H aus der Schwingung derselben Saite gewonnen wurden. Dadurch konnten sie auf dem alten Clavichord nicht zusammengenommen werden. G und C bildeten die erste Konsonanz, die den Tasten dieses Instruments zur Verfügung stand. Mit der Entwicklung des harmonischen Denkens und der Erweiterung des Konsonanzbegriffs begann jedoch die Diskrepanz zwischen der Anzahl der Saiten und Tonarten zu verschwinden. Diese Verbesserung des Instruments ging sehr schnell vor sich. Noch Ende des 15. Jahrhunderts wurden für 22 Tasten nur 7 Saiten genommen. Im sechzehnten Jahrhundert vervierfachte sich die Zahl der Saiten sofort; Ich habe zufällig im Museum der Berliner Musikhochschule ein Clavichord aus der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts gesehen, mit 30 Saiten, mit 45 Tasten, angeordnet wie auf einem modernen Klavier. In diesem Fall hatten jedoch einige Saiten jeweils 3 Tasten. Das „freie“ Clavichord, bei dem jede Saite nur von einer Taste bedient wird, wurde viel später, 1723, erfunden und galt einst als größte Rarität.

Wie die Tasten auf die Saiten des Clavichords abgestimmt wurden, ist noch nicht geklärt. Ein flüchtiger Blick auf die innere Struktur des Clavichords mit seinen bizarren Linien von Klaviaturhebeln genügt, um zu sehen, zu welchen Tricks gegriffen werden musste, um die Tasten und Saiten in Einklang zu bringen. Üblicherweise wurden die Ständer mit Stiften („Bünde“, wie sie in Analogie zur Laute genannt werden) so angeordnet, dass jede Saite durch drei Ständer geführt wurde, die auf dem resonanten Resonanzboden des Instruments montiert waren. Beim Clavichord musste der Musiker den nicht klingenden Teil der Saite mit einer Hand abdecken. Ab dem Ende des 15. Jahrhunderts wurde diese Unannehmlichkeit durch die Verwendung eines schmalen Stoffstreifens beseitigt, der an der Stelle der Teilung der Schnur gehalten wurde. Im 18. Jahrhundert wurden Versuche unternommen, dem Clavichord nach dem Vorbild der Orgel eine Fußklaviatur anzubringen. Eines der äußerst seltenen Exemplare dieser Art habe ich zufällig im Bach-Museum im Geburtshaus des großen Meisters gesehen.

Die alten Clavichorde hatten eine sehr charakteristische quadratische flache Form, die aus der gleichen Länge aller Saiten des Instruments resultierte. Im Allgemeinen ähnelte ihr Aussehen rechteckigen englischen Klavieren, die in den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts unter armen Amateuren in unserem Land sehr verbreitet waren.

Die ersten Instrumente des Clavichord-Typs waren längliche Kästen, die nicht nur der musikalischen, sondern auch allerlei anderer Heimunterhaltung dienten: zum Würfeln, Schach (daher der altfranzösische Name für das Clavichord "eschi quier" - ein Schachbrett), Damen-Näharbeiten (ein ähnliches Beispiel mit einem kleinen Kissen für Nadeln gibt es im Petrograder Museum eine Stieglitz-Bar) usw. Anfangs war das Volumen des Instruments so bescheiden, dass das Clavichord dafür auf den Tisch gestellt wurde spielen. Als seine Tastatur in der Folge auf viereinhalb Oktaven anwuchs, musste der „Großvater des modernen Klaviers“ auf eigene Beine gestellt werden. Aber selbst in dieser schwerfälligeren Form war das Clavichord noch so leicht und tragbar, dass die Virtuosen, die die Ohren unserer Vorfahren erfreuten, mit ihrem Clavichord, das in einen Reisewagen passte, herumreisen konnten.

Die Töne des Clavichords, leise und zerbrechlich, wurden zu einem großen Teil von dem Stoff absorbiert, der beim Bau der Instrumente verwendet wurde. Daher wurde das Clavichord im Sinne der Klangfülle nicht nur vor der Orgel, sondern sogar vor der Laute völlig verdeckt. Seine träge zitternden Klänge sind voll von unheimlichem Charme. Tatsache ist, dass das Clavichord durch eine besondere weiche Schwingung der Saiten gekennzeichnet war, die einzelne Töne verschwommen, vage machte. Dieses Merkmal war im Mechanismus des Instruments selbst verwurzelt, denn je stärker der Spieler die Taste drückte, desto höher hob der Metallstift die Saite selbst und der von ihr erzeugte Ton wurde, wenn auch in geringem Maße, stärker. Clavichordisten waren sehr gut darin, diesen zitternden Klang (Bebung) für verschiedene melismatische Dekorationen zu verwenden. Solche unbestimmten Klanggebilde sind dem moderneren, vollendeteren Klavier gewiß fremd; mit dem fortschritt der technik verschwand diese quelle musikalischer vergnügen spurlos; Inzwischen kann uns nur das Aroma der Klangfülle des alten Clavichords eine wahre Vorstellung von den fesselnden Reizen des Raffinierten vermitteln Musik XVII und XVIII Jahrhundert.

Allerdings die Logik der Geschichte, die das Klavier an die Spitze stellte musikalische Entwicklung Europa forderte bereits Mitte des 15. Jahrhunderts den Ersatz eines intimen, in sich geschlossenen Clavichords durch ein anderes Instrument mit gleichmäßigem, klarem und kräftigem Klang. Neben dem Clavichord tritt zum ersten Mal in Italien und dann in den nördlichen Ländern ein neues Tasteninstrument auf, das in den Annalen der Musik unter dem Namen Clavicimbala bekannt ist. Dieser für unsere Ohren unangenehme Name zeigt, dass sein Prototyp die vulgären Becken sind, die einen dröhnenden, scharfen Klang haben, der entsteht, wenn ein Hammer auf Stahlsaiten unterschiedlicher Länge und Stimmung schlägt.

Becken noch heute sind sie Teil der rumänischen und ungarischen Volksmusikorchester und haben hier im Süden Russlands ihre eigene jahrhundertealte, kuriose Geschichte. Instrumente dieser Art waren den Ägyptern in der tiefsten Antike vertraut und gingen von ihnen auf die Griechen über. In Europa verbreiteten sie sich Mitte des 7. Jahrhunderts. Kein einziges Volksfest war vollständig, ohne zu den Klängen von Becken getanzt zu haben.

Anfänglich waren die Becken ein kleiner dreieckiger Kasten, über dessen Resonanzboden 10 Metallsaiten gespannt waren. Später wuchs die Zahl der letzteren auf vier Oktaven an. Aufgrund des großen Volumens des Instruments wurde es möglich, seine Klangfülle zu verbessern - durch die Verwendung von zwei- und dreichörigen Komplexen von Saiten aus unterschiedlichen Materialien. Diese Saiten wurden durch zwei Trägersysteme geführt und mit Metall- und Holzstiften verstärkt. Das Deck war mit zwei runden Löchern ausgestattet. Ein wesentlicher Nachteil der Becken war das Fehlen einer Vorrichtung zum Dämpfen des Klangs, und das geschickteste Spiel war machtlos Erbsünde Instrument, sein vager, summender Ton.

Die Musikgeschichte hat jedoch eine Reihe von Namen von Virtuosen auf diesem Instrument bewahrt, die versuchten, die Spieltechnik zu höchster Perfektion zu bringen.

Von diesen war er zu seiner Zeit der berühmteste. Pantaleone Gebenshtreit(1669 - 1750), Erfinder des nach ihm benannten "Pantaleon", eines extrem verbesserten Beckens, das eine große Rolle bei der Erfindung eines neuen Claviermechanismus, eines Klaviers mit Hämmern, spielte. Welch großes Aufsehen in der Musikwelt die Virtuosität dieses Beckenspielers hervorbrachte, zeigt die Tatsache, dass selbst so große Meister wie Telemann es für möglich hielten, mit Gobenshtreit in einen öffentlichen Wettbewerb zu treten. Einer seiner Schüler, ein Bayer mit einem sehr charakteristischer Nachname Am Hof ​​erlangte Gumpenguber große Berühmtheit Kaiserin Elisabeth Petrowna. „Zur Freude des Herrschers“ spielten bereits Hackbrettspieler Michail Fedorowitsch während der Höchsten Ausgänge... zum Badehaus. Die Becken ähnelten bis zu einem gewissen Grad der "Harfe Harfe", was ihre Anpassung an den Alltag des alten russischen Lebens erklärt.

Hauptunterschied Clavicimbala(d. h. ein Becken mit Tasten) vom Clavichord war, dass beim ersten wie bei einem modernen Klavier jede Taste einer speziellen, auf einen bestimmten Ton gestimmten Saite entsprach, wodurch eine a nicht mehr benötigt wurde System von Stützen, die sie vom Klangteil der Streicher trennen. Außerdem erforderte das Clavicimbal natürlich einen ganz anderen Schlag. Anstelle der Clavichord-Tangenten, die mit ihrem sanften Anschlag die verträumten Klänge der Saiten heraufbeschworen, wurden hier Holzstäbchen verwendet, an deren oberen Enden kleine spitze Stücke eines Krähenflügels, hartes Leder oder an den Saiten eingehakte Metallzungen gepflanzt wurden . Um die Klangfülle der Clavicimbals zu verbessern, wurden sie wie die Clavichorde mit zwei und drei Chören gebaut, wobei jede einzelne Saite mit einem speziellen Stock mit einer Zunge vibriert. Aus der weiteren Präsentation werden wir sehen, wie wichtig dieses Konstruktionsmerkmal des Clavicimbals war, um verschiedene Klangschattierungen zu erzielen.

Wann die Idee geboren wurde, die Tastatur auf die Becken zu legen, ist sehr schwer zu sagen. Der berühmte Philologe Scaliger (1484 - 1556) erzählt in seinem Aufsatz "Poetices Libri VII" (Lyon, 1561), dass in seiner Kindheit Psalter (eine alte Art von Schlaginstrumenten ähnlich den Becken), die mit Klappen ausgestattet waren, in fast allen gefunden wurden Häuser.

Im einfachen Volk wurden sie "Monochords" oder "Manicords" genannt. Auf diese Weise lässt sich feststellen, dass Clavicimbals bereits Mitte des 15. Jahrhunderts weit verbreitet waren.

Die Clavitimbals waren die ersten, die im englischen Musikleben Staatsbürgerrechte erlangten kleine Werkzeuge dieser Art sind zum Gegenstand besonderen musikalischen Dilettantismus geworden. Königin Elizabeth selbst war eine ausgezeichnete Cembalistin, und Historiker glaubten lange Zeit, dass der englische Name für das Instrument "Jungfrau" (jungfräulich), die 20 Jahre vor ihrer Geburt zurückreicht, um die Erinnerung an die jungfräuliche Königin (Jungfrau) für unsere Generationen zu bewahren. Wir präsentieren eine Fotografie eines reich mit Karmin, Gold und Wappen verzierten Instruments aus der Mitte des 16. Jahrhunderts. Die bezaubernden Kompositionen der alten englischen Meister werden in Erinnerung wiederbelebt; lange stumme Saiten rauschen sanft; anmutige Variationen über ein volkstümliches Thema, ein majestätischer Hut, ein fröhlicher Galliard verzaubern unsere Ohren ... Dieses Clavicimbal aus Zedernholz ist eine venezianische Arbeit. Bei Fjodor Ioannovich der Gesandte Elisabeths überbrachte dem König von Moskau ein ähnliches Virginal mit den entsprechenden Spielern als Geschenk. Der englische Chronist von Rus erzählt, dass Zarin Irina Fjodorowna bei der Untersuchung des Geschenks besonders vom Aussehen des vergoldeten und mit Emaille verzierten Virginals beeindruckt war und „die Harmonie dieser Musikinstrumente bewunderte, die noch nie zuvor gesehen und unerhört waren . Tausende von Menschen drängten sich um den Palast, um ihnen zuzuhören.“

Die ersten Virginals selbst ließen jedoch in Bezug auf die Klangschönheit zu wünschen übrig, und ihr größter Nachteil war die Fragmentierung, Härte und Trockenheit des Tons. Aller Fleiß der Meister, die an der Verbesserung dieses Instrumententyps arbeiteten, bestand daher darin, eine gewisse Vielfalt in die Nuancen des Klangs von Clavicimbals einzubringen. Ende des 16. Jahrhunderts. Der berühmte Amsterdamer Meister Hans Ruckers hat eine äußerst wichtige Verbesserung vorgenommen Clavier-Mechanismen. Er war der erste, der Virginels mit zwei Klaviaturen herstellte. Beim Weiterspielen obere Tastatur, es wurde nur eine Zeichenfolge angegeben; Beim Drücken der unteren Taste vibrierten zwei Saiten, und die Virginel erklang mit doppelter Kraft und Brillanz. Um dem Klang eine besondere Fülle zu verleihen, fügte Ruckers den beiden Chorus-Saiten eine dritte, dünnere, oktavhöher gestimmte Saite hinzu. So ermöglichten es die beiden Klaviaturen von Ruckers Virginels, drei Saiten gleichzeitig zu spielen, oder nur eine davon. Eine unserer Illustrationen zeigt eine fotografische Aufnahme eines Virginels von Rookers. Der Umschlag zeigt in Farbe den Kampf zwischen Apollo und Mars, ein beliebtes Motiv für die künstlerische Verzierung von Klavieren. Von Hans Ruckers ging die Kunst der Virginellenherstellung auf seine vier Söhne über, die die Gebote ihres Vaters ehrenhaft einhielten. Bereits zu Beginn des 18. Jahrhunderts waren Clavicimbals von Ruckers sehr berühmt und weit verbreitet. Die besten niederländischen Tier- und Naturmaler - Frank, Jan van Heysum - verzierten sie mit ihrem geschickten Pinsel, so dass der Preis der Werkzeuge 3.000 Livres erreichte. Aber – ach! - Käufer demontierten oft das Clavicimbal selbst, um das Gemälde zu erhalten.

Ein von beste Werkzeuge Der Leser sieht die Arbeit von Ruckers-Sohn in der beigefügten Illustration. Das "Cembalo"(große Jungfrau) Händels, der einst mit seiner Schönheit und Weichheit des Klangs die Bewunderung der Zeitgenossen des Komponisten erregte. Das dreichörige Instrument ist mit zwei Klaviaturen mit sehr sorgfältig eingepassten Tasten und einem hervorragend verarbeiteten resonanten Resonanzboden ausgestattet. Kleine Holzgriffe in der linken Ecke dienten zum Verbinden und Trennen der Tastaturen. Allerdings war dieses Cembalo trotz seines relativ großen Volumens noch weder mit Beinen noch mit Pedalen (erfunden im 15. Jahrhundert durch den venezianischen Organisten Bernardino) ausgestattet, die zur Oktavverdopplung von Basstönen dienten.

Wir sehen all diese Anpassungen an dem großen, in London hergestellten Cembalo, das das letzte Wort im Clavierbau darstellte. Dieses Instrument kam 1773 aus der berühmten Werkstatt von Bradwood heraus, die noch immer den Ruhm der besten Klavierfabrik Englands bewahrt. Äußerlich unterscheidet es sich fast nicht von einem modernen Flügel (mit Ausnahme natürlich zweier Klaviaturen). Kurios ist sein Holzrahmen mit Querrippen, der erstmals von Bradwood verwendet wurde. Dank einer Reihe von Registern zur Verstärkung und verschiedenen Modifikationen der Klangfarbe gab dieses Cembalo einen sehr gleichmäßigen und kräftigen Ton ab.

Dabei zeigten die Briten eine Vorliebe für Instrumente, die sich der Klangfülle näherten Klavier, in Frankreich schätzten Musikliebhaber vor allem kleine Clavicimbals mit einer Klaviatur, "Spinette" benannt nach Venezianischer Meister Giovanni Spinetti, der zu Beginn des 16. Jahrhunderts lebte (die andere Etymologie dieses Wortes von "spina" (Nadel) ist jetzt übrig). Laut Praetoriycy, dem Autor der vollständigsten wissenschaftlichen Beschreibung von Musikinstrumenten des 16. Jahrhunderts, ist das "Spinet" ein kleines viereckiges Instrument, das eine Quinte über oder unter dem echten Ton gestimmt ist. Es wurde normalerweise über dem "Klavier" platziert. Solche Instrumente, die seit Ende des 16. Jahrhunderts das gewöhnliche Clavier mit dem Spinett verbinden (um den Klang zu verbessern), musste ich in alten deutschen und italienischen Sammlungen mehr als einmal antreffen. Eine äußerst interessante Art von Spinetten war das "Clavicytherium"-Instrument. Solch "vertikales spinett" Sie wurde mit Darmsaiten versorgt. Die Verwendung des letzteren kann nur als erfolglose Erfahrung angesehen werden, da die Darmsaiten nicht im Einklang blieben und leicht atmosphärischen Einflüssen erlagen. Das Clavicitherium überlebte bis ins 17. Jahrhundert zurück, anscheinend mit unpraktischen Darmfäden. Aber die Idee der vertikalen Anordnung von Saiten ist bis in unsere Zeit gekommen und wird im Klavier ausgeführt, dessen Geburtsort Italien ist. Das von uns fotografierte Instrument vom Beginn des 16. Jahrhunderts gehört zu den ältesten Exemplaren des Claviciteriums und ist äußerst selten.

Im 17. Jahrhundert wurde der Name "Spinet" allgemein auf alle einchörigen Clavicimbales ausgedehnt.

Die Verbesserung dieser Art von Tasteninstrumenten ist ein großes Verdienst der Pariser Meister, deren Produkte Mitte des 18. Jahrhunderts als die besten in Europa galten. Besonders berühmt für seine Cembali (in Frankreich die sogenannten großen Spinette) Pascal Toskana, der 1768 das Instrument "en peau de buffle" gebaut hatte. Die Essenz seiner Erfindung war, dass er neben Federn und elastischen Rohren auch Büffelblätter in seinen dreichörigen Instrumenten verwendete, die nach eigener Aussage nicht zogen, sondern mit ihrem Anschlag die Saite streichelten. Das sogenannte "Jeu de Buffle" konnte allein oder gleichzeitig mit den Federn verwendet werden. Tatsächlich übertrafen diese Instrumente nach Ansicht der Kenner der damaligen Zeit alles, was bisher auf dem Gebiet des Cembalobaus getan worden war. Ihr süßer, weicher, samtiger Klang gab mit Hilfe von Registern verschiedene Kraftaufbauten, und die Basstöne zeichneten sich durch große Dichte und Inhalt aus.

Die Erfindung der Toskana verbreitete sich natürlich schnell in Frankreich und im Ausland, und im Laufe der Zeit erschien das „Clavecin en peau de buffle.“ Die musikalische Chronik wurde fast jedes Jahr mit neuen Entdeckungen auf dem Gebiet der Claviermechaniken bereichert. So wurden beispielsweise Büffelzungen von dem Dresdner Meister J. G. Wagner für seine 1775 erfundene Erfindung verwendet "Clavecin Royal", das über vier Pedale verfügte, mit denen das Spielen von Harfe, Laute und Becken nachgeahmt werden konnte.

Der Name "Clavecin Royal" selbst hat einige Gemeinsamkeiten mit der russischen Bezeichnung für Claviers. "Klavier". Verbesserte Cembali wurden zum ersten Mal in Russland unter Katharina II. gebaut, und unter ihren Hofdamen gab es viele erfahrene Cembalistinnen.

Zur gleichen Zeit wurde in Rom das "Cembalo Angelico" mit Ledertangenten zum Verkauf angeboten, um ein mögliches zu erhalten weiche Klänge Samt. Andere Erfinder hingegen versuchten, Kenner und Amateure mit neuen Klangeffekten zu interessieren, die aus ihren Instrumenten extrahiert werden konnten.

Großartig Johann Sebastian Bach erfand die sog Laute Clavicimbal. Seine Erfindung wurde von einem Hamburger Meister verbessert I. Fleischer, der speziell theorbische Clavicimbals (Theorba - Basslaute) baute, die Töne erzeugten, die eine Oktave tiefer waren als ein gewöhnliches Clavier. Dieser Gegenflügel war mit drei Registern ausgestattet, die die Metallsaiten des letzteren zum Vibrieren brachten. Theorbic Clavicimbals von Fleischer waren sehr teuer - bis zu 2000 Rubel für unser Geld.

Sehr interessant waren die Versuche, mit Hilfe eines Tasteninstruments die Klangfülle eines Streicherensembles zu erreichen. Diese Entdeckung wurde 1600 vom Organisten gemacht Josef Haydn aus Nürnberg. Solche Instrumente waren im 18. Jahrhundert weit verbreitet. Die Hauptmerkmale ihres Mechanismus liefen darauf hinaus, dass mit Hilfe der Tasten eine Reihe von Bögen neben den Darmsaiten in Bewegung gesetzt wurden. Die Pedale des Instruments ermöglichten es, die Druckkraft zu regulieren.

Diese Art von Bogenflügeln sollte das "musikalische Wunder" der Zeit von Katharina der Großen umfassen - das Orchester von Strasser, das jetzt in der Eremitage aufbewahrt wird. Über ein ähnliches Cembalo, das 1729 von einem gewissen Mr. de Virbes, sagt der berühmte Historiker I. H. Forkel. Dieses Clavicimbal hatte die Fähigkeit, 18 verschiedene Instrumente zu imitieren, und "die Illusion war so vollständig, dass es möglich war, eine ganze Symphonie darauf zu spielen, die genauso klang wie bei der Aufführung eines Orchesters."

Doch die Herrschaft des Cembalo neigte sich dem Ende zu. 1711 Bartolomeo Cristofori, fälschlicherweise auch Christofali genannt, wurde ein neues Tasteninstrument erfunden, das im Laufe der Zeit die bestehenden alten Typen ablöste. Cristofori ersetzte das System von Tangenten und Flügeln im Cembalo durch Hämmer, die auf die Saiten schlagen und sie so zum Klingen bringen. Während bei der vollkommensten Clavicimbale durch ein aufwändiges Registrierungsverfahren nur magere Klangnuancen zu erzielen waren, konnte bei einem neuen Instrument durch einfaches Berühren der Tasten mit den Fingern die Klangfülle vom zartesten Pianissimo bis zum donnernden Fortissimo gesteigert werden . Bereits zu Beginn des 18. Jahrhunderts entwarf ein italienischer Meister schließlich eine Mechanik, die alle wesentlichen Merkmale unserer modernen Flügel enthielt. Dank des Schlagwerks hing die Klangstärke nun allein von der Kraft des Tastendrucks ab, was beim Spielen einer Komposition für das Clavier sofort ein völlig neues Gebiet des unendlich variantenreichen Spiels mit dynamischen Schattierungen eröffnete. Cristofori nannte sein Instrument, das nach Belieben leise oder laut gespielt werden konnte, "Gravicembalo (verzerrtes Clavicembalo) col piano e forte".

Cristoforis Erfindung blieb von seinen Zeitgenossen unbemerkt, und der bescheidene Kurator des Prinz-Medici-Museums hätte sich wahrscheinlich nie träumen lassen, dass das von ihm gebaute Klavier (das Foto, von dem in diesem Artikel platziert ist) als nationaler Schatz sorgfältig aufbewahrt würde Italienisches Museum. Seine Nachkommen mussten einen erbitterten Kampf mit den Überresten der musikalischen Antike ertragen, der erst in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts endete.

Trotz der Tatsache, dass die Geschichte des antiken Klaviers von außen in allen Einzelheiten untersucht wurde, gibt es viele Fragen, die von der wissenschaftlichen Forschung noch nicht ausreichend abgedeckt wurden. Diese Fragen betreffen das Wesen der Klangfülle und den Einsatz beider Instrumente bei der Aufführung Alter Musik.

Von beiden Claviertypen spielte das Clavicimbal eine ungleich bedeutendere Rolle in der Geschichte der Musikkunst. Seit der Adventszeit Sologesang als Generalbass-Begleitinstrument nahm er eine führende Stellung ein. Außerdem Solo-Klaviermusik, die ihre Entwicklung verdankt musikalisches Genie romanische Völker, wuchsen ausschließlich auf der Grundlage der Klangfülle des Cembalo auf.

Wie wir bereits betont haben, hatte das Clavicimbalo (oder "Chembalo", nach italienischer Nomenklatur) unabhängig vom Spieler selbst die Kraft der Klangfülle. In dieser Hinsicht ähnelte es einer Orgel. Das Registersystem beseitigte diesen Hauptnachteil des Instruments nur bis zu einem gewissen Grad, und billige Heimcembali hatten normalerweise nur ein Register. Einerseits mit der Orgel verwandt, war das Clavicimbal andererseits wie, als Schlaginstrument, auf der Laute. Bemerkenswert ist, dass ursprünglich Laute und Orgel bei der Darbietung des Generalbasses die gleiche Rolle spielten wie in späterer Zeit das Clavicimbal. Letzterer gewann dank seiner besonderen Verdienste schließlich einen Sieg über seine Rivalen. Im Vergleich zur Laute zeichnete sie sich durch eine größere Leichtigkeit beim Akkordspiel aus, während die Orgel in ihrer Beweglichkeit überlegen war, sowie die Fähigkeit, sich mit den Klangfarben anderer Instrumente zu verschmelzen, die normalerweise durch die massive Klangfülle der Orgel unterdrückt werden. Der zarte Ton des Clavicimbal ist gleichsam für die Generalbassstimme eines alten Orchesters geschaffen, was sich sofort bemerkbar macht, wenn der harte, scharfe Klang des Klaviers an seine Stelle tritt.

Die Theoretiker des 18. Jahrhunderts erkannten einhellig, dass keine Ensemblemusik ohne Mitwirkung eines Cembalo möglich ist. „Die universelle Klangfülle des Clavicimbal“, schreibt Matheson, „schafft die unvermeidliche Grundlage für jede Art von Kirche, Theater und Kammermusik„Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts diente das Clavicimbal auch als einziges Soloklavierinstrument, und dieser Umstand zwingt uns, bei der Aufführung von Claviermusik der Vorklavierzeit mit seinen Klangeigenschaften zu rechnen.“ Chr. Schubart, der Autor von a Abhandlung über Musikästhetik, beschreibt die Klangfülle des Clavicimbals äußerst elegant: "Der Klang des Clavicimbals hat einen einfachen linearen Charakter, aber er ist so klar wie die Zeichnungen von Kneller oder Chodovetsky, ohne jede Schattierung. Zunächst einmal müsse man dieses Instrument klar spielen lernen, was dem Studium eines musikalischen musikalischen Musters gleichkomme.“ Dieser Vergleich umreißt äußerst treffend das Wesen der Clavicimbal-Klangfülle ein solches Instrument, und das erklärt bis zu einem gewissen Grad die exquisite Polyphonie der alten Meister des Claviers.

Die dem Klavier innewohnende Schwierigkeit, mehrere musikalisch gleichwertige Stimmen mit gleicher Deutlichkeit zu spielen, ist dem Clavicimbalo fremd. Da die Tasten gleichmäßig angeschlagen werden, haben die Saiten genau den gleichen Effekt. Gleichzeitig werden im Gegensatz zum Klavier, auf dem Polyphonie leicht in ein unverständliches Klangchaos ausartet, die Klänge des Clavicimbal vom Ohr völlig getrennt und klar wahrgenommen.

Welche Qualitäten in den Augen der Musiker vergangener Jahrhunderte besonders wertvoll waren, ist unschwer festzustellen. Es muss berücksichtigt werden, dass sich die Cembaloliteratur in einer solchen Zeit entwickelt hat Musikgeschichte beim Klavierspielen diente das Klavier nur der angenehmen Unterhaltung während der freien Stunden. Alles Tiefe und Erhabene, was die Cembalomusik enthielt, wurde der Schatzkammer der Orgelkompositionen entlehnt.

Französische Autoren bewunderten vor allem seine Beweglichkeit und klangliche Leichtigkeit. Deutsche Historiker und Dichter verherrlichten das silberne Timbre des Instruments. Aber alle waren sich einig, dass das seelenlose Clavicimbal nicht geeignet war, zarte Emotionen, Melancholie und Sensibilität des menschlichen Herzens auszudrücken, und deshalb trat im Zeitalter der Sentimentalität das zu Unrecht vergessene Clavichord wieder in den Vordergrund, das in der Lage war, die subtilsten Schattierungen von zu vermitteln musikalischer Ausdruck.

Klavichord, wie den Lesern bereits bekannt, hat einen sehr primitiven Schlagmechanismus. Aber gerade diese Einfachheit, den Schlag auf die Tonart zu übertragen, schafft eine besondere Nähe zwischen dem Interpreten und dem Instrument, auf dem er spielt. Der Klang des Clavichords ist schwach und dem silbrigen Klang des Cembalo viel näher als dem eines modernen Klaviers. Aber die musikalische Identität des Clavichords ist noch so wenig erforscht, dass die wichtigsten historischen Hinweise Beschreibungen sind, wie wir sie in den Romanen der Zeit von Werther und Charlotte finden.

Das „Clavichord“, wie Schubart bereits von uns zitiert schreibt, „das einsam-melancholische Clavichord hat einen großen Vorteil gegenüber dem Klavier.“ Durch das Drücken der Tasten können wir auf ihm nicht nur volle Klangfärbung, sondern auch Schabtöne, hauptsächlich Triller, bewirken , Portamente oder sanfte Schwingung, mit einem Wort all jene Grundeigenschaften, aus denen unser Gefühl entsteht.

Was die „notwendige Schwingung“ war, die von den Clavichordspielern sehr geschickt eingesetzt wurde, wissen wir aus der Beschreibung von Burney „a, dem berühmten englischen Kritiker, einem glühenden Verehrer von F. E. Bach, der einst als der größte Virtuose galt das Clavichord.

"Als Bach seinem Clavier den richtigen Ton entlocken musste, versuchte er, ihm einen Hauch von Traurigkeit und tiefem Leid zu verleihen, was nur auf einem Clavichord möglich war."

In Bachs Buch finden wir auch ausführliche Anleitungen, wie man mit solch einer notwendigen Schwingung spielt. Es wurde durch leichte Vibration des Fingers auf der Taste erreicht (wie es Geiger in einem ähnlichen Fall auf ihrem Instrument tun).

Das Clavihord wurde zu einem beliebten Instrument der Ära des Sentimentalismus. Aber auch die „Clavichord-Ära“ währte nicht lange. Bereits Ende des 18. Jahrhunderts begann das Klavier im musikalischen Alltag das Bürgerrecht zu erobern. Mozart war der erste Virtuose, der das „gehämmerte Klavier“ öffentlich spielte, und sein Genie weihte es neues Werkzeug. Das schnelle Wachstum technischer Verbesserungen im Klaviermechanismus verdrängte schließlich die unvollkommeneren Formen des Klaviers, und zwar bereits frühes XIX Jahrhunderte lang ist die Erinnerung an die fesselnden sanften Klänge des Clavichords in das Reich der fernen Antike, in das Reich halbvergessener Musiklegenden übergegangen.

Cembalo(von französisch clavecin; italienisch cembalo, clavicembalo; englisch cembalo) ist ein Musikinstrument mit Tastensaiten und einer Zupfton-Extraktionsmethode. Ein Musiker, der Werke auf dem Cembalo und seinen Spielarten aufführt, wird Cembalist genannt.

Gerät

Ursprünglich hatte das Cembalo eine viereckige Form, im 17. Jahrhundert erhielt es eine flügelförmige, längliche dreieckige Form, anstelle von Adern wurden Metallsaiten verwendet. Seine Saiten sind horizontal parallel zu den Tasten angeordnet, meist in Form mehrerer Chöre, und die Saitengruppen verschiedener Manuale befinden sich auf unterschiedlichen Höhenniveaus. Äußerlich waren Cembali meist elegant verarbeitet: Der Korpus war mit Zeichnungen, Intarsien und Schnitzereien verziert. In der Ära Ludwigs XV. passte die Ausführung des Cembalo zu den stilvollen Möbeln der damaligen Zeit. Im 16. und 17. Jahrhundert zeichneten sich die Cembali der Antwerpener Meister Ruckers durch Klangqualität und künstlerische Gestaltung aus.

Geschichte

Die früheste Erwähnung eines Cembalo-Instruments (Clavicembalum, von lat. Clavis – „Schlüssel“ und Cymbalum – „Becken“) erscheint in einer Quelle von 1397 aus Padua (Italien). Das früheste Bild befindet sich auf dem Altar des Doms in der deutschen Stadt Minden und stammt aus dem Jahr 1425. Die erste praktische Beschreibung eines Cembalo-ähnlichen Instruments (ein gezupftes Clavichord) mit Zeichnungen wurde um 1445 von dem Niederländer Arno aus Zwolle gegeben.

Cembali des 15. Jahrhunderts sind nicht erhalten. Den Bildern nach zu urteilen, waren dies kurze Instrumente mit einem schweren Körper. Die meisten erhaltenen Cembali aus dem 16. Jahrhundert wurden in Italien hergestellt, wo Venedig das Hauptzentrum ihrer Produktion war. Sie hatten ein 8`-Register (seltener zwei Register 8` und 4`), sie zeichneten sich durch ihre Eleganz aus. Ihr Körper bestand meistens aus Zypresse. Der Anschlag war bei diesen Cembali deutlicher und der Klang abrupter als bei späteren flämischen Instrumenten. Das wichtigste Zentrum der Cembaloproduktion in Nordeuropa war Antwerpen, wo seit 1579 Vertreter der Familie Ruckers tätig waren. Ihre Cembali haben längere Saiten und schwerere Korpusse als italienische Instrumente. Seit den 1590er Jahren werden in Antwerpen Cembali mit zwei Manualen hergestellt.