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12. Juni feiert 75-jähriges Jubiläum Küken Corea – einer der einflussreichsten und angesehensten Jazzmusiker der Welt, Gewinner von mehr als zwei Dutzend Preisen Grammy(genauer gesagt, am gegenwärtiger Moment- 22) und mehr als 40 Nominierungen für diesen prestigeträchtigsten Preis im Bereich Aufnahme sowie für viele andere internationale Auszeichnungen.

Im Jahr 2012 erhielt der regelmäßige Autor von „Jazz.Ru“, der seit 1998 bei uns veröffentlicht, den prestigeträchtigen Preis „Jazz Award-2012“ der International Association of Jazz Journalists in der Kategorie „Bestes Foto des Jahres“. Meister der russischen Jazzfotografie, Pavel Korbut. Der Preis ging an sein Werk „Pianist Chick Corea“ aus dem Jahr 2011, das als Grundlage für das Cover des Jazz.Ru-Magazins Nr. 2-2011 diente.

Die Preisverleihung fand im August 2012 auf der Bühne des Moskauer Festivals „Jazz in the Hermitage Garden“ statt.

Antonio Armando Corea(Chick – „Chicken“ – sein Musiker-Spitzname) wurde am 12. Juni 1941 in Chelsea, Massachusetts (einem Vorort von Boston) geboren. Bis 1958 lebte er mit seinen Eltern im Haus Nr. 149 in der Chestnut Street, das 2001 zu Ehren seines berühmten Einheimischen umbenannt wurde Chick Corea Street. 1956, als Corea in die neunte Klasse ging, wurde er zum „Präsidenten“ seiner Klasse gewählt und erwies sich laut Schulbericht als „der erfolgsorientierteste, der kooperativste und der musikalischste“. Der gleichen Beschreibung zufolge wollte er dann im Alter von 15 Jahren „Jazzmusiker werden und Lieder schreiben“. Seine ehemaligen Klassenkameraden erinnern sich, dass er sehr bescheiden war und dass sein Vater ein Amateurensemble leitete, in dem jeder spielte Schulveranstaltungen(Das war für diese Orte ungewöhnlich – alle umliegenden Schulen spielten einfach Schallplatten), und Chick selbst spielte Trompete im Schulorchester und begleitete den Schulchor am Klavier.

Die große Jazzkarriere von Chick Corea begann in der ersten Hälfte der 1960er Jahre in New York. als Teil von Jazzgruppen unter der Leitung von Mongo Santamaria, Willie Bobo, Herbie Mann Und Stan Getz. Damals entstanden seine ersten Soloaufnahmen.

Die wichtigste Etappe im Leben des Musikers war die Einladung des großen Jazzrevolutionärs – Trompeters – in das Ensemble Miles Davis, mit dem Miles Ende der 60er Jahre wichtige Alben aufnahm: „ Filles de Kilimandscharo», « Auf stille Weise», « Bitches Brew».

VIDEO: 29. August 1970, Miles Davis spielt beim Isle of Wight Rock Festival (Großbritannien) eine 38-minütige Improvisation mit dem späteren Titel „Call It Anything“.
Mitglieder: Chick Corea und Keith Jarrett – Keyboards, Gary Bartz – Saxophone, Dave Holland – Bassgitarre, Airto Moreira – Percussion, Jack DeJohnette – Schlagzeug.

Seitdem hat sich Chick Corea immer wieder unterschiedlichen Stilrichtungen zugewandt – von avantgardistischem Akustik-Jazz bis hin zu Fusion und Post-Bop. In den späten 80er und 90er Jahren interessierte sich Chick Corea für große Konzertformen, er schuf ein Klavierkonzert mit einem Sinfonieorchester (aufgenommen mit dem London Philharmonic Orchestra) sowie Jazzversionen von Konzerten von W.A. Mozart und anderen großen Formen in der Benehmen Crossover(an der Schnittstelle von Jazz und akademischer Musik).

Im Laufe der Jahre arbeitete Chick Corea mit einer Vielzahl seiner eigenen Kompositionen - Kreis, Return To Forever, Elektric Band, neues Trio usw.

VIDEO: Chick Corea mit seiner Band Return To Forever, 1973

Chick Corea ist auf allen größten und renommiertesten Konzertbühnen in Amerika, Europa und Asien aufgetreten, hat an den wichtigsten Festivals teilgenommen und mit berühmten Musikern zusammengearbeitet ( Bobby McFerrin, John McLaughlin, Paco de Lucia, Herbie Hancock, Al DiMeola, John Patitucci, Bela Fleck usw.). Chick Corea hat über 100 Alben veröffentlicht.

Eine besondere Rolle im Leben von Chick Corea spielte die Zusammenarbeit mit dem Vibraphonisten Gary Burton. Damals im Jahr 1972, auf einem wenig bekannten europäischen Label Editionen für zeitgenössische Musik(„Verlag für zeitgenössische Musik“), heute allgemein nur noch bekannt als ECM, ein Album wurde vom Duo Chick Corea und Gary Burton mit dem Titel „Crystal Silence“ aufgenommen. Kristallstille" Die Idee der Stille beschäftigte im Allgemeinen den ständigen Leiter und Produzenten ECM Manfred Eicher, nicht umsonst wird das kreative Motto seiner Plattenfirma mit „Der schönste Klang nach der Stille“ ins Russische übersetzt. Die Wege von Chick und Gary kreuzten sich 1971 zufällig in München, wo sich der Firmensitz befindet Jazzfestival, und stellte plötzlich fest, dass nur die beiden nach dem Konzert zur Festival-Jam-Session kamen. Sie versuchten, zusammen zu spielen, und wie sie sagen, „klickte“ es. So begann dieses Duett. Interessant ist, dass Chick zwei Jahre zuvor, als Chick noch für Miles Davis spielte und Gary bereits sein eigenes Jazz-Rock-Quartett hatte, bereits versucht hatte, zusammen zu spielen, allerdings im Quartett, und dann „klickte“ es nicht: Die aktive Rhythmusgruppe erwies sich für das gemeinsame Spielen als überflüssig.

Als Corea begann, mit Burton zu duettieren, hatte er gerade sein eigenes Fusion-Projekt ins Leben gerufen, Zurück zur Ewigkeit, das dazu bestimmt war, eines der beliebtesten zu werden berühmte Gruppen klassischer Jazzrock der 70er Jahre. Doch auf dem ersten gemeinsamen Album mit Burton gab es keinen Free Jazz (wie in more frühes Projekt Korea Kreis), noch Jazzrock. Es gab wirklich kristallklare, leichte Musik mit einem unglaublich scharfen Rhythmus, da beide Musiker ihre Instrumente, das Klavier bzw. das Vibraphon, einsetzten und die scharfe Perkussivität ihres Klangs betonten. Aber das alles ist wie gewohnt in der Klangästhetik des Unternehmens verankert ECM, klang sehr zurückhaltend und romantisch.

VIDEO: Konzert von Chick Corea und Gary Burton in Tokio, 1981

Das Album war ein Erfolg und das Duo ging fast jedes Jahr auf Tour, wenn Chick seine Jazz-Rock-Band in den Urlaub schickte. Im heißen Juli 1982 kamen Chick Corea und Gary Burton zum ersten Mal nach Moskau, doch es war einer der angespanntesten Momente der Beziehungen zwischen ihnen im Kalten Krieg die Sowjetunion und die Vereinigten Staaten von Amerika waren so feindselig wie eh und je, und es gab kein öffentliches Konzert. Einige konnten zu ihrem geschlossenen Auftritt im Spaso House, der Residenz des amerikanischen Botschafters, kommen, und am nächsten Tag gab es eine Jam-Session im Saal des Komponistenverbandes – wo es die sowjetischen Jazzer, wie zahlreiche Zeugen sagen, etwas übertrieben hatten , versuchen, die „Superstars“ aus Übersee zu beeindrucken.

Corea und Burton hören sich einen Jam in Moskau an, 1982 (unter dem umstehenden Publikum sind A.E. Petrov, A. Gradsky, N. Levinovsky, V. Feiertag usw.) Foto von Alexander Zabrin aus dem Buch „Soviet Jazz“, 1987

Anschließend kamen sowohl Chick als auch Gary immer wieder mit jeweils eigenen Soloprojekten ins postsowjetische Russland.

Also trat Chick Corea auf Tolle Halle Moskauer Konservatorium im Rahmen des Festivals zum 100-jährigen Jubiläum des berühmten Konzertortes im April 2001. Das Ensemble, mit dem er damals kam - Das neue Trio von Chick Corea, also er selbst, der Kontrabassist Avishai Cohen aus Israel und Schlagzeuger Jeff Ballard, war eigentlich die Rhythmusgruppe von Coreas damals großem Ensemble, Der Ursprung. Zugleich äußerte sich die BZK symphonisches Werk Corea – „Konzert Nr. 1“, aufgeführt vom Maestro zusammen mit einem Trio und mit dem Symphonieorchester der Großen Halle des Konservatoriums (im Wesentlichen Studentenorchester). Der Dirigent des Orchesters war Yuri Botnar.

VIDEO: Chick Corea und sein „Neues Trio“ in der Sendung „Anthropology“ auf NTV, moderiert von Dmitry Dibrov (2001).
Interview und einzigartige Live-Aufnahme des Trios mit Avishai Cohen und Jeff Ballard in einem Konzertstudio.

Das Duett mit Burton tauchte erst 2006 wieder auf der Moskauer Bühne auf, als sie den 35. Jahrestag ihres ersten gemeinsamen Albums mit einer Welttournee feierten. Zwei Jahre später ESM ihr Album“ Die neue Kristallstille“, erneut mit einem Grammy Award ausgezeichnet.

Und im April 2011, während der neuen Welttournee des Duetts Chick Corea – Gary Burton, traten die beiden berühmten Musiker zum dritten Mal in Russland auf.

VIDEO: Chick Corea & Gary Burton „La Fiesta“
Auftritt auf dem Festival Jazzwoche Burghausen, 2011

„Jazz.Ru“ hat viel über die Arbeit und Auftritte von Chick Corea geschrieben – zumindest über alle seine Besuche, angefangen bei Konzerten im BZK im Jahr 2001 bis hin zu einem Auftritt im Duett mit Sänger Bobby McFerrin im Jahr 2012. Aber weiter Am Tag seines 75. Geburtstags des berühmten Pianisten beschlossen wir, die Texte von zwei seiner Interviews zu reproduzieren: Das erste wurde ihm von unserem Eriwan-Korrespondenten entnommen Armen Manukyan hinter den Kulissen des Yerevan Jazz Festivals im Jahr 2000, und die zweite wurde ihm vor Auftritten in Moskau im Jahr 2001 von einem Musikjournalisten telefonisch abgenommen Andrej Solowjow, anschließend langjähriger Co-Autor unseres Jazz-Podcasts „Listen here“.

Chick Corea: „Mein Ziel ist es, Menschen zu unterhalten“ (2000)

Der Text eines exklusiven Interviews, das der große Pianist dem Eriwan-Journalisten Armen Manukyan hinter den Kulissen des Yerevan Jazz Festivals gab (er gab während seines gesamten Besuchs in Armenien Anfang Juni 2000 kein einziges Interview).

Jetzt versuchen viele, den zukünftigen Weg der Jazzentwicklung vorherzusagen. Manche sehen es in Verbindung mit Elektronik, andere in Symbiose mit Folklore oder Klassikern. Was ist Ihre Meinung?

Ich werde oft nach der Zukunft des Jazz gefragt, und das ist eine sehr gute und notwendige Frage, die wir uns jetzt wirklich stellen müssen. Für mich ist es also nicht so wichtig, ob Jazz eher so aussieht symphonische Musik, oder Folklore, oder ob mehr oder weniger Wert auf Improvisation gelegt wird. Für mich ist das Wichtigste die Situation, in der Musik entsteht und aufgeführt wird. Echte Musik kann nur in einer ruhigen, friedlichen Atmosphäre existieren. Wenn die Lage im Land angespannt ist, die Menschen eingeschüchtert werden, dann leidet vor allem die Kunst, auch die Musik. Denn Musik besteht in erster Linie aus Musikern, und Musiker sind Menschen, die auf dem Land leben. Wenn wir also wollen, dass unsere Musik gedeiht, müssen wir eine ruhige Umgebung schaffen, den Musikern kreative Freiheit geben, kurz gesagt, ein glückliches Leben. Das ist eine sehr schwierige Aufgabe, aber wir müssen alles in unserer Macht Stehende tun, um sie zu bewältigen. Doch in welcher Form die Kreativität eines Musikers zum Ausdruck kommt, ist nicht mehr so ​​wichtig.

Es gibt die Meinung, dass Jazz in letzter Zeit seinen ursprünglichen Zweck verloren hat – Menschen zu unterhalten und zu amüsieren. Nachdem Jazz zur Musik der Profis geworden war, verließ er Clubs und Bars und zog in die Philharmonie. Jazz ist zu komplex geworden, eine elitäre Kunst.

Jede Musik, die zu ernst wird, verliert ihre Seele, ihre Emotionalität und schließlich auch ihre Zuhörer. Und es ist nicht nur Jazz. Ein ähnliches Problem ist bei jeder anderen Kunstform inhärent. Jedes Genre hat seine Profis und Amateure, und Jazz ist in diesem Sinne keine Ausnahme. Jazz kann nur dann als echter Jazz gelten, wenn er von guter Qualität ist, wenn die Leute ihn verstehen, wenn sie ihn fühlen und Spaß daran haben. Heute konnten wir beim Konzert in Eriwan die Zuhörer erfreuen, obwohl unsere Musik nicht so einfach ist. Ich glaube nicht, dass es eine Frage der Komplexität oder Einfachheit der Musik ist. Tatsache ist, dass für den Erfolg ein spiritueller Kontakt zwischen dem Interpreten und dem Zuhörer hergestellt werden muss. Und der Hauptausführende dieser Aufgabe ist der Musiker, nicht das Publikum. Er muss eine Atmosphäre des gegenseitigen Verständnisses und Vertrauens schaffen, nur dann kann er von den Menschen verstanden werden.

Du trittst viel auf und nimmst viel auf. Was können Ihre Fans in naher Zukunft erwarten?

Ich habe viele verschiedene Ideen. Derzeit brenne ich für ein Projekt mit meinem Sextett Herkunft- Wir treten viel in verschiedenen Ländern der Welt auf. Ich trete auch ziemlich oft mit meinen Soloprojekten auf und habe gerade zwei Alben veröffentlicht, die während meiner Soloauftritte in Japan und Europa aufgenommen wurden. Ich arbeite mit dem London Philharmonic Orchestra bei der Aufführung meiner Klavierkonzerte zusammen. Und natürlich experimentiere ich viel und arbeite in meinem Studio mit Elektronik. Es ist unwahrscheinlich, dass dabei etwas Sinnvolles herauskommt, aber als Ergebnis solcher Experimente können neue Ideen entstehen.

Du änderst oft deine Vorlieben – du hast elektronische Musik, akustische und klassische Musik gespielt. Welche Phasen Ihrer Kreativität lieben Sie am meisten?

Es geht nicht um den Musikstil, den ich spiele. Ich bin Musiker und mein Ziel ist es, Menschen zu unterhalten, und natürlich möchte ich mich nicht endlos wiederholen. Wenn ich Schauspieler wäre, würde ich jede Staffel meine Rolle wechseln – Tragiker, Komiker. Ich würde etwas Avantgardistisches für einen engen Zuschauerkreis machen, Unterhaltsames für die breite Öffentlichkeit. Ich mache das Gleiche als Musiker. Ich versuche immer, etwas Neues zu schaffen, um den Menschen Freude und Vergnügen zu bereiten.

Wir kennen den Musiker Corea sehr gut und wissen gleichzeitig fast nichts über sein Leben außerhalb der Musik.

Ich habe zwei Kinder. Obwohl sie keine Kinder mehr sind. Mein Sohn Fabius spielt Schlaginstrumente und schreibt Musik. Er hat seine eigene Band und zuletzt traten sie in Las Vegas in einer Show namens auf Blaue Männergruppe. Er ist mit einem schönen Mädchen namens Tracy verheiratet. Sie ist Tänzerin und Choreografin und tritt häufig auf Broadway-Musicals. Meine Tochter Liana, eine ausgezeichnete Pianistin, liebt ihr Instrument sehr und tritt oft mit ihren Freunden auf und spielt Jazz. Sie liebt und bevorzugt alten Jazz aus den 40er und 50er Jahren. Mein Vater ist vor 12 Jahren verstorben und ihm habe ich meine Arbeit gewidmet.“ Armandos Rhumba" und neuerdings - " Armandos Tango" Er war auch Musiker, er hatte seine eigene Gruppe, sie trafen sich oft bei uns zu Hause und spielten, ich bin also in einem musikalischen Umfeld aufgewachsen. Mein Vater hatte eine riesige Sammlung alter 78-U/min-Schallplatten und ich hörte sie oft. Durch diese Platten kam ich zum ersten Mal mit Jazz in Berührung. Es war die Musik von Charlie Parker, Dizzy Gillespie und Bud Powell. Ich bin umgeben von Musikern und Jazzmusik aufgewachsen.

VIDEO: Chick Corea Soloauftritt beim Jazz à Vienne Festival, Frankreich, 2012

Chick Corea: „Ich schäme mich nicht zu studieren“ (2001)

Am Vorabend der Ankunft von Chick Corea in Russland im Jahr 2001 kontaktierte ihn der Journalist Andrei Solovyov telefonisch und stellte ihm mehrere Fragen. Zunächst bat ich den Pianisten natürlich, sich zu der Tatsache seines Auftritts in der Zitadelle der russischen akademischen Musik – dem Großen Saal des Moskauer Konservatoriums – zu äußern.
Interessieren Sie sich mittlerweile wirklich mehr für klassische Musik als für Jazz?

Wenn ich mit einem Ensemble oder Orchester auftrete oder aufnehme, versuche ich, nicht zu viel über den Stil und seine Grenzen nachzudenken. Für mich ist es viel wichtiger, die Musiker zu verstehen, mit denen ich arbeite. Das Ergebnis hängt davon ab, wie sich die Beziehung zwischen den Darstellern entwickelt. Hier kommt es nicht nur auf Stil oder Richtung an, sondern darauf, wie man es schafft, einen bestimmten Sound zu finden. Ich denke am wenigsten über Kategorien nach – sei es klassische Musik, Jazz oder eine andere Musikrichtung, ich gehe in erster Linie vom Klang aus. Unter diesem Gesichtspunkt ist akademische Musik – ob Kammer- oder Sinfonieorchester- unterscheiden sich in besonderen Klangfarben und Fähigkeiten. Ich habe für mich ein Tätigkeitsfeld definiert und kann sagen: Alles, was ich in letzter Zeit gemacht habe, hängt in sich zusammen, alle meine Arbeiten haben viel gemeinsam. Ich nutze einfach andere Mittel, um meine Ideen zu verwirklichen.

In den letzten 30 Jahren sind Sie immer wieder auf die Idee zurückgekommen, Jazz mit akademischer Musik zu synthetisieren – hängt das mit einer Art Lebensrhythmus, einem inneren Gefühl für den Fluss der Zeit zusammen?

Denke nicht. Wenn ich über Musik nachdenke oder etwas darüber lese, kommt es mir oft vor, dass die Strukturen und Schemata, die mit der Zeit, mit dem Prozess der Geschichte verbunden sind, zu viel Fehlerpotenzial bergen. Mir scheint, dass die Situation einfacher ist. Ich arbeite mit klassischen Kompositionen, wenn es mich interessiert und sich eine günstige Gelegenheit bietet.

Eine Ihrer berühmten Aufnahmen („ Verrückter Hutmacher") ist eine klangliche Parallele zum Märchen von Alice im Wunderland. Gibt es eine literarische Grundlage für die anderen Werke?

Es scheint mir, dass „ Verrückter Hutmacher„ist eher eine Ausnahme von der Regel, und ich habe nicht versucht, den von Lewis Carroll übernommenen Handlungssträngen wörtlich zu folgen. Dasselbe lässt sich über das Album sagen. Mein spanisches Herz“, in dem sie oft versuchen, die eine oder andere Programmidee zu finden. Es gibt keine wörtlichen Parallelen zu literarischen Werken, aber ich habe mich schon immer für die spanische Kultur interessiert – Poesie, Malerei – und all das könnte meine Arbeit beeinflussen.

Jeder kennt Sie als einen der Pioniere auf dem Gebiet der Synthese von Jazz und Rock. Wie denkst du darüber, was heute in der Rock-, Pop- und Tanzmusik passiert?

Ich verfolge weiterhin mit Interesse, was in diesem Bereich passiert. Hier ist wie immer viel geballt kreative Menschen die immer etwas Ungewöhnliches erfinden. Ich schäme mich nicht, von ihnen zu lernen, ich versuche immer zu verstehen, was sie zu sagen haben, und ich bin dankbar für die frischen Ideen derjenigen, die heute elektronische Tanzmusik aufnehmen. Leider verhalten sich Jazzer oft arrogant und halten Popmusik für zweitklassige Kunst. Es schadet nur sich selbst. Ideen auszutauschen und aufmerksam zu beobachten, was die Nachbarn tun, bringt Musikern nur Vorteile.

In der ersten Hälfte der 80er Jahre traten Sie bereits in Russland im Duett mit dem Vibraphonisten Gary Burton auf. Welche Eindrücke hat diese Reise bei Ihnen hinterlassen? Welcher unserer Musiker ist Ihnen damals in Erinnerung geblieben?

Ja, natürlich erinnere ich mich an diese Touren, da waren viele unterschiedliche Eindrücke. Von den russischen Musikern mochte ich damals besonders den Pianisten Nikolai Lewinowski Ich habe mit ihm bei einer Jamsession gespielt und seine Familie kennengelernt. In St. Petersburg habe ich mich auch getroffen Igor Butman und mit mehreren anderen wunderbaren Musikern – leider erinnere ich mich nicht an ihre Namen. Aber im Allgemeinen kenne ich die Russen besser, die dauerhaft in New York leben oder oft nach Amerika kommen. Und in Russland selbst beeindruckten mich nicht die Musiker, sondern die Zuhörer mehr, weil das Interesse an meinen Auftritten sehr groß war. Es schien mir, dass die Russen den Jazz wirklich lieben.

Jeder kennt Sie als einen der technischsten Virtuosen des modernen Jazz. Was halten Sie von den Musikern, die technisch weniger gut vorbereitet sind, aber dennoch versuchen, sich künstlerisch durchzusetzen?

Ich weiß nicht, ob es unglücklich oder glücklich ist, aber ich interessiere mich für viele Dinge. Darüber hinaus wurde mir klar, dass es Musikern oft nicht gelingt, den nötigen Durchbruch zu schaffen, damit Musik wirklich frei wird. Und das hängt nicht von Technologie oder Bildung ab. Ein solches Ereignis mitzuerleben ist immer interessant und aufregend. Aber leider fehlt die Zeit, danach zu suchen.

Schaffen Sie es, Zeit für die Umsetzung neuer Projekte und Pläne zu finden?

Leider ist es nicht nur eine Frage der Zeit. Viel hängt vom Geld ab. Musiker müssen bezahlt werden; mit Tourneen und der Einladung von Künstlern aus verschiedenen Ländern sind hohe Kosten verbunden. Es steht mir nicht frei, diese Probleme zu lösen – ich schreibe keine Musik für Filme (viele Leute verdienen damit gutes Geld), ich fördere keine kommerziellen Projekte. Daher bedarf jeder Plan, insbesondere wenn an seiner Umsetzung die Beteiligung einer großen Zahl von Menschen beteiligt ist, einer finanziellen Unterstützung, und ich selbst verfüge nicht über ausreichende Mittel. Je größer das Ensemble, desto teurer ist das Vergnügen, damit zu arbeiten.

Was reizt Sie an der Musik überhaupt mehr – die Möglichkeit, über ernste Dinge zu sprechen, die erhabenen Aspekte des Lebens zu reflektieren oder umgekehrt – Witz und Ironie?

Meiner Meinung nach sollten wir uns nicht auf die Wahl zwischen diesen Staaten konzentrieren. Ironie ist, wie eine ernsthafte Lebenseinstellung, eher eine Folge viel Arbeit, ein Ergebnis. Jeder emotionale Zustand (und Musik kann ein sehr breites Spektrum menschlicher Erfahrungen ausdrücken) hängt davon ab, wie aufrichtig die Musiker kommunizieren. Auch der Kontakt zum Publikum ist sehr wichtig und manchmal sehr schwierig herzustellen. Wenn bei einem Konzert der Geist der Kommunikation vorherrscht, kann die Musik sowohl die Zuhörer als auch die Interpreten selbst tiefgreifend beeinflussen.

Was ist für Sie heute wertvoller – kreative Freiheit oder Disziplin und Ordnung?

Ich denke nicht, dass „Freiheit“ und „Ordnung“ überhaupt als Gegensatzpaar betrachtet werden sollten. Das Fehlen von „Freiheit“ bedeutet vielmehr „Sklaverei“ und „Ordnung“ wiederum steht im Gegensatz zu „Chaos“. Freiheit und Disziplin beeinträchtigen einander nie. Frei zu sein bedeutet, die Fähigkeit zu haben, selbständig und verantwortungsvoll Entscheidungen zu treffen und zu wählen. Um dies zu erreichen, muss man sich oft zwingen und etwas gegen seinen Willen tun.

Sie gehörten zu denen, die als erste Synthesizer und andere elektronische Geräte in den Jazz einführten. In letzter Zeit treten Sie jedoch häufiger mit akustischen Programmen auf, obwohl die Technik viel fortgeschrittener ist als früher Rückkehr in die Ewigkeit. Bedeutet das, dass Sie von der Elektronik desillusioniert sind und sie für ungeeignet für Jazzmusik halten?

Nein, ich habe nichts gegen Elektronik, ich denke nur, dass all diese Technik zu Hause viel nützlicher ist als auf der Bühne. Ich benutze viele Geräte und Instrumente – sie erleichtern mir die Arbeit mit der Partitur, aber auf der Bühne nehme ich nur ein Fender-Klavier mit. Nicht, weil ich kein Interesse daran hätte – es bringt einfach zu viele zusätzliche technische Schwierigkeiten mit sich, vor allem bei der Tongestaltung und der Koordination der Darsteller.

VIDEO: Chick Corea mit der neuen Besetzung von Return to Forever beim Festival in Montreux, Schweiz, 2008 – „Hymn of the Seventh Galaxy“
Chick Corea – elektronische Keyboards, Al DiMeola – Gitarre, Stanley Clarke – Bassgitarre, Lenny White – Schlagzeug

Der berühmte Jazzpianist über die russische Kultur, den Großen Saal des Konservatoriums und Selfies auf der Bühne.

Am 15. Mai trat der berühmte Jazzpianist Chick Corea, der den Rekord für die meisten Grammy-Auszeichnungen hält, in Moskau auf.

Gemeinsam mit Bassist Eddie Gomez und Schlagzeuger Brian Blade setzten sie einen Lichtblick Tour Nachdem das Trio am Ende die berühmte Komposition „Spanien“ gespielt hatte, sang das Publikum im Tschaikowsky-Saal mit den Musikern im Chor mit.

Nach dem Konzert erzählte die 75-jährige Chick Corea Evgeny Konoplev, wie das Leben der Jazzklassiker zu Zeiten von YouTube war.

IN Letztes Mal Sie sind 2012 in Moskau aufgetreten. Seitdem ist viel passiert – in unserem Land, in Ihrem Land, in der Welt. Haben Sie bei Ihrem aktuellen Besuch irgendwelche Veränderungen gespürt oder haben Sie das Gefühl, dass es immer noch dasselbe Russland ist?

Eines ist in dieser Welt unvermeidlich – Veränderung. Alles verändert sich – und meiner Meinung nach immer schneller. Aber das ist ein Thema für einen Soziologen, nicht für einen Musiker.

Für mich ist das Publikum, das ich vor mir sehe, mein Werkzeug, um etwas über Kultur und die Welt zu lernen. Das sind lebende Menschen, sie kamen und hier sind sie. Das heutige Konzert war sehr herzlich, das Publikum war sehr aufgeschlossen und ich hatte viel Spaß. Dies wird mir als Antwort auf die Frage in Erinnerung bleiben: „Wie gefällt Ihnen das heutige Moskau?“

Bei dem heutigen Konzert ist für mich viel zusammengekommen. Unser Trio hatte eine sehr erfolgreiche, wundervolle Tour und heute Abend war ihr Abschluss.

Die Shows auf dieser Tour wurden immer besser und die Band wurde immer geschlossener. Heute machen wir Schluss damit. Und mein Konzert in St. Petersburg wird bereits ein Solo-Klavierkonzert sein.

Vor vielen Jahren haben Sie an einem Konzert teilgenommen, dessen Erlös der Renovierung und Restaurierung des Großen Saals des Konservatoriums zugute kam, einem legendären Moskauer Veranstaltungsort. Und Sie haben Ihren Namen in die Geschichte dieser Halle geschrieben.

Oh, ich liebe diese Idee! Dieser Saal ist für mich von großer Bedeutung – hier wurde das größte Konzert von Vladimir Horowitz aufgezeichnet, als er im hohen Alter hierher kam, war er 83 Jahre alt.

Ich habe es mir schon oft auf DVD angeschaut, weil ich ein großer Fan dieses Pianisten bin.

Ist Russland für Sie das Land von Rachmaninow oder Igor Butman und anderen Jazzmusikern, die Sie in Interviews erwähnt haben?

Russland ist für mich alles zusammen. Es ist unmöglich, die Geschichte Russlands außer Acht zu lassen, denn diese Geschichte hat solche kulturellen Schätze hervorgebracht – in der Musik, im Ballett, in allen Richtungen. Aber seit den 50-60er Jahren des letzten Jahrhunderts ist so etwas hier entstanden großes Interesse zum Jazz. Zuerst unter der Erde, jetzt kostenlos.

Weißt du, sie haben mir heute eines gezeigt... einen Rekord. Und ich bin sehr stolz darauf, dass mein Album „Return to Forever“ im Jahr 1972 einige Jahre später von der Plattenfirma Melodiya veröffentlicht wurde und entweder die erste oder eine der ersten in Russland veröffentlichten Jazz-Platten wurde offiziell.

Generell unterteile ich die russische Kultur nicht in „alt“ und „neu“. Für mich ist das alles ein Thread.

Musiker sind sich einig, dass Ihre Spieltechnik unglaublich ist. Dies bedeutet, dass Sie bereit sind, die komplexeste Musik zu spielen. Haben Sie oft das Gefühl, dass Sie etwas völlig Neues und Komplexes zeigen möchten, das Publikum es aber einfach nicht wahrnehmen kann?

Ich denke, es ist eine Frage der Balance. Schließlich kann ich dafür sorgen, dass sich das Publikum in meinem Saal, in meinem Raum wohlfühlt. Ich glaube – und meine Erfahrung überzeugt mich davon –, dass ich, wenn sich das Publikum wohlfühlt, ihm Dinge unterschiedlicher Komplexität zeigen kann.

Wie Sie bemerkt haben, gab es während des heutigen Konzerts einige Stellen, an denen es sehr, sehr klang subtile Musik, und die Zuhörer waren sehr, sehr empfänglich dafür.

Ich mag es, wenn das Publikum die Botschaft und Idee versteht. Deshalb versuche ich, eine Atmosphäre zu schaffen, in der der Zuhörer eine Vielzahl von Ideen verstehen kann und ich kann etwas zeigen, was die Leute noch nie gehört haben, und es mit Dingen kombinieren, mit denen sie bereits vertraut sind ... und so weiterhin einen qualitativ hochwertigen Dialog führen.

- Wie stehen Sie zum „neuen Publikum“? Ist es schwierig? Jazzmusiker Bringst du deine Musik ins YouTube-Zeitalter?

Ja, es gibt so viele verschiedene Dinge und die Welt ist so anders. Alle fünf Jahre verändern sich Gesellschaft und Kultur dramatisch ... Aber ich glaube, dass es immer noch in der Verantwortung des Künstlers liegt, nach Wegen zu suchen, mit der Öffentlichkeit zu kommunizieren und zu interagieren.

Und ich muss sagen, Sie sind sehr aktiv auf der Suche nach neuen Kommunikationswegen. Das Publikum hat sich heute sehr amüsiert, sowohl über Ihr Filmen von der Bühne aus mit dem Handy als auch über das Selfie, das Sie beim Schlussapplaus mit den Musikern gemacht haben.

Nun, das ist nur eine Erinnerung für mich. Und zeig es meiner Frau. Aber ich denke auch, dass sich das Publikum dadurch etwas entspannter und weniger formell fühlt. Ich mag keine Konzerte, die zu formell sind.

Küken Corea. Foto – Olga Karpova

Sie haben viele Phasen der musikalischen Entwicklung miterlebt. Haben Sie das Gefühl, dass es heute generell an Bedeutung verliert? Manche Leute glauben, dass es heute weniger prestigeträchtig ist, gleichzeitig Rockstar und Rapper zu sein als noch vor ein paar Jahrzehnten. Viel cooler ist es, Investmentbanker oder IT-Unternehmer zu werden.

Wer glaubt das? Das glaube ich nicht. Wissen Sie, die Menschen sind so individuell – in jeder Familie, Stadt, Kultur, Altersgruppe …

Die Menschheit ist so anders. Es ist also unmöglich zu sagen, dass „sie“ „das“ denken. Sie denken verschiedene Dinge. Und für mich liegt der Weg zu echter Kommunikation, zu echter Teamarbeit, zu echter Schöpfung gerade in der Anerkennung der Menschen als Individuen.

Aber in einer Familie können fünf oder zehn Personen sein – und jeder wird anders sein. Es besteht also kein Grund zur Verallgemeinerung. Ich denke, dass dies der einzige Weg ist, die Wahrheit zu suchen und Beziehungen aufzubauen.

Als Besitzer von 22 Grammy-Statuetten kann ich nicht anders, als Ihnen eine Frage zu stellen. Wie viele davon müssten es sein, damit du sagen kannst: „Das ist es, das reicht mir“?

- (Lacht.) Es hängt nicht von mir ab! Ich wähle nicht. Dies ist eine Gruppenarbeit. Wir nehmen eine CD auf und dann stimmen die Grammy-Experten dafür. Und jedes Mal ist es ein neues Album und neue Musik.

Auszeichnungen geben einem Selbstvertrauen, treiben einen aber auch voran, denn sie verpflichten einen, jedes Mal etwas noch besser zu machen. Ich habe einfach nicht das Recht, immer die gleiche Musik aufzunehmen und zu veröffentlichen.

Die Redaktion von Colta.ru möchte den Organisatoren des Moskauer Konzerts, der Firma Ram Music, für die Organisation des Interviews danken.

Chick Corea ist eine der ikonischsten Figuren unter den Jazzmusikern der letzten Jahrzehnte. Corea gibt sich nie mit den erzielten Ergebnissen zufrieden, sondern ist stets voller Leidenschaft für mehrere Musikprojekte gleichzeitig und seine musikalische Neugier kennt nie die Grenzen. Corea ist ein virtuoser Pianist, der zusammen mit Herbie Hancock und Keith Jarrett einer der Top-Stylisten seit Bill Evans und McCoy Tyner war. Darüber hinaus ist Corea einer der wenigen „elektrischen Keyboarder“ mit einem originellen und wiedererkennbaren Spielstil. Darüber hinaus ist er Autor mehrerer klassischer Jazzstandards wie „Spain“, „La Fiesta“ und „Windows“.

Corea begann mit dem Klavierspielen, als er erst 4 Jahre alt war und sich sein Musikgeschmack herausbildete größten Einfluss er wurde von Horace Silver und Bud Powell beeinflusst. Ernsthafte musikalische Erfahrungen sammelte er durch das Spielen in den Orchestern von Mongo Santamaria und Willie Bobo, Blue Mitchell, Herbie Mann und Stan Getz.

Seine erste Aufnahme als Bandleader war das Album „Tones For Joan’s Bones“ im Jahr 1966, und das Album „Now He Sings, Now He Sobs“, das 1968 als Trio mit Miroslav Vitus und Roy Haynes aufgenommen wurde, wird von Musikkritikern hoch gelobt als Weltklasse-Jazz-Klassiker.

Nach einer kurzen Zusammenarbeit mit Sarah Vaughan schloss sich Corea Miles Davis als Hancocks Nachfolger im Orchester an und blieb während der sehr wichtigen Übergangszeit von 1968 bis 1970 bei Miles. Er beteiligte sich an so beeindruckenden Werken von Miles wie „Filles De Kilimanjaro“, „In A Silent Way“ und „Bitches Brew“.

Als Teil der Band Circle mit Anthony Braxton, Dave Holland und Barry Eltschul begann er, nachdem er Davis verlassen hatte, avantgardistischen akustischen Jazz zu spielen. Und Ende 1971 änderte er erneut die Richtung.

Nachdem er das Circle-Projekt verlassen hatte, spielte Corea kurz mit Stan Getz und gründete dann mit Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto und Flora Purim die Gruppe Return To Forever, die im Geiste der brasilianischen Melodietradition debütierte. Innerhalb eines Jahres versuchte Corea zusammen mit Clark, Bill Connors und Lenny White, Return To Forever in eine führende, energiegeladene Fusion-Band zu verwandeln; 1974 trat Al DiMeola an die Stelle von Connors. Zu einer Zeit, als die Musik rockorientiert war und Jazzimprovisationen verwendete, blieb Corea auch unter dem Schleier des elektronischen Sounds durchaus erkennbar.

Nach der Auflösung der Gruppe Ende der 70er Jahre spielten Corea und Clark in verschiedenen Orchestern, was diesen Gruppen eine besondere Bedeutung verlieh. In den nächsten Jahren konzentrierte sich Corea hauptsächlich auf akustischen Klang und trat öffentlich entweder mit dem Duo Gary Burton und Herbie Hancock oder im Michael Brecker Quartett auf und spielte sogar klassische akademische Musik.

1985 gründete Chick Corea eine neue Fusionsgruppe, die Elektric Band, zu der schließlich der Bassist John Patitucci, der Gitarrist Frank Gambale, der Saxophonist Eric Marienthal und der Schlagzeuger Dave Wickle gehörten. Einige Jahre später gründete er mit Patitucci und Wickle sein „Acoustic Trio“.

Von 1996 bis 1997 tourte Corea als Teil eines All-Star-Quintetts, zu dem Kenny Garrett und Wallacy Roney gehörten, die moderne Versionen von Kompositionen von Bud Powell und Thellonious Monk aufführten.

Derzeit spielt er Musik, die komplexe Passagen von Arrangements meisterhaft mit Soloparts im Fusion-Stil verwebt. Er bringt den Jazz wieder zu alter Stärke zurück und jede Phase seiner kreativen Entwicklung ist auf seinen CDs wunderschön dargestellt.

Der wirkliche Name des herausragenden Komponisten und Interpreten ist Armando Anthony „Chick“ Corea (Armando Anthony Corea). Er wurde im Sommer 1941 in Chelsea (Massachusetts) in eine Familie italienischer Einwanderer geboren, die in einer traditionellen Stadt dieser Zeit lebten, in deren Nachbarn Einwanderer aus Russland und Osteuropa lebten. „Chicks“ Vater ist Schuhmacher und genießt in seiner Freizeit Jazz. Er war es, der seinem Sohn Musik beibrachte, als er kaum 4 Jahre alt war. Übrigens hatten alle 13 Kinder dieser Familie Ohr für Musik und wusste, wie man das eine oder andere Instrument spielt. Armondo Anthony selbst beherrschte die Kunst, Klavier, Schlagzeug, Percussion und Trompete zu spielen.

„Chick“ sammelte umfassendere musikalische Erfahrungen, indem er in den Orchestern von Mongo Santamaria, Willie Bobo (1962–63), Blue Mitchell (1964–66), Herbie Mann und Stan Getz spielte. Als Anführer seiner eigenen Gruppe nahm er 1966 das Album „Tones for Joan's Bones“ auf und ein paar Jahre später erschien das Album „Now He Sings, Now He Sobs“, aufgenommen im Trio, mit Miroslav Vitus und Roy Hens. Heute gehören diese Kompositionen zu den Weltklassikern des Jazz. Eine kurze Zeit der Zusammenarbeit mit Sarah Vaughn weicht der fruchtbaren Arbeit als Teil des Miles Davis-Orchesters. Es entstanden so berühmte Projekte wie „Filles de Kilimanjaro“, „In s“ und „Bitches Brew“.

Unmittelbar nachdem er Davis verlassen hatte, änderte der talentierte Musiker seine Vorlieben und begann, als Teil der Circle-Gruppe avantgardistischen akustischen Jazz aufzuführen, wo er von Anthony Braxton, Dave Holland und Beri Eltluch eingeladen wurde. Doch Ende 1971 änderte Chick erneut die Richtung: Zunächst arbeitete er kurz mit Stan Getz zusammen und gründete dann seine eigene Gruppe Return to Forever. Zur Gruppe gehörten Stanley Clarke, Joe Farrell und Flora Purim, die ihr Debüt in der brasilianischen Jazztradition gaben. Im Laufe des nächsten Jahres versuchten Corea und seine Musiker, ausschließlich hochenergetische Fusion zu spielen. Es muss gesagt werden, dass zu dieser Zeit (1974) Rock und elektronische Klänge auf der Welt vorherrschten, aber selbst darunter waren Jazzimprovisationen leicht zu erkennen.

Aufgrund dieser und anderer kreativer Schwankungen und Inkonsistenzen wurde Corea von Musikkritikern nicht bevorzugt. Ihnen zufolge wechselte er häufiger als andere Stile, Richtungen und Instrumente, versuchte, unvereinbare Dinge zu kombinieren und trat am selben Abend mit parallelen Programmen auf. Bis heute hat der Komponist mehr als 70 verschiedene Alben veröffentlicht, die er in Zusammenarbeit mit Musikern wie Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Bobby McFerrin, Bella Fleck und anderen aufgenommen hat. Seit 1992 besitzt „Chick“ die Plattenfirma Stretch Records und das Mad Hatter-Studio in Los Angeles, die gute Einnahmen erwirtschaften. Aber ein ruhiges, „wohlgenährtes“ Leben beraubte ihn nicht seiner Liebe zum Abenteuer und der Lust, etwas Neues zu schaffen, dem Wunsch, Zuhörer und Kritiker zu überraschen. Er verfügt über enzyklopädisches Wissen und weiß seine vielfältigen Talente in den unterschiedlichsten Bereichen einzusetzen. Im Laufe seiner Karriere (Daten für 2015) wurde der Musiker 33 Mal für den Grammy und 22 Mal für diesen prestigeträchtigsten amerikanischen Preis nominiert und gewann auch zweimal Lateinischer Grammy Auszeichnungen.

Corea besuchte die UdSSR in den 80er Jahren und seine Besuche waren nicht nur von dem Wunsch bestimmt, Konzerte zu geben, sondern auch, sich aus nächster Nähe kennenzulernen echtes Leben in der Sowjetunion. Im Jahr 2001 kehrte er erneut zurück, um in der Großen Halle des Konservatoriums aufzutreten und sammelte Geld für die Renovierung dieses Raumes mit einzigartiger Akustik. 2007 fand sein Konzert im Tschaikowsky-Konzertsaal statt, wo er mit Bella Fleco (Banjo) auftrat, und vier Jahre später spielte „Chick“ mit Harry Barton (Vibraphon) im Swetlanow-Saal des Internationalen Hauses der Musik.

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Chick Korea 75 Jahre alt // Essay von Mikhail Alperin

Chick inspirierte Generationen von Musikern dazu, in dieser Welt der Imitationen ihre eigene Stimme zu finden. Ich war einer von denen, die sich sofort in seine „Stimme“ verliebten.

Ich halte das Solo-Klavieralbum „Children Song“ immer noch für ein einzigartiges Beispiel für die Verschmelzung von Improvisationsmusik und kompositorischem Denken.

Ich habe sogar einmal, vor vielen Jahren, eine Parodie auf Nikolai Levinovsky geschrieben, mit dem Titel „Lateinamerikanische Birken oder ein Brief an Mutterküken Korea“.

Ja, ich war ein Kämpfer für meine eigene Originalstimme in Moskau, wo alles Häusliche in jenen Jahren exotisch war und der pseudoamerikanische Jazz von Kozlov und Levinovsky als „Gesellschaft“ wahrgenommen wurde, wie Jeans und Coca Cola.

Damals meine eigenen Weg Ich habe gerade erst angefangen, aber meine innere Stimme protestierte gegen Fälschungen in allen Lebensbereichen.

Chick Korea überraschte mich zu Beginn mit seinem Talent und ich verlor ziemlich schnell das Interesse an ihm, da er sich im Laufe der Jahre nicht musikalisch weiterentwickelte, sondern im Gegenteil

Er ist der amerikanischen Unterhaltungsmentalität erlegen und nichts weiter. Er ist ein Beispiel für uns alle, wie der Musikmarkt Talente aufnimmt und der Dollar zur Religion wird.

Nur wenige Menschen können mit der Gesellschaft nicht einverstanden sein.

Ich gehöre zur Minderheit.

Das Publikum und die Musikgeschichte erinnern sich immer nicht an den Erfolg der Musiker, sondern an die Botschaft, die jeder Künstler auf seine Weise, mit Klängen oder Worten, durch Klänge vermitteln muss.

Musik ist keine Unterhaltung, sondern ein heilendes Mittel zur spirituellen Bildung eines Menschen.

Für eine ständige Erfahrung der Kommunikation mit den feinstofflichen Welten braucht der Mensch Heilung und transmeditatives Eintauchen in den Klang.

Wenn ein Musiker wie der große Chick Korea auf Unterhaltung und Tanz als einzige Möglichkeit zur Entspannung nach der harten Arbeit des „einfachen Mannes“ setzt, möchte ich Chick fragen: Sind Sie dann wirklich sicher, dass alle nach der Arbeit so müde sind? dass sie nur bereit sind, zu den Klängen lateinamerikanischer Musik zu tanzen?

Ich denke, Sie unterschätzen die Öffentlichkeit offensichtlich nicht, genau wie Sie selbst.

Chick ist sich sicher, dass wir Musiker in dieser „harten Welt“ dazu aufgerufen sind, Menschen von traurigen Gedanken abzulenken.

Sehen Sie, wie primitiv der Meister denkt?

Diese altmodische Trennung zwischen ernsthafter und frivoler Kunst muss bald verschwinden.

Ohne das Bewusstsein für diese Prozesse bei jedem Einzelnen wird es nicht einfach sein, dies zu tun.

Chick Corea-Diskographie (Stand 2016)

Als Leiter oder Co-Leiter:

• Töne für Joan's Bones (1966)
• Wonne! (1968), erstmals veröffentlicht als Turkish Women at the Bath (1967) unter dem Namen Pete La Roca
• Jetzt singt er, jetzt schluchzt er (1968)
• Ist (1969)
• Sundance (1969)
• Das Lied vom Singen (1970)
• Zirkulus (1970)
• BOGEN. (1971)
• Pariser Konzert (1971)
• Klavierimprovisationen Vol. 1 (1971)
• Klavierimprovisationen Vol. 2 (1972)
• Return to Forever (1972, ECM)
• Innerer Raum (1972)
• Kristallstille (1973, mit Gary Burton)
• Chick Corea (1975)
• Der Kobold (1976)
• Mein spanisches Herz (1976)
• Der verrückte Hutmacher (1978)
• Ein Abend mit Herbie Hancock & Chick Corea: In Concert (1978)
• Geheimagent (1978)
• Freunde (1978)
• Delphi I (1979)
• Corea Hancock (1979)
• Duett (1979, mit Gary Burton)
• Chick Corea & Lionel Hampton im Konzert (1980, mit Lionel Hampton)
• In Concert, Zürich, 28. Oktober 1979 (1980, mit Gary Burton)
• Delphi II & III (1980)
• Tap Step (1980)
• Greatest Hits of 1790 (1980, mit Philharmonia Virtuosi of New York, dirigiert von Richard Kapp. Besondere Klaviersolistin bei Mozart: „Elvira Madigan“ und Beethoven: „Für Elise“)
• Lebe in Montreux (1981)
• Drei Quartette (1981)
• Triomusik (1981)
• Prüfstein (1982)
• Lyrische Suite für Sextett (1982, mit Gary Burton)
• Immer wieder (1983)
• Auf zwei Klavieren (1983, mit Nicolas Economou)
• Das Treffen (1983, mit Friedrich Gulda)
• Kinderlieder (1984)
• Fantasie für zwei Klaviere mit Friedrich Gulda (1984)
• Voyage – mit Steve Kujala (1984)
• Septett (1985)
• Die Chick Corea Electric Band (1986)
• Light Years (1987, mit Elektric Band)
• Triomusik live in Europa (1987)
• Summer Night – live (1987, mit Akoustic Band)
• Chick Corea mit Lionel Hampton (1988)
• Eye of the Beholder (1988, mit Elektric Band)
• Chick Corea Akoustic Band (1989)
• Alles Gute zum Jubiläum, Charlie Brown (1989)
• Inside Out (1990, mit Elektric Band)
• Unter der Maske (1991, mit Elektric Band)
• Alive (1991, mit Akoustic Band)
• Theaterstück (1992, mit Bobby McFerrin)
• Elektroband II: Malen Sie die Welt (1993)
• Meeresbrise (1993)
• Ausdrücke (1993)
• Zeitsprung (1995)
• Die Mozart-Sessions (1996, mit Bobby McFerrin)
• Live from Elario's (First Gig) (1996, mit Elektric Band)
• Live aus Blue Note Tokio (1996)
• Live aus dem Country Club (1996)
• Aus dem Nichts (1996)
• Erinnerung an Bud Powell (1997)
• Native Sense – The New Duets (1997, mit Gary Burton)
• Live at the Blue Note (1998, mit Origin)
• Eine Woche im Blue Note (1998, mit Origin)
• Like Minds (1998, mit Gary Burton, Pat Metheny, Roy Haynes, Dave Holland)
• Change (1999, mit Origin)
• Corea-Konzert – Spanien für Sextett und Orchester – Klavierkonzert Nr. 1 (1999, mit Origin)
• Corea-Konzert (1999)
• Soloklavier – Originale (2000)
• Soloklavier – Standards (2000)
• Neues Trio: Past, Present & Futures (2001)
• Rendezvous in New York (2003)
• To the Stars (2004, mit Elektric Band)
• Rhumba Flamenco (2005)
• Das ultimative Abenteuer (2006)
• Super Trio (2006, mit Steve Gadd und Christian McBride)
• The Enchantment (2007, mit Bela Fleck)
• 5 Trios - 1. Dr. Joe (2007, mit Antonio Sanchez, John Patitucci)
• 5 Trios – 2. From Miles (2007, mit Eddie Gómez, Jack DeJohnette)
• 5trios – 3. Chillin“ in Chelan (2007, mit Christian McBride, Jeff Ballard)
• 5trios – 4. The Boston Three Party (2007, mit Eddie Gomez, Airto Moreira)
• 5 Trios – 5. Brooklyn, Paris to Clearwater (2007, mit Hadrien Feraud, Richie Barshay)
• Die neue Kristallstille (2008, mit Gary Burton)
• Five Peace Band Live (2009, mit John McLaughlin)
• Duett (2009, mit Hiromi Uehara)
• Orvieto (ECM, 2011) mit Stefano Bollani
• Für immer (2011)
• Weitere Erkundungen (2012) mit Eddie Gomez und Paul Motian
• Hot House (2012) mit Gary Burton
• The Vigil (2013) mit Hadrien Feraud, Marcus Gilmore, Tim Garland und Charles Altura
• Trilogie (2013) (Universal, 3CD live)
• Soloklavier – Porträts (2014)
• Zwei (mit Bela Fleck) (2015)

• Einkreisen (1970)
• Zirkulus (1970)
• Kreis 1: Live in Germany-Konzert (1970)
• Pariser Konzert (1971)
• Kreis 2: Versammlung (1971)

Mit Return to Forever

• Rückkehr in die Ewigkeit (1972)
• Leicht wie eine Feder (1972)
• Hymne der siebten Galaxie (1973)
• Wo habe ich dich schon einmal gekannt (1974)
• Kein Geheimnis (1975)
• Romantischer Krieger (1976)
• Musikmagie (1977)
• Live (1977)
• Return to Forever – Returns (2009)
• Return to Forever Returns: Live at Montreux (DVD) (2009)
• Das Mutterschiff kehrt zurück (2012) mit Jean-Luc Ponty

Mit Anthony Braxton

• The Complete Braxton 1971 (Freedom, 1977)

Mit Marion Brown

• Nachmittag eines Georgia-Fauns (ECM, 1970)

Mit Donald Byrd

• The Creeper (Blue Note, 1967)

Mit Stanley Clarke

• Kinder für immer (Polydor, 1973)
• Reise zur Liebe (Nemperor Records, 1975)
• Felsen, Kieselsteine ​​und Sand (Epic, 1980)

Räume (Vanguard, 1970)

Mit Miles Davis

• Water Babies (Columbia 1976, aufgenommen 1967-68)
• Filles de Kilimanjaro (Kolumbien, 1969)
• Auf stille Weise (Columbia, 1969)
• Live in Europe 1969: The Bootleg Series Vol. 2 (Columbia Legacy erschien 2013)
• Bitches Brew (Columbia, 1970)
• Eine Hommage an Jack Johnson (Columbia, 1970)
• Black Beauty: Live at the Fillmore West (Columbia, 1977, aufgenommen 1970)
• Miles Davis bei Fillmore: Live im Fillmore East (Columbia, 1970)
• Miles at the Fillmore – Miles Davis 1970: The Bootleg Series Vol. 3 (Columbia Legacy erschien 2014)
• Circle in the Round (Columbia, 1979, aufgenommen 1955–70)
• Live-Evil (Columbia, 1971)
• An der Ecke (Columbia, 1972)
• Großer Spaß (Columbia, 1974)

Mit Richard Davis

• Die Philosophie des Spirituellen (Cobblestone, 1971)

Mit Joe Farrell

• Joe Farrell Quartett (1970)
• Outback (CTI, 1971)
• Skate Board Park (1979)

• Süßer Regen (Verve, 1969)
• Captain Marvel (Verve, 1972)

Mit Herbie Hancock

• Gershwins Welt (Verve, 1998)

Mit Joe Henderson

• Relaxin“ in Camarillo (Contemporary, 1979)
• Mirror Mirror (Pausa, 1980)
• Big Band (Verve, 1996)

Mit Elvin Jones

• Karussell (1971)

• Echos einer Ära (1982)

• Hören heißt sehen! (Prestige, 1969)
• Bewusstsein! (Prestige, 1970)

• Zum Regenbogen gehen (1971)

Mit Pete La Roca

• Türkische Frauen im Bad (1967), neu aufgelegt unter Coreas Namen als Bliss (1973)

Mit Hubert Laws

• Die Gesetze des Jazz (Atlantic, 1964)
• Satzung für Flöte (Atlantic, 1966)
• Laws“ Cause (Atlantic, 1968)
• Wild Flower (Atlantic, 1972)

Mit Herbie Mann

• Herbie Mann spielt The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd (Atlantic, 1965)
• Montagabend um das Dorf Tor (Atlantic, 1965)
• Latin Mann (Columbia, 1965)
• Standing Ovations in Newport (Atlantic, 1965)

Mit Blue Mitchell

• Das Ding zu tun (1964)
• Nieder damit! (Blue Note, 1965)
• Boss Horn (Blue Note, 1966)

Mit Tete Montoliu

• Mittagessen in L.A. (Zeitgenössisch, 1980)

Mit Airto Moreira

• Kostenlos (CTI, 1972)

• Manhattan Latin (Decca, 1964)

Wayne Shorter

• Moto Grosso Feio (Blue Note, 1970)

Mit Sonny Stitt

• Stitt Goes Latin (Roost, 1963)

Mit John Surman

• Feuersbrunst (Dawn, 1971)

Mit Gábor Szabó

• Femme Fatale (Pepita, 1979)

• Soul Burst (Verve, 1966)

Mit Miroslav Vitous

• Universelle Synkopen (ECM, 2003)

Mit Sadao Watanabe

• Hin- und Rückfahrt (1974)

• 1976: Chick Corea/Herbie Hancock/Keith Jarret/McCoy Tyner (Atlantic)
• 1987: Chick Corea Compact Jazz (Polydor)
• 1993: Best of Chick Corea (Blue Note)
• 2002: Ausgewählte Aufnahmen (ECM)
• 2002: Die kompletten „Is“-Sitzungen (Blue Note)
• 2004: Das Beste von Chick Corea (Universal)
• 2007: Herbie Mann-Chick Corea: The Complete Latin Band Sessions

Chick Corea mit dem „Solo Piano“-Programm der Moskauer Philharmonie

Im Laufe seiner mehr als fünfzigjährigen Karriere hat der Musiker unzählige Platten veröffentlicht und dabei mehrmals seinen Stil geändert. Er beteiligte sich an zahlreichen Projekten, nahm sowohl mit Einzelpersonen als auch mit verschiedenen Ensembles und Orchestern auf und hinterließ ein reiches Erbe. Armando Anthony Corea wurde am 12. Juni 1941 in Chelsea, Massachusetts, geboren. Er begann im Alter von vier Jahren Klavier zu lernen und hörte am liebsten Künstlern wie Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell und Lester Young zu. Er wurde auch stark von den Werken Beethovens und Mozarts beeinflusst, was Chicks Komponistinstinkt weckte. Corea begann seine kreative Karriere in den Ensembles von Mongo Santamaria und Willie Bobo, arbeitete dann in der Begleitung des Trompeters Blue Mitchell und half bei der Aufnahme von Platten für Herbie Mann und Stan Getz. 1966 gab er sein Studiodebüt als Bandleader, dennoch hatte Corea nichts dagegen, für andere Künstler zu arbeiten.

Etwa ein Jahr lang begleitete Chick Sarah Vaughan, danach schloss er sich dem Miles Davis-Ensemble an, wo er E-Piano spielte. Der nächste Schritt in der Karriere des Musikers war die Gründung der avantgardistischen Improvisationsgruppe „Circle“. Das Projekt dauerte drei Jahre, bis Corea seinen Fokus änderte. Seine neue Band hieß „Return To Forever“ und spielte sanftere Musik mit spürbarem lateinamerikanischen Einfluss.

Nachdem Chick Corea zwei Alben in diesem Sinne aufgenommen hatte, wählte er einen elektronischen Fusion-Ansatz ähnlich dem Mahavishnu Orchestra und verstärkte den Sound der Band mit Hilfe von Schlagzeuger Lenny White und Gitarrist Bill Connors. Chick und RTF entwickelten seinen einzigartigen Stil auf dem Moog-Synthesizer und veröffentlichten so innovative Alben wie „Where Have I Known You Before“, „No Mystery“ und „Romantic Warrior“. Nach der Auflösung von Return To Forever begann Corea, sich der akustischen Musik zuzuwenden, arbeitete oft in Duetten, Trios oder Quartetten und wechselte manchmal vom Jazz zur Klassik. Mitte der 80er Jahre fühlte sich Chick erneut zur elektronischen Fusion hingezogen, wodurch das Projekt „The Chick Corea Elektric Band“ entstand. Die Gruppe existierte ziemlich lange, aber am Ende des Jahrzehnts gründete Corea die „Akoustic Band“ (die im Wesentlichen eine abgespeckte Besetzung von „EB“ war), um das Gleichgewicht zu wahren. 1992 erfüllte sich Chick seinen lang gehegten Traum, indem er sein eigenes Label Stretch Records gründete. Allerdings hatte er weiterhin Verpflichtungen gegenüber seiner früheren Firma GRP Records, und 1996 wurde dieser Vertrag mit der Veröffentlichung der 5-CD-Box „Music Forever & Beyond“ abgeschlossen, die aus Aufnahmen aus der Zeit von 1964 bis 1996 zusammengestellt wurde.

Jetzt konnte Corea Platten auf seinem eigenen Label veröffentlichen, und seine erste Veröffentlichung auf Stretch war ein Album, das dem Pianisten Bud Powell gewidmet war. Im selben Jahr nahm Chick mit dem St. Paul Chamber Orchestra unter der Leitung von Bobby McFerrin auf. Es folgte ein zweites Duettalbum mit Gary Burton (das erste erschien 1977), das dem Musiker seinen neunten Grammy Award einbrachte.

Ende 1997 stellte Corea ein neues Team zusammen, in dem er zum akustischen Klavier zurückkehrte. Das live aufgenommene Debüt „Origin“ war so ein Erfolg, dass bald ein Boxset mit sechs CDs, „A Week At The Blue Note“, veröffentlicht wurde, das auf den drei Konzerten der Band im Blue Note Club basiert. Nachdem Chick bei „Origin“ viel improvisiert hatte, wandte er sich erneut zu klassische Musik. 1999 nahm er mit London auf Philharmonisches Orchester, und im nächsten Jahr veröffentlichte er zwei Soloplatten: eine mit seinen eigenen Liedern und die andere mit klassischen Standards. Corea verbrachte die 2000er Jahre mit dem Projekt „The Chick Corea New Trio“ („Past, Present & Futures“) und belebte nach einiger Zeit erneut die „Electric Band“ („To The Stars“). Im Jahr 2005 würdigte Chick die lateinamerikanische Musik in der Sendung „Rhumba Flamenco“ und inszenierte anschließend eine musikalische Hommage an sein nichtmusikalisches Hobby Scientology („The Ultimate Adventure“).

Das Jahr 2007 erwies sich als ein fruchtbares Jahr für Veröffentlichungen: Nach einem Duettalbum mit dem Banjoisten Bela Flek veröffentlichte Corea eine Serie von fünf CDs, die im Rahmen verschiedener Trios aufgenommen wurden. Im folgenden Jahr tat er sich zum ersten Mal seit Miles‘ Bitches Brew mit John McLaughlin zusammen und stellte auch eine neue Version von „Return To Forever“ für die Tour zusammen. Auch der Rest der 2000er und der Beginn der 10er Jahre waren hauptsächlich von Kollaborationen mit anderen Musikern geprägt und 2013 stellte der unermüdliche Chick Corea sein neues Team „The Vigil“ der Öffentlichkeit vor.

Letzte Aktualisierung 25.07.13