Der Begriff „Vielfalt“ ist fest in unserem Bewusstsein verankert. Was ist das? Viele Menschen assoziieren diesen Begriff mit Popmusik, obwohl diese Begriffe in Wirklichkeit nicht verwechselt werden sollten. Popmusik ist einer der Bestandteile, und das Konzept selbst umfasst eine ganze Reihe von Genres.

Estrada: Was ist das im Allgemeinen?

Wenn man einigen Quellen folgt, ist die Definition des Pop-Konzepts im Allgemeinen sehr einfach. Dieselbe Wikipedia behauptet beispielsweise, dass Popmusik eine Art Bühnenkunst sei, hauptsächlich ein Unterhaltungsgenre, obwohl dieser Begriff tatsächlich viel weiter gefasst ist. Und deshalb.

Eine erweiterte Interpretation erklärt, dass die Bühne eine Art Erhebung des Darstellers ist, wenn er auf die Bühne geht und eine kurze Nummer mit völlig unterschiedlichen Regien und begleitet von einem Moderator (Vorstellung des Künstlers auf der Bühne) aufführt. Heutzutage umfasst Popmusik mehrere Hauptgenres:

• Lied;
• Tanz (Choreographie);
• Zirkuskunst;
• Illusion;
• Clownerie;
• Konversationsgenre;
• Parodie;
• Pantomime usw.

Wie Sie sehen, ist der Begriff Pop recht weit gefasst. Nach unserem Verständnis ist die Bühne jedoch aus irgendeinem Grund mit Musik verbunden. So sollte es nicht sein.

Natürlich nimmt das Lied schon immer einen der wichtigsten Plätze im Leben eines Menschen ein. Zu dieser Sowjetzeit, als das Konzept der Popmusik entstand, gab es auch viele Pioniere. Dies sind schließlich Muslim Magomayev, Eduard Khil, Edita Piekha, Lev Leshchenko, Joseph Kobzon und Alla Pugacheva. Sie alle sind Popstars ihrer Zeit.

Natürlich darf man den Zirkus nicht ignorieren. Welch bemerkenswerte Spuren in der Geschichte der Pop- und Zirkuskunst haben Stars wie Oleg Popov und Yuri Nikulin hinterlassen, die mehr als eine Generation in der Arena zum Lachen gebracht haben!

Zu dieser Zeit dominierte das Konversationsgenre, ganz zu schweigen von einem Meister wie Arkady Raikin. Erst später erschienen Petrosyan, Zadornov, Zhvanetsky und viele andere. Was können wir über das Obraztsov-Theater sagen?

Spezieller Ort besetzt von den damaligen Was sind nur „Pesnyary“, „Syabry“, „Verasy“, „Flame“ usw. Die gleichen „Earthlings“ sind auch Popmusik, obwohl sie aus irgendeinem Grund als Rockbands eingestuft werden.

Ausländische Bühne

Auch im Ausland blieb die Pop-Art nicht unbemerkt, sondern wurde dem Geldverdienen (Showbusiness) untergeordnet.

Für unsere damaligen Zuhörer bestand Popmusik aus zwei international beliebten Gruppen – Boney M und ABBA. Manchmal ist auch Eruption in diesem Paar enthalten, aber das ist eine reine Idee von Frank Farian (Gründer von Boney M), der die berühmtesten Hits für die Gruppe geschrieben hat.

Übrigens kann eine so beliebte Sendung wie „The Benny Hill Show“ auch als Standard-Varieté-Genre eingestuft werden, obwohl es sich bei dieser Sendung um eine Fernsehsendung handelt. Und wenn man sich an die Festivals in San Remo erinnert, die einst auf der ganzen Welt sehr beliebt waren, wird einem sofort klar, dass es auf der Bühne nicht nur um Musik oder irgendeine andere Art darstellender Kunst geht, sondern um eine echte Show.

Es ist interessant, dass die Anfänge Pop-Art konnte in Russland mit seinen Possenreißern und im Westen mit Hofnarren gefunden werden.

Übrigens können wir hinzufügen, dass es heute im westlichen Fernsehen viele Parodieprogramme gibt. In Deutschland ist beispielsweise RTL2 in dieser Hinsicht führend. Zirkuskunst Hier gehört der unbestrittene Vorrang der Truppe Du Soleil, in der viele unserer Landsleute und Künstler aus anderen Ländern auftreten und absolut unvorstellbare Nummern und Tricks vorführen, die einfach atemberaubend sind.

Statt einer Summe

Natürlich werden hier nicht alle Aspekte des Pop-Begriffs berücksichtigt, es sollte jedoch klar sein, dass dieser Begriff viele Genres umfasst und es völlig falsch ist, ausschließlich aus der Sicht der Musik darüber zu sprechen. Es gibt hier so viele Richtungen, dass man sich einfach nicht damit auseinandersetzen kann. Und das ist nicht umsonst die Mehrheit Bildungsinstitutionen einst wurden sie Pop-Zirkus-Schulen genannt. Offenbar gibt es dafür einen bestimmten Grund.

Es versteht sich von selbst, dass es nicht möglich sein wird, alle Genres im Detail zu beschreiben (dies würde zu viel Zeit in Anspruch nehmen). Klar ist aber auch, dass Popmusik mehr ist als nur Popkultur. Und die Liste der in diesem Sinne verfügbaren Genres könnte sehr, sehr lange dauern. Andererseits auch das kurzer Ausflug Ein Blick in die Geschichte wird Ihnen helfen zu verstehen, was das Pop-Genre eigentlich ist.

In der russischen Massenkultur hat Popmusik einen wichtigen Platz eingenommen, und die Ereignisse der letzten Jahrzehnte zeigen, dass Popmusik als beliebteste Kunstform eine große Rolle im öffentlichen Leben spielt und immer mehr wird beliebte Mittel Ausdruck kultureller Bedürfnisse und Wertorientierungen verschiedener Gesellschaftsbereiche. Aufgrund der Tatsache, dass Popmusik eine der sozial reaktionsfähigsten und mobilsten Kunstformen ist, wird die Untersuchung dieses Phänomens dazu beitragen, die spirituellen Prozesse in der Gesellschaft besser zu verstehen.

Zu Beginn des letzten Jahrhunderts gewann das Grammophongeschäft in Russland an Stärke – die Zahl der Fabriken und Fabriken, die Schallplatten produzierten, wuchs, ihre Qualität verbesserte sich und das Repertoire erweiterte sich. Im Wesentlichen entstand eine neue Industrie, anders als alle anderen bekannten Industrien. Es verknüpft Probleme technischer und gestalterischer, wirtschaftlicher und rechtlicher Natur eng miteinander. An der von Grammophonhändlern organisierten Schallplattenaufnahme beteiligten sich Komponisten, Dichter, Sänger, Orchester und Chöre, Coupletisten und Geschichtenerzähler. Die Atmosphäre der Studios erinnerte an die Backstage eines Theaters mit allen theatralischen Attributen. Berühmte Sänger- stolz und unnahbar, selbstbewusst Preis, Verträge wurden mit der Höflichkeit angeboten, die für jeden Hersteller-Unternehmer charakteristisch ist, in der Erwartung, Erfolg beim Publikum und eine gute Sammlung zu haben. Stars zweiter Größenordnung und halb verhungerte Tourneekünstler wurden unterschiedlich begrüßt. Leidenschaften kochten um das Horn und es wurden Intrigen gesponnen – das war die Kehrseite des Grammophongeschäfts.
Das Sammeln von Schallplatten kam in Mode: In den Häusern wohlhabender Bürger gab es Schallplattenbibliotheken mit hundert oder mehr Räumen.

Der gebräuchlichste Begriff, der lange vor dem Begriff der Popmusik auftauchte, war „Varieté“, allerdings nicht als Name einer Konzertinstitution, sondern als Bezeichnung einer ganzen Spielart der Kunst. Wenn wir uns der Entstehungsgeschichte des Konzepts der „Varieté-Show“ zuwenden, dann liegen seine Ursprünge in den Unterhaltungsprogrammen, die Ende des 18. Jahrhunderts in Cafés und Restaurants in den Industriegebieten Englands aufgeführt wurden. Das aus dem Französischen übersetzte Wort „Vielfalt“ selbst bedeutet Vielfalt, Vielfalt. Dieser Begriff begann alle Kunst- und Unterhaltungsformen zu vereinen. Tatsächlich ist es die Vielfalt, die die Auftritte von Künstlern auf Messen, in Varietés, in Konzertcafés, in Kabaretttheatern prägt, obwohl dies, wie sich aus weiterer Analyse herausstellen lässt, keineswegs das Wesentliche und Besondere an ihnen ist diesem Bereich der Kunst.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden in Russland alle Arten von Kleintheatern eröffnet, und vor diesem Hintergrund begann sich ein anderes Konzept zu etablieren – die Varietébühne, die unterhaltsame Konzertaufführungen im Freien bezeichnete. Heute als allgemeines Konzept, die alle Arten von Kunst leicht erkennbarer Genres vereint, sollte man den Begriff der „Varietékunst“ (oder kurz Varietékunst) akzeptieren, der seit hundert Jahren in der heimischen Kunstgeschichte verwendet wird.
Bereits im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Der Begriff „Vielfalt“ beginnt in der Presse nicht nur im damals allgemein akzeptierten Sinne zu blitzen – „eine Plattform, eine Erhebung zum Beispiel für Musik“ – sondern auch in erweiterter Form, einschließlich aller, Schauspieler, Schriftsteller, Dichter, die auf dieser „Plattform“ erscheinen. Auf den Seiten der maßgeblichen Zeitschrift „Goldenes Vlies“ für 1908 wurde der Artikel „Estrada“ veröffentlicht. Sein Autor erkannte scharfsinnig die Antinomie, die vor jedem entsteht, der die Bühne betritt:

a) die Bühne ist für die Entwicklung und Erhaltung der Fähigkeiten und für die Ausbildung der Künstlerpersönlichkeit notwendig;

b) Die Bühne ist für beide schädlich.

„Schädlich“ sah der Autor den Wunsch der Schauspieler, um jeden Preis Erfolg zu haben, sich an den Geschmack des Massenpublikums anzupassen und die Kunst in ein Mittel der Bereicherung, eine Quelle des Lebenssegens zu verwandeln. Tatsächlich sind ähnliche Phänomene inhärent moderne Bühne Deshalb führen wir in unserer Arbeit ein Konzept wie „Vielfalt“ ein, das heißt, „für die Öffentlichkeit“ spielen, den Wunsch, die Aufmerksamkeit des Betrachters um jeden Preis zu fesseln, was in Ermangelung von wahrem Talent, Geschmack und Sinn geschieht Verhältnismäßigkeit unter den Darstellern führt häufig dazu, dass der Autor über den oben genannten Artikel gesprochen hat. Es erschienen weitere Artikel, die die Bühne als Phänomen einer neuen urbanen Kultur untersuchten. Tatsächlich schwächt die Stadt in dieser Zeit allmählich die Abhängigkeit des Menschen von natürlichen Bedingungen (hauptsächlich vom Wechsel der Jahreszeiten), was zur Vergessenheit von Kalender- und Ritualfolklore, zu einer Verschiebung des Zeitpunkts der Feiertage, ihrer Desemantisierung und Deritualisierung führt , zu ihrem Übergang zur „zeremoniellen“ Form. ", in den Worten von P.G. Bogatyrev, auf die entscheidende Vorherrschaft verbaler Formen gegenüber nonverbalen. In denselben Jahren (1980-1890) kam es in Russland zur Entstehung der Massenkultur, die wiederum viele der generischen Eigenschaften der traditionellen Folklore reproduziert, die durch die sozialadaptive Bedeutung der Werke gekennzeichnet sind, deren vorherrschende Bedeutung Anonymität und die Dominanz des Stereotyps in ihrer Poetik; sekundäre Handlungsmotivationen in Erzähltexte usw. Allerdings unterscheidet sich die Massenkultur stark von der traditionellen Folklore durch ihre ideologische „Polyzentrizität“, die erhöhte Fähigkeit zur thematischen und ästhetischen Internationalisierung ihrer Produkte und durch ihre „Strom“-Reproduktion in Form von undenkbaren Dingen mündliche Kreativität identische Kopien.
Im Allgemeinen ist die städtische Bühne des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts in Russland durch die Abhängigkeit vom Publikum gekennzeichnet, an das sie sich richtet. Dementsprechend ist das Spektrum der Popformen – vom „Salon“ bis zu den „demokratischsten“ – äußerst breit und unterscheidet sich sowohl in der Art der „Bühne“ als auch in der Art der Interpreten, ganz zu schweigen vom Repertoire. Dennoch können wir daraus schließen, dass der Begriff „Varieté“ zu Beginn des 20. Jahrhunderts noch rein funktional verwendet wurde: als „Varietérepertoire“ oder „ Popgesang„usw., also nicht nur als Definition des Handlungsortes, sondern auch als Element eines musikalisch unterhaltsamen Spektakels.

Aufgrund der nach Oktober entstandenen Notwendigkeit, „Varietés aller Art“ und kleine Privatunternehmen, viele Einzeldarsteller sowie kleine, oft familiäre Gruppen etc. zu verstaatlichen, wurde der Begriff Varieté als Bezeichnung etabliert eine eigene Kunst. Im Laufe der Jahrzehnte wurden in Sowjetrussland und dann in der UdSSR Verwaltungssysteme für diese Kunst entwickelt und verändert, verschiedene Verbände und komplexe mehrstufige Formen unabhängiger Unterordnung geschaffen. In der sowjetischen Ästhetik blieb die Frage der Eigenständigkeit der Pop-Art umstritten. Verschiedene Vorschriften und Unternehmen regelten die Sortenpraxis. Der „Kampf“ mit Satire, russischer und Zigeunerromantik, mit Jazz, Rock, Stepptanz usw. hat die Entwicklungslinie der Bühne künstlich begradigt, die Entwicklung der Genres und das Schicksal einzelner Künstler beeinflusst.

In der Großen Sowjetischen Enzyklopädie von 1934 wurde ein Artikel veröffentlicht, der sich mit der Tatsache befasste, dass Popmusik ein Bereich kleiner Kunstformen ist, die Frage der Genrezusammensetzung der Popmusik jedoch nicht berührte. Daher wurde weniger auf die Ästhetik als vielmehr auf den morphologischen Inhalt geachtet diese Bezeichnung. Diese Formulierungen sind kein Zufall, sie spiegeln das Bild der Durchsuchungen der 30er und 40er Jahre wider, als sich der Spielraum der Bühne nahezu grenzenlos erweiterte. In diesen Jahren, wie E. Gershuni schreibt, „strebte die Popbühne lautstark danach, der „großen“ Kunst gleichgestellt zu werden ...“. Dies ist vor allem auf die Entstehung des Vorläufers in Sowjetrussland zurückzuführen zeitgenössische Kunst PR ist eine soziale Technologie zur Steuerung der Massen. Im Wesentlichen übernahm ein Massenunterhalter (normalerweise ein lokaler Gewerkschaftsaktivist) die ideologische Kontrolle nicht nur über die Feiertage, sondern auch über das Alltagsleben. Natürlich verlief kein einziger Feiertag ohne Popkonzert. Anzumerken ist, dass der Massenunterhalter selbst im Alltag in der Regel einen Sinn für Abwechslung hatte. Schließlich muss er immer im Mittelpunkt stehen, das Publikum unterhalten und amüsieren.

Im Verlauf der Entwicklung der sowjetischen Kunst veränderte sich der Inhalt des Begriffs „Vielfalt“ immer weiter. Es entstand das Konzept der Pop-Art, das als „eine Art von Kunst, die das sogenannte verbindet. kleine Formen der Dramaturgie, Dramatik und Gesangskunst, Musik, Choreografie, Zirkus.“

Die Entwicklung der russischen Tonträgerindustrie begann im Jahr 1901. Tatsächlich handelte es sich nicht nur um eine ausschließlich russische, sondern vielmehr um eine französische Industrie in Russland: Die Firma Pathé Marconi eröffnete ihre Niederlassung in Russland und begann mit der Pressung von Schallplatten. So wie in Europa Enrique Caruso der erste aufgenommene Sänger war, so war es auch in Russland der erste Opernsänger weltberühmt - Fjodor Schaljapin. Und die ersten russischen Schallplatten waren, genau wie in Europa, mit klassischer Musik.

Das musikalische Bild des vorrevolutionären Russlands war ganzheitlich. Akademische Musik Und musikalische Bühne existierten organisch in einem Kulturraum, wo sich Popmusik im allgemeinen Mainstream der Liebestexte (was ihre Vielfalt und Entwicklung widerspiegelt) und der Tanzkultur ihrer Zeit entwickelte. Einen besonderen Platz nahm der Folklore-Teil der Bühne ein – Pjatnizkis Chor und Interpreten Volkslieder- L. Dolina, Epen - Krivopolenova und Prozorovskaya. Nach der Niederlage der ersten Revolution (1905) waren Lieder aus Gefängnis, Zwangsarbeit und Exil beliebt. Im Genre der thematischen Verse und Musikparodien traten Künstler in verschiedenen Rollen auf: „Fracks“ – für das modische Publikum, „Lapotniks“ – für die Bauern, „Künstler des zerlumpten Genres“ – für den städtischen Unterteil. Populäre Tanzrhythmen drangen mit Hilfe von Salon- und Stadtblaskapellen, die sich auf die Aufführung von Tanzmusik spezialisierten, in das Bewusstsein der Menschen ein. In Salons und Studios wurden Tango, Foxtrott, Shimmy und Two-Steps erlernt. Die ersten Auftritte von A. Vertinsky im Genre der musikalischen und poetischen Kurzgeschichten gehen auf das Jahr 1915 zurück.

Die Blütezeit der russischen Bühne fand vor dem Hintergrund des beispiellosen Wachstums des neuen Mediums statt.“ Massenmedien", wie Schallplatten. Zwischen 1900 und 1907 wurden 500.000 Schallplatten verkauft, und die jährliche Auflage der Schallplatten erreichte 20 Millionen. Neben Unterhaltungsmusik gab es auch viele Klassiker (Schaljapin, Caruso).
Mit den Solisten konkurrierten die beliebten Chöre von D. Agrenev-Slavyansky, I. Yukhov und anderen, die Lieder im „russischen Stil“ („Die Sonne geht auf und unter“, „Ukhar der Kaufmann“ usw.) aufführten. Orchester konkurrierten mit russischen Chören, Balalaika-Spieler, Hornisten und Guslar-Spieler.

In den 10er Jahren erlangten die ersten echten Folklorekünstler wie das Ensemble von M. Pyatnitsky Berühmtheit. In Theatern und Kabaretts in St. Petersburg und Moskau treten Künstler mit dem „intimen“ Stil französischer Chansonniers (A. Vertinsky) auf. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts gab es eine klare Unterteilung des Liedes in „Philharmonische“ ( klassische Romantik) und „Variety“ selbst (Zigeunerromanze, alte Romanze, Stimmungslieder). Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verbreiteten sich Massenlieder, die bei politischen Versammlungen und Demonstrationen gesungen wurden. Dieses Lied ist dazu bestimmt, für mehrere Jahrzehnte der führende Typ sowjetischer Popsongs zu werden.

Nach 1917 begann sich die Situation zu ändern. Der ideologische Staat ist ein Phänomen, das noch nicht vollständig erkannt und nicht vollständig untersucht wurde. Die Revolution basierte spirituell auf einer Idee, die gewaltsam in die Gesellschaft eingepflanzt wurde und den Menschen das Wahlrecht entzog und ihnen diese Wahl abnahm. Aber der Mensch ist so konstruiert, dass sein Bewusstsein sich trotz allem dem widersetzt, was ihm aufgezwungen wird, selbst bei den besten Absichten. Der Staat entschied, dass er Klassiker „braucht“, sowjetische Lieder „braucht“ und Folklore „braucht“. Und unbewusst wurden sogar die Meisterwerke der klassischen Musik als Teil der staatlichen ideologischen Maschinerie wahrgenommen, die darauf abzielte, das Individuum zu neutralisieren und das individuelle „Ich“ in das monolithische „Wir“ aufzulösen.

Popmusik ist in unserem Land der am wenigsten ideologische Teil Musikalischer Prozess. Ohne es zu ahnen, wurde sie zum einzigen Ventil für das sowjetische Volk, so etwas wie ein Hauch von Freiheit. Diese Musik ist im Kopf gewöhnlicher Mensch trug nichts Erbauliches, das natürliche Gefühle ansprach, nicht unterdrückte, nicht moralisierte, sondern einfach mit einer Person in seiner Sprache kommunizierte.

1.1 Geschichte der Pop-Art

Das Wort „Bühne“ (von lateinisch strata) bedeutet Bodenbelag, Plattform, Erhebung, Plattform.

Die genaueste Definition von Pop-Art als einer Kunst, die verschiedene Genres vereint, findet sich im Wörterbuch von D.N. Ushakov: „Vielfalt ist die Kunst der kleinen Formen, der Bereich spektakulärer und musikalischer Darbietungen auf offener Bühne. Ihre Besonderheit liegt in ihrer Leichtigkeit.“ Anpassungsfähigkeit an verschiedene Bedingungen öffentlicher Demonstrationen und kurzzeitiger Aktionen in künstlerischen und ausdrucksstarken Mitteln, Kunst, die zur lebendigen Identifikation beiträgt kreative Individualität Darsteller, in der Aktualität, der akuten gesellschaftspolitischen Relevanz der angesprochenen Themen, im Überwiegen von Elementen des Humors, der Satire, des Journalismus.“

Die sowjetische Enzyklopädie definiert Popmusik als aus der französischen Estrade stammend – eine Kunstform, die kleine Formen der Theater- und Gesangskunst, Musik, Choreografie, Zirkus, Pantomime usw. umfasst. In Konzerten gibt es separate vollständige Nummern, die durch einen Entertainer und eine Handlung vereint sind . Wie unabhängige Kunst entstand Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Es gibt auch die folgende Definition der Bühne:

Ein dauerhafter oder temporärer Bühnenbereich für Konzertauftritte eines Künstlers.

Pop-Art hat seine Wurzeln in der fernen Vergangenheit und lässt sich in der Kunst nachweisen Antikes Ägypten Und Antikes Griechenland. Obwohl die Bühne eng mit anderen Künsten wie Musik interagiert, Theater des Dramas, Choreografie, Literatur, Kino, Zirkus, Pantomime, es ist eine eigenständige und spezifische Kunstform. Die Grundlage der Pop-Art ist „Die Nummer Seiner Majestät“ – wie N. Smirnov-Sokolsky sagte 1.

Nummer - kleine Leistung, ein oder mehrere Künstler, mit eigener Handlung, eigenem Höhepunkt und eigenem Ausgang. Die Besonderheit der Aufführung liegt in der direkten Kommunikation des Künstlers mit dem Publikum, im eigenen Namen oder von einer Figur aus.

In der mittelalterlichen Kunst der reisenden Künstler, im Possentheater in Deutschland, im Possenreißer in Russland, im Maskentheater in Italien usw. es erfolgte bereits eine direkte Ansprache des Künstlers an das Publikum, die es dem späteren Künstler ermöglichte, direkter Teilnehmer der Aktion zu werden. Die kurze Dauer der Aufführung (nicht mehr als 15–20 Minuten) erfordert höchste Konzentration der Ausdrucksmittel, Lakonizität und Dynamik. Sortennummern werden nach Merkmalen in vier Gruppen eingeteilt. Die erste Typgruppe umfasst Konversations- (oder Sprach-) Nummern. Dann gibt es musikalische, plastisch-choreografische, gemischte, „originelle“ Nummern.

Die Kunst der Komödie basierte auf dem offenen Kontakt mit der Öffentlichkeit del- arte (Maske) XVI- p.p.XVII Jahrhundert.

Aufführungen wurden in der Regel auf der Grundlage von Standard-Handlungsszenen improvisiert. Musikalischer Klang als Zwischenspiele (Einlagen): Lieder, Tänze, Instrumental- oder Gesangseinlagen – war die direkte Quelle des Varietés.

Im 18. Jahrhundert erschienen sie komische Oper Und Varieté. Vaudevilles waren spannende Darbietungen mit Musik und Witzen. Ihre Haupthelden – gewöhnliche Menschen – besiegten immer dumme und bösartige Aristokraten.

Ein bis Mitte des 19 Jahrhundert ist das Genre geboren Operette(wörtlich: kleine Oper): eine Art Theaterkunst, die Vokal- und Instrumentalmusik, Tanz, Ballett, Elemente der Pop-Art und Dialoge kombiniert. Wie unabhängiges Genre Die Operette erschien 1850 in Frankreich. Der „Vater“ der französischen Operette und der Operette im Allgemeinen war Jacques Offenbach (1819-1880). Später entwickelte sich das Genre in der italienischen „Maskenkomödie“.

Die Bühne ist eng mit dem Alltag, mit Folklore, mit Traditionen verbunden. Darüber hinaus werden sie neu gedacht, modernisiert, „ausgeliefert“. Als unterhaltsamer Zeitvertreib werden verschiedene Formen der Pop-Kreativität genutzt.

Das ist kein Zufall. In England entstanden im 18. Jahrhundert Pubs (öffentliche öffentliche Einrichtungen) und wurden zu den Prototypen von Music Halls (Musikhallen). Kneipen wurden zu Vergnügungsorten breiter demokratischer Bevölkerungsschichten. Im Gegensatz zu aristokratischen Salons, wo sie hauptsächlich klangen klassische Musik, in Kneipen - Lieder und Tänze wurden aufgeführt, begleitet von einem Klavier, Komiker, Pantomimen, Akrobaten traten auf, es wurden Szenen aus populären Aufführungen, bestehend aus Imitationen und Parodien, gezeigt. Etwas später, in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, verbreiteten sich Café-Konzerte, zunächst als literarische und künstlerische Cafés, in denen Dichter, Musiker und Schauspieler ihre Improvisationen aufführten. In verschiedenen Abwandlungen verbreiteten sie sich in ganz Europa und wurden als Kabarett (Zucchini) bekannt. Unterhaltung schließt den Faktor Spiritualität nicht aus; für einen Pop-Künstler ist die bürgerliche Stellung besonders wichtig.

Die einfache Anpassung der Pop-Art an das Publikum birgt die Gefahr, mit dem Publikum zu flirten und dem schlechten Geschmack nachzugeben. Um nicht in den Abgrund von Vulgarität und Vulgarität zu geraten, braucht ein Künstler wahres Talent, Geschmack und Gespür. Der Regisseur gestaltete aus einzelnen Popnummern ein Programm, das zugleich ein starkes Ausdrucksmittel war. Die freie Anordnung kleiner Formen trennte sich von verschiedenen Arten künstlerischen Schaffens und begann unabhängig zu leben, was zur Geburt der farbenfrohen Kunst führte Varieté-Show. Die Kunst des Varietés ist eng mit Theater und Zirkus verbunden, erfordert aber im Gegensatz zum Theater keine organisierte dramatische Aktion. Charakteristisch für eine große Aufführung sind auch die Konventionalität der Handlung und die mangelnde Entwicklung der Handlung (des Hauptdramas). Revue(aus dem Französischen – Rezension). Die einzelnen Teile der Revue sind durch eine gemeinsame darstellerische und gesellschaftliche Idee verbunden. Wie Musical dramatisches Genre Die Revue vereint Elemente aus Kabarett, Ballett und Varieté. Bei der Revuevorstellung dominieren Musik, Gesang und Tanz. Die Varieté-Show hat ihre eigenen Modifikationen:

- Varieté-Show aus einzelnen Nummern

- Varieté-Show

- Tanzkabarett

- Rezension

Im 20. Jahrhundert entwickelte sich die Revue zu einer aufwendigen Unterhaltungsshow. In den USA erschienen verschiedene Revuen, genannt zeigen.

Die musikalische Bühne umfasste verschiedene Genres der Unterhaltungsmusik: Lieder, Auszüge aus Operetten, Musicals, Varietés in verschiedenen Arrangements von Instrumentalwerken. Im 20. Jahrhundert wurde die Bühne durch Jazz und Popmusik bereichert.

Die Pop-Art hat also einen langen Weg zurückgelegt, und heute können wir dieses Genre in einer anderen Form und Aufführung beobachten, was darauf hindeutet, dass seine Entwicklung nicht stillsteht.

Das laienhafte musikalische Schaffen des Autors ist die Schaffung und Aufführung musikalischer Werke des Autors auf Amateurbasis. Gemäß der Tradition, die sich in unserem Land entwickelt hat, wird AMST am häufigsten als Komposition vor allem von Liedern (d. h....) verstanden.

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Kapitel V

„Form ist eine Existenzweise und ein Ausdruck von Inhalten... Die Einheit von Inhalt und Form eines Kunstwerks bedeutet nicht absolute Identität, sondern nur einen gewissen Grad gegenseitige Korrespondenz... Der Grad der Übereinstimmung... hängt von... dem Talent und Können des Künstlers ab.“

Ästhetik. Wörterbuch

Konzert [von lat. Konzert – konkurrieren] – eine öffentliche Aufführung von Künstlern nach einem bestimmten vorab zusammengestellten Programm.

Theaterlexikon

Ohne in diesem Kapitel von der Position abzuweichen, nur das zu untersuchen, was die Kreativität des Regisseurs auf der Bühne direkt betrifft, müssen wir die Besonderheiten der Kreativität jeder einzelnen Form von Varietéprogrammen nicht vollständig offenlegen. Es ist uns wichtig, hier nur aufzuzeigen, was die Arbeit eines Popregisseurs von der eines Theaterregisseurs unterscheidet, wenn er eine Inszenierung aufführt abwechslungsreiches Programm.

In der Regel ist keine der Formen von Varietéprogrammen von Bedeutung Theaterregisseur, da er ihnen bei der Inszenierung eines Theaterstücks praktisch nicht begegnen muss, weil sie (diese Formen) nur zur Pop-Art gehören.

Bevor wir über die eine oder andere Form von Popprogramm sprechen:

Konzert, Aufführung, es ist nützlich, die Bedeutung des Wortes „Konzert“ zu bestimmen (abgesehen von der Tatsache, dass dieses Wort eine bestimmte Bühnenaktion bezeichnet, die aus der Summe der Zahlen besteht, aus denen es besteht).

Das Wort „Konzert“ [lat. Konzert] bedeutet aus dem Lateinischen übersetzt Wettbewerb, Wettbewerb.

Tatsächlich gibt es bei jedem Konzert, auch bei Popkonzerten, eine Art Wettbewerb, einen Wettbewerb zwischen Interpreten und Nummern künstlerische Kreativität: durch Leistungsfähigkeit, durch Erfolg beim Publikum usw. Darüber hinaus findet der Varieté-Auftritt im Konzert (dem Wettbewerb vor Publikum) seinen künstlerischen Abschluss.

Natürlich ist ein Popkonzert, wie jedes Konzert, nicht nur ein mechanisches Bühnenbild, sondern eine Verschmelzung verschiedener Nummerngattungen zu einer einzigen Gesamtaufführung, wodurch ein neues Kunstwerk entsteht, dessen Name lautet Konzert.

Gerade die Schaffung eines Konzerts aus zum Teil in Genre, Charakter und Inhalt unterschiedlichen Nummern ist ein weiterer wichtiger Unterschied zwischen der Arbeit eines Popregisseurs und eines Theaterregisseurs, der sich in der Regel mit einem Werk (Stück) beschäftigt. desselben Genres, mit einer einzigen Handlung und einer einzigen Entwicklung, die sich vom Anfang bis zum Ende der Aufführung entwickelt. End-to-End-Aktion.

Ein Popkonzert ist ein wirkungsvoll dynamisches Spektakel, es ist eine besondere Fantasiewelt, in der das unterhaltsame Prinzip vorherrscht, gekleidet in eine helle, scharfe Form, eine festliche Atmosphäre, die es dem Zuschauer ermöglicht, ihren Inhalt leicht wahrzunehmen.

Natürlich hängt der Erfolg eines Konzerts von vielen Gründen ab: Hier sind die Interpreten und die Qualität ihrer Nummern und ihre Neuheit sowie die Konstruktion der Reihenfolge der Nummern (Komposition) und die Kohärenz der Übergänge von Nummer zu Nummer und sein Genre, seine Typen usw. .

Wenn wir Seite 95 von Band VIII der III. Ausgabe des Bolschoi öffnen Sowjetische Enzyklopädie, dann können wir lesen: „Ein Konzert ist ein öffentlicher Auftritt von Künstlern nach einem bestimmten Programm.“ Konzertarten: Musical (Symphonie, Kammermusik, Klavier, Violine usw.), Literatur (Kunstlesung), Pop (leichte Vokal- und Instrumentalmusik, humorvolle Geschichten, Parodien, Zirkusvorstellungen usw.)“ Fast dasselbe können wir in der „Theater-Enzyklopädie“ lesen: „Konzertarten: Musical (Symphonie, Kammermusik, Klavier, Violine usw.), literarisch (Kunstlesung), gemischt (Musiknummern, künstlerische Lesung). , Szenen aus Theaterstücken, Balletten etc.), Varieté (leichte Vokal- und Instrumentalmusik, humorvolle Geschichten, Parodien, Zirkusdarbietungen etc.)

Ohne die Meinung zweier maßgeblicher Quellen zu bestreiten, stellen wir fest, dass dieser Begriff des Wortes „Konzert“ keinen sehr wichtigen Umstand offenbart. Nämlich, dass alle Arten von Konzerten, je nach Art und Inhalt der darin gespielten Nummern, je nach Art und Weise, wie sie ausgedrückt werden (auch wenn es sich um ein „gemischtes Konzert“ handelt), in zwei Haupttypen unterteilt werden: Philharmonische und Pop. Wir gehen davon aus, dass Philharmonie und Popkonzert funktional und psychologisch voneinander getrennt sind. Trotz der Tatsache, dass beides funktioniert, ohne von der Lösung einiger zu abweichen gemeinsame Aufgaben(ästhetisch, ideologisch, pädagogisch), befriedigen die unterschiedlichen Bedürfnisse des Betrachters (Hörers).

Konzertorte zur Erfüllung des monatlichen Aufführungskontingents.

Von einer Logik bei der Konstruktion eines solchen Konzertes konnte keine Rede sein. Hier musste sich der Entertainer „herausziehen“.

Vielleicht spielte letzterer Umstand in gewissem Maße eine Rolle beim Verschwinden von Gruppenkonzerten von der Bühne: Führende Popkünstler begannen, Solokonzerte oder große Varieté-Auftritte den Gruppen vorzuziehen, da mit der quantitativen Zunahme der Zahl gewöhnlicher Konzerte ihr kreatives Niveau zunahm war überwiegend unter dem Durchschnitt

Ein weiterer wichtiger Grund für das Verschwinden von Gruppenkonzerten in unserer Zeit war das extrem niedrige künstlerische Niveau von Menschen, die sich als professionelle Entertainer betrachteten. Echte Entertainer, die es verstehen, aus vielen verschiedenen Genres einen Varieté-Act zusammenzustellen, sind aus verschiedenen Gründen praktisch verschwunden. Auch das Fernsehen spielte eine wichtige Rolle beim Verschwinden nationaler Konzerte, auf deren Bildschirmen ständig Pop-„Stars“ aufblitzen, insbesondere in verschiedenen Werbevideos. Warum viel (um nicht zu sagen viel Geld) für ein Konzert bezahlen, wenn Ihre Lieblingskünstler auf dem Fernsehbildschirm zu sehen sind?

Eine vom Autor des Werkes durchgeführte Umfrage unter vielen potenziellen Zuschauern zeigt nicht nur, dass ihre Sichtweise mit der Meinung von V. Kalish übereinstimmt, sondern auch, dass die Mode für grandiose Spektakel, egal wie das Showbusiness sie einprägt, vergehen wird Und auf die Bühne kehren Gruppenkonzerte zurück, die der Show ebenbürtig sind, wenn auch in anderer und vor allem spektakulärer Qualität, aber bestehend aus Nummern verschiedener Genres. Dies wird durch die heutige Praxis westlicher Popmusik und eine Reihe vergangener Konzerte im Moskauer Varieté-Theater bestätigt. das heutige Leben regionale und regionale Philharmoniegesellschaften, und sogar die Tatsache, dass sein Held auch bei Solokonzerten Künstler anderer Genres zur Teilnahme einlädt, weil er unbewusst den Wunsch nach einer Vielzahl von Eindrücken verspürt, die für die psychologische Wahrnehmung des Menschen charakteristisch sind.

In den letzten Jahren finden wir auf Plakaten, die für Popkonzerte werben, am häufigsten Namen wie „Varieté“, „Kabarett“, am häufigsten jedoch „Show“. Obwohl jedes dieser Konzerte auf einer Reihe von Nummern verschiedener Genres basiert (wie bei einer Nationalmannschaft), weist jedes von ihnen seine eigenen, eher offensichtlichen Merkmale auf.

Wenn wir ein „Varieté“ als eine besondere Form eines Popkonzerts betrachten, dann verbirgt sich hinter diesem Namen meist eine leichte, unterhaltsame Aufführung, bestehend aus Auftritten von Sängern, Tänzern, Musikern, Parodisten, Akrobaten, Zauberern usw.

Typischerweise ist ein Varieté-Programm ein Kaleidoskop von Nummern, das oft mit minimaler Beteiligung des Entertainers aufgeführt wird, ganz zu schweigen von anderen Konversationsgenres.

Wenn wir über den Unterschied zwischen Varieté und Kabarett sprechen, dann begann die inhaltliche und formale Grenze zwischen ihnen bereits ab Mitte des 20. Jahrhunderts praktisch zu verschwinden. Heutzutage ist es sehr schwierig, den Unterschied zwischen ihnen zu erkennen.

Kabarett [fr. - Zucchini] ist nicht so sehr das an den Tischen sitzende Publikum, sondern der Stil, die Form und der Inhalt des Popkonzerts, der maßgeblich von der Atmosphäre abhängt, in der es stattfindet.

Im Kern besteht ein Kabarettprogramm auch aus einer Reihe verschiedener Aufführungen (Nummern). Diese Programme hatten jedoch eine Reihe wichtiger Funktionen.

Zuerst gingen sie in Tavernen, in Cafés, wo das Publikum, das an Tischen saß, auf die Redner schaute. Zunächst handelte es sich dabei um eine Art künstlerische und literarische Clubs, in denen sich Dichter, Künstler, Schriftsteller und Künstler nach zwölf Uhr abends versammelten. Wer hierher kam, um sich zu entspannen und Spaß zu haben, begab sich in der Regel auf eine kleine Bühne in der Mitte oder an der Seite des Saals, sang Lieder und las Gedichte vor. In gewisser Weise spiegelte das, was in solchen Zucchini geschah, die Prozesse wider, die im künstlerischen Bereich abliefen.

Zweitens war dieses Spektakel abwechslungsreich und hatte improvisatorischen Charakter. Die Künstler versuchten, das Publikum emotional zu berühren. Gelächter, Applaus und Bravo-Rufe waren die übliche Atmosphäre für ein Kabarettprogramm. Im damaligen Kabarett herrschten Aufregung und Konkurrenz, die eine Atmosphäre der Leichtigkeit, Freude und Freiheit der Kreativität und Festlichkeit schufen. Im Kabarett schien die Grenze zwischen Bühne und Zuschauerraum zu verschwimmen.

Drittens, Voraussetzung Kabarettaktivitäten zeichneten sich durch eine intime Atmosphäre aus, die es den Künstlern ermöglichte, engen Kontakt zum Publikum herzustellen. Und obwohl Kabarettprogramme aus verschiedenen humorvollen und lyrischen Liedern, Solotänzen, satirischen Nummern, Parodien usw. bestanden und bestehen. usw., die Hauptrolle spielt dabei der Entertainer, der dafür sorgt, eine vertrauensvolle, intime Atmosphäre zu schaffen, ein lockeres Gespräch zu führen und oft eine sofortige Reaktion hervorzurufen (was bei einem Kabarettprogramm sehr wichtig ist).

Das Volumen der Kabarettprogramme hat deutlich zugenommen und ist zu einer Art Zahlenkaleidoskop geworden, das für das Kabarett charakteristisch ist. Gleichzeitig wurden bei ihrer Lösung die Methoden der Groteske, Exzentrizität, Possenreißer und ironischen Stilisierung eingesetzt. Parodien wurden immer häufiger verwendet, in denen Aufführungen und Ereignisse im Land lächerlich gemacht wurden. dieser Moment auf der Theaterbühne.

In Russland entstanden die ersten Kabaretts gleich zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Unter ihnen waren die bekanntesten: „The Bat“ in Moskau – zunächst ein Kabarett Moskauer Schauspieler Kunsttheater, das später zum N.F. Cabaret Theatre wurde. Balieva, „Crooked Mirror“, „Stray Dog“, „Comedians‘ Halt“ in St. Petersburg und andere. Bald erschienen Kabaretts in Odessa, Kiew, Baku und Charkow. Normalerweise befanden sie sich in Kellern und Halbkellern mit einer kleinen Bühne.

Bereits in den frühen neunziger Jahren des 20. Jahrhunderts verloren viele Kabaretts ihre Gattungsmerkmale: Tische verschwanden, Struktur und Inhalt der Programme veränderten sich.

Kabaretttheater begannen, theatralische Techniken einzusetzen: Vorhänge, Rampen, Bühnendekorationen.

Anzeigen [Englisch] - 1. Spektakel; 2. Show] – eine besonders heutzutage sehr verbreitete Art von Pop-Unterhaltungsshow mit der obligatorischen Teilnahme mindestens eines Pop-„Stars“.

Die Show ist ein helles, emotionsreiches Varietéprogramm ohne festen Handlungsstrang, das auf äußerlich spektakulären, spektakulären Nummern und Attraktionen basiert, die durch unerwartete Übergänge und Verbindungen zu einem Ganzen verbunden sind; basiert auf rasantem Bühnengeschehen und hat einen ähnlichen Charakter wie ein Musiksaal. Mit der gleichen Varieté-Eleganz der choreografischen Nummern, mit der gleichen Farbigkeit und Pracht, mit der atemberaubenden Tempodynamik, die es Ihnen ermöglicht, das Showprogramm mit einer Vielzahl abwechslungsreicher Nummern zu sättigen, allerdings ohne das für ein Varieté-Programm obligatorische ein primitiver, „gepunkteter“ Handlungsstrang. Gleichzeitig schließt das Showprogramm die Kühnheit der Zahlenpräsentation nicht aus. Im Gegenteil: Je vielfältiger die Präsentationsmethoden der im Programm enthaltenen Nummern sind, desto heller ist die Bühnenform der Show.

Es sollte beachtet werden, dass die Show nicht nur eine Genrekategorie ist. Die Form einer Show kann Auftritte eines beliebten Pop-Künstlers, verschiedene Wettbewerbe, Präsentationen, Theaterauktionen usw. umfassen.

Ein Showprogramm ist ein groß angelegtes Spektakel, dessen Szenografie im realen Leben entsteht. Bühnenraum und hängt maßgeblich von den technischen Möglichkeiten der Bühne und ihrer Ausstattung ab. Die Show setzt der Fantasie des Bühnenbildners keine Grenzen. Wichtig ist, dass seine Erfindung technisch machbar ist.

Und obwohl man heute durchaus beobachten kann, wie ein Bühnenbildner als Regisseur agiert, scheint es uns, dass dieses Phänomen auf einen Mangel an echter Pop-Regie zurückzuführen ist. Sie mögen uns widersprechen: Sie sagen, viele Künstler seien später Regisseure geworden. Zum Beispiel Gordon Craig, Nikolai Pavlovich Akimov und andere. In der Tat, ihre kreatives Leben begann mit dem Beruf eines Künstlers. Doch später wurde ihr kreativer Beruf die Regie als Grundlage ihrer Bühnentätigkeit. Vielleicht wird das kreative Schicksal von B. Krasnov, der sich selbst als „Regisseur und Bühnenbildner“ bezeichnet, dasselbe sein.

Natürlich spürt ein Bühnenbildner bis zu einem gewissen Grad wie ein Regisseur das Drama in der Dynamik, in der Bewegung. Das bedeutet aber, dass er damit den Direktor ersetzen kann. Leider sehen wir genau das heute in der Produktion verschiedener Showprogramme. Dadurch wird die Bühnenperformance des Künstlers von der Gestaltung abhängig und nicht umgekehrt, wenn der Künstler den Inhalt seines Programms, seine Performance bestimmt andere Lösung Szenografie. Wir sehen oft, wie die Gestaltung eines Bühnenbildes mit allen modernen Tricks des Spiels mit Licht, Rauch, dem Einsatz von Elektronik und anderen Spezialeffekten für den Künstler nicht funktioniert, sondern zu einem pompösen Hintergrund wird. Wie wir bereits im vorherigen Kapitel sagten, wurde dies beispielsweise in der neuesten Produktion von A.B. deutlich gezeigt. Pugacheva „Weihnachtstreffen“ 1998 (Künstler B. Krasnov).

Rezension [fr. - Pantomime, Rezension] entstand erstmals im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts (1830) in Frankreich als satirische Theatergattung. So war die damals beliebte „Jahresrevue“ ein aktueller Rückblick auf das Pariser Leben. Der Inhalt der Revue bestand schon damals aus wechselnden Nummern verschiedener Genres. Das heißt, die Revue trug im Wesentlichen alle Hauptmerkmale eines Varietéprogramms.

Eine Revue (Rezension) ist eine Form der Varietéaufführung, bei der einzelne Nummern durch eine Handlung verbunden werden, die es ermöglicht, dass sich der Handlungsort im Laufe seiner Entwicklung ständig „verändert“. Beispielsweise wird eine Bühne, manchmal ohne Änderung des Designs (nur unter Verwendung von Details), zu einem unterirdischen Durchgang für einen Akt, zu einer Parkbank für einen anderen, zu einer Stadiontribüne für einen dritten usw. Meistens basiert der Handlungsschritt auf der Notwendigkeit, dass der Held (die Helden) eine „Reise“ macht oder nach jemandem oder etwas „sucht“, oder der Handlungsschritt kann die Veröffentlichung einer Bühnenversion der Zeitung sein, wie in die gleiche Sortenrezension „Evening Moskau“. In einer Revue wird jede Nummer vom Betrachter nicht als isoliertes Werk wahrgenommen, sondern als eine helle Episode, eine helle Handlung darin allgemeine Zusammensetzung Konzert. Mit anderen Worten, eine Revue (Rezension) ist eine Varieté-Show zu einem Thema, das durch die Handlung konzipiert und zum Ausdruck gebracht wird und aus verschiedenen, zu Episoden zusammengefassten Nummern besteht.

Musiksaalprogramm“

Gewöhnlich wird „Music Hall“ auf zwei Arten definiert: Die erste Definition ist eine Art Theater, das Pop-Konzertaufführungen bietet, die zweite – als eine Art Varietéprogramm, eine Aufführung, deren Inhalt auf dem Wechsel verschiedener Nummern, Attraktionen, Demonstrationen virtuoser Spieltechniken, Bühnentricks, zementiert durch eine Handlung („gepunktete“) Bewegungen und Balletttanznummern, in der Regel, Frauengruppe("Mädchen").

Anders als Kabaretts hatten die Varietéprogramme von Anfang an keinen Anspruch auf Aktualität. Bei solchen Programmen stand nicht so sehr die Relevanz im Vordergrund, sondern vielmehr die Helligkeit der äußeren Form und die technische Raffinesse.

Die Bedingungen der Musiksaalprogramme, ihre Sättigung mit verschiedenen Produktionseffekten und Attraktionen veränderten auch die Art des öffentlichen Verhaltens. „Statt Komplize zu sein (wie bei anderen Formen der Unterhaltung), wurde das Publikum im Varieté, wie im Theater, zum Publikum von Zuschauern.“

Das Schicksal der Moskauer Musikhalle war ziemlich schwierig. Entweder wurde es verfolgt und hörte auf zu existieren, dann entstand es wieder. Zu Beginn der zwanziger Jahre verfügte das Theater über keine feste Truppe. Auf dem Programm standen Gastdarsteller, darunter auch ausländische, die fast am Tag der Aufführung eintrafen. Natürlich ist es den Regisseuren selten gelungen, einen einzigen Film zu schaffen, der durch ein gemeinsames Konzept vereint ist.

Doch je bedeutender die Erfolge wurden, desto größer war der Einfallsreichtum und das Können.“

Das Programm des Varietés ist eine einzigartige Inszenierung eines farbenfrohen, manchmal exzentrischen Rezensionsspektakels, bestehend aus bezaubernden Szenen, die sich schnell ablösen, voller Abwechslung und Zirkusattraktionen; Rezensionsspektakel, bei dem erstklassige Nummern und Episoden mit Beteiligung von Pop-„Stars“ durch die sogenannte „Doted Line“-Plot verbunden werden. Einen ganz besonderen Platz im Musiksaalprogramm nehmen die einfallsreich choreografierten Massentanznummern von „Mädchen“ mit perfekter Bewegungssynchronisation ein. Hierbei handelt es sich um ein Programm, an dem ein Poporchester teilnimmt, das sich meist auf der Bühne befindet. Dies sind immer helle, eingängige Kostüme der Darsteller (insbesondere Ballett). Das ist die Brillanz der Farben, das Spiel von Licht und Schatten. Dies ist eine Designtransformation. Beispielsweise verwandeln sich Eisstalaktiten im Verlauf des Programms plötzlich in Blumen; oder fliegt quer durch den Saal auf die Bühne und landet Raumschiff(wie im Pariser Alcazar); oder plötzlich erhebt sich in der Mitte der Bühne ein riesiges Glasbecken, in dem Mädchen in Badeanzügen gemeinsam mit Krokodilen schwimmen und unter Wasser ein sportliches Synchronschwimmen absolvieren („Schloss Friedrichstatt“). Dabei handelt es sich um verschiedene Arten von Bühneneffekten. Hierbei handelt es sich um den Einsatz verschiedenster moderner technischer Gestaltungsmittel.

In der Varietékunst gibt es eine Form der Varietédarbietung wie „Teamminiaturen“.

In unserem Verständnis betont das Wort „Theater“ seine kreativen und organisatorischen Prinzipien, da in diesem Fall das Wort „Theater“ nicht gleichbedeutend mit dem Begriff „Theater“ ist, wenn wir unter diesem Wort einen kreativen Organismus verstehen, dessen Repertoire auf Dramatik basiert oder Ballettaufführungen. Andererseits basieren ihre Programme in Miniaturtheatern auf den gleichen Varieté-Aufführungen und unterscheiden sich von Varietés und Kabaretts nur durch die Größenordnung der Teilnehmerzahl. Was die Aufteilung der Miniaturen von Zuschauern und Darstellern in Theatern (durch die Trennung der Zuschauer von letzteren durch eine Rampe und andere Bühnenelemente) und das Verschwinden von Tischen aus dem Saal betrifft, so kam es auch in späteren Kabaretts zum Auftauchen von Rampen und Tischen.

Miniaturentheater ist nicht nur eine bestimmte Form und ein bestimmter Inhalt, sondern auch ein besonderer Stil und eine besondere Denkweise, eine Lebensweise.

Das erschreckte die Machthaber, die darin (besonders in den 20er und 30er Jahren) eine dem Proletariat fremde bürgerliche Kunst sahen. Eine solche Haltung gegenüber der Kunst der kleinen Formen konnte die Entwicklung der Pop-Art nur bremsen.

Sie konnten es nicht verbieten (aus Gründen, die nicht Gegenstand unserer Studie sind), sondern haben es nur toleriert. Von der Aufschrift „Varieté“ und schon gar nicht von „Kabarett“ auf Plakaten, die Popkonzerte ankündigten, war keine Rede. Wie sich herausstellte, wurde eine für alle akzeptable Lösung gefunden: Die Kunst der kleinen Formen wurde als „Varieté“ bezeichnet, obwohl das Wort „Varieté“ zuvor einen Bühnenbereich, eine Bühnenbühne und kleine Theater bedeutete Form-Theater Miniaturen, die keine feste Personaltruppe hatten und im Wesentlichen eine Mietplattform waren.

Miniatur [fr. Miniatur] – ein Wort, das in der Antike einst nur eine gezeichnete und bemalte Dekoration bedeutete handgeschriebene Bücher(Diese Zeichnungen wurden nach der aus dem Mini hergestellten Farbe benannt), hat und übertragener Sinn: etwas verkleinert. Letzteres bestimmt das Repertoire des Miniaturtheaters. Hier können Sie verschiedene Varieté-Aufführungen sehen: ein kurzes Scherzstück, Varieté, einen Sketch, eine choreografische Miniatur, eine Pantomimeszene und sogar Kino. Das sind, wie man sagt, Werke kleiner Formen.

Weithin bekannt in Nachkriegsjahre erwarb das Moskauer Miniaturtheater unter der Leitung von Wladimir Poljakow, das Saratow-Miniaturtheater (künstlerischer Leiter Lev Gorelik) und natürlich das berühmteste lange Jahre war das Leningrader Miniaturtheater unter künstlerische Leitung einzigartiger Künstler Arkady Raikin.

Aber zusätzlich zu den Arten von Programmen, über die wir sprechen, gibt es in der Pop-Art Formen der Pop-Performance, die sich von den von uns betrachteten unterscheiden. Dies ist eine Varieté-Show, eine Aufführung.

Unter Beibehaltung aller Hauptmerkmale eines Varietéprogramms und vor allem der Präsenz verschiedener Genres darin synthetisieren diese Kunstwerke gewissermaßen die Merkmale theatralischer Aktion. Die Dramaturgie einer Varieté-Show basiert auf einer detaillierten Handlung mit Rollenverkörperung und dem Schicksal der Helden. Sie nutzen in großem Umfang die dem Theater innewohnenden Ausdrucksmittel: Bühnengeschehen, Inszenierung, Bühnenatmosphäre usw.

Es ist kein Zufall, dass wir eine Varieté-Show vom allgemeinen Konzept eines „Varieté-Konzerts“ getrennt haben. Wenn der Begriff „Performance“ nicht erklärt werden muss (vielleicht gibt es kein einziges Werk zur Theaterkunst, in dem dieser Begriff nicht gründlich untersucht wurde), dann gibt es für „Performance“ viele, manchmal widersprüchliche Definitionen. Oft wird vor dem Wort „Performance“ das Wort „theatralisch“ geschrieben oder ausgesprochen, das heißt, sie nennen das Öl im Wesentlichen Öl, da der Begriff „Performance“ selbst mit dem Begriff „Theatralisierung“ identisch ist.

Da dieser Begriff („Theatralisierung“) bis heute unterschiedlich interpretiert wird, halten wir es in dieser Arbeit für notwendig, ihn aus der Sicht von Praktikern zu enthüllen, die mehr als eine Varietéaufführung inszeniert haben, zumal ein Theaterkonzert der Vorläufer eines ist Sortenleistung, nach unserem Verständnis die letzte. Das Konzept der „Theatralisierung“ in Bezug auf ein Konzert bedeutet, dass bei der Inszenierung eines solchen Konzerts zusätzlich zu all den poppigen Ausdrucksmitteln, über die wir bei der Analyse der Merkmale eines kombinierten Konzerts gesprochen haben, das Theaterkonzert auch die für das Theater charakteristischen Ausdrucksmittel verwendet und theatralische Aktion. Nämlich: Bühnenaktion (bekanntlich das wichtigste Ausdrucksmittel des Theaters), Inszenierung (wenn eine solche Kombination von Posen. Bewegungen der Darsteller in die dem Genre des Aktes innewohnende Statik eingeführt wird, die bei der Moment drückt die Essenz des Inhalts der Handlung und der Beziehung zwischen den Darstellern aus), Bühnenatmosphäre (zu ihrer Schaffung werden, wie im Theater, Spielbeleuchtung, Lärm, Hintergrundmusik und andere Elemente verwendet, die eine bestimmte Umgebung schaffen, in der die Handlung der Aufführung entsteht), Kostüm und Design.

Wenn man sich verschiedene Pop-Aufführungen ansieht, kann man leicht feststellen, dass die Handlung einer solchen Aufführung das Publikum nicht nur dazu zwingt, die Entwicklung der Handlung zu verfolgen, sondern auch die Logik der Konstruktion der Aufführung zu verstehen und zu akzeptieren und manchmal die eine oder andere Zahl wahrzunehmen (oder alle Zahlen) in einem unerwarteten Licht.

Eine Varietéaufführung zeichnet sich im Gegensatz zu einem Theaterkonzert durch die Rollenverkörperung des Entertainers (des oder der Moderatoren) aus. Das heißt, er oder sie verfügen über bestimmte Charaktereigenschaften und Merkmale (Beruf, Alter, sozialer Status, Gewohnheiten usw.), aktiv werden schauspielerischer Charakter Darstellungen, weil er (sie) die Bewegung der Handlung verkörpert.

Während der Aufführung einer Aufführung denkt der Regisseur nicht darüber nach, welche „Spielbedingungen“ – theatralisch oder poppig – seine Regieentscheidung für den einen oder anderen Moment der Aufführung bestimmen. Die Synthese dieser „Spielbedingungen“ erfolgt für den Regisseur auf einer unterbewussten Ebene, und zum Zeitpunkt der Proben ist dem Regisseur nicht bewusst, was gerade von der Bühne und was vom Theater kommt. Diese Fähigkeit beruht, wenn auch unbewusst, auf zwei verschiedene Typen darstellende Künste.

Wie wir sehen, hat selbst in einer solchen Aufführung, die scheinbar den Genres der Theaterkunst nahe steht, als Varieté-Aufführung eine Varieté-Aufführung ihre eigenen Besonderheiten, ihre eigenen Techniken der Regiekreativität. Und doch ist die Zukunft der Bühne trotz der Komplexität dieses Varietéprogramms nach unserem durch die moderne Praxis bestätigten Verständnis mit den Handlungsaufführungen verbunden. Wenn mit den Mitteln der Pop-Art eine Performance entsteht, bei der alles – Unterhaltung, Bühneneffekte, Licht- und Farbspiel, Szenografie und vor allem die Auswahl der Nummern – dem Gedanken, der Handlung, dem Konflikt usw. untergeordnet ist am wichtigsten - zum künstlerischen Bild der Aufführung. Es genügt, an einige der neuesten Programme zu erinnern, die auf der Bühne des Rossija-Konzertsaals aufgeführt wurden.

Natürlich ist die Leistung das Beste komplexes Aussehen Varieté-Programm, denn darin, wie der herausragende Regisseur Fjodor Nikolajewitsch Kaverin schrieb: „Es gibt ein bestimmtes Textmaterial mit einer eigenen Handlung, mit einer bestimmten, wenn auch sehr geringen Anzahl von Charakteren und ihren Charakteren und Schicksalen (meist ihrer Komik). Abenteuer) zum unvermeidlichen Mittelpunkt werden. Reine Popnummern werden in einzelnen Momenten in den Spielverlauf eingestreut... Bei der konkreten Entwicklung der Idee einer solchen Aufführung steht der Regisseur vor ganz besonderen Aufgaben, ganz anders als das, was seine Arbeit im Theater allgemein bestimmt . Er muss das Prinzip festlegen, nach dem Zahlen in solche eingegeben werden Spielprogramm, finden und ermitteln Sie die richtigen Mengenverhältnisse im Verhältnis zur Handlung, bestimmen Sie ihren Charakter…. Das besondere Anliegen des Regisseurs bei der Arbeit an einer solchen Aufführung ist die Suche und Definition des Stils der gesamten Aufführung, der Spielweise, die in Kombination mit konventionellen Popstücken... „Außerdem bedarf es eines eigenen inneren Verlaufs und eines klar etablierten Zusammenhangs (egal ob koordiniert oder bewusst kontrastierend) innerhalb der Aufführung.“

Ticketnummer 30. Varietés. Moderne Funktionen und Trends.

Zeigen - Dies ist ein besonders bezauberndes Spektakel, dessen semantische und handlungsbezogene Seite zugunsten einer spektakulären Präsentation von Eindrücken verschwindet (die Handlung ist in den Effekten „verschwommen“). Das Showprogramm sollte auf einem ständigen Wechsel der Eindrücke und einem hellen Spektakel basieren Techniken der Ausdrucksmittel.

Der Begriff Showbusiness taucht seit Mitte der 80er Jahre in der Fachliteratur auf. 20. Jahrhundert und ersetzte das bisherige Konzept der „sowjetischen Bühne“. Der Begriff „Vielfalt“ entstand in der russischen Kunstgeschichte zu Beginn des letzten Jahrhunderts und vereinte alle Arten von Künsten leicht erkennbarer Genres.

Varieté-Kunst zeichnet sich aus durch Offenheit, Lakonismus,

Improvisation, Festlichkeit, Originalität, Unterhaltung. Popmusik entwickelte sich als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung und strebte schon immer nach Originalität und Vielfalt. Das festliche Gefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, malerische Landschaftswechsel, Umgestaltung des Bühnenbereichs usw.

Im Rahmen des Übergangs zu einer offenen demokratischen Gesellschaft hat der Verbraucher die Möglichkeit zu wählen. Trend Moderne Show ist folgendes: Der sich schnell ändernde Geschmack des Publikums erfordert die harte Arbeit von Managern, Künstlern und Produzenten.

Das Produkt kultureller Tätigkeit ist bereits Gegenstand von „Kauf und Verkauf“, d.h. Es entstehen wirtschaftlich gerechtfertigte Beziehungen, und da die Bühne in die Geschäftswelt eintritt, braucht es dafür Fachkräfte, Menschen, die wissen, wie man ein Unternehmen so organisiert, dass es nicht nur dem Künstler, der Gruppe, dem Unternehmen, sondern auch dem Staat Gewinn bringt ( in Form von Steuern). Derzeit entwickelt sich das Showbusiness nach den Gesetzen des Marktes. Sehr wichtig erwirbt Lösungen für Fragen des Personalmanagements, der Nutzung seines Potenzials, die den Erfolg bei der Erreichung des gesetzten Ziels vorgeben.

Also, moderne Show ist ein großartiges Bühnenspektakel mit Beteiligung von Popstars, Zirkus, Sport, Jazzorchester, Eisballett usw. Der Schwerpunkt der Show verlagert sich auf Außeneffekte, die den Inhalt des Geschehens verschönern sollen.

Im Management des Showbusiness kommen viele unterschiedliche Methoden, Ansätze und Techniken zum Einsatz, die darauf abzielen, Voraussetzungen für effektives Arbeiten zu schaffen. Somit können wir die Merkmale der modernen Show hervorheben:

1. Die Anwesenheit eines „Sterns“.

Der Begriff „Star“ entstand im Zeitalter des Kinos, als Filmschauspieler namenlos waren und die Zuschauer die Charaktere, die sie mochten, sowohl mit den Namen der Filme als auch mit ihren äußeren Merkmalen („ein Mann mit traurigen Augen“, „ ein Mädchen mit Locken“ usw.). Zuschauer begannen, Filmproduktionsfirmen anzugreifen und nach dem Nachnamen, Vornamen und verschiedenen biografischen Informationen der Schauspieler zu fragen, die ihnen gefielen. Der Chef der amerikanischen Firma IMP, Carl Laemmle, nutzte als erster die Popularität der Schauspielerin Florence Lawrence, um durch die Verbreitung von Gerüchten über ihren Tod das Publikum ins Kino zu locken. Damit erregte er großes Interesse beim Publikum und machte die Schauspielerin über Nacht zum amerikanischen Filmstar.

Damit war der Grundstein für das „Sternsystem“ gelegt. Andere Filmfirmen folgten dem Beispiel von IMP. Die Zahl der „Sterne“ begann schnell zu wachsen. Sie werden zum Kassenköder sowohl für das Kino als auch Musikindustrie, Theater, Modelshows usw.

Der Kern des Konzepts „Star“ besteht darin, dass der Künstler, den sie mögen, beim Publikum Sympathie hervorruft und sie ihn deshalb sehen wollen, wie er sein wollen. Der Konsument (Zuschauer, Zuhörer) beschränkt sich nicht nur darauf, das Idol zu sehen, er möchte alles über ihn wissen, auch die Details seines Privatlebens. Dieser Aspekt ist bei der Entstehung von „Stars“ von großem Nutzen, da er als Zeichen großer Beliebtheit gilt, was dazu führt, dass die Honorare des „Stars“ steigen. Einen „Star“ für die Teilnahme an einer Show, einer Modelshow, einem Film, einem Musical, einer Theaterproduktion oder einer Albumaufnahme zu gewinnen, ist ein Garant für Nachfrage und ein volles Haus.