Leonardo da Vinci „Madonna mit Kind“ (Madonna Litta), 1490 - 1491, Tempera auf Leinwand. 42x33cm, Staatliche Eremitage, Sankt Petersburg

Das Gemälde wurde offensichtlich in Mailand ausgeführt, wohin der Künstler 1482 übersiedelte. Es ist eines der Werke, deren Entstehung prägend war neue Bühne in der Kunst der Renaissance - die Etablierung des Hochrenaissance-Stils. Eine schöne Frau, die ein Baby stillt, erscheint als Verkörperung der mütterlichen Liebe als höchstem menschlichen Wert.

Die Bildkomposition ist lakonisch und ausgewogen. Die Figuren der Maria und des Christuskindes sind mit feinstem Hell-Dunkel modelliert. Die Öffnungen der symmetrischen Fenster geben den Blick auf eine endlose Berglandschaft frei, die an die Harmonie und Erhabenheit des Universums erinnert. Die Figur der Madonna selbst scheint von Licht beleuchtet zu werden, das von irgendwo vorne kommt. Die Frau blickt das Kind zärtlich und nachdenklich an. Madonnas Gesicht ist im Profil dargestellt, auf ihren Lippen ist kein Lächeln, nur in den Ecken lauert ein bestimmtes Bild von ihr.

Das Baby schaut den Betrachter geistesabwesend an und hält mit der rechten Hand die Brust seiner Mutter. In seiner linken Hand hält das Kind einen Stieglitz.

Die lebendige Bildsprache des Werkes kommt zum Vorschein kleine Details, die uns viel über Mutter und Kind erzählen. Wir sehen das Baby und die Mutter im dramatischen Moment der Entwöhnung. Die Frau trägt ein rotes Hemd mit schmalem Halsausschnitt. Es verfügt über spezielle Schlitze, durch die das Baby bequem gestillt werden kann, ohne das Kleid ausziehen zu müssen. Beide Schnitte wurden sorgfältig vernäht (d. h. es wurde beschlossen, das Kind von der Brust zu entwöhnen). Doch der rechte Schnitt wurde hastig zerrissen – die Oberstiche und ein Stück Faden sind deutlich zu erkennen. Auf Drängen des Kindes änderte die Mutter ihre Meinung und verschob diesen schwierigen Moment.

Das Gemälde gelangte 1865 aus der Mailänder Sammlung des Herzogs Antonio Litta, mit dessen Namen sein Name verbunden ist.
Die Vorzeichnung für das Hermitage-Gemälde wird im Louvre aufbewahrt.

Vor ihrem Einzug in die Eremitage im Jahr 1865 befand sich die „Madonna Litta“ in der Familiensammlung des Herzogs Antoine Litta in Mailand, daher ihr Name. Der Erhaltungszustand des Gemäldes war so schlecht, dass es sofort von Holz auf Leinwand übertragen werden musste. Diese einzigartige Technologie, die es ermöglichte, die Leinwand zu retten, wurde vom Hermitage-Zimmermann Sidorov erfunden, wofür er eine Silbermedaille erhielt.

Die Kontroverse um eines der schönsten malerischen Bilder der Muttergottes mit Kind lässt nicht nach. Die Urheberschaft von Leonardo wird in Frage gestellt, und obwohl seine Papiere Skizzen für das Gemälde enthalten, betrachten einige es als Ergebnis der Arbeit der Schüler des Maestros (zumindest was Kleidung und Innenarchitektur betrifft; dennoch gibt es nur wenige Menschen, die dies bestreiten würden Das Gesicht der Muttergottes gehört zum Pinsel von Leonardo). Auch das Entstehungsdatum ist unbekannt. Obwohl das Bild normalerweise zugeschrieben wird Mailänder Periode Da Vincis Leben, aber es gibt auch spätere Daten, bis hin zur Zeit, als Leonardo in Rom lebte – dazu gibt es Hypothesen. Einer davon ist es wert, erzählt zu werden.

Vor nicht allzu langer Zeit, genauer gesagt, in den neunziger Jahren des letzten Jahrhunderts, untersuchte der russische Wissenschaftler und Kirchenarchäologe O. G. Uljanow Fresken in den Katakomben von St. Priscilla in Rom. Dieser Ort ist aus antiken Quellen als „Dame der Katakomben“ bekannt, da dort sieben der ersten Päpste begraben wurden, darunter der Märtyrer Papst Marcellinus und sein Nachfolger Papst Marcellus. Nach neuesten archäologischen Daten stammt es aus dem 2. Jahrhundert n. Chr.

Unter den Katakombenfresken befindet sich ein Bild der Jungfrau Maria mit dem Kind, das offenbar das älteste Bild der Muttergottes in der Weltmalerei ist. Der russische Wissenschaftler war beeindruckt von der Übereinstimmung mit der Entstehung der „Madonna Litta“. Wie Leonardo dreht sich das fütternde Kind um und blickt den Betrachter an.

Die Ende des 15. Jahrhunderts zufällig entdeckten Katakomben wurden zu einem beliebten Wanderort für in Rom lebende Künstler und Denker. Leonardo kam 1513 in die Ewige Stadt und lebte dort drei Jahre. Natürlich konnte er, der sich für alles interessierte, vor allem für alles Ungewöhnliche, einfach nicht anders, als in die Katakomben zu gehen, wo er ein altes Fresko sah, das ihn so beeindruckte, dass er es in seinem Gemälde wiederholte. Das heißt, die Entstehung der „Madonna Litta“ ist der Zeit zwischen 1513 und 1517 zuzuordnen. Das Interessante an dieser Hypothese ist jedoch nicht die neue Datierung, sondern die Möglichkeit dieses spirituellen Impulses, der vom unbekannten Maler des 2. Jahrhunderts auf das Genie der Renaissance übertragen wurde.

Künstler: Leonardo da Vinci


Leinwand, Tempera.
Größe: 42 × 33 cm

Kurze Schöpfungsgeschichte

Beschreibung und Analyse

Die Eremitage beherbergt zwei Werke von Leonardo, die die Muttergottes darstellen – „Madonna Litta“ und „ Madonna Benedikt" Manche Kunstkritiker und Kunsthistoriker neigen zu der Annahme, dass diese beiden berühmten Gemälde eng miteinander verbunden sind. Zu diesem Thema gibt es mehrere Meinungen. Einer Theorie zufolge, die vom leitenden Forscher der Eremitage Michail Anikin verfasst wurde, veranschaulicht die „Benoit-Madonna“ die göttliche Natur Jesu Christi, während die „Madonna Lita“ als Widerspiegelung des menschlichen Wesens Christi betrachtet werden sollte. Diese Kombination zweier Meisterwerke veranschaulicht die Aussage der christlichen Kirche, dass in Christus die göttlichen und menschlichen Prinzipien vereint sind. Als Bestätigung dieser Version kann man das Fehlen von Heiligenscheinen um die Köpfe von Maria und dem Kind in der „Madonna Litta“ betrachten, die das göttliche Prinzip symbolisieren, während sie in der „Madonna von Benois“ vorhanden sind. Diese Interpretation der Beziehung zwischen den beiden Gemälden könnte auch ein bedingungsloser Beweis für Leonardos Urheberschaft sein, da Kunstkritiker keinen Zweifel daran haben, dass die „Madonna von Benois“ sein Pinsel war.

Besonders hervorzuheben ist die Landschaft, der Leonardo in seinen Werken stets eine besondere Rolle zumisst. Und beim Vergleich zweier Gemälde kann dies auch als Bestätigung ihrer Paarung gewertet werden. Genießt der Betrachter in „Madonna Benois“ die kristallklare Reinheit und Klarheit des Himmels, so stellte der Künstler in „Madonna Litta“ eine Berglandschaft dar, die die Schönheit der irdischen Welt symbolisiert.

Die vorgeschlagene Theorie über die Beziehung zwischen zwei berühmten Gemälden von Leonardo hat keine einhellige Anerkennung gefunden, ist aber auf jeden Fall interessant, weil sie einen völlig neuen Blick auf längst bekannte große Kunstwerke ermöglicht.

Beschreibung des Gemäldes „Madonna mit Kind“ von Leonardo da Vinci

Künstler: Leonardo da Vinci
Titel des Gemäldes: „Madonna Litta“
Das Gemälde wurde gemalt: 1490-1491.
Leinwand, Tempera.
Größe: 42 × 33 cm

Dieses Gemälde von Leonardo da Vinci ist eines der Werke, dessen Erscheinen eine neue Etappe in der Kunst der Renaissance markierte – die Etablierung des Stils der Hochrenaissance. Die auf der Leinwand abgebildete schöne Frau, die ein Baby stillt, ist die Verkörperung der mütterlichen Liebe als höchstem menschlichen Wert. Das Gemälde ist nach seinem früheren Besitzer, Herzog Antoine Litta, benannt.

Kurze Schöpfungsgeschichte

Es gibt immer noch Kontroversen um eines der schönsten Bilder der Muttergottes mit Kind, Hauptthema Das ist die Urheberschaft von Leonardo. Einige Kunsthistoriker neigen dazu, es als Ergebnis der Arbeit der Schüler des Maestros zu betrachten (mit Ausnahme des Antlitzes der Muttergottes, von dem nur wenige zu leugnen wagen, dass es zum Pinsel Leonardos gehört). Auch das Entstehungsdatum des Gemäldes ist nicht sicher bekannt. Nach der offiziellen Version wird es üblicherweise der Mailänder Periode im Leben Da Vincis zugeschrieben. Es gibt jedoch Meinungen über spätere Datierungen, die bis in die Zeit von Leonardos Aufenthalt in Rom zurückreichen.

Beschreibung und Analyse

Das Gemälde „Madonna mit Kind“ ist eines der renommiertesten Meisterwerke der Hermitage-Sammlung und löst beim Betrachter ständige Freude und Ehrfurcht aus. Die Bildkomposition ist ausgewogen und lakonisch. Die Figuren der Maria und des Christuskindes sind in feinstem Hell-Dunkel modelliert. In den Öffnungen symmetrisch angeordneter Fenster öffnet sich dem Blick des Betrachters eine Berglandschaft, als würde sie an die Harmonie des gesamten Universums erinnern. Die sogenannte Madonna Litta wird vom Meister als nachdenkliche und ernste Frau dargestellt. Sie hat die Lieblingsschönheit des Künstlers – eine hohe, saubere Stirn, eine leicht verlängerte Nase, einen Mund mit kaum erhabenen Lippenwinkeln (das berühmte „Leonard-Lächeln“) und leicht rötliches Haar. Dieses Bild ist der Inbegriff von Perfektion schöne Frau. Allerdings ist er nicht leidenschaftslos. Alle Gefühle der abgebildeten Frau werden jedoch von der Künstlerin tief verborgen, um die klare Harmonie ihres Erscheinungsbildes nicht zu stören. Sie erscheinen nur leicht im Ausdruck verborgener Traurigkeit und in einem gleitenden, geheimnisvollen Halblächeln. Auch das abgebildete Baby wirkt über sein Alter hinaus traurig und ernst. Das goldhaarige Baby schaut den Betrachter geistesabwesend an und hält mit der rechten Hand die Brust seiner Mutter. In seiner linken Hand trägt er einen Stieglitz-Vogel – ein Symbol der christlichen Seele. Die Figur der Madonna ist so dargestellt, dass ihre Konturen deutlich vor dem Hintergrund der Wand erkennbar sind. Die Beleuchtung der weiblichen Silhouette erfolgt entgegen der üblichen Logik nicht durch symmetrisch dahinter angeordnete Fenster, sondern irgendwo vorne und links und modelliert sanft Gesichter und Körper.

Die Hauptbedeutung der Arbeit, wie in vorherige Arbeit Meister, Menschlichkeit bleibt, Respekt vor echten, tiefen Gefühlen. Eine Mutter stillt ihr Kind und betrachtet es mit nachdenklichem, zärtlichem Blick. Das von gesunder Lebensenergie überströmende Baby dreht sich in ihren Armen und bewegt seine Beine. Mit seinem dunklen Teint und der goldenen Haarfarbe sieht er aus wie seine Mutter. Die Frau bewundert das Baby, ist in ihre Gedanken versunken und konzentriert die ganze Kraft ihrer Gefühle auf ihn. Eine außergewöhnliche Ausdruckskraft erreichte der Künstler in der Darstellung der Madonna mit Kind.

Wenn man jedoch analysiert, wie Leonardo diese Ausdruckskraft erreicht, erkennt man, dass der Maestro eher verallgemeinerte und lakonische Darstellungsmethoden verwendet. Das Gesicht der Madonna ist im Profil gedreht. Der Betrachter sieht nur ein Auge, während dessen Pupille nicht gezeichnet ist. Auch die Lippen können nicht als eindeutig lächelnd bezeichnet werden; lediglich ein Schatten im Mundwinkel deutet auf ein Lächeln hin. Gleichzeitig erzeugen allein die Neigung des Kopfes, die Schatten, die über das Gesicht gleiten, und der leicht ahnende Blick jenes einzigartige Gefühl der Spiritualität, das Leonardo liebte und darzustellen wusste. Zum Abschluss der Phase der langfristigen Suche in der Kunst der Renaissance schafft der Künstler, basierend auf der genauen Verkörperung des Sichtbaren, ein Bild voller Poesie, in dem alles Zufällige und Kleine verworfen wird und jene Merkmale weggelassen werden, die ein Erhabenes und Erhabenes schaffen Es bleiben spannende Vorstellungen von einer Person übrig. Damit bündelt der Meister die unterschiedlichen Bemühungen seiner Vorgänger und Zeitgenossen und hebt die italienische Kunst deutlich vor ihnen auf ein neues Niveau.

9. November 2011 in London Nationalgallerie In beispiellosem Ausmaß wurde die grandiose Ausstellung „Leonardo da Vinci: Künstler des Mailänder Hofes“ eröffnet, die bereits als beste Ausstellung des Jahres bezeichnet wurde. Die große Eröffnungszeremonie der Ausstellung am 8. November wurde zusammen mit dem Film von Tim Marlow und Mariella Frostrup live auf dem Kabelsender Sky Arts 1 und in vierzig Kinos in England übertragen, wo alle Tickets ausverkauft waren (siehe Video). Natürlich, denn zum ersten Mal werden die Briten acht Meisterwerke des großen Meisters sehen, die noch nie zuvor in Foggy Albion ausgestellt wurden.

Getreu dem Titel der Ausstellung werden nahezu alle Werke präsentiert, die der große italienische Künstler in der Zeit von 1482 bis 1499 während seiner Tätigkeit in Mailand für Herzog Ludovico Sforza geschaffen hat. Die Kuratoren sammelten die beispiellose Ausstellung fast fünf Jahre lang: Während dieser ganzen Zeit liefen Verhandlungen mit den führenden Museen der Welt, der Pariser Louvre, die St. Petersburger Eremitage und die Vatikanische Pinakothek teilten ihre Mittel; Einige der Zeichnungen wurden der Galerie von Königin Elizabeth II. von England gespendet, die über eine beeindruckende Sammlung verfügt, eine der besten der Welt.

Als Ergebnis der sorgfältigen Arbeit der Kuratoren der Nationalgalerie können Besucher der Ausstellung neun der fünfzehn bis heute erhaltenen Gemälde von Leonardo da Vinci selbst sehen – die Gemälde „Madonna Litta“ aus dem Staatliche Eremitage, „Porträt eines Musikers“, „Dame mit Hermelin“, aufbewahrt in Nationalmuseum Krakau (die Ausstellung in London war bis zur letzten Minute fraglich), „Der Heilige Hieronymus“ aus der Vatikanischen Pinakothek, „Porträt eines Musikers“ aus Mailand, „Schöne Ferroniere“ aus dem Louvre und andere Werke. Der Rest der Ausstellung besteht aus mehr als 50 Zeichnungen des Meisters, die noch nie zuvor in einer Ausstellung gezeigt wurden, und Arbeiten seiner Schüler.

Vor der Londoner Ausstellung Gemälde Es war unmöglich, Leonardo zusammen zu sehen – sie sind in verschiedenen Museen. Die größte Zahl die Gemälde sind Eigentum des Louvre und der Florentiner Uffizien-Galerie; Zwei Gemälde befinden sich in der Eremitage – dies ist die in London präsentierte „Madonna Litta“ und die „Madonna von Benois“. „Dies ist ein beispielloses Ereignis. Eine solche Ausstellung wird es in dieser Form wahrscheinlich nie wieder geben, daher haben wir jetzt alle gemeinsam die Möglichkeit, Leonardo besser zu verstehen“, sagte Kurator Luke Syson, der die Ausstellung vorbereitet hat, bei der Pressevorführung. Ihm zufolge ist dies die erste Ausstellung dieser Größenordnung, die sich speziell auf die Malerei, auf die Entstehung von da Vincis Stil konzentriert und ihn nicht als Philosophen, Wissenschaftler, Grafiker oder Bildhauer untersucht.

Für La Gioconda, das im Louvre ausgestellt ist, konnte die Galerie keine Reise nach London arrangieren. Um das Publikum zu trösten, werden zwei Versionen der „Felsenmadonna“ gleichzeitig gezeigt – eine, kürzlich restauriert, aus der National Gallery in London, die andere (1483-1486) aus dem Louvre ( siehe Abbildung.). Londoner Version, die früher als Studiokopie galt, dann aber als spätere Kopie anerkannt wurde Originalarbeit Meister, wurde Ende des 19. Jahrhunderts von der National Gallery erworben. Beide „Madonnen“ werden als separate Ausstellung innerhalb der Ausstellung im selben Raum hängen. Kurator Luke Syson glaubt, dass selbst da Vinci diese beiden Werke höchstwahrscheinlich nicht im selben Raum gesehen hat.

Der Direktor der National Gallery, Dr. Nicholas Penny, sagte: „Wir freuen uns sehr und sind unseren Kollegen im Louvre sehr dankbar für die Gelegenheit, ihr berühmtes Gemälde auszuleihen. Ich bin zuversichtlich, dass die gemeinsame Präsentation dieser Meisterwerke einen bleibenden Eindruck hinterlassen wird.“ Der Direktor des Louvre, Henri Loyrette, bestätigte wiederum: „Diese einzigartige Zusammenarbeit zwischen der London National Gallery und dem Louvre hat eine historische gemeinsame Ausstellung zweier bekannter Versionen der Felsenmadonna und der Heiligen Anna ermöglicht.“ Madonna mit Kind von Leonardo da Vinci, von der ganze Generationen von Kunsthistorikern geträumt haben.“

Erinnern wir uns daran, dass Leonardo da Vinci 1483 den Auftrag für die „Felsenmadonna“ erhielt, die den Altar einer der Kathedralen in Mailand schmücken sollte. Wissenschaftler streiten seit Jahrzehnten über dieses Werk, da es in zwei verschiedenen Versionen existiert und noch unklar ist, ob sie zu beiden Pinseln gehören genialer Künstler. Eine der Optionen befindet sich im Louvre, und seine Originalität wird durch die Tatsache gestützt, dass dieses besondere Gemälde einst dem französischen König gehörte, der es wiederum vom Künstler selbst erhalten haben könnte. Was die Londoner Version betrifft, so führen einige Kunsthistoriker sie auf den Pinsel von Leonardos Schüler Ambrogio di Predis zurück und erkennen nur die Gesichter der Madonna und des Engels als Leonardos Werk an. Es war jedoch die Londoner Version, die 1508 im Mailänder Dom aufgehängt wurde.

Im Jahr 2005 entdeckten Spezialisten der National Gallery in London bei der Analyse von Leonardos berühmtem Gemälde „Felsenmadonna“ mithilfe von Infrarotstrahlung unter der äußeren Farbschicht eine Zeichnung, die eine kniende Frau mit ausgestreckter Hand zeigt. Eine weitere Entdeckung wurde während der Vorbereitung der Londoner Ausstellung gemacht, als Restauratoren eine Art rotes Pigment identifizieren konnten, das aus schriftlichen Quellen bekannt, aber noch nie zuvor genau identifiziert worden war.

Darüber hinaus ist in der Ausstellung das kürzlich entdeckte Gemälde „Salvator Mundi“ – „Retter der Welt“ – zu sehen. Dieses Gemälde stammt aus der Zeit um 1500 und zeigt Jesus Christus, wie er mit der rechten Hand einen Segen sendet und in der linken eine durchsichtige Kugel hält. Die Existenz des Ölgemäldes war bekannt, aber Experten lange Zeit konnte seinen Standort nicht bestimmen und ging davon aus, dass es zerstört worden war. Einst, Mitte des 17. Jahrhunderts, war dieses Werk Teil der Sammlung von König Karl I., Spuren davon sind jedoch verloren gegangen. Berichten zufolge wurde das Gemälde 1763 vom Sohn des britischen Herzogs von Buckingham versteigert. Das nächste Mal tauchte der „Salvator Mundi“ im Jahr 1900 auf, als er nach mehreren erfolglosen Restaurierungsversuchen beim britischen Sammler Sir Frederick Cook landete. Dann war es unmöglich, mit Sicherheit zu sagen, dass es sich um ein Gemälde von da Vinci handelte. Vielleicht versteigerten Cooks Nachkommen das Gemälde deshalb 1958 für unvorstellbare 45 Pfund für einen solchen Meister – Leonardo gelangte in die Hände amerikanischer Kunsthändler. Im Jahr 2010 bestätigte eine Untersuchung nach einem aufwändigen Restaurierungsprogramm die Echtheit von da Vinci. Das Gemälde hat jetzt einen Wert von 120 Millionen Pfund.

Das Thema Geld im Zusammenhang mit den an einem Ort gesammelten Meisterwerken ist eines der Hauptthemen, aber überraschenderweise nicht das Hauptthema. Natürlich ist die Ausstellung für einen einmaligen Betrag versichert – 2,5 Milliarden US-Dollar (derselbe Betrag kann zugewiesen werden). Die britische Regierung im Falle eines kriminellen Vorfalls oder höherer Gewalt: http://rublev-museum.livejournal.com/48291.html), aber die Mitarbeiter der Nationalgalerie hoffen, dass keine Zahlungen erforderlich sind: Es wurden alle möglichen Maßnahmen ergriffen, um die Sicherheit zu gewährleisten. Sie wirken sich zum Teil auf die Besucherzahl der Ausstellung aus: 180 statt der üblichen 230 Personen werden in 30 Minuten in die Galerie gelassen.

Diese Ausstellung wird bereits als eine der beliebtesten in der Geschichte der Nationalgalerie bezeichnet – sie ist ausverkauft Rekordzahl Tickets. Die Nachfrage ist in der Tat enorm: Die jetzt erhältlichen Tickets für die Ausstellung sind bereits bis Mitte Dezember ausverkauft; Die Veranstalter sagten jedoch, dass täglich weitere 500 Tickets über die Abendkasse verkauft werden. Darüber hinaus wurden die Öffnungszeiten der Galerie verlängert und teilweise Wochenenden genutzt – es wird erwartet, dass durch diese Maßnahmen die Besucherzahl der Ausstellung um 20 % steigt. Nun beschloss Hollywood, den Künstler zum Helden eines Blockbusters zu machen: Universal kündigte Pläne an, einen Abenteuerfilm über den großen Maler zu drehen.

Die Ausstellung von Leonardo da Vinci in der London National Gallery dauert bis zum 5. Februar 2012 und am 29. März werden die Gemälde des Brillanten gezeigt Italienischer Meister wird in Paris im Rahmen der Ausstellung „Saint Anne von Leonardo da Vinci“ gezeigt. Die Ausstellung im Louvre dauert bis zum 25. Juni. Es werden auch beide Versionen von Madonna of the Rocks zu sehen sein. Doch „Die Dame mit dem Hermelin“ wird in Paris höchstwahrscheinlich nicht zu sehen sein. Leider wird nicht berichtet, ob die Hermitage durch die Ausstellung die Ausstellung zumindest eines Teils der Londoner Ausstellung in Russland auf paritätischer Basis erreichen konnte„Madonna Litta“ 4 Mal im Ausland ( 1962 – Paris, 1990 – Mailand und Madrid, 2003–2004 – Rom und Venedig) . Daran haben wir uns allerdings schon lange nicht mehr gewöhnt:

„Dieses kleinformatige (42 x 33 cm) Werk verblüfft durch die intime Erhabenheit der Komposition (es ist angebracht, Leonardos Ausspruch zu zitieren: „Ein enger Raum, der das Bild des gesamten Universums enthalten kann ... lenkt die menschliche Reflexion auf das Betrachtung des Göttlichen“ - C.A. 345 v.), löste bis heute Kontroversen aus, sogar seit seiner Aufnahme in die Sammlung der Eremitage. Im Februar 1865 wurde das Gemälde „Madonna Litta“ vom Direktor der Eremitage S. A. Gedeonov und dem akademischen Berater Baron von Koehne, dem Autor der ersten Veröffentlichung über die kaiserliche Eremitage, aus der Familiensammlung des Herzogs Antoine Litta in Mailand in die kaiserliche Eremitage erworben Gemälde (Archiv der Staatlichen Eremitage. F. 1. Op. V, 1865, S. 1-10; B. V. von Koehne. Gemälde von Leonardo da Vinci. Selbes Jahr aufgrund schlechter Erhaltung Das Gemälde wurde vom Restaurator Alexander Sidorov von Holz auf Leinwand übertragen, der für die gelungene Übersetzung eine Silbermedaille erhielt (Archiv der Staatlichen Universität. F. 1. Inv. V, 1865, D. 3. L. 142-143) .

Bereits 1543 wurde Leonards „Madonna bis zur Hüfte, Halbfigur, ein Kind stillend“ in der Sammlung des venezianischen Philosophen Pietro Contarini erwähnt. Unter den Zeichnungen von Leonardo selbst befindet sich schließlich eine Studie des Kopfes der „Madonna Litta“, die mit Silberstift auf grün getöntem Papier angefertigt wurde (Louvre, Nr. 2376, ca. 1490). Laut Demon, der seine eigene Datierung der „Madonna Litta“ von 1491–1494 vorschlug, wurde diese Skizzenzeichnung ohne Änderungen im Gemälde wiederholt, insbesondere an der Dreiviertelposition des Schultergürtels, die einen Winkel von 45° bildete die Wandfläche, wurde vollständig von der Zeichnung auf das Gemälde übertragen ( Demonts L. Les Dessins de Leonardo da Vinci. R. 14, plat.

Besonders hervorzuheben ist die Meinung von Rinaldi, der datierte das Gemälde auf 1507-1508. basierend auf Zeichnungen aus Leonards Codex Arundel (Sammlung Arundell), aufbewahrt in Britisches Museum London, wo auf L. 253 v. und256 r. es gibt Skizzen eines Säuglings, der an der Brust saugt (A. de Rinaldis. Storia dell'opera pittorica di Leonardo da Vinci. Bologna, 1926. S. 238-239. Für eine ähnliche Datierung siehe: L.H. Heydenreich. Leonardo da Vinci. London-New York-Basel, 1954. R. 12, 180). Der Arundel-Kodex hat ein genaues Datum von 1508, das auf angegeben ist Titelblatt(Br. M. I r).

Allerdings hält sich die kunsthistorische Literatur immer noch an die Datierung von Sir Clarke, der anhand einer Zeichnung in der Windsor Library (W. 12276 v.) die Entstehung der „Madonna Litta“ auf das Ende des ersten Jahrhunderts zurückführte . Florentiner Zeit, bevor Leonardo 1482 nach Mailand aufbrach (Clark K. Ein Katalog der Zeichnungen von Leonardo da Vinci in der Sammlung von H. Majestät dem König auf Schloss Windsor. Cambridge, 1935. Band II. R. 1. Aus den neuesten Werken wir werden es zeigen : Zwijnenberg R. Die Schriften und Zeichnungen von Leonardo da Vinci: Ordnung und Chaos im Denken der Frühen Neuzeit. 1999). Mittlerweile ist diese Datierung weitgehend überholt – es reicht aus, auf die von Leonardo in Rötel angefertigte Zeichnung „Die Jungfrau und das Kind“ aus derselben Sammlung (W. 12568) hinzuweisen und moderne Daten zu berücksichtigen, die vor 1490 bei Leonardo entstanden sind Arbeit Rötelzeichnungen unbekannt. Es darf nicht vergessen werden, dass das heute in Windsor aufbewahrte Album mit Zeichnungen vom Aretiner Pompeo Leoni, dem Sohn eines ehemaligen Schülers von Michelangelo Buonarroti, aus verstreuten Illustrationen für den Codex Atlanticus zusammengestellt wurde, von denen ein gewisser Teil ursprünglich zur Sammlung gehörte Arundell (sic! – Leonardo da Vinci. Ausgewählte Werke: Übersetzungen, Artikel, Kommentare. In 2 Bänden. St. Petersburg, 1999. S. 383-385). Nicht weniger interessant ist die Ähnlichkeit des Kopfes des brüllenden Löwen in derselben Windsor-Zeichnung (W. 12276 v.) mit dem Kopf des Löwen in Leonardos Gemälde „St. Hieronymus“ (Vatikanische Pinakothek), entdeckt in Rom von Kardinal Joseph Fesch ca. 1820

Soll ok sein. 1495 wurde das Gemälde „Madonna Litta“ von einem Mailänder Künstler, vielleicht Ambrogio de Predis, völlig umgeschrieben, wie beispielsweise V.N. Lazarev (Lazarev V.N. Leonardo da Vinci. M., 1952. S. 28-29). Dieser Künstler arbeitete tatsächlich mit Leonardo zusammen, insbesondere im Rahmen eines Vertrags mit der Mailänder Bruderschaft der Unbefleckten Empfängnis für das Gemälde „Felsenmadonna“. Nach allgemeiner Meinung hat Leonardo bei der Madonna Litta selbst die allgemeine Anordnung der Figuren vorgenommen, den Kopf der Muttergottes fertiggestellt und einige Körperteile des Kindes vollständig bemalt.

Von besonderem Interesse im Rahmen unseres Themas ist Leonardos Zusammenarbeit mit Ambrogio de Predis an der Spätfassung der Felsenmadonna, die heute in der British National Gallery aufbewahrt wird. Genau wie in „Madonna Litte“ sind die Farben in „Madonna of the Rocks“ gedämpft, sodass Gesichter und Körper auf den ersten Blick wie in tödliche Blässe gehüllt wirken. Als das Gemälde der Felsenmadonna nach dem Zweiten Weltkrieg freigegeben wurde, empfanden einige Kunstkritiker die Farben als so matt, dass sie der British National Gallery vorwarfen, die Sicherheit des Meisterwerks nicht zu überwachen.

Eine weitere Klärung offenbarte jedoch Leonardos wahre Absicht: Alle Farben wurden bewusst nicht betont, sie schienen ihre dekorative Wirkung völlig verloren zu haben und dienten nur noch dem Ausdruck der Idee des Künstlers. Es spiegelte die Ergebnisse von Leonardos langen Überlegungen, seiner Forschung auf dem Gebiet des Hell-Dunkel-Lichts und der Suche nach einer Methode wider, „wie man Figuren plastisch macht“. Daher beeinflusst Farbe in erster Linie nicht das Sehen, sondern direkt den Geist.

Mit der zweiten Fassung der „Felsenmadonna“ begann Leonardo erneut 1506 in Mailand, wohin er im Alter von 54 Jahren vom französischen Vizekönig Charles d’Amboise auf Anweisung von König Ludwig XII. berufen wurde, der „mehrere“ haben wollte Kleine Bilder Unserer Lieben Frau“ von Leonardo. Dieser Umstand ist für unser Thema von besonderem Interesse. Zunächst sollte man die farbliche Ähnlichkeit des blauen Umhangs mit gelbem Futter bei der Felsenmadonna und der Madonna von Litta berücksichtigen. Bekanntlich musste Leonardo in der Londoner Version der „Felsenmadonna“ den Wünschen der Mailänder Bruderschaft der Unbefleckten Empfängnis Rechnung tragen und den Händen des Säuglings Johannes des Täufers ein verlängertes Kreuz hinzufügen, zu dem die Der Segen des Göttlichen Kindes ist gerichtet.

Leonardo entwickelte im gleichen Zeitraum (1503-1508) ein ähnliches Thema in dem Gemälde „Madonna mit dem Spinnrad“, in dem einem so alltäglichen Detail wie dem Spinnrad, nach dem das göttliche Kind griff, eine Ähnlichkeit mit einem Kreuz verliehen wurde. die nach dem Plan des Künstlers die kommende Passion des Herrn symbolisierte. Die Einfassung des Schultergürtels der Jungfrau Maria in der Madonna mit dem Spinnrocken, vor allem in der Skizze aus der Sammlung Windsor von 1501, die mit roter Kreide auf rosa getöntem Papier angefertigt wurde, erinnert an eine ähnliche Kompositionstechnik in der Madonna Litte. Bemerkenswert ist auch, dass im Hammer-Codex (ehemals Leicester-Codex), der von Leonardo zwischen 1506 und 1508 zusammengestellt wurde, eine Skizze einer weiblichen Figur von hinten (Hammer 20) enthalten ist, die sehr an die Drehung des Kopfes in Richtung des Rückens erinnert Betrachter, das gleiche Merkmal des Bildes des Gotteskindes im Gemälde „Madonna Litta“.

Ebenso bedeutsam ist das Zusammentreffen der Positionierung des linken Beins des göttlichen Kindes in der „Madonna Little“ mit einem ähnlichen Detail in der zweiten Version des Gemäldes „St. Anna mit Maria und dem Christuskind“, im Auftrag von Servitenmönchen aus dem Verkündigungskloster in Florenz. Leonardo stellte die Jungfrau, die heilige Anna und das Kind dar, die versuchten, ein Lamm zu besteigen, und zwar so, dass „alle Figuren in Lebensgröße gezeichnet sind, aber auf einem relativ kleinen Karton platziert sind, weil sie sitzen oder sich bücken, und jede.“ befindet sich von rechts nach links voreinander", heißt es in der Aussage des Gesandten der Marquise Isabelle d'Este über die erste Ausstellung dieses Kartons im März-April 1501 (Wallace R . Die Welt von Leonardo. M., 1997. S. 122).

Allen diesen unter anderem korrekten und chronologisch korrekten Vergleichen ist hinzuzufügen, dass eine wissenschaftliche Röntgenuntersuchung des Gemäldes „Madonna Litta“ in der Eremitage es ermöglichte, die unbestrittene Ähnlichkeit der „Madonna Litta“ mit dem Gemälde „Madonna Litta“ festzustellen „Gioconda“ (1503, 1514-1515) sowie in allgemeinen Umrissen, sowie der gesamte Charakter der Zeichnung des Autors im Röntgenbild (Gukovsky M. A. Madonna Litta. L.-M., 1959. S. 56). Vor diesem Hintergrund wäre es in dieser Studie durchaus berechtigt, den Beginn der Arbeit an der „Madonna Litta“ der zweiten Mailänder Schaffensperiode Leonardos zuzuordnen, der die Entstehung seines kleinen Meisterwerks in Rom fortsetzte.

Von besonderer Bedeutung ist in diesem Zusammenhang das Interesse des Künstlers in dieser Zeit an der vorherrschenden Rot-Blau-Palette, die die „Madonna Litta“ näher an das „Letzte Abendmahl“ aus den Jahren 1495–1498 heranführt. für das Dominikanerkloster Santa Maria del Grazie in Mailand. In seinem letzten Werk verwendete Leonardo zum ersten Mal Tempera, wofür er eine spezielle Zusammensetzung aus Harz und Mastix erfinden musste, um den Boden zu stärken (es sei darauf hingewiesen, dass vor Leonardo ein spezieller Kleber aus gekratztem Ziegenpergament verwendet wurde). für Tempera-Azurblau wurde aufgrund seiner kristallinen Transparenz nur in Werken des 14. Jahrhunderts von Cennino Cennini erwähnt.

Cattedrale tomba di Baldassare Turrini (1481-1543), Pescia

In diesem Zusammenhang sollten Sie genau darauf achten wichtige Tatsache, angegeben in der von George Vasari zusammengestellten Biographie von Leonardo: „Zu dieser Zeit malte er für den Meister Baldassari Turini von Pesci, Datarius von Papst Leo, ein kleines Bild mit der Darstellung Unsere Liebe Frau mit dem Kind im Arm und mit unendlicher Sorgfalt und Geschick geschrieben. Allerdings entweder durch die Schuld desjenigen, der es vorbereitet hat, oder durch seine eigene Schuld Aufgrund der komplizierten Mischungen aus Grundierungen und Farben ist es derzeit stark beschädigt. In einem anderen kleinen Gemälde stellte er ein Kind von erstaunlicher Schönheit und Anmut dar. Beide Gemälde befinden sich derzeit in Pesci im Haus von Messer Giulio Turini" Leider ist bisher keinem der Forscher aufgefallen, wie sehr diese einzigartige Information von Vasari mit der Komposition des Gemäldes „Madonna Litta“ übereinstimmt, wo die Gottesmutter von Leonardo mit dem Gotteskind im Arm dargestellt wird (sic!) , gleich Die Beschreibung der Erhaltung und der technologischen Merkmale der „Madonna Litta“ aus der Eremitage stimmt in gewisser Weise überein“ (Für die vollständige Veröffentlichung des Artikels siehe: Ulyanov O.G. Leonardo da Vincis Gemälde „Madonna Litta“ und das älteste Bild von die Mutter Gottes in den Katakomben von St. Priscilla (Rom) (zum 550. Geburtstag des Künstlers) // Art of the Christian World Ausgabe 7. M., 2003. S. 336-348).

Interview mit Oleg Germanovich Uljanow Strana.Ru Am 15. Dezember 2003 fand im Zusammenhang mit der Ausstellung eines Meisterwerks aus der Sammlung der Staatlichen Eremitage in Rom im Bandiera-Saal des Quirinalspalastes (Residenz des Präsidenten der Republik) das Gemälde „Madonna Litta“ von Leonardo da Vinci statt. zeitgleich mit dem Besuch von Präsident Wladimir Putin in Italien, siehe: http://www.nesusvet.narod.ru/ico/books/ulyanov/

Für neue Entdeckungen beim Studium des berühmten Gemäldes von Leonardo da Vinci „Madonna Litta“ siehe: http://www.neofit.ru/modules.php?name=bs&file=displayimage&album=51&pos=-246

Siehe auch den Artikel von O.G. Uljanow über Leonardo „Der Mythos der Kunst oder die Kunst des Mythos“: http://religion.ng.ru/art/2004-01-21/7_freyd.html

Madonnen von Leonardo da Vinci und Raphael Santi

M a d o n s

Leonardo da Vinci und Rafael Santi

Leonardo da Vinci- einer der größten Vertreter der Kunst der Hochrenaissance, ein Beispiel für einen „universellen Menschen“.

Er war Künstler, Bildhauer, Architekt, Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, Musiker.
Sein voller Name ist Leonardo di ser Piero da Vinci, übersetzt aus italienische Sprache es bedeutet „Leonardo, Sohn von Herrn Piero von Vinci“.
Im modernen Sinne hatte Leonardo keinen Nachnamen – „da Vinci“ bedeutet einfach „(aus) der Stadt Vinci“.
Unsere Zeitgenossen kennen Leonardo vor allem als Künstler.

Mona Lisa - 1503-1506 Leonardo da Vinci

Wer kennt „La Gioconda“ nicht – berühmtes Meisterwerk Leonardo da Vinci?! Das Gesicht von Gioconda ist der ganzen Welt bekannt; ihr Bild ist immer noch das am häufigsten reproduzierte Bild. Doch trotz seiner Beliebtheit und Verbreitung bleibt La Gioconda für uns ein Rätsel.

Dieses Bild ist voller Geheimnisse, und jedes Mal, wenn wir es betrachten, verspüren wir das erstaunliche Gefühl, etwas Neues, bisher Unerforschtes zu entdecken – so wie wir eine aus dem Sommer bekannte Landschaft wiederentdecken und sie eines Herbstes in einem geheimnisvollen Nebeldunst eingetaucht sehen ...

Einst behauptete Vasari, dass „Mona Lisa“ (kurz für „Madonna Lisa“) von der dritten Frau eines reichen Florentiner namens Francesco di Bartolomee del Giocondo gemalt wurde, daher der zweite Name des Gemäldes, „La Gioconda“.

Das für Leonardo da Vincis Malstil typische „Sfumato“ betont hier die geheimnisvolle Kraft der Natur, die der Mensch nur sehen, aber mit seinem Verstand nicht begreifen kann.

Dieser Konflikt zwischen dem Sichtbaren und dem Vorhandenen führt zu einem vagen Angstgefühl, verstärkt durch die Hilflosigkeit gegenüber Natur und Zeit: Der Mensch weiß nicht, wohin er gehen soll, weil sein Leben – wie der kurvenreiche Weg aus der düsteren Landschaft hinter Mona Lisa – kommt aus dem Nichts und eilt ins Nirgendwo ...

Leonardo beschäftigt sich mit der Frage nach dem Platz des Menschen in dieser Welt und es scheint, dass er eine der möglichen Antworten im Lächeln der unvergleichlichen Mona Lisa zum Ausdruck bringt: Dieses ironische Lächeln ist ein Zeichen dafür, dass er sich der kurzen Dauer der menschlichen Existenz bewusst ist Erde und Unterwerfung unter die ewige Ordnung der Natur. Das ist die Weisheit von Gioconda.

Wie der deutsche Philosoph Karl Jaspers (1883-1969) feststellte, „lindert La Gioconda die Spannung zwischen Persönlichkeit und Natur und verwischt auch die Grenzen zwischen Leben und Tod.“

La Gioconda wurde in Italien geschrieben und blieb für immer in Frankreich – wahrscheinlich als eine Art Bonus für die Gastfreundschaft, die seinem Autor entgegengebracht wurde.

Leonardo da Vinci: Madonna Litta

Litta - Mailänder Adelsfamilie des 17.-19. Jahrhunderts. Das Gemälde befand sich mehrere Jahrhunderte lang in der Privatsammlung dieser Familie – daher der Name. Der ursprüngliche Titel des Gemäldes war „Madonna mit Kind“. „Madonna“ wurde 1864 von der Eremitage erworben.
Es wird angenommen, dass das Gemälde in Mailand gemalt wurde, wohin der Künstler 1482 zog.
Sein Erscheinen markierte eine neue Etappe in der Kunst der Renaissance – die Etablierung des Hochrenaissance-Stils.
Die Vorzeichnung für das Hermitage-Gemälde wird im Pariser Louvre aufbewahrt.

„Felsenmadonna“ (1483-1486) Baum in Öl auf Leinwand übertragen. 199x122 cm. Louvre (Paris)

Madonna in der Grotte

„Madonna in der Grotte“ ist das erste Werk Leonardo da Vincis aus der Mailänder Schaffenszeit. Dieses Gemälde sollte ursprünglich den Altar der Kapelle der Bruderschaft der Unbefleckten Empfängnis im Mailänder Dom San Francesco Grande schmücken und ist ein hervorragendes Zeugnis für Leonardo da Vincis unübertroffene Meisterschaft in dieser Kunst. Cut-Off-Modellierung Figuren und Raum.

Leonardo da Vinci: Dame mit Hermelin

Leonardo da Vinci: Madonna Benois

Leonardo da Vinci: Ginevra de' Benci

La Belle Ferronière ist ein Porträt einer Frau im Louvre, das vermutlich ein Werk von Leonardo da Vinci oder seinen Schülern ist.

„Madonna mit der Nelke“ ist ein Gemälde, das viele Kunsthistoriker dem jungen Leonardo da Vinci zuschreiben. Vermutlich wurde es von Leonardo geschaffen, als er sein Schüler in der Werkstatt von Verrocchio war. 1478-1480

Diese Sammlung enthält die meisten Berühmte Gemälde Raphael, dem Bild der Muttergottes (Madonna) gewidmet.

Folge deinem LehrerPerugino-Künstler Rafael Santi(1483-1520) schuf eine umfangreiche BildergalerieMaria und Kind , die sehr vielfältig sind Kompositionstechniken und psychologische Interpretationen.

Raffaels frühe Madonnen folgen bekannten VorbildernUmbrische Malerei Quattrocento . Idyllische Bilder sind nicht ohne Zwang, Trockenheit und Hieratizität. Direkter ist das Zusammenspiel der Figuren auf den Madonnen der Florentiner Zeit. Sie zeichnen sich durch Komplexität aus Landschaft Hintergründe. Die universellen Erfahrungen der Mutterschaft treten in den Vordergrund – Marias Gefühl der Angst und zugleich des Stolzes über das Schicksal ihres Sohnes. Diese Schönheit der Mutterschaft ist der emotionale Schwerpunkt der Madonnen, die nach dem Umzug des Künstlers nach Rom entstanden. Der absolute Höhepunkt gilt als „Sixtinische Madonna „(1514), wo triumphale Freude und Noten erwachender Angst harmonisch miteinander verwoben sind.

„Madonna mit Kind“ (Madonna di Casa Santi) ist Raffaels erster Appell an das Bild, das zum Hauptbild im Werk des Künstlers werden wird. Das Gemälde stammt aus dem Jahr 1498. Der Künstler war zum Zeitpunkt des Malens erst 15 Jahre alt. Das Gemälde befindet sich heute im Raffael-Museum Italienische Stadt Urbino.

„Madonna Connestabile“ wurde 1504 gemalt und später nach dem Besitzer des Gemäldes, Graf Conestabile, benannt. Das Gemälde wurde gekauft Russischer Kaiser Alexander II. Jetzt befindet sich „Madonna Conestabile“ in der Eremitage (St. Petersburg). "
„Madonna Conestabile“ berücksichtigt letzter Job, geschaffen von Raffael in Umbrien, bevor er nach Florenz zog.

„Madonna mit Kind und den Heiligen Hieronymus und Franziskus“ (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504. Das Gemälde befindet sich jetzt in der Berliner Kunsthalle.

„Kleine Madonna von Cowper“ (Piccola Madonna Cowper) wurde zwischen 1504 und 1505 geschrieben. Das Gemälde wurde nach seinem Besitzer Lord Cowper benannt. Das Gemälde befindet sich jetzt in Washington (National Gallery of Art).

„Madonna Terranuova“ wurde zwischen 1504 und 1505 geschrieben. Das Gemälde erhielt seinen Namen von einem der Besitzer – dem italienischen Herzog von Terranuva. Das Gemälde befindet sich jetzt in der Berliner Kunsthalle.

Raffaels Gemälde Heilige Familie„Unter der Palme“ (Sacra Famiglia con palma) ist auf das Jahr 1506 datiert. Wie im vorherigen Gemälde zeigt es die Jungfrau Maria, Jesus Christus und den heiligen Josef (diesmal mit traditionellem Bart). Das Gemälde befindet sich in der Nationalgalerie von Schottland in Edinburgh.

„Madonna im Grünen“ (Madonna del Belvedere) stammt aus dem Jahr 1506. Das Gemälde befindet sich heute in Wien (Kunsthistorisches Museum). Auf dem Gemälde hält die Jungfrau Maria das Christuskind, das Johannes dem Täufer das Kreuz abnimmt.

„Madonna Aldobrandini“ stammt aus dem Jahr 1510. Das Gemälde ist nach den Besitzern benannt – der Familie Aldobrandini. Das Gemälde befindet sich jetzt in der London National Gallery.

„Madonna mit Kandelaber“ (Madonna dei Candelabri) stammt aus den Jahren 1513–1514. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christuskind, umgeben von zwei Engeln. Das Gemälde ist da Kunstmuseum Walters in Baltimore (USA).

Die Sixtinische Madonna stammt aus den Jahren 1513–1514. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christuskind im Arm. Links von der Muttergottes steht Papst Sixtus II., rechts die heilige Barbara. Die Sixtinische Madonna befindet sich in der Galerie Alte Meister in Dresden (Deutschland).

„Madonna im Sessel“ (Madonna della Seggiola) ist auf 1513–1514 datiert. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christuskind im Arm und Johannes den Täufer. Das Gemälde befindet sich in der Palatina-Galerie in Florenz.

Originalbeitrag und Kommentare unter

Leonardo da Vinci ist einer der größten Vertreter der Kunst der Hochrenaissance, ein Beispiel für den „universellen Menschen“.

Er war Künstler, Bildhauer, Architekt, Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, Musiker.
Sein voller Name ist Leonardo di ser Piero da Vinci, aus dem Italienischen übersetzt bedeutet es „Leonardo, Sohn des Herrn Piero aus Vinci“.
Im modernen Sinne hatte Leonardo keinen Nachnamen – „da Vinci“ bedeutet einfach „(aus) der Stadt Vinci“.
Unsere Zeitgenossen kennen Leonardo vor allem als Künstler. Es sind 19 Gemälde von Leonardo bekannt.

Angebliches Selbstporträt von Leonardo da Vinci
Kunsthistoriker können nicht mit Sicherheit sagen, dass es sich bei dem berühmten Porträt eines alten Mannes um ein Selbstporträt handelt. Vielleicht ist dies nur eine Studie des Apostelkopfes für das Letzte Abendmahl.
Aus dem umfangreichen künstlerischen und wissenschaftlichen Erbe von Leonardo da Vinci (1452-1519) betrachten wir in diesem Artikel nur die malerischen Madonnenbilder.

„Madonna mit der Nelke“ (1478)

Holz, Öl. 42x67 cm. Alte Pinakothek (München)
Es wird angenommen, dass dieses Gemälde vom jungen Leonardo da Vinci gemalt wurde, als er Schüler in der Werkstatt des italienischen Bildhauers und Malers Verrocchio war, einem von Leonardos Lehrern.

Beschreibung des Bildes

Madonna wird mit einem kaum wahrnehmbaren Anschein eines Lächelns auf den Lippen dargestellt. In ihrem Gesicht spiegelt sich kein Gefühl mehr wider.
Ihre Kleidung passt zu der bizarren Bergkette im Hintergrund. Dargestellt ist Madonna mit einem Empfang Sfumato. Diese Technik wurde von Leonardo da Vinci entwickelt. Es besteht darin, dass die Umrisse von Figuren und Gegenständen durch die sie umhüllende Luft weicher werden (sfumato (italienisch sfumato – schattiert, wörtlich: „wie Rauch verschwinden“).
Das Jesuskind hingegen ist in lebhafter Bewegung dargestellt. Mit seinen noch ungeschickten Händen versucht er, die rote Nelke zu ergreifen, die seine Mutter in ihrer anmutigen Hand hält. Das Baby legt sein rechtes Bein auf das Kissen und sein linkes Bein ist unter Spannung angehoben. Er will unbedingt die Blume erreichen!
Es besteht die Meinung, dass es sich lediglich um eine Kopie des noch unbekannten Originals handelt.

„Madonna Benois“ (oder „Madonna mit Blume“), 1478-1480

Leinwand (aus Holz übersetzt), Öl. 48x31,5 cm. Staatliche Eremitage (St. Petersburg)
Dieses Bild gilt auch für frühe Arbeiten Leonardo. Es gilt als unvollendet. Der Titel des Gemäldes stammt nicht vom Autor. 1914 erwarb die Eremitage es von Maria Alexandrowna Benois, der Frau des Hofarchitekten Leonty Nikolajewitsch Benois, Russischer Architekt und Lehrer. Das Gemälde von Leonardo da Vinci schenkte ihm sein Schwiegervater, ein wohlhabender Fischhändler aus Astrachan.

Beschreibung des Bildes

Die Madonna mit dem Kind ist in einem schwach beleuchteten Raum dargestellt. Die einzige Lichtquelle darin ist ein in der Tiefe befindliches Doppelfenster. Es ist das Licht dieses Fensters, das die Figuren im Bild hervorhebt und es durch das Hell-Dunkel-Spiel belebt.
Der Künstler stellt Madonna als eine gewöhnliche junge Frau dar, eine Mutter, die liebevoll ihr Kind ansieht, das seine ersten Versuche unternimmt, die Welt zu erkunden, indem es eine Blume betrachtet. Madonna trägt ein Kostüm, das schon Leonardos Zeitgenossen trugen. Und sie ließ sich die Haare nach der Mode jener Jahre frisieren.
Die Symbolik des Bildes wird durch die Blume angedeutet Kreuzblütler. Dies ist ein Symbol der Kreuzigung. Aber für ein Kind ist es im Moment nur ein unschuldiges Spielzeug.
„Madonna mit der Blume“ von Leonardo da Vinci war einst den Künstlern dieser Zeit weithin bekannt. Weitere Werke wurden unter ihrem Einfluss fertiggestellt berühmte Künstler, darunter Raffael.
Doch dann galt Leonardos Gemälde jahrhundertelang als verschollen.

„Madonna Litta“ (1490-1491)

Leinwand, Tempera. 42x33 cm. Staatliche Eremitage (St. Petersburg)

Litta- Mailänder Adelsfamilie des 17.-19. Jahrhunderts. Das Gemälde befand sich mehrere Jahrhunderte lang in der Privatsammlung dieser Familie – daher der Name. Der ursprüngliche Titel des Gemäldes war „Madonna mit Kind“. „Madonna“ wurde 1864 von der Eremitage erworben.
Es wird angenommen, dass das Gemälde in Mailand gemalt wurde, wohin der Künstler 1482 zog.
Sein Erscheinen markierte eine neue Etappe in der Kunst der Renaissance – die Etablierung des Hochrenaissance-Stils.
Die Vorzeichnung für das Hermitage-Gemälde wird im Louvre in Paris aufbewahrt.

Zeichnen im Louvre

Beschreibung des Bildes

Schöne junge Frau, die ein Baby füttert, stellt dar Mutterliebe als den größten menschlichen Wert.
Der Bildaufbau ist schlicht und harmonisch. Die Figuren von Maria und dem Christuskind werden durch leichtes Hell-Dunkel hervorgehoben. Die Harmonie in den Beziehungen zwischen den Figuren im Bild wird durch die Berglandschaft in den symmetrischen Fenstern betont und erweckt ein Gefühl der Erhabenheit des Universums.
Madonnas Gesicht ist im Profil dargestellt, mit einem subtilen Lächeln in den Mundwinkeln. Das Baby konzentriert sich auf seine Beschäftigung und blickt geistesabwesend auf das Publikum. Rechte Hand Er hält die Brust seiner Mutter und in seiner Linken hält er einen Stieglitz.

„Felsenmadonna“

Leonardo da Vinci schuf zwei Gemälde mit ähnlicher Komposition. Eines wurde früher gemalt und ist derzeit im Louvre (Paris) ausgestellt. Ein weiteres (vor 1508 verfasstes) ist in der Londoner National Gallery ausgestellt.

„Felsenmadonna“ (1483-1486)

Baum in Öl auf Leinwand übertragen. 199x122 cm. Louvre (Paris)
Diese Version wurde für die Kapelle der Kirche San Francesco Grande in Mailand erstellt. Im 18. Jahrhundert es wurde vom englischen Künstler Gavin Hamilton gekauft und nach England gebracht. Anschließend befand es sich in verschiedenen Privatsammlungen, bis es 1880 von der National Gallery gekauft wurde.
Im Jahr 2005 entdeckte eine Infrarotstudie ein weiteres Gemälde unter diesem Gemälde, was einige Forscher zu der Annahme veranlasste, dass Leonardo ursprünglich vorhatte, eine Anbetung des Jesuskindes zu malen.

„Felsenmadonna“ Londoner Nationalgalerie

Beschreibung der Gemälde

Beide Gemälde zeigen die kniende Jungfrau Maria mit ihrer Hand auf dem Kopf des kleinen Johannes des Täufers. Rechts ist das Jesuskind zu sehen, das von einem Engel gehalten wird. Jesus hob seine Hand zum Segen. Die Szene der Beziehung zwischen den dargestellten Charakteren und dem Landschaftshintergrund kontrastiert: Auf der einen Seite herrscht Ruhe und Zärtlichkeit, auf der anderen Seite ein alarmierendes Gefühl der rauen Landschaft. Der Künstler verwendet seine Lieblingstechnik (Sfumato), um die Umrisse von Gesichtern und Objekten weicher zu machen.

„Madonna mit der Spindel“ (um 1501)

Das Original dieses Gemäldes ist verloren gegangen. Es gibt jedoch drei Kopien, von denen zwei 1501 von Leonardo da Vinci (oder Schülern seiner Schule) erstellt wurden. Eine weitere Kopie entstand 1510.

Nationalgalerie von Schottland
Ein Exemplar befindet sich derzeit in der National Gallery of Scotland in Edinburgh, das andere in einer Privatsammlung in New York.
Leonardos Zeitgenossen mochten dieses kleine Gemälde einer sehr jungen Madonna mit Kind. Deshalb wurden Kopien angefertigt.

„Madonna mit der Spindel“ (1501)
Holz, Öl. 48,3 x 36,9 cm. Privatsammlung
Es ist aber durchaus möglich, dass es sich hierbei nicht um eine Kopie handelt, sondern eine neue Version, im selben Jahr 1501 wie das Original erstellt.

„Madonna mit Spindel“ (1510)
Öl auf Leinwand auf Holz, 50,2x36,4 cm. Privatsammlung (New York)
Die hohe Qualität des Gemäldes beweist, dass es in der Werkstatt von Leonardo da Vinci, möglicherweise unter seiner Aufsicht, ausgeführt wurde.

Beschreibung des Bildes

Das Gemälde zeigt die junge Jungfrau Maria und das Christuskind, das eine Spindel in Form eines Kruzifixes hält – ein Symbol zugleich Herd und Zuhause und das Kreuz. In der klassischen Mythologie symbolisierte die Spindel das menschliche Schicksal.
Die gesamte Marienfigur drückt die Liebe zum Kind aus. Es scheint, als wolle sie das Kind von der Spindel ablenken. Aber selbst die Mutter kann die für Christus bestimmte Kreuzigung nicht verhindern.
Und das Kind wendet sich ganz dem Symbol seiner zukünftigen Leidenschaft zu und wendet sich vom liebevollen Blick der Mutter ab.