Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Auf der Welt leben viele Völker zusammen, die verschiedene Sprachen sprechen. Aber im Laufe der Geschichte haben Menschen nicht nur mit Worten gesprochen. In der Antike wurden Lieder und Tänze verwendet, um die eigenen Gefühle und Gedanken zu vergeistigen.

Tanzkunst vor dem Hintergrund kultureller Entwicklung

Vor dem Hintergrund weltweiter Errungenschaften ist die italienische Kultur von großer Bedeutung. Der Beginn seines rasanten Wachstums fällt mit der Geburt einer neuen Ära zusammen – der Renaissance. Tatsächlich entsteht die Renaissance gerade in Italien und entwickelt sich einige Zeit intern, ohne andere Länder zu berühren. Seine ersten Erfolge verzeichnete er im 14.-15. Jahrhundert. Später verbreiteten sie sich von Italien aus in ganz Europa. Auch die Entwicklung der Folklore beginnt im 14. Jahrhundert. Der frische Geist der Kunst, eine andere Einstellung zur Welt und Gesellschaft, ein Wertewandel spiegelten sich direkt in den Volkstänzen wider.

Renaissance-Einfluss: neue Schritte und Bälle

Im Mittelalter wurden italienische Bewegungen zur Musik in Schritten, sanft und mit Schwankungen ausgeführt. Die Renaissance veränderte die Einstellung zu Gott, was sich in der Folklore widerspiegelte. Italienische Tänze erlangten Energie und lebhafte Bewegungen. Die „Punkt“-Schritte symbolisierten also den irdischen Ursprung des Menschen, seine Verbindung mit den Gaben der Natur. Und die Bewegung „auf Zehenspitzen“ oder „mit einem Sprung“ identifizierte den Wunsch eines Menschen nach Gott und seiner Verherrlichung. Das italienische Tanzerbe basiert auf ihnen. Ihre Kombination wird „Balli“ oder „Ballo“ genannt.

Italienische Volksmusikinstrumente aus der Renaissance

Zur Begleitung wurden folkloristische Werke aufgeführt. Dabei kamen folgende Tools zum Einsatz:

• Cembalo (italienisch „chembalo“). Erste Erwähnung: Italien, XIV. Jahrhundert.
• Tamburin (eine Art Tamburin, der Vorfahre der modernen Trommel). Auch Tänzer nutzten es bei Bewegungen.
• Violine (ein Streichinstrument aus dem 15. Jahrhundert). Die italienische Sorte ist Viola.
• Laute (zupftes Saiteninstrument.)
• Pfeifen, Flöten und Oboen.

Tanzvielfalt

Die italienische Musikwelt ist vielfältiger geworden. Das Aufkommen neuer Instrumente und Melodien regte zu energischen Bewegungen im Takt an. Nationale italienische Tänze entstanden und entwickelten sich. Ihre Namen wurden oft nach dem Territorialprinzip gebildet. Es gab viele Sorten davon. Die wichtigsten heute bekannten italienischen Tänze sind Bergamoca, Galliarda, Saltarella, Pavana, Tarantella und Pizzica.

Bergamasca: Punkteklassiker

Bergamasca – beliebter Italiener Volkstanz XVI-XVII Jahrhunderte, die danach aus der Mode kamen, aber ein entsprechendes musikalisches Erbe hinterließen. Heimatgebiet: Norditalien, Provinz Bergamo. Die Musik in diesem Tanz ist fröhlich und rhythmisch. Der Zeitmesser ist ein komplexer Viertakt. Bewegungen sind einfach, sanft, paarweise, Wechsel zwischen Paaren sind während des Vorgangs möglich. Ursprünglich war der Volkstanz in der Renaissance am Hof ​​beliebt.

Die erste literarische Erwähnung erfolgte in William Shakespeares Stück „A Dream in“. Sommernacht" Am Ende des 18. Jahrhunderts wandelte sich Bergamasca reibungslos von der Tanzfolklore zum kulturellen Erbe. Viele Komponisten verwendeten diesen Stil beim Schreiben ihrer Werke: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

ZU Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte erschien eine andere Interpretation von Bergamasca. Es zeichnete sich durch ein komplexes gemischtes Metrum und ein schnelleres Tempo aus (A. Piatti, C. Debussy). Bis heute sind Anklänge an die Bergamasque-Folklore erhalten geblieben, die sie mit stilistischer Musikbegleitung erfolgreich in Ballett- und Theateraufführungen zu verkörpern versuchen.

Galliard: fröhliche Tänze

Galliarda ist ein alter italienischer Tanz, einer der ersten Volkstänze. Erschien im 15. Jahrhundert. Übersetzt bedeutet es „fröhlich“. Eigentlich ist er sehr fröhlich, energisch und rhythmisch. Es handelt sich um eine komplexe Kombination aus fünf Schritten und Sprüngen. Dabei handelt es sich um einen gepaarten Volkstanz, der auf Adelsbällen in Italien, Frankreich, England, Spanien und Deutschland an Popularität gewann.

Im 15.-16. Jahrhundert kam die Galliarde aufgrund ihrer komischen Form und ihres fröhlichen, spontanen Rhythmus in Mode. Verlorene Popularität aufgrund der Entwicklung und Umwandlung in den Standard-Prim-Court-Tanzstil. Ende des 17. Jahrhunderts wandte sie sich ganz der Musik zu.

Der primäre Galliard zeichnet sich durch ein moderates Tempo aus und ist einen Meter lang – ein einfacher Dreilappen. In späteren Perioden werden sie im entsprechenden Rhythmus aufgeführt. Diese Galliarde zeichnete sich durch eine komplexe Länge des musikalischen Metrums aus. Berühmte moderne Werke in diesem Stil zeichnen sich durch ein langsameres und ruhigeres Tempo aus. Komponisten, die in ihren Werken Galliardenmusik verwendeten: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird und andere.

Saltarella: Hochzeitsspaß

Saltarella (Saltarello) ist der älteste italienische Tanz. Es ist ziemlich fröhlich und rhythmisch. Begleitet von einer Kombination aus Schritten, Sprüngen, Drehungen und Verbeugungen. Herkunft: Vom italienischen saltare – „springen“. Die ersten Erwähnungen dieser Art Volkskunst stammen aus dem 12. Jahrhundert. Ursprünglich handelte es sich um einen Gesellschaftstanz mit Musikbegleitung in einem einfachen Zwei- oder Dreitakttakt. Seit dem 18. Jahrhundert degenerierte es allmählich zu einer gepaarten Saltarella für Musik komplexer Größen. Der Stil ist bis heute erhalten geblieben.

Im 19. und 20. Jahrhundert entwickelte sich daraus ein italienischer Massenhochzeitstanz, der bei Hochzeitsfeiern getanzt wurde. Übrigens wurden sie damals oft zeitlich auf die Erntezeit abgestimmt. In XXI - bei einigen Karnevalen aufgeführt. Musik in diesem Stil wurde in den Kompositionen vieler Autoren entwickelt: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavan: anmutige Feierlichkeit

Pavana ist ein alter italienischer Gesellschaftstanz, der ausschließlich bei Hofe aufgeführt wurde. Ein anderer Name ist bekannt - Padovana (vom Namen Padova; vom lateinischen pava - Pfau). Dieser Tanz ist langsam, anmutig, feierlich und kunstvoll. Die Bewegungskombination besteht aus einfachen und doppelten Schritten, Knicksen und periodischen Positionsänderungen der Partner zueinander. Es wurde nicht nur auf Bällen getanzt, sondern auch zu Beginn von Prozessionen oder Zeremonien.

Die italienische Pavane veränderte sich, nachdem sie in die Hofbälle anderer Länder Einzug gehalten hatte. Es wurde eine Art Tanzdialekt. So führte der spanische Einfluss zur Entstehung von „Pavanilla“ und der französische Einfluss zu „Passamezzo“. Die Musik, zu der die Schritte ausgeführt wurden, war langsam und im Zweitakt. Betonen Sie den Rhythmus und wichtige Momente der Komposition. Der Tanz geriet nach und nach aus der Mode und blieb in den Werken von musikalisches Erbe(P. Attenyan, I. Shane, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: die Personifikation des italienischen Temperaments

Tarantella ist ein Volkstanz Italiens, der bis heute überlebt hat. Er ist leidenschaftlich, energisch, rhythmisch, lustig und unermüdlich. Der italienische Tanz Tarantella ist Visitenkarte Anwohner. Es besteht aus einer Kombination von Sprüngen (auch zur Seite) mit abwechselnden Beinwürfen nach vorne und hinten. Es wurde nach der Stadt Taranto benannt. Es gibt auch eine andere Version. Sie sagten, dass Menschen, die gebissen wurden, einer Krankheit ausgesetzt waren – Tarantismus. Die Krankheit war der Tollwut sehr ähnlich, die man durch ununterbrochene, schnelle Bewegungen zu heilen versuchte.

Musik wird im einfachen Dreitakt oder im komplexen Takt gespielt. Sie ist schnell und macht Spaß. Merkmale:

1. Kombination von Grundinstrumenten (einschließlich Keyboards) mit zusätzlichen Instrumenten, die in den Händen von Tänzern liegen (Tamburine und Kastagnetten).
2. Mangel an Standardmusik.
3. Improvisation von Musikinstrumenten innerhalb eines bekannten Rhythmus.

Die den Bewegungen innewohnende Rhythmik wurde in ihren Kompositionen von F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tschaikowsky genutzt. Tarantella ist auch heute noch ein farbenfroher Volkstanz, dessen Grundlagen jeder Patriot kennt. Und auch im 21. Jahrhundert wird es weiterhin massenhaft fröhlich getanzt Familienurlaub und aufwendige Hochzeiten.

Pizzica: ein eingängiger Tanzkampf

Pizzica ist ein schneller italienischer Tanz, der von der Tarantella abgeleitet ist. Aufgrund der Entstehung eigener Besonderheiten wurde er zu einem Tanztrend in der italienischen Folklore. Wenn Tarantella – überwiegend Massentanz, dann wurde die Pizzica exklusiv gepaart. Noch lebhafter und energischer erhielt es einige kämpferische Töne. Die Bewegungen der beiden Tänzer ähneln einem Duell, in dem fröhliche Rivalen gegeneinander antreten.

Es wird oft von Damen abwechselnd mit mehreren Herren durchgeführt. Gleichzeitig drückte die junge Dame durch die Ausführung energischer Bewegungen ihre Originalität, Unabhängigkeit und kraftvolle Weiblichkeit aus und lehnte jede dieser Bewegungen ab. Die Herren gaben dem Druck nach und zeigten ihre Bewunderung für die Frau. Diesen individuellen, besonderen Charakter gibt es nur bei Pizza. In gewisser Weise charakterisiert es die leidenschaftliche italienische Natur. Die Pizzica erfreute sich im 18. Jahrhundert großer Beliebtheit und hat diese bis heute nicht verloren. Es wird weiterhin auf Jahrmärkten und Karnevalen, bei Familienfeiern sowie bei Theater- und Ballettaufführungen aufgeführt.

Die Entstehung von etwas Neuem führte zur Schaffung einer geeigneten musikalischen Begleitung. Es erscheint „Pizzicato“ – eine Art, Werke auf Streichinstrumenten aufzuführen, allerdings nicht mit dem Bogen selbst, sondern mit dem Zupfen der Finger. Dadurch entstehen völlig unterschiedliche Klänge und Melodien.

Italienische Tänze in der Geschichte der Weltchoreographie

Ursprünglich als Volkskunst entstanden, drang der Tanz in aristokratische Ballsäle vor und erfreute sich in der Gesellschaft großer Beliebtheit. Es bestand die Notwendigkeit, die Schritte für die Amateur- und Profiausbildung zu systematisieren und zu spezifizieren. Die ersten theoretischen Choreografen waren Italiener: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Diese Werke bildeten zusammen mit der Verfeinerung der Bewegungen und ihrer Stilisierung die Grundlage für die weltweite Entwicklung des Balletts.

Am Anfang standen fröhliche, einfache Land- und Stadtbewohner, die Saltarella oder Tarantella tanzten. Das Temperament der Italiener ist leidenschaftlich und lebhaft. Die Renaissance ist geheimnisvoll und majestätisch. Diese Merkmale kennzeichnen italienische Tänze. Ihr Erbe ist die Grundlage für die Entwicklung der Tanzkunst in der ganzen Welt. Ihre Merkmale spiegeln die Geschichte, den Charakter, die Emotionen und die Psychologie eines ganzen Volkes über viele Jahrhunderte hinweg wider.

Die Musik Italiens ist auf der ganzen Welt bekannt. Es gibt kein einziges Land und keinen Kontinent, von dem nichts davon gehört wurde. Italien gilt als Wiege der Musikkunst, als Land, das der Welt das größte Genre geschenkt hat – die Oper. In diesem Artikel teilen wir Ihnen einige interessante Informationen aus der Geschichte der Musikkultur dieses sonnigen Staates mit.

Gibt es eine Grenze der Perfektion?

Das Mailänder Opernhaus La Scala gilt als eines der Hauptsymbole Italiens. Warum gewann er so viel Anerkennung und Liebe auf der ganzen Welt? Alles ist alles andere als einfach – das Theater ist in allem perfekt. Ein unglaublich schönes Gebäude, in schlichtem Stil gestaltet, mit hervorragender Akustik, sorgfältig durchdachter Sitzanordnung in luxuriöser Ausstattung Auditorium, immer das talentierteste Bühnen- und Schauspielpersonal, brillante Dirigenten und noch brillantere Musik ... Nun, und was am wichtigsten ist, man geht davon aus, dass das Theater an einem idealen Ort für solche Räumlichkeiten gebaut wurde. Und das alles, weil die Bauherren bei der Ausgrabung des Geländes für den Bau ein riesiges Stück Marmor entdeckten, auf dem sich die meisten befanden berühmter Schauspieler antikes Rom- Pantomime Pylades. Ein solcher Fund galt als echtes Zeichen von oben, das die Richtigkeit der Ortswahl bestätigte – aber wie könnte es anders sein, wenn er von einem der größten Tragiker der Antike persönlich angezeigt wurde?

Opfer schönen Gesangs

Dieses sonnige Land gilt auch als Geburtsort des Belcanto – eines virtuosen und eleganten Gesangsstils, der die ganze Welt erobert hat und ohne den die Barockmusik in Italien undenkbar ist. Und wie kann man wirklich gleichgültig bleiben, wenn alle Sänger dieses Stils ihre Stimme nahezu perfekt beherrschen? Ein ungewöhnlich großer Stimmumfang, der sehr hohe Töne, brillante Koloraturen, komplexe Passagen und einfach unvorstellbare Atemdauern abdeckt. Alles wäre gut, aber es waren überwiegend Männer, die diese Kunst beherrschten.

Um die Kunst des schönen Singens zu lehren, wurden begabte kleine Jungen ausgewählt und zu besonderen Zwecken geschickt Bildungseinrichtungen. Dort junge Sänger Mehrere Jahre lang unterrichteten sie täglich Gesang. Wenn bei einem Kind herausragende Gesangsfähigkeiten festgestellt wurden, wurde es kastriert, damit sich die Qualität seines Gesangs nach dem sogenannten „Bruch“ seiner Stimme nicht veränderte. Solche Kinder wuchsen zu Sängern mit phänomenalen Stimmen heran. Einer der bekanntesten Kastratensänger ist Carlo Broschi (Farinelli).

Aber woher kommt diese „Mode“, diese schrecklichen Operationen an Kindern durchzuführen? Von dort, wie sie sagen, hätten sie es nicht erwartet. Kastratische Sänger wurden seit dem 3. Jahrhundert für den Gesang im Gottesdienst ausgebildet. Frauen war die Teilnahme am katholischen Gesang strengstens untersagt, hohe Stimmen waren erforderlich. Die Kunst des Belcanto erlebte in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts ihre Blütezeit.

Wenn ein Nachname verpflichtet

Einer der häufigsten Nachnamen unter Kunstschaffenden des späten 15.-16. Jahrhunderts ist Allegri. Vielleicht hätte niemand darauf geachtet, wenn dieses Wort nicht in direktem Zusammenhang mit einem musikalischen Begriff stünde. Allegro wird in der Musik verwendet, um Tempo und Charakter anzuzeigen Stück Musik, und sogar seine Teile. Daher ist es nicht verwunderlich, dass unter den Schöpfern der erklärten Ära mehrere Komponisten einen solchen Nachnamen trugen. Aber wir werden uns nur einem zuwenden, dem berühmtesten.

Gregorio Allegri widmete den größten Teil seines Lebens der Arbeit in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan, wo er sich ganz der Kirchenmusik widmete. Sein sehr berühmtes Werk„Miserere“ genannt. Der Titel des Werkes ergibt sich aus dem ersten Wort seines Textes – „Miserere“ bedeutet in der lateinischen Übersetzung „Erbarme dich“. Er gilt als Maßstab seiner Zeit, größtes Meisterwerk Musik aus Italien. Und vielleicht wäre diese Schöpfung mit der Zeit in der Musikgeschichte in Vergessenheit geraten, wenn nicht eines gewesen wäre. Der Vatikan verbot strengstens das Kopieren und Entfernen aus der Kirche und drohte im Falle eines Verstoßes gegen das Dekret mit der Exkommunikation. So war es, bis eines Tages W. A. ​​​​Mozart dieses Werk hörte. Als er zu Hause ankam, schrieb er es aus dem Gedächtnis auf. So wurde Allegris Werk von der Welt gesehen, doch das 14-jährige Genie wurde nie bestraft.

Natürlich gibt es in der alten italienischen Musik noch viele interessante Dinge, über die wir noch reden könnten. Dies ist die größte und wertvollste Schicht der Weltkultur, die Einfluss genommen hat Musikalische Kunst auf der ganzen Welt. Sie spielte eine besondere Rolle für unser Land. Die Italiener führten die Russen nicht nur in das Genre der Oper ein, sondern lehrten auch russische Komponisten, wie man sie komponiert. Aber das ist eine ganz andere, aber nicht weniger interessante Geschichte.

Video: Hören Sie die Musik Italiens

Die Mandoline ist ein Zupfinstrument. Sein Aussehen geht auf das 16. Jahrhundert zurück und seine Heimat war das farbenfrohe Italien. Die Mandoline ist ein Musikinstrument, das optisch der Laute sehr ähnlich ist, da es ebenfalls eine birnenförmige Form hat. Sie unterscheidet sich von der Laute dadurch, dass sie weniger Saiten und einen kürzeren Hals hat.

Grundsätzlich hatte die Mandoline immer vier Saitenpaare (sogenannte neapolitanische Mandoline) und die Laute hatte je nach Epoche sechs oder mehr Saiten. Neben diesem Mandolinentyp sind noch weitere Mandolinentypen bekannt:

• Sizilianisch – mit flachem Boden und vier dreifachen Saiten;
• Milanese – mit sechs Saiten, eine Oktave höher gestimmt als die Gitarre;
• Genuesisch – fünfsaitige Mandoline;
• Florentiner.

Wie man Mandoline spielt

Normalerweise wird die Mandoline mit einem Plektrum, genauer gesagt einem Plektrum, gespielt. Allerdings kommt es vor, dass sie mit den Fingern spielen. Der Klang der Mandoline ist einzigartig – die schnelle und wiederholte Wiederholung des Klangs (Tremolo) erklärt sich dadurch, dass der Klang beim Berühren der Saiten schnell ausklingt, also kurz ausfällt. Deshalb wird, um den Klang zu verlängern und einen vermeintlich verlängerten Ton zu erhalten, ein Tremolo eingesetzt.

Die Mandoline wurde ein Jahrhundert nach ihrer Entstehung auch außerhalb Italiens weithin bekannt. Dieses Instrument erfreute sich großer Beliebtheit und erlangte schnell den Status eines Volksinstruments. Es wandert immer noch um den Planeten und verwurzelt sich immer mehr in der modernen Kultur.

Es ist sogar bekannt, dass ein so berühmter Komponist wie Mozart in seiner Oper „Don Giovanni“ eine Mandoline in einer Serenade verwendete.

Darüber hinaus nutzen viele heutige Bands, Komponisten und Sänger dieses Musikinstrument, um ihrer Musik etwas „Schwung“ zu verleihen. zu Ihren Kompositionen.

Mit Hilfe einer Mandoline können Sie sowohl Soloparts perfekt begleiten als auch spielen. Bekannt sind beispielsweise neapolitanische Orchester, deren Klänge aus vielen unterschiedlich großen Mandolinen fusionieren. Die Mandoline wird auch in Symphonie- und Opernorchestern eingesetzt. Neben dem Banjo wird die Mandoline auch in der amerikanischen Bluegrass- und Folkmusik verwendet.

Wie bereits erwähnt, ist die Mandoline ein sehr ungewöhnliches Musikinstrument und wird von vielen gerade deshalb geliebt, weil ihr Trumpf das Tremolo ist, das bei anderen Musikinstrumenten vielleicht nicht zu finden ist.

Mandoline ist ein Musikinstrument, das zu den beliebtesten in der Kategorie der Volksinstrumente zählt. Vielleicht können sich nur wenige Musikinstrumente einer solchen Beliebtheit rühmen. Vielmehr gilt die Mandoline traditionell als Volksinstrument, obwohl viele Komponisten sie in ihren Werken verwendet haben, was ihnen einen besonderen Charme und Einzigartigkeit verleiht. Obwohl die Mandoline häufig in Orchestern eingesetzt wird, klingt sie auch als eigenständiger Musikpart großartig. Auf ihr werden verschiedene Etüden und Stücke aufgeführt, begleitet von anderen Instrumenten.

Wo sonst wurde die Mandoline berühmt?

Relativ schnell wanderte die Mandoline von Italien in den Norden der Vereinigten Staaten von Amerika und etablierte sich fest in der dortigen Musik. In Europa eroberte dieses Instrument das skandinavische Volk, das der Mandoline einen besonders strengen Klang verlieh.

Die Mandoline hat entsprechende Instrumente. Dies sind Mandola, Bouzouki und Oktavmandoline. Moderne Rock'n'Roll-Harmonien sind derselben Mandoline sehr ähnlich.

Es ist bekannt, dass die Mitglieder von Led Zeppelin den Klang der Mandoline sehr mochten und ihn in ihren Melodien verwendeten. Sogar Jimmy Page, ein Mitglied der Band, ergänzte die Mandoline durch eine Mandola und einen Gitarrenhals. Auch Paul McCartney bevorzugte dieses komplexe Musikinstrument.

Neben ihrem wunderbaren Klang hat die Mandoline eine Reihe unbestreitbarer Vorteile:

• harmonische Struktur;
• Kompaktheit;
• Kombination mit anderen Mandolinen oder anderen Musikinstrumenten insgesamt - Gitarre, Blockflöte.

Die Stimmung einer Mandoline erinnert ein wenig an die Stimmung einer Violine:

• das erste Saitenpaar ist auf E der 2. Oktave gestimmt;
• das zweite Paar steht in A der 1. Oktave,
• D 1. Oktave;
• das vierte Saitenpaar ist G der kleinen Oktave.

Die Beliebtheit der Mandoline erfreut sich immer größerer Beliebtheit. Beispielsweise verwendet Vadimir Kholstinin, Mitglied der Gruppe „Aria“, eine Mandoline in der Musikkomposition „Lost Paradise“. Es wird auch in der Metal-Oper der Epidemic-Gruppe (dem Lied „Walk Your Path“) und in Sergei Mavrin („Makadash“) verwendet.

Und das berühmte Lied „Loosing my religion“ von R.E.M. mit dem einzigartigen Klang einer Mandoline? Es scheint, dass sie in fast allen Ländern der Welt bekannt ist.

Die Mandoline ist ein ziemlich mysteriöses Musikinstrument. Ihr Erfolgsgeheimnis ist noch nicht vollständig gelüftet. Auch wenn seit seinem Erscheinen mehr als vierhundert Jahre vergangen sind, verliert es keineswegs an Popularität, sondern gewinnt im Gegenteil immer mehr Fans. In der heutigen Zeit wird es immer häufiger in den unterschiedlichsten Musikgenres verwendet.

Es ist sehr erstaunlich, dass sich die Mandoline perfekt in jede Komposition einfügen und den Klang fast jedes Instruments hervorheben oder hervorheben kann. Wenn man die Klänge dieses etwas magischen Instruments hört, scheint man in die antike Ära der mutigen Ritter, liebenswerten Damen und stolzen Könige einzutauchen.

Video: Wie eine Mandoline klingt

Die Ursprünge der italienischen Musik reichen zurück Musikkultur Antikes Rom (siehe Antike römische Musik). Musik spielte Kreaturen. Rolle in der Gesellschaft, im Staat Leben des Römischen Reiches, im Alltag vielfältig. Schichten der Bevölkerung; Die Musik war reichhaltig und abwechslungsreich. Werkzeuge. Proben antiker römischer Musik haben uns nicht erreicht, aber dep. seine Elemente blieben bis ins Mittelalter erhalten. Christus Hymnen und Folk Musik Traditionen. Im 4. Jahrhundert, als das Christentum zum Staat erklärt wurde. Religion wurde Rom zusammen mit Byzanz zu einem der Zentren der liturgischen Entwicklung. zuerst singen Die Grundlage dafür war die Psalmodie, die ihren Ursprung in Syrien und Palästina hatte. Der Mailänder Erzbischof Ambrosius festigte die Praxis des antiphonalen Singens von Hymnen (siehe Antiphon) und brachte deren Melodie näher an die Erzählung. Ursprünge. Mit seinem Namen ist eine besondere westliche christliche Tradition verbunden. Kirche Gesang, Ambrosian genannt (siehe Ambrosianischen Gesang). In con. Im 6. Jahrhundert wurden unter Papst Gregor I. feste Formen Christi entwickelt. Liturgie und ihre Musik sind geordnet. Seite. Der Sänger entstand zur gleichen Zeit in Rom. die Schule („schola cantorum“) wurde zu einer Art Akademie für Kirchengesang. Klagen und höhere Gesetzgeber. Autorität auf diesem Gebiet. Gregor I. wurde die Vereinheitlichung und Festlegung der Grundprinzipien zugeschrieben. liturgische Gesänge. Spätere Forschungen haben jedoch gezeigt, dass es melodisch ist. Stil und Formen des sogenannten Erst im 8.-9. Jahrhundert nahm der gregorianische Gesang endgültig Gestalt an. Römisch-katholisch. Die Kirche, die eine Einheitlichkeit des Gottesdienstes anstrebte, propagierte diesen Stil der Monogolen. Chor Gesang unter allen Nationen, die sich zu Christus bekehren. Glaube. Dieser Prozess war am Ende abgeschlossen. 11. Jahrhundert, als die gregorianische Liturgie mit dem dazugehörigen Gesang entstand. In den Ländern des Mittleren und Westens wurden Regelungen erlassen. und Yuzh. Europa. Gleichzeitig hörte es auf Weiterentwicklung Gregorianischer Choral, erstarrt zur Unveränderlichkeit. Formen.

Vom Ende 1. Jahrtausend n. Chr als Folge häufiger feindlicher Invasionen auf italienischem Territorium sowie der zunehmenden Unterdrückung durch das Papsttum, die den freien Ausdruck der Kreativität beeinträchtigte. Initiative, in I. m. kommt eine lange Zeit. Stagnation spielt es keine nennenswerte Rolle mehr in der allgemeinen Musik. Europäische Entwicklung Länder Die wichtigsten Veränderungen, die in Europa stattgefunden haben. Musik an der Wende des 1. und 2. Jahrtausends spiegelt sich in der historischen Musik des Westens nur schwach und oft verspätet wider. und Nordwesten Europa bereits im 9. Jahrhundert. gab eine Begründung für die frühen Formen der Polyphonie, die bekannteste italienische. Musik Der mittelalterliche Theoretiker Guido d'Arezzo (11. Jahrhundert) widmete dem einköpfigen gregorianischen Gesang das Hauptaugenmerk und ging nur kurz auf das Organum ein. Im 12. Jahrhundert hielt der polyphone Gesang Einzug in die liturgische Praxis einiger italienischer Kirchen, von denen jedoch nur wenige bekannt sind Beispiele deuten nicht auf den unabhängigen Beitrag Italiens zur Entwicklung polyphoner Genres dieser Zeit hin, eine freiere und direktere Wahrnehmung der Welt in der Zeit der Schwächung der Macht der Feudalherren und der Bildung früher kapitalistischer Beziehungen Das Konzept der Frührenaissance entspricht der Definition von Ars nova, die in ihrem sozialen System und ihrer Kultur weiter fortgeschritten ist als die südlichen Regionen, in denen die feudalen Beziehungen noch fest verankert waren Musiker. Hier entstanden neue Genres und Stilrichtungen.

Der Wunsch nach mehr Ausdruck manifestierte sich in den Texten. Hymnen zur frei interpretierten Religion. Das Thema ist Lauda, ​​das im Alltag und während der Religionen gesungen wurde. Prozessionen. Schon am Ende. 12. Jahrhundert Es entstanden „Laudistenbruderschaften“, deren Zahl im 13. und insbesondere im 14. Jahrhundert zunahm. Laudas wurden unter den Mönchen des Franziskanerordens gepflegt, der in Opposition zum Beamtentum stand. In der römischen Kirche spiegelten sie manchmal Motive des sozialen Protests wider. Die Lobpreismelodie ist mit Nar verbunden. Herkunft, der Rhythmus ist anders. Klarheit, Klarheit der Struktur, vorherrschende Hauptfärbung. Einige von ihnen ähneln charakterlich dem Tanz. Lieder.

In Florenz entstanden neue Genres der weltlichen Polygonie. wok Musik, die für Amateuraufführungen zu Hause bestimmt ist: Madrigal, Caccia, Ballata. Es waren 2 oder 3 Tore. strophisch Lieder mit melodischem Vorrang. Oberstimme, die sich durch Rhythmus auszeichnete. Mobilität, Fülle an farbigen Passagen. Madrigal – aristokratisch. ein Genre, das sich durch die Raffinesse der Poetik und Musik auszeichnet. Gebäude. Es dominierte subtile Erotik. Themen, auch satirisch verkörpert. Motive, manchmal politisch aufgeladen. Der Inhalt der Caccia bestand zunächst aus Jagdbildern (daher der Name selbst: Caccia – Jagd), doch dann erweiterte sich ihre Thematik und umfasste eine Vielzahl von Genreszenen. Das beliebteste weltliche Genre der Ars nova ist die Ballata (ein Tanzlied, dessen Inhalt einem Madrigal ähnelt).

Weit verbreitete Entwicklung im Italien des 14. Jahrhunderts. erhält Instr. Musik. Basic Die damaligen Instrumente waren Laute, Harfe, Fidel, Flöte, Oboe, Trompete und verschiedene Orgeln. Typ (Positive, tragbare Geräte). Sie wurden zur Gesangsbegleitung und zum Solo- oder Ensemblespiel eingesetzt.

Der Aufstieg Italiens. Ars nova tritt in der Mitte auf. 14. Jahrhundert In den 40er Jahren Kreativität entfaltet sich. die Aktivitäten seiner bedeutendsten Meister – Giovanni aus Florenz und Jacopo aus Bologna. Besonders berühmt wurde der blinde virtuose Organist und Komponist. F. Landino ist ein Multitalent, Dichter, Musiker und Wissenschaftler, der in italienischen Kreisen hohes Ansehen genoss. Humanisten. In seiner Arbeit intensivierte sich die Verbindung zu den Menschen. Mit ihren Ursprüngen erlangte die Melodie eine größere Ausdrucksfreiheit, manchmal eine exquisite Raffinesse, Blütenpracht und Rhythmus. Diversität.

In der Zeit der Hochrenaissance (16. Jahrhundert) nahm die historische Kunst unter den Europäern eine führende Stellung ein. Musik Ernten In einer Atmosphäre des allgemeinen Aufschwungs der Künste. Kultur, Musikmachen entwickelte sich in verschiedenen intensiv Schichten der Gesellschaft. Seine Zentren waren zusammen mit der Kirche. Kapellen des Handwerks. Zunftvereine, Zirkel aufgeklärter Literatur- und Kunstliebhaber, die sich manchmal nach der Antike benannten. nach dem Vorbild von Akademien. Im Plural In Städten wurden Schulen gegründet, die zur Unabhängigkeit beitrugen. Beitrag zur Entwicklung der historischen Kunst. Die größten und einflussreichsten unter ihnen sind die römische und die venezianische Schule. Im Zentrum des Katholizismus – Rom – stießen neue künstlerische Formen, die durch die Renaissance-Bewegung ins Leben gerufen wurden, oft auf Widerstand der Kirche. Behörden. Aber trotz der Verbote und Denunziationen im gesamten 15. Jahrhundert. in römisch-katholisch Polygoal war im Gottesdienst fest verankert. Singen. Dies wurde durch die Aktivitäten von Vertretern der französisch-flämischen Schule G. Dufay, Josquin Despres und anderen Komponisten erleichtert, die zu verschiedenen Zeiten in der päpstlichen Kapelle dienten. In der Sixtinischen Kapelle (gegründet 1473) und im Chor. Kapelle der Kathedrale St. Peter, die besten Meister der Kirche, konzentrierten sich. Gesang nicht nur aus Italien, sondern auch aus anderen Ländern. Kirchenthemen Besonderes Augenmerk wurde auf den Gesang gelegt. Aufsehen erregte das Konzil von Trient (1545-63), dessen Entscheidungen die übermäßige Leidenschaft für „figurative“ Polyphonie verurteilten. Musik, die es schwierig macht, die „heiligen Worte“ zu verstehen, und die Forderung nach Einfachheit und Klarheit wurde vorgebracht; die Einführung weltlicher Melodien in die Liturgie war verboten. Musik. Aber entgegen dem Wunsch der Kirche. Behörden, alle Innovationen aus dem religiösen Gesang zu verbannen und ihn, wenn möglich, in die Traditionen zurückzuführen Gregorianischer Gesang, Komponisten der römischen Schule schufen ein hochentwickeltes polyphones System. eine Kunst, in der die besten Errungenschaften der französisch-flämischen Polyphonie umgesetzt und im Geiste der Renaissance-Ästhetik neu interpretiert wurden. In Produktion Komponisten dieser Schule sind eine komplexe Nachahmung. Technik wurde mit Akkordharmonik kombiniert. Lager, mehrköpfig die Textur erhielt den Charakter eines harmonischen Wohlklangs, der melodische Beginn wurde eigenständiger, die Oberstimme trat oft in den Vordergrund. Der größte Vertreter der römischen Schule ist Palestrina. Seine vollkommen ausgewogene, stimmungsaufgeklärte und harmonische Kunst wird manchmal mit dem Werk Raffaels verglichen. Der Höhepunkt des Chores sein. Polyphonie eines strengen Stils, Palestrinas Musik enthält zugleich entwickelte Elemente homophonen Denkens. Der Wunsch nach einem Gleichgewicht zwischen horizontalen und vertikalen Prinzipien war auch für andere Komponisten derselben Schule charakteristisch: C. Festa, G. Animucci (der 1555–71 an der Spitze der Kapelle St. Peter stand), Clemens der Papst, Schüler und Anhänger von Palestrina – J. Nanino, F. Anerio und andere – schlossen sich ebenfalls der römischen Schule an. Komponisten, die in der päpstlichen Kapelle arbeiteten: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (erhielt den Spitznamen „spanische Palestrina“).

Der Gründer der venezianischen Schule war A. Willaert (niederländischer Herkunft), der 1527 die Kapelle der Kathedrale St. Mark und war 35 Jahre lang ihr Anführer. Seine Nachfolger waren C. de Pope und der Spanier C. Merulo. Ihre größte Blüte erreichte diese Schule im Werk von A. Gabrieli und seinem Neffen G. Gabrieli. Im Gegensatz zum strengen und zurückhaltenden Schreibstil Palestrinas und anderer Komponisten der römischen Schule zeichnete sich die Kunst der Venezianer durch eine üppige Klangpalette und eine Fülle leuchtender Farben aus. Effekte. Für sie war das Prinzip der Mehrchörigkeit von besonderer Bedeutung. Kontrastierende zwei Chöre, arrangiert. in verschiedenen Seiten der Kirche, diente als Grundlage für Dynamik. und farbenfrohe Kontraste. Die ständig wechselnde Stimmenzahl erreichte beim G. Gabrieli-Chor Contrasts 20. Die Klänge wurden durch Instrumentenwechsel ergänzt. Klangfarben, und die Instrumente duplizierten nicht nur die Stimmen des Chores, sondern spielten auch unabhängig voneinander. und verbindende Episoden. Harmonisch Die Sprache war mit zahlreichen, für die damalige Zeit oft gewagten Chromismen gesättigt, was ihr die Merkmale eines gesteigerten Ausdrucks verlieh.

Die Kreativität der Meister der venezianischen Schule spielte eine große Rolle bei der Entwicklung neuer Instrumentenformen. Musik. Im 16. Jahrhundert Die Komposition der Instrumente selbst wurde deutlich bereichert, ihr Ausdruck erweitert. Möglichkeiten. Die Bedeutung von Streichinstrumenten mit ihrem wohlklingenden, warmen Klang hat zugenommen. In dieser Zeit entstand der Klassiker. Bratschentyp; Violine, früher weit verbreitet. V Volksleben, wird Prof. Musik Werkzeug. Als Soloinstrumente nahmen Laute und Orgel weiterhin eine führende Stellung ein. In den Jahren 1507-09 veröffentlichte der Musikverleger O. Petrucci. 3 Sammlungen von Stücken für Laute, noch erhalten. Anzeichen einer Wok-Sucht. Motettenartige Polyphonie. In Zukunft wird diese Abhängigkeit abgeschwächt, spezifische Tools werden entwickelt. Präsentationstechniken. Charakteristisch für das 16. Jahrhundert. Genres Soloinstrument Musik – Ricercar, Fantasie, Canzona, Capriccio. Im Jahr 1549 erschien org. Richercars Villarta. Ihm folgend entwickelte G. Gabrieli dieses Genre, einige Ricercars, deren Darstellung einer Fuge nahe kommt. In org. Die Toccaten der venezianischen Meister spiegeln die Virtuosität und den Hang zur freien Fantasie wider. 1551 wurde in Venedig eine Büchersammlung veröffentlicht. Keyboard-Tanzstücke Charakter.

Die Entstehung der ersten unabhängigen Staaten ist mit den Namen A. und J. Gabrieli verbunden. Beispiele für Kammerensemble und Orchester. Musik. Ihre Kompositionen für verschiedene Instrumente. Kompositionen (von 3 bis 22 Parteien) wurden zu einer Sammlung zusammengefasst. „Canzonen und Sonaten“ („Canzoni e sonate...“, erschienen 1615 nach dem Tod der Komponisten). Diese Stücke basieren auf dem Prinzip der Kontrastierung verschiedener. Instr. Gruppen (sowohl homogene - Streich-, Holz-, Blechbläser- und gemischte), die dann nacheinander aufgenommen wurden. Verkörperung im Konzertgenre.

Der vollständigste und lebendigste Ausdruck der Ideen der Renaissance in der Musik war das Madrigal, das im 16. Jahrhundert eine neue Blüte erlebte. Viele Menschen schenkten dieser wichtigsten Gattung weltlicher Musik in der Renaissance Beachtung. Komponisten. Madrigale wurden von den Venezianern A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli und den Meistern der römischen Schule C. Festa und Palestrina geschrieben. Madrigalistische Schulen gab es in Mailand, Florenz, Ferrara, Bologna und Neapel. Madrigal 16. Jahrhundert unterschied sich vom Madrigal der Ars-nova-Zeit durch größeren Reichtum und poetische Raffinesse. Inhaltlich, aber einfach Sein Wirkungskreis blieben Liebestexte, oft pastoral gefärbt, verbunden mit einer enthusiastischen Verherrlichung der Schönheiten der Natur. Die Poesie von F. Petrarca hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Madrigals (viele seiner Gedichte wurden von verschiedenen Autoren vertont). Madrigalistische Komponisten wandten sich den Werken von L. Ariosto, T. Tasso und anderen bedeutenden Dichtern der Renaissance zu. In Madrigalen des 16. Jahrhunderts. Es setzten sich 4- oder 5-Tore-Ergebnisse durch. ein Lagerhaus, das die Elemente Polyphonie und Homophonie verbindet. Führender Melodiespieler Die Stimme zeichnete sich durch ihre Subtilität im Ausdruck aus. Farbtöne, flexible Übertragung poetischer Details. Text. Die Gesamtkomposition war frei und gehorchte keinen strophischen Linien. Prinzip. Zu den Madrigalmeistern des 16. Jahrhunderts. Besonders hervorzuheben ist der Niederländer J. Arkadelt, der in Rom und Florenz tätig war. Seine 1538–44 erschienenen Madrigale (6 Bücher) wurden viele Male nachgedruckt und in verschiedenen Auflagen reproduziert. gedruckt und handgeschrieben Treffen. Die höchste Blüte dieses Genres ist mit Kreativität verbunden. Aktivitäten von L. Marenzio, C. Monteverdi und C. Gesualdo di Venosa am Ende. 16 - Anfang 17. Jahrhundert Marenzio zeichnet sich durch die Sphäre der Raffinesse aus. lyrisch Bilder, dann wird das Madrigal bei Gesualdo di Venosa und Monteverdi dramatisiert und mit tiefgründiger Psychologie ausgestattet. Ausdruck, sie verwendeten neue, ungewöhnliche Mittel der Harmonie. Sprache, geschärfte Intonation. Ausdruckskraft des Woks. Melodica. Die reiche Schicht von I. m. sind Menschen. Lieder und Tänze, die sich durch wohlklingende Melodien, Lebendigkeit und feurige Rhythmen auszeichnen. Für Italienisch Die Tänze zeichnen sich durch Takt 6/8, 12/8 und ein schnelles, oft rasantes Tempo aus: Saltarello (Aufzeichnungen aus dem 13.-14. Jahrhundert sind erhalten), verwandte Lombarda (Tanz der Lombardei) und Forlana (venezianischer, friaulischer Tanz). ), Tarantella (süditalienischer Tanz, der national wurde). Neben der Tarantella ist die Siciliana beliebt (die Größe ist gleich, aber das Tempo ist moderat, der Charakter der Melodie ist anders – pastoral). Die Sizilianer stehen der Barcarole (dem Lied der venezianischen Gondolieri) und dem toskanischen Rispetto (einem Lobgesang, einem Liebesgeständnis) nahe. Lamento-Lieder (eine Art Klagelied) sind weithin bekannt. Plastizität und Wohlklang der Melodie, helle Lyrik und oft betonte Sensibilität sind typisch für in Italien weit verbreitete neapolitanische Lieder.

Nar. Musik beeinflusste auch Prof. Musik Schaffung. Größte Einfachheit und Nähe zu den Menschen. Die Genres Frottola und Villanelle unterschieden sich in ihren Ursprüngen.

Die Renaissance gab der Entwicklung der Musiktheorie Impulse. Gedanken in Italien. Das Fundament ist modern. Die Harmonielehre wurde von G. Zarlino aufgestellt. Mitte des Jahrhunderts Er stellte der Tonartenlehre ein neues Tonsystem mit zwei Grundprinzipien gegenüber. Modalstimmungen – Dur und Moll. Bei seinen Urteilen stützte sich Zarlino in erster Linie auf die direkte Hörwahrnehmung und nicht auf abstrakte schulische Berechnungen und numerische Operationen.

Das größte Ereignis in I. m. an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Es kam zur Entstehung der Oper. Obwohl die Oper bereits am Ende der Renaissance entstand, ist sie dennoch eng mit ihren Ideen und ihrer Kultur verbunden. Opera als eigenständiges Gerät. Das Genre entstand einerseits aus dem Theater. Aufführungen des 16. Jahrhunderts mit Musikbegleitung, andererseits aus einem Madrigal. Viele Menschen haben Musik für das Fernsehen gemacht. berühmte Komponisten des 16. Jahrhunderts. So schrieb A. Gabrieli Chöre für Sophokles’ Tragödie „Ödipus“ (1585, Vicenza). Einer der Vorgänger der Oper war A. Polizianos Stück „Das Märchen vom Orpheus“ (1480, Mantua). Das Madrigal entwickelte Mittel des flexiblen Ausdrucks. Verkörperungen der Poesie Text in Musik. Die übliche Praxis, Madrigale von einem Sänger mit Instrumenten aufzuführen. Widerstand brachte sie dem Wok-Typ näher. Monodie, die zur Grundlage des ersten Italienischen wurde. oper. In con. 16. Jahrhundert Es entstand das Genre der Madrigalkomödie, in der der Mimich. Das Schauspiel wurde von einem Wok begleitet. Episoden im Madrigalstil. Ein typisches Beispiel dieser Gattung ist „Amphiparnassus“ von O. Vecchi (1594).

1581 trat ein Polemiker auf. V. Galileis Abhandlung „Gespräch über alte und moderne Musik“ („Dialogo della musica antica et délia moderna“), in der die singende Stimme. Die Deklamation (nach antikem Vorbild) stand im Gegensatz zur „Barbarei“ des Mittelalters. Polyfonie. Ein Auszug aus „ Göttliche Komödie„Dante sollte als Beispiel für diesen Gesangsstil dienen. Galiläas Gedanken fanden Unterstützung bei einer Gruppe von Dichtern, Musikern und Geisteswissenschaftlern, die sich 1580 auf Initiative des aufgeklärten Florentiner Grafen G. Bardi (der sogenannten Florentiner Camerata) zusammenschlossen ). Die Figuren dieses Kreises schufen die ersten Opern – „Daphne“ (1597-98) und „Eurydike“ (1600) nach dem Text von O. Rinuccini Die im deklamatorischen Stil gestalteten Chöre behalten den madrigalen Stil bei.

Mehrere Jahre später wurde die Musik für „Eurydike“ unabhängig vom Sänger und Compiler geschrieben. G. Caccini, der auch der Autor der Sammlung war. Solo-Kammerlieder mit Begleitung „Neue Musik“ („Le nuove musiche“, 1601), Hauptdarsteller. auf der gleichen Stilistik. Prinzipien. Dieser Schreibstil wurde „neuer Stil“ (Stile nuovo) oder „figurativer Stil“ (Stile rарpresentativo) genannt.

Prod. Florentiner sind bis zu einem gewissen Grad rational, ihre Bedeutung ist hauptsächlich Experimental. Die Genialität der Musik hauchte der Oper echtes Leben ein. Dramatiker, Künstler mit starkem tragischem Talent K. Monteverdi. Im Erwachsenenalter wandte er sich der Gattung Oper zu und war bereits Autor zahlreicher Werke. spirituell op. und weltliche Madrigale. Seine ersten Opern „Orpheus“ (1607) und „Ariadne“ (1608) entstanden. in Mantua. Nach einer längeren Pause war Monteverdi wieder als Opernkomponist in Venedig tätig. Die Spitze davon Opernkreativität- „Die Krönung der Poppea“ (1642), Prod. wahre Shakespeare-Kraft, die sich durch die Tiefe des Dramas auszeichnet. Ausdrücke, meisterhafte Charaktergestaltung, Schärfe und Spannung von Konfliktsituationen.

In Venedig ging die Oper über die enge Aristokratie hinaus. Kennerkreis und wurde zum öffentlichen Spektakel. Das erste öffentliche Gebäude wurde hier 1637 eröffnet. Oper t-r„San Cassiano“ (zwischen 1637 und 1800 wurden mindestens 16 solcher T-Trovs geschaffen). Demokratischer. Auch die Zusammensetzung des Publikums beeinflusste den Charakter der Werke. Mythologisch das Thema wich der dominanten Stellung der Geschichte. Geschichten mit echter Action. Personen, Dram. und heroisch. Der Anfang war mit Komik und manchmal sogar grober Farce verflochten. Wok. die Melodie erlangte größere Wohlklang; innerhalb der Rezitativszenen entstanden Abschnitte. Episoden unterschiedlicher Art. Diese für Monteverdis Spätopern charakteristischen Merkmale wurden im Werk von F. Cavalli weiterentwickelt, dem Autor von 42 Opern, unter denen die Oper Jason (1649) die größte Popularität erlangte.

Die Oper in Rom erhielt unter dem Einfluss der hier vorherrschenden Katholiken eine besondere Färbung. Trends. Zusammen mit der Antiquität mythologisch Handlungsstränge („Der Tod des Orpheus“ – „La morte d“Orfeo“ von S. Landi, 1619; „Die Kette des Adonis“ – „La Caténa d“Adone“ von D. Mazzocchi, 1626) umfasste die Oper religiöse. Themen, die in Christus interpretiert werden. moralisierender Plan. Die meisten Mittel. Prod. Römische Schule - die Oper „Saint Alexei“ von Landi (1632), die sich durch ihre Melodie auszeichnete. der Reichtum und die Dramatik der Musik, die Fülle an entwickelten Chortexten. Episoden. Die ersten Exemplare von Comics erschienen in Rom. Operngenre: „Der Leidende soll hoffen“ („Che soffre, speri“, 1639) von V. Mazzocchi und M. Marazzoli und „Jede Wolke hat einen Silberstreifen“ („Dal male il bene“, 1653) von A. M. Abbatini und Marazzoli.

K ser. 17. Jahrhundert Die Oper weicht fast vollständig von den Prinzipien der Renaissance-Ästhetik ab, die von der Florentiner Camerata vertreten wurden. Dies wird durch die Arbeit von M. A. Chesti belegt, der mit der venezianischen Opernschule verbunden ist. In seinen Schriften gibt es bewegte Dramen. Dem Rezitativ steht eine sanfte, wohlklingende Melodie gegenüber, und die Rolle abgerundeter Woks hat zugenommen. Zahlen (oft zum Nachteil der dramatischen Rechtfertigung der Aktion). Honors Oper „Der goldene Apfel“ („Il porno d“oro“, 1667), die anlässlich der Hochzeit Kaiser Leopolds I. in Wien mit Pomp aufgeführt wurde, wurde zum Prototyp der fortan verbreiteten zeremoniellen Hofaufführungen in Europa. „Dies ist keine rein italienische Oper mehr“, schreibt R. Rolland, „es ist eine Art internationale Hofoper.“

Vom Ende 17. Jahrhundert führende Rolle in der Entwicklung Italiens. die Oper ging nach Neapel. Der erste große Vertreter der neapolitanischen Opernschule war F. Provenzale, ihr wahres Oberhaupt war jedoch A. Scarlatti. Als Autor zahlreicher Opernwerke (mehr als 100) begründete er die typische Struktur des Italienischen. Opera seria, konserviert ohne Lebewesen. Änderungen bis zum Schluss 18. Jahrhundert Chef Der Platz in einer Oper dieser Art gehört der Arie, meist einem dreistimmigen Da capo; Das Rezitativ erhält eine Dienstfunktion, die Bedeutung von Chören und Ensembles wird auf ein Minimum reduziert. Aber helle Melodie. Scarlattis Gabe, polyphones Können. Briefe, zweifellos dramatisch. Der Instinkt ermöglichte es dem Komponisten, trotz aller Einschränkungen eine starke, beeindruckende Wirkung zu erzielen. Scarlatti entwickelte und bereicherte sowohl den Gesang als auch das Instrumental. Opernformen. Er entwickelte eine typisch italienische Struktur. eine Opernouvertüre (oder Sinfonie, nach der damaligen Terminologie) mit schnellen Außenteilen und einer langsamen Mittelepisode, die zum Prototyp einer eigenständigen Sinfonie wurde. Konz. funktioniert.

In enger Verbindung mit der Oper entwickelte sich eine neue nicht-liturgische Gattung. religiös Klage - Oratorium. Aus Religionen hervorgegangen. Lesungen begleitet vom Gesang von Polygonen. Lob, sie erlangte Unabhängigkeit. fertig Form in den Werken von G. Carissimi. In seinen Oratorien, die sich überwiegend mit biblischen Themen befassten, bereicherte er die bis dahin entstandenen Opernformen. 17. Jahrhundert, Leistungen des Chores. Konz. Stil. Unter den Komponisten, die dieses Genre nach Carissimi entwickelten, ragte A. Stradella heraus (seine Persönlichkeit wurde durch seine abenteuerliche Biografie legendär). Er führte Elemente des Dramas in das Oratorium ein. Pathos und Charakterisierung. Fast alle Komponisten der neapolitanischen Schule widmeten der Gattung Oratorium ihre Aufmerksamkeit, obwohl das Oratorium in ihrem Werk im Vergleich zur Oper einen untergeordneten Platz einnahm.

Eine mit dem Oratorium verwandte Gattung ist die Kammerkantate für eine, manchmal auch zwei oder drei Stimmen mit Begleitung. Basso Continuo. Im Gegensatz zum Oratorium dominierten darin weltliche Texte. Die bedeutendsten Meister dieses Genres sind Carissimi und L. Rossi (einer der Vertreter der römischen Opernschule). Wie das Oratorium bedeutet auch die Kantate gespielte Mittel. Rolle bei der Entwicklung von Wok. Formen, die typisch für die neapolitanische Oper geworden sind.

Auf dem Gebiet der Kirchenmusik im 17. Jahrhundert. dominiert vom Wunsch nach äußerer, protziger Größe, erreicht ch. arr. aufgrund der Mengen. Wirkung. Das von den Meistern der venezianischen Schule entwickelte Prinzip der Polychorizität wurde hyperbolisch. Skala. In einigen Produktionen. bis zu zwölf 4-Tore kamen zum Einsatz. Chöre Gigantischer Chor. Die Kompositionen wurden durch zahlreiche ergänzt. und diverse Instrumentengruppen. Dieser üppige Barockstil entwickelte sich vor allem in Rom und löste den strengen, zurückhaltenden Stil Palestrinas und seiner Anhänger ab. Die prominentesten Vertreter der spätrömischen Schule sind G. Allegri (Autor des berühmten „Miserere“, nach Gehör von W. A. ​​​​Mozart aufgenommen), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Gleichzeitig ist das sogenannte „Konzertstil“, nah am arioso-rezitativischen Gesang des frühen Italo. Opern, Beispiele hierfür sind die geistlichen Konzerte von A. Banchieri (1595) und L. Viadana (1602). (Wie sich später herausstellte, wurde Viadana ohne ausreichende Begründung die Erfindung des Digitalbasses zugeschrieben.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi und andere Komponisten schrieben auf die gleiche Weise und übertrugen sie auf die Kirche. Musikelemente aus Oper oder Kammerkantate.

Intensive Suche nach neuen Formen und Mitteln der Musik. Ausdruckskraft, diktiert durch den Wunsch, einen reichen und vielseitigen Humanismus zu verkörpern. Inhalte, durchgeführt im Bereich Tools. Musik. Einer der größten Meister der Org. und Tastenmusik der Vor-Bach-Zeit war G. Frescobaldi, ein Komponist von brillanter Kreativität. Individualität, ein brillanter Virtuose auf Orgel und Cembalo, berühmt in seiner Heimat und im übrigen Europa. Länder. Er brachte in die Tradition. Ricercar-Formen, Fantasien, Toccaten, Merkmale intensiver Ausdruckskraft und Gefühlsfreiheit, angereichert mit Melodik. und harmonisch Sprache, entwickelte Polyphonie. Rechnung. In seinem Prod. klassisch kristallisiert. eine Art Fuge mit klar erkennbaren tonalen Beziehungen und Vollständigkeit Gesamtplan. Frescobaldis Kreativität ist der Höhepunkt Italiens. org. Klage Seine innovativen Leistungen fanden in Italien selbst keine herausragenden Anhänger; sie wurden von Komponisten aus anderen Ländern fortgeführt und weiterentwickelt. Auf Italienisch Instr. Musik aus der 2. Hälfte. 17. Jahrhundert Die Hauptrolle übernahmen die Streichinstrumente und vor allem die Violine. Dies war auf die Blüte der Geigenkunst und die Verbesserung des Instruments selbst zurückzuführen. Im 17.-18. Jahrhundert. in Italien, Dynastien berühmter Geigenbauer(Familien Amati, Stradivari, Guarneri), deren Instrumente bis heute unübertroffen sind. Hervorragende Violinvirtuosen waren größtenteils auch Komponisten; in ihrem Schaffen wurden neue Techniken für das Solo-Violine-Spiel gefestigt und neue Musen entwickelt. Formen.

An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. In Venedig entwickelte sich die Gattung der Triosonate – ein mehrteiliges Werk. für 2 Soloinstrumente (normalerweise eine Violine, sie könnten aber durch andere Instrumente der entsprechenden Stimmlage ersetzt werden) und einen Bass. Es gab zwei Spielarten dieses Genres (beide gehörten zum Bereich der weltlichen Kammermusik): „Kirchensonate“ („sonata da chiesa“) – ein vierteiliger Zyklus, in dem sich langsame und schnelle Teile abwechselten, und „Kammersonate“ („sonata da camera“), bestehend aus mehreren. spielt Tanz Charakter, in der Nähe der Suite. Es ist besonders wichtig für die Weiterentwicklung dieser Genres. Die Bologneser Schule spielte eine Rolle und brachte eine brillante Galaxie von Meistern der Geigenkunst hervor. Zu seinen hochrangigen Vertretern zählen M. Caccati, G. Vitali und G. Bassani. Eine Ära in der Geschichte der Violin- und Kammerensemblemusik wurde durch das Werk von A. Corelli (einem Schüler von Bassani) geprägt. Die Reifezeit seiner Tätigkeit war mit Rom verbunden, wo er seine eigene Schule gründete, vertreten durch Namen wie P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. Corellis Werk vollendete die Entstehung der Triosonate. Er erweiterte und bereicherte die Erfüllung. Fähigkeiten von Streichinstrumenten. Er besitzt auch einen Sonatenzyklus für Solovioline mit op. Cembalo Dieses neue Genre, das in den späten Jahren entstand Das 17. Jahrhundert markierte das Ende. Genehmigung monodich. Prinzip in Instr. Musik. Corelli schuf zusammen mit seinem Zeitgenossen G. Torelli das Concerto Grosso – die wichtigste Form des Kammermusikschaffens bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts.

K con. 17 - Anfang 18. Jahrhundert zunehmend international Ruhm und Autorität I. m. ausländisch Musiker strömten nach Italien, um ihre Ausbildung abzuschließen und eine Zertifizierung zu erhalten, die ihnen in ihrem Heimatland Anerkennung verschaffte. Als Lehrer war er vor allem als Musiker von enormer Gelehrsamkeit bekannt. und Theoretiker J.B. Martini (bekannt als Padre Martini). Sein Rat wurde von K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart und A. Gretry genutzt. Ihm ist es zu verdanken, dass die Bologna Philharmonic. Die Akademie hat sich zu einem der größten Musikzentren Europas entwickelt. Ausbildung.

Italienisch Komponisten des 18. Jahrhunderts Basic Aufmerksamkeit wurde der Oper geschenkt. Nur wenige von ihnen blieben fern Opernhaus, die ein breites Publikum aus allen Gesellschaftsschichten anzog. Die gigantische Opernproduktion dieses Jahrhunderts wurde von Komponisten unterschiedlicher Couleur geschaffen. Skala des Talents, unter denen es viele talentierte Künstler gab. Die Popularität der Oper wurde durch das hohe Niveau der Gesangsdarbietung begünstigt. Kultur. Die Sänger bereiteten sich vor. arr. in Wintergärten – Waisenhäuser, die bereits im 16. Jahrhundert entstanden. In Neapel und Venedig - den Hauptzentren Italiens. Opernleben im 18. Jahrhundert. Es gab 4 Wintergärten, in denen es Musen gab. Die Ausbildung wurde von bedeutenden Komponisten geleitet. Sänger und Comp. F. Pistocchi gründete in Bologna (um 1700) ein Spezialunternehmen. Sänger Schule. Hervorragender Wok. der Lehrer war N. Porpora, einer der produktivsten Opernkomponisten Neapolitanische Schule. Einer der berühmten Meister der Belcanto-Kunst im 18. Jahrhundert. - Darsteller der wichtigsten Ehemänner. Rollen in der Opera seria waren die Kastratensänger A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (Spitzname Senesino), Farinelli und G. Crescentini, die über virtuose Gesangsfähigkeiten verfügten. Technik kombiniert mit einem weichen und leichten Timbre der Stimme; Sänger F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

Italienisch die Oper genoss Privilegien. Situation in den meisten Teilen Europas. Hauptstädte Sie wird angezogen sein. Stärke zeigte sich auch darin, dass viele Komponisten aus anderen Ländern schufen Opern auf Italienisch. Texte im Geiste und in den Traditionen der neapolitanischen Schule. Dazu gesellten sich die Spanier D. Perez und D. Terradellas, der Deutsche I. A. Hasse und der Tscheche J. Myslivecek. Das bedeutet, dass es im Einklang mit derselben Schule verlief. Teil der Aktivitäten von G. F. Händel und K. W. Gluck. Für Italienisch Opernszenen wurden von Russen geschrieben. Komponisten - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Doch bereits zu Lebzeiten des Leiters der neapolitanischen Opernschule, A. Scarlatti, dem Schöpfer der Opera seria, offenbarten sich ihre inhärenten künstlerischen Qualitäten. Widersprüche, die Anlass zu scharfer Kritik gaben. sich gegen sie aussprechen. Am Anfang 20er Jahre 18. Jahrhundert ein Satiriker erschien. Musikbroschüre Theoretiker B. Marcello, in dem die absurden Konventionen der Opernbibliothekare und die Verachtung der Schauspielkomponisten lächerlich gemacht wurden. der Sinn der Handlung, die arrogante Ignoranz von Primadonnen und Kastratensängern. Aus Mangel an tiefer Ethik Inhalte und Missbrauch von Außenwirkungen werden modern kritisiert. Ich bin Opernitaliener. Der Pädagoge F. Algarotti in seinem „Essay über die Oper“ („Saggio sopra l“opera in musica...“, 1754) und der Enzyklopädist E. Arteaga in seinem Werk „Die Revolution des italienischen Musiktheaters“ („Le rivoluzioni del teatro „Musicale Italiano dalla sua origine fino al presente“, V. 1-3, 1783-86).

Die Librettisten-Dichter A. Zeno und P. Metastasio entwickelten eine stabile Struktur aus Historie und Mythologie. Opera seria, in der der Charakter der Dramen streng geregelt war. Intrige, Menge und Beziehungen Charaktere, Arten von Solo-Woks. Nummern und ihre Position auf der Bühne. Aktion. Den Gesetzen des klassizistischen Dramas folgend, verliehen sie der Oper Einheit und Harmonie der Komposition und befreiten sie von der Verwirrung tragischer Elemente. Elemente mit Komik und Farce. Gleichzeitig sind die Operntexte dieser Dramatiker von aristokratischen Zügen geprägt. Galanterie, geschrieben in künstlicher, manierierter, raffinierter Sprache. Opera seria, Spanisch Der Schnitt fiel oft zeitlich mit dem Advent zusammen. Feierlichkeiten mussten mit einem obligatorischen erfolgreichen Ende enden, die Gefühle seiner Helden waren bedingt und unglaubwürdig.

Mittendrin. 18. Jahrhundert Es besteht die Tendenz, die etablierten Klischees der Opera seria zu überwinden und Musik und Schauspiel enger zu verbinden. Aktion. Dies führte zu einer größeren Bedeutung des begleiteten Rezitativs und einer Bereicherung des Orks. Farben, Erweiterung und Dramatisierung des Chores. Szenen Diese innovativen Tendenzen kamen am deutlichsten in den Werken von N. Jommelli und T. Traetta zum Ausdruck, die Glucks Opernreform teilweise vorbereiteten. In der Oper „Iphigenie auf Tauris“ gelang es Traetta, mit den Worten von G. Abert, „bis an die Pforten von Glucks Musikdrama vorzudringen“. Die sogenannten Komponisten gingen den gleichen Weg. „Neue neapolitanische Schule“ G. Sarti, P. Guglielmi und andere waren überzeugte Anhänger und Anhänger von Glucks Reform.

Die stärkste Opposition ist bedingt heroisch. Opera Seria wurde von einem neuen Demokraten zusammengestellt Genre der Opera Buffa. Mit 17 und Anfang 18. Jahrhundert komisch die Oper war nur durch vereinzelte Beispiele vertreten. Wie sie unabhängig sind. Das Genre nahm mit den Obermeistern der neapolitanischen Schule L. Vinci und L. Leo Gestalt an. Der erste Klassiker. Ein Beispiel für eine Opera buffa ist Pergolesis „Die Dienerin“ (ursprünglich als Zwischenspiel zwischen den Akten seiner Opera-Serie „Der stolze Gefangene“ von 1733 verwendet). Der Realismus der Bilder, die Lebendigkeit und Eindringlichkeit der Musik. Eigenschaften trugen bei vielen zur größten Popularität von G.B. Pergolesis Zwischenspiel bei. Ländern, insbesondere in Frankreich, wo ihr Posten liegt. im Jahr 1752 diente als Anstoß für die Entstehung einer wilden Ästhetik. Polemik (siehe „Krieg der Buffons“) und trug zur Bildung der Franzosen bei. national irgendwie komisch Opern.

Ohne den Kontakt zu den Menschen zu verlieren. Wurzeln, italienisch Die Opera Buffa entwickelte später weiter entwickelte Formen. Im Gegensatz zur Opera seria dominierte der Sologesang. Anfang, im Comic Ensembles haben in der Oper eine große Bedeutung erlangt. Die am weitesten entwickelten Ensembles wurden in lebhaften, sich schnell entfaltenden Finales platziert, die eine Art Knotenpunkt komödiantischer Intrigen bildeten. N. Logroshino gilt als der Schöpfer dieser Art wirkungsvoller Abschlussensembles. C. Goldoni, ein bedeutender Italiener, hatte einen fruchtbaren Einfluss auf die Entwicklung der Opera buffa. Komiker des 18. Jahrhunderts, der in seinem Werk die Ideen des pädagogischen Realismus widerspiegelte. Er war Autor einer Reihe von Opernbibliotheken, von denen die meisten Musik von einem der herausragenden italienischen Meister schrieben. komisch Opern des Venezianers B. Galuppi. In den 60er Jahren 18. Jahrhundert in der Opera buffa treten sentimentalistische Tendenzen auf (z. B. N. Piccinnis Oper nach Goldonis Text „Cecchina oder die gute Tochter“, 1760, Rom). Opera buffa nähert sich dem Typus eines „Spießbürgerdramas“ oder einer „tränenreichen Komödie“, die Moral widerspiegelt. die Ideale des Dritten Standes am Vortag Tolles Französisch. Revolution.

Das Werk von N. Piccinni, G. Paisiello und D. Cimarosa ist die letzte und höchste Stufe in der Entwicklung der Opera buffa im 18. Jahrhundert. Ihre Produktionen verbinden komödiantische Elemente mit Sensibilität. pathetisch, melodisch. Formenreichtum, Lebendigkeit, Anmut und Beweglichkeit der Musik sind im Opernrepertoire erhalten geblieben. In vielerlei Hinsicht näherten sich diese Komponisten Mozart und bereiteten das Werk eines der größten Italiener vor. Opernkomponisten des nächsten Jahrhunderts G. Rossini. Bestimmte Merkmale der Opera buffa wurden von der späteren Opera seria übernommen, was zu einer größeren Flexibilität ihrer Formen, Einfachheit und Spontaneität der Melodien führte. Ausdrücke.

Bedeutet. Der Beitrag wurde von Italiener geleistet. Komponisten des 18. Jahrhunderts bei der Entwicklung verschiedener Instrumentengattungen Musik. Der größte Meister auf dem Gebiet des Geigenbaus nach Corelli war G. Tartini. In Anlehnung an seine Vorgänger pflegte er weiterhin die Genres Solo-Violinsonate und Triosonate, erfüllte sie mit neuer, leuchtender Ausdruckskraft, bereicherte die Techniken des Geigenspiels und erweiterte das damals übliche Klangspektrum. Tartini gründete seine eigene Schule namens Padua (benannt nach der Stadt Padua, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte). Seine Schüler waren P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari. In der 2. Hälfte. 18. Jahrhundert meisterhaft entfaltet und aufgeführt. und kreativ Aktivitäten von G. Pugnani, dem größten Italiener. klassischer Geiger Epoche. Unter seinen vielen. Besonders berühmt wurde J. B. Viotti unter seinen Studenten, in dessen Werken manchmal ein Hauch von Romantik vorherrscht. Trends.

Im Ork-Genre. Concerto Grosso als kühn und originell. der innovative Künstler war A. Vivaldi. Er dramatisierte diese Form und führte sie mit Dynamik ein. große und kleine Instrumentengruppen (Tutti und Concertino) thematisch gegenüberstellen. Gegensätze innerhalb der Abteilung Teile, etablierte eine dreiteilige Struktur des Zyklus, die im Klassiker erhalten blieb. Instr. Konzert. (Vivaldis Violinkonzerte wurden von J. S. Bach sehr geschätzt, der einige davon für das Klavier und auch für die Orgel arrangierte.)

In den Triosonaten von G.B. Pergolesi sind vorklassische Züge erkennbar. „galanter“ Stil. Ihre leichte, transparente Textur ist fast vollständig homophon, die Melodie zeichnet sich durch sanfte Wohlklang und Anmut aus. Einer der Komponisten, die die Blüte der klassischen Musik direkt vorbereitet haben. Instr. Musik war G. Sammartini (Autor von 78 Sinfonien, vielen Sonaten und Konzerten für verschiedene Instrumente), dessen Schaffenscharakter den Vertretern der Mannheimer und frühen Wiener Schule nahe stand. L. Boccherini verband in seinem Werk Elemente galanter Sensibilität mit Vorromantik. begeistert von Pathos und Menschennähe. Quellen. Sie werden es bemerken. Als Cellist bereicherte er die Solocello-Literatur und war einer der Schöpfer der klassischen Musik. Art Bogenquartett.

Der Künstler ist lebendig und äußerst kreativ. Fantasy erweiterte und aktualisierte D. Scarlatti die figurative Struktur und die Ausdrucksmittel der Klaviermusik. Seine Sonaten für Cembalo (der Autor nannte sie „Übungen“ – „Essercizi per gravicembalo“), die durch ihre Vielfalt an Charakter und Präsentationstechniken auffallen, sind eine Art Enzyklopädie der Klavierkunst dieser Zeit. Scarlattis Sonaten sind klar und prägnant in der Form und konzentrieren sich auf thematische Fragestellungen. Kontraste sind klar definiert. Abschnitte der Sonatenausstellung. Nach Scarlatti wurde die Klaviersonate in den Werken von B. Galuppi, D. Alberti (dessen Name mit der Definition albertianischer Bässe verbunden ist), G. Rutini, P. Paradisi und D. Cimarosa entwickelt. M. Clementi, der bestimmte Aspekte des Stils von D. Scarlatti beherrschte (was insbesondere in seiner Schaffung von 12 Sonaten „im Stil von Scarlatti zum Ausdruck kam“), kam dann den Meistern der entwickelten klassischen Musik nahe. Stil und kommt manchmal zu den Ursprüngen des Romantischen. Virtuosität.

Eine neue Ära in der Geschichte des Geigenbaus wurde von N. Paganini eröffnet. Als Interpret und Komponist war er ein typisch romantischer Künstler. Lager Sein Spiel hinterließ einen unwiderstehlichen Eindruck durch die Kombination enormer Virtuosität mit feuriger Fantasie und Leidenschaft. Mn. Prod. Paganini („24 Capricen“ für Solovioline, Konzerte für Violine und Orchester usw.) bleiben bis heute unübertroffene Beispiele virtuoser Violinliteratur. Sie beeinflussten nicht nur die weitere Entwicklung der Violinmusik im 19. Jahrhundert, sondern auch die Kreativität größte Vertreter romantisch Pianismus - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini war der letzte der großen Italiener. Meister im Bereich Werkzeuge. Musik. Im 19. Jahrhundert Die Aufmerksamkeit der Komponisten und des Publikums richtete sich fast ausschließlich auf die Oper. An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Die Oper in Italien befand sich in einer Phase bekannter Stagnation. Traditionell die Gattungen Opera seria und Opera buffa waren zu diesem Zeitpunkt bereits ausgeschöpft und konnten sich nicht weiterentwickeln. Kreativität des größten Italieners. Der Opernkomponist dieser Zeit G. Spontini fand außerhalb Italiens (in Frankreich und Deutschland) statt. Die Versuche von S. Mayr (deutscher Nationalität), die Traditionen der Opera seria zu unterstützen (durch das Aufpfropfen bestimmter entlehnter Elemente), erwiesen sich als vielseitig. F. Paer, der sich für die Opera buffa interessierte, hat im Vergleich zu den Werken von Paisiello und Cimarosa nichts Wesentliches Neues zu diesem Genre beigetragen. (In der Musikgeschichte ist der Name Paer als Autor der Oper nach dem Text von J. Bouilly „Leonora oder eheliche Liebe“ erhalten geblieben, die als Quelle für die Libr. „Fidelio“ von Beethoven diente .)

Hohe Blütezeit Italiens. Opern im 19. Jahrhundert wurde mit den Aktivitäten von G. Rossini in Verbindung gebracht, einem Komponisten mit unerschöpflicher Melodik. Einfallsreichtum, lebendiges, überschäumendes Temperament und eine unverwechselbare Dramaturgie. Instinkt. Sein Werk spiegelte den allgemeinen Aufstieg Italiens wider. Kultur, die durch das Wachstum des Patriotismus verursacht wird. nationale Befreiung Bestrebungen. Zutiefst demokratisch, Leute. Seiner Herkunft nach war Rossinis Opernwerk angesprochen in einen weiten Kreis Zuhörer. Er hat das Nationale wiederbelebt Art der Opera buffa und hauchte ihr neues Leben ein, schärfte und vertiefte den Charakter der Handlung. Menschen und bringt sie der Realität näher. Sein „Der Barbier von Sevilla“ (1816) ist der Höhepunkt des Italienischen. komisch Opern. Rossini verbindet den komödiantischen Anfang mit dem satirischen, freien. Einige seiner Opern enthalten direkte Anspielungen auf Gesellschaften. und politisch die damalige Situation. In Opern gibt es Heldendramen. Er überwand insbesondere die eingefrorenen Klischees der Opera seria und legte besonderen Wert auf den Refrain. der Anfang. Erzählungen werden umfassend weiterentwickelt. Szenen in Rossinis letzter Oper „Wilhelm Tell“ (1829) über die nationale Befreiung. die Handlung romantisch interpretiert. planen.

Die Romantik erhält einen lebendigen Ausdruck. Trends im Werk von V. Bellini und G. Donizetti, deren Aktivitäten in den 30er Jahren begannen. 19. Jahrhundert, als die nationale Bewegung Die Renaissance (Risorgimento) in Italien trat in eine entscheidende Phase im Kampf um Einheit und Politik ein. Unabhängigkeit des Landes. In Bellinis Opern „Norma“ (1831) und „Die Puritaner“ (1835) ist die nationale Befreiung deutlich zu hören. Motive, obwohl der Komponist den Schwerpunkt auf die persönliche Dramatik der Figuren legte. Bellini war ein Meister des Ausdrucks. romantisch Kantilene, die die Bewunderung von M. I. Glinka und F. Chopin erregte. Donizetti hat Lust auf starke Dramen. Effekte und akute Situationen führten manchmal zu einem gestelzten Melodram. Daher seine große Romantik. Opern („Lucretia Borgia“, nach V. Hugo, 1833; „Luciadi Lammermoor“, nach V. Scott, 1835) erwiesen sich als weniger rentabel als die Produktion. Komödiengenre („Elisir of Love“, 1832; „Don Pasquale“, 1843), in dem Traditionen bestehen. Italienischer Typ Die Opera Buffa erhielt neue Züge: Die Bedeutung des Genre-Hintergrunds nahm zu, die Melodie wurde mit den Intonationen alltäglicher Romantik und Lieder bereichert.

Die Werke von J. S. Mercadante, G. Pacini und einigen anderen Komponisten derselben Zeit unterschieden sich nicht unabhängig voneinander. individuelle Züge, sondern spiegelte die allgemeine Tendenz zur Dramatisierung der Opernform und zur Bereicherung des musikalischen Ausdrucks wider. Mittel. In dieser Hinsicht waren sie direkt. Vorgänger von G. Verdi - einem der größten Opernautoren nicht nur in Italien, sondern auch in der Weltmusik. t-ra.

Verdis frühe Opern, die in den 40er Jahren auf der Bühne standen. Stilistisch noch nicht völlig eigenständige Stücke des 19. Jahrhunderts („Nabucco“, „Lombarden im Ersten Kreuzzug“, „Ernani“) erregten mit ihrer Patriotik die glühende Begeisterung des Publikums. Pathos, romantisch Hochgefühl der Gefühle, der Geist des Heldentums und die Liebe zur Freiheit. In Produktion 50er Jahre („Rigoletto“, „Il Trovatore“, „La Traviata“) erzielte er große psychologische Erfolge. Tiefe der Bilder, Stärke und Wahrhaftigkeit der Verkörperung akuter, intensiver mentaler Konflikte. Wok. Verdis Schreiben ist von äußerer Virtuosität und Passagenverzierung befreit und wird zu einem organisch integralen Element der Melodie. Linie, erworben wird ausdrücken. Bedeutung. In Opern der 60-70er Jahre. („Don Carlos“, „Aida“) ist er bestrebt, breite Schichten des Dramas weiter zu identifizieren. Aktionen in der Musik, Stärkung der Rolle des Orchesters, Bereicherung der Musen. Sprache. In einer seiner letzten Opern, „Othello“ (1886), gelang Verdi die Schaffung eines Gesamtwerks Musik Dramen, in denen die Musik untrennbar mit der Handlung verbunden ist und alle ihre psychologischen Aspekte flexibel vermittelt. Schattierungen.

Anhänger Verdis, inkl. A. Ponchielli, der Autor der populären Oper La Gioconda (1876), war nicht in der Lage, seine Opernprinzipien durch neue Kreationen zu bereichern. Erfolge. Gleichzeitig stieß Verdis Werk auf Widerstand bei Anhängern Wagnerscher Musikdramen. Reformen. Allerdings hatte der Wagnerismus in Italien keine tiefen Wurzeln; der Einfluss Wagners war bei einigen Komponisten weniger in den Prinzipien des Operndramas als vielmehr in den Techniken der Harmonik zu spüren. und Ork. Buchstaben. Wagneristische Tendenzen spiegelten sich in der Oper „Mephistopheles“ von Boito (1868) wider, der sich in der Folge von den Extremen seiner Leidenschaft für Wagner entfernte.

In con. 19. Jahrhundert Der Verismus verbreitete sich in Italien. Der enorme Erfolg von Mascagnis „La honor ländliche“ (1890) und Leoncavallos „Pagliacci“ (1892) trug dazu bei, dass sich diese Bewegung in Italien als dominant etablierte. Opernkreativität. Der Verismus wurde von U. Giordano (unter seinen Werken ist die Oper André Chénier von 1896 das berühmteste) und F. Cilea unterstützt.

Mit diesem Trend war auch die Arbeit des größten Italieners verbunden. Opernkomponist nach Verdi - G. Puccini. Sein Produkt. normalerweise engagiert Drama der einfachen Leute, gezeigt vor einem farbenfrohen Alltagshintergrund. Gleichzeitig sind Puccinis Opern frei von dem dem Verismus innewohnenden naturalistischen Charakter. Merkmale zeichnen sie sich durch eine größere psychologische Subtilität aus. Analyse, gefühlvolle Lyrik und Eleganz des Schreibens. Den besten italienischen Traditionen treu bleiben. Belcanto verfeinerte Puccini die Rezitation. Ausdruckskraft des Woks. Melodien, strebte eine detailliertere Wiedergabe sprachlicher Nuancen im Gesang an. Farbig harmonisch und Ork. Die Sprache seiner Opern enthält gewisse Elemente des Impressionismus. In ihren ersten reifen Produktionen. („La Bohème“, 1896; „Tosca“, 1900) Puccini wird auch mit Italien in Verbindung gebracht. Operntradition Im 19. Jahrhundert wurde sein Stil komplexer, seine Ausdrucksmittel gewannen an Schärfe und Konzentration. Ein eigenartiges Phänomen in Italien. Opernkunst - das Werk von E. Wolf-Ferrari, der versuchte, den Klassiker zu modernisieren. Art der Opera Buffa, die ihre Traditionen vereint. Formen mit Stil mit Mitteln der Spätromantik („Neugierige Frauen“, 1903; „Vier Tyrannen“, 1906, nach Goldonis Erzählungen). R. Zandonai, der hauptsächlich dem Weg des Verismus folgte, kam einigen der neuen Musen nahe. Strömungen des 20. Jahrhunderts.

Hohe Erfolge in Italien. Opern mit 19 - früh 20. Jahrhundert wurden mit der brillanten Blüte der Gesangskünstler in Verbindung gebracht. Kultur. Italienische Traditionen Der im 19. Jahrhundert entstandene Belcanto wird in der Kunst mehrfach weiterentwickelt. Generationen von Sängern, die weltweiten Ruhm erlangten. Gleichzeitig erhält ihre Darbietung neue Züge, wird lyrischer und dramatischer ausdrucksvoller. Der letzte herausragende Vertreter eines rein virtuosen Stils, der auf Dramatik verzichtete. Inhalt aus Gründen der Klangschönheit und Technik. Stimmmobilität, war A. Catalani. Unter den Meistern ist Italiener. wok Schulen 1. Hälfte 19. Jahrhundert, gegründet auf der Grundlage der Opernwerke von Rossini, Bellini und Donizetti – Sänger Giudita und Giulia Grisi, G. Pasta, Sänger G. Mario, G. B. Rubini. In der 2. Hälfte. 19. Jahrhundert Es entsteht eine Galaxie von „Verdi“-Sängern, darunter die Sänger A. Bosio, B. und C. Marchisio, A. Patti, die Sänger M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik und andere. Im 20. Jahrhundert. Ruhm für Italien Die Oper wurde unterstützt von den Sängern A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. und L. Tetrazzini, den Sängern G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo usw.

Vom Ende 19. Jahrhundert die Bedeutung der Oper im italienischen Schaffen. Die Zahl der Komponisten schwächt sich ab und es besteht die Tendenz, den Schwerpunkt auf den Bereich der Instrumente zu rücken. Genres. Die Wiederbelebung der aktiven Kreativität. Interesse an Werkzeugen Musik wurde durch die Aktivitäten von G. Sgambati (in Europa als Pianist und Dirigent anerkannt) und G. Martucci gefördert. Doch das Werk beider Komponisten, das sich unter dem Einfluss von F. Liszt und R. Wagner entwickelte, war nicht eigenständig genug.

Als Vorbote einer neuen Ästhetik. Ideen und Stilprinzipien haben großen Einfluss auf die Entwicklung ganz Europas. Musik des 20. Jahrhunderts vorgetragen von F. Busoni, einem der größten Pianisten seiner Zeit, einem bedeutenden Komponisten und Kunsttheoretiker. Er vertrat das Konzept des „neuen Klassizismus“, den er einerseits dem Impressionismus gegenüberstellte. die Fließfähigkeit der Bilder, die Flüchtigkeit der Schattierungen, andererseits die „Anarchie“ und „Beliebigkeit“ von Schönbergs Atonalismus. Ihre Kreativität Busoni setzte die Prinzipien in Werken wie „Kontrapunktische Fantasie“ (1921), „Improvisation über ein Bach-Choralthema“ für 2 ph. um. (1916) sowie die Opern „Harlekin oder Fenster“, „Turandot“ (beide nach 1917), in denen er den entwickelten Wok aufgab. Stil ihrer Italiener. Vorgänger und versuchten, dem Typus der alten Menschen näher zu kommen. Komödie oder Farce.

Die italienische Kreativität entwickelte sich im Einklang mit dem Neoklassizismus. Komponisten, manchmal unter dem Namen vereint. „Gruppen der 1880er Jahre“ – I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Sie versuchten, die Traditionen des großen Nationalstaates wiederzubeleben. Musik Vergangenheit, Hinwendung zu Formen und Stilistik. Italienische Techniken Barocker und melodischer gregorianischer Gesang. Förderer und Forscher der Alten Musik, Malipiero publ. Sammlung Werke von C. Monteverdi, Instr. Prod. A. Vivaldi und das vergessene Erbe vieler. Italienisch Komponisten des 17.-18. Jahrhunderts. In seinem Werk verwendet er die Formen der antiken Barocksonate, des Ricercar usw. Seine Opern sind die wichtigsten. auf Express. wok Deklamation und geizige Mittel des Orks. con., reflektieren, was in den 20er Jahren kam. Reaktion gegen den Verismus. Die neoklassizistischen Tendenzen in Casellas Werk manifestierten sich in „Partita“ für FFP. mit Orchester (1925), Suite „Scarlattiana“ (1926), etwas Musiktheater. Prod. (z.B. Kammeroper„Das Märchen vom Orpheus“, 1932). Gleichzeitig wandte er sich dem Italienischen zu. Folklore (Rhapsodie für Orchester „Italien“, 1909). Es ist ein farbenfroher Ork. Der Brief wurde zu einem großen Teil unter dem Einfluss des Russischen entwickelt. und Französisch Schulen (eine Hommage an die Leidenschaft für russische Musik war die Orchestrierung von Balakirevs „Islamey“). Pizzetti führte religiöse und moralisierende Elemente in seine Opern ein und erfüllte die Musen. Sprache mit den Intonationen des gregorianischen Chorals, ohne gleichzeitig mit den Traditionen des Italo zu brechen. Opernschule des 19. Jahrhunderts Mehrere Einen besonderen Platz in dieser Gruppe von Komponisten nimmt das Werk von O. Respighi, dem Orkmeister, ein. Tonaufnahme (die Entstehung seiner Kreativität wurde durch den Unterricht bei N. A. Rimsky-Korsakov beeinflusst). In der Symphonie Respighis Gedichte („Römische Brunnen“, 1916; „Pineas von Rom“, 1924) vermitteln lebendige Bilder von Menschen. Leben und Natur. Neoklassizistische Tendenzen spiegelten sich in seinem späteren Werk nur teilweise wider. Eine bemerkenswerte Rolle in I. m. 20. Jahrhundert gespielt von F. Alfano, dem prominentesten Vertreter der veristischen Bewegung (die Oper „Auferstehung“ nach dem Roman von L. N. Tolstoi, 1904), die sich dann zum Impressionismus entwickelte; M. Castelnuovo-Tedesco und V. Rieti, die am Anfang. 2. Weltkrieg 1939-45 nach politischen Angaben Gründe verließen ihre Heimat und ließen sich in den Vereinigten Staaten nieder.

An der Wende der 40er Jahre. 20. Jahrhundert Auffällige stilistische Veränderungen treten in I. m. auf. Die Tendenzen des Neoklassizismus werden durch Tendenzen ersetzt, die in der einen oder anderen Form die Prinzipien der neuen Wiener Schule weiterentwickeln. Kreative Kreativität ist in dieser Hinsicht bezeichnend. Entwicklung von G. Petrassi, der, nachdem er den Einfluss von A. Casella und I. F. Strawinsky erfahren hatte, zunächst zur Position der freien Atonalität und dann zur strengen Dodekaphonie überging. Der größte Komponist dieser Zeit I.M. ist L. Dallapiccola, dessen Werk nach dem 2. Weltkrieg große Aufmerksamkeit erregte. In seinem Prod. 40er und 50er Jahre Es treten Merkmale des Expressionismus und der Verwandtschaft auf. Kreativität von A. Berg. Die besten von ihnen verkörpern den Humanismus. Protest gegen Tyrannei und Grausamkeit (Chortriptychon „Lieder der Gefangenen“, 1938–1941; Oper „Gefangener“, 1944–48), was ihnen eine gewisse antifaschistische Ausrichtung verlieh.

Unter den Komponisten gibt es noch mehr jüngere Generation, die nach dem 2. Weltkrieg entstanden, L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero und andere erlangten Berühmtheit. Strömungen des Avantgardismus – Post-Weberianischer Serialismus, Sonorismus (siehe Serielle Musik, Sonorismus), Aleatorismus – und ist eine Hommage an die formale Suche nach neuen Klangmitteln. Basis Berio und Maderna. 1954 gründete er in Mailand das „Studio für Phonologie“, das Experimente auf diesem Gebiet durchführte elektronische Musik. Gleichzeitig streben einige dieser Komponisten danach, das sogenannte zu verbinden. neue Ausdrucksmittel für die Musik. Avantgarde mit Genreformen und Techniken der Musik des 16.-17. Jahrhunderts.

Ein besonderer Ort in der Neuzeit. I. m. gehört dem kommunistischen Komponisten und aktiven Friedenskämpfer L. Nono. In seiner Arbeit greift er die drängendsten Themen unserer Zeit auf und versucht, die Ideen der Internationalität zu verkörpern. Brüderlichkeit und Solidarität der Arbeiter, Protest gegen den Imperialismus. Unterdrückung und Aggression. Doch die Mittel der Avantgarde-Kunst, die Nono einsetzt, stehen oft im Widerspruch zu seinem Wunsch nach Unmittelbarkeit. Propaganda Wirkung auf die breite Masse der Zuhörer.

Abseits avantgardistischer Tendenzen steht G.C. Menotti – ein Italiener. Komponist, der in den USA lebt und arbeitet. In seinem vor allem mit der Oper assoziierten Werk erhalten Elemente des Verismus eine gewisse expressionistische Färbung, während die Suche nach wahrheitsgetreuer Sprachintonation ihn zu einer teilweisen Annäherung an M. P. Mussorgsky führt.

In der Musik Die Oper spielt weiterhin eine wichtige Rolle im Leben Italiens. Eines der herausragenden Opernhäuser der Welt ist das Mailänder Scala-Theater, das seit 1778 besteht. Zu den ältesten Opernhäusern Italiens zählen auch San Carlo in Neapel (gegründet 1737) und Fenice in Venedig (gegründet 1792). Große Kunst. An Bedeutung gewann das römische Operntheater (eröffnet 1880 unter dem Namen Costanzi-Theater; seit 1946 römische Oper). Zu den bekanntesten modernen Italienisch Opernkünstler - Sänger G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; Sänger G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

Großer Einfluss auf die Entwicklung von Oper und Symphonie. Die Kultur in Italien wurde durch die Aktivitäten von A. Toscanini beeinflusst, einem der größten Dirigenten des 20. Jahrhunderts. Prominente Vertreter der Musikszene Die Künstler sind die Dirigenten P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; Pianist A. Benedetti Michelangeli; Geiger J. DeVito; Cellist E. Mainardi.

Von Anfang an 20. Jahrhundert Die Musikforschung hat in Italien eine intensive Entwicklung erfahren. und kritisch Gedanke. Bedeutet. Beitrag zum Studium der Musik. Das Erbe wurde von den Musikwissenschaftlern G. Barblan (Präsident der Italienischen Gesellschaft für Musikwissenschaft), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca und anderen beigesteuert. Zafred und M. Mila arbeiten hervorragend. im Bereich Musik. Kritik. In Italien werden zahlreiche Musen veröffentlicht. Zeitschriften, inkl. „Rivista Musicale Italiana“ (Turin, Mailand, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), „Musica d'oggi“ (Mailand, 1919-40, 1958-), „La Rassegna Musicale“ (Turin, 1928-40 ; Rom, 1941-1943, 1947-62), „Bolletino Bibliografico Musicale“ (Mailand, 1926-33, 1952-), „Il Convegno Musicale“ (Turin, 1964-) usw.

Es wurden eine Reihe von Enzyklopädien veröffentlicht, die diesem Thema gewidmet sind. Musik und T-Ru, inkl. „Enciclopedia della musica“ (V. 1-4, Mil., 1963-64), „Enciclopedia dello spettacolo“ (V. 1-9, Roma, 1954-62).

Unter den besonderen Musik äh. Die größten Institutionen sind die Konservatorien: „Santa Cecilia“ in Rom (gegründet 1876 als Musiklyzeum, seit 1919 ein Konservatorium); der Name G. B. Martini in Bologna (seit 1942; 1804 als Musiklyzeum gegründet, seit 1914 den Status eines Konservatoriums erhalten); ihnen. Benedetto Marcello in Venedig (seit 1940, 1877 als Musiklyzeum gegründet, seit 1916 einer höheren Schule gleichgestellt); Milanskaya (gegründet 1808, 1901 nach G. Verdi benannt); ihnen. L. Cherubini in Florenz (gegründet 1849 als Musikinstitut, dann als Musikschule, Musikakademie und ab 1912 als Konservatorium). Prof. Musiker werden auch von den Instituten für Musikgeschichte an Universitäten, dem Päpstlichen Ambrosianischen Institut für Kirchenmusik usw. ausgebildet. In diesen Schulen. Institutionen sowie am Institut zur Erforschung des Verdis-Nachlasses wird Musikwissenschaft betrieben. Arbeit. Die Internationale wurde in Venedig gegründet. Italienisches Propagandazentrum Musik, die jährlich Sommerkurse („Musikalische Ferien“) zum Erlernen des alten Italienisch organisiert. Musik. Die Ambrosianische Bibliothek und die Bibliothek des Mailänder Konservatoriums verfügen über eine umfangreiche Sammlung von Noten und Büchern zum Thema Musik. Die Bestände antiker Instrumente, Noten und Bücher sind weithin bekannt (konzentriert in der Bibliothek der Philharmonischen Akademie Bologna, in der Bibliothek von G.B. Martini und im Archiv der Kapelle San Petronio in Bologna). Das reichhaltigste Material zur italienischen Geschichte. Musik hat das Nationale. Marciana-Bibliothek, D. Cini-Stiftungsbibliothek und das Musikmuseum. Instrumente am Konservatorium in Venedig.

In Italien gibt es zahlreiche. Musik Organisation und Durchführung. Mannschaften. Regelmäßige Sinfonien Konzerte werden gegeben von: Orchestern der Mailänder Scala und Fenice, National. Akademie „Santa Cecilia“, Italien. Radio und Fernsehen in Rom, das Orchester der Gesellschaft „Nachmittagsmusik spielen“ („Rommerigi musicali“), die hauptsächlich auftritt. aus dem Spanischen modern Musik, Kammerorchester „Angelicum“ und „Virtuosi of Rome“, die Gesellschaft „Ambrosian Polyphony“, die die Musik des Mittelalters, der Renaissance und des Barock fördert, sowie das Orchester des Bologna-Theaters „Comunale“, Bolognese Kammerorchester und andere Gruppen.

In Italien finden zahlreiche Veranstaltungen statt. Musik Festivals und Wettbewerbe: Int. modernes Festival Musik (seit 1930, Venedig), „Florentiner Musikalischer Mai“ (seit 1933), „Festival der zwei Welten“ in Spoleto (seit 1958, gegründet von G.C. Menotti), „Woche der Neuen Musik“ (seit 1960, Palermo), Klavier Wettbewerb benannt nach F. Busoni in Bozen (seit 1949, jährlich), nach ihm benannter Musik- und Tanzwettbewerb. G. B. Viotti in Vercelli (seit 1950, jährlich), nach ihm benannter Wettbewerb. A. Casella in Neapel (seit 1952 alle 2 Jahre, bis 1960 nahmen Pianisten teil, seit 1962 auch Komponisten), Violinwettbewerb. N. Paganini in Genua (seit 1954, jährlich), Orchesterwettbewerb. Dirigenten in Rom (seit 1956, alle 3 Jahre, gegründet von der Nationalen Akademie „Santa Cecilia“), Klavierwettbewerb. E. Pozzoli in Seregno (seit 1959, alle 2 Jahre), Wettbewerb für junge Dirigenten. G. Cantelli in Novara (seit 1961, alle 2 Jahre), Gesangswettbewerb „Verdi Voices“ in Busseto (seit 1961, jährlich), Chorwettbewerb. nach ihnen benannte Kollektive Guido d'Arezzo in Arezzo (gegründet 1952 als nationaler, seit 1953 internationaler; jährlich, auch bekannt als „Polyfonico“), G. Casado-Cellowettbewerb in Florenz (seit 1969, alle 2 Jahre).

Unter den Italienern Musik Gesellschaft - Corporation of New Music (Abteilung der International Society of Contemporary Music; 1917 als National Music Society gegründet, 1919 in die Italian Society of Contemporary Music umgewandelt, seit 1923 - Corporation), Music Association Bibliotheken, Gesellschaft für Musikwissenschaft usw. In Italien wird viel gearbeitet. Musik Verlags- und Handelshaus „Ricordi and Co.“ (gegründet 1808), das an vielen Orten Niederlassungen hat. Länder.

Literatur: Ivanov-Boretsky M.V., Musikhistorische Anthologie, Bd. 1-2, M., 1933-36; his, Materialien und Dokumente zur Musikgeschichte, Bd. 2, M., 1934; Kuznetsov K. A., Musikalische und historische Porträts, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Geschichte der westeuropäischen Musik bis 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Allgemeine Musikgeschichte, Teil eins, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Westeuropäische Oper. Ende des 18. – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Essays, M., 1962; Geschichte der europäischen Kunstgeschichte: von der Antike bis zum Ende des 18. Jahrhunderts, M., 1963; Geschichte der europäischen Kunstgeschichte. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts, M., 1965.

Italien hat der Welt einen kulturellen Flickenteppich beschert unübertroffene Meister im Bereich der Kunst. Aber die italienischen genialen Schöpfer selbst wurden von der Volkskultur beeinflusst, darunter. melodische italienische Lieder. Fast alle von ihnen haben Autoren, was jedoch nicht verhindert, dass sie als Folk bezeichnet werden.

Dies liegt wahrscheinlich an der natürlichen Liebe der Italiener zum Musizieren. Diese Aussage gilt für alle Regionen Italiens vom südlichen Neapel bis zum nördlichen Venedig, was durch die vielen Liederfestivals im ganzen Land bestätigt wird. Das italienische Lied ist auf der ganzen Welt bekannt und beliebt: Unsere Eltern erinnern sich noch an „Bella Ciao“ ​​und „On the Road“ – italienische Volkslieder, gesungen von Muslim Magomayev, der als bester Liederkünstler dieses Landes gilt.

Italienische Volkslieder seit jeher

Wenn sich die italienische Sprache im 10. Jahrhundert entwickelte, führen Forscher das Aufkommen italienischer Volkslieder auf den Beginn des 13. Jahrhunderts zurück. Dabei handelte es sich um Lieder, die in den Ferien von reisenden Jongleuren und Minnesängern auf Stadtplätzen gesungen wurden. Die Themen waren Liebes- oder Familiengeschichten. Ihr Stil war etwas rau, was für das Mittelalter ganz natürlich ist.

Das berühmteste Lied, das uns überliefert ist, heißt „Contrasto“ („Liebesargument“) des Sizilianers Ciullo d’Alcamo. Es handelt von einem Dialog zwischen einem Mädchen und einem in sie verliebten Jungen. Darüber hinaus sind ähnliche Dialoglieder bekannt: „Der Streit zwischen Seele und Körper“, „Der Streit zwischen der Brünetten und der Blondine“, „Der Streit zwischen den Frivolen und den Weisen“, „Der Streit zwischen Winter und Sommer“ .

Während der Renaissance verbreitete sich unter den Einwohnern Italiens die Mode, zu Hause Musik zu machen. Gewöhnliche Stadtbewohner versammelten sich in Kreisen von Musikliebhabern, wo sie verschiedene Instrumente spielten und Worte und Melodien komponierten. Seitdem haben sich die Lieder in allen Bevölkerungsschichten verbreitet und sind überall in Italien zu hören.

Musikinstrumente und italienische Volkslieder

Wenn man über Folklore spricht, kann man nicht umhin, die Instrumente zu erwähnen, mit denen sie aufgeführt wurden. Hier sind einige davon:

• Eine Geige, die ihr modernes Aussehen im 15. Jahrhundert erhielt. Dieses Instrument volkstümlichen Ursprungs ist bei Italienern sehr beliebt.
• Die Laute und ihre Pyrenäenvariante, die Vihuela. Zupfinstrumente, die sich im 14. Jahrhundert in ganz Italien verbreiteten.
• Tambourin. Eine Art Tamburin, die aus der Provence nach Italien kam. Der Tänzer begleitete sich selbst bei der Aufführung der Tarantella.
• Flöte. Im 11. Jahrhundert verbreitete es sich. Wird vom Künstler sehr oft zusammen mit einem Tamburin verwendet.
• Die Drehorgel ist ein mechanisches Blasinstrument, das im 17. Jahrhundert in Italien populär wurde. Sie war besonders bei reisenden Musikern beliebt, erinnern Sie sich an Papa Carlo.

Italienisches Volkslied „Santa Lucia“ – die Geburtsstunde der neapolitanischen Musik

Neapel ist die Hauptstadt der Region Kampanien, die berühmteste Stadt Süditaliens und Heimat des atemberaubend lyrischen neapolitanischen Volksliedes, der wunderschönen „Santa Lucia“.

Ihre außergewöhnliche Schönheit der Natur, das milde Klima und die günstige Lage am Ufer der gleichnamigen Bucht machten diese Stadt und ihre Umgebung für zahlreiche Eroberer und einfache Siedler äußerst attraktiv. Seit mehr als 2.500 Jahren hat diese Stadt viele Kulturen, die sie geprägt haben, angenommen und neu interpretiert Musikalische Traditionen Region.

Als Geburtsstunde des neapolitanischen Volksliedes gilt der Beginn des 13. Jahrhunderts, als das Lied „The Sun is Rising“ sehr beliebt war. Dies ist der Beginn der italienischen Renaissance. Die Zeit der rasanten Entwicklung italienischer Städte und des Beginns des Ausstiegs menschliches Bewusstsein aus dem dunklen Zeitalter. Zu dieser Zeit hörten die Menschen auf, Tänze und Lieder als Sünde zu betrachten, und begannen, sich das Leben zu gönnen.

Im XIV.-XV. Jahrhundert. Unter den Menschen waren humorvolle Reime beliebt, die zum Thema des Tages verfasst wurden. In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entstanden in Neapel die Villanelle (italienisches Dorflied), mehrstimmig vorgetragene Reime zur Lautenbegleitung.

Die Blütezeit des neapolitanischen Volksliedes, wie wir es kennen, reicht jedoch bis ins 19. Jahrhundert zurück. In dieser Zeit wurde das berühmteste italienische Lied „Santa Lucia“ von Teodoro Cottrau veröffentlicht. Es ist im Genre der Barcarole geschrieben (vom Wort barka), was „Lied des Bootsführers“ oder „Lied auf dem Wasser“ bedeutet. Das Lied wurde im neapolitanischen Dialekt gesungen und war der Schönheit der Küstenstadt Santa Lucia gewidmet. Dies ist das erste neapolitanische Werk, das aus einem Dialekt ins Italienische übersetzt wurde. Es wurde von Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti und vielen anderen weltberühmten Künstlern aufgeführt.

Original neapolitanischer Text

Comme se fr?cceca la luna chiena…
Lo mare ride, ll'aria? Serena...
Vuje che facite ‘mmiez’a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t?nna ? posta pe' f? Na Preis...
e quanno stace la panza chiena, non c’? la ménema melanconia!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P?zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia!…

Klassischer italienischer Text (Enrico Cossovich, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
Placida? l'onda, prospero? Der Wind.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Mit diesem Zeffiro, denn? soave, Oh, com’? Bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? Serena,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Stute s? placida, vento s? Caro,
Scordar fa i triboli almarinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere voll il creato,
Du seist der Kaiser der Armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Du seist der Kaiser der Armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


Oder che tardate? Bella? la sera.
Spira eine auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Russischer Text

Das Meer atmet ein wenig
In schläfrigem Frieden,
Das Flüstern der Brandung ist schon von weitem zu hören.
Große Sterne leuchten am Himmel, Santa Lucia, Santa Lucia!
Oh, was für ein Abend – Sterne und Meer!
Von den Ausläufern weht ein sanfter Wind.

Er weckt goldene Träume,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Ein Boot wie ein Schwan
Schwebt in die Ferne
Sterne am Himmel
Strahlend hell.

Wundervolles Lied
Ich höre in der Nacht
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Abend über dem Meer
Voller Mattigkeit
Leise wiederholen wir
Das Lied kommt mir bekannt vor.

Oh mein Neapel
Verwandte gaben
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Mondlicht
Das Meer glänzt.

Rückenwind
Das Segel bläst.
Mein Boot ist leicht
Die Ruder sind groß...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Hinter den Vorhängen
Abgeschiedene Boote
Kann vermieden werden
Unbescheidene Blicke.
Wie man eingesperrt wird
Nachts so?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Mein wunderbares Neapel,
Oh, schönes Land,
Wo er lächelt
Das Himmelsgewölbe ist für uns.

Genüsse für die Seele
Es strömt unheimlich...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Wir sind leichte Marshmallows
Lasst uns in die Ferne stürmen
Und lasst uns wie eine Möwe über dem Wasser schweben.

Ach, verlier es nicht
Goldene Uhr...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Das Meer ist ruhig
Jeder bewundert
Und wehe den Matrosen
Sie vergessen es sofort
Sie singen einfach
Die Lieder sind schneidig.

Santa Lucia,
Santa Lucia
Worauf warten Sie noch?
Ruhig am Meer.
Der Mond scheint
In der blauen Weite
Mein Boot ist leicht
Die Ruder sind groß...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Hören Sie sich das italienische Volkslied Santa Lucia von Anastasia Kozhukhova an:

Darüber hinaus ist in unserem Land auch ein anderes neapolitanisches Lied bekannt: „Dicitencello vuie“, besser bekannt als „Erzähl den Mädchen deiner Freundin“. Das Lied wurde 1930 vom Komponisten Rodolfo Falvo mit Texten von Enzo Fusco geschrieben. Die russischsprachige Version wurde von den meisten einheimischen Künstlern aufgeführt, von Sergei Lemeshev bis Valery Leontyev. Neben Russisch wurde dieses Lied in viele andere Sprachen übersetzt.

Neapolitanische Lieder sind auf der ganzen Welt beispiellos bekannt und beliebt. Dies wird durch einen Vorfall bei den Olympischen Spielen in Antwerpen im Jahr 1920 belegt. Bei der Preisverleihung für das italienische Team stellte sich heraus, dass das belgische Orchester nicht über die Noten der italienischen Hymne verfügte. Und dann brach das Orchester aus: „O my sun“ („O sole mio“). Schon beim ersten Erklingen der Melodie begann das im Stadion anwesende Publikum den Text des Liedes mitzusingen.

Wenn man über die Gesangstraditionen von Neapel und seiner Umgebung spricht, darf man nicht umhin, das Piedigrotta-Festival zu erwähnen, das jährlich Anfang September stattfindet. Piedigrotta ist eine Grotte in der Nähe von Neapel, die einst als heidnisches Heiligtum diente. Um diesen Ort zu weihen, wurde im Jahr 1200 hier die Marienkirche errichtet, die als Piedigrotta bekannt wurde, was „am Fuße der Grotte“ bedeutet.

Im Laufe der Zeit verwandelten sich die religiöse Verehrung der Jungfrau Maria und die Feierlichkeiten zu ihren Ehren in ein Gesangswettbewerb-Festival. Während dieses Musikfestivals das Beste Volksdichter und Sänger von Neapel. Manchmal kommt es vor, dass zwei Lieder die gleiche Punktzahl erzielen. Und dann spaltet sich das Publikum in zwei Lager, von denen jedes bereit ist, seine Lieblingsmelodie mit den Fäusten zu verteidigen. Wenn beide Lieder wirklich gut sind, gewinnt die Freundschaft und die ganze Stadt summt diese Lieblingslieder.

Italienisches Volkslied „Happy“

Das Werk bezieht sich auf Liebestexte, aber die Worte des Textes unterstreichen den Verrat und die Frivolität der Jugend. Die Erzählung wird aus der Perspektive eines Mädchens erzählt, das sich scheinbar an ihren Freund wendet und fragt: Weiß er, was sich hinter den koketten Blicken der Schönheiten auf den Bällen verbirgt? Das Mädchen selbst ist noch in niemanden verliebt und hält sich daher für die glücklichste und „bezauberndere als alle Königinnen“. Eine junge Italienerin geht zwischen Gänseblümchen und Veilchen spazieren, lauscht dem Zwitschern der Vögel und singt ihnen vor, wie glücklich sie ist und dass sie für immer nur sie lieben möchte.

Es wurde wahrlich genau festgestellt, dass man Zeit hat, das Leben, die Natur und jeden, der einen umgibt, zu genießen, solange die Liebe zu einer anderen Person nicht zu einer schmerzhaften Bindung wird. Wo kann man das alles bemerken, wenn man vor Eifersucht und Angst brennt?

Hören Sie das italienische Volkslied „Happy“ auf Russisch, gesungen von Anastasia Teplyakova:

Humor in italienischen Volksliedern: Wir singen über „Pasta“

Leicht und lustig Italienischer Charakter trug zur weiten Verbreitung humorvoller Lieder bei. Unter diesen Werken ist das Lied „Pasta“ zu erwähnen, das diesem wahrhaft italienischen Gericht gewidmet ist. Mit dem Singen dieses Liedes verdienten Waisen und Kinder aus armen Familien ihren Lebensunterhalt, indem sie Passanten um Almosen bettelten. Abhängig vom Geschlecht des Interpreten gibt es männliche und weibliche Versionen des Textes. Das Lied ist im Tarantella-Rhythmus angelegt.

Tarantella ist ein Volkstanz, der seit dem 15. Jahrhundert aufgeführt wird. In der Regel liegt der Tarantella ein sich rhythmisch wiederholendes Motiv zugrunde. Interessanterweise galt das Tanzen zu dieser Melodie als Heilmittel für Menschen, die von einer Vogelspinne gebissen wurden. Seit jeher ziehen Musiker durch die Straßen Italiens und spielen diese Melodie vor allem für diejenigen, die unter „Tarantismus“ leiden.

Pasta (männliche Version) Übersetzung von M. Ulitsky

1. Ich lebe zwischen den Ruinen.
Eher fröhlich als traurig.
Ich lebe zwischen den Ruinen.
Eher fröhlich als traurig.

Für Pasta würde ich gerne einen Tisch, ein Bett und ein Haus mit Balkon geben.

2. Dieses leckere Gericht ist ein guter Freund des einfachen Volkes.
Dieses schmackhafte Gericht ist ein guter Freund des einfachen Volkes.

Aber auch wichtige Leute essen Nudeln mit Soße.

3. Möchten Sie wissen, wie der sterbende rote Clown überlebt hat?
Möchten Sie wissen, wie der sterbende rote Clown überlebt hat?

Shutovskaya nahm seine Krone ab und tauschte sie gegen Nudeln ein.

4. Unsere Tarantella ist gesungen, mit wem soll ich zum Abendessen gehen?
Unsere Tarantella wird gesungen, mit wem soll ich zum Abendessen gehen?

Ich schreie einfach: „Pasta!“ - Gefährten werden sofort angezeigt.

Pasta (weibliche Version)

Ich bin schwärzer als eine Olive
Ich wandere allein und obdachlos umher
Und zum Klang eines Tamburins
Ich bin bereit, den ganzen Tag zu tanzen
Ich werde die Tarantella für dich tanzen,
Seien Sie einfach unterstützend
Gib mir einen Sold und ich kaufe ihn
Nudeln, Nudeln.

Mein Freund Pulcinello
Er wurde durch einen Pfeil im Herzen verletzt,
Nur wollte ich nicht Pulcinellos Frau werden.
Er hätte sich fast selbst erschossen
Ich wäre fast vom Balkon gestürzt
Aber ich wurde von der Leidenschaft geheilt,
Ich schlucke einfach die Nudeln herunter.

Ich habe meinen Bruder für eine Wanderung versammelt,
Seine Geliebte hat ihn zurückgelassen,
Wie kann ich die Soldaten herstellen?
Waren alle unverletzt?
Damit die Waffen nicht schießen,
Sie müssen alle Patronen herausnehmen,
Anstelle von Kugeln sollen sie herausfliegen
Nudeln, Nudeln.

Wenn du ein bisschen traurig bist,
Wenn Krankheit dich bedrückt,
Oder manchmal ist mein Magen leer,
Pasta ist gut für Sie!
Auf Wiedersehen, Senoritas,
Gute Reise, Signori Donna,
Du musst sehr satt sein
Und es gibt Pasta, die auf mich wartet!

Maccheroni

1.Ich bin arm, ohne zu Hause und ohne zu schlafen.
Ich bin ohne Haus und ohne Wohnung verarmt.

Verkaufe meine Lieder mit einem einzigen Stück Maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo spendete Wühlmaus als Zeuge des Zeugnisses.

Kaufen Sie mit den Padroni ein großes Stück Maccheroni.

3. Ho veduto un buon tenente che cambiava col Sergente.
Ich dachte an ein gutes Tenente, das Sergente veränderte.

Le spalline pe’galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
***

Hören Sie das italienische Volkslied „Pasta“ auf Russisch, gesungen von Anna Zhikhalenko:

Venezianische Lieder auf dem Wasser

Neben dem südlichen Neapel gibt es auch in der nördlichen Perle Italiens, Venedig, großartige und erstaunliche Gesangstraditionen. Die Rede ist zunächst von den Liedern der Gondolieri. Diese Liebesmotive gehören zum Genre der Barkarolen. Sie sind sehr melodisch und gemächlich.

Die kräftige und schöne Stimme des Gondolieres scheint die langsamen Ruderschläge auf dem Wasser widerzuspiegeln. Seltsam, aber bis zum 18. Jahrhundert erfuhr die Barkarole von professionellen Musikern nicht die gebührende Aufmerksamkeit. Im nächsten Jahrhundert wurde dieses Versäumnis jedoch mehr als wettgemacht. Tschaikowsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka – das sind nur einige davon musikalische Genies, die vom venezianischen Volkslied fasziniert waren und dessen Motive in ihre unsterblichen Werke einbezog.

Leider hat die Moderne einen negativen Einfluss auf die venezianischen Traditionen, einschließlich der Barkarole. Beispielsweise singen Gondolieri auf Wunsch von Touristen oft das neapolitanische Lied „O Sole Mio“, obwohl der Gondolieri-Verband gegen seine Aufführung ist, da es nicht venezianisch ist.

Lied der italienischen Partisanen „Bella Ciao“

Auch das berühmte Partisanenlied „Bella Ciao“ („Lebe wohl, Schönheit“) erfreut sich großer Beliebtheit. Es wurde während des Zweiten Weltkriegs von Mitgliedern des Widerstands gesungen. Allerdings war es nicht in ganz Italien verbreitet, sondern nur im Norden des Landes, im Apennin.

Es wird angenommen, dass der Text von einem Sanitäter oder Arzt geschrieben wurde. Und die Melodie ist eindeutig dem alten Kinderlied „Sleeping Potion“ entnommen. Obwohl, laut Luciano Granozzi, Professor moderne Geschichte An der Universität von Catania wurde „Bella Ciao“ bis 1945 nur von bestimmten Partisanengruppen in der Umgebung von Bologna aufgeführt.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: „Oi bella, mi vieni aprir.“
Mit einem Mann im April?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte
la suoi mamma la l'ha sent?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
Was ist die Welt mit dir?
Lascia pure che
Die Welt sagte: „I voglio amare chi mi ama me.“
Io voglio amare quel giovanotto ch’l’ha
Fatt sett'anni di prigion per me.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
l'? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella Ciao (eine der Optionen)

Heute Morgen wurde ich aufgewacht

Heute Morgen wurde ich aufgewacht
Und ich habe den Feind durch das Fenster gesehen!
Oh, Partisanen, nehmt mich mit
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Oh, Partisanen, nimm mich,
Ich fühle, dass mein Tod nahe ist!
Wenn ich dazu bestimmt bin, im Kampf zu sterben
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Wenn es mir bestimmt ist, im Kampf zu sterben, begrabe mich.
Begrabe dich hoch in den Bergen
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Begrabe dich hoch in den Bergen
Im Schatten einer roten Blume!

Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ein Passant kommt vorbei und sieht die Blume
„Wunderschön“, wird er sagen, „Blume!“
Das wird die Erinnerung an den Partisanen sein
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Das wird die Erinnerung an den Partisanen sein
Was für eine Freiheit, mutig zu fallen!
***

Hören Sie das Lied der italienischen Partisanen „Bella, Ciao“, vorgetragen vom Pjatnizki-Chor:

Jedermanns beliebtestes Partisanenlied war „Fischia il vento“ („Der Wind weht“), es hatte einen ausgeprägten kommunistischen Charakter. Daher begann die italienische Regierung nach Kriegsende aus ideologischen Gründen, das Lied „Bella Ciao“ zu fördern. Dafür müssen wir ihm nur danken. Auf jeden Fall erlangte das Lied Ende der vierziger Jahre weltweite Berühmtheit, nach dem 1. Internationalen Festival der Jugend und Studenten, das im Sommer 1947 in Prag stattfand. Danach wurde es viele Male von berühmten und weniger berühmten Sängern auf der ganzen Welt gecovert.

Das Thema italienische Volksmusik ist so umfangreich, dass es unmöglich ist, es in einem Artikel zu vermitteln. Dies liegt daran, dass sich die gesamte Geschichte Italiens in Volksliedern widerspiegelt. Unglaublich melodische Sprache, luxuriöse Natur und turbulente Geschichte Die Entwicklung des Landes bescherte der Welt ein kulturelles Phänomen wie das italienische Volkslied.

← ←Möchten Sie, dass sich Ihre Freunde dafür bedanken, dass Sie interessantes und wertvolles Material mit ihnen geteilt haben?
Dann klicken Sie gleich jetzt auf einen der Social-Media-Buttons links!