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Die Revolution von 1917 begann vollständig neue Bühne in der russischen Malerei, die sich sowohl in der Entwicklung ihrer neuen Formen als auch im Verständnis neuer, bisher beispielloser Ereignisse in Russland ausdrückte.

Man kann mit Sicherheit feststellen, dass die revolutionären Ereignisse dieses für unser Land bahnbrechenden Jahres den Grundstein für eine einzigartige Kulturrevolution legten, die übrigens zu dieser Zeit weltweit keine Entsprechung hatte. Auch der Inhalt dieses Phänomens kann keine eindeutigen Merkmale aufweisen.

MIT Oktoberrevolution Die russische Malerei befand sich in einer Situation, in der:

• Die Idee der Parteilichkeit jeglicher Kunst wurde überall verwirklicht, d.h. das bestehende und teilweise sogar idealisierte Prinzip der Freiheit der Kreativität wurde ausgeschlossen. Letztendlich kam es zu einer aktiven Politisierung des gesamten Kulturraums, insbesondere der Kunst und Literatur.
• Es gab eine aktive „kulturelle Bildung“ aller, auch der Analphabetenschichten der Bürger des ehemaligen Reiches, und ihre Einführung in die nationalen Errungenschaften der Kunst.

Russische Künstler und die Revolution – neue Organisationen, neue Aufgaben

Der Oktober 1917 veränderte die Stellung und Art der Tätigkeit der Handwerker grundlegend radikal künstlerisches Leben und die Art und Weise hat sich bereits entwickelt. Es sei darauf hingewiesen, dass die Revolution in erster Linie junge Künstler zur Arbeit aufrief, was selbstverständlich ist. Allerdings hielten die zahlreichen und vielfältigen Plattformen, die im ersten Impuls entstanden, insgesamt nur fünf Jahre. In den nächsten Jahren. Neue Künstler zeigten sich als mutige Innovatoren, die alles zerstörten und experimentelle Wege abbrachen.

Unter den großen vorrevolutionären Meistern stimmten folgende Vertreter mit der Revolution überein:

• Russischer Impressionismus – K. Yuon, A. Rylov
• — M. Dobuzhinsky, E. Lansere
• — A. Lenturov, P. Konchalovsky, I. Mashkov
• Avangard - ,

Durch den revolutionären Aufschwung entstehen in der russischen Malerei völlig neue Richtungen:

• „Unovis“ als Vertreter des bereits Revolutionären (dauerte 1 Jahr) – darunter M. Chagall, K. Malevich, L. Lisitsky. Aufgabe der Vereinigung sind neue Formen und neue „reine Kunst“ (Entschlüsselung der Abkürzung – „Genehmiger neuer Kunst“)
• Die Künstlergruppe „KNIFE“ – in Aufgaben und Formen stand sie den Ideen des „Karo-Buben“ nahe
• „Proletkult“ – entsteht als Verein nach dem Prinzip der Schöpfung neue Kultur(proletarisch), im Gegensatz zum gesamten Erbe der Klassiker

Unterdessen existierte im künstlerischen Bereich Russlands, der sich mit der Revolution von 1917 veränderte, weiter Kunstgruppen, festhalten traditionelle Formen und die Tiefen des philosophischen Verständnisses sind Assoziationen:

• „Die vier Künste“ – K. Petrov-Vodkin, N. Tyrsa, A. Kravchenko
• „Makovtsa“ – Vater P. Florensky, V. Chekrygin

Revolution – neue Bedeutungen und Genres der Malerei

Der Anführer der revolutionären Ereignisse, W. Lenin, sah in der Malerei wie auch im Kino ein enormes Potenzial für:

• Bildung der Bevölkerung (allgemein), d.h. Beseitigung seines Analphabetismus
• Aufklärung durch Agitation, d.h. künstlerische Propaganda neuer Ideen
• Die Kulturrevolution, so Iljitsch, sei für ein „rückständiges Land“ notwendig

So entstanden in Russland ganze Propaganda- und Massenbewegungen, die Malerei und Kunst verbanden.

Von Künstlern bemalte Dampfschiffe und Züge fuhren durch das Land, mit denen Redner, Theatergruppen, Filmvorführer usw. zu den Menschen fuhren. Außerdem beförderten diese Propagandazüge Zeitungen, Plakate und andere Druckerzeugnisse und stellten im Wesentlichen ein Analogon zu den damaligen Medien dar. In den schwierigen fünf Jahren nach Oktober verfügte Russland über kaum andere Informationsquellen.

Die Wände und Rümpfe solcher Propagandaschiffe und -züge wurden sinnvoll entweder mit Plakatgrafiken oder künstlerischen Tafeln dekoriert, wobei primitive Formen und Techniken zum Einsatz kamen, die auch einem ungebildeten Menschen zugänglich waren.

Ein solches Gemälde wurde sicherlich durch einen Text ergänzt, der den Inhalt erläuterte und den Betrachter zwangsläufig zum Handeln motivierte.

Als mobilstes und informativstes Genre im damals revolutionären Russland wurden Grafiken am beliebtesten, nämlich Zeichnungen (Zeitung oder Zeitschrift) und Plakate.

Die wichtigsten Plakatgattungen, die die Revolution zusammen mit dem neuen Land hervorbrachte, waren:

• Heroischer und politischer Typ (Künstler D.S. Moor, V. Mayakovsky)
• Satirischer Typ (Künstler V.N. Denny, M.M. Cheremnykh)

Die Propaganda- und Informationslast des Plakats wurde in einfachen, aber hellen und umfangreichen Grafiken dargestellt. Die Slogans dafür waren künstlerische Ausdruckskraft und wurden auch nach kurzer Bekanntschaft schnell wahrgenommen und erinnert.

Sowjetische Künstler, die im Plakatgenre arbeiteten, brachten es auf ein hohes technologisches Niveau und verfügten sowohl über einzigartige Manieren als auch über persönliche künstlerische Fähigkeiten.

Tatsächlich tauchte das Plakat als eine Art oder Gattung der Malerei schon früher auf – bereits im 19. Jahrhundert, aber in einem jungen Land, das über die Volksrevolution triumphierte, wurde es wiedergeboren und wurde zu einem völlig eigenständigen künstlerischen Phänomen.

Aufgaben und Funktionen der sowjetischen Plakatkunst

Auch in Weltkrieg Zeitungsgrafiken spielten eine bedeutende Rolle, vergleichbar mit der Wirkung direkter oder psychologischer Waffen, die den Feind zerschmetterten und zum Kampf erhoben.

Auch in der Bauzeit nach dem Krieg erfüllte das Plakat als ideologisches Instrument weiterhin die gleichen Aufgaben. Wie die gesamte Geschichte der UdSSR zeigen wird, wird es kein einziges bedeutendes Ereignis oder Phänomen geben, das außerhalb ihres plakativen Verständnisses bleiben wird.

Somit waren die Hauptfunktionen des sowjetischen Plakats:

Und in diesem Sinne ist es auch ästhetische Bildung.

Allmählich entwickelt sich das Plakat als Ganzes als Genre, das ideologische Aufgaben einwandfrei bewältigt, zur Hauptgattung der Malerei. Die Revolution „sichert“ ihm den Status des echten „ hohe Kunst", also im Land:

• Es finden thematische Posterausstellungen statt
• Diese Werke sind in Museumssammlungen enthalten
• Im Archiv abgelegt
• Schulungskurse werden eröffnet

Zur Ehre der Künstler, die sich mit dieser Kunstform beschäftigt haben, muss man sicherlich hinzufügen, dass trotz aller weltweiten Politisierung des Plakatgenres seine Kunst immer auf einem hohen künstlerischen Niveau verkörpert wurde. Dies ist unter anderem der Grund, warum später zu den oben genannten Aufgaben folgende Aufgaben zu den Funktionen des sowjetischen Plakats hinzugefügt wurden:

• Kommunikation – als Verbindung zwischen Menschen und Regierung
• Bild – als das Bild der Regierung selbst bildend
• Pädagogisch – als Entwicklung moralischer und sozialer Themen

Poster (vom lateinischen „plakatum“ – Zertifikat) – das meiste Massenerscheinung Grafik, die Aufgaben der visuellen politischen Propaganda wahrnimmt oder als Informations-, Werbe- oder Belehrungsmittel dient.

Originalplakate werden von Künstlern mit Blick auf die Druckproduktion erstellt. In einigen Fällen wird das Plakat von der Druckplatte des Autors gedruckt (Linolschnitt, Lithographie).

Streng definierte Funktionen des Plakats bestimmen die Wahl der Bildmittel, Arbeitsweisen und bestimmen die besondere Bildsprache des Plakats und seine Abmessungen. Das in großen Mengen gedruckte Plakat richtet sich an ein möglichst breites Publikum und wird meist auf der Straße und in öffentlichen Gebäuden aufgehängt. Das Plakat soll sehr schnell auf alle gesellschaftspolitisch drängenden Fragen reagieren und zum Handeln aufrufen. Die Plakate ersetzen sich schnell gegenseitig und haben eine relativ eine kurze Zeit, sollte sich durch eine klare und prägnante Sprache auszeichnen. Das Plakat soll schon aus großer Entfernung die Aufmerksamkeit des Betrachters erregen. Für einen Betrachter, der vor einem Plakat stehen bleibt, sollte in kürzester Zeit klar werden, wozu das Plakat aufruft, welchen Zweck es hat; Das Plakat soll sofort wahrgenommen werden. Genau diese Aufgaben bestimmen die relativ großen (für Grafiken) Formate von Plakaten. Im Namen der Kürze, Klarheit und Ausdruckskraft verwendet das Plakat eine besonders scharfe Typisierung der Bilder und verwendet häufig konventionell dekorative Techniken wie Verallgemeinerung des Bildes und Vereinfachung Farbbeziehungen, Ablehnung kleinerer Details, symbolischer Bezeichnungen, Kombination verschiedener Maßstäbe. Der Text, der ein obligatorischer Bestandteil des Posters ist, muss von Anfang an äußerst prägnant und verständlich sein (Ausnahme: Lehr- und Bildungsplakate). Der Text sollte nicht mechanisch mit dem Bild verbunden, sondern organisch darin eingebunden werden. Die Beschaffenheit der Schriftart muss dem Inhalt des Plakats entsprechen und gut lesbar sein. Die Inschrift ist für den Künstler ein Element der Plakatkomposition. Selbstverständlich ist der Künstler angesichts der Erfüllung all dieser Anforderungen bestrebt, die Integrität und Gelassenheit des Plakats innerhalb der Grenzen eines Blattes Papier zu bewahren.

Die Arten von Plakaten sind vielfältig und werden je nach Zweck in mehrere Gruppen eingeteilt.

Politische Plakate sind die wichtigste Plakatart. Er ist es, der eine der wirksamsten Formen politischer Agitation verkörpert visuelle Mittel politische Ziele und Slogans. Das Thema politischer Plakate ist ungewöhnlich breit gefächert: In unseren Verhältnissen sind sie dem Kampf um die Erfüllung der Aufgaben des Aufbaus des Kommunismus, dem Kampf für den Frieden, dem Aufruf zur Stärkung des sozialistischen Lagers und der Entlarvung von Feinden gewidmet. Viele Plakate werden zu Ehren revolutionärer Feiertage, internationaler Ereignisse usw. erstellt. Satireplakate haben große Bedeutung erlangt. Ein satirisches Plakat ist fast immer mit einem literarischen Text verbunden. Die besondere Beliebtheit dieser kämpferischen und ergreifenden Plakate ließ Assoziationen an satirische Plakate entstehen („Windows of Satire ROSTA“, „Windows of TASS“, „Combat Pencil“, „Agitplakat“).

Ein Informations- und Werbeplakat löst das Problem der Information, der Ankündigung verschiedener Kultur- und Bildungsveranstaltungen (Aufführungen, Filme, Vorträge, Ausstellungen usw.) oder die Aufgabe der Werbung – die Verbraucher mit Waren und Dienstleistungen verschiedener Institutionen und Organisationen vertraut zu machen. Ein Werbeplakat in unserem Sinne verfolgt die Aufgabe wahrheitsgetreuer und kultureller Information, Unterstützung bei der Produktauswahl und Kultivierung des Verbrauchergeschmacks. Theater- und Filmplakate haben besondere Qualitäten. Sie erfüllen die Aufgaben von Werbeaufführungen oder Filmen und müssen gleichzeitig den diesem Spektakel innewohnenden Stil und den kreativen Anspruch seiner Urheber widerspiegeln.

Das Bildungs- und Lehrplakat verfolgt die Ziele der Förderung wissenschaftlicher Erkenntnisse, Arbeitsmethoden, verschiedener Regeln (Sicherheitsvorkehrungen, Hygiene und Hygiene, Brandschutz usw.) und hilft auch bei der Lösung pädagogischer Probleme. Ein Lehrplakat enthält im Gegensatz zu anderen Plakatarten eine beträchtliche Textmenge, eine ganze Reihe von Zeichnungen und ist für eine längere Verwendung gedacht. Es dienen Bildungsplakate Sehhilfe im Bildungsprozess.

Das Plakat in seiner bekannten Form ist erst vor relativ kurzer Zeit entstanden – in Ende des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts. Modernes Poster Dem gehen Gravuren und Zeichnungen in großem Format voraus, die von Hand zu Hand verteilt, an Wände geklebt und in Vitrinen und Fenstern ausgestellt werden. IN Deutschland XVI Jahrhunderte lang waren sie als „fliegende Blätter“ bekannt. Solche Propagandabilder wurden in dieser Zeit weit verbreitet bürgerliche Revolutionen XVII - XVIII Jahrhunderte in England, Frankreich und Holland. Eine ähnliche Rolle spielten in Russland großformatige Lubok sowie antinapoleonische Blätter von 1812. Mit der Erfindung neuer Reproduktionsmethoden und der Entwicklung des Buchdrucks nahm die Verbreitung von Propagandablättern zu. Ende des 19. Jahrhunderts erschienen Plakate, die in Zweck und Aussehen modernen Plakaten ähnelten. An der Gestaltung verschiedener Plakate arbeiteten so große Meister wie T. Steinlen, F. Brengwin, A. Toulouse-Lautrec, K. Kollwitz und andere. Unter den modernen ausländischen Plakaten stechen die dem Friedenskampf gewidmeten Werke von A. Bertrand (Mexiko) und G. Erni (Schweiz) hervor. Besonders hervorzuheben sind die wunderbaren Plakate von Künstlern des sozialistischen Polens, die bedeutsam und inhaltlich tiefgreifend sind und in ausgezeichneter Plakatsprache angefertigt wurden (Plakate von T. Trepkowski, T. Gronovsky, A. Bovbelsky, Z. Kaya).

Seit den ersten Tagen der Sowjetmacht erlangte das Plakat in unserem Land weite Verbreitung und Anerkennung als lebenswichtige, operative und zutiefst parteipolitische Kunst. Geben sehr wichtig Als Mittel der politischen Agitation verfolgt unsere Partei aufmerksam ihre Entwicklung und hilft auf jede erdenkliche Weise, ihren ideologischen Inhalt und ihre Fähigkeiten zu verbessern. Ein Beweis dafür sind die Beschlüsse des Zentralkomitees der Partei und gesamtunionische Treffen, die politischen Plakaten gewidmet sind. Während Bürgerkrieg, Erholung nationale Wirtschaft Während der ersten Fünfjahrespläne spielte das Plakat eine bedeutende Rolle und sowjetische Plakatkünstler standen an der Spitze der Kämpfer an der ideologischen Front. Hohe Beispiele für Plakatkunst sind beispielsweise Moors Plakate „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“ und „Hilfe“. A. Deineka, M. Cheremnykh, N. Dolgorukov und andere Künstler haben viel an Plakaten gearbeitet. Die Bedeutung der satirischen Plakate „Windows of Satire ROSTA“ war groß, an deren Entstehung V. Mayakovsky, S. Malyutin, A. Radakov und andere aktiv beteiligt waren. Mobilisierung ihrer Streitkräfte, um den Feind während des Großen Krieges zu besiegen Vaterländischer Krieg Sowjetische Künstler arbeiteten besonders hart und erfolgreich daran, Plakate zu schaffen, die sich durch Leidenschaft und hohen patriotischen Geist auszeichneten. Nach dem Vorbild der „Windows of Satire ROSTA“ entstanden die „Windows of TASS“. Im belagerten Leningrad entstand der Verein „Combat Pencil“. An den Plakaten arbeiteten nicht nur Grafiker, sondern auch viele Maler. Die Plakate von Kukryniksy, Efimov, Golovanov, Kokorekin, Dolgorukov, V. Ivanov, Toidze, Shmarinov, Serebryany werden dem sowjetischen Volk noch lange in Erinnerung bleiben. IN die Nachkriegszeit Es gab Versuche, das Plakat in eine Art Farbfoto mit aufgeklebtem Text zu verwandeln. Lange Zitate wurden in Schriftform auf Plakate gedruckt.

Standardmäßige „wohlhabende“ Volkspläne mit einem „Pflicht“-Lächeln im Gesicht tauchten fast unverändert auf den Plakaten auf und wanderten von Plakat zu Plakat. Nachdem sie diese Fehler erfolgreich überwunden und dem Plakat seine besten Kampfeigenschaften zurückgegeben haben, arbeiten erfahrene Plakatmeister und junge Leute aktiv in verschiedenen Genres dieser Kunst. In Moskau, Leningrad und anderen Städten erfreuen sich satirische Plakate des „Battle Pencil“, des „Agitplakats“ und anderer Vereine großer Beliebtheit. Der Betrachter ist mit den Plakaten vertraut Sowjetische Künstler V. Ivanov, Kukryniksov, N. Denisovsky, M. Gordon, K. Ivanov, V. Govorkov, V. Briskin, M. Mazruho, K. Vladimirov, G. Kovenchuk und andere Künstler.

Die Kultur der sowjetischen und postsowjetischen Zeit ist eine lebendige, groß angelegte Abrundung des russischen Erbes. Die Ereignisse von 1917 wurden zum Wendepunkt in der Entwicklung einer neuen Lebensweise und der Herausbildung einer neuen Denkweise. Die Stimmung der Gesellschaft im 19. – frühen 20. Jahrhundert. führte zur Oktoberrevolution, einem Wendepunkt in der Geschichte des Landes. Nun erwartete sie eine neue Zukunft mit eigenen Idealen und Zielen. Kunst, die gewissermaßen ein Spiegelbild der Epoche ist, wurde auch zu einem Instrument zur Umsetzung der Grundsätze des neuen Regimes. Im Gegensatz zu anderen Typen künstlerische Kreativität Die Malerei, die das menschliche Denken formt und formt, drang auf präziseste und direkteste Weise in das Bewusstsein der Menschen ein. Andererseits Bildende Kunst Es war vor allem der Propagandafunktion untergeordnet und spiegelte die Erfahrungen der Menschen, ihre Träume und vor allem den Zeitgeist wider.

Russische Avantgarde

Die neue Kunst vermied die alten Traditionen nicht vollständig. Die Malerei nahm in den ersten Jahren nach der Revolution die Einflüsse der Futuristen und der Avantgarde im Allgemeinen auf. Die Avantgarde mit ihrer Verachtung für die Traditionen der Vergangenheit, die den zerstörerischen Ideen der Revolution so nahe stand, fand Anhänger in Form junger Künstler. Parallel zu diesen Strömungen in der bildenden Kunst entwickelten sich realistische Strömungen, die durch Lebendigkeit zum Leben erweckt wurden Kritischer Realismus 19. Jahrhundert Diese im Zeitalter des Epochenwechsels reifende Bipolarität machte das Leben des damaligen Künstlers besonders angespannt. Obwohl die beiden Wege, die sich in der postrevolutionären Malerei herauskristallisierten, gegensätzlich waren, können wir dennoch den Einfluss der Avantgarde auf die Arbeit realistischer Künstler beobachten. Der Realismus selbst war in jenen Jahren vielfältig. Werke dieses Stils haben eine symbolische, propagandistische und sogar romantische Ausstrahlung. Die Arbeit von B.M. vermittelt in symbolischer Form absolut treffend den grandiosen Wandel im Leben des Landes. Kustodieva – „Bolschewik“ und voller erbärmlicher Tragödie und unkontrollierbarer Freude: „ Neuer Planet„K.F. Yuona.

Gemälde von P.N. Filonov mit seinem Special kreative Methode- „Analytischer Realismus“ – ist eine Verschmelzung zweier gegensätzlicher künstlerischer Strömungen, die wir am Beispiel eines Zyklus mit dem Propagandanamen und der Bedeutung „Eintritt in den Wohlstand der Welt“ sehen können.

P.N. Filonov-Schiffe aus der Serie Entering into global prosperity. 1919 Tretjakow-Galerie

Die Unbestreitbarkeit universeller menschlicher Werte, unerschütterlich auch in solch unruhigen Zeiten, kommt im Bild der wunderschönen „Petrograder Madonna“ (offizieller Titel „1918 in Petrograd“) von K.S. zum Ausdruck. Petrova-Wodkina.

Eine positive Einstellung gegenüber revolutionären Ereignissen infiziert das Licht und erfüllt die Kreativität des Landschaftsmalers A.A. mit einer sonnigen, luftigen Atmosphäre. Rylowa. Die Landschaft „Sonnenuntergang“, in der der Künstler eine Vorahnung des Feuers der Revolution zum Ausdruck brachte, das aus der wachsenden Flamme des Gerichtsfeuers der vergangenen Ära aufflammen wird, stellt eines der inspirierenden Symbole dieser Zeit dar.

Neben symbolischen Bildern, die den Aufstieg des Volksgeistes organisieren und ihn wie eine Obsession weitertragen, gab es auch eine Tendenz zur realistischen Malerei mit dem Verlangen nach einer konkreten Darstellung der Realität.
Bis heute steckt in den Werken dieser Zeit ein Funke der Rebellion, der sich in jedem von uns ausdrücken kann. Viele Werke, die nicht über solche Eigenschaften verfügten oder ihnen widersprachen, wurden zerstört oder vergessen und werden unseren Augen niemals präsentiert.
Die Avantgarde hinterlässt für immer ihre Spuren in der realistischen Malerei, doch es beginnt eine Zeit intensiver Entwicklung in Richtung Realismus.

Zeit für künstlerische Assoziationen

Die 1920er Jahre sind die Zeit der Erschaffung einer neuen Welt auf den Ruinen des Bürgerkriegs. Für die Kunst ist dies die Zeit, in der volle Macht Verschiedene Kreativvereine starteten ihre Aktivitäten. Ihre Prinzipien wurden teilweise von frühen Künstlergruppen geprägt. Die Vereinigung der Künstler der Revolution (1922 – AHRR, 1928 – AHRR) führte persönlich staatliche Aufträge aus. Unter dem Motto „ heroischer Realismus„Die daran beteiligten Künstler dokumentierten in ihren Werken das Leben und den Alltag des Menschen – die Idee der Revolution – in verschiedenen Genres der Malerei. Die Hauptvertreter der AHRR waren I. I. Brodsky, der die realistischen Einflüsse von I. E. Repin aufnahm , arbeitete im historisch-revolutionären Genre und schuf eine ganze Reihe von Werken mit Darstellungen von V.I. Lenin, E.M. Cheptsov – einem Meister des Alltagsgenres, M.B. Grekov, der Kampfszenen auf eher impressionistische Weise malte Genres, in denen sie die meisten ihrer Werke aufführten, sticht die Leinwand „Lenin in Smolny“ hervor, in der I.I. Brodsky das Bild des Führers in der direktesten und aufrichtigsten Form vermittelte.

Im Film „Meeting of the Membership Cell“ E.I. Cheptsov schildert sehr zuverlässig und ohne Reue die Ereignisse im Leben der Menschen.

M.B. schafft ein großartiges, fröhliches, lautes Bild voller stürmischer Bewegung und Siegesfeier. Grekov in der Komposition „Trompeter der Ersten Kavalleriearmee“.

Die Idee einer neuen Person, eines neuen Bildes einer Person wird durch die Trends ausgedrückt, die im Porträtgenre entstanden sind, deren helle Meister S.V. waren. Malyutin und G.G. Rjaschski. Im Porträt des Schriftstellers und Kämpfers Dmitry Furmanov S.V. Malyutin zeigt einen Mann der alten Welt, der es geschafft hat, sich anzupassen neue Welt. Es zeichnet sich ein neuer Trend ab, der seinen Ursprung in der Arbeit von N.A. hat. Kasatkina und entwickelte sich zum höchsten Grad in weibliche Bilder G.G. Ryazhsky - „Delegierter“, „Vorsitzender“, in dem das persönliche Prinzip ausgelöscht und der durch die neue Welt geschaffene Personentypus etabliert wird.
Ein absolut zutreffender Eindruck von der Entwicklung des Landschaftsgenres entsteht, wenn man das Werk des führenden Landschaftsmalers B.N. Yakovleva – „Der Transport wird besser.“

B.N. Der Verkehr in Jakowlew wird immer besser. 1923

Dieses Genre zeigt ein sich erneuerndes Land, die Normalisierung aller Lebensbereiche. In diesen Jahren rückte die Industrielandschaft in den Vordergrund, deren Bilder zu Symbolen der Schöpfung wurden.
Die Society of Easel Painters (1925) ist die nächste künstlerische Vereinigung dieser Zeit. Hier versuchte der Künstler, den Geist der Moderne, den Typ des neuen Menschen, zu vermitteln, indem er aufgrund der minimalen Anzahl von Bildern auf eine distanziertere Übertragung von Bildern zurückgriff Ausdrucksmittel. Das Thema Sport wird oft in den Werken von Ostovtsev demonstriert. Ihre Malerei ist voller Dynamik und Ausdruck, wie man in den Werken von A.A. sehen kann. Deineki „Verteidigung von Petrograd“, Yu.P. Pimenova „Fußball“ und andere.

Als Grundlage für ihr künstlerisches Schaffen wählten Mitglieder eines anderen bekannten Vereins – „The Four Arts“ – die Ausdruckskraft des Bildes aufgrund der lakonischen und konstruktiven Form sowie eine besondere Einstellung zu seiner koloristischen Sättigung. Der denkwürdigste Vertreter des Vereins ist K.S. Petrov-Vodkin und eines seiner herausragendsten Werke dieser Zeit ist „Der Tod eines Kommissars“, das durch eine besondere Bildsprache eine Tiefe offenbart symbolisches Bild, Symbol des Kampfes für ein besseres Leben.

Unter den Mitgliedern der „Vier Künste“ sticht auch P.V. hervor. Kusnezow, dem Osten gewidmete Werke.
Die letzte große künstlerische Vereinigung dieser Zeit scheint die Gesellschaft Moskauer Künstler (1928) zu sein, die sich von den anderen durch die Art der energischen Gestaltung von Volumen, die Aufmerksamkeit für Hell-Dunkel und die plastische Ausdruckskraft der Form unterscheidet. Fast alle Vertreter waren Mitglieder des „Bubnovy Volt“ – Anhänger des Futurismus – was ihre Kreativität stark beeinflusste. Die Werke von P.P. waren bezeichnend. Konchalovsky, der in verschiedenen Genres arbeitete. Zum Beispiel Porträts seiner Frau O.V. Konchalovskaya vermittelt die Besonderheit nicht nur der Hand des Autors, sondern auch der Malerei des gesamten Vereins.

Durch das Dekret „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ vom 23. April 1932 wurden alle künstlerischen Vereinigungen aufgelöst und der Künstlerverband der UdSSR gegründet. Kreativität ist in die finsteren Fesseln einer starren Ideologisierung geraten. Die Meinungsfreiheit des Künstlers – die Grundlage des kreativen Prozesses – wurde verletzt. Trotz dieses Zusammenbruchs setzten Künstler, die zuvor in Gemeinschaften zusammengeschlossen waren, ihre Aktivitäten fort, aber Leitwert neue Figuren besetzten die malerische Umgebung.
B.V. Ioganson wurde von I.E. beeinflusst. Repin und V.I. Surikov, in seinen Leinwänden kann man eine kompositorische Suche und interessante Möglichkeiten koloristischer Lösungen erkennen, aber die Gemälde des Autors zeichnen sich durch eine übermäßige satirische Haltung aus, die auf solch naturalistische Weise unangemessen ist, was wir am Beispiel des Gemäldes „At the Alte Ural-Fabrik.“

A.A. Deineka hält sich nicht von der „offiziellen“ Kunstlinie fern. Er bleibt seinen künstlerischen Prinzipien treu. Jetzt beschäftigt er sich weiterhin mit Genrethemen und malt auch Porträts und Landschaften. Das Gemälde „Future Pilots“ zeigt gut seine Malerei in dieser Zeit: romantisch, leicht.

Der Künstler schafft eine Vielzahl von Werken zum Thema Sport. Aus dieser Zeit stammen seine nach 1935 entstandenen Aquarelle.

Die Malerei der 1930er Jahre stellt eine fiktive Welt dar, die Illusion eines strahlenden und festlichen Lebens. Für den Künstler war es am einfachsten, im Landschaftsgenre aufrichtig zu bleiben. Das Genre des Stilllebens entwickelt sich.
Auch das Porträt unterliegt einer intensiven Entwicklung. P.P. Konchalovsky schreibt eine Reihe kultureller Persönlichkeiten („V. Sofronitsky am Klavier“). Werke von M.V. Nesterov, der den Einfluss der Malerei von V.A. aufnahm. Serov, zeige einen Menschen als Schöpfer, dessen Lebensinhalt die kreative Suche ist. So sehen wir die Porträts des Bildhauers I.D. Shadra und der Chirurg S.S. Judina.

P.D. Korin setzt die Porträttradition des vorherigen Künstlers fort, sein Malstil besteht jedoch darin, eine strenge Form, eine schärfere, ausdrucksstärkere Silhouette und eine raue Farbgebung zu vermitteln. Generell spielt das Thema der kreativen Intelligenz im Porträt eine große Rolle.

Künstler im Krieg

Mit dem Beginn des Großen Vaterländischen Krieges begannen Künstler, sich aktiv an den Feindseligkeiten zu beteiligen. Aufgrund der direkten Einheit mit den Ereignissen, in frühe Jahre Es erscheinen Werke, deren Kern eine Aufzeichnung des Geschehens, eine „malerische Skizze“ ist. Solchen Gemälden mangelte es oft an Tiefe, aber ihre Wiedergabe drückte die völlig aufrichtige Haltung des Künstlers und den Höhepunkt moralischen Pathos aus. Das Porträtgenre erlebt einen relativen Wohlstand. Künstler, die den zerstörerischen Einfluss des Krieges sehen und erleben, bewundern seine Helden – Menschen aus dem Volk, beharrlich und edel im Geiste, die höchste humanistische Qualitäten zeigten. Solche Trends führten zu zeremoniellen Porträts: „Porträt von Marschall G.K. Schukow“ gebürstet von P.D. Korina, fröhliche Gesichter aus den Gemälden von P.P. Konchalowski. Bedeutung haben Porträts der Intelligenz M.S. Saryan, entstanden während der Kriegsjahre, ist das Bild des Akademikers „I.A. Orbeli“, Autor „M.S. Shaginyan“ und andere.

Von 1940 bis 1945 entwickelte sich auch die Landschaft alltägliches Genre, die in seinem Werk von A.A. kombiniert wurden. Plastow. „Der Faschist flog vorbei“ vermittelt die Tragödie des Lebens in dieser Zeit.

Der Psychologismus der Landschaft erfüllt das Werk zusätzlich mit Traurigkeit und Stille. menschliche Seele, nur das Heulen eines treuen Freundes durchschneidet den Wind der Verwirrung. Letztendlich wird die Bedeutung der Landschaft neu überdacht und beginnt, das harte Bild der Kriegszeit zu verkörpern.
Separat hervorgehoben Geschichtengemälde, zum Beispiel „Mutter des Partisanen“ von S.V. Gerasimov, der sich durch die Weigerung auszeichnet, das Bild zu verherrlichen.

Historische Malerei schafft zeitgemäße Bilder Nationalhelden der Vergangenheit. Eines dieser unerschütterlichen und vertrauenerweckenden Bilder ist „Alexander Newski“ von P.D. Korina verkörpert den unbesiegten stolzen Geist des Volkes. In diesem Genre zeichnet sich gegen Kriegsende eine Tendenz zur simulierten Dramaturgie ab.

Das Thema Krieg in der Malerei

In der Nachkriegsmalerei ser. 1940 - Ende In den 1950er Jahren nahm das Thema Krieg als moralischer und physischer Test eine führende Stellung in der Malerei ein, von der aus Sowjetischer Mann ging als Sieger hervor. Das historisch-revolutionäre entwickelt sich, historische Genres. Das Hauptthema des Alltagsgenres ist die friedliche Arbeit, von der während der langen Kriegsjahre geträumt wurde. Die Leinwände dieses Genres sind von Fröhlichkeit und Glück durchdrungen. Künstlerische Sprache Das Alltagsgenre wird erzählerisch und tendiert zur Lebensähnlichkeit. In den letzten Jahren dieser Periode erfährt auch die Landschaft Veränderungen. Darin wird das Leben der Region wiederbelebt, die Verbindung zwischen Mensch und Natur wird wieder gestärkt und es entsteht eine Atmosphäre der Ruhe. Auch im Stillleben wird die Liebe zur Natur verherrlicht. Interessante Entwicklung erhält ein Porträt in Kreativität verschiedene Künstler, die durch die Übertragung des Einzelnen gekennzeichnet ist. Einige der herausragenden Werke dieser Zeit waren: „Letter from the Front“ von A.I. Laktionov, ein Werk wie ein Fenster in eine strahlende Welt;

die Komposition „Rest after the Battle“, in der Y.M. Neprintsev erreicht die gleiche Lebendigkeit des Bildes wie A.I. Laktionow;

Werk von A.A. Mylnikovas „Auf friedlichen Feldern“, in dem sie sich freudig über das Ende des Krieges und die Wiedervereinigung von Mensch und Arbeit freut;

Original-Landschaftsbild von G.G. Nyssa – „Über dem Schnee“ usw.

Ein strenger Stil ersetzt den sozialistischen Realismus

Kunst 1960-1980er Jahre ist eine neue Etappe. Es wird ein neuer „strenger Stil“ entwickelt, dessen Aufgabe es ist, die Realität ohne alles nachzubilden, was dem Werk Tiefe und Ausdruckskraft nimmt und sich nachteilig auf das Werk auswirkt kreative Manifestationen. Er zeichnete sich durch Prägnanz und Verallgemeinerung aus künstlerisches Bild. Künstler dieses Stils verherrlichten den heroischen Beginn der harten Alltagsarbeit, der durch die besondere emotionale Struktur des Bildes entstand. Der „strenge Stil“ war ein entscheidender Schritt zur Demokratisierung der Gesellschaft. Das Hauptgenre, in dem die Anhänger des Stils arbeiteten, waren Porträtgruppenporträts, Alltagsgenres, historische und historisch-revolutionäre Genres entwickelten sich ebenfalls. Prominente Vertreter dieser Zeit, im Kontext der Entwicklung des „strengen Stils“, V.E. Popkov, der viele Selbstporträts und Gemälde malte, V.I. Ivanov ist ein Befürworter von Gruppenporträts, G.M. Korzhev, der historische Gemälde schuf. Die Essenz des „strengen Stils“ ist im Film „Geologists“ von P.F. zu sehen. Nikonova, „Polar Explorers“ von A.A. und P.A. Smolinykh, „Vaters Mantel“ von V.E. Popkowa. Im Landschaftsgenre zeigt sich Interesse an der nördlichen Natur.

Symbolik der Ära der Stagnation

In den 1970er-1980er Jahren. Es bildet sich eine neue Generation von Künstlern heraus, deren Kunst die heutige Kunst in gewissem Maße beeinflusst hat. Sie zeichnen sich durch Symbolsprache und theatralisches Spektakel aus. Ihre Malerei ist sehr künstlerisch und virtuos. Die Hauptvertreter dieser Generation sind T.G. Nazarenko („Pugatschow“),

dessen Lieblingsthema Feiern und Maskerade war, A.G. Sitnikov, der Metaphern und Gleichnisse als eine Form der plastischen Sprache verwendet, N.I. Nesterova, Schöpferin kontroverser Gemälde („Das letzte Abendmahl“), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnow.

Das letzte Abendmahl. N.I. Nesterova. 1989

Somit erscheint diese Zeit in ihrer Vielfältigkeit und Vielfalt als das letzte, prägende Bindeglied des Heute bildende Kunst.

Unsere Zeit hat einen enormen Reichtum des malerischen Erbes früherer Generationen offenbart. Der moderne Künstler ist praktisch nicht durch einen Rahmen eingeschränkt, der für die Entwicklung der bildenden Kunst entscheidend und manchmal feindselig war. Ein Teil zeitgenössische Künstler versucht, sich an die Prinzipien der sowjetischen realistischen Schule zu halten, manche finden sich in anderen Stilen und Richtungen wieder. Die von der Gesellschaft uneindeutig wahrgenommenen Strömungen der Konzeptkunst erfreuen sich großer Beliebtheit. Die Bandbreite des künstlerischen Ausdrucks und der Ideale, die uns die Vergangenheit gegeben hat, muss neu überdacht werden und als Grundlage für neue kreative Wege und die Schaffung eines neuen Bildes dienen.

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Nicht nur in Leningrad, sondern auch in Moskau – die beiden aktivsten Kunstzentren Länder - immer mehr wird gefordert, das sowjetische Plakat dem westlichen gegenüberzustellen, immer häufiger wird die Bekanntschaft russischer Künstler mit den Werken ihrer deutschen Kollegen, die Leistungen französischer oder amerikanischer Grafiker angesehen schlechter Einfluss. Sogar ein solcher Meister wie Lissitzky, dessen Werk in den 1920er Jahren. war eng mit der Welt verbunden künstlerischer Prozess, noch einmal betont im Vorwort des Katalogs All-Union-Druckausstellung 1927 dass es die Oktoberrevolution von 1917 war, die zur Entstehung neuer Industriegrafiken beitrug. Lissitzky wies darauf hin, dass das Plakat in Deutschland „politisch genutzt“ worden sei, beharrte jedoch darauf, dass es „nur hier in eine klare soziale und künstlerische Form gebracht“ worden sei. .

Lissitzkys Thesen über das innovative Wesen und die soziale Aktivität der russischen Fotomontage wurden auf der Ausstellung 1927 durch Plakate anschaulich illustriert Klutsis Und Senkina. In ihrem Werk erlangte die Fotomontage, über die in den 1920er Jahren heftige Debatten geführt wurden, eine besondere Bedeutung. Sie verstanden es, den Blättern, die den Appellen und Industrieplänen der Partei gewidmet waren, eine vielschichtige Handlung und eine besondere visuelle Polyphonie zu verleihen. Durch den scharfen Vergleich von Fragmenten natürlicher Dokumentarfotografie mit herkömmlichen grafischen Elementen vergrößerten diese Meister den Maßstab der Plakatform und verliehen ihr dadurch mehr Monumentalität und sogar eine gewisse epische Qualität.

Klutsis war Gründungsmitglied Verein „Oktober“, dessen im Juni 1928 veröffentlichte Erklärung besagte, dass alle Arten von Kunst – sowohl traditionelle – Malerei, Grafik als auch „industrielle“ – Plakate, Fotografie oder Kino – in erster Linie „den Werktätigen“ in der Region „dienen sollten“ ideologische Propaganda “ sowie im Bereich der „Produktion und unmittelbaren Organisation des Alltagslebens“. Und fast alle Blätter Klutsis, in denen fotografische Rahmen mit Schriftkompositionen kombiniert werden („Aus NEP-Russland wird sozialistisches Russland“ (Nr. 14)) oder in denen Farbkontraste lebhaft eingesetzt werden („Komsomol-Mitglieder, auf der Schocksaat!“ (Nr. 15) ) widmen sich speziell der ideologischen Propaganda. Die Plakate von Klutsis oder sein Anhänger Senkin wurden von vielen als jene „proletarischen Gemälde“ wahrgenommen, über die konstruktivistische Theoretiker schrieben. Interessant ist, dass der Geburt einiger Blätter – wie im Fall der Staffeleimaler – eine „Studienzeit“ vorausging, eine Zeit der Ansammlung von Naturmaterial. Sie unternahmen Reisen in die Industrieregionen des Landes und fotografierten beispielsweise im Donbass ausdrucksstarke Bergarbeitertypen, die später zum zentralen Bild von Plakatkompositionen wurden („Lasst uns die Kohleschulden an das Land zurückzahlen“ (Nr. 13). )).

Klutsis verteidigte diese Thesen während der Diskussion am Institut für Literatur, Kunst und Sprache der Kommunistischen Akademie, die dank der im März 1931 angenommenen Resolution des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki stattfand „Über Plakatliteratur“. Darin heißt es: „Eine inakzeptabel hässliche Haltung verschiedener Verlage gegenüber Plakaten und Gemälden ... die sich in der Veröffentlichung eines erheblichen Prozentsatzes antisowjetischer Plakate widerspiegelte.“

In diesem Zusammenhang wurde die Leitung „Plakatprodukte“ übertragen Abteilung für Agitation und Massenkampagnen des Zentralkomitees, wurde ein System der strengen ideologischen Überprüfung eingeführt, an dem nicht nur die offizielle Zensur, sondern auch Studenten des Instituts für Rote Professur beteiligt waren. Es wurde auch vorgeschlagen, „Vorbesprechungen“ in Betrieben zu organisieren, bei denen einfache Arbeiter Themen entwickeln sowie Skizzen und fertige „Bilder und Plakate“ ansehen sollten.

So war das Plakat eines der ersten, das einer strengen Regulierung durch die Parteibehörden unterlag, und künstlerische Auseinandersetzungen endeten in der völligen ideologischen Kontrolle.
Ein Buch wurde 1932 veröffentlicht „Für das bolschewistische Plakat“, in dessen Vorwort betont wurde: „Die Anweisungen des Genossen Stalin verlangen von der Front der proletarischen Künste, allen Abweichungen vom Leninismus die härteste Zurückweisung zu erteilen.“ Hier kam die Hauptanweisung: „Die erste und wichtigste Anforderung, die wir an das Plakat stellen müssen, ist die politische, ideologische Sättigung, es muss Inhalte enthalten, die von unserer Realität in der dialektisch-materialistischen Interpretation derselben ausgehen.“

Diese Periode ist (aufgrund offensichtlicher historischer Veränderungen) durch eine Veränderung der Hauptrichtung der offiziellen Kunst im Vergleich zum vorherigen Entwicklungsstadium der russischen Kunst gekennzeichnet. Ideologische Inhalte beginnen in den Vordergrund zu rücken.

Kunst gehört den Menschen. Sie muss ihre tiefsten Wurzeln in den Tiefen der arbeitenden Massen haben, sie muss von diesen Massen verstanden und geliebt werden. Es muss die Gefühle, Gedanken und den Willen dieser Massen zum Ausdruck bringen und sie erheben. Es soll die Künstler in ihnen wecken und entwickeln.

Die wichtigsten „Aufgaben“ der sowjetischen Kunst: „Dem Volk zu dienen, die gemeinsame Sache des Kampfes für Sozialismus und Kommunismus zu verteidigen, den Menschen die Wahrheit zu bringen, in ihnen Kreativität hervorzubringen.“

Darüber hinaus waren Nationalität und Multinationalität wichtige Konzepte.

Periodisierung 1917-1990:

1 1917-1922 – Kunst der Zeit der Revolution und des Bürgerkriegs

2 1922-1932 – Die Theorie von Marx funktioniert nicht mehr, die Theorie von Nepa

3 1932-1941 – Kunst der 30er Jahre, Parteiprinzipien, Sozialistischer Realismus

4 1941-1945 – Kunst des Zweiten Weltkriegs, alle Kunst für die Front, für den Sieg, Grafiken, sowjetische politische Plakate, in der Malerei stehen an erster Stelle historisches Bild Landschaft.

5 1945-1960-Kunst Nachkriegsjahre

6 1960-1980 – Ära der Breschnew-Stagnation

Die sowjetische Kunstkritik teilte die Meister der sowjetischen Malerei dieser Zeit in zwei Gruppen ein:

Künstler, die versuchten, Themen in der vertrauten visuellen Sprache der sachlichen Darstellung einzufangen

Künstler, die eine komplexere, figurativere Wahrnehmung der Moderne verwendeten. Sie schufen Bilder und Symbole, in denen sie versuchten, ihre „poetische, inspirierte“ Wahrnehmung der Zeit in ihrem neuen Zustand auszudrücken.

2 Gemälde aus der Zeit der Revolution und des Bürgerkriegs 1917-1922. Kunst der Revolution und des BürgerkriegsBereits in den ersten Monaten nach der Machtübernahme verabschiedete die Sowjetregierung eine Reihe wichtiger Beschlüsse für die Entwicklung der Kultur:

Im November 1917 wurde unter dem Volkskommissariat für Bildung das Kollegium für Museen und den Schutz von Kunst- und Antiquitätendenkmälern gegründet.

„Über die Registrierung, Registrierung und Aufbewahrung von Denkmälern der Kunst und des Altertums“ (5. Oktober 1918) über die allgemeine Registrierung von Werken und Denkmälern der Kunst und des Altertums. Diese Abrechnung wurde von der Museumsabteilung des Volkskommissariats für Bildung durchgeführt.

„Über die Anerkennung wissenschaftlicher, literarischer, musikalischer und künstlerischer Werke als Staatseigentum“ (26. November 1918)

Ein wichtiger Aspekt der Regierungspolitik im Bereich Kunst ist zum Thema Museen geworden. In den Anfangsjahren verstaatlichte die Sowjetregierung Kunstmuseen, Privatsammlungen und Sammlungen. Studieren und systematisieren künstlerische Werte der Staat Museumsfonds, in dem Museumswerte konzentriert waren. Nach der Abrechnung, Systematisierung und Untersuchung begann die Phase des Erwerbs von Museen – die Werte wurden ungefähr gleichmäßig auf verschiedene Museen des Landes verteilt. Parallel dazu begann der groß angelegte Museumsbau. Malerei In den ersten Jahren der Revolution entwickelten sich traditionelle Staffeleiformen weiter. Viele der älteren Generation sowjetischer Künstler aus den ersten Jahren der Sowjetmacht wurden natürlich in den vorrevolutionären Jahren ausgebildet und hatten natürlich „Kontakt mit neues Leben war für sie mit erheblichen Schwierigkeiten verbunden, die mit dem Zusammenbruch der schöpferischen Individualitäten verbunden waren, die sich bereits zur Zeit der Revolution entwickelt hatten.“ Die sowjetische Kunstgeschichte ist gespalten Meister der sowjetischen Malerei dieser Zeit in zwei Gruppen:

Künstler, die versuchten, Themen in der vertrauten visuellen Sprache der sachlichen Darstellung einzufangen

Künstler, die eine komplexere, figurativere Wahrnehmung der Moderne verwendeten. Sie schufen symbolische Bilder, in denen sie versuchten, ihre „poetische, inspirierte“ Wahrnehmung der Zeit in ihrem neuen Zustand auszudrücken.

Kunstformen, die auf der Straße „leben“ konnten, spielten in den ersten Jahren nach der Revolution eine entscheidende Rolle bei „der Bildung des sozialen und ästhetischen Bewusstseins des revolutionären Volkes“. Daher erfuhr das politische Plakat neben der monumentalen Skulptur die aktivste Entwicklung. Es erwies sich als die mobilste und operativste Kunstform.

Während des Bürgerkriegs zeichnete sich dieses Genre durch folgende Eigenschaften aus:

„Schärfe der Darstellung des Materials,

Sofortige Reaktion auf sich schnell ändernde Ereignisse,

Propagandaorientierung, dank derer die Hauptmerkmale der plastischen Sprache des Plakats geformt wurden.

Sie erwiesen sich als Lakonismus, Konventionalität des Bildes, Klarheit der Silhouette und Geste.“ Plakate waren weit verbreitet und wurden gedruckt große Auflagen und befanden sich überall.

Vor der Revolution gab es keine politischen Plakate (als ausgereifte Grafikart) – es gab nur Werbung bzw Theaterplakate. Sowjetische politische Plakate übernahmen die Traditionen der russischen Grafik, vor allem der Satire politischer Zeitschriften. Viele der Plakatvorlagen wurden in Zeitschriften entwickelt. Festliche Dekoration von Städten

Die künstlerische Dekoration von Festen ist ein weiteres neues Phänomen der sowjetischen Kunst, das keine Tradition hatte. Zu den Feiertagen gehörten die Jahrestage der Oktoberrevolution, der 1. Mai, der 8. März und andere sowjetische Feiertage.

Dadurch entstand ein neues unkonventionelle Optik Kunst, dank der die Malerei neuen Raum und neue Funktionen erhielt.

Für die Feiertage entstanden monumentale Tafeln, die von enormem monumentalem Propagandapathos geprägt waren. Künstler erstellten Skizzen zur Gestaltung von Plätzen und Straßen. Erster Postrevolutionär Der Fünfjahreszeitraum (1917-1922) war geprägt von der Vielfalt und Zerbrechlichkeit künstlerischer Plattformen, der Tätigkeit linker Künstler, die in den neuen Bedingungen die Möglichkeit sahen, die gewagtesten innovativen Ideen umzusetzen.

Die meisten vorrevolutionären Künstler begannen mit ihnen zusammenzuarbeiten Sowjetmacht, darunter die Wanderer und russischen Impressionisten (Rylov, Yuon) und World of Art (Lancere, Dobuzhinsky) und „Goluborozovites“ (Kuznetsov, Saryan) und „Diener der Diamanten“ (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov).

Zunächst nahmen die Abstraktionisten V. Kandinsky und K. Malevich einen herausragenden Platz in der Abteilung für bildende Künste des Volkskommissariats für Bildung ein. Die Ideen der Revolution brachten neue Richtungen hervor. Unter ihnen erklärte die neue russische revolutionäre Avantgarde „Unovis“ („Befürworter der neuen Kunst“, 1919-1920. Malewitsch, Chagall, Lissitzky) den Kampf für die „reine“ Kunst und begann, Propagandaformen zu entwickeln. „KNIFE“ (New Society of Painters) stand dem Karo-Buben nahe.

„Proletkult“ akzeptierte den Versuch, „auf den Ruinen der Vergangenheit“ eine Organisation einer neuen proletarischen Kultur zu schaffen, lehnte jedoch ab klassisches Erbe, hielt aber nicht lange an, da es sowohl von Künstlern als auch von Zuschauern an Unterstützung mangelte.

Gegen Avantgardeismus für philosophische Tiefe Kunst und traditioneller Monumentalismus der Formen wurden von Künstlern der Vereine „Vier Künste“ (Kravchenko, Tyrsa, Petrov-Vodkin) und „Makovets“ (Chekrygin, Vater Pavel Florensky) ausgeübt.

Die Romantik der ersten nachrevolutionären Jahre wurde von P. Filonov in einer Gemäldeserie „Entering the World's Blütezeit“ (1919) in symbolischer und allegorischer Form vermittelt; K. Yuon „Neuer Planet“, B. Kustodiev „Bolschewik“. Bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts äußerte K. Petrov-Vodkin (1878-1939) in dem Gemälde „Das rote Pferd baden“ (1912, Tretjakow-Galerie) eine Vorahnung bevorstehender Veränderungen in Russland. Bedrohung des friedlichen Lebens gewöhnliche Menschen Während des Bürgerkriegs stellte er im Film „1919“ dar. Angst“ (1934, Russisches Russisches Museum).

Der Typus eines neuen Helden – ein arbeitender Mann, ein Sportler und ein sozialer Aktivist – wird geschaffen Porträtgenre EIN. Samokhvalov „Mädchen im T-Shirt“. Während des Bürgerkriegs rückte die Massenpropagandakunst in den Vordergrund: Dekoration von Feiertagen und Kundgebungen, Bemalung von Propagandazügen usw. (B. Kustodiev, K. Petrov-Vodkin, N. Altman); politisches Plakat (A. Apsit „Brüste zur Verteidigung von Petrograd“, D. Moor „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“, „Hilfe!“. ROST-Fenster (1919-1921, Mayakovsky und Cheremnykh).

1922 wurde die AHRR (Vereinigung der Künstler des revolutionären Russlands) gegründet, die bis 1932 bestand. Ihre Organisatoren waren A. Arkhipov, N. Dormidontov, S. Malyutin und andere späte Wanderer. Die Propaganda ihres „neuen Kurses“ zog Künstler mit unterschiedlichen Kunstauffassungen an – ehemalige Karo-Buben, Künstler der KNIFE Society, „4 Arts“ usw.