DD. Si Shostakovich ay isa sa mga pinakadakilang kompositor ng ika-20 siglo. Ang musika ni Shostakovich ay nakikilala sa pamamagitan ng lalim at kayamanan ng makasagisag na nilalaman. Ang panloob na mundo ng isang tao na may kanyang mga iniisip at hangarin, pagdududa, isang taong nakikipaglaban sa karahasan at kasamaan, ay ang pangunahing tema ng Shostakovich, na kinakatawan sa maraming paraan sa kanyang mga gawa.

Ang hanay ng genre ng gawa ni Shostakovich ay mahusay. Siya ang may-akda ng mga symphony at instrumental ensembles, malaki at chamber vocal forms, musical stage works, musika para sa mga pelikula at theatrical productions. Gayunpaman, ang batayan ng trabaho ng kompositor ay instrumental na musika, at higit sa lahat ang symphony. Sumulat siya ng 15 symphony.

Sa katunayan, pagkatapos ng klasikong ipinakita ng dalawang magkakaibang mga tema, sa halip na pag-unlad, isang bagong pag-iisip ang lilitaw - ang tinatawag na "episode ng pagsalakay". Ayon sa interpretasyon ng mga kritiko, dapat itong magsilbi musikal na imahe Ang nalalapit na avalanche ni Hitler.

Ang cartoonish, lantad na nakakagulat na tema ay sa loob ng mahabang panahon ang pinakasikat na melody na sinulat ni Shostakovich. Dapat idagdag na ang isang fragment mula sa gitna nito ay ginamit ni Bela Bartok sa ikaapat na paggalaw ng kanyang Concerto para sa Orchestra noong 1943.

Ang unang bahagi ay may pinakamalaking epekto sa mga tagapakinig. Ang dramatikong pag-unlad nito ay walang kapantay sa buong kasaysayan ng musika, at ang pagpapakilala sa isang tiyak na punto ng isang karagdagang grupo ng mga instrumentong tanso, na sa kabuuan ay nagbigay ng napakalaking komposisyon ng walong sungay, anim na trumpeta, anim na trombone at isang tuba, ay nagpapataas ng sonority. sa hindi pa naririnig na mga sukat.

Pakinggan natin mismo si Shostakovich: "Ang pangalawang paggalaw ay isang liriko, napaka banayad na intermezzo. Hindi ito naglalaman ng mga programa o anumang "mga partikular na larawan" tulad ng unang bahagi. May kaunting katatawanan ito (I can't live without it!). Alam na alam ni Shakespeare ang halaga ng katatawanan sa trahedya, alam niya na imposibleng panatilihing suspense ang mga manonood sa lahat ng oras."
.

Ang symphony ay isang malaking tagumpay. Si Shostakovich ay pinarangalan bilang isang henyo, ang Beethoven ng ika-20 siglo, at inilagay sa unang lugar sa mga buhay na kompositor.

Ang musika ng Eighth Symphony ay isa sa mga pinaka-personal na pahayag ng artist, isang nakamamanghang dokumento ng malinaw na pagkakasangkot ng kompositor sa mga usapin ng digmaan, protesta laban sa kasamaan at karahasan.

Ang Eighth Symphony ay naglalaman ng isang malakas na singil ng pagpapahayag at pag-igting. Ang malakihang unang paggalaw, na tumatagal ng humigit-kumulang 25 minuto, ay bubuo sa isang napakahabang hininga, ngunit walang pakiramdam ng pagpapahaba sa loob nito, walang labis o hindi naaangkop. Mula sa isang pormal na pananaw, mayroong isang kapansin-pansin na pagkakatulad dito sa unang paggalaw ng Fifth Symphony. Kahit na ang pambungad na leitmotif ng Ikawalo ay tila isang pagkakaiba-iba sa simula ng isang naunang gawain.

Sa unang paggalaw ng Eighth Symphony, ang trahedya ay umabot sa hindi pa nagagawang sukat. Ang musika ay tumatagos sa tagapakinig, na nagbubunga ng isang pakiramdam ng pagdurusa, sakit, kawalan ng pag-asa, at ang nakadurog na kasukdulan bago ang muling pagbabalik ay tumatagal ng mahabang oras upang maghanda at nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kapangyarihan ng epekto nito. Sa susunod na dalawang bahagi, bumalik ang kompositor sa katawa-tawa at karikatura. Ang una sa mga ito ay isang martsa, na maaaring maiugnay sa musika ng Prokofiev, kahit na ang pagkakatulad na ito ay puro panlabas. Para sa isang malinaw na programmatic na layunin, ginamit ni Shostakovich ang isang tema dito na isang parodic paraphrase ng German foxtrot na "Rosamund". Ang parehong tema sa dulo ng kilusan ay mahusay na nakapatong sa pangunahing, unang musikal na ideya.

Ang aspeto ng tonal ng piyesang ito ay lalong kawili-wili. Sa unang sulyap, umaasa ang kompositor sa tonality ng Des major, ngunit sa katotohanan ay gumagamit siya ng kanyang sariling mga mode, na may maliit na pagkakatulad sa functional system ng major-minor.

Ang ikatlong kilusan, ang toccata, ay parang pangalawang scherzo, kahanga-hanga, puno ng panloob na lakas. Simple sa anyo, napaka-uncomplicated sa musikal. Ang paggalaw ng motor ostinato ng quarter quarters sa toccata ay patuloy na nagpapatuloy sa buong paggalaw; Laban sa background na ito, lumitaw ang isang hiwalay na motibo, na kumikilos bilang isang tema.

Ang gitnang seksyon ng toccata ay naglalaman ng halos ang tanging nakakatawang yugto sa buong trabaho, pagkatapos nito ang musika ay muling bumalik sa unang pag-iisip. Ang tunog ng orkestra ay nakakakuha ng higit at higit na lakas, ang bilang ng mga kalahok na instrumento ay patuloy na tumataas, at sa pagtatapos ng paggalaw ay dumating ang rurok ng buong simponya. Pagkatapos nito, ang musika ay direktang napupunta sa passacaglia.

Ang Passacaglia ay gumagalaw sa ikalimang paggalaw ng isang pastoral na karakter. Ang finale na ito ay binuo mula sa ilang maliliit na episode at iba't ibang tema, na nagbibigay dito ng medyo mosaic na karakter. Ito ay may isang kawili-wiling anyo, pinagsasama ang mga elemento ng isang rondo at sonata na may isang fugue na hinabi sa pag-unlad, napaka nakapagpapaalaala sa noon ay hindi kilalang fugue mula sa scherzo ng Fourth Symphony.

Ang Eighth Symphony ay nagtatapos sa pianissimo. Ang coda, na ginagampanan ng mga instrumentong kuwerdas at isang solong plauta, ay tila naglalagay ng tandang pananong, at sa gayon ang gawain ay walang hindi malabo na optimistikong tunog ng Leningradskaya.

Tila nakita ng kompositor ang gayong reaksiyon bago ang unang pagtatanghal ng Ikasiyam, na nagsasabi: “Tutugtog ito nang may kasiyahan ang mga musikero, at pupunahin ito ng mga kritiko.”
.

Sa kabila nito, ang Ninth Symphony ay naging isa sa pinakasikat na mga gawa ni Shostakovich.

Ang unang bahagi ng Ikalabintatlong Symphony, na nakatuon sa trahedya ng mga Hudyo na pinatay sa Babi Yar, ay ang pinaka-dramatiko, na binubuo ng ilang simple, nababaluktot na mga tema, ang una sa kung saan, gaya ng dati, ay gumaganap ng pangunahing papel. Sa loob nito ay maririnig ng isang tao ang malayong mga dayandang ng mga klasikong Ruso, lalo na ang Mussorgsky. Ang musika ay konektado sa teksto sa paraang ito ay hangganan sa paglalarawan, at ang karakter nito ay nagbabago sa paglitaw ng bawat susunod na yugto ng tula ni Yevtushenko.

Ang pangalawang bahagi - "Humor" - ay ang antithesis ng nauna. Sa loob nito, lumilitaw ang kompositor bilang isang walang kapantay na connoisseur ng coloristic na mga posibilidad ng orkestra at koro, at ang musika ay ganap na naghahatid ng mapang-akit na katangian ng tula.

Ang ikatlong bahagi, "Sa Tindahan," ay batay sa mga tula na nakatuon sa buhay ng mga babaeng nakatayo sa linya at gumagawa ng pinakamahirap na trabaho.

Mula sa bahaging ito ay lumalaki ang susunod - "Mga Takot". Ang isang tula na may pamagat na ito ay may kinalaman sa kamakailang nakaraan ng Russia, nang ang takot ay ganap na sumakop sa mga tao, kapag ang isang tao ay natatakot sa ibang tao, natatakot kahit na maging tapat sa kanyang sarili.

Ang huling "Karera" ay parang isang personal na komentaryo ng makata at kompositor sa buong akda, na humipo sa problema ng budhi ng artista.

Ang Ikalabintatlong Symphony ay ipinagbawal. Totoo, sa Kanluran ay naglabas sila ng isang rekord ng gramopon na may isang iligal na ipinadala na pag-record na ginawa sa isang konsiyerto sa Moscow, ngunit sa Unyong Sobyet ang marka at pag-record ay lumitaw lamang siyam na taon mamaya, sa isang bersyon na may binagong teksto ng unang kilusan. Para kay Shostakovich, ang Ikalabintatlong Symphony ay labis na mahal.

Ika-labing-apat na Symphony. Pagkatapos ng mga monumental na gawa tulad ng Thirteenth Symphony at ang tula tungkol kay Stepan Razin, kinuha ni Shostakovich ang isang diametrically na kabaligtaran na posisyon at binubuo ang trabaho para lamang sa soprano, bass at chamber orchestra, at para sa instrumental na komposisyon ay pumili lamang siya ng anim na instrumento ng percussion, isang celesta at labing siyam. mga string. Sa anyo, ang akda ay ganap na magkasalungat sa dating tipikal na interpretasyon ni Shostakovich ng symphony: ang labing-isang maliliit na paggalaw na bumubuo sa bagong komposisyon ay hindi sa anumang paraan ay kahawig ng isang tradisyonal na symphonic cycle.

Ang tema ng mga tekstong pinili mula sa tula nina Federico García Lorca, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Küchelbecker at Rainer Maria Rilke ay kamatayan, na ipinakita sa iba't ibang anyo at sa iba't ibang sitwasyon. Ang mga maliliit na yugto ay magkakaugnay, na bumubuo ng isang bloke ng limang malalaking seksyon (I, I - IV, V - VH, VHI - IX at X - XI). Ang bass at soprano ay salit-salit na kumakanta, kung minsan ay naglalabas ng isang diyalogo at sa huling bahagi lamang ay nagkakaisa sa isang duet.

Quadruple Ikalabinlimang Symphony, na isinulat lamang para sa orkestra, ay lubos na nakapagpapaalaala sa ilan sa mga naunang gawa ng kompositor. Lalo na sa laconic na unang kilusan, ang masaya at nakakatawang Allegretto, ang mga asosasyon ay bumangon sa Ninth Symphony, at ang mga malalayong tunog ng mas naunang mga gawa ay naririnig: ang First Piano Concerto, ilang mga fragment mula sa mga ballet na "The Golden Age" at "Bolt", pati na rin ang mga orkestra na intermisyon mula sa " Lady Macbeth." Sa pagitan ng dalawang orihinal na tema, ang kompositor ay naghabi ng motif mula sa overture hanggang kay William Tell, na lumilitaw nang maraming beses, at may lubos na nakakatawang karakter, lalo na't hindi ito ginaganap sa pamamagitan ng mga kuwerdas, tulad ng sa Rossini, ngunit ng isang grupo ng tanso. , parang isang banda ng bombero .

Ang Adagio ay nagdadala ng isang matalim na kaibahan. Ito ay isang symphonic fresco na puno ng pag-iisip at maging ang mga kalunos-lunos, kung saan ang pambungad na tonal chorale ay tinawid na may labindalawang tono na tema na ginanap ng solo cello. Maraming mga yugto ang nagpapaalala sa mga pinaka-pesimistikong fragment ng mga symphony ng gitnang panahon, pangunahin ang unang paggalaw ng Sixth Symphony. Ang pambungad na attacca ikatlong kilusan ay ang pinakamaikli sa lahat ng scherzos ni Shostakovich. Ang kanyang unang tema ay mayroon ding labindalawang tono na istraktura, kapwa sa pasulong na paggalaw at sa pagbabaligtad.

Ang finale ay nagsisimula sa isang quotation mula sa Wagner's "Ring of the Nibelung" (ito ay maririnig ng maraming beses sa kilusang ito), pagkatapos nito ay lilitaw ang pangunahing tema - liriko at kalmado, sa isang karakter na hindi karaniwan para sa mga finale ng mga symphony ni Shostakovich.

Hindi rin masyadong dramatic ang side theme. Ang tunay na pag-unlad ng symphony ay nagsisimula lamang sa gitnang seksyon - ang monumental na passacaglia, ang tema ng bass na malinaw na nauugnay sa sikat na "invasion episode" mula sa Leningrad Symphony.

Ang Passacaglia ay humahantong sa isang nakakasakit na kasukdulan, at pagkatapos ay ang pag-unlad ay tila masira. Lumilitaw muli ang mga pamilyar na tema. Pagkatapos ay dumating ang coda, kung saan ang bahagi ng konsiyerto ay ipinagkatiwala sa mga tambol.

Minsang sinabi ni Kazimierz Kord tungkol sa finale ng symphony na ito: "Ito ang musikang sinunog, pinaso sa lupa..."

Ang malaking sukat ng nilalaman, pangkalahatan ng pag-iisip, ang kalubhaan ng mga salungatan, ang dinamismo at mahigpit na lohika ng pag-unlad ng musikal na pag-iisip - lahat ng ito ay tumutukoy sa hitsura ng Shostakovich bilang isang symphonic composer. Ang Shostakovich ay nailalarawan sa pamamagitan ng pambihirang artistikong pagka-orihinal. Ang kompositor ay malayang gumagamit ng mga paraan ng pagpapahayag na nabuo sa iba't ibang makasaysayang panahon. Kaya, ang paraan ng polyphonic style ay may malaking papel sa kanyang pag-iisip. Ito ay makikita sa texture, sa likas na katangian ng melody, sa mga pamamaraan ng pag-unlad, sa apela sa mga klasikal na anyo ng polyphony. Ang anyo ng sinaunang passacaglia ay ginagamit sa isang natatanging paraan.

Sa pagsasalita tungkol sa mga gawa ni Shostakovich, kinailangan naming hawakan ang ilan sa mga tampok na pangkakanyahan ng kanyang trabaho. Ngayon kailangan nating ibuod kung ano ang sinabi at ituro ang mga tampok ng estilo na hindi pa nakakatanggap ng kahit isang maikling paglalarawan sa aklat na ito. Ang mga gawaing kinakaharap ngayon ng may-akda ay kumplikado sa kanilang sarili. Sila ay nagiging mas kumplikado dahil ang libro ay hindi lamang inilaan para sa mga dalubhasang musikero. Mapipilitan akong alisin ang karamihan sa kung ano ang konektado sa teknolohiya ng musika at espesyal na pagsusuri sa musika. Gayunpaman, imposibleng pag-usapan ang tungkol sa estilo ng komposisyon, tungkol sa musikal na wika, nang hindi hinahawakan ang mga teoretikal na isyu. Kailangan kong hawakan ang mga ito, kahit na sa maliit na lawak.
Ang isa sa mga pangunahing problema ng estilo ng musika ay nananatiling problema ng melos. Babaling tayo sa kanya.
Minsan sa mga klase ni Dmitry Dmitrievich kasama ang kanyang mga mag-aaral, lumitaw ang isang pagtatalo: ano ang mas mahalaga - ang himig (tema) o ang pag-unlad nito. Tinukoy ng ilan sa mga estudyante ang unang paggalaw ng Fifth Symphony ni Beethoven. Ang tema mismo ng kilusang ito ay elementarya, hindi kapansin-pansin, at lumikha si Beethoven ng isang napakatalino na gawa batay dito! At sa unang Allegro ng Third Symphony ng parehong may-akda, ang pangunahing bagay ay wala sa tema, ngunit sa pag-unlad nito. Sa kabila ng mga argumentong ito, ipinagtalo ni Shostakovich na ang pampakay na materyal, ang himig, ay may pangunahing kahalagahan pa rin sa musika.
Ang mga salitang ito ay kinumpirma ng gawa mismo ni Shostakovich.
Ang isa sa mga mahahalagang katangian ng makatotohanang sining ng musika ay ang pagiging kanta, na malawak na ipinakita sa mga instrumental na genre. Ang salitang ito sa kasong ito ay malawak na nauunawaan. Ang pagiging songful ay hindi lilitaw sa kanyang "dalisay" na anyo at madalas na pinagsama sa iba pang mga uso. Ito ang kaso sa musika ng kompositor kung kanino inilaan ang gawaing ito.
Bumaling sa iba't ibang mga mapagkukunan ng kanta, hindi pinansin ni Shostakovich ang sinaunang alamat ng Russia. Ang ilan sa kanyang mga melodies ay lumago mula sa mga hugot na liriko na kanta, iyak at panaghoy, mga epikong epiko, at mga himig ng sayaw. Ang kompositor ay hindi kailanman sumunod sa landas ng stylization o archaic etnography; malalim niyang pinroseso ang folklore melodic turns alinsunod sa mga indibidwal na katangian ng kanyang musikal na wika.
Mayroong vocal interpretation ng mga sinaunang katutubong kanta sa "The Execution of Stepan Razin" at sa "Katerina Izmailova". Pinag-uusapan natin, halimbawa, ang tungkol sa mga convict choir. Sa sariling papel ni Kaverina, ang mga intonasyon ng liriko at pang-araw-araw na pag-iibigan sa lunsod ng unang kalahati ng huling siglo ay muling nabuhay (tulad ng nabanggit na). Ang kanta ng “shabby little man” (“I had a godfather”) ay puno ng dance chants at himig.
Alalahanin natin ang ikatlong bahagi ng oratorio na "Awit ng mga Kagubatan" ("Pag-alaala sa Nakaraan"), ang himig nito ay nakapagpapaalaala sa "Luchinushka". Sa ikalawang bahagi ng oratorio ("Bihisan natin ang Inang Bayan sa mga kagubatan"), bukod sa iba pang mga awit, ang unang pagliko ng kantang "Hey, let's whoop" ay kumikislap sa iba pang mga awit. At ang tema ng huling fugue ay umaalingawngaw sa himig ng sinaunang awiting "Glory".
Lumilitaw ang mga malungkot na liko ng panaghoy at panaghoy sa ikatlong bahagi ng oratorio, at sa tulang koro na "The Ninth of January", at sa Eleventh Symphony, at sa ilang preludes at fugues ng piano.
Gumawa si Shostakovich ng maraming instrumental na melodies na nauugnay sa genre ng mga folk lyrical na kanta. Kabilang dito ang mga tema ng unang kilusan ng Trio, ang finale ng Second Quartet, ang mabagal na paggalaw ng First Cello Concerto - ang listahang ito, siyempre, ay maaaring ipagpatuloy. Hindi mahirap makahanap ng mga buto ng kanta sa mga melodies ni Shostakovich, batay sa mga waltz na ritmo. Ang globo ng Russian folk dance ay inihayag sa mga finale ng First Violin Concerto, ang Tenth Symphony (side part).
Ang rebolusyonaryong pagsulat ng kanta ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar sa musika ni Shostakovich. Marami nang nasabi tungkol dito. Kasabay ng magiting na aktibong intonasyon ng mga awitin ng rebolusyonaryong pakikibaka, ipinakilala ni Shostakovich sa kanyang musika ang mga melodic na liko ng matapang na malungkot na mga kanta ng pampulitikang mahirap na paggawa at pagpapatapon (smooth triplet moves na may nangingibabaw na pababang kilusan). Ang ganitong mga intonasyon ay pumupuno sa ilang tula ng koro. Ang parehong uri ng melodic na paggalaw ay matatagpuan sa Sixth at Tenth Symphony, bagama't ang nilalaman nito ay malayo sa mga tula ng koro.
At ang isa pang kanta na "reservoir" na nagpakain sa musika ni Shostakovich ay mga kanta ng masa ng Sobyet. Siya mismo ang lumikha ng mga gawa ng ganitong genre. Ang koneksyon sa kanyang melodic sphere ay pinaka-kapansin-pansin sa oratorio na "Song of the Forests," ang cantata "The Sun Shines Over Our Motherland," at ang Festive Overture.
Ang mga tampok ng operatic aria style, bilang karagdagan sa "Katerina Izmailova," ay lumitaw sa Shostakovich's Thirteenth and Fourteenth Symphony at chamber vocal cycles. Mayroon din siyang mga instrumental na cantilena na nakapagpapaalaala sa isang aria o romansa (ang oboe na tema mula sa pangalawang kilusan at ang solong plauta mula sa Adagio ng Ikapitong Symphony).
Ang lahat ng nabanggit sa itaas ay isang mahalagang bahagi ng gawain ng kompositor. Kung wala sila ay hindi ito mabubuhay. Gayunpaman, ang kanyang pagiging malikhain ay malinaw na ipinakita sa ilang iba pang mga elemento ng estilista. Ibig kong sabihin, halimbawa, recitativity - hindi lamang vocal, ngunit lalo na instrumental.
Ang isang melodikal na rich recitative, na naghahatid hindi lamang ng mga intonasyon ng pakikipag-usap, kundi pati na rin ang mga kaisipan at damdamin ng mga karakter, ay pumupuno sa "Katerina Izmailova". Ang cycle na "From Jewish Folk Poetry" ay nagbibigay ng mga bagong halimbawa ng mga partikular na katangian ng musikal na ipinatupad ng vocal at speech techniques. Ang vocal declamation ay sinusuportahan ng instrumental declamation (piano part). Ang ugali na ito ay nabuo sa mga sumunod na vocal cycle ni Shostakovich.
Ang instrumental recitativity ay nagpapakita ng patuloy na pagnanais ng kompositor na ihatid ang pabago-bago at pabagu-bagong "musika ng pananalita" sa pamamagitan ng instrumental na paraan. Narito ang isang malaking saklaw para sa mga makabagong pakikipagsapalaran ay nagbukas sa harap niya.
Kapag nakikinig tayo sa ilan sa mga symphony ni Shostakovich at iba pang mga instrumental na gawa, tila nabubuhay ang mga instrumento, nagiging mga tao, mga karakter sa drama, trahedya, at kung minsan ay komedya. Ang isang tao ay nakakakuha ng pakiramdam na ito ay "isang teatro kung saan ang lahat ay halata, hanggang sa punto ng pagtawa o luha" (mga salita ni K. Fedin tungkol sa musika ni Shostakovich). Ang isang galit na tandang ay nagbibigay daan sa isang bulong, isang malungkot na bulalas, isang daing ay nagiging mapanuksong tawa. Ang mga instrumento ay kumakanta, umiiyak at tumatawa. Siyempre, ang impresyong ito ay nilikha hindi lamang ng mga intonasyon mismo; Ang papel ng mga timbre ay lubhang mahalaga.
Ang declamatory na katangian ng instrumentalism ni Shostakovich ay nauugnay sa monologo ng pagtatanghal. Mayroong mga instrumental na monologue sa halos lahat ng kanyang mga symphony, kabilang ang huli - ang Ikalabinlima, sa violin at cello concertos, at quartets. Ang mga ito ay pinalawak, malawak na binuo na mga melodies na nakatalaga sa isang instrumento. Ang mga ito ay minarkahan ng ritmikong kalayaan, kung minsan sa pamamagitan ng isang improvisational na istilo, at sila ay nailalarawan sa pamamagitan ng oratorical expressiveness.
At isa pang "zone" ng melos, kung saan ang pagiging malikhain ni Shostakovich ay nagpakita ng sarili nitong may malaking puwersa. - "zone" ng purong instrumentalism, malayo sa parehong pagkanta at "pag-uusap" na mga intonasyon. Kabilang dito ang mga paksa kung saan maraming "kinks" at "matalim na sulok". Isa sa mga tampok ng mga temang ito ay ang kasaganaan ng melodic leaps (ikaanim, ikapito, oktaba, wala). Gayunpaman, ang gayong mga paglukso o paghagis ng melodic na boses ay madalas ding nagpapahayag ng declamatory oratorical na prinsipyo. Ang instrumental na melody ni Shostakovich ay minsan maliwanag na nagpapahayag, at kung minsan ito ay nagiging motoristic, sadyang "mekanikal" at napakalayo sa emosyonal na mainit na intonasyon. Ang mga halimbawa ay ang fugue mula sa unang paggalaw ng Fourth Symphony, ang "toccata" mula sa Eighth, at ang piano fugue na Des major.
Tulad ng ilang iba pang mga kompositor ng ika-20 siglo, ang Shostakovich ay malawakang gumamit ng melodic turns na may nangingibabaw na pang-apat na hakbang (ang mga ganitong galaw ay bihirang ginagamit noon). Ang Unang Violin Concerto ay puno ng mga ito (ang pangalawang tema ng gilid na bahagi ng Nocturne, Scherzo, Passacaglia). Ang tema ng piano fugue sa B major ay hinabi mula sa quarts. Ang mga galaw sa ikaapat at ikalima ay bumubuo sa tema ng kilusang "Alerto" mula sa Ika-labing-apat na Symphony. Tungkol sa papel na ginagampanan ng kilusang quart sa romansa na "Saan nagmula ang gayong lambing?" sa mga salita ni M. Tsvetaeva ay nasabi na. Iba ang interpretasyon ni Shostakovich sa ganitong uri ng parirala. Ang quart movement ay thematic grain ng kahanga-hangang lyrical melody ni Andantino mula sa Fourth Quartet. Ngunit mayroon ding mga galaw na katulad ng istraktura sa scherzo, trahedya at heroic na tema ng kompositor.
Madalas na ginagamit ng Scriabin ang ikaapat na melodic sequence; para sa kanya ang mga ito ay isang napaka-tiyak na kalikasan, bilang ang nangingibabaw na pag-aari ng mga kabayanihan na tema ("Tula ng Ecstasy", "Prometheus", late piano sonatas). Sa gawain ni Shostakovich, ang gayong mga intonasyon ay nakakakuha ng pangkalahatang kahulugan.
Ang mga tampok ng melodic style ng aming kompositor, pati na rin ang harmony at polyphony, ay hindi mapaghihiwalay sa mga prinsipyo ng modal thinking. Narito ang mga indibidwal na tampok ng kanyang estilo ay may pinakamalaking epekto. mas kapansin-pansin. Gayunpaman, ang lugar na ito, marahil higit pa kaysa sa anumang iba pang lugar ng pagpapahayag ng musikal, ay nangangailangan ng propesyonal na pag-uusap gamit ang mga kinakailangang teoretikal na konsepto.
Hindi tulad ng ilang mga modernong kompositor, si Shostakovich ay hindi sumunod sa landas ng pakyawan na pagtanggi sa mga batas ng musikal na pagkamalikhain na binuo at napabuti sa mga siglo. Hindi niya sinubukang itapon ang mga ito at palitan ng mga sistemang pangmusika na ipinanganak noong ika-20 siglo. Kasama sa kanyang malikhaing mga prinsipyo ang pag-unlad at pagpapanibago ng luma. Ito ang landas ng lahat ng magagaling na artista, dahil ang tunay na pagbabago ay hindi nagbubukod ng pagpapatuloy sa kabaligtaran, ipinapalagay nito ang presensya nito: ang "koneksyon ng mga oras" ay hindi kailanman maaaring masira, sa anumang pagkakataon. Nalalapat din ang nasa itaas sa ebolusyon ng mode sa gawa ni Shostakovich.
Kahit na si Rimsky-Korsakov ay tama na nakita ang isa sa pambansang katangian Ang musikang Ruso sa paggamit ng tinatawag na sinaunang mga mode (Lydian, Mixolydian, Phrygian, atbp.)” na nauugnay sa mas karaniwang modernong mga mode - major at minor. Ipinagpatuloy ni Shostakovich ang tradisyong ito. Ang Aeolian mode (natural minor) ay nagdaragdag ng espesyal na alindog sa magandang fugue na tema mula sa quintet at pinahuhusay ang diwa ng Russian lyrical songwriting. Ang madamdamin, napakahigpit na himig ng Intermezzo mula sa parehong cycle ay binubuo sa parehong pagkakatugma. Ang pakikinig dito, muli mong naaalala ang mga melodies ng Russia, mga liriko ng musikal na Ruso - katutubong at propesyonal. Ituturo ko rin ang tema mula sa unang bahagi ng Trio, na mayaman sa mga pariralang pinagmulan ng alamat. Ang simula ng Seventh Symphony ay isang halimbawa ng isa pang mode - ang Lydian na "White" (iyon ay, ginanap sa mga puting key lamang) fugue sa C major mula sa koleksyon na "24 Preludes and Fugues" ay isang bouquet ng iba't ibang mga mode. . Sumulat si S.S. Skrebkov tungkol dito: "Ang tema, na pumapasok mula sa iba't ibang antas ng C major scale, ay tumatanggap ng bagong modal coloring: sa fugue lahat ng pitong posibleng modal inclinations ng diatonic scale ay ginagamit"1.
Ginagamit ni Shostakovich ang mga mode na ito nang mapanlikha at banayad, sa paghahanap ng mga sariwang kulay sa loob ng mga ito. Gayunpaman, ang pangunahing bagay dito ay hindi ang kanilang aplikasyon, ngunit ang kanilang malikhaing muling pagtatayo.
Sa Shostakovich, kung minsan ang isang mode ay mabilis na nagbibigay daan sa isa pa, at ito ay nangyayari sa loob ng balangkas ng isang musikal na istraktura, isang tema. Ang pamamaraan na ito ay isa sa mga paraan na nagbibigay ng pagka-orihinal sa wikang musikal. Ngunit ang pinakamahalagang bagay sa interpretasyon ng mode ay ang madalas na pagpapakilala ng mas mababang (mas madalas na mas mataas) na mga hakbang ng sukat. Malaki ang pagbabago nila malaking larawan" Ang mga bagong mode ay ipinanganak, ang ilan sa mga ito ay hindi ginamit bago ang Shostakovich Ang mga bagong istruktura ng mode ay lumilitaw hindi lamang sa himig, kundi pati na rin sa pagkakaisa, sa lahat ng aspeto ng pag-iisip ng musika.
Ang isa ay maaaring magbigay ng maraming mga halimbawa ng paggamit ng kompositor ng kanyang sariling, "Shostakovich" na mga mode, at detalyado ang mga ito. pag-aralan. Ngunit ito ay isang espesyal na gawain 2. Dito ko lilimitahan ang aking sarili sa ilang komento lamang.

1 Skrebkov S. Preludes and Fugues ni D. Shostakovich. - "Soviet Music", 1953, No. 9, p. 22.
Pinag-aralan ng musicologist ng Leningrad na si A.N. Dolzhansky. Siya ang unang nakatuklas ng ilang mahahalagang pattern ng modal thinking ng kompositor.
Malaki ba ang papel ng isa sa mga Shostakovich mode na ito? sa Eleventh Symphony. Tulad ng nabanggit na, tinukoy niya ang istraktura ng pangunahing butil ng intonation ng buong cycle. Ang leitintonation na ito ay tumatagos sa buong symphony, na nag-iiwan ng partikular na modal imprint sa pinakamahalagang seksyon nito.
Ang Ikalawang Piano Sonata ay lubos na nagpapahiwatig ng estilo ng modal ng kompositor. Ang isa sa mga paboritong mode ni Shostakovich (menor de edad na may mababang ikaapat na antas) ay nagbigay-katwiran sa hindi pangkaraniwang ratio ng mga pangunahing susi sa unang paggalaw (ang unang tema ay H minor, ang pangalawa ay Es major; kapag ang mga tema ay pinagsama sa muling pagbabalik, ang dalawang ito. sabay-sabay na tunog ng mga susi). Napansin ko na sa maraming iba pang mga gawa, ang mga mode ni Shostakovich ay nagdidikta sa istraktura ng tonal plane.
Minsan ay unti-unting binababad ni Shostakovich ang melody na may mababang antas, na nagpapahusay sa oryentasyon ng modal. Ito ang kaso hindi lamang sa mga partikular na instrumental na tema na may kumplikadong melodic profile, kundi pati na rin sa ilang mga tema ng kanta na lumalago mula sa simple at malinaw na intonasyon (ang tema ng finale ng Second Quartet).
Bilang karagdagan sa iba pang mga ibinabang antas, ipinakilala ni Shostakovich ang VIII na mababa. Ang sitwasyong ito ay may partikular na kahalagahan. Noong nakaraan, sinabi ang tungkol sa hindi pangkaraniwang pagbabago (pagbabago) ng "lehitimong" mga hakbang ng pitong hakbang na sukat. Ngayon ay pinag-uusapan natin ang katotohanan na ang kompositor ay lehitimo ang isang antas na hindi alam sa lumang klasikal na musika, na sa pangkalahatan ay maaari lamang umiral sa isang pinababang anyo. Hayaan akong ipaliwanag sa isang halimbawa. Isipin natin, kahit man lang, isang D minor scale: D, E, F, G, A, B-flat, C. At pagkatapos ay sa halip na D sa susunod na oktaba, ang D-flat, ang ikawalong mababang hakbang, ay biglang lumitaw. Sa mode na ito (na may partisipasyon ng pangalawang mababang hakbang) na ang tema ng pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng Fifth Symphony ay binubuo.
Ang VIII mababang hakbang ay nagpapatunay sa prinsipyo ng hindi pagsasara ng mga octaves. Ang pangunahing tono ng isang mode (sa halimbawang ibinigay - D) ang isang octave na mas mataas ay huminto sa pagiging pangunahing tono at ang octave ay hindi nagsasara. Ang pagpapalit ng purong oktaba para sa pinababang isa ay maaari ding mangyari kaugnay ng iba pang antas ng sukat. Nangangahulugan ito na kung sa isang rehistro ang modal sound ay, halimbawa, C, kung gayon sa isa pang ganoong tunog ay magiging C-flat. Ang mga ganitong kaso ay madalas na nangyayari sa Shostakovich. Ang pagkabigong isara ang mga oktaba ay humahantong sa pagrehistro ng "paghahati" ng antas.
Ang kasaysayan ng musika ay nakakaalam ng maraming mga kaso kapag ang mga ipinagbabawal na pamamaraan ay naging pinahihintulutan at maging normatibo. Ang pamamaraan na tinalakay ay dating tinatawag na "listahan". Ito ay inuusig at sa mga kondisyon ng lumang pag-iisip ng musika ay talagang nagbigay ito ng impresyon ng kasinungalingan. Ngunit sa musika ni Shostakovich ay hindi ito nagtataas ng mga pagtutol, dahil ito ay tinutukoy ng mga kakaibang istraktura ng modal.
Ang mga mode na binuo ng kompositor ay nagbigay ng isang buong mundo ng mga katangian na intonasyon - matalim, kung minsan ay tila "tusok". Pinapahusay nila ang trahedya o dramatikong pagpapahayag ng maraming mga pahina ng kanyang musika, na nagbibigay sa kanya ng pagkakataong ihatid ang iba't ibang mga nuances ng mga damdamin, mood, panloob na salungatan at kontradiksyon. Ang pagiging tiyak ng kanyang mga multi-valued na mga imahe, na naglalaman ng kagalakan at kalungkutan, kalmado at pagkaalerto, walang malasakit at matapang na kapanahunan, ay nauugnay sa mga kakaiba ng estilo ng modal ng kompositor. Ang mga ganitong larawan ay imposibleng malikha gamit ang mga tradisyonal na pamamaraan ng modal lamang.
Sa ilang, hindi madalas, mga kaso, Shostakovich resorts sa bitonality, iyon ay, sa sabay-sabay na tunog ng dalawang tonalities. Sa itaas ay pinag-usapan natin ang bitonality sa unang paggalaw ng Second Piano Sonata. Ang isa sa mga seksyon ng fugue sa ikalawang bahagi ng Fourth Symphony ay nakasulat sa polytonally: apat na key ang pinagsama dito - d-moll, es-moll, e-moll at f-moll.
Batay sa major at minor, malayang binibigyang-kahulugan ni Shostakovich ang mga pangunahing mode na ito. Minsan sa mga yugto ng pag-unlad ay iniiwan niya ang tonal sphere; ngunit siya ay palaging bumabalik dito. Kaya, ang isang navigator, na natangay mula sa pampang ng isang bagyo, ay may kumpiyansa na pinamamahalaan ang kanyang barko patungo sa daungan.
Ang mga harmonies na ginamit ni Shostakovich ay lubhang iba-iba. Sa ikalimang eksena ng "Katerina Izmailova" (ang eksena kasama ang multo) mayroong isang pagkakatugma na binubuo ng lahat ng pitong tunog ng diatonic series (kung saan ang ikawalong tunog ay idinagdag sa bass). At sa pagtatapos ng pagbuo ng unang paggalaw ng Ika-apat na Symphony, nakita namin ang isang chord na binuo mula sa labindalawang magkakaibang mga tunog! Ang harmonic na wika ng kompositor ay nagbibigay ng mga halimbawa ng parehong mahusay na kumplikado at pagiging simple. Ang mga harmoniya ng cantata "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan" ay napakasimple. Ngunit ang maharmonya na istilo ng gawaing ito ay hindi katangian ni Shostakovich. Ang isa pang bagay ay ang pagkakatugma ng kanyang mga huling gawa, na pinagsasama ang makabuluhang kalinawan, kung minsan ay transparency na may pag-igting. Ang pag-iwas sa mga kumplikadong polyphonic complex, ang kompositor ay hindi pinasimple ang harmonic na wika, na nagpapanatili ng talas at pagiging bago.
Karamihan sa pagkakaisa ni Shostakovich ay nabuo sa pamamagitan ng paggalaw ng melodic voices ("mga linya"), kung minsan ay bumubuo ng mga rich sound complex. Sa madaling salita, ang pagkakaisa ay madalas na lumitaw batay sa polyphony.
Si Shostakovich ay isa sa mga pinakadakilang polyphonist ng ika-20 siglo. Para sa kanya, ang polyphony ay isa sa napakahalagang paraan ng musikal na sining. Ang mga nagawa ni Shostakovich sa lugar na ito ay nagpayaman sa kulturang pangmusika ng mundo; sa parehong oras, minarkahan nila ang isang mabungang yugto sa kasaysayan ng polyphony ng Russia.
Ang pinakamataas na polyphonic form ay ang fugue. Sumulat si Shostakovich ng maraming fugues - para sa orkestra, koro at orkestra, quintet, quartet, piano. Ipinakilala niya ang form na ito hindi lamang sa mga symphony at chamber works, kundi pati na rin sa ballet ("Golden Age") at musika sa pelikula ("Golden Mountains"). Nagbigay siya ng bagong buhay sa fugue, na nagpapatunay na maaari itong magsama ng iba't ibang mga tema at larawan ng ating panahon.
Sumulat si Shostakovich ng mga fugue sa dalawa, tatlo, apat at limang boses, simple at doble, at gumamit ng iba't ibang mga diskarte sa mga ito na nangangailangan ng mataas na kasanayan sa polyphonic.
Ang kompositor ay naglagay din ng maraming malikhaing katalinuhan sa passacaglia. Ito lumang uniporme, tulad ng fugue form, siya ay subordinated sa paglutas ng mga problema na may kaugnayan sa sagisag ng modernong katotohanan. Halos lahat ng passacaglia ni Shostakovich ay kalunos-lunos at naglalaman ng mahusay na nilalamang humanistic. Pinag-uusapan nila ang mga biktima ng kasamaan at nilalabanan ang kasamaan, pinaninindigan ang mataas na sangkatauhan.
Ang polyphonic style ni Shostakovich ay hindi limitado sa mga form na nabanggit sa itaas. Lumitaw din ito sa iba pang mga anyo. Ang ibig kong sabihin ay lahat ng uri ng intertwining ng iba't ibang tema, polyphonic development nila sa expositions, development ng mga bahagi na kumakatawan sa isang sonata form. Ang kompositor ay hindi pinansin ang Russian subvocal polyphony, na ipinanganak ng katutubong sining (choral poems "On the Street", "Awit", ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Tenth Symphony).
Pinalawak ni Shostakovich ang mga estilistang hangganan ng polyphonic classics. Pinagsama niya ang mga pamamaraan na binuo sa paglipas ng mga siglo sa mga bagong pamamaraan na may kaugnayan sa larangan ng tinatawag na linearism. Lumilitaw ang mga tampok nito kung saan ang "pahalang" na paggalaw ng mga melodic na linya ay ganap na nangingibabaw, hindi pinapansin ang harmonic na "vertical". Para sa kompositor, hindi mahalaga kung anong harmonies o sabay-sabay na kumbinasyon ng mga tunog ang lumitaw, ang mahalaga ay ang linya ng boses, ang awtonomiya nito. Si Shostakovich, bilang panuntunan, ay hindi inabuso ang prinsipyong ito ng istraktura ng tela ng musikal (ang labis na sigasig para sa linearism ay makikita lamang sa ilan sa kanyang mga unang gawa, halimbawa, sa Second Symphony). Ginamit niya ito sa mga espesyal na okasyon; sa parehong oras, ang sadyang hindi pagkakapare-pareho ng mga elemento ng polyphonic ay nagbigay ng epekto na malapit sa ingay - ang gayong pamamaraan ay kinakailangan upang maisama ang anti-humanistic na prinsipyo (fugue mula sa unang bahagi ng Ika-apat na Symphony).
Isang matanong, naghahanap na artista, hindi binalewala ni Shostakovich ang ganoong kalat na kalat na kababalaghan sa musika noong ika-20 siglo bilang dodecaphony. Hindi posible sa mga pahinang ito na ipaliwanag nang detalyado ang kakanyahan ng malikhaing sistema na pinag-uusapan natin ngayon. Magiging maikli ako. Ang Dodecaphony ay lumitaw bilang isang pagtatangka na ayusin ang sound material sa loob ng balangkas ng atonal na musika, na kung saan ay dayuhan sa mga batas at prinsipyo ng tonal music - major o minor. Gayunpaman, nang maglaon ay lumitaw ang isang tendensya sa kompromiso, batay sa kumbinasyon ng teknolohiyang dodecaphonic na may musikang tonal. Ang teknolohikal na batayan ng dodecaphony ay isang kumplikado, maingat na binuo na sistema ng mga patakaran at pamamaraan. Ang nakabubuo na prinsipyo ng "konstruksyon" ay nauuna. Ang kompositor, na tumatakbo na may labindalawang tunog, ay lumilikha ng iba't ibang mga kumbinasyon ng tunog, kung saan ang lahat ay napapailalim sa mahigpit na pagkalkula at lohikal na mga prinsipyo. Nagkaroon ng maraming debate tungkol sa dodecaphony at ang mga posibilidad nito; walang kakulangan ng mga boses para sa at laban. Ngayon marami na ang naging malinaw. Ang paglilimita sa pagkamalikhain sa loob ng balangkas ng sistemang ito na may walang kundisyong pagpapasakop sa mga mahigpit na panuntunan nito ay nagpapahirap sa sining ng musika at humahantong sa dogmatismo. Ang malayang paggamit ng ilang mga elemento ng dodecaphonic technique (halimbawa, isang serye ng labindalawang-note series) bilang isa sa maraming bahagi ng musikal na bagay ay maaaring magpayaman at mag-renew ng musikal na wika.
Ang posisyon ni Shostakovich ay tumutugma sa mga ito pangkalahatang probisyon. Binalangkas niya ito sa isa sa kanyang mga panayam. Ang American musicologist na si Brown ay iginuhit ang pansin ni Dmitry Dmitrievich sa katotohanan na sa kanyang pinakabagong mga komposisyon ay ginagamit niya paminsan-minsan ang dodecaphonic technique. "Gumamit talaga ako ng ilang elemento ng dodecaphony sa mga gawang ito," pagkumpirma ni Shostakovich. - Dapat kong, gayunpaman, sabihin na ako ay isang malakas na kalaban ng pamamaraan kung saan ang kompositor ay naglalapat ng ilang uri ng sistema, na nililimitahan ang kanyang sarili lamang sa balangkas at mga pamantayan nito. Ngunit kung naramdaman ng isang kompositor na kailangan niya ng mga elemento ng isang partikular na pamamaraan, may karapatan siyang kunin ang lahat ng magagamit niya at gamitin ito ayon sa nakikita niyang angkop."
Sa sandaling nagkaroon ako ng pagkakataon na makipag-usap kay Dmitry Dmitrievich tungkol sa dodecaphony sa Ika-labing-apat na Symphony. Tungkol sa isang tema, na isang serye (bahagi ng "On the Lookout"), sinabi niya: "Ngunit noong isinulat ko ito, mas iniisip ko ang tungkol sa ikaapat at ikalima." Ipinahiwatig ni Dmitry Dmitrievich ang isang intervallic na istraktura ng tema, na maaari ring maganap sa mga tema ng ibang pinagmulan. Pagkatapos ay pinag-usapan namin ang tungkol sa dodecaphonic polyphonic episode (fugato) mula sa bahaging "Sa Prison of Saite." At sa pagkakataong ito ay inaangkin ni Shostakovich na siya ay walang gaanong interes sa pamamaraang dodecaphonic sa sarili nito. Una sa lahat, hinahangad niyang iparating sa pamamagitan ng musika kung ano ang sinasabi ng mga tula ni Apollinaire (ang nakakatakot na katahimikan sa bilangguan, ang mahiwagang kaluskos na isinilang dito).
Ang mga pahayag na ito ay nagpapatunay na para kay Shostakovich ang mga indibidwal na elemento ng sistema ng dodecaphone ay isa lamang sa maraming paraan na ginamit niya upang mapagtanto ang kanyang mga malikhaing konsepto.
Si Shostakovich ay ang may-akda ng isang bilang ng mga sonata cycle, symphonic at chamber (symphony, concertos, sonatas, quartets, quintets, trios). Ang pormang ito ay naging partikular na mahalaga sa kanya. Siya ay nasa nai sa mas malaking lawak tumutugma sa kakanyahan ng kanyang trabaho at nagbigay ng sapat na mga pagkakataon upang ipakita ang "dialektika ng buhay." Isang symphonist sa pamamagitan ng bokasyon, ginamit ni Shostakovich ang sonata cycle upang isama ang kanyang pangunahing mga malikhaing konsepto.
Ang balangkas ng unibersal na anyo na ito, sa kagustuhan ng kompositor, ay lumawak, sumasaklaw sa walang katapusang kalawakan ng pag-iral, o kinontrata depende sa kung anong mga gawain ang itinakda niya para sa kanyang sarili. Ihambing natin ang hindi bababa sa mga gawa na magkaiba sa haba at sukat ng pag-unlad gaya ng Seventh at Ninth Symphony, ang Trio at ang Seventh Quartet.
Para kay Shostakovich, ang mga sonata ay hindi bababa sa lahat ng isang pamamaraan na nagbubuklod sa kompositor ng akademikong "mga tuntunin." Binigyang-kahulugan niya ang anyo ng siklo ng sonata at ang mga bahagi nito sa sarili niyang paraan. Marami na itong napag-usapan sa mga nakaraang kabanata.
Napansin ko nang higit sa isang beses na madalas isulat ni Shostakovich ang mga unang bahagi ng mga sonata cycle sa mabagal na takbo, kahit na sumusunod sa istraktura ng "sonata allegro" (paglalahad, pag-unlad, muling pagbabalik). Ang mga bahagi ng ganitong uri ay naglalaman ng parehong pagmuni-muni at pagkilos na nabuo sa pamamagitan ng pagmuni-muni. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang masayang pag-unlad ng musikal na materyal, isang unti-unting akumulasyon ng panloob na dinamika. Ito ay humahantong sa emosyonal na "mga pagsabog" (mga pag-unlad).
Ang pangunahing paksa ay madalas na nauuna sa isang pagpapakilala, ang paksa kung saan pagkatapos ay gumaganap ng isang mahalagang papel. May mga pagpapakilala sa Una, Ikaapat, Ikalima, Ikaanim, Ikawalo, Ikasampung Symphony. Sa Ikalabindalawang Symphony, ang introduction theme din ang tema ng pangunahing bahagi.
Ang pangunahing paksa ay hindi lamang ipinakita, ngunit agad ding binuo. Ang sumusunod ay isang mas marami o hindi gaanong hiwalay na seksyon na may bagong pampakay na materyal (side game).
Ang kaibahan sa pagitan ng mga tema ng eksposisyon sa Shostakovich ay madalas na hindi pa nagpapakita ng pangunahing salungatan. Siya ay lubos na hubad sa isang pag-unlad na emosyonal na sumasalungat sa paglalahad. Ang tempo ay bumibilis, ang musikal na wika ay nakakakuha ng higit na intonasyon at modal sharpness. Ang pag-unlad ay nagiging napaka-dynamic at kapansin-pansing matindi.
Minsan gumagamit si Shostakovich ng mga hindi pangkaraniwang uri ng mga pag-unlad. Kaya, sa unang bahagi ng Sixth Symphony, ang pagbuo ay binubuo ng mga pinahabang solo, tulad ng mga improvisasyon ng mga instrumento ng hangin. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang "tahimik" na pagbuo ng liriko sa finale ng Fifth. Sa unang bahagi ng Ikapito, ang pag-unlad ay pinalitan ng isang yugto ng pagsalakay.
Iniiwasan ng kompositor ang mga reprises na eksaktong inuulit kung ano ang nasa exposition. Karaniwang dina-dinamize niya ang reprise, na para bang pinapataas ang pamilyar na mga larawan sa mas mataas na emosyonal na antas. Bukod dito, ang simula ng reprise ay tumutugma sa pangkalahatang kasukdulan.
Ang scherzo ni Shostakovich ay may dalawang uri. Ang isang uri ay ang tradisyonal na interpretasyon ng genre (masayahin, nakakatawang musika, kung minsan ay may haplos ng kabalintunaan at pangungutya). Ang iba pang uri ay mas tiyak: ang genre ay binibigyang-kahulugan ng kompositor hindi sa direkta nito, ngunit sa kondisyonal na kahulugan nito; ang saya at katatawanan ay nagbibigay-daan sa katawa-tawa, pangungutya, at madilim na pantasya. Ang artistic novelty ay wala sa anyo, hindi sa compositional structure; ang nilalaman, imahe, at mga paraan ng "paglalahad" ng materyal ay bago. Marahil ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ng isang scherzo ng ganitong uri ay ang pangatlong paggalaw ng Eighth Symphony.
Ang "Evil" scherzoism ay tumagos din sa mga unang bahagi ng mga cycle ni Shostakovich (Ikaapat, Ikalima, Ikapito, Ikawalong symphony).
Sa mga nakaraang kabanata ay sinabi ang tungkol sa espesyal na kahalagahan ng prinsipyo ng scherzo sa gawain ng kompositor. Nabuo ito kasabay ng trahedya at kung minsan ay nagsisilbing reverse side ng mga trahedya na imahe at phenomena. Hinahangad ni Shostakovich na i-synthesize ang mga matalinghagang sphere na ito pabalik sa "Katerina Izmailova", ngunit doon ang ganitong uri ng synthesis ay hindi matagumpay sa lahat, at hindi nakakumbinsi sa lahat ng dako. Kasunod nito, sa pagsunod sa landas na ito, dumating ang kompositor sa mga kahanga-hangang resulta.
Matapang na pinagsasama ni Shostakovich ang trahedya at scherzoism - hindi nagbabala, ngunit, sa kabaligtaran, nagpapatibay sa buhay - sa Ikalabintatlong Symphony.
Ang kumbinasyon ng iba't ibang at kahit na salungat na mga elemento ng artistikong ay isa sa mga makabuluhang pagpapakita ng pagbabago ni Shostakovich, ang kanyang malikhaing sarili.
Ang mabagal na paggalaw, na matatagpuan sa loob ng mga sonata cycle na nilikha ni Shostakovich, ay kahanga-hangang mayaman sa nilalaman. Kung ang kanyang mga scherzo ay madalas na sumasalamin sa negatibong bahagi ng buhay, kung gayon sa mabagal na paggalaw ay nahayag ang mga positibong larawan ng kabutihan, kagandahan, kadakilaan ng espiritu ng tao, at kalikasan. Tinutukoy nito ang etikal na kahalagahan ng musikal na pagmumuni-muni ng kompositor - kung minsan ay malungkot at mahigpit, kung minsan ay naliwanagan.
Nalutas ni Shostakovich ang pinakamahirap na problema ng finale sa iba't ibang paraan. Nais niya, marahil, na lumayo sa template, na madalas na makikita sa mga huling bahagi. Ang ilan sa mga pagtatapos nito ay hindi inaasahan. Alalahanin natin ang Ikalabintatlong Symphony. Ang unang bahagi nito ay kalunos-lunos, at sa penultimate na bahagi ("Mga Takot") mayroong maraming kadiliman. At sa dulo ay may masaya at mapanuksong tawa! Ang pagtatapos ay hindi inaasahan at sa parehong oras ay organic.
Anong mga uri ng symphonic at chamber finales ang makikita sa Shostakovich?
Una sa lahat, ang mga pagtatapos ng kabayanihan na plano. Isinasara nila ang ilang mga siklo kung saan ang mga kabayanihan at trahedya na mga tema ay ipinahayag. Mabisa, dramatiko, puno sila ng pakikibaka, kung minsan ay nagpapatuloy hanggang sa huling beat. Ang ganitong uri ng huling kilusan ay nakita na sa Unang Symphony. Nakita namin ang pinakakaraniwang mga halimbawa nito sa Fifth, Seventh, Eleventh Symphony. Ang finale ng Trio ay ganap na kabilang sa kaharian ng trahedya. Ang parehong ay totoo sa laconic huling kilusan ng Ika-labing-apat na Symphony.
Si Shostakovich ay may masasayang, maligaya na pagtatapos na malayo sa kabayanihan. Kulang sila sa mga larawan ng pakikibaka, pagtagumpayan ng mga hadlang; naghahari ang walang katapusang saya. Ito ang huling Allegro ng First Quartet. Ito ang finale ng Sixth Symphony, ngunit dito, alinsunod sa mga kinakailangan ng symphonic form, isang mas malawak at mas maraming kulay na larawan ang ibinigay. Ang mga finale ng ilang mga konsiyerto ay dapat isama sa parehong kategorya, bagama't iba ang pagganap ng mga ito. Ang finale ng First Piano Concerto ay pinangungunahan ng katawa-tawa at buffooner; Ang Burlesque mula sa First Violin Concerto ay naglalarawan ng isang katutubong pagdiriwang.
Dapat din itong sabihin tungkol sa mga liriko na pagtatapos. Ang mga liriko na imahe kung minsan ay pinuputungan kahit na ang mga gawa ni Shostakovich kung saan ang mga bagyo ay nagngangalit at ang mabigat na hindi magkakasundo na pwersa ay nagbanggaan. Ang mga larawang ito ay minarkahan ng pastoralismo. Ang kompositor ay bumaling sa kalikasan, na nagbibigay sa tao ng kagalakan at nagpapagaling sa kanyang espirituwal na mga sugat. Sa finale ng Quintet, ang Sixth Quartet, ang pastoralism ay pinagsama sa araw-araw na mga elemento ng sayaw. Hayaan mong ipaalala ko rin sa iyo ang finale ng Eighth Symphony (“catharsis”).
Ang mga finale ay hindi pangkaraniwan at bago, batay sa embodiment ng magkasalungat na emosyonal na mga globo, kapag pinagsama ng kompositor ang "hindi magkatugma." Ito ang finale ng Fifth Quartet: home comfort, calm and storm. Sa finale ng Seventh Quartet, ang galit na fugue ay napalitan ng romantikong musika - malungkot at nakakaakit. Ang finale ng Fifteenth Symphony ay multi-component, na kumukuha ng mga poste ng pag-iral.
Ang paboritong pamamaraan ni Shostakovich ay ang bumalik sa mga finale sa mga temang pamilyar sa mga tagapakinig mula sa mga nakaraang paggalaw. Ito ay mga alaala sa tinahak na landas at kasabay nito ay isang paalala na "hindi pa tapos ang labanan." Ang mga ganitong yugto ay kadalasang kumakatawan sa mga kasukdulan. Nasa finales sila ng First, Eighth, Tenth, Eleventh Symphony.
Ang anyo ng mga finale ay nagpapatunay sa napakahalagang papel na ginagampanan ng prinsipyo ng sonata sa gawain ni Shostakovich. Dito rin, kusang-loob na ginagamit ng kompositor ang anyong sonata (pati na rin ang anyong rondo sonata). Tulad ng sa mga unang paggalaw, malaya niyang binibigyang kahulugan ang pormang ito (pinaka malaya sa mga finale ng Ikaapat at Ikapitong symphony).
Si Shostakovich ay gumagawa ng kanyang mga sonata cycle nang iba, binabago ang bilang ng mga bahagi at ang pagkakasunud-sunod ng kanilang paghalili. Pinagsasama nito ang mga katabing bahagi na tumatakbo nang walang pagkaantala, na lumilikha ng isang cycle sa loob ng isang cycle. Ang pagkahumaling sa pagkakaisa ng kabuuan ay nag-udyok kay Shostakovich na ganap na iwanan ang mga pahinga sa pagitan ng mga paggalaw sa Eleventh at Twelfth Symphony. At sa Ika-labing-apat, lumayo siya sa mga pangkalahatang batas ng anyo ng sonata-symphonic cycle, na pinapalitan ang mga ito ng iba pang nakabubuo na mga prinsipyo.
Ang pagkakaisa ng kabuuan ay ipinahayag din sa Shostakovich sa isang komplikadong, branched na sistema ng mga koneksyon sa intonasyon, na sumasaklaw sa thematism ng lahat ng bahagi. Gumamit din siya ng mga cross-cutting na tema, paglipat mula sa bahagi patungo sa bahagi, at kung minsan ay mga leitmotif na tema.
Ang mga kasukdulan ni Shostakovich ay napakalaking kahalagahan—emosyonal at mapaghubog. Maingat niyang itinatampok ang pangkalahatang kasukdulan, na siyang rurok ng buong bahagi, at kung minsan ang buong gawain. Ang pangkalahatang sukat ng kanyang pag-unlad ng symphonic ay karaniwang tulad na ang paghantong ay isang "talampas", at isang medyo pinalawak. Ang kompositor ay nagpapakilos ng iba't ibang paraan, sinusubukang bigyan ang climactic section ng isang monumental, heroic o tragic na karakter.
Sa kung ano ang nasabi, dapat itong idagdag na ang mismong proseso ng pagbuo ng malalaking anyo sa Shostakovich ay higit sa lahat ay indibidwal: siya ay nakahilig patungo sa pagpapatuloy ng daloy ng musika, pag-iwas sa mga maikling konstruksyon at madalas na mga caesuras. Nagsimulang magtanghal ng ideya sa musika, hindi siya nagmamadaling tapusin ito. Kaya, ang oboe na tema (hinarang ng cor anglais) sa ikalawang paggalaw ng Seventh Symphony ay isang malaking construction (period), na tumatagal ng 49 bar (moderate tempo). Ang isang master ng biglaang mga kaibahan, si Shostakovich, sa parehong oras, ay madalas na nagpapanatili ng isang mood, isang kulay, sa buong malalaking seksyon ng musika. Lumalabas ang mga pinahabang musical layer. Minsan ito ay mga instrumental na monologo.
Si Shostakovich ay hindi nais na ulitin nang eksakto kung ano ang nasabi na - ito man ay isang motibo, isang parirala o isang malaking istraktura. Ang musika ay patuloy na dumadaloy, nang hindi bumabalik sa "mga lumipas na yugto." Ang "fluidity" na ito (malapit na nauugnay sa polyphonic na istilo ng pagtatanghal) ay isa sa mga mahalagang katangian ng istilo ng kompositor. (Ang invasion episode mula sa Seventh Symphony ay batay sa paulit-ulit na pag-uulit ng tema; ito ay sanhi ng mga kakaibang gawain na itinakda ng may-akda para sa kanyang sarili.) Ang Passacaglia ay batay sa mga pag-uulit ng tema (sa bass); ngunit dito ang pakiramdam ng "fluidity" ay nilikha sa pamamagitan ng paggalaw ng mga nakatataas na boses.
Ngayon ay dapat nating pag-usapan ang tungkol kay Shostakovich bilang isang mahusay na master ng "timbre dramaturgy."
Sa kanyang mga gawa, ang mga timbre ng orkestra ay hindi mapaghihiwalay sa musika, sa nilalaman at anyo ng musika.
Si Shostakovich ay hindi nakatuon sa pagpipinta ng timbre, ngunit sa pagkilala sa emosyonal at sikolohikal na kakanyahan ng mga timbre, na iniugnay niya sa mga damdamin at karanasan ng tao. Sa bagay na ito, malayo siya sa mga masters gaya nina Debussy at Ravel; mas malapit siya sa mga estilo ng orkestra nina Tchaikovsky, Mahler, at Bartok.
Ang orkestra ng Shostakovich ay isang trahedya na orkestra. Ang kanyang pagpapahayag ng mga timbre ay umabot sa pinakamalaking intensity. Si Shostakovich, higit sa iba pang kompositor ng Sobyet, ay pinagkadalubhasaan ang mga timbre bilang isang paraan ng musikal na dramaturhiya, gamit ang mga ito upang ipakita ang parehong walang hangganang lalim ng mga personal na karanasan at mga salungatan sa lipunan sa isang pandaigdigang saklaw.
Ang symphonic at operatic na musika ay nagbibigay ng maraming mga halimbawa ng timbre embodiment ng mga dramatikong salungatan sa tulong ng tanso at mga string. Mayroong ganitong mga halimbawa sa mga gawa ni Shostakovich. Madalas niyang iugnay ang "kolektibong" timbre ng grupong tanso sa mga larawan ng kasamaan, pagsalakay, at pagsalakay ng mga pwersa ng kaaway. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang unang paggalaw ng Ikaapat na Symphony. Ang pangunahing tema nito ay ang "cast iron" na padyak ng mga legion, na sabik na magtayo ng isang makapangyarihang trono sa mga buto ng kanilang mga kaaway. Ito ay ipinagkatiwala sa mga instrumentong tanso - dalawang trumpeta at dalawang octave trombone. Dinoble sila ng mga biyolin, ngunit ang timbre ng mga biyolin ay hinihigop ng malakas na tunog ng tanso. Ang dramatikong pag-andar ng tanso (pati na rin ang pagtambulin) sa pag-unlad ay lalong malinaw na natukoy. Ang isang galit na galit na fugue ay humahantong sa kasukdulan. Dito ay mas maririnig ang pagtapak ng mga modernong Hun. Ang timbre ng brass group ay nakalantad at ipinapakita sa "close-up". Ang tema ay nilalaro ng forte fortissimo at nilalaro ng walong sungay nang sabay-sabay. Pagkatapos ay pumasok ang apat na trumpeta, pagkatapos ay tatlong trombone. At ang lahat ng ito laban sa backdrop ng isang ritmo ng labanan na nakatalaga sa apat na instrumento ng percussion.
Ang parehong dramatikong prinsipyo ng paggamit ng brass group ay ipinahayag sa pagbuo ng unang paggalaw ng Fifth Symphony. Sinasalamin din ng brass dito ang negatibong linya ng musical dramaturgy, ang linya ng kontra-aksyon. Mas maaga, sa eksibisyon, ang timbre ng mga string ay nangingibabaw. Sa simula ng pag-unlad, ang reimagined pangunahing tema, ngayon ang sagisag ng isang masamang puwersa, ay ipinagkatiwala sa mga sungay. Bago ito, ginamit ng kompositor ang mas matataas na rehistro ng mga instrumentong ito; sila ay tunog malambot at magaan. Ngayon ang bahagi ng sungay sa unang pagkakataon ay nakakuha ng napakababang rehistro ng bass, dahil sa kung saan ang kanilang timbre ay nagiging mapurol at nagbabala. Ang isang maliit na karagdagang sa paksa ay gumagalaw sa mga trumpeta, muling naglalaro sa isang mababang rehistro. Ituturing ko pa ang kasukdulan, kung saan tatlong trumpeta ang tumutugtog sa parehong tema, na naging isang malupit at walang kaluluwang martsa. Ito ay isang timbral climax. Ang tanso ay dinadala sa unahan, ito ay nangunguna, ganap na nakakakuha ng atensyon ng mga tagapakinig.
Ang mga halimbawang ibinigay ay nagpapakita, sa partikular, ang dramatikong papel ng iba't ibang mga rehistro. Ang isa at ang parehong instrumento ay maaaring magkaroon ng iba't ibang, kahit na kabaligtaran ng mga dramatikong kahulugan, depende sa kung aling mga kulay ng rehistro ang kasama sa timbre palette ng trabaho.
Ang grupo ng tanso ay minsan ay nagsasagawa ng isa pang tungkulin, na nagiging tagapagdala ng isang positibong prinsipyo. Lumiko tayo sa huling dalawang paggalaw ng Fifth Symphony ni Shostakovich. Pagkatapos ng madamdamin na pag-awit ng mga string sa Largo, ang pinakaunang mga bar ng finale, na minarkahan ang isang matalim na pagliko sa symphonic action, ay minarkahan ng isang sobrang energetic na pagpapakilala ng tanso. Kinapapalooban ng mga ito ang end-to-end na aksyon sa finale, na nagpapatibay ng mga larawang maasahin sa mabuti.
Ang emphasized contrast sa pagitan ng huling seksyon ng Largo at ang simula ng finale ay napaka katangian ng Shostakovich ang symphonist. Ito ang dalawang poste: ang pinakamadaling, natutunaw na sonoridad ng mga kuwerdas ng pianissimo, ang alpa, na dinoble ng celesta, at ang makapangyarihang fortissimo ng mga trumpeta at trombone laban sa background ng dagundong ng timpani.
Napag-usapan namin ang tungkol sa magkasalungat at magkasalungat na paghahalili ng mga timbre, mga paghahambing na "sa malayo." Ang paghahambing na ito ay maaaring tawaging pahalang. Ngunit mayroon ding patayong kaibahan, kapag ang mga timbre na magkasalungat sa bawat isa ay tumunog nang sabay-sabay.
Sa isa sa mga seksyon ng pag-unlad ng unang paggalaw ng Eighth Symphony, ang itaas na melodic voice ay naghahatid ng pagdurusa at kalungkutan. Ang boses na ito ay ipinagkatiwala sa mga kuwerdas (una at pangalawang violin, violas, at pagkatapos ay cellos). Pinagsasama sila ng mga woodwinds, ngunit ang nangingibabaw na papel ay kabilang sa mga instrumentong pangkuwerdas. Kasabay nito, naririnig natin ang "mabigat" na pagtapak ng digmaan. Nangibabaw dito ang mga trumpeta, trombone, at timpani. Susunod, ang kanilang ritmo ay gumagalaw sa snare drum. Pinutol nito ang buong orkestra at ang mga tuyong tunog nito, tulad ng mga hampas ng isang latigo, ay muling lumikha ng isang matinding timbral conflict.
Tulad ng iba pang mga pangunahing symphonist, si Shostakovich ay bumaling sa mga string kapag ang musika ay kailangang maghatid ng mataas, nakamamanghang malakas na damdamin, ang lahat ng mapanakop na sangkatauhan. Ngunit nangyayari rin na ang mga instrumento ng string ay gumaganap ng kabaligtaran na dramatikong pag-andar para sa kanya, na nagsasama, tulad ng mga instrumentong tanso, mga negatibong imahe. Sa mga kasong ito, inaalis ng kompositor ang himig at init ng timbre mula sa mga kuwerdas. Nagiging malamig at malupit ang tunog. Mayroong mga halimbawa ng naturang sonority sa Ikaapat, Ikawalo, at Ika-labing-apat na symphony.
Ang mga instrumentong woodwind sa mga score ni Shostakovich ay nagtatampok ng maraming soloing. Kadalasan ang mga ito ay hindi virtuoso solos, ngunit monologues - liriko, trahedya, nakakatawa. Ang flute, oboe, cor anglais, at clarinet ay kadalasang nagpaparami ng liriko, kung minsan ay may dramatikong tono, mga melodies. Si Shostakovich ay mahilig sa timbre ng bassoon; ipinagkatiwala niya sa kanya ang iba't ibang mga tema - mula sa madilim at nagdadalamhati hanggang sa nakakatawa at nakakagulat. Ang bassoon ay madalas na nagsasalita tungkol sa kamatayan, matinding pagdurusa, at kung minsan siya ang "clown ng orkestra" (E. Prout's expression).
Para kay Shostakovich, ang papel ng mga instrumento ng pagtambulin ay napakahalaga. Ginagamit niya ang mga ito, bilang panuntunan, hindi para sa mga layuning pampalamuti, hindi upang gawing eleganteng ang orchestral sonority. Para sa kanya, ang mga tambol ay pinagmumulan ng drama; Ang pagkakaroon ng isang matalas na pakiramdam ng mga nagpapahayag na kakayahan ng mga indibidwal na instrumento ng ganitong uri, ipinagkatiwala sa kanila ni Shostakovich ang pinakamahalagang solo. Kaya, na sa Unang Symphony ginawa niya ang timpani solo ang pangkalahatang paghantong ng buong cycle. Ang invasion episode mula sa Seventh ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa ating isipan sa ritmo ng snare drum. Sa Ikalabintatlong Symphony, ang timbre ng kampana ay naging leittimbre. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang solong pagtatanghal ng grupo ng percussion sa Eleventh at Twelfth Symphony.
Ang estilo ng orkestra ni Shostakovich ay ang paksa ng isang espesyal na malaking pag-aaral. Sa mga pahinang ito ay nahawakan ko lamang ang ilan sa mga facet nito.
Ang gawa ni Shostakovich ay may malakas na impluwensya sa musika ng ating panahon, lalo na sa musika ng Sobyet. Ang matatag na batayan nito ay nabuo hindi lamang ng mga tradisyon ng mga klasikal na kompositor noong ika-18 at ika-19 na siglo, kundi pati na rin ng mga tradisyon na ang mga tagapagtatag ay sina Prokofiev at Shostakovich.
Siyempre, hindi natin pinag-uusapan ngayon ang tungkol sa mga imitasyon: sila ay walang bunga, anuman ang kanilang ginagaya. Pinag-uusapan natin ang pag-unlad ng mga tradisyon, ang kanilang malikhaing pagpapayaman.
Ang impluwensya ni Shostakovich sa mga kontemporaryong kompositor ay nagsimulang madama matagal na ang nakalipas. Ang Unang Symphony ay hindi lamang pinakinggan, ngunit maingat ding pinag-aralan. Sinabi ni V. Ya. Si Shostakovich, habang isang batang kompositor, ay naimpluwensyahan ang mga batang kompositor ng Leningrad, halimbawa, V. Zhelobinsky (nakaka-curious na si Dmitry Dmitrievich mismo ang nagsalita tungkol sa impluwensyang ito).
Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, lumawak ang radius ng impluwensya ng kanyang musika. Sinakop nito ang maraming kompositor ng Moscow at ang iba pang mga lungsod.
Ang gawain ni Shostakovich ay may malaking kahalagahan para sa mga aktibidad ng pagbubuo ng G. Sviridov, R. Shchedrin, M. Weinberg, B. Tchaikovsky, A. Eshpai, K. Khachaturian, Levitin, R. Bunin, L. Solin, A Schnittke. Nais kong banggitin ang hindi bababa sa opera na "Dead Souls" ni Shchedrin, kung saan ang mga tradisyon ng Mussorgsky, Prokofiev, Shostako-< вича. Талантливая опера С. Слонимского «Виринея» сочетает традиции Мусоргского с традициями автора «Катерины Измайловой». Назову А. Петрова; его симфоническая Поэма памяти жертв блокады Ленинграда, будучи вполне самостоятельным по своему стилю произведением, связана с традициями Седьмой симфонии Шостаковича (точнее, ее медленной части). Симфонизм и musika sa silid malaki ang impluwensya ng aming sikat na master kay B. Tishchenko.
Ang kahalagahan nito ay mahusay din para sa mga paaralan ng pambansang musika ng Sobyet. Ipinakita ng buhay na ang apela ng mga kompositor ng ating mga republika sa Shostakovich at Prokofiev ay nagdudulot ng malaking benepisyo, nang hindi man lang nagpapahina sa pambansang batayan ng kanilang trabaho. Na ito ay gayon ay napatunayan, halimbawa, sa pamamagitan ng malikhaing kasanayan ng mga kompositor ng Transcaucasian. Ang pinakamalaking kontemporaryong master ng Azerbaijani music, ang sikat sa mundo na kompositor na si Kara Karayev ay isang mag-aaral ng Shostakovich. Siya ay walang alinlangan na may malalim na malikhaing pagka-orihinal at pambansang istilo. Gayunpaman, ang mga klase kasama si Shostakovich at ang pag-aaral ng kanyang mga gawa ay nakatulong kay Kara Abulfasovich na lumago nang malikhain at makabisado ang mga bagong paraan ng makatotohanang musikal na sining. Ang parehong ay dapat na sinabi tungkol sa natitirang Azerbaijani kompositor Jevdet Hajiyev. Nais kong tandaan ang kanyang Ika-apat na Symphony, na nakatuon sa memorya ng V.I. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang natatanging pambansang katangian. Ang may-akda nito ay naglalaman ng intonasyon at modal na kayamanan ng mga Azerbaijani mugam. Kasabay nito, si Gadzhiev, tulad ng iba pang mga natitirang kompositor ng mga republika ng Sobyet, ay hindi nakakulong sa kanyang sarili sa globo ng mga lokal na nagpapahayag na paraan. Marami siyang kinuha mula sa symphony ni Shostakovich. Sa partikular, ang ilang mga tampok ng polyphony ng kompositor ng Azerbaijani ay nauugnay sa kanyang trabaho.
Sa musika ng Armenia, kasama ang epic visual symphonism, ang dramatic at psychologically profound symphonism ay matagumpay na umuunlad. Ang paglago ng Armenian symphonic creativity ay pinadali ng musika ng A. I. Khachaturian at D. D. Shostakovich. Ito ay pinatunayan ng hindi bababa sa Una at Pangalawang Symphony ng D. Ter-Tatevosyan, ang mga gawa ni E. Mirzoyan at iba pang mga may-akda.
Natutunan ng mga kompositor ng Georgian ang maraming kapaki-pakinabang na bagay mula sa mga marka ng kahanga-hangang master ng Russia. Itinuturo ko bilang mga halimbawa ang Unang Symphony ng A. Balanchivadze, na isinulat noong mga taon ng digmaan, at ang quartets ni S. Tsintsadze.
Sa mga natitirang kompositor ng Soviet Ukraine, ang pinakamalapit kay Shostakovich ay si B. Lyatoshinsky, ang pinakamalaking kinatawan ng Ukrainian symphonism. Ang impluwensya ni Shostakovich ay nakaapekto sa mga batang Ukrainian na kompositor na lumitaw sa mga nakaraang taon.
Sa seryeng ito dapat din nating pangalanan ang Belarusian composer na si E. Glebov, maraming kompositor ng mga estado ng Soviet Baltic, halimbawa, ang mga Estonian na J. Ryazts, A. Pärt.
Sa esensya, ang lahat ng mga kompositor ng Sobyet, kabilang ang mga malikhaing napakalayo sa landas na sinundan ni Shostakovich, ay kumuha ng isang bagay mula sa kanya. Ang pag-aaral ng gawain ni Dmitry Dmitrievich ay nagdala ng walang alinlangan na benepisyo sa bawat isa sa kanila.
Si T. N. Khrennikov, sa kanyang pambungad na pananalita sa konsiyerto ng anibersaryo noong Setyembre 24, 1976, upang gunitain ang ika-70 anibersaryo ng kapanganakan ni Shostakovich, ay nagsabi na sina Prokofiev at Shostakovich ay higit na tinutukoy ang mahahalagang malikhaing uso sa pag-unlad ng musikang Sobyet. Ang isa ay hindi maaaring sumang-ayon sa pahayag na ito. Wala ring duda tungkol sa impluwensya ng ating dakilang symphonist sa sining ng musika ng buong mundo. Ngunit dito ay nahawakan natin ang birhen na lupa. Ang paksang ito ay hindi pa napag-aaralan;

Ang sining ni Shostakovich ay naglalayong sa hinaharap. Inaakay tayo nito sa malalaking daan ng buhay tungo sa isang daigdig na maganda at nakababahala, “isang daigdig na bukas sa matinding galit ng mga hangin.” Ang mga salitang ito ni Eduard Bagritsky ay binanggit na parang tungkol kay Shostakovich, tungkol sa kanyang musika. Siya ay kabilang sa isang henerasyong hindi ipinanganak para mamuhay ng mapayapa. Ang henerasyong ito ay nagdusa nang husto, ngunit ito ay nanalo.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Na-post sa http://www.allbest.ru/

St. Petersburg State University

Sanaysaysa paksa ng:

“ Pagkamalikhain D.D. Shostakovich”

St. Petersburg, 2011

SApagsasagawa

Si Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) ay isa sa mga pinakadakilang kompositor sa ating panahon, isang natatanging pianista, guro at pampublikong pigura. Si Shostakovich ay iginawad sa pamagat ng People's Artist ng USSR (1954), Hero of Socialist Labor (1966), State Prize ng USSR (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), State Prize ng RSFSR (1974). , Premyo na pinangalanan. Sibelius, International Peace Prize (1954). Honorary member ng mga akademya at unibersidad sa maraming bansa sa buong mundo.

Ngayon si Shostakovich ay isa sa mga pinaka gumanap na kompositor sa mundo. Ang kanyang mga nilikha ay tunay na pagpapahayag ng panloob drama ng tao at mga talaan ng kakila-kilabot na pagdurusa na nangyari noong ika-20 siglo, kung saan ang malalim na personal ay kaakibat ng trahedya ng sangkatauhan.

Ang genre at aesthetic na pagkakaiba-iba ng musika ni Shostakovich ay napakalaki. Kung gagamit tayo ng mga konseptong tinatanggap sa pangkalahatan, pinagsasama nito ang mga elemento ng tonal, atonal at modal na musika, ang tradisyonalismo, ekspresyonismo at ang "malaking istilo" ay magkakaugnay sa akda ng kompositor.

Maraming naisulat tungkol kay Shostakovich. Halos lahat ng kanyang mga gawa ay pinag-aralan nang detalyado, ang kanyang saloobin sa mga genre ng musika ay natukoy, at iba't ibang aspeto ng kanyang estilo at buhay ay ginalugad. Dahil dito, umusbong ang malaki at magkakaibang literatura: mula sa malalim na pag-aaral hanggang sa semi-tabloid na publikasyon.

GumaganaDD. Shostakovich

Shostakovich symphony composer tula

Mula sa Polish na pinagmulan, si Dmitry Shostakovich ay ipinanganak sa St. Petersburg noong Setyembre 12 (25), 1906, namatay sa Moscow noong Agosto 9, 1975. Si Itay ay isang chemical engineer at mahilig sa musika. Ang aking ina ay isang magaling na piyanista at binigyan ako ng mga paunang kasanayan sa piano. Pagkatapos mag-aral sa isang pribadong paaralan ng musika noong 1919, pinasok si Shostakovich sa Petrograd Conservatory upang mag-aral ng piano, at nang maglaon ay nagsimulang mag-aral ng komposisyon. Habang nag-aaral pa, nagsimula siyang magtrabaho bilang isang performer sa screening ng mga "silent" na pelikula.

Noong 1923, nagtapos si Shostakovich mula sa conservatory bilang isang pianista (kasama si L.V. Nikolaev), at noong 1925 bilang isang kompositor. Ang kanyang thesis ay Unang Simony. Ito ang naging pinakamalaking kaganapan sa buhay musikal at minarkahan ang simula ng katanyagan sa mundo ng may-akda.

Nasa First Symphony na ang makikita kung paano ipinagpatuloy ng may-akda ang mga tradisyon ng P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, Lyadov. Ang lahat ng ito ay nagpapakita ng sarili bilang isang synthesis ng nangungunang mga alon, na na-refracted sa kanilang sariling paraan at sariwa. Ang symphony ay nakikilala sa pamamagitan ng aktibidad, dynamic na presyon, at hindi inaasahang mga kaibahan.

Sa mga parehong taon na ito, nagbigay si Shostakovich ng mga konsyerto bilang isang pianista. Nakatanggap siya ng honorary diploma sa unang International Competition. F. Chopin sa Warsaw, para sa ilang oras ay nahaharap sa isang pagpipilian - upang gumawa ng pagbubuo ng musika o aktibidad ng konsiyerto ang kanyang propesyon.

Pagkatapos ng First Symphony, nagsimula ang isang maikling panahon ng pag-eeksperimento at paghahanap ng mga bagong musikal. Sa oras na ito, lumitaw ang mga sumusunod: ang Unang Piano Sonata (1926), ang dulang "Aphorisms" (1927), ang Second Symphony "October" (1927), ang Third Symphony "May Day" (1929).

Ang hitsura ng musika sa pelikula at teatro ("New Babylon" 1929), "Golden Mountains" 1931, ang mga palabas na "The Bedbug" 1929 at "Hamlet" 1932) ay nauugnay sa pagbuo ng mga bagong imahe, lalo na ang social caricature. Ang pagpapatuloy nito ay natagpuan sa opera na "The Nose" (ayon kay N.V. Gogol, 1928) at sa opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova") ayon kay N.S. Leskov (1932).

Ang balangkas ng kuwento ng parehong pangalan ni N.S. Si Leskova ay muling inisip ni Shostakovich bilang isang drama ng pambihirang kalikasan ng babae sa isang hindi makatarungang kaayusan sa lipunan. Ang may-akda mismo ay tinawag ang kanyang opera na isang "trahedya-satire." Sa kanyang musikal na wika, ang grotesquery sa diwa ng "The Nose" ay pinagsama sa mga elemento ng Russian romance at plangent na kanta. Noong 1934 ang opera ay itinanghal sa Leningrad at Moscow sa ilalim ng pamagat na "Katerina Izmailova"; pagkatapos ay sinundan ng ilang mga premiere sa mga sinehan sa North America at Europe (ang opera ay ginanap nang 36 beses sa (pinangalanang) Leningrad, 94 na beses sa Moscow, ito ay itinanghal din sa Stockholm, Prague, London, Zurich at Copenhagen. Ito ay isang tagumpay at si Shostakovich ay binati bilang isang henyo).

Ang Fourth (1934), Fifth (1937), at Sixth (1939) symphony ay kumakatawan sa isang bagong yugto sa trabaho ni Shostakovich.

Habang binubuo ang symphonic genre, sabay-sabay na inilakip ni Shostakovich ang pagtaas ng kahalagahan sa chamber instrumental music.

Ang malinaw, maliwanag, maganda, balanseng Sonata para sa Cello at Piano (1934), First String Quartet (1938), Quintet para sa String Quartet at Piano (1940) ay lumitaw at naging mga pangunahing kaganapan sa buhay musikal.

Ang Seventh Symphony (1941) ay naging isang musical monument sa Great Patriotic War. Ang Eighth Symphony ay isang pagpapatuloy ng kanyang mga ideya.

Sa mga taon ng post-war, si Shostakovich ay nagbigay ng higit na pansin sa genre ng boses.

Ang bagong alon ng mga pag-atake kay Shostakovich sa press ay makabuluhang nalampasan ang lumitaw noong 1936. Pinilit na magpasakop sa dikta, Shostakovich, "napagtanto ang kanyang mga pagkakamali," gumanap ang oratorio na "Awit ng mga Kagubatan" (1949), ang cantata " The Sun Shines Over Our Motherland” (1952), musika para sa isang bilang ng mga pelikula ng makasaysayang at militar-makabayan na nilalaman, atbp., na bahagyang nagpapagaan sa kanyang sitwasyon. Kasabay nito, ang mga gawa ng iba pang merito ay binubuo: concerto N1 para sa byolin at orkestra, vocal cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry" (parehong 1948) (ang huling siklo ay hindi naaayon sa anti-Semitiko na patakaran ng estado) , string quartets N4 at N5 (1949, 1952), cycle na "24 Preludes and Fugues" para sa piano (1951); maliban sa huli, lahat sila ay pinatay lamang pagkatapos ng kamatayan ni Stalin.

Ang symphony ni Shostakovich ay nagbibigay ng mga kagiliw-giliw na halimbawa ng paggamit ng klasikal na pamana ng mga pang-araw-araw na genre at mga kanta ng masa (Eleventh Symphony "1905" (1957), Twelfth Symphony "1917" (1961)). Pagpapatuloy at pagpapaunlad ng legacy ng L.-V. Beethoven's Thirteenth Symphony (1962), na isinulat sa mga tula ni E. Yevtushenko. Sinabi mismo ng may-akda na ginamit ng kanyang Ika-labing-apat na Symphony (1969) ang mga ideya ng "mga kanta at sayaw ng kamatayan" ni Mussorgsky.

Ang isang mahalagang milestone ay ang tula na "The Execution of Stepan Razin" (1964), ito ay naging culmination ng isang epikong linya sa trabaho ni Shostakovich.

Pinagsama ng ikalabing-apat na symphony ang mga tagumpay ng chamber-vocal, chamber-instrumental at symphonic genre. Batay sa mga tula nina F. Garcia Loca, T. Appolinaro, W. Kuchelbecker at R.M. Gumawa si Rilke ng isang malalim na pilosopiko, liriko na gawain.

Ang pagkumpleto ng maraming trabaho sa pagbuo ng symphonic genre ay ang Fifteenth Symphony (1971), na pinagsama ang lahat ng pinakamahusay na nakamit sa iba't ibang yugto pagkamalikhain D.D. Shostakovich.

Mga sanaysay:

Operas - The Nose (batay sa N.V. Gogol, libretto ni E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis at ang may-akda, 1928, itinanghal noong 1930, Leningrad Maly Opera Theater), Lady Macbeth ng Mtsensk (Katerina Izmailova , pagkatapos ng N.S. Lesuskov, libretto at ang may-akda, 1932, ay itinanghal noong 1934, Leningrad Maly Opera Theater, Moscow Musical Theater na pinangalanang V.I. Moscow Musical Theater na pinangalanang K.S. Stanislavsky at V.I.

Ballets - Golden Age (1930, Leningrad Opera and Ballet Theatre), Bolt (1931, ibid.), Bright Stream (1935, Leningrad Maly Opera Theatre); musikal na komedya Moscow, Cheryomushki (libretto ng V.Z. Mass at M.A. Chervinsky, 1958, itinanghal noong 1959, Moscow Operetta Theater);

para sa mga soloista, koro at orkestra - oratorio Song of the Forests (mga salita ni E.Ya. Dolmatovsky, 1949), cantata Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan (mga salita ni Dolmatovsky, 1952), mga tula - Tula tungkol sa Inang Bayan (1947), Pagbitay kay Stepan Razin (mga salita ni E. .A. Evtushenko, 1964);

para sa koro at orkestra - Himno sa Moscow (1947), Himno ng RSFSR (mga salita ni S. P. Shchipachev, 1945);

para sa orkestra - 15 symphony (No. 1, F minor op. 10, 1925; No. 2 - October, na may huling koro sa mga salita ng A.I. Bezymensky, H major op. 14, 1927; No. 3, Pervomaiskaya, para sa orkestra at koro, mga salita ni S.I. Kirsanov, Es-dur op . . b-moll op. 113, mga salita ni E. A. Evtushenko, No. 14, op 141, 1971), symphonic na tula Oktubre (op. 131, 1967), overture sa Russian at Kyrgyz folk themes (op. 115, 1963), Festive Overture (1954), 2 scherzos (op. 1, 1919; op. 7, 1924), overture sa opera " Christopher Columbus" ni Dressel (op. 23, 1927), 5 fragment (op. 42, 1935), Novorossiysk chimes (1960), Funeral at triumphal prelude sa memorya ng mga bayani ng Battle of Stalingrad (op. 130, 1967 ), suite - mula sa opera Nose (op. 15-a, 1928), mula sa musika para sa ballet na The Golden Age (op. 22-a, 1932), 5 ballet suite (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931), mula sa musika para sa mga pelikulang Golden Mountains (op. 30-a, 1931), Meeting on the Elbe (op. 80-a, 1949), First Echelon (op. 99-a, 1956), mula sa ang musika sa trahedya na "Hamlet" ni Shakespeare (op. 32- a, 1932);

concertos para sa instrumento at orkestra - 2 para sa piano (C-moll op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 2 para sa violin (A-moll op. 77, 1948, na nakatuon sa D. F. Oistrakh; cis -moll op. 129, 1967, na nakatuon sa kanya), 2 para sa cello (Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966);

para sa brass band - March of the Soviet Police (1970);

para sa jazz orchestra - suite (1934);

chamber instrumental ensembles - para sa violin at piano sonata (d-moll op. 134, 1968, na nakatuon sa D. F. Oistrakh); para sa viola at piano sonata (op. 147, 1975); para sa cello at piano sonata (d-moll op. 40, 1934, na nakatuon sa V.L. Kubatsky), 3 piraso (op. 9, 1923-24); 2 piano trios (op. 8, 1923; op. 67, 1944, in memory of I.P. Sollertinsky), 15 strings, quartets (No. l, C-dur op. 49, 1938: No. 2, A-dur op. 68 , 1944, na nakatuon sa V. Ya. 1952, na nakatuon sa Beethoven Quartet, No. 6, op. nakatuon sa alaala ng mga biktima ng pasismo at digmaan; No. 9, Es-dur op -dur op. 133, 1968, nakatuon sa D. M. Tsyganov, 1970, na nakatuon sa V. V. Borisovsky No. 142, 1973, No. es-moll op. 144, 1974), piano quintet (g-moll op. 57, 1940), 2 piraso para sa mga string octet (op. 11, 1924-25);

para sa piano - 2 sonata (C-dur op. 12, 1926; H-moll op. 61, 1942, na nakatuon kay L.N. Nikolaev), 24 preludes (op. 32, 1933), 24 preludes at fugues (op. 87 , 1951 ), 8 preludes (op. 2, 1920), Aphorisms (10 plays, op. 13, 1927), 3 fantastic dances (op. 5, 1922), Children's notebook (6 plays, op. 69, 1945), Dancing Dolls (7 piraso, walang op., 1952);

para sa 2 piano - concertino (op. 94, 1953), suite (op. 6, 1922, na nakatuon sa memorya ng D. B. Shostakovich);

para sa boses at orkestra - 2 pabula ni Krylov (op. 4, 1922), 6 na romansa sa mga salita ng mga Japanese poets (op. 21, 1928-32, na nakatuon sa N.V. Varzar), 8 English at American folk songs sa mga teksto ni R . Burns at iba pa, isinalin ni S. Ya.

para sa koro na may piano - Panunumpa sa People's Commissar (mga salita ni V.M. Sayanov, 1942);

para sa choir a cappella - Sampung tula sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata ng Russia (op. 88, 1951), 2 pagsasaayos ng mga katutubong kanta ng Russia (op. 104, 1957), Fidelity (8 ballad sa mga salita ni E.A. Dolmatovsky, op. 136 , 1970 );

para sa boses, violin, cello at piano - 7 romansa sa mga salita ni A. A. Blok (op. 127, 1967); vocal cycle Mula sa Jewish Folk Poetry para sa soprano, contralto at tenor na may piano (op. 79, 1948); para sa boses at piano - 4 na romansa sa mga salita ni A.S. Pushkin (op. 46, 1936), 6 romances to words nina W. Raleigh, R. Burns at W. Shakespeare (op. 62, 1942; bersyon na may chamber orchestra), 2 kanta sa mga salita ni M.A. Svetlova (op. 72, 1945), 2 romansa sa mga salita ni M.Yu. Lermontov (op. 84, 1950), 4 na kanta sa lyrics ni E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), 4 na monologo sa mga salita ni A.S. Pushkin (op. 91, 1952), 5 romances to words ni E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), mga Espanyol na kanta (op. 100, 1956), 5 satire batay sa mga salita ni S. Cherny (op. 106, 1960), 5 romansa batay sa mga salita mula sa magazine na "Crocodile" (op. 121, 1965), Spring (mga salita ni Pushkin, op. 128, 1967), 6 na tula ni M.I. Tsvetaeva (op. 143, 1973; bersyon na may chamber orchestra), Suite Sonnets ni Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; bersyon na may chamber orchestra); 4 na tula ni Kapitan Lebyadkin (mga salita ni F. M. Dostoevsky, op. 146, 1975);

para sa mga soloista, koro at piano - mga pagsasaayos ng mga awiting katutubong Ruso (1951);

musika para sa mga pagtatanghal ng mga teatro ng drama - "The Bedbug" ni Mayakovsky (1929, Moscow, V.E. Meyerhold Theater), "The Shot" ni Bezymensky (1929, Leningrad TRAM), "Virgin Land" nina Gorbenko at Lvov (1930, ibid.) , " Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.), "Hamlet" ni Shakespeare (1932, Moscow, Vakhtangov Theater), "Human Comedy" ni Sukhotin, batay sa O. Balzac (1934, ibid.), "Salute, Spain" ni Afinogenov (1936, Leningrad Pushkin Drama Theater), "King Lear" ni Shakespeare (1941, Leningrad Bolshoi Drama Theater na pinangalanang Gorky);

musika para sa mga pelikula - "New Babylon" (1929), "Alone" (1931), "Golden Mountains" (1931), "Oncoming" (1932), "Love and Hate" (1935), "Girlfriends" (1936), trilogy - "Maxim's Youth" (1935), "Maxim's Return" (1937), "Vyborg Side" (1939), "Volochaev Days" (1937), "Friends" (1938), "Man with a Gun" (1938) , "The Great Citizen" (2 episodes, 1938-39), "The Stupid Mouse" (cartoon, 1939), "The Adventures of Korzinkina" (1941), "Zoya" (1944), "Ordinary People" (1945) , "Pirogov" (1947), "The Young Guard" (1948), "Michurin" (1949), "Meeting on the Elbe" (1949), "The Unforgettable Year 1919" (1952), "Belinsky" (1953) , "Unity" (1954 ), "The Gadfly" (1955), "First Echelon" (1956), "Hamlet" (1964), "A Year Like Life" (1966), "King Lear" (1971), atbp .;

instrumentasyon ng mga gawa ng ibang mga may-akda - M.P. Mussorgsky - ang mga opera na "Boris Godunov" (1940), "Khovanshchina" (1959), ang vocal cycle na "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan" (1962); opera na "Rothschild's Violin" ni V.I. Fleishman (1943); mga koro A.A. Davidenko - "On the Tenth Mile" at "The Street is Worried" (para sa koro at orkestra, 1962).

TUNGKOL SAlipunan atDD. Shostakovich

Si Shostakovich ay pumasok sa musika ng ika-20 siglo nang mabilis at sikat. Ang kanyang unang symphony ay mabilis na naglibot sa maraming mga bulwagan ng konsiyerto sa buong mundo, na nagpapahiwatig ng pagsilang ng isang bagong talento. Sa kasunod na mga taon, ang batang kompositor ay nagsusulat ng marami at sa iba't ibang paraan - matagumpay at hindi gaanong mahusay, sumuko sa kanyang sariling mga ideya at tumutupad sa mga order mula sa mga sinehan at sinehan, na nahawahan sa paghahanap para sa isang magkakaibang artistikong kapaligiran at pagbibigay pugay sa pampulitika. pakikipag-ugnayan. Medyo mahirap paghiwalayin ang artistikong radikalismo sa politikal na radikalismo noong mga taong iyon. Ang Futurism, kasama ang ideya nito ng "produktibong kahusayan" ng sining, lantad na anti-indibidwalismo at isang apela sa "masa", ay medyo katulad sa Bolshevik aesthetics. Kaya naman ang duality ng mga akda (ang ikalawa at ikatlong symphony), na nilikha sa rebolusyonaryong tema na napakapopular sa mga taong iyon. Karaniwang tipikal ang naturang bidirectionality noong panahong iyon (halimbawa, ang teatro ni Mayerhold o ang tula ni Mayakovsky). Tila sa mga innovator ng sining noong panahong iyon na ang rebolusyon ay tumutugma sa diwa ng kanilang matapang na paghahanap at maaari lamang mag-ambag sa kanila. Mamaya ay matanto nila kung gaano kawalang muwang ang kanilang pananampalataya sa rebolusyon. Ngunit sa mga taong iyon nang isinilang ang mga unang pangunahing opus ni Shostakovich - mga symphony, ang opera na "The Nose", preludes - ang buhay ng artistikong buhay ay talagang namumula at puspusan, at sa kapaligiran ng maliwanag na mga makabagong pagsisikap, hindi pangkaraniwang mga ideya, isang halo-halong masining. paggalaw at walang pigil na pag-eeksperimento, makakahanap siya ng mga aplikasyon para sa kanyang pagkatalo sa gilid ng malikhaing enerhiya ng sinumang bata at malakas na talento. At si Shostakovich sa mga taong iyon ay ganap na nakuha ng daloy ng buhay. Ang mga dinamika ay hindi nakakatulong sa tahimik na pagmumuni-muni, at sa kabaligtaran ay humingi ng epektibo, kontemporaryo, hindi pangkasalukuyan na sining. At si Shostakovich, tulad ng maraming mga artista noong panahong iyon, ay sinasadya na magsulat ng musika na naaayon sa pangkalahatang tono ng panahon.

Natanggap ni Shostakovich ang kanyang unang seryosong suntok mula sa totalitarian cultural machine noong 1936 na may kaugnayan sa kanyang produksyon ng kanyang pangalawa (at huling) opera, Lady Macbeth ng Mtsensk. Ang nakapangingilabot na kahulugan ng gayong mga pampulitika na pag-aalipusta ay noong 1936 ang nakamamatay na mekanismo ng panunupil ay gumagana na sa buong napakalaking saklaw nito. Iisa lamang ang ibig sabihin ng ideolohikal na kritisismo: alinman ay nasa "kabilang panig ng mga barikada," at samakatuwid ay nasa kabilang panig ng pag-iral, o kinikilala mo ang "katarungan ng pagpuna," at pagkatapos ay bibigyan ka ng buhay. Sa halaga ng pag-abandona sa sarili, kinailangan ni Shostakovich na gumawa ng napakasakit na pagpili sa unang pagkakataon. "Naunawaan" niya at "nakilala", at higit pa rito, binawi niya ang ikaapat na symphony mula sa premiere.

Ang mga kasunod na symphony (ang ikalima at ikaanim) ay binibigyang kahulugan ng opisyal na propaganda bilang isang gawa ng "kamalayan", "pagwawasto". Sa esensya, ginamit ni Shostakovich ang formula ng symphony sa isang bagong paraan, na nagbabalatkayo sa nilalaman. Gayunpaman, sinuportahan ng opisyal na pamamahayag (at hindi napigilang suportahan) ang mga sulating ito, dahil kung hindi ay kailangang aminin ng Partido Bolshevik ang ganap na hindi pagkakatugma ng kritisismo nito.

Kinumpirma ni Shostakovich ang kanyang reputasyon bilang isang "Soviet patriot" sa panahon ng digmaan sa pamamagitan ng pagsulat ng kanyang ikapitong "Leningrad" symphony. Sa ikatlong pagkakataon (pagkatapos ng una at ikalima), umani ang kompositor ng mga bunga ng tagumpay, at hindi lamang sa kanyang sariling bansa. Ang kanyang awtoridad bilang master ng modernong musika ay tila kinikilala na. Gayunpaman, hindi nito napigilan ang mga awtoridad na ipailalim siya sa pampulitikang pambubugbog at pag-uusig noong 1948 kaugnay ng paglalathala ng resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks "Sa opera na "The Great Friendship" ni V. .Muradeli.” Mabangis ang pagpuna. Si Shostakovich ay pinatalsik mula sa parehong Moscow at Leningrad conservatories, kung saan siya dati ay nagturo, at ang pagganap ng kanyang trabaho ay ipinagbawal. Ngunit hindi sumuko ang kompositor at nagpatuloy sa paggawa. Noong 1958 lamang, 5 taon pagkatapos ng kamatayan ni Stalin, opisyal na kinilala ang resolusyon bilang mali, kung hindi man sa mga probisyon nito, ngunit sa anumang kaso na may kaugnayan sa ilang mga kompositor. Mula noon, nagsimulang umunlad ang opisyal na posisyon ni Shostakovich. Siya ay isang kinikilalang klasiko ng musikang Sobyet ay hindi na niya pinupuna ang estado, ngunit pinalalapit siya sa kanyang sarili. Sa likod ng panlabas na kagalingan mayroong pare-pareho at pagtaas ng presyon sa kompositor, kung saan sumulat si Shostakovich ng maraming mga gawa. Ang pinakamabigat na presyon ay dumating nang si Shostakovich, na naging pinuno ng Union of Composers ng RSFSR, ay nagsimulang pilitin siyang sumali sa partido, na kinakailangan ng katayuan ng posisyon na ito. Sa oras na iyon, ang mga naturang aksyon ay itinuturing bilang isang pagkilala sa mga patakaran ng laro at naging halos araw-araw na kababalaghan. Ang pagiging kasapi sa partido ay nakakuha ng isang purong pormal na karakter. Gayunpaman, labis na nag-aalala si Shostakovich tungkol sa pagsali sa partido.

Ttradisyon

Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, kapag mula sa taas ng huling dekada nito ay bumukas ang isang tanawin ng nakaraan, ang lugar ni Shostakovich ay tinutukoy alinsunod sa klasikal na tradisyon. Classical hindi sa mga tuntunin ng estilo o sa kahulugan ng neoclassical retrospections, ngunit sa malalim na kakanyahan ng pag-unawa sa layunin ng musika, sa kabuuan ng mga bahagi ng musikal na pag-iisip. Lahat ng bagay na ginamit ng kompositor sa paggawa ng kanyang mga opus, gaano man kabago ang hitsura ng mga ito noong panahong iyon, sa huli ay may pinagmulan sa klasikong Viennese, pati na rin - at mas malawak - ang homophonic system sa kabuuan, kasama ang isang tonal. -harmonic na batayan, isang hanay ng mga karaniwang anyo, komposisyon ng mga genre at pag-unawa sa kanilang pagtitiyak. Nakumpleto ni Shostakovich ang isang panahon sa kasaysayan ng modernong musika sa Europa, ang simula nito ay nagsimula noong ika-18 siglo at nauugnay sa mga pangalan nina Bach, Haydn at Mozart, bagaman hindi limitado sa kanila. Sa ganitong diwa, ginampanan ni Shostakovich ang parehong papel na may kaugnayan sa klasikal-romantikong panahon gaya ng ginampanan ni Bach na may kaugnayan sa panahon ng Baroque. Ang kompositor ay nag-synthesize sa kanyang trabaho ng maraming mga linya sa pagbuo ng European music ng mga kamakailang siglo at ginanap ang pangwakas na function na ito sa isang oras kung kailan ganap na umuunlad ang ganap na magkakaibang mga direksyon, at isang bagong konsepto ng musika ay nagsisimula.

Si Shostakovich ay malayo sa pagtingin sa musika bilang isang sapat na paglalaro ng mga sound form. Ito ay malamang na hindi siya sumang-ayon kay Stravinsky na ang musika, kung ito ay nagpapahayag ng anuman, ay nagpapahayag lamang ng sarili nito. Tradisyonal si Shostakovich na, tulad ng mga dakilang tagalikha ng musika bago siya, nakita niya ito bilang isang paraan ng pagsasakatuparan sa sarili para sa kompositor - hindi lamang bilang isang musikero na may kakayahang lumikha, kundi pati na rin bilang isang tao. Hindi lamang niya inilalayo ang kanyang sarili sa nakakatakot na realidad na kanyang naobserbahan sa kanyang paligid, ngunit, sa kabaligtaran, naranasan niya ito bilang kanyang sariling kapalaran, bilang kapalaran ng buong henerasyon, ang bansa sa kabuuan.

Ang wika ng mga gawa ni Shostakovich ay mabubuo lamang bago ang post-war avant-garde, at ito ay tradisyonal sa diwa na para sa kanya ang mga salik tulad ng intonasyon, mode, tonality, harmony, metrhythm, standard form, at ang makasaysayang itinatag na sistema ng mga genre. ng European akademikong tradisyon ay ganap na nagpapanatili ng kanilang kahalagahan. At kahit na ito ay ibang intonasyon, mga espesyal na uri ng mga mode, isang bagong pag-unawa sa tonality, sariling sistema harmonies, anyo at genre na binibigyang kahulugan sa isang bagong paraan, ang mismong presensya ng mga antas na ito ng musikal na wika ay nagsasalita ng pagiging kabilang sa isang tradisyon. Kasabay nito, ang lahat ng mga pagtuklas ng panahong iyon ay balanse sa gilid ng posible, nanginginig sa makasaysayang itinatag na sistema ng wika, ngunit nananatili sa loob ng mga hangganan ng mga kategoryang binuo nito. Salamat sa mga inobasyon, ang homophonic na konsepto ng musikal na wika ay nagsiwalat ng hindi pa nauubos na mga reserba, hindi nagastos na mga pagkakataon, at pinatunayan ang lawak at mga prospect ng pag-unlad nito. Karamihan sa kasaysayan ng musika noong ika-20 siglo ay lumipas sa ilalim ng tanda ng mga pananaw na ito, at si Shostakovich ay gumawa ng isang walang alinlangan na kontribusyon dito.

Symphony ng Sobyet

Noong taglamig ng 1935, nakibahagi si Shostakovich sa isang talakayan sa symphonism ng Sobyet, na naganap sa Moscow sa loob ng tatlong araw, mula Pebrero 4 hanggang 6. Ito ay isa sa mga pinakamahalagang pagtatanghal ng batang kompositor, na binabalangkas ang direksyon ng karagdagang trabaho. Sa totoo lang, binigyang-diin niya ang pagiging kumplikado ng mga problema sa yugto ng pagbuo ng symphonic genre, ang panganib ng paglutas ng mga ito gamit ang karaniwang "mga recipe", at laban sa pagmamalabis ng mga merito. mga indibidwal na gawa, pinupuna, sa partikular, ang Ikatlo at Ikalimang symphony ng L. K. Knipper para sa "chewed language", kahabag-habag at primitiveness ng estilo. Matapang niyang iginiit na “...Soviet symphony is not exist. Dapat tayong maging mahinhin at aminin na wala pa tayong mga gawang musikal na sa isang detalyadong anyo ay sumasalamin sa mga estilista, ideolohikal at emosyonal na mga seksyon ng ating buhay, at sinasalamin ang mga ito sa mahusay na anyo... Dapat nating aminin na sa ating symphonic na musika ay mayroon tayong ilang mga tendensya lamang sa edukasyon ng bagong pag-iisip sa musika, mga mahiyain na balangkas ng isang istilo sa hinaharap...".

Nanawagan si Shostakovich para sa pag-ampon ng karanasan at mga tagumpay ng panitikan ng Sobyet, kung saan malapit na, ang mga katulad na problema ay natagpuan na ang pagpapatupad sa mga gawa ni M. Gorky at iba pang mga masters ng mga salita. Nahuhuli ang musika sa panitikan sa opinyon ni Shostakovich.

Isinasaalang-alang ang pag-unlad ng modernong artistikong pagkamalikhain, nakita niya ang mga palatandaan ng isang convergence ng mga proseso ng panitikan at musika, na nagsimula sa musika ng Sobyet at isang matatag na paggalaw patungo sa lyrical-psychological symphonism.

Para sa kanya walang alinlangan na ang tema at istilo ng kanyang Pangalawa at Ikatlong Symphony ay isang naipasa na yugto hindi lamang ng kanyang sariling pagkamalikhain, kundi pati na rin ng Sobyet na symphony sa kabuuan: ang metaphorically generalized na istilo ay lumampas sa pagiging kapaki-pakinabang nito. Ang tao bilang isang simbolo, isang uri ng abstraction, ay nag-iwan ng mga gawa ng sining upang maging isang indibidwalidad sa mga bagong gawa. Ang isang mas malalim na pag-unawa sa balangkas ay pinalakas, nang walang paggamit ng mga pinasimple na teksto ng mga yugto ng koro sa mga symphony. Ang tanong ay itinaas tungkol sa likas na katangian ng balangkas ng "purong" symphonism.

Kinikilala ang mga limitasyon ng kanyang kamakailang symphonic na karanasan, itinaguyod ng kompositor ang pagpapalawak ng nilalaman at mga pangkakanyahang pinagmumulan ng symphony ng Sobyet. Sa layuning ito, binigyan niya ng pansin ang pag-aaral ng dayuhang symphonism at iginiit ang pangangailangan para sa musicology upang matukoy ang mga pagkakaiba sa husay sa pagitan ng symphonism ng Sobyet at Western symphonism.

Simula kay Mahler, binanggit niya ang isang liriko na confessional symphony na may mga adhikain sa panloob na mundo ng isang kontemporaryo. Nagpatuloy ang mga pagsubok. Si Sollertinsky, na mas nakakaalam kaysa sa sinuman tungkol sa mga plano ni Shostakovich, sa isang talakayan sa simponya ng Sobyet, ay nagsabi: "Naghihintay kami nang may malaking interes sa paglitaw ng Ika-apat na Symphony ni Shostakovich" at tiyak na ipinaliwanag: "... ang gawaing ito ay magiging malayo mula sa ang tatlong symphony na iyon, na isinulat ni Shostakovich kanina. Ngunit ang symphony ay nasa isang embryonic na estado pa rin."

Dalawang buwan pagkatapos ng talakayan, noong Abril 1935, inihayag ng kompositor: "Ngayon mayroon akong isang malaking trabaho sa linya - ang Ika-apat na Symphony.

Lahat ng musikal na materyal na mayroon ako para sa gawaing ito ay tinanggihan ko na ngayon. Ang symphony ay isinusulat muli. Dahil ito ay isang napakahirap at responsableng gawain para sa akin, gusto ko munang magsulat ng ilang mga gawa sa istilo ng kamara at instrumental.

Noong tag-araw ng 1935, si Shostakovich ay ganap na walang nagawa maliban sa hindi mabilang na mga sipi ng silid at symphonic, na kasama ang musika para sa pelikulang "Girlfriends."

Sa taglagas ng parehong taon, muli niyang sinimulan ang pagsulat ng Fourth Symphony, matatag na nagpasiya, anuman ang mga paghihirap na naghihintay sa kanya, upang tapusin ang gawain, upang mapagtanto ang pangunahing gawain na ipinangako noong tagsibol bilang "isang uri ng kredo ng malikhaing gawain.”

Ang pagkakaroon ng pagsisimula sa pagsulat ng symphony noong Setyembre 13, 1935, sa pagtatapos ng taon ay ganap niyang natapos ang una at karamihan sa mga pangalawang paggalaw. Mabilis siyang sumulat, kung minsan kahit na galit na galit, ibinabato ang buong mga pahina at pinapalitan ng mga bago; Ang sulat-kamay ng mga sketch sa keyboard ay hindi matatag, matatas: naabutan ng imahinasyon ang pag-record, ang mga tala ay nauuna sa panulat, na umaagos na parang avalanche sa papel.

Ang mga artikulo ng 1936 ay nagsilbi bilang isang mapagkukunan ng isang makitid at isang panig na pag-unawa sa mga mahahalagang pangunahing isyu ng sining ng Sobyet bilang ang tanong ng saloobin patungo sa klasikal na pamana, ang problema ng mga tradisyon at pagbabago. Mga tradisyon mga musikal na klasiko ay hindi itinuturing na batayan para sa karagdagang pag-unlad, ngunit bilang isang uri ng hindi nababagong pamantayan, na lampas sa kung saan imposibleng pumunta. Ang ganitong paraan ay nakagapos sa mga makabagong pakikipagsapalaran at naparalisa ang malikhaing inisyatiba ng mga kompositor.

Ang mga dogmatikong saloobin na ito ay hindi maaaring pigilan ang paglago ng sining ng musikal ng Sobyet, ngunit walang alinlangan na kumplikado ang pag-unlad nito, nagdulot ng ilang mga salungatan, at humantong sa makabuluhang pagbabago sa mga pagtatasa.

Ang mga salungatan at pagkiling sa pagtatasa ng mga musical phenomena ay napatunayan ng mainit na mga debate at talakayan na naganap noong panahong iyon.

Ang orkestrasyon ng Fifth Symphony ay nailalarawan, kung ihahambing sa Ika-apat, sa pamamagitan ng isang mas malaking balanse sa pagitan ng mga instrumento ng tanso at string, na may isang kalamangan sa pabor ng mga string: sa Largo ay walang seksyon ng tanso. Ang mga seleksyon ng timbre ay napapailalim sa mga makabuluhang sandali ng pag-unlad, sinusunod nila mula sa kanila, sila ay dinidiktahan ng mga ito. Mula sa hindi mapipigilan na pagkabukas-palad ng mga marka ng ballet, si Shostakovich ay bumaling sa pag-save ng mga timbre. Ang orchestral dramaturgy ay tinutukoy ng pangkalahatang dramatikong oryentasyon ng anyo. Intonation tension ay nilikha sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng melodic relief at ang orkestra framing nito. Ang komposisyon ng orkestra mismo ay patuloy ding tinutukoy. Ang pagkakaroon ng dumaan sa iba't ibang mga pagsubok (hanggang sa quadruple na komposisyon sa Fourth Symphony), si Shostakovich ngayon ay nananatili sa triple composition - ito ay itinatag nang tumpak mula sa Fifth Symphony. Parehong sa modal na organisasyon ng materyal at sa orkestrasyon nang walang paglabag, sa loob ng balangkas ng pangkalahatang tinatanggap na mga komposisyon, iba-iba ang kompositor, pinalawak ang mga posibilidad ng timbre, madalas sa pamamagitan ng mga solong boses, ang paggamit ng piano (kapansin-pansin na, nang ipinakilala ito sa iskor ng Unang Symphony, si Shostakovich pagkatapos ay gumawa ng walang piano para sa Pangalawa, Pangatlo, Ikaapat na symphony at muli itong isinama sa marka ng Fifth). Kasabay nito, ang kahalagahan ng hindi lamang timbral dissection ay nadagdagan, kundi pati na rin ang timbral unity, ang paghahalili ng malalaking timbral layers; sa climactic na mga fragment, ang pamamaraan ng paggamit ng mga instrumento sa pinakamataas na nagpapahayag na mga rehistro, na walang bass o may hindi gaanong suporta sa bass (maraming mga halimbawa nito sa Symphony), ang nanaig.

Ang anyo nito ay nagpapahiwatig ng pag-order, sistematisasyon ng mga nakaraang pagpapatupad, at ang pagkamit ng mahigpit na lohikal na monumentalidad.

Pansinin natin ang mga tampok na formative na tipikal ng Fifth Symphony, na nagpapatuloy at umuunlad sa karagdagang gawain ni Shostakovich.

Ang kahalagahan ng epigraph-introduction ay tumataas. Sa Ika-apat na Symphony ito ay isang malupit, nanginginig na motibo, narito ang malupit, marilag na kapangyarihan ng koro.

Sa unang bahagi, ang papel na ginagampanan ng paglalahad ay naka-highlight, ang dami at emosyonal na integridad nito ay nadagdagan, na binibigyang-diin din ng orkestrasyon (ang tunog ng mga string sa eksposisyon). Nalampasan ang mga istrukturang hangganan sa pagitan ng pangunahin at pangalawang partido; Hindi gaanong sila ang sumasalungat, ngunit makabuluhang mga seksyon kapwa sa eksibisyon at sa pag-unlad. Ang reprise ay nagbabago nang husay, na nagiging kasukdulan ng dramaturgy na may patuloy na pag-unlad sa paksa: kung minsan ang tema ay nakakakuha ng isang bagong matalinghagang kahulugan, na humahantong sa higit pang pagpapalalim ng mga tampok na dramatikong kontrahan ng cycle.

Ang pag-unlad ay hindi rin tumitigil sa code. At dito nagpapatuloy ang mga pampakay na pagbabagong-anyo, mga pagbabagong-anyo ng modal ng mga tema, ang kanilang dynamization sa pamamagitan ng orkestrasyon.

Sa finale ng Fifth Symphony, hindi nagbigay ng aktibong conflict ang may-akda, tulad ng sa finale ng nakaraang Symphony. Ang pagtatapos ay pinasimple. "Sa isang mahusay na hininga, pinamunuan tayo ni Shostakovich sa isang nakasisilaw na liwanag kung saan ang lahat ng mga malungkot na karanasan, lahat ng mga trahedya na salungatan ng mahirap na nakaraang landas ay nawawala" (D. Kabalevsky). Ang konklusyon ay tila positibo. "Inilalagay ko ang isang tao na may lahat ng kanyang mga karanasan sa gitna ng konsepto ng aking trabaho," paliwanag ni Shostakovich, "at ang pangwakas ng Symphony ay niresolba ang kalunos-lunos na matinding sandali ng mga unang paggalaw sa isang masayahin, optimistikong paraan."

Ang nasabing pagtatapos ay nagbigay-diin sa mga klasikal na pinagmulan, klasikal na pagpapatuloy; sa istilong lapidary nito ang hilig ay pinaka-malinaw na ipinakita: kapag lumilikha ng isang libreng uri ng interpretasyon ng sonata form, hindi ito lumihis mula sa klasikal na batayan.

Noong tag-araw ng 1937, nagsimula ang mga paghahanda para sa isang dekada ng musikang Sobyet upang gunitain ang ikadalawampung anibersaryo ng Great October Socialist Revolution. Ang symphony ay kasama sa programa ng dekada. Noong Agosto, nag-abroad si Fritz Stiedri. Si M. Shteiman, na pumalit sa kanya, ay hindi nakapagpakita ng bagong kumplikadong komposisyon sa tamang antas. Ang pagpapatupad ay ipinagkatiwala kay Evgeny Mravinsky. Halos hindi siya kilala ni Shostakovich: Si Mravinsky ay pumasok sa konserbatoryo noong 1924, nang si Shostakovich ay nasa kanyang huling taon ng pag-aaral; Ang mga ballet ni Shostakovich sa Leningrad at Moscow ay ginanap sa ilalim ng baton nina A. Gauk, P. Feldt, at Yu, at ang mga symphony ay itinanghal ni N. Malko at A. Gauk. Si Mravinsky ay nasa anino. Ang kanyang sariling katangian ay nabuo nang dahan-dahan: noong 1937 siya ay tatlumpu't apat na taong gulang, ngunit hindi siya madalas na lumitaw sa Philharmonic console. Sarado, nag-aalinlangan sa kanyang mga kakayahan, sa pagkakataong ito ay tinanggap niya ang alok na ipakita sa publiko ang bagong symphony ni Shostakovich nang walang pag-aalinlangan. Naaalala ang kanyang hindi pangkaraniwang pagpapasiya, ang konduktor mismo ay hindi maipaliwanag ito sa sikolohikal na paraan.

Sa loob ng halos dalawang taon ang musika ni Shostakovich ay hindi narinig sa Great Hall. Ang ilan sa mga miyembro ng orkestra ay nag-ingat sa kanya. Nabawasan ang disiplina ng orkestra nang walang malakas na kalooban na punong konduktor. Ang Philharmonic's repertoire ay umani ng batikos mula sa press. Ang pamumuno ng Philharmonic ay nagbago: ang batang kompositor na si Mikhail Chudaki, na naging direktor, ay papasok pa lamang sa negosyo, na nagpaplanong isali ang I.I. Sollertinsky, pag-compose at mga kabataang gumaganap ng musika.

Walang pag-aalinlangan M.I. Namahagi si Chudaki ng mga responsableng programa sa tatlong konduktor na nagsimula ng aktibong aktibidad sa konsiyerto: E.A. Mravinsky, N.S. Rabinovich at K.I. Eliasberg.

Sa buong Setyembre, nabuhay lamang si Shostakovich kasama ang kapalaran ng Symphony. Inihinto ko ang pag-compose ng musika para sa pelikulang "Volochaevsky Days". Siya ay tumanggi sa iba pang mga utos, na binanggit ang pagiging abala.

Ginugol niya ang halos lahat ng kanyang oras sa Philharmonic. Naglaro ng Symphony. Nakinig si Mravinsky at nagtanong.

Ang kasunduan ng konduktor na gawin ang kanyang debut sa Fifth Symphony ay naiimpluwensyahan ng pag-asa na makatanggap ng tulong mula sa may-akda sa panahon ng proseso ng pagganap at umasa sa kanyang kaalaman at karanasan. Ang maingat na pamamaraan ni Mravinsky sa una ay naalarma kay Shostakovich. "Para sa akin, masyado siyang nag-detalye sa mga detalye, nagbigay ng masyadong pansin sa mga detalye, at para sa akin na ito ay makakasama sa pangkalahatang plano, ang pangkalahatang disenyo. Isinailalim ako ni Mravinsky sa isang tunay na interogasyon tungkol sa bawat taktika, tungkol sa bawat pag-iisip, na humihingi sa akin ng sagot sa lahat ng mga pagdududa na lumitaw sa kanyang isipan.

Zkonklusyon

DD. Si Shostakovich ay isang artista ng isang kumplikado, trahedya na kapalaran. Pinag-usig sa halos buong buhay niya, buong tapang niyang tiniis ang trawling at pag-uusig para sa kapakanan ng pinakamahalaga sa kanyang buhay - alang-alang sa pagkamalikhain. Kung minsan, sa mahihirap na kondisyon ng pampulitikang panunupil, kailangan niyang maniobrahin, ngunit kung wala ito ay hindi na umiiral ang kanyang trabaho. Marami sa mga nagsimula sa kanya ang namatay, marami ang nasira. Siya ay nagtiis at nakaligtas, tiniis ang lahat at nagawang mapagtanto ang kanyang pagtawag. Mahalaga hindi lamang kung paano siya nakikita at naririnig ngayon, kundi pati na rin kung sino siya sa kanyang mga kontemporaryo. Sa loob ng maraming taon, ang kanyang musika ay nanatiling isang labasan na, sa loob ng maikling oras, ay nagpapahintulot sa akin na ituwid ang aking dibdib at malayang huminga. Ang tunog ng musika ni Shostakovich ay palaging hindi lamang isang pagdiriwang ng sining. Alam nila kung paano pakinggan ito at alisin ito sa mga concert hall.

Listahan ng ginamit na panitikan

1. L. Tretyakova "Mga Pahina ng musikang Sobyet", M.

2. M. Aranovsky, Musical "Dystopias" ng Shostakovich, kabanata 6 mula sa aklat na "Russian Music of the 20th Century".

3. Kentova S.D. Shostakovich. Buhay at pagkamalikhain: Monograph. Sa 2 aklat, aklat 1.-L.: Sov. kompositor, 1985. P. 420.

5. Internet portal http://peoples.ru/

Nai-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Ang mga taon ng pagkabata ng kompositor ng Russian Soviet, natitirang pianista, guro at pampublikong pigura na si Dmitry Dmitrievich Shostakovich. Nag-aral sa Commercial Gymnasium ng Maria Shidlovskaya. Unang mga aralin sa piano. Ang mga pangunahing gawa ng kompositor.

pagtatanghal, idinagdag noong 05/25/2012


Talambuhay at malikhaing landas ni Shostakovich - kompositor ng Sobyet, pianista, guro at pampublikong pigura. Ang ikalimang symphony ni Shostakovich, na nagpatuloy sa tradisyon ng mga kompositor tulad nina Beethoven at Tchaikovsky. Mga akda mula sa mga taon ng digmaan. Prelude at Fugue sa D major.

pagsubok, idinagdag noong 09/24/2014


Mga katangian ng talambuhay at pagkamalikhain ni D. Shostakovich, isa sa pinakamalaking kompositor ng panahon ng Sobyet, na ang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan ng makasagisag na nilalaman. Ang hanay ng genre ng gawa ng kompositor (vocal, instrumental sphere, symphony).

abstract, idinagdag noong 01/03/2011


Musika ng pelikula sa mga gawa ni D.D. Shostakovich. Ang trahedya ni W. Shakespeare. Kasaysayan ng paglikha at buhay sa sining. Ang kasaysayan ng paglikha ng musika para sa pelikula ni G. Kozintsev. Musical embodiment ng mga pangunahing larawan ng pelikula. Ang papel ng musika sa dramaturgy ng pelikulang "Hamlet".

course work, idinagdag 06/23/2016


Ang malikhaing landas ni Dmitry Dmitrievich Shostakovich, ang kanyang kontribusyon sa kulturang musikal. Ang henyong kompositor ay lumikha ng mga symphony, instrumental at vocal ensembles, choral works (oratorios, cantatas, choral cycles), opera, at mga marka ng pelikula.

abstract, idinagdag 03/20/2014


Pagkabata. Pag-unlad ng musika ng isang batang pianista at kompositor. Shostakovich - performer at kompositor. Malikhaing landas. Mga taon pagkatapos ng digmaan. Pangunahing gawa: "Seventh Symphony", opera "Katerina Izmailova".

thesis, idinagdag noong 06/12/2007


Paraan ng pagtatrabaho sa mga modelo ng genre sa mga gawa ni Shostakovich. Ang pamamayani ng mga tradisyonal na genre sa pagkamalikhain. Mga kakaiba ng pagpili ng may-akda ng mga prinsipyong pampakay ng genre sa Eighth Symphony, ang kanilang pagsusuri artistikong pag-andar. Ang nangungunang papel ng genre semantics.

course work, idinagdag 04/18/2011


paaralan ng kompositor ng Russia. "Kopyahin" mula sa Vivaldi ni Bortnyansky. Ang nagtatag ng Russian propesyonal na musika, si Mikhail Glinka. Apela sa paganong pinagmulan ni Igor Stravinsky. Ang epekto ng musika ni Dmitry Shostakovich. Ang gawa ni Frederic Chopin.

abstract, idinagdag 11/07/2009


Mga paggalaw ng alamat sa musika ng unang kalahati ng ika-20 siglo at ang gawa ni Bela Bartok. Mga ballet score ni Ravel. Mga gawa sa teatro ni D.D. Shostakovich. Piano gawa ni Debussy. Mga symphonic na tula ni Richard Strauss. Pagkamalikhain ng mga kompositor ng pangkat na "Anim".

cheat sheet, idinagdag noong 04/29/2013


Ang Panahon ng Pilak bilang isang panahon sa kasaysayan ng kulturang Ruso, na magkakasunod na nauugnay sa simula ng ika-20 siglo. Isang maikling talambuhay na tala mula sa buhay ni Alexander Scriabin. Pagtutugma ng mga kulay at tono. Ang rebolusyonaryong katangian ng malikhaing paghahanap ng kompositor at pianista.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich, (1906–1975)

Ang Shostakovich ay isang natatanging kababalaghan sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ang kanyang gawa, tulad ng walang ibang artista, ay sumasalamin sa ating masalimuot, malupit, at kung minsan ay phantasmagoric na panahon; ang kasalungat at kalunos-lunos na kapalaran ng sangkatauhan; ang mga pagkabigla na nangyari sa kanyang mga kasabayan ay nakapaloob. Dinaan niya sa kanyang puso ang lahat ng problema, lahat ng pagdurusa na dinanas ng ating bansa noong ika-20 siglo at isinama ito sa mga gawa ng pinakamataas na artistikong merito. Tulad ng walang iba ay may karapatan siyang magbitaw ng mga salita

Bawat shot child ako dito

((Thirteenth Symphony. Mga Tula ni Evg. Yevtushenko))

Naranasan at tiniis niya ang halos hindi kayang tiisin ng puso ng tao. Kaya naman napaaga ang kanyang landas.

Iilan sa kanyang mga kontemporaryo, o talagang mga kompositor ng anumang oras, ay kinikilala at ipinagdiriwang sa kanilang buhay tulad niya. Ang mga dayuhang parangal at diploma ay hindi mapag-aalinlanganan - at siya ay isang honorary member ng Royal Swedish Academy, isang kaukulang miyembro ng Academy of Arts of the GDR (East Germany), isang honorary member ng national Italian Academy "Santa Cecilia", isang commander. ng French Order of Arts and Letters, isang miyembro ng English Royal Academy of Music, honorary doctor ng University of Oxford, laureate ng international Sibelius Prize, honorary member ng Serbian Academy of Arts, kaukulang miyembro ng Bavarian Academy of Ang Fine Arts, honorary doctor ng Trinity College (Ireland), honorary doctor ng Northwestern University (Evanston, USA), dayuhang miyembro ng French Academy Fine Arts, ay ginawaran ng Gold Medal ng Royal Society of England, ang Order of the Great Silver Badge of Honor para sa mga serbisyo sa Republika ng Austria, at ang Mozart Commemorative Medal.

Ngunit ito ay iba sa aming sariling, domestic mga parangal at insignia. Tila higit pa sa sapat sa kanila: Laureate ng Stalin Prize, ang pinakamataas na parangal ng bansa noong dekada 30; People's Artist ng USSR, may hawak ng Order of Lenin, laureate ng Lenin at State Prizes, bayani ng Socialist Labor, atbp., atbp., hanggang sa pamagat ng People's Artist para sa ilang kadahilanan ng Chuvashia at Buryatia. Gayunpaman, ito ay mga karot na ganap na nabalanse ng stick: mga resolusyon ng CPSU Central Committee at mga editoryal na artikulo ng sentral na organ nito, ang pahayagan na Pravda, kung saan literal na nawasak si Shostakovich, hinaluan ng dumi, at inakusahan ng lahat ng kasalanan.

Ang kompositor ay hindi pinabayaan sa kanyang sariling mga aparato: obligado siyang sundin ang mga utos. Kaya, pagkatapos ng kilalang-kilala, tunay na makasaysayang Decree ng 1948, kung saan ang kanyang trabaho ay idineklara na pormal at dayuhan sa mga tao, siya ay ipinadala sa isang dayuhang paglalakbay, at napilitan siyang ipaliwanag sa mga dayuhang mamamahayag na ang pagpuna sa kanyang trabaho ay nararapat. Na talagang nagkamali siya at itinutuwid ng tama. Napilitan siyang makilahok sa hindi mabilang na mga forum ng "tagapagtanggol ng kapayapaan", at ginawaran pa siya ng mga medalya at sertipiko para dito - habang mas gusto niyang huwag maglakbay kahit saan, ngunit lumikha ng musika. Siya ay paulit-ulit na nahalal bilang isang kinatawan ng Kataas-taasang Sobyet ng USSR - isang pandekorasyon na katawan na tumatak sa mga desisyon ng Politburo ng Partido Komunista, at ang kompositor ay kailangang maglaan ng maraming oras sa walang kabuluhang gawain na hindi nakakaakit sa kanya sa anumang paraan - sa halip na gumawa ng musika. Ngunit ito ay dahil sa kanyang katayuan: lahat ng mga pangunahing artista ng bansa ay mga kinatawan. Siya ang pinuno ng Union of Composers ng Russia, kahit na hindi niya ito pinagsikapan. Bilang karagdagan, napilitan siyang sumali sa hanay ng CPSU, at ito ay naging isa sa pinakamalakas na pagkabigla sa moral para sa kanya at, marahil, pinaikli din ang kanyang buhay.

Ang pangunahing bagay para kay Shostakovich ay palaging bumubuo ng musika. Inilaan niya ang lahat ng posibleng oras dito, palaging nagko-compose - sa kanyang mesa, sa bakasyon, sa mga biyahe, sa mga ospital... Bumaling ang kompositor sa lahat ng genre. Ang kanyang mga ballet ay minarkahan ang landas ng paghahanap ng Soviet ballet theater noong huling bahagi ng 20s at 30s at nanatiling pinakakapansin-pansin na mga halimbawa ng mga quest na ito. Ang mga opera na "The Nose" at "Lady Macbeth ng Mtsensk" ay nagbukas ng isang ganap na bagong pahina para sa genre na ito sa musikang Ruso. Sumulat din siya ng mga oratorio - isang pagpupugay sa mga panahon, isang konsesyon sa kapangyarihan, na kung hindi man ay maaaring durog sa kanya sa pulbos... Ngunit ang mga vocal cycle, piano works, quartets at iba pang chamber ensembles ay pumasok sa mundo treasury ng musikal na sining. Gayunpaman, higit sa lahat, si Shostakovich ay isang napakatalino na symphonist. Ito ay sa mga symphony ng kompositor na ang kasaysayan ng ika-20 siglo, ang trahedya nito, ang pagdurusa at mga bagyo ay pangunahing isinama.

Si Dmitry Dmitrievich Shostakovich ay ipinanganak noong Setyembre 12 (25), 1906 sa St. Petersburg sa isang matalinong pamilya. Ang kanyang ama, isang inhinyero na nagtapos sa St. Petersburg University, ay isang empleyado ng dakilang Mendeleev. Ang aking ina ay may edukasyon sa musika at minsan ay naisip na italaga ang sarili sa musika nang propesyonal. Ang talento ng batang lalaki ay napansin nang huli, dahil ang kanyang ina sa panimula ay itinuturing na imposibleng magsimula ng pagsasanay sa musika bago ang edad na siyam. Gayunpaman, pagkatapos ng pagsisimula ng mga klase, ang mga tagumpay ay mabilis at napakaganda. Hindi lamang mabilis na pinagkadalubhasaan ni Little Shostakovich ang mga kasanayan sa pianistic, ngunit nagpakita din ng pambihirang talento bilang isang kompositor, at sa edad na 12 ang kanyang natatanging kalidad ay nagpakita mismo - isang instant na malikhaing tugon sa mga kasalukuyang kaganapan. Kaya, ang isa sa mga unang dula na binubuo ng batang lalaki ay ang "Soldier" at "Funeral March in Memory of Shingarev and Kokoshkin" - mga ministro ng Provisional Government na brutal na pinatay ng mga Bolshevik noong 1918.

Ang batang kompositor ay matakaw na naramdaman ang kanyang paligid at tumugon sa mga ito. At ang oras ay kakila-kilabot. Matapos ang Rebolusyong Oktubre ng 1917 at ang dispersal ng Constituent Assembly, nagsimula ang tunay na kaguluhan sa lungsod. Napilitan ang mga residente na bumuo ng mga grupo ng pagtatanggol sa sarili upang protektahan ang kanilang mga tahanan. Tumigil ang pagdaloy ng pagkain sa malalaking lungsod, at nagsimula ang taggutom. Sa Petrograd (bilang St. Petersburg ay patriotikong pinalitan ng pangalan pagkatapos ng pagsiklab ng World War) hindi lamang walang pagkain, kundi pati na rin ang gasolina. At sa ganoong sitwasyon, ang batang Shostakovich noong 1919 (siya ay 13 taong gulang) ay pumasok sa Petrograd Conservatory sa mga departamento ng espesyal na piano at komposisyon.

Kailangan mong makarating doon sa paglalakad: mga tram - ang tanging nabubuhay na paraan ng transportasyon - bihirang tumakbo at palaging siksikan. Ang mga tao ay nakabitin sa mga kumpol mula sa tumatakbong mga tabla at madalas na nahuhulog, at ang batang lalaki ay ginustong huwag makipagsapalaran. Regular akong pumupunta, kahit na marami, kapwa mag-aaral at guro, ang mas gustong lumaktaw sa klase. Ito ay isang tunay na gawa upang makapunta sa conservatory, at pagkatapos ay mag-aral ng mabuti ng ilang oras sa isang hindi mainit na gusali. Upang makagalaw ang mga daliri at makapag-aral sila nang buo, inilagay ang mga “potbelly stoves” sa mga silid-aralan - mga kalan na bakal na maaaring painitin gamit ang anumang uri ng wood chips. At nagdala sila ng panggatong - ilang mga troso, ang ilan ay isang armful ng wood chips, ang ilan ay isang paa ng upuan o nakakalat na mga sheet ng mga libro... Halos walang pagkain. Ang lahat ng ito ay humantong sa tuberculosis ng mga lymphatic glandula, na kailangang tratuhin nang mahabang panahon, na may kahirapan na makalikom ng pera para sa mga paglalakbay sa Black Sea na kinakailangan para sa paggamot. Doon, sa Crimea, sa resort village ng Gaspra noong 1923, nakilala ni Shostakovich ang kanyang unang pag-ibig, si Muscovite Tatyana Glivenko, kung saan inialay niya ang piano trio na isinulat niya sa lalong madaling panahon.

Sa kabila ng lahat ng mga paghihirap, nagtapos si Shostakovich mula sa konserbatoryo sa klase ng piano ni Propesor Nikolaev noong 1923, at sa klase ng komposisyon ni Propesor Steinberg noong 1925. Ang kanyang graduation work, ang First Symphony, ay nagdala sa 19-taong-gulang na binata sa internasyonal na pagkilala. Gayunpaman, hindi pa rin niya alam kung ano ang iuukol sa kanyang sarili - pag-compose o pagtatanghal. Ang kanyang tagumpay sa larangang ito ay napakahusay na noong 1927 siya ay ipinadala sa internasyonal na kompetisyon ng Chopin sa Warsaw. Doon ay nakakuha siya ng ikalimang puwesto at nakatanggap ng isang honorary diploma, na itinuturing ng maraming musikero at publiko bilang isang malinaw na kawalan ng katarungan - mahusay na naglaro si Shostakovich at karapat-dapat sa mas mataas na rating. Ang mga sumunod na taon ay minarkahan ng parehong medyo malawak na aktibidad ng konsiyerto at mga unang eksperimento sa iba't ibang genre, kabilang ang teatro. Ang Pangalawa at Ikatlong Symphonies, ang mga ballet na "The Golden Age" at "Bolt", ang opera na "The Nose", at mga gawa ng piano ay lumitaw.

Ang pagpupulong at simula ng pakikipagkaibigan sa natitirang kultural na pigura na si I. Sollertinsky (1902–1944), na naganap noong tagsibol ng 1927, ay nakakuha ng napakalaking kahalagahan para sa batang Shostakovich. Si Sollertinsky, sa partikular, ay nagpakilala sa kanya sa gawain ni Mahler at sa gayon ay natukoy ang hinaharap na landas ng kompositor-symphonist. Ang kakilala sa pangunahing pigura ng teatro, ang makabagong direktor na si V. Meyerhold, kung saan ang teatro na si Shostakovich ay nagtrabaho nang ilang panahon bilang pinuno ng departamento ng musika, ay may mahalagang papel din sa kanyang malikhaing pag-unlad - sa paghahanap ng kita, ang batang musikero ay kailangang lumipat. sa Moscow sa loob ng ilang oras. Ang mga kakaiba ng mga paggawa ni Meyerhold ay makikita sa mga gawang teatro ni Shostakovich, lalo na, sa istruktura ng opera na "The Nose".

Ang musikero at ang kanyang mga damdamin para kay Tatiana ay iginuhit sa Moscow, ngunit ito ay hindi pinag-isa ng mga kabataan ang kanilang mga tadhana. Noong 1932, pinakasalan ni Shostakovich si Nina Vasilyevna Varzar. Ang opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" ay nakatuon sa kanya - isa sa mga pinaka-kahanga-hangang likha ng musika noong ika-20 siglo, na nagkaroon ng isang trahedya na kapalaran. Ang piano concerto na isinulat sa parehong taon ay ang huling gawa, puno ng kagalakan, kumikinang na saya at sigasig - mga katangian na, sa ilalim ng impluwensya ng mga katotohanan ng buhay, sa kalaunan ay umalis sa kanyang musika. Ang editoryal na artikulo ng pangunahing partido na naka-print na organ ng pahayagang Pravda, "Pagkagulo sa halip ng musika," na inilathala noong Enero 1936 at kahiya-hiyang sinisiraan ang "Lady Macbeth," na dati ay nagkaroon ng napakalaking tagumpay hindi lamang sa ating bansa, kundi pati na rin sa ibang bansa. , naghain ng mga singil laban sa may-akda nito sa bingit ng isang pampulitika na pagtuligsa, na biglaang pinalitan ang malikhaing kapalaran ni Shostakovich. Pagkatapos nito ay inabandona ng kompositor ang mga genre na nauugnay sa mga salita. Mula ngayon, ang pangunahing lugar sa kanyang trabaho ay inookupahan ng mga symphony kung saan ang kompositor ay sumasalamin sa kanyang pananaw sa mundo at sa mga tadhana ng kanyang sariling bansa.

Nagsimula ito sa Fourth Symphony, na hindi alam ng publiko sa loob ng maraming taon at unang gumanap noong 1961. Ang pagpapatupad nito noon, noong 1936, ay imposible: ito ay maaaring magsama hindi lamang ng pagpuna, ngunit ang panunupil - walang sinuman ang immune mula sa kanila. Pagkatapos, sa buong 30s, nilikha ang Fifth at Sixth Symphony. Ang mga gawa sa iba pang mga genre ay lilitaw din, lalo na, ang Piano Quintet, kung saan si Shostakovich ay iginawad sa Stalin Prize - tila, sa isang lugar "sa pinakatuktok" napagpasyahan na ang stick ay gumanap ng papel nito, at ngayon ay kinakailangan na mag-resort sa karot. Noong 1937, inanyayahan si Shostakovich sa konserbatoryo - naging propesor siya ng mga klase ng komposisyon at orkestra.

Noong 1941, pagkatapos ng pagsisimula ng Dakila Digmaang Makabayan Sinimulan ni Shostakovich ang trabaho sa Seventh Symphony. Sa oras na ito, mayroon na siyang dalawang anak - sina Galina at Maxim, at, nag-aalala tungkol sa kanilang kaligtasan, sumang-ayon ang kompositor na lumikas mula sa kinubkob na lungsod, na mula noong 1924 ay tinawag na Leningrad. Tinapos ng kompositor ang symphony na nakatuon sa kabayanihan ng kanyang katutubong lungsod sa Kuibyshev (dating at ngayon ay Samara), kung saan siya ay inilikas noong taglagas ng 1941. Doon siya ay nakatakdang manatili sa loob ng dalawang taon, nagdadalamhati para sa kanyang mga kaibigan, na nakakalat ng kapalaran ng militar sa buong malawak na bansa. Noong 1943, binigyan ng gobyerno si Shostakovich ng pagkakataong manirahan sa kabisera - naglaan siya ng isang apartment at tumulong sa paglipat. Ang kompositor ay agad na nagsimulang gumawa ng mga plano kung paano ilipat si Sollertinsky sa Moscow. Siya ay inilikas sa Novosibirsk bilang bahagi ng Leningrad Philharmonic, na ang artistikong direktor ay siya sa loob ng maraming taon. Gayunpaman, ang mga planong ito ay hindi nakalaan na matupad: noong Pebrero 1944, biglang namatay si Sollertinsky, na isang kakila-kilabot na suntok para kay Shostakovich. Sumulat siya: "Wala nang isang musikero ng napakalaking talento sa amin, wala nang masayahin, dalisay, mabait na kasama, wala na ang aking pinakamalapit na kaibigan ..." Inilaan ni Shostakovich ang Second Piano Trio sa memorya ni Sollertinsky . Kahit na bago iyon, nilikha niya ang Eighth Symphony, na nakatuon sa kahanga-hangang konduktor, ang unang tagapalabas ng kanyang mga symphony, na nagsisimula sa Fifth, E. A. Mravinsky.

Mula noon, ang buhay ng kompositor ay konektado sa kabisera. Bilang karagdagan sa pagbubuo, siya ay nakikibahagi sa pedagogy - sa Moscow Conservatory, sa una ay mayroon lamang siyang isang nagtapos na mag-aaral - R. Bunin. Para kumita ng pera para suportahan ang isang malaking pamilya (bukod sa kanyang asawa at mga anak, tinutulungan niya ang kanyang ina, may mga au pair sa bahay), nagsusulat siya ng musika para sa maraming pelikula. Parang more or less settled ang buhay. Ngunit ang mga awtoridad ay naghahanda ng bagong dagok. Kinakailangang supilin ang mga kaisipang mapagmahal sa kalayaan na umusbong sa bahagi ng intelihente pagkatapos ng tagumpay laban sa pasismo. Matapos ang pagkawasak ng panitikan noong 1946 (paninirang-puri kay Zoshchenko at Akhmatova), ang resolusyon ng partido sa patakaran sa teatro at pelikula, noong 1948 ay lumitaw ang isang resolusyon na "Sa opera na "The Great Friendship" ni Muradeli, na, sa kabila ng pangalan, muling hinarap ang pangunahing suntok kay Shostakovich. Siya ay inakusahan ng pormalismo, ng pagiging out of touch sa realidad, ng pagsalungat sa kanyang sarili sa mga tao, at tinatawag na unawain ang kanyang mga pagkakamali at reporma. Siya ay tinanggal mula sa konserbatoryo: isang inveterate formalist ay hindi mapagkakatiwalaan upang turuan ang mga batang henerasyon ng mga kompositor! Sa loob ng ilang panahon, ang pamilya ay nabubuhay lamang sa mga kita ng asawa, na, pagkatapos ng maraming taon na nakatuon sa tahanan at nagbibigay ng isang malikhaing kapaligiran para sa kompositor, ay pumasok sa trabaho.

Literal pagkalipas ng ilang buwan, ipinadala si Shostakovich, sa kabila ng paulit-ulit na pagtatangka na tumanggi, sa mga paglalakbay sa ibang bansa bilang bahagi ng mga delegasyon ng mga tagapagtanggol ng kapayapaan. Nagsisimula ang kanyang pangmatagalang sapilitang aktibidad sa lipunan. Sa loob ng maraming taon siya ay "nagbabago sa kanyang sarili" - nagsusulat siya ng musika para sa mga makabayang pelikula (ito ang kanyang pangunahing kita sa loob ng maraming taon), binubuo ang oratorio na "Song of the Forests" at ang cantata na "The Sun Shines Over Our Motherland." Gayunpaman, "para sa aking sarili", habang "nasa mesa", isang nakamamanghang autobiographical na dokumento ang nilikha - ang Unang Konsiyerto para sa Violin at Orchestra, na nakakuha ng katanyagan pagkatapos lamang ng 1953. Kasabay nito, noong 1953, lumitaw ang Tenth Symphony, na sumasalamin sa mga iniisip ng kompositor sa mga unang buwan pagkatapos ng pagkamatay ni Stalin. At bago iyon, maraming pansin ang binayaran sa mga quartet, lumitaw ang vocal cycle na "From Jewish Folk Poetry" at ang grandious piano cycle Twenty-Four Preludes and Fugues.

Ang kalagitnaan ng 50s ay isang panahon ng malaking personal na pagkawala para kay Shostakovich. Noong 1954, namatay ang kanyang asawang si N.V. Shostakovich, at pagkaraan ng isang taon ay inilibing ng kompositor ang kanyang ina. Ang mga bata ay lumaki, mayroon silang sariling mga interes, at ang musikero ay nadama na lalong nag-iisa.

Unti-unti, pagkatapos ng simula ng "thaw" - tulad ng dati nilang tawag sa paghahari ni Khrushchev, na naglantad sa "kulto ng personalidad" ni Stalin - muling bumaling si Shostakovich sa symphonic creativity. Ang programmatic Eleventh at Twelfth symphony ay tila sa unang tingin ay puro oportunistiko. Ngunit pagkalipas ng maraming taon, natuklasan ng mga mananaliksik na inilagay sa kanila ng kompositor hindi lamang ang kahulugan na inihayag sa opisyal na programa. At kalaunan ay lumitaw ang malalaking vocal symphony na may mga makabuluhang teksto sa lipunan - ang ikalabintatlo at ikalabing-apat. Sa paglipas ng panahon, ito ay kasabay ng huling kasal ng kompositor (bago nagkaroon ng pangalawa, hindi matagumpay at, sa kabutihang palad, maikli ang buhay) - kay Irina Antonovna Supinskaya, na naging isang tapat na kaibigan, katulong, at palaging kasama ng kompositor sa mga nakaraang taon , na nagawang pasiglahin ang kanyang mahirap na buhay.

Isang philologist sa pamamagitan ng pagsasanay, dinala niya sa bahay ang isang interes sa tula at bagong panitikan, pinasigla niya ang pansin ni Shostakovich sa mga tekstong gawa. Ito ay kung paano, pagkatapos ng Ikalabintatlong Symphony batay sa mga taludtod ni Yevtushenko, ang symphonic na tula na "The Execution of Stepan Razin" batay sa kanyang sariling mga taludtod. Pagkatapos ay lumikha si Shostakovich ng ilang mga vocal cycle - batay sa mga teksto mula sa magazine na "Crocodile" (isang nakakatawang magazine ng panahon ng Sobyet), sa mga tula ni Sasha Cherny, Tsvetaeva, Blok, Michelangelo Buonarotti. Ang grandious symphonic circle ay muling kinukumpleto ng textless, non-programmatic (bagaman, sa tingin ko, may nakatagong programa) Fifteenth Symphony.

Noong Disyembre 1961, ipinagpatuloy ang mga aktibidad sa pagtuturo ni Shostakovich. Nagtuturo siya sa isang klase ng mga nagtapos na mag-aaral sa Leningrad Conservatory at regular na pumupunta sa Leningrad upang magturo sa mga mag-aaral hanggang Oktubre 1965, kapag lahat sila ay kumukuha ng kanilang mga pagsusulit sa pagtatapos. Sa mga nagdaang buwan, sila mismo ay kailangang pumasok sa mga klase sa House of Creativity, na matatagpuan 50 kilometro mula sa Leningrad, sa Moscow, o kahit sa isang sanatorium, kung saan dapat manatili ang kanilang tagapagturo para sa mga kadahilanang pangkalusugan. Hindi maiwasang maapektuhan siya ng mahihirap na pagsubok na dumating sa kompositor. Ang 60s ay lumipas sa ilalim ng tanda ng unti-unting pagkasira ng kanyang kondisyon. Lumilitaw ang isang sakit ng central nervous system, si Shostakovich ay nagdurusa ng dalawang atake sa puso.

Dumarami, kailangan niyang gumugol ng mahabang panahon sa ospital. Sinusubukan ng kompositor na manguna aktibong larawan buhay, kahit na maraming paglalakbay sa pagitan ng mga ospital. Ito ay dahil sa mga pagtatanghal sa maraming lungsod ng mundo ng opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk", na ngayon ay mas madalas na tinatawag na "Katerina Izmailova", at sa mga pagtatanghal ng iba pang mga gawa, sa pakikilahok sa mga pagdiriwang, sa pagtanggap ng mga parangal na titulo at parangal. Ngunit sa bawat buwan na lumilipas, ang ganitong paglalakbay ay nagiging mas nakakapagod.

Mas gusto niyang magpahinga mula sa kanila sa resort village ng Repino malapit sa Leningrad, kung saan matatagpuan ang House of Composers' Creativity. Ang musika ay pangunahing nilikha doon, dahil ang mga kondisyon sa pagtatrabaho ay perpekto - walang sinuman at walang nakakagambala sa pagkamalikhain. Si Shostakovich ay dumating sa Repino sa huling pagkakataon noong Mayo 1975. Siya ay gumagalaw nang may kahirapan, nagrerekord ng musika nang may kahirapan, ngunit patuloy na nagko-compose. Halos hanggang sa huling sandali na kanyang nililikha - itinuwid niya ang manuskrito ng Sonata para sa viola at piano sa ospital. Naabutan ng kamatayan ang kompositor noong Agosto 9, 1975, sa Moscow.

Ngunit kahit pagkamatay, hindi siya pinabayaan ng makapangyarihang kapangyarihan. Taliwas sa kalooban ng kompositor, na gustong makahanap ng pahingahang lugar sa kanyang tinubuang-bayan, Leningrad, inilibing siya sa "prestihiyosong" sementeryo ng Moscow Novodevichy. Ang libing, na orihinal na naka-iskedyul para sa Agosto 13, ay ipinagpaliban sa ika-14: ang mga dayuhang delegasyon ay walang oras na dumating. Pagkatapos ng lahat, si Shostakovich ay isang "opisyal" na kompositor, at siya ay opisyal na pinalabas - na may malalakas na talumpati mula sa mga kinatawan ng partido at gobyerno, na naging sanhi ng kanyang paghinga sa loob ng maraming taon.

Symphony No. 1

Symphony No. 1, F minor, op. 10 (1923–1925)

Komposisyon ng orkestra: 2 flute, piccolo flute, 2 oboe, 2 clarinets, 2 bassoons, 4 horns, 3 trumpets, 3 trombone, tuba, timpani, triangle, snare drum, cymbals, bass drum, tom-tom, bells, piano, strings .

Kasaysayan ng paglikha

Ang ideya ng isang symphony, kung saan dapat niyang tapusin ang kurso ng conservatory composer, ay lumitaw mula sa Shostakovich noong 1923. Gayunpaman, ang binata, na kamakailan ay nawalan ng ama (namatay siya sa pneumonia noong 1922), ay kailangang kumita ng pera at pumasok sa Light Ribbon cinema. Naglaro siya sa mga pelikula nang ilang oras sa isang araw. Ngunit kung may paghahanda programa ng konsiyerto Ito ay maaaring pagsama-samahin sa anumang paraan (nakakatuwa niyang isinama ang mga sipi mula sa mga akdang pinag-aaralan niya sa kanyang mga improvisasyon sa pelikula, kaya nagpapabuti ng kanilang teknikal na kalidad), ngunit para sa pagsulat ng gawaing ito ay nakamamatay. Ito ay nakakapagod, hindi ako binigyan ng pagkakataong pumunta sa mga konsyerto, at, sa wakas, ay hindi maganda ang bayad. Sa susunod na taon, ang mga indibidwal na sketch lamang ang nagsimulang lumitaw, habang ang isang pangkalahatang plano ay naisip. Gayunpaman, may mahabang paraan pa bago ang sistematikong gawain dito.

Noong tagsibol ng 1924, ang mga klase ng komposisyon ay ipinagpaliban nang walang katiyakan, dahil ang mga relasyon kay Propesor Steinberg ay naging napakahirap: isang tagasuporta ng direksyon sa akademiko, natatakot siya sa musikal na "kaliwa" ng mabilis na umuunlad na mag-aaral. Ang mga hindi pagkakasundo ay napakaseryoso na si Shostakovich ay nagkaroon pa ng ideya na lumipat sa Moscow Conservatory. Mayroong mga kaibigan doon na sumusuporta sa gawain ng batang kompositor, at mayroon ding isang guro doon - si Yavorsky, na lubos na naunawaan siya. Matagumpay na naipasa ni Shostakovich ang mga pagsusulit at naka-enrol, ngunit ang kanyang ina, si Sofya Vasilievna, ay mahigpit na tinutulan ang pag-alis ng kanyang anak. Natakot siya sa maagang kalayaan ng kanyang anak, natatakot na siya ay magpakasal: ang kanyang kasintahang si Tatyana Glivenko, ay nanirahan sa Moscow, na nakilala niya habang sumasailalim sa paggamot sa Crimea.

Sa ilalim ng impluwensya ng tagumpay ng Moscow, nagbago ang saloobin ng mga guro sa Leningrad kay Shostakovich, at sa taglagas ay ipinagpatuloy niya ang mga klase. Noong Oktubre, isinulat ang ikalawang bahagi ng symphony, ang scherzo. Ngunit muling naputol ang pagsusulat: nanatili ang pangangailangang maghanapbuhay sa pamamagitan ng paglalaro sa mga sinehan. Inubos ng serbisyo ang lahat ng oras at lakas ko. Sa katapusan ng Disyembre, ang pagkakataon para sa pagkamalikhain sa wakas ay lumitaw, at ang unang bahagi ng symphony ay isinulat, at noong Enero - Pebrero 1925 ang pangatlo. Kinailangan kong pumunta ulit sa sinehan, at naging komplikado na naman ang sitwasyon. "Ang finale ay hindi naisulat at hindi isinusulat," sabi ng kompositor sa isa sa kanyang mga liham. - Naubusan ako ng singaw na may tatlong bahagi. Dahil sa kalungkutan, umupo ako para i-orkestrate ang unang kilusan at gumawa ng disenteng instrumento.”

Napagtanto na imposibleng pagsamahin ang trabaho sa sinehan na may pagbubuo ng musika, umalis si Shostakovich sa sinehan ng Piccadilly at pumunta sa Moscow noong Marso. Doon, sa isang bilog ng mga kaibigang musikero, ipinakita niya ang tatlong bahagi na kanyang isinulat at magkahiwalay na bahagi ng finale. Ang symphony ay gumawa ng isang malaking impression. Ang mga Muscovites, kasama ang kompositor na si V. Shebalin at pianist na si L. Oborin, na naging magkaibigan sa loob ng maraming taon, ay natuwa at namangha pa nga: ang batang musikero ay nagpakita ng bihirang propesyonal na kasanayan at tunay na pagiging malikhain. Dahil sa inspirasyon ng mainit na pag-apruba, si Shostakovich, na bumalik sa bahay, ay itinakda ang pagtatapos nang may panibagong lakas. Nakumpleto ito noong Hunyo 1925. Ang premiere ay naganap noong Mayo 12, 1926, sa huling konsiyerto ng panahon, na isinagawa ni Nikolai Malko. Dinaluhan ito ng mga kamag-anak at kaibigan. Dumating si Tanya Glivenko mula sa Moscow. Ang mga tagapakinig ay namangha nang, pagkatapos ng unos ng palakpakan, isang binata, halos isang batang lalaki na may matigas na ulo sa ulo, ang umakyat sa entablado upang yumuko.

Ang symphony ay nagdala ng walang uliran na tagumpay. Ginawa ito ni Malko sa ibang mga lungsod ng bansa, at di-nagtagal ay naging malawak itong kilala sa ibang bansa. Noong 1927, ang Unang Symphony ni Shostakovich ay ginanap sa Berlin, pagkatapos ay sa Philadelphia at New York. Ang mga nangungunang conductor sa mundo ay isinama ito sa kanilang repertoire. Ganito ang pagpasok ng labing siyam na taong gulang na batang lalaki sa kasaysayan ng musika.

Musika

Maikling orihinal pagpapakilala Ito ay tulad ng pag-aangat ng kurtina sa isang pagtatanghal sa teatro. Ang interplay ng naka-mute na trumpeta, bassoon, at clarinet ay lumilikha ng nakakaintriga na kapaligiran. "Ang pagpapakilala na ito ay agad na nagmamarka ng pahinga sa mataas, patula na pangkalahatang istraktura ng nilalaman na likas sa klasikal at romantikong simphonismo" (M. Sabinina). Ang pangunahing bahagi ng unang kilusan ay nakikilala sa pamamagitan ng malinaw, na parang chanted sounds, at isang nakolektang lakad ng martsa. Kasabay nito, hindi siya mapakali, kinakabahan at balisa. Nagtatapos ito sa isang pamilyar na tawag ng trumpeta mula sa pagpapakilala. Ang tala sa gilid ay isang eleganteng, bahagyang pabagu-bagong melody ng plauta sa ritmo ng isang mabagal na waltz, magaan at mahangin. Sa pag-unlad, hindi nang walang impluwensya ng madilim at balisang pangkulay ng pambungad na mga motibo, ang likas na katangian ng mga pangunahing tema ay nagbabago: ang pangunahing isa ay nagiging convulsive, nalilito, ang pangalawa ay nagiging malupit at bastos. Sa pagtatapos ng bahagi, ang mga himig ng panimulang seksyon ay tumunog, na nagbabalik sa nakikinig sa paunang kalagayan.

Ikalawang bahagi, isang scherzo, dinadala ang musikal na salaysay sa ibang eroplano. Ang buhay na buhay at mataong musika ay tila nagpinta ng isang larawan ng isang maingay na kalye sa patuloy na paggalaw nito. Ang imaheng ito ay pinalitan ng isa pa - isang patula, banayad na himig ng mga plauta sa diwa ng katutubong awit ng Russia. Lumilitaw ang isang larawan ng kumpletong kalmado. Ngunit unti-unting napuno ng pagkabalisa ang musika. At muli ang tuluy-tuloy na paggalaw at pagmamadalian ay bumalik, mas maalab kaysa sa simula. Ang pag-unlad ay hindi inaasahang humahantong sa sabay-sabay na contrapuntal na tunog ng parehong pangunahing tema ng scherzo, ngunit ang mahinahon, parang lullaby na melody ay malakas at malakas na tono ng mga sungay at trumpeta! Ang kumplikadong anyo ng scherzo (magkakaiba ang interpretasyon ng mga musicologist - kapwa bilang isang sonata na walang pag-unlad, at bilang isang dalawang bahagi na may isang frame, at bilang isang tatlong bahagi) ay nakumpleto ng isang coda na may matalim na sinusukat na mga chord ng piano, isang mabagal na pagpapakilala tema para sa mga kuwerdas at hudyat ng trumpeta.

Mabagal ang ikatlong bahagi ilulubog ang tagapakinig sa isang kapaligiran ng pagmuni-muni, konsentrasyon, at pag-asa. Ang mga tunog ay mababa, umaalog-alog, tulad ng mabibigat na alon ng isang kamangha-manghang dagat. Lumalaki sila tulad ng isang nagbabantang alon, o bumagsak. Paminsan-minsan, pinuputol ng mga fanfare ang mahiwagang ulap na ito. May pakiramdam ng pag-aalala at pangamba. Parang lumapot ang hangin bago magkulog, nahihirapang huminga. Ang madamdamin, makabagbag-damdamin, malalim na makataong mga himig ay sumasabay sa ritmo ng isang martsa ng libing, na lumilikha ng mga kalunus-lunos na banggaan. Inuulit ng kompositor ang anyo ng pangalawang kilusan, ngunit ang nilalaman nito ay sa panimula ay naiiba - kung sa unang dalawang paggalaw ang buhay ng maginoo na bayani ng symphony ay nabuksan sa maliwanag na kasaganaan at kawalang-ingat, dito ang antagonismo ng dalawang prinsipyo ay ipinakita - subjective at layunin, na pinipilit ang isa na alalahanin ang mga katulad na banggaan ng mga symphony ni Tchaikovsky.

Mabagyo na dramatiko ang pangwakas ay nagsisimula sa isang pagsabog, ang pag-asa kung saan ay tumagos sa nakaraang bahagi. Dito, sa pinakahuli at pinakamalaki, engrande na seksyon ng symphony, ang buong intensity ng pakikibaka ay nagbubukas. Ang mga dramatikong tunog, na puno ng napakalaking tensyon, ay pinalitan ng mga sandali ng pagkalimot, pahinga... Ang pangunahing bahagi ay "nagbubunga ng imahe ng isang pulutong na nagbubuhos ng takot sa signal ng pagkabalisa - ang hudyat ng naka-mute na mga trumpeta, na ibinigay sa pagpapakilala sa bahagi ” (M. Sabinina). Lumilitaw ang takot at pagkalito, at ang tema ng rock ay nakakatakot. Halos hindi natatakpan ng side party ang napakalaking nagngangalit na tutti. Ang solong biyolin ay itinutunog ang himig nito nang malambing at nananaginip. Ngunit sa panahon ng pag-unlad, ang side track ay nawawala din ang liriko na karakter nito, nagiging kasangkot ito sa pangkalahatang pakikibaka, kung minsan ay nakapagpapaalaala sa tema ng prusisyon ng libing mula sa ikatlong bahagi, kung minsan ito ay nagiging isang nakakatakot na katawa-tawa, kung minsan ay malakas ang tunog sa tanso. , nilulunod ang tunog ng buong orkestra... Pagkatapos ng kasukdulan, na sumisira sa tindi ng pag-unlad, muling tumunog ang malambot at banayad sa isang solong cello na may mute. Ngunit hindi lang iyon. Ang isang bagong ligaw na pagsabog ng enerhiya ay nangyayari sa coda, kung saan ang pangalawang tema ang pumalit sa lahat ng mga nakatataas na boses ng orkestra sa isang napakalakas na tunog. Tanging sa mga huling bar ng symphony ay nakakamit ang paninindigan. Ang huling konklusyon ay optimistiko pa rin.

Symphony No. 2

Symphony No. 2, dedikasyon sa "Oktubre" sa B major, op. 14 (1927)

Komposisyon ng orkestra: 2 flute, piccolo flute, 2 oboe, 2 clarinets, 2 bassoons, 4 horns, 3 trumpets, 3 trombones, tuba, timpani, triangle, snare drum, cymbals, bass drum, factory whistle, bells, strings; sa huling seksyon ay may halong koro.

Kasaysayan ng paglikha

Sa simula ng 1927, bumalik mula sa internasyonal na kumpetisyon ng Chopin, kung saan nakuha niya ang ikalimang lugar, agad na pumunta si Shostakovich sa operating table. Sa totoo lang, ang appendicitis na nagpahirap sa kanya ay, kasama ang halatang pagkiling ng hurado, ang isa sa mga dahilan ng kabiguan sa kompetisyon. Kaagad pagkatapos ng operasyon, nagsimula ang komposisyon ng piano na "Aphorisms" - hindi nakuha ng batang kompositor ang pagkamalikhain sa panahon ng sapilitang pahinga na dulot ng masinsinang pagsasanay para sa mapagkumpitensyang pagtatanghal. At pagkatapos makumpleto ang siklo ng piano noong unang bahagi ng Abril, nagsimula ang paggawa sa isang ganap na naiibang plano.

Ang departamento ng propaganda ng sektor ng musika ng State Publishing House ay nag-utos kay Shostakovich ng isang symphony na nakatuon sa ikasampung anibersaryo ng Rebolusyong Oktubre. Ang opisyal na utos ay nagpatotoo sa pagkilala sa malikhaing awtoridad ng dalawampung taong gulang na musikero, at tinanggap ito ng kompositor nang may kasiyahan, lalo na't ang kanyang mga kita ay kaswal at hindi regular, pangunahin mula sa mga aktibidad na gumaganap.

Habang nagtatrabaho sa symphony na ito, si Shostakovich ay ganap na taos-puso. Tandaan natin: ang mga ideya ng katarungan, pagkakapantay-pantay, at kapatiran ay nagtataglay ng pinakamahusay na pag-iisip ng sangkatauhan sa loob ng maraming siglo. Maraming henerasyon ng mga maharlika at karaniwang mamamayan ng Russia ang nagsakripisyo sa altar ng paglilingkod sa kanila. Para kay Shostakovich, na pinalaki sa mga tradisyong ito, ang rebolusyon ay tila isang naglilinis na ipoipo, na nagdadala ng katarungan at kaligayahan. Siya ay inspirasyon ng isang ideya na maaaring mukhang walang muwang sa kabataan - upang lumikha ng isang symphonic monument para sa bawat isa sa mga makabuluhang petsa ng batang estado. Ang unang monumento ay ang Second Symphony, na nakatanggap ng pangalan ng programa na symphonic dedication sa "Oktubre".

Ito ay isang bahaging gawain, na binuo libreng anyo. Sa paglikha nito, at sa pangkalahatang konsepto ng serye ng "mga musikal na monumento," ang mga impression ng "kalye" ay may malaking papel. Sa mga unang taon pagkatapos ng rebolusyonaryo, lumitaw ang sining ng propaganda ng masa. Lumabas ito sa mga lansangan at mga parisukat ng lungsod. Sa pag-alala sa karanasan ng Great French Revolution noong 1789, nagsimulang lumikha ang mga artista, musikero, at mga manggagawa sa teatro ng mga engrande na "mga aksyon" na nakatuon sa mga bagong pista opisyal ng Sobyet. Halimbawa, noong Nobyembre 7, 1920, isang engrande na pagtatanghal ng "The Capture of the Winter Palace" ay itinanghal sa gitnang mga parisukat at Neva embankments ng Petrograd. Ang pagtatanghal ay dinaluhan ng mga yunit ng militar, mga kotse, at pinangangasiwaan ng isang kawani ng pagtatanghal ng labanan ang disenyo ay nilikha ng mga kilalang artista, kabilang ang mabuting kaibigan ni Shostakovich na si Boris Kustodiev.

Ang disenyo ng fresco, ang kislap ng mga eksena, ang pag-awit ng mga rally call, iba't ibang tunog at ingay na epekto - ang sipol ng mga putok ng artilerya, ang ingay ng mga makina ng sasakyan, ang kaluskos ng putok - lahat ng ito ay ginamit sa mga produksyon. At si Shostakovich ay gumawa din ng malawak na paggamit ng mga diskarte sa tunog at ingay. Sa pagsisikap na maiparating ang isang pangkalahatang larawan ng mga taong gumawa ng rebolusyon, ginamit pa niya sa symphony ang isang hindi pa naririnig na "instrumento sa musika" bilang isang sipol ng pabrika.

Nagtrabaho siya sa symphony sa tag-araw. Ito ay isinulat nang napakabilis - noong Agosto 21, sa imbitasyon ng bahay ng pag-publish, ang kompositor ay pumunta sa Moscow: "Tinawag ako ng sektor ng musika sa pamamagitan ng telegrama upang ipakita ang aking rebolusyonaryong musika," sumulat si Shostakovich kay Sollertinsky mula sa Tsarskoe Selo, kung saan siya naroroon. nagpapahinga sa mga araw na iyon at kung saan nagsimula ang isang bagong kabanata ng kanyang personal na buhay - nakilala ng binata ang mga kapatid na Varzar doon, na isa sa kanila, si Nina Vasilievna, ay naging asawa niya makalipas ang ilang taon.

Malamang na matagumpay ang palabas. Tinanggap ang symphony. Ang unang pagtatanghal nito ay naganap sa isang solemne seremonya sa bisperas ng pista opisyal ng Sobyet noong Nobyembre 6, 1927 sa Leningrad sa ilalim ng direksyon ni N. Malko.

Musika

Tinukoy ng mga kritiko ang unang seksyon ng symphony bilang "isang nakababahala na larawan ng pagkawasak, anarkiya, kaguluhan." Nagsisimula ito sa mapurol na tunog ng mababang mga kuwerdas, madilim, hindi malinaw, nagsasama sa isang tuluy-tuloy na ugong. Pinutol ito ng malalayong palakpakan, na para bang nagbibigay ng hudyat para kumilos. Lumilitaw ang isang masiglang ritmo ng pagmamartsa. Pakikibaka, pagsusumikap pasulong, mula sa dilim hanggang sa liwanag - ito ang nilalaman ng seksyong ito. Ang sumusunod ay isang labintatlong yugto ng boses, kung saan ang pagpuna ay nagtalaga ng pangalang fugato, bagama't sa eksaktong kahulugan ay hindi sinusunod ang mga tuntunin kung saan isinusulat ang fugato. Mayroong sunud-sunod na pagpasok ng mga boses - solo violin, clarinet, bassoon, pagkatapos ay sunud-sunod ang iba pang mga instrumentong gawa sa kahoy at string, na konektado sa isa't isa sa metric lamang: walang intonasyon o tonal na koneksyon sa pagitan nila. Ang kahulugan ng episode na ito ay isang malaking build-up ng enerhiya na humahantong sa climax - ang solemne fortissimo na tawag ng apat na sungay.

Ang tunog ng labanan ay nawawala. Ang instrumental na bahagi ng symphony ay nagtatapos sa isang liriko na episode na may nagpapahayag na solo ng clarinet at violin. Ang sipol ng pabrika, na sinusuportahan ng pagtambulin, ay nauuna sa pagtatapos ng symphony, kung saan ang koro ay umaawit ng mga slogan na taludtod ni Alexander Bezymensky:

Naglakad kami, humingi kami ng trabaho at tinapay,
Napisil ang mga puso sa pagkakahawak ng mapanglaw.
Ang mga chimney ng pabrika ay nakaunat sa langit,
Tulad ng mga kamay na walang kapangyarihan sa pagkuyom ng mga kamao.
Ang pangalan ng aming mga bitag ay nakakatakot:
Katahimikan, pagdurusa, pang-aapi...

((A. Bezymensky))

Ang musika ng seksyong ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malinaw na texture - chordal o imitative subvocal, isang malinaw na kahulugan ng tonality. Ang kaguluhan ng nauna, puro orkestra na mga seksyon ay ganap na nawawala. Ngayon ay sinasabayan na lamang ng orkestra ang pag-awit. Ang symphony ay nagtatapos nang taimtim at sang-ayon.

Symphony No. 3

Symphony No. 3, E-flat major, op. 20, Pervomayskaya (1929)

Komposisyon ng orkestra: 2 plauta, piccolo flute, 2 oboes, 2 clarinets, 2 bassoons, 4 horns, 2 trumpets, 3 trombones, tuba, timpani, triangle, snare drum, cymbals, bass drum, strings; sa huling seksyon ay may halong koro.

Kasaysayan ng paglikha

Noong tagsibol ng 1929, nagtrabaho si Shostakovich sa musika para sa pelikulang New Babylon, na isinumite niya sa studio ng pelikula noong Marso. Ang gawaing ginawa ay nabighani sa kanya sa hindi pangkaraniwang katangian ng gawain: ang magsulat ng musika para sa isang tahimik na pelikula, musika na gaganapin sa halip na ang karaniwang mga improvisasyon ng isang pianista na nakaupo sa bulwagan ng sinehan. Bilang karagdagan, nagpatuloy siya sa paggawa ng mga kakaibang trabaho, at ang isang mahusay na bayad mula sa pabrika ng pelikula (tulad ng tawag sa sikat na Lenfilm noong mga araw na iyon) ay hindi talaga wala sa lugar. Kaagad pagkatapos nito, nagsimulang lumikha ang kompositor ng Third Symphony. Noong Agosto ay natapos na, natanggap din ang bayad para dito, at sa unang pagkakataon ay kayang magbakasyon sa timog ng kompositor. Bumisita siya sa Sevastopol, pagkatapos ay tumigil sa Gudauta, mula sa kung saan sumulat siya kay Sollertinsky, lalo na, tungkol sa kanyang pagnanais para kay Gauk na magsagawa ng May Day Symphony.

Sa kanyang sariling anotasyon, iniulat ni Shostakovich: "Ang May Day Symphony ay binubuo noong tag-araw ng 1929. Ang symphony ay bahagi ng isang cycle ng symphonic works na nakatuon sa rebolusyonaryong Red Calendar. Ang unang bahagi ng nakaplanong cycle ay isang symphonic dedikasyon sa "Oktubre", ang pangalawang bahagi ay ang "May Day Symphony". Ang parehong "Oktubre" at "May Day Symphony" ay hindi mga gawa na puro programmatic na uri. Nais iparating ng may-akda ang pangkalahatang katangian ng mga pista opisyal na ito. Kung ang dedikasyon sa "Oktubre" ay sumasalamin sa rebolusyonaryong pakikibaka, kung gayon ang "May Day Symphony" ay sumasalamin sa ating mapayapang konstruksyon. Gayunpaman, hindi ito nangangahulugan na sa "May Day Symphony" ang musika ay ganap na apotheotic, maligaya na kalikasan. Ang mapayapang konstruksyon ay isang matinding pakikibaka, na may parehong mga laban at tagumpay bilang isang digmaang sibil. Ang may-akda ay ginabayan ng gayong mga pagsasaalang-alang sa pagbuo ng May Day Symphony. Ang symphony ay nakasulat sa isang kilusan. Nagsisimula ito sa isang maliwanag, kabayanihan na himig sa clarinet, na nagiging isang masiglang umuunlad na pangunahing bahagi.

Pagkatapos ng isang malaking build-up na dumadaloy sa martsa, ang gitnang bahagi ng symphony ay nagsisimula - ang liriko na episode. Ang liriko na yugto ay sinundan nang walang pagkaantala ng scherzo, na muling nagiging isang martsa, mas masigla lamang kaysa sa simula. Ang episode ay nagtatapos sa isang engrandeng recitative mula sa buong orkestra nang sabay-sabay. Pagkatapos ng recitative, magsisimula ang finale, na binubuo ng isang introduction (trombone recitative) at isang final chorus batay sa mga tula ni S. Kirsanov.”

Ang premiere ng symphony ay naganap noong Nobyembre 6, 1931 sa Leningrad sa ilalim ng baton ni A. Gauk. Ang musika ay figuratively kongkreto at evoked direct visual associations. Nakita ito ng mga kontemporaryo bilang "ang imahe ng spring awakening of nature intertwined with images of revolutionary May Days... There is an instrumental landscape that opens the symphony, and a flying rally with oratorical upbeat intonations. Ang symphonic na kilusan ay tumatagal sa kabayanihan ng pakikibaka...” (D. Ostretsov). Nabanggit na ang "May Day Symphony" ay "halos isang solong pagtatangka na ipanganak ang isang symphony mula sa dinamika ng rebolusyonaryong oratoryo, oratorical na kapaligiran, oratorical intonations" (B. Asafiev). Malamang malaki ang bahagi Ang ginampanan ng papel ay ang symphony na ito, hindi katulad ng Pangalawa, ay nilikha pagkatapos ng pagsulat ng musika ng pelikula, pagkatapos ng paglikha ng opera na "The Nose," na higit sa lahat ay "cinematic" sa mga diskarte nito. Kaya ang entertainment, ang "visibility" ng mga imahe.

Musika

Nagbukas ang symphony sa isang matahimik na pagpapakilala. Ang duet ng mga clarinet ay natatakpan ng malinaw, parang kanta, melodic na mga liko. Ang masayang tawag ng trumpeta ay humahantong sa isang mabilis na yugto na may function ng isang sonata allegro. Magsisimula ang isang masayang abala at maligayang ebullience, kung saan makikita ang mga episode ng invocation, declamation, at chanting. Nagsisimula ang isang fugato, halos Bachian sa katumpakan ng imitative technique nito at ang katanyagan ng tema nito. Ito ay humahantong sa isang kasukdulan na biglang nasira. Magsisimula ang isang yugto ng martsa, sa paghampas ng tambol, pag-awit ng mga trumpeta at trumpeta - na para bang ang mga pioneer detachment ay lalabas para sa isang rally sa Mayo. Sa susunod na episode, ang martsa ay ginaganap sa pamamagitan ng mga instrumentong woodwind lamang, at pagkatapos ay lumutang ang isang liriko na fragment, kung saan, tulad ng malalayong echo, i-wedge ang mga tunog ng isang brass band, pagkatapos ay mga snatches ng mga sayaw, pagkatapos ay isang waltz... Ito ay isang uri ng scherzo at isang mabagal na paggalaw sa loob ng isang kilusang symphony. Ang karagdagang pag-unlad ng musika, aktibo at iba-iba, ay humahantong sa isang yugto ng isang rally, kung saan maririnig ang malalakas na pagbigkas at "pag-apela" sa mga tao sa orkestra (tuba solos, trombone melody, trumpet calls), pagkatapos nito ang choral conclusion sa mga bersikulo ng S. Kirsanov ay nagsisimula:

Noong una ng Mayo
Itinapon sa dating kaluwalhatian nito.
Pagpapaypay ng kislap sa apoy,
Tinakpan ng apoy ang kagubatan.
Mga tainga ng mga lumulutang na Christmas tree
Nakinig ang mga kagubatan
Sa mga araw ng Mayo ay bata pa
Kaluskos, boses...

((S. Kirsanov))

Symphony No. 4

Symphony No. 4, C minor, op. 43 (1935–1936)

Komposisyon ng orkestra: 4 flute, 2 piccolo flute, 4 oboes, cor anglais, 4 clarinets, piccolo clarinet, bass clarinet, 3 bassoons, contrabassoon, 4 trumpets, 8 horns, 3 trombones, tuba, 6 timpani, triangle, castanets , wooden block , snare drum, cymbals, bass drum, tom-tom, xylophone, mga kampana, celesta, 2 alpa, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Ang ika-apat na symphony ay nagmamarka ng isang qualitatively bagong yugto sa gawain ni Shostakovich ang symphonist. Sinimulan itong isulat ng kompositor noong Setyembre 13, 1935, at ang pagkumpleto nito ay may petsang Mayo 20, 1936. Maraming seryosong pangyayari ang naganap sa pagitan ng dalawang petsang ito. Si Shostakovich ay nakakuha na ng katanyagan sa buong mundo. Ito ay pinadali hindi lamang ng maraming mga pagtatanghal ng First Symphony sa ibang bansa, ang paglikha ng opera na "The Nose" batay sa Gogol, kundi pati na rin ng pagtatanghal ng opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" sa mga yugto ng parehong mga kapital, na mga kritiko. wastong ranggo sa mga pinakamahusay na likha ng genre na ito.

Noong Enero 28, 1936, ang sentral na organo ng naghaharing Partido Komunista, ang pahayagang Pravda, ay naglathala ng isang editoryal na "Pagkagulo sa halip na Musika," kung saan ang opera, na hindi nagustuhan ni Stalin at ng kanyang mga alipores, ay sumailalim hindi lamang sa mapangwasak na pagpuna. , ngunit sa bastos, malaswang paninirang-puri. Pagkalipas ng ilang araw, noong Pebrero 6, ang artikulong "Ballet Falsity" ay nai-publish doon - tungkol sa ballet ni Shostakovich na "The Bright Stream". At nagsimula ang galit na galit na pag-uusig sa artista.

Ang mga pagpupulong ay ginanap sa Moscow at Leningrad kung saan pinuna ng mga musikero ang kompositor, pinalo ang kanilang mga dibdib at pinagsisihan ang kanilang mga pagkakamali kung dati nilang pinuri siya. Si Shostakovich ay halos naiwang nag-iisa. Tanging ang asawa at tunay na kaibigan Sinuportahan siya ni Sollertinsky. Gayunpaman, hindi naging madali para kay Sollertinsky: siya, isang kilalang tao sa musika, isang napakatalino na polymath na nagsulong ng pinakamahusay na mga gawa sa ating panahon, ay tinawag na masamang henyo ni Shostakovich. Sa kakila-kilabot na mga kondisyon ng panahon, kung kailan mayroon lamang isang hakbang mula sa aesthetic hanggang sa pampulitikang mga akusasyon, kung kailan walang isang tao sa bansa ang maaaring maprotektahan mula sa gabi-gabi na pagbisita ng "itim na uwak" (gaya ng tawag ng mga tao sa madilim na saradong mga van sa na inalis ang mga naaresto), ang posisyon ni Shostakovich ay napakaseryoso. Marami lang ang natakot na batiin siya at tumawid sa kabilang kalye kung makita siyang papalapit sa kanya. Hindi kataka-taka na ang gawain ay natakpan ng kalunos-lunos na hininga ng mga araw na iyon.

May ibang bagay din na mahalaga. Bago pa man ang lahat ng mga kaganapang ito, pagkatapos ng panlabas na theatrical one-movement na mga komposisyon ng Pangalawa at Ikatlo, na pinayaman ng karanasan sa pagsulat ng kanyang pangalawang opera, nagpasya si Shostakovich na bumaling sa paglikha ng isang pilosopiko na makabuluhang symphonic cycle. Isang malaking papel ang ginampanan ng katotohanan na si Sollertinsky, na naging pinakamalapit na kaibigan ng kompositor sa loob ng ilang taon, ay nahawahan siya ng kanyang walang hanggan na pagmamahal kay Mahler, isang natatanging humanist artist na lumikha, tulad ng isinulat niya mismo, ng "mga mundo" sa kanyang mga symphony, at hindi basta-basta isinama ito o iyon ng ibang konsepto ng musika. Si Sollertinsky, noong 1935, sa isang kumperensya na nakatuon sa symphony, ay hinimok ang kanyang kaibigan na lumikha ng isang konseptwal na symphony, upang lumayo sa mga pamamaraan ng dalawang nakaraang mga eksperimento sa genre na ito.

Ayon sa patotoo ng isa sa mga nakababatang kasamahan ni Shostakovich, ang kompositor na si I. Finkelstein, na katulong ni Shostakovich sa konserbatoryo noong panahong iyon, sa panahon ng komposisyon ng Ika-apat, ang piano ng kompositor ay palaging may mga tala ng Ikapitong Symphony ni Mahler dito. Ang impluwensya ng mahusay na Austrian symphonist ay makikita sa kadakilaan ng konsepto, at sa monumentalidad ng mga anyo na hindi pa naganap sa Shostakovich, at sa mas mataas na pagpapahayag ng musikal na wika, sa biglaang matalim na kaibahan, sa paghahalo ng "mababa" at " matataas” na mga genre, sa malapit na pagkakaugnay ng liriko at katawa-tawa, kahit na sa paggamit ng mga paboritong intonasyon ni Mahler.

Ang Leningrad Philharmonic Orchestra sa ilalim ng Stidri ay nagsasanay na ng symphony nang kanselahin ang pagganap nito. Dati, may bersyon kung saan ang mismong kompositor ang nagkansela ng pagtatanghal dahil hindi siya kuntento sa gawain ng konduktor at orkestra. Sa mga nagdaang taon, isa pang bersyon ang lumitaw - na ang pagganap ay ipinagbabawal "mula sa itaas," mula sa Smolny. Sinabi ni I. Glikman sa aklat na "Letters to a Friend" na, ayon sa mismong kompositor, ang symphony ay "na-film sa kagyat na rekomendasyon ni Renzin (noon ay direktor ng Philharmonic), na ayaw gumamit ng mga hakbang sa pangangasiwa at nagmakaawa. ang may-akda na tumanggi na gawin ito sa kanyang sarili...” Tila , sa mga kalagayan ng mga taong iyon, mahalagang nailigtas ng rekomendasyong ito si Shostakovich. Walang "mga parusa," ngunit tiyak na mangyayari kung ang gayong simponya ay tumunog kaagad pagkatapos ng hindi malilimutang artikulong "Pagkagulo sa halip na Musika." At hindi alam kung paano ito magtatapos para sa kompositor. Ang premiere ng symphony ay ipinagpaliban ng maraming taon. Ang komposisyon na ito ay unang ginawa lamang noong Disyembre 30, 1961, sa ilalim ng baton ni Kirill Kondrashin.

Ito ay mahusay na symphony. Pagkatapos, sa kalagitnaan ng 30s, imposibleng lubos itong maunawaan. Pagkalipas lamang ng maraming dekada, nang malaman ang tungkol sa mga krimen ng mga pinuno ng "partido ng isang bagong uri," bilang tawag ng mga Bolshevik sa kanilang sarili; tungkol sa genocide laban sa kanyang sariling mga tao, tungkol sa tagumpay ng kawalan ng batas, pakikinig muli sa mga symphony ni Shostakovich, simula sa Ika-apat, naiintindihan namin na siya, malamang na hindi alam ang tungkol sa kung ano ang nangyayari nang buo, nakita ang lahat ng ito sa likas na likas na katangian ng isang musikero. at ipinahayag ito sa kanyang musika, katumbas na, sa pamamagitan ng kapangyarihan ng sagisag ng ating trahedya, ay hindi umiiral at, marahil, ay hindi na umiiral.

Musika

Unang parte Ang symphony ay nagsisimula sa isang laconic na pagpapakilala, na sinusundan ng isang malaking pangunahing bahagi. Ang hard march-like na unang tema ay puno ng masama, walang humpay na kapangyarihan. Ito ay pinalitan ng isang mas transparent na episode na tila hindi matatag. Ang mga ritmo ng Marso ay sumisira sa hindi malinaw na mga libot. Unti-unti nilang sinasakop ang buong espasyo ng tunog, na umaabot sa napakalaking intensity. Ang gilid na bahagi ay malalim na liriko. Ang monologo ng bassoon, na sinusuportahan ng mga kuwerdas, ay tunog na pinipigilan at nagdadalamhati. Ang bass clarinet, solo violin, at mga sungay ay pumasok kasama ang kanilang "mga pahayag." Ang matipid, naka-mute na mga kulay at mahigpit na pangkulay ay nagbibigay sa seksyong ito ng bahagyang misteryosong tunog. At muli, unti-unting tumagos ang mga nakakatuwang larawan, na para bang pinapalitan ng isang malademonyong obsesyon ang isang enchanted na katahimikan. Ang malaking pag-unlad ay bubukas sa isang caricatured puppet dance, sa mga balangkas kung saan ang mga contour ng pangunahing tema ay nakikilala. Ang gitnang seksyon nito ay isang whirlwind fugato ng mga string, na nagiging mapanganib na pagtapak ng isang mabilis na martsa. Ang pag-unlad ay nagtatapos sa isang kamangha-manghang waltz-like episode. Sa reprise, ang mga tema ay tumutunog sa reverse order - una ay pangalawa, nang matindi ang tono ng trumpeta at trombone laban sa backdrop ng malinaw na string strike at pinalambot ng mahinahong timbre ng English horn. Tinatapos ito ng solong biyolin gamit ang maaliwalas nitong lyrical melody. Pagkatapos ay inaawit ng malungkot na bassoon ang pangunahing tema, at ang lahat ay nauwi sa isang maingat na katahimikan, na nagambala ng mga mahiwagang hiyawan at pag-spla.

Ikalawang bahagi- scherzo. Sa katamtamang paggalaw, walang tigil na dumadaloy ang paliko-liko na melodies. Mayroon silang relasyon sa intonasyon na may ilang tema ng unang bahagi. Ang mga ito ay muling pinag-iisipan at nire-intoned. Lumilitaw ang mga kakaibang larawan, nakakagambala, sirang mga motif. Ang unang tema ay dance-elastic. Ang pagtatanghal nito sa pamamagitan ng mga violas, na nauugnay sa maraming banayad na dayandang, ay nagbibigay sa musika ng isang makamulto, kamangha-manghang lasa. Ang pag-unlad nito ay nangyayari sa isang dumaraming paraan sa isang nakababahala na rurok sa tunog ng mga trombone. Ang pangalawang tema ay isang waltz, bahagyang mapanglaw, bahagyang pabagu-bago, na naka-frame sa pamamagitan ng dumadagundong na timpani solo. Ang dalawang temang ito ay paulit-ulit, sa gayon ay lumilikha ng dobleng dalawang bahagi na anyo. Sa coda, ang lahat ay unti-unting natutunaw, ang unang tema ay tila nalulusaw, tanging ang nagbabantang tuyong pagtapik ng mga castanet ang maririnig.

Ang final. Sa frame ng prusisyon ng libing na ito, ang iba't ibang mga pintura ay nagtatagumpay sa isa't isa: isang mabigat, matalim na impit na scherzo, puno ng pagkabalisa, isang pastoral na eksena na may huni ng ibon at isang magaan na musmos na himig (sa diwa ng mga pastoral ni Mahler); isang simple-minded waltz, sa halip kahit na ang kanyang village mas lumang kapatid na lalaki Ländler; isang mapaglarong kanta ng polka na may solong bassoon, na sinamahan ng mga comic orchestral effect; isang masayang martsa ng kabataan... Pagkatapos ng mahabang paghahanda, nagbabalik ang yapak ng maringal na prusisyon ng libing. Ang tema ng martsa, na sunud-sunod na tumutunog sa mga woodwind, trumpeta at kuwerdas, ay umabot sa matinding tensyon at biglang nagtatapos. Ang coda ng finale ay isang echo ng nangyari, isang mabagal na pagwawaldas sa mahabang chord ng mga string.

Symphony No. 5

Symphony No. 5, D minor, op. 47 (1937)

Komposisyon ng orkestra: 2 plauta, piccolo flute, 2 oboes, 2 clarinets, piccolo clarinet, 2 bassoons, contrabassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombone, tuba, timpani, military drum, triangle, cymbals, bass drum, tom-tam, kampana, saylopono, celesta, 2 alpa, piano, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Noong Enero at Pebrero 1936, inilunsad ng press ang isang hindi pa naganap na sukat ng pag-uusig kay Shostakovich, pagkatapos ay isang kinikilalang kompositor ng internasyonal na tangkad. Inakusahan siya ng pormalismo at pagiging out of touch sa mga tao. Ang kabigatan ng mga kaso ay labis na natakot ang kompositor na arestuhin. Ang ika-apat na symphony, na natapos niya sa mga sumunod na buwan, ay nanatiling hindi kilala sa loob ng maraming taon - ang pagganap nito ay ipinagpaliban ng isang-kapat ng isang siglo.

Ngunit nagpatuloy ang kompositor sa paglikha. Kasama ng musika sa pelikula, na kailangang isulat, dahil ito lamang ang pinagmumulan ng kita para sa pamilya, ang sumunod, ang Fifth Symphony, ay isinulat sa loob ng ilang linggo noong 1937, ang nilalaman nito ay higit na nag-overlap sa Pang-apat. Ang likas na katangian ng tema ay magkatulad, at ang konsepto ay magkatulad. Ngunit ang may-akda ay gumawa ng isang napakalaking hakbang pasulong: ang mahigpit na klasiko ng mga anyo, ang katumpakan at katumpakan ng wikang musikal ay naging posible upang i-encrypt ang tunay na kahulugan. Ang kompositor mismo, nang tanungin ng mga kritiko kung tungkol saan ang musikang ito, ay sumagot na gusto niyang ipakita "kung paano sa pamamagitan ng isang serye ng mga trahedya na salungatan, isang mahusay na panloob na pakikibaka, ang optimismo ay itinatag bilang isang pananaw sa mundo."

Ang ikalimang symphony ay ginanap sa unang pagkakataon noong Nobyembre 21 ng parehong taon sa Great Hall ng Leningrad Philharmonic sa ilalim ng baton ng E. Mravinsky. Isang kapaligiran ng sensationalism ang naghari sa premiere. Ang lahat ay nag-aalala kung paano tumugon ang kompositor sa mga kakila-kilabot na akusasyon laban sa kanya.

Malinaw na ngayon kung gaano katumpak ang pagsasalamin ng musika sa panahon nito. Isang panahon kung saan ang isang malaking bansa sa maghapon ay tila nag-uumapaw sa kasiglahan sa masasayang mga linyang "Tumayo ba tayo, sa ating katapangan tayo'y laging tama," at sa gabi ay nakahiga ito, nahahawakan ng sindak, nakikinig sa mga ingay sa lansangan, naghihintay bawat minuto para sa mga yabag sa hagdan at nakamamatay na katok sa pinto. Ito mismo ang isinulat ni Mandelstam tungkol noon:

Nakatira ako sa itim na hagdan at sa templo
Isang kampanang napunit na may karne ang tumama sa akin,
At sa buong magdamag ay naghihintay ako sa aking mga mahal na panauhin,
Paggalaw ng mga tanikala ng pinto...

((Mandelshtam))

Ito mismo ang tungkol sa bagong symphony ni Shostakovich. Ngunit ang kanyang musika ay walang mga salita, at maaari itong bigyang-kahulugan ng mga tagapalabas at maunawaan ng mga tagapakinig sa iba't ibang paraan. Siyempre, kapag nagtatrabaho kasama si Mravinsky, si Shostakovich, na naroroon sa lahat ng mga pag-eensayo, ay nagsikap na matiyak na ang musika ay "maasahin sa mabuti." Malamang na gumana. Bilang karagdagan, tila, "sa tuktok" napagpasyahan na pansamantalang natapos ang aksyong parusa laban kay Shostakovich: ang prinsipyo ng mga karot at stick ay may bisa, at ngayon ay oras na para sa mga karot.

Ang "pagkilala sa publiko" ay inayos. Hindi sinasadya na ang mga artikulo sa Fifth Symphony ay kinomisyon hindi lamang mula sa mga musikero, lalo na kay Mravinsky, kundi pati na rin mula sa opisyal na kinikilalang isa sa mga pinakamahusay. mga manunulat ng Sobyet Alexei Tolstoy, at ang sikat na piloto na si Mikhail Gromov. Siyempre, hindi magsasalita ang huli sa mga pahina ng press ayon sa sa kalooban. Isinulat mismo ng kompositor: “...Ang tema ng aking simponya ay ang pagbuo ng personalidad. Ang lalaking kasama ng lahat ng kanyang mga karanasan ang nakita ko sa gitna ng konsepto ng gawaing ito, liriko sa tono nito mula simula hanggang wakas. Niresolba ng finale ng symphony ang tragically tense na sandali ng mga unang paggalaw sa isang masayahin, optimistikong paraan. Minsan may mga tanong kami tungkol sa pagiging lehitimo ng genre ng trahedya mismo sa sining ng Sobyet. Ngunit sa parehong oras, ang tunay na trahedya ay madalas na nalilito sa kapahamakan at pesimismo. Sa palagay ko ang trahedya ng Sobyet bilang isang genre ay may lahat ng karapatang umiral..."

Gayunpaman, pakinggan ang pangwakas: ang lahat ba ay naroroon bilang katangi-tanging optimistiko gaya ng ipinahayag ng kompositor? Ang isang banayad na connoisseur ng musika, pilosopo, sanaysay na si G. Gachev ay sumulat tungkol sa Ikalima: "... 1937 - sa ilalim ng alulong ng mga nagpapakitang masa, nagmamartsa, hinihingi ang pagpapatupad ng "mga kaaway ng mga tao", ang guillotine machine ng Paikot-ikot ang estado - at ito ay nasa finale ng Fifth Symphony..." At higit pa: "Ang USSR ay nasa isang construction site - sino lang ang nakakaalam kung ano, isang masayang kinabukasan o ang Gulag?.."

Musika

Unang parte Ang symphony ay nagbubukas bilang isang salaysay na puno ng personal na sakit at, sa parehong oras, pilosopiko lalim. Ang patuloy na "mga tanong" ng mga paunang bar, tense bilang isang tense nerve, ay pinalitan ng melody ng mga violin - hindi matatag, naghahanap, na may sirang, hindi tiyak na mga contour (madalas na tinutukoy ng mga mananaliksik bilang Hamletian o Faustian). Susunod ay isang gilid na bahagi, din sa malinaw na timbre ng mga biyolin, naliwanagan, malinis na malambot. Wala pang salungatan - iba't ibang panig lamang ng isang kaakit-akit at kumplikadong imahe. Ang iba pang mga intonasyon ay sumabog sa pag-unlad - malupit, hindi makatao. Sa tuktok ng dynamic na alon, isang mekanikal na martsa ang lilitaw. Tila ang lahat ay pinipigilan ng walang kaluluwang mabigat na paggalaw sa ilalim ng malupit na beat ng drum (ganito ang imahe ng isang alien na mapang-aping puwersa, na nagmula sa unang bahagi ng Fourth Symphony, na halos dadaan sa buong symphonic na gawain. ng kompositor, na umuusbong na may pinakamalakas na puwersa sa Seventh Symphony), sa unang pagkakataon ay makapangyarihang ipinakita. Ngunit "mula sa ilalim nito" ang mga panimulang intonasyon at "mga tanong" ng pagpapakilala ay patuloy pa rin sa kanilang paraan; ginagawa nila ang kanilang paraan sa kaguluhan, na nawala ang kanilang dating lakas. Ang reprise ay natatabunan ng mga nakaraang kaganapan. Ang pangalawang tema ay hindi na tumutunog sa mga violin, ngunit sa pag-uusap sa pagitan ng plauta at ng sungay - muffled, darkened. Sa konklusyon, sa pamamagitan din ng plauta, ang unang tema ay tumutunog sa sirkulasyon, na parang nakabukas sa loob. Umaalingawngaw ang mga alingawngaw nito, na parang naliwanagan ng pagdurusa.

Ikalawang bahagi ayon sa mga batas ng classical symphonic cycle, ito ay pansamantalang nag-aalis sa iyo mula sa pangunahing salungatan. Ngunit hindi ito ordinaryong detatsment, hindi simpleng kasiyahan. Ang katatawanan ay hindi kasing ganda ng tila sa una. Sa musika ng three-movement scherzo, hindi maunahan sa biyaya at kasanayan ng filigree, mayroong isang banayad na ngiti, kabalintunaan, at kung minsan ay isang uri ng mekanikal. Tila ang tunog ay hindi isang orkestra, ngunit isang higanteng wind-up na laruan. Ngayon sasabihin natin na ang mga ito ay mga robot na sayaw... Ang saya ay parang hindi makatotohanan, hindi makatao, at kung minsan ay may mga nakakatakot na tala dito. Marahil ang pinakamalinaw na pagpapatuloy dito ay ang mga nakakatuwang scherzos ni Mahler.

Ang ikatlong bahagi puro, hiwalay sa lahat ng panlabas at random. Ito ay iniisip. Malalim na pagmuni-muni ng artist-thiker tungkol sa kanyang sarili, tungkol sa oras, tungkol sa mga kaganapan, tungkol sa mga tao. Kalmado ang daloy ng musika, mabagal ang pag-unlad nito. Ang taos-pusong himig ay pumapalit sa isa't isa, na para bang ang isa ay ipinanganak mula sa isa. Ang mga liriko na monologo at isang maikling chorale episode ay naririnig. Marahil ito ay isang requiem para sa mga namatay na at para sa mga naghihintay pa rin ng kamatayan na nagkukubli sa gabi? Pagkasabik, pagkalito, paglitaw ng kalunos-lunos, sigaw ng sakit sa isip ang naririnig... Ang anyo ng piyesa ay libre at tuluy-tuloy. Nakikipag-ugnayan ito sa iba't ibang prinsipyo ng komposisyon, pinagsasama ang sonata, variation, at mga tampok ng rondo na nag-aambag sa pagbuo ng isang nangingibabaw na imahe.

Ang final ang mga symphony (ang anyo ng sonata na may episode sa halip na isang pag-unlad) sa isang mapagpasyahan, may layuning paggalaw sa pagmamartsa ay tila winalis ang lahat ng hindi kailangan. Ito ay sumusulong - mas mabilis at mas mabilis - ang buhay mismo, tulad nito. At ang natitira na lang ay sumanib dito o tangayin nito. Kung gusto mo, maaari mong bigyang-kahulugan ang musikang ito bilang optimistiko. Naglalaman ito ng ingay ng isang pulutong ng kalye, maligaya fanfare. Ngunit mayroong isang bagay na nilalagnat sa kasiyahang ito. Ang kilusan ng ipoipo ay pinalitan ng mga tunog ng solemne at himno, na, gayunpaman, ay kulang sa tunay na awit. Pagkatapos ay mayroong isang yugto ng pagmuni-muni, isang nasasabik na liriko na pahayag. Muli - pagmuni-muni, pag-unawa, pag-alis sa kapaligiran. Ngunit kailangan nating bumalik dito: ang mga nakakatakot na pagsabog ng drum ay naririnig mula sa malayo. At muli ay nagsisimula ang opisyal na fanfare, tunog sa ilalim ng hindi maliwanag - alinman sa maligaya o malungkot - timpani beats. Nagtatapos ang symphony sa mga hammering blow na ito.

Symphony No. 6

Symphony No. 6, B minor, op. 54 (1939)

Komposisyon ng orkestra: 2 plauta, piccolo, 2 obo, cor anglais, 2 clarinet, piccolo clarinet, bass clarinet, 2 bassoon, contrabassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombone, tuba, timpani, snare drum, military drum , triangle, cymbals , bass drum, tom-tom, xylophone, celesta, alpa, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Noong kalagitnaan ng thirties, si Shostakovich ay nagtrabaho nang husto. Karaniwan - higit sa ilang mga sanaysay nang sabay-sabay. Halos sabay-sabay, nilikha ang musika para sa dula ni Afinogenov na "Salute, Spain!", na kinomisyon ng Pushkin Theater (dating at ngayon Alexandria), mga romansa batay sa mga tula ni Pushkin, musika para sa mga pelikulang "Maxim's Youth", "The Return of Maxim", "Side ng Vyborg". Sa esensya, maliban sa ilang mga pag-iibigan, lahat ng iba pa ay ginawa upang kumita ng pera, bagaman ang kompositor ay palaging gumagana nang napaka responsable, hindi pinapayagan ang mga order na gawing basta-basta. Ang sugat na idinulot ng artikulong editoryal na “Confusion Instead of Music,” na inilathala noong Enero 28, 1936 sa central party organ, ang pahayagang Pravda, ay hindi gumaling. Matapos ang paninirang-puri kung saan ang "Lady Macbeth ng Mtsensk" ay sumailalim sa press, at sa katunayan ang buong malikhaing direksyon ng kompositor, natakot siyang muling kumuha ng opera. Iba't ibang mga panukala ang lumitaw, ipinakita sa kanya ang libretto, ngunit palaging tumanggi si Shostakovich. Nangako siyang hindi magsusulat ng opera hanggang sa muling itinanghal si Lady Macbeth. Samakatuwid lamang mga instrumental na genre nanatiling available sa kanya.

Ang Unang String Quartet, na isinulat sa buong 1938, ay naging outlet sa mga ipinataw na mga gawa at kasabay nito ay isang pagsubok sa sarili sa isang bagong genre. Ito ang pangatlo, pagkatapos ng kabataang Trio at ang Sonata para sa cello at piano na isinulat noong 1934, na bumaling sa chamber instrumental genre. Ang paglikha ng quartet ay mahaba at mahirap. Iniulat ni Shostakovich nang detalyado ang tungkol sa lahat ng mga yugto ng kanyang komposisyon sa mga liham sa kanyang minamahal na kaibigan, ang natitirang musical figure na si Sollertinsky, na nasa ospital sa mga buwang iyon. Sa taglagas lamang ang kompositor, kasama ang kanyang katangiang katatawanan, ay nag-anunsyo: "Natapos ko... ang aking quartet, ang simula kung saan ako ay tumugtog para sa iyo. Sa proseso ng pag-compose, mabilis na nagbago ang isip ko. Ang unang bahagi ay naging huli, ang huli - ang una. Mayroong 4 na bahagi ng lahat. Pero, mahirap pala magsulat ng maayos. Kailangan mong magawa ito."

Matapos ang pagtatapos ng quartet, isang bagong symphonic na ideya ang lumitaw. Ang Sixth Symphony ay nilikha sa loob ng ilang buwan noong 1939. Mahalaga na halos isang taon bago ang premiere nito, sa mga panayam sa pahayagan, sinabi ni Shostakovich na naakit siya sa ideya ng isang symphony na nakatuon kay Lenin - malakihan, gamit ang mga tula at katutubong teksto ni Mayakovsky (malinaw na pseudo-folk, niluluwalhati mga pinuno, mga tula na nilikha sa maraming dami at ipinakita bilang katutubong sining), na may partisipasyon ng isang koro at solo na mang-aawit. Hindi na natin malalaman kung talagang naisip ng kompositor ang ganitong komposisyon, o kung ito ay isang uri ng pagbabalatkayo. Marahil ay naramdaman niyang kailangang magsulat ng gayong simponya upang kumpirmahin ang kanyang katapatan: patuloy na lumilitaw ang mga paninisi sa pormalismo, dahil sa pagiging alien ng kanyang trabaho sa mga tao, bagama't hindi sila agresibo gaya ng dalawang taon na ang nakalilipas. At ang sitwasyong pampulitika sa bansa ay hindi nagbabago. Ang mga pag-aresto ay nagpatuloy sa parehong paraan, ang mga tao ay biglang nawala, kabilang ang mga malalapit na kakilala ni Shostakovich: sikat na direktor Meyerhold, ang sikat na Marshal Tukhachevsky. Sa sitwasyong ito, ang Lenin Symphony ay hindi talaga wala sa lugar, ngunit... hindi ito nagtagumpay. Ang bagong komposisyon ay naging isang kumpletong sorpresa para sa mga nakikinig. Ang lahat ay hindi inaasahan - tatlong paggalaw sa halip na ang karaniwang apat, ang kawalan ng isang mabilis na sonata allegro sa simula, ang pangalawa at pangatlong paggalaw ay magkapareho sa mga tuntunin ng mga imahe. Isang symphony na walang ulo - ang ilang mga kritiko ay tinatawag na Sixth.

Ang symphony ay unang ginanap sa Leningrad noong Nobyembre 5, 1939 sa ilalim ng baton ni E. Mravinsky.

Musika

Rich string sound sa simula unang parte ilulubog ka sa kapaligiran ng karaniwang Shostakovich matinding pag-iisip - matanong, naghahanap. Ito ay musika ng kamangha-manghang kagandahan, kadalisayan at lalim. Ang piccolo flute solo - isang nakakaantig na malungkot na himig, kahit papaano ay hindi protektado - lumutang sa labas ng pangkalahatang daloy at bumalik dito. Maririnig mo ang mga dayandang ng isang martsa ng libing... Ngayon ay tila ito ay isang malungkot, at kung minsan ay kalunus-lunos, saloobin ng isang tao na natagpuan ang kanyang sarili sa hindi maisip na mga kalagayan. Hindi ba't ang mga nangyayari sa paligid ay nagbigay ng dahilan para sa gayong mga damdamin? Ang personal na kalungkutan ng bawat isa na sinamahan ng maraming personal na trahedya, na nagiging trahedya na kapalaran ng mga tao.

Ikalawang bahagi, ang scherzo ay isang uri ng walang isip na pag-ikot ng mga maskara, hindi buhay na mga imahe. Ang saya ng doll carnival. Tila ang maliwanag na panauhin mula sa unang kilusan ay lumitaw saglit (ang piccolo flute ay nagpapaalala sa kanya). At pagkatapos - mabibigat na galaw, tunog ng patok, timpani ng "opisyal" na holiday... Ang walang kabuluhang pag-ikot ng nakamamatay na mga maskara ay nagbabalik.

Ang final- Ito ay, marahil, isang larawan ng buhay na nagpapatuloy gaya ng dati, araw-araw sa karaniwang gawain, nang hindi nagbibigay ng oras o pagkakataon para sa pagmuni-muni. Ang musika, tulad ng halos palaging kasama si Shostakovich, ay hindi nakakatakot sa una, halos sadyang sa bahagyang pinalaking kagalakan, unti-unting nakakakuha ng mga tampok na banta, nagiging laganap na pwersa - extra- at anti-human. Lahat ay halo-halong dito: classicist musical theme, Haydn-Mozart-Rossini, at modernong intonasyon ng kabataan, masayang optimistikong mga kanta, at pop-dance rhythmic intonations. At ang lahat ng ito ay nagsasama sa pangkalahatang pagsasaya, na walang puwang para sa pagmuni-muni, pakiramdam, o pagpapakita ng pagkatao.

Symphony No. 7

Symphony No. 7, C major, op. 60, Leningradskaya (1941)

Komposisyon ng orkestra: 2 flute, alto flute, piccolo flute, 2 oboes, cor anglais, 2 clarinets, piccolo clarinet, bass clarinet, 2 bassoons, contrabassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombones, tuba, 5 timpani, triangle , tamburine, snare drum, cymbals, bass drum, tom-tom, xylophone, 2 alpa, piano, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Hindi alam nang eksakto kung kailan, sa huling bahagi ng 30s o noong 1940, ngunit sa anumang kaso, bago pa man magsimula ang Great Patriotic War, sumulat si Shostakovich ng mga pagkakaiba-iba sa hindi nagbabagong tema - ang passacaglia, na katulad ng konsepto sa Bolero ni Ravel. Ipinakita niya ito sa kanyang mga nakababatang kasamahan at mag-aaral (mula noong taglagas ng 1937, itinuro ni Shostakovich ang komposisyon at orkestra sa Leningrad Conservatory). Ang tema, simple, na parang sumasayaw, ay nabuo laban sa background ng tuyong katok ng isang snare drum at lumaki sa napakalaking kapangyarihan. Sa una ay hindi ito nakakapinsala, kahit na medyo walang kabuluhan, ngunit ito ay naging isang kakila-kilabot na simbolo ng pagsupil. Itinabi ng kompositor ang gawaing ito nang hindi ito ginaganap o inilathala.

Noong Hunyo 22, 1941, ang kanyang buhay, tulad ng buhay ng lahat ng tao sa ating bansa, ay nagbago nang malaki. Nagsimula ang digmaan, ang mga naunang plano ay natanggal. Ang lahat ay nagsimulang magtrabaho para sa mga pangangailangan ng harapan. Si Shostakovich, kasama ang lahat, ay naghukay ng mga kanal at nasa tungkulin sa panahon ng mga pagsalakay sa himpapawid. Gumawa siya ng mga pagsasaayos para sa mga brigada ng konsiyerto na ipinadala sa mga aktibong yunit. Naturally, walang mga piano sa harap na linya, at inayos niya muli ang mga saliw para sa maliliit na ensemble at gumawa ng iba pang kinakailangang gawain, na tila sa kanya. Ngunit gaya ng nakasanayan, ang natatanging musikero-publisista na ito - tulad ng nangyari mula pagkabata, nang ang mga panandaliang impresyon ng magulong rebolusyonaryong taon ay naihatid sa musika - isang pangunahing symphonic na plano ang nagsimulang maging mature, na direktang nakatuon sa kung ano ang nangyayari. Sinimulan niyang isulat ang Seventh Symphony. Ang unang bahagi ay natapos sa tag-araw. Nagawa niyang ipakita ito sa kanyang pinakamalapit na kaibigan na si I. Sollertinsky, na noong Agosto 22 ay aalis patungong Novosibirsk kasama ang Philharmonic, na ang artistikong direktor ay naging siya sa loob ng maraming taon. Noong Setyembre, nasa blockaded na Leningrad, nilikha ng kompositor ang pangalawang bahagi at ipinakita ito sa kanyang mga kasamahan. Nagsimulang magtrabaho sa ikatlong bahagi.

Noong Oktubre 1, sa pamamagitan ng espesyal na utos ng mga awtoridad, siya, ang kanyang asawa at dalawang anak ay pinalipad sa Moscow. Mula roon, makalipas ang kalahating buwan, naglakbay pa siya sa silangan sakay ng tren. Sa una ay binalak itong pumunta sa mga Urals, ngunit nagpasya si Shostakovich na huminto sa Kuibyshev (tulad ng tawag sa Samara noong mga taong iyon). Ang Bolshoi Theatre ay nakabase dito, maraming mga kakilala na sa una ay kinuha ang kompositor at ang kanyang pamilya sa kanilang tahanan, ngunit napakabilis na inilaan siya ng pamunuan ng lungsod ng isang silid, at noong unang bahagi ng Disyembre - isang dalawang silid na apartment. Nilagyan ito ng isang grand piano, na pinahiram ng lokal na paaralan ng musika. Posibleng magpatuloy sa pagtatrabaho.

Hindi tulad ng unang tatlong bahagi, na literal na nilikha nang sabay-sabay, ang gawain sa panghuling bahagi ay dahan-dahang umusad. Ito ay malungkot at balisa sa puso. Nanatili ang ina at kapatid na babae sa kinubkob na Leningrad, na nakaranas ng pinaka-kahila-hilakbot, gutom at malamig na mga araw. Ang sakit para sa kanila ay hindi umalis ng isang minuto. Ito ay masama kahit na walang Sollertinsky. Ang kompositor ay nasanay sa katotohanan na ang isang kaibigan ay palaging nandiyan, na ang isang tao ay maaaring magbahagi ng pinakamatalik na kaisipan sa kanya - at ito, sa mga araw na iyon ng unibersal na pagtuligsa, ay naging pinakamalaking halaga. Si Shostakovich ay madalas na sumulat sa kanya. Literal na iniulat niya ang lahat ng maaaring ipagkatiwala sa censored mail. Sa partikular, tungkol sa katotohanan na ang pagtatapos ay "hindi nakasulat." Ito ay hindi nakakagulat na ang huling bahagi ay tumagal ng mahabang panahon upang matapos. Naunawaan ni Shostakovich na sa symphony na nakatuon sa mga kaganapan ng digmaan, inaasahan ng lahat ang isang solemne na matagumpay na apotheosis na may isang koro, isang pagdiriwang ng darating na tagumpay. Ngunit wala pang dahilan para dito, at sumulat siya ayon sa idinidikta ng kanyang puso. Ito ay hindi nagkataon na ang opinyon ay kumalat sa kalaunan na ang katapusan ay mas mababa sa kahalagahan sa unang bahagi, na ang mga puwersa ng kasamaan ay katawanin na mas malakas kaysa sa humanistic na prinsipyo na sumasalungat sa kanila.

Noong Disyembre 27, 1941, natapos ang Seventh Symphony. Siyempre, nais ni Shostakovich na itanghal ito ng kanyang paboritong orkestra - ang Leningrad Philharmonic Orchestra na isinagawa ni Mravinsky. Ngunit malayo siya, sa Novosibirsk, at iginiit ng mga awtoridad ang isang kagyat na premiere: ang pagganap ng symphony, na tinawag ng kompositor na Leningrad at nakatuon sa gawa ng kanyang katutubong lungsod, ay binigyan ng kahalagahang pampulitika. Ang premiere ay naganap sa Kuibyshev noong Marso 5, 1942. Tumugtog ang Bolshoi Theater Orchestra na isinagawa ni Samuil Samosud.

Napaka-interesante kung ano ang isinulat ng "opisyal na manunulat" noong panahong iyon, si Alexey Tolstoy, tungkol sa symphony: "Ang ikapitong symphony ay nakatuon sa tagumpay ng tao sa tao. Subukan natin (hindi bababa sa bahagyang) na tumagos sa landas ng pag-iisip ng musikal ni Shostakovich - sa nagbabantang madilim na gabi ng Leningrad, sa ilalim ng dagundong ng mga pagsabog, sa ningning ng apoy, humantong ito sa kanya sa pagsulat ng lantad na gawaing ito.<…>Ang Seventh Symphony ay bumangon mula sa budhi ng mga taong Ruso, na walang pag-aatubili na tinanggap ang mortal na labanan sa mga itim na pwersa. Isinulat sa Leningrad, ito ay lumaki sa laki ng mahusay na sining ng mundo, naiintindihan sa lahat ng mga latitude at meridian, dahil ito ay nagsasabi ng katotohanan tungkol sa tao sa isang hindi pa naganap na panahon ng kanyang mga kasawian at pagsubok. Ang symphony ay malinaw sa napakalaking kumplikado nito, ito ay parehong mahigpit at panlalaking liriko, at lahat ay lumilipad sa hinaharap, na nagpapakita ng sarili sa kabila ng tagumpay ng tao laban sa hayop.

...Pinag-uusapan ng mga biyolin ang tungkol sa walang-bagyo na kaligayahan - nakatago ang problema, bulag pa rin ito at limitado, tulad ng ibong iyon na "tuwang-tuwang naglalakad sa landas ng mga sakuna"... Sa kagalingang ito, mula sa madilim na kailaliman ng hindi nalutas. mga kontradiksyon, ang tema ng digmaan ay lumitaw - maikli, tuyo, malinaw, katulad ng isang bakal na kawit.

Magpareserba tayo: ang tao ng Seventh Symphony ay isang tipikal, pangkalahatan, at isang taong minamahal ng may-akda. Si Shostakovich mismo ay pambansa sa symphony, ang kanyang Russian na galit na konsensya ay pambansa, na ibinababa ang ikapitong langit ng symphony sa mga ulo ng mga maninira.

Ang tema ng digmaan ay lumitaw nang malayuan at sa una ay parang isang uri ng simple at nakakatakot na sayaw, tulad ng mga natutunang daga na sumasayaw sa himig ng pied piper. Tulad ng papalakas na hangin, ang temang ito ay nagsisimulang umindayog sa orkestra, ito ay inaangkin, lumalaki, at nagiging mas malakas. Ang tagahuli ng daga, kasama ang kanyang mga bakal na daga, ay bumangon mula sa likod ng burol... Ito ay gumagalaw sa digmaan. Siya ay nagtagumpay sa timpani at mga tambol, ang mga biyolin ay sumasagot sa sigaw ng sakit at kawalan ng pag-asa. At tila sa iyo, pinipiga ang mga rehas ng oak gamit ang iyong mga daliri: ito ba ay talagang, ang lahat ay nadurog na at napunit? May kalituhan at kaguluhan sa orkestra.

Hindi. Ang tao ay mas malakas kaysa sa mga elemento. Nagsisimulang magpumiglas ang mga instrumentong pangkuwerdas. Ang pagkakatugma ng mga biyolin at mga boses ng tao ng mga bassoon ay mas malakas kaysa sa dagundong ng balat ng asno na nakaunat sa ibabaw ng mga tambol. Sa desperadong pagtibok ng iyong puso tinutulungan mo ang pagtatagumpay ng pagkakaisa. At ang mga biyolin ay nagkakasundo sa kaguluhan ng digmaan, patahimikin ang maluwang na dagundong nito.

Wala na ang mapahamak na tagahuli ng daga, dinadala na siya sa itim na kailaliman ng panahon. Tanging ang maalalahanin at mahigpit na boses ng tao ng bassoon ang maririnig - pagkatapos ng napakaraming pagkalugi at sakuna. Walang babalik sa walang bagyong kaligayahan. Bago ang tingin ng isang tao, matalino sa pagdurusa, ay ang landas na tinatahak, kung saan siya ay naghahanap ng katwiran para sa buhay.

Dugo ay dumanak para sa kagandahan ng mundo. Ang kagandahan ay hindi masaya, hindi kasiyahan at hindi maligaya na damit, ang kagandahan ay ang muling paglikha at pagsasaayos ng ligaw na kalikasan gamit ang mga kamay at henyo ng tao. Ang symphony ay tila naaantig sa isang magaan na hininga ang dakilang pamana ng paglalakbay ng tao, at ito ay nabubuhay.

Ang gitna (ikatlo - L.M.) na bahagi ng symphony ay isang renaissance, ang muling pagkabuhay ng kagandahan mula sa alikabok at abo. Para bang ang mga anino ng dakilang sining, dakilang kabutihan ay napukaw sa harap ng mga mata ng bagong Dante sa pamamagitan ng puwersa ng mahigpit at liriko na pagmuni-muni.

Ang huling paggalaw ng symphony ay lilipad sa hinaharap. Bago ang mga tagapakinig... Isang marilag na mundo ng mga ideya at hilig ang inihayag. Ito ay nagkakahalaga ng pamumuhay at nararapat na ipaglaban. Ang makapangyarihang tema ng tao ngayon ay hindi nagsasalita tungkol sa kaligayahan, ngunit tungkol sa kaligayahan. Dito - ikaw ay nahuli sa liwanag, ikaw ay para kang nasa isang ipoipo nito... At muli, ikaw ay umiindayog sa azure wave ng karagatan ng hinaharap. Sa pagtaas ng tensyon, maghihintay ka... para sa pagkumpleto ng isang malaking karanasan sa musika. Kinukuha ka ng mga violin, hindi ka makahinga, na parang nasa taas ng bundok, at kasama ang maharmonya na bagyo ng orkestra, sa hindi maisip na pag-igting, nagmamadali ka sa isang pambihirang tagumpay, sa hinaharap, patungo sa mga asul na lungsod ng mas mataas na pagkakasunud-sunod. ...” (“Pravda”, 1942, Pebrero 16).

Ngayon ang insightful review na ito ay binabasa nang may ganap na iba't ibang mga mata, tulad ng musika na naririnig sa ibang paraan. "Walang bagyong kaligayahan", "bulag at limitado" - napakatumpak na sinabi tungkol sa buhay na puno ng optimismo sa ibabaw, kung saan malayang matatagpuan ang arkipelago ng GULAG. At "ang pied piper kasama ang kanyang mga bakal na daga" ay hindi lamang digmaan.

Ano ito - isang kakila-kilabot na martsa ng pasismo sa buong Europa, o ang kompositor ba ay nagbigay kahulugan sa kanyang musika nang mas malawak - bilang isang pag-atake ng totalitarianism sa indibidwal?.. Pagkatapos ng lahat, ang episode na ito ay naisulat nang mas maaga! Sa totoo lang, ang duality ng kahulugan na ito ay makikita sa mga linya ni Alexei Tolstoy. Isang bagay ang malinaw - dito, sa isang symphony na nakatuon sa bayani na lungsod, ang martir na lungsod, ang episode ay naging organic. At ang buong dambuhalang symphony ng apat na paggalaw ay naging isang mahusay na monumento sa gawa ng Leningrad.

Matapos ang premiere ng Kuibyshev, ang mga symphony ay ginanap sa Moscow at Novosibirsk (sa ilalim ng baton ni Mravinsky), ngunit ang pinaka-kapansin-pansin, tunay na kabayanihan ay naganap sa ilalim ng baton ni Carl Eliasberg sa kinubkob na Leningrad. Upang maisagawa ang isang monumental na symphony na may malaking orkestra, ang mga musikero ay naalala mula sa mga yunit ng militar. Bago magsimula ang mga pag-eensayo, ang ilan ay kailangang ipasok sa ospital - pakainin at gamutin, dahil ang lahat ng ordinaryong residente ng lungsod ay naging dystrophic. Sa araw na ginanap ang symphony - Agosto 9, 1942 - ang lahat ng pwersa ng artilerya ng kinubkob na lungsod ay ipinadala upang sugpuin ang mga puntos ng pagpapaputok ng kaaway: walang dapat na makagambala sa makabuluhang premiere.

At puno ang white-columned hall ng Philharmonic. Pinuno ito ng mga maputla at pagod na mga Leningrad upang marinig ang musikang nakatuon sa kanila. Dinala ito ng mga tagapagsalita sa buong lungsod.

Napagtanto ng publiko sa buong mundo ang pagganap ng Ikapito bilang isang kaganapan na napakahalaga. Di-nagtagal, nagsimulang dumating ang mga kahilingan mula sa ibang bansa upang ipadala ang marka. Sumiklab ang kumpetisyon sa pagitan ng pinakamalaking orkestra sa Kanlurang Hemispero para sa karapatang maisagawa muna ang symphony. Ang pagpili ni Shostakovich ay nahulog kay Toscanini. Isang eroplanong may dalang mahahalagang microfilm ang lumipad sa isang mundong nasira ng digmaan, at noong Hulyo 19, 1942, ang Seventh Symphony ay ginanap sa New York. Nagsimula ang kanyang matagumpay na martsa sa buong mundo.

Musika

Unang parte nagsisimula sa isang malinaw, magaan na C major na may malawak, sing-song melody ng isang epikong kalikasan, na may binibigkas na pambansang lasa ng Russia. Ito ay umuunlad, lumalaki, at napuno ng higit at higit na kapangyarihan. Parang kanta din yung side part. Ito ay kahawig ng isang malambot, mahinahong oyayi. Ang pagtatapos ng eksibisyon ay mukhang mapayapa. Ang lahat ay humihinga ng kalmado ng mapayapang buhay. Ngunit pagkatapos, mula sa isang lugar na malayo, ang beat ng isang tambol ay naririnig, at pagkatapos ay isang melody ang lilitaw: primitive, katulad ng mga banal na couplets ng isang chansonette - ang personipikasyon ng pang-araw-araw na buhay at kabastusan. Nagsisimula ito sa "episode ng pagsalakay" (kaya, ang anyo ng unang paggalaw ay isang sonata na may isang yugto sa halip na isang pag-unlad). Sa una ang tunog ay tila hindi nakakapinsala. Gayunpaman, ang tema ay inuulit nang labing-isang beses, lalong tumitindi. Hindi ito nagbabago sa melodikal, ang texture lamang ang nagiging mas siksik, parami nang parami ang mga bagong instrumento ang idinagdag, pagkatapos ay ipinakita ang tema hindi sa isang boses, ngunit sa mga chord complex. At bilang isang resulta, siya ay lumaki bilang isang napakalaking halimaw - isang makinang pangwasak na tila nagbubura sa lahat ng buhay. Ngunit nagsisimula ang pagsalungat. Pagkatapos ng isang malakas na kasukdulan, ang reprise ay nagdilim, sa condensed minor na kulay. Ang himig ng gilid na bahagi ay lalong nagpapahayag, nagiging mapanglaw at malungkot. Isang pinaka-nagpapahayag na solong bassoon ang maririnig. Hindi na ito isang oyayi, ngunit sa halip ay isang sigaw na sinasalubong ng masasakit na pulikat. Sa coda lamang sa unang pagkakataon ay tumunog ang pangunahing bahagi sa isang pangunahing susi, sa wakas ay nagpapatunay sa napakahirap na pagtagumpayan ng mga puwersa ng kasamaan.

Ikalawang bahagi- scherzo - dinisenyo sa malambot, mga tono ng silid. Ang unang tema, na ipinakita ng mga string, ay pinagsasama ang magaan na kalungkutan at isang ngiti, bahagyang kapansin-pansin na katatawanan at pagsipsip sa sarili. Ang oboe ay nagpapahayag na gumaganap ng pangalawang tema - isang pag-iibigan, pinalawak. Pagkatapos ay pumasok ang ibang mga instrumentong tanso. Ang mga tema ay kahalili sa isang kumplikadong tripartite, na lumilikha ng isang kaakit-akit at maliwanag na imahe, kung saan maraming mga kritiko ang nakakakita ng isang musikal na larawan ng Leningrad na may mga transparent na puting gabi. Sa gitnang seksyon lamang ng scherzo lilitaw ang iba pang, malupit na mga tampok, at isang caricatured, pangit na imahe ay ipinanganak, puno ng lagnat na kaguluhan. Ang muling pagbabalik ng scherzo ay tila malungkot at malungkot.

Ang ikatlong bahagi- isang marilag at madamdaming adagio. Ito ay bubukas sa isang choral introduction, na parang isang requiem para sa mga patay. Sinundan ito ng kalunos-lunos na pahayag ng mga violin. Ang pangalawang tema ay malapit sa temang biyolin, ngunit ang timbre ng plauta at isang mas mala-awit na karakter ay naghahatid, sa mga salita ng mismong kompositor, "ang rapture ng buhay, paghanga sa kalikasan." Ang gitnang yugto ng bahagi ay nailalarawan sa pamamagitan ng mabagyong drama at romantikong pag-igting. Maaari itong makita bilang isang alaala ng nakaraan, isang reaksyon sa mga trahedya na kaganapan sa unang bahagi, na pinalala ng impresyon ng walang katapusang kagandahan sa pangalawa. Ang reprise ay nagsisimula sa isang recitative mula sa mga violin, ang chorale ay tumunog muli, at ang lahat ay kumukupas sa mahiwagang dumadagundong na mga beats ng tom-tom at ang kumakaluskos na tremolo ng timpani. Magsisimula ang paglipat sa huling bahagi.

Sa simula finals- ang parehong halos hindi maririnig na timpani tremolo, ang tahimik na tunog ng mga naka-mute na violin, muffled signal. Mayroong unti-unti, mabagal na pagtitipon ng lakas. Sa takip-silim na kadiliman ang pangunahing tema ay bumangon, puno ng hindi matitinag na enerhiya. Ang deployment nito ay napakalaki sa sukat. Ito ay isang imahe ng pakikibaka, ng popular na galit. Ito ay pinalitan ng isang episode sa ritmo ng isang saraband - malungkot at marilag, tulad ng isang alaala ng nahulog. At pagkatapos ay magsisimula ang isang matatag na pag-akyat sa tagumpay ng pagtatapos ng symphony, kung saan ang pangunahing tema ng unang kilusan, bilang isang simbolo ng kapayapaan at nalalapit na tagumpay, ay nakakasilaw mula sa mga trumpeta at trombone.

Symphony No. 8

Symphony No. 8, C minor, op. 65 (1943)

Komposisyon ng orkestra: 4 na flute, 2 piccolo flute, 2 oboes, cor anglais, 3 clarinet, piccolo clarinet, bass clarinet, 3 bassoons, contrabassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombones, tuba, timpani, triangle, tamburin, snare drum, mga cymbal, bass drum, tom-tom, xylophone, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Sa pagsisimula ng Great Patriotic War, si Shostakovich ay inilikas sa Kuibyshev - iyon ang tawag sa Samara noon - isang lungsod sa Middle Volga. Ang mga eroplano ng kaaway ay hindi lumipad doon noong Oktubre 1941, nang magsimulang harapin ng Moscow ang agarang panganib ng pagsalakay, lahat ng mga institusyon ng gobyerno, mga embahada, at ang Bolshoi Theater ay inilikas. Si Shostakovich ay nanirahan sa Kuibyshev nang halos dalawang taon, kung saan natapos niya ang Seventh Symphony. Ito ay ginanap doon sa unang pagkakataon ng Bolshoi Theater Orchestra.

Nanghina si Shostakovich sa Kuibyshev. Masama ang pakiramdam niya nang walang mga kaibigan, higit sa lahat na-miss niya ang kanyang pinakamalapit na kaibigan, si Sollertinsky, na, kasama ang Leningrad Philharmonic, kung saan siya ang artistikong direktor, ay nasa Novosibirsk noong panahong iyon. Nananabik din ako para sa symphonic music, na halos wala sa lungsod sa Volga. Ang bunga ng kalungkutan at pag-iisip tungkol sa mga kaibigan ay mga pag-iibigan batay sa mga tula ng mga makatang Ingles at Scottish, na isinulat noong 1942. Ang pinakamahalaga sa kanila, ang ika-66 na sonnet ni Shakespeare, ay nakatuon kay Sollertinsky. Inialay ng kompositor ang isang sonata ng piano sa memorya ng guro ng piano ni Shostakovich na si L. Nikolaev, na namatay sa Tashkent (pansamantalang matatagpuan doon ang Leningrad Conservatory). Sinimulan kong isulat ang opera na "The Players" batay sa buong teksto ng komedya ni Gogol.

Sa pagtatapos ng 1942 siya ay nagkaroon ng malubhang karamdaman. Tinamaan siya ng typhoid fever. Ang paggaling ay napakabagal. Noong Marso 1943, para sa pangwakas na pagwawasto, ipinadala siya sa isang sanatorium malapit sa Moscow. Sa oras na iyon, ang sitwasyon ng militar ay naging mas paborable, at ang ilan ay nagsimulang bumalik sa Moscow. Nagsimula ring mag-isip si Shostakovich tungkol sa paglipat sa kabisera para sa permanenteng paninirahan. Makalipas ang kaunti pa sa isang buwan ay nanirahan na siya sa Moscow, sa apartment na kakatanggap lang niya. Doon siya nagsimulang gumawa sa kanyang susunod, ang Eighth Symphony. Karaniwan, ito ay nilikha sa tag-araw sa House of Composers' Creativity malapit sa lungsod ng Ivanovo.

Opisyal na pinaniniwalaan na ang tema nito ay isang pagpapatuloy ng Ikapito - na nagpapakita ng mga krimen ng pasismo sa lupa ng Sobyet. Sa katunayan, mas malalim ang nilalaman ng symphony: kinapapalooban nito ang tema ng mga kakila-kilabot ng totalitarianism, ang paghaharap sa pagitan ng tao at ng kontra-tao na makina ng panunupil, pagkawasak, anuman ang tawag dito, sa anong anyo ang lilitaw. Sa Eighth Symphony, ang temang ito ay ginalugad sa isang multifaceted, pangkalahatan na paraan, sa isang mataas na pilosopikal na antas.

Sa simula ng Setyembre dumating si Mravinsky sa Moscow mula sa Novosibirsk. Ito ang konduktor na pinakapinagkatiwalaan ni Shostakovich sa lahat. Ginawa ni Mravinsky ang Fifth at Sixth Symphony sa unang pagkakataon. Nakipagtulungan siya sa katutubong ensemble ni Shostakovich, ang Leningrad Philharmonic Orchestra, sa direktang pakikipag-ugnay kay Sollertinsky, na naiintindihan ang kanyang kaibigan na walang iba at tinulungan ang konduktor sa tamang interpretasyon ng kanyang mga gawa. Ipinakita ni Shostakovich kay Mravinsky ang hindi pa ganap na naitala na musika, at ang konduktor ay napukaw sa ideya ng agarang pagsasagawa ng gawain. Sa pagtatapos ng Oktubre muli siyang dumating sa kabisera. Sa oras na iyon ay natapos na ng kompositor ang iskor. Nagsimula na ang mga pag-eensayo sa USSR State Symphony Orchestra. Si Shostakovich ay labis na nalulugod sa hindi nagkakamali na gawain ng konduktor at ng orkestra na inialay niya ang symphony kay Mravinsky. Ang premiere sa ilalim ng kanyang direksyon ay naganap sa Moscow noong Nobyembre 4, 1943.

Ang Eighth Symphony ay ang kulminasyon ng trahedya sa gawa ni Shostakovich. Ang pagiging totoo nito ay walang awa, ang mga emosyon ay pinainit hanggang sa limitasyon, ang tindi ng mga paraan ng pagpapahayag ay tunay na napakalaki. Ang symphony ay hindi karaniwan. Ang karaniwang mga proporsyon ng liwanag at anino, trahedya at optimistikong mga imahe ay nilabag dito. Nangibabaw ang malupit na kulay. Sa limang galaw ng symphony, walang isa na gumaganap ng papel ng isang interlude. Ang bawat isa sa kanila ay malalim na kalunos-lunos.

Musika

Unang parte ang pinakamalaki ay tumatagal ng halos kalahating oras. Halos kasing dami ng apat na pinagsamahan. Ang nilalaman nito ay multifaceted. Ito ay isang kanta tungkol sa pagdurusa. May pag-iisip at konsentrasyon dito. Ang hindi maiiwasang kalungkutan. Pag-iyak para sa mga patay - at ang pagdurusa ng mga tanong. Mga nakakatakot na tanong: paano? Bakit? paano nangyari ang lahat ng ito? Ang mga katakut-takot at bangungot na imahe ay lumitaw sa pagbuo, na nakapagpapaalaala sa mga anti-war etching ni Goya o mga painting ni Picasso. Pagbubutas ng mga bulalas ng mga instrumentong woodwind, tuyong pag-click ng mga kuwerdas, kakila-kilabot na suntok, na parang isang martilyo na dumudurog sa lahat ng nabubuhay na bagay, paggiling ng metal. At higit sa lahat ay isang matagumpay na mabigat na martsa, na nakapagpapaalaala sa martsa ng pagsalakay mula sa Seventh Symphony, ngunit wala sa pagiging tiyak nito, kahit na mas kakila-kilabot sa kamangha-manghang pangkalahatan. Ang musika ay nagsasabi sa kuwento ng isang kahila-hilakbot na puwersa ni Satanas na nagdadala ng kamatayan sa lahat ng nabubuhay na bagay. Ngunit nagdudulot din ito ng napakalaking pagsalungat: isang bagyo, isang kakila-kilabot na tensyon ng lahat ng pwersa. Sa lyrics - napaliwanagan, madamdamin - nagmumula sa resolution mula sa karanasan.

Ikalawang bahagi- isang nagbabala na martsa-scherzo ng militar. Ang pangunahing tema nito ay batay sa nakakabigla na tunog ng isang segment ng chromatic scale.

“Sa mabigat, matagumpay na pagtapak ng isang unison melody, brass at part mga instrumentong gawa sa kahoy tumutugon sila ng malalakas na tandang, tulad ng isang pulutong na sumisigaw nang masigasig sa isang parada” (M. Sabinina). Ang mabilis na paggalaw nito ay nagbibigay daan sa isang makamulto na laruang gallop (isang side theme ng sonata form). Pareho sa mga larawang ito ay nakamamatay, mekanikal. Ang kanilang pag-unlad ay nagbibigay ng impresyon ng isang hindi maiiwasang papalapit na sakuna.

Ang ikatlong bahagi- toccata - na may isang kahila-hilakbot na kilusan sa hindi makataong kawalan nito, pinipigilan ang lahat sa kanyang lakad. Ito ay isang napakalaking makina ng pagkawasak na gumagalaw, walang awang pinuputol ang lahat ng nabubuhay na bagay. Ang gitnang yugto ng isang kumplikadong tatlong bahagi na anyo ay isang uri ng Danse macabre na may mapanuksong himig ng sayaw, isang imahe ng kamatayan na sumasayaw sa kakila-kilabot na sayaw nito sa mga bundok ng mga bangkay...

Ang paghantong ng simponya ay ang paglipat sa ikaapat na kilusan, isang maringal at malungkot na passacaglia. Ang mahigpit, asetiko na tema, na pumapasok pagkatapos ng pangkalahatang paghinto, ay parang boses ng sakit at galit. Ito ay paulit-ulit na labindalawang beses, hindi nagbabago, na parang enchanted, sa mababang mga rehistro ng bass, at laban sa background nito iba pang mga imahe lumaganap - nakatagong pagdurusa, pagmumuni-muni, pilosopiko lalim.

Unti-unti, hanggang sa simula finals, kasunod ng passacaglia nang walang pagkagambala, na parang pagbuhos nito, nangyayari ang kaliwanagan. Para bang, pagkatapos ng isang mahaba at kakila-kilabot na gabi na puno ng bangungot, ang bukang-liwayway. Sa mahinahon na pag-strum ng bassoon, ang walang malasakit na huni ng plauta, ang pag-awit ng mga kuwerdas, ang maliwanag na tawag ng sungay, isang tanawin ang pininturahan, na puno ng mainit na malambot na kulay - isang simbolikong kahanay sa muling pagsilang ng puso ng tao. Ang katahimikan ay naghahari sa pinahirapang lupa, sa naghihirap na kaluluwa ng tao. Ang mga larawan ng pagdurusa ay lumitaw nang maraming beses sa pagtatapos, bilang isang babala, bilang isang panawagan: "Tandaan, huwag hayaang mangyari muli ito!" Ang coda ng finale, na nakasulat sa isang kumplikadong anyo, pinagsasama ang mga tampok ng isang sonata at isang rondo, ay nagpinta ng isang larawan ng ninanais, mahirap na tagumpay na kapayapaan na puno ng mataas na tula.

Symphony No. 9

Symphony No. 9, E-flat major, op. 70 (1945)

Komposisyon ng orkestra: 2 flute, piccolo flute, 2 oboe, 2 clarinets, 2 bassoons, 4 horns, 2 trumpets, 3 trombones, tuba, timpani, bells, triangle, tamburin, snare drum, cymbals, bass drum, strings.

Kasaysayan ng paglikha

Sa mga unang buwan ng post-war, nagtrabaho si Shostakovich sa kanyang bagong symphony. Nang mag-ulat ang mga pahayagan tungkol sa nalalapit na premiere ng Ninth, inaasahan na marinig ng mga mahilig sa musika at mga kritiko monumental na gawain, na nakasulat sa parehong plano bilang ang dalawang nakaraang engrande cycle, ngunit puno ng liwanag, glorifying tagumpay at victors. Ang premiere, na naganap ayon sa itinatag na tradisyon sa Leningrad sa ilalim ng direksyon ni Mravinsky, noong Nobyembre 3, 1945, ay nagulat sa lahat at nabigo ang ilan. Ang gawain ay ipinakita bilang isang miniature (mas mababa sa 25 minuto ang haba), eleganteng, medyo nakapagpapaalaala sa Prokofiev's Classical Symphony, sa ilang mga paraan ay umalingawngaw sa Mahler's Fourth... Panlabas na hindi mapagpanggap, klasikal sa hitsura - ang mga prinsipyo ng Viennese symphony ni Haydn at Mozart ay malinaw na nakikita sa loob nito - nagdulot ito ng pinaka-salungat na mga opinyon. Ang ilan ay naniniwala na ang bagong opus ay lumitaw "sa maling panahon," ang iba na ang kompositor ay "tumugon sa makasaysayang tagumpay ng mga taong Sobyet," na ito ay "isang masayang buntong-hininga ng kaginhawahan." Ang symphony ay tinukoy bilang "isang lyric-comedy work, hindi walang mga dramatikong elemento na nagbibigay-diin sa pangunahing linya ng pag-unlad" at bilang isang "tragic-satirical na polyeto."

Ang kompositor, na siyang masining na budhi sa kanyang panahon, ay hindi kailanman nailalarawan ng matahimik na kagalakan at masayang pagtugtog ng mga tunog. At ang Ninth Symphony, kasama ang lahat ng biyaya, liwanag, kahit na panlabas na kinang, ay malayo sa isang komposisyon na walang problema. Ang kanyang kasiyahan ay hindi sa lahat ng simpleng pag-iisip at balanse sa bingit ng katawa-tawa ay intertwined sa drama. Hindi nagkataon na ang konsepto ng symphony, at ang ilan sa mga intonasyon nito, ay nagpapaalala sa atin ng Ikaapat na Symphony ni Mahler.

Hindi maaaring si Shostakovich, na kamakailan lamang nawalan ng kanyang pinakamalapit na kaibigan (namatay si Sollertinsky noong Pebrero 1944), ay hindi bumaling sa paboritong kompositor ng namatay na si Mahler. Ang kahanga-hangang Austrian artist na ito, na gumugol ng kanyang buong buhay, sa pamamagitan ng kanyang sariling kahulugan, ay nagsusulat ng musika sa temang "paano ako magiging masaya kung ang isang buhay na nilalang ay nagdurusa sa isang lugar," nilikha mga musikal na mundo, sa bawat isa kung saan sinubukan niyang paulit-ulit na lutasin ang "mga sinumpaang tanong": bakit nabubuhay ang isang tao, bakit kailangan niyang magdusa, ano ang buhay at kamatayan... Sa pagpasok ng siglo, nilikha niya ang kamangha-manghang Pang-apat, tungkol sa kung saan isinulat niya nang maglaon: "Ito ang inuusig na anak na lalaki na Hanggang ngayon ay nakita ko ang napakakaunting kagalakan... Alam ko na ngayon na ang ganitong uri ng katatawanan, marahil ay naiiba sa pagpapatawa, isang biro o isang masayang kapritso, ay hindi madalas. naiintindihan ng mabuti.” Sa kanyang pag-unawa sa katatawanan, si Mahler ay nagpatuloy mula sa mga turo ng komiks ni Jean-Paul, na itinuturing na katatawanan bilang isang proteksiyon na pagtawa: inililigtas nito ang isang tao mula sa mga kontradiksyon na wala siyang kapangyarihang alisin, mula sa mga trahedyang pumupuno sa kanyang buhay, mula sa kawalan ng pag-asa na hindi maiiwasang bumabalot sa kanya kapag seryoso niyang pinagmamasdan ang kanyang paligid... Ang kawalang-muwang ng Ika-apat ni Mahler ay hindi nagmumula sa kamangmangan, ngunit sa pagnanais na maiwasan ang "mga tanong na sinumpa", ang makuntento sa kung ano ang mayroon tayo, at hindi upang maghanap o humingi ng higit pa. Ang pag-abandona sa kanyang katangian na monumentalidad at drama, si Mahler sa Ika-apat ay lumiliko sa liriko at katawa-tawa, kasama nila ang pagpapahayag ng pangunahing ideya - ang banggaan ng bayani sa isang bulgar, at kung minsan ay kakila-kilabot, mundo.

Ang lahat ng ito ay naging napakalapit kay Shostakovich. Dito ba nagmula ang konsepto niya ng Ninth?

Musika

Unang parte panlabas na simpleng pag-iisip, masayahin at nakapagpapaalaala sa sonata allegro ng mga klasikong Viennese. Ang pangunahing partido ay walang ulap at walang malasakit. Mabilis itong napalitan ng pangalawang tema - isang dancing piccolo flute na tema, na sinasabayan ng pizzicato string chords, timpani at drums. Tila masigla, halos walang kabuluhan, ngunit makinig: mayroong isang malinaw na kapansin-pansing pagkakamag-anak sa loob nito na may tema ng pagsalakay mula sa Ikapito! Sa una, ito rin ay tila isang hindi nakakapinsala, primitive melody. At dito, sa pag-unlad ng Ikasiyam, hindi ito lumilitaw sa lahat ng hindi nakakapinsalang mga tampok! Ang mga tema ay napapailalim sa kataka-takang pagbaluktot, ang motif ng bulgar, kapag ang sikat na polka na "Oira" ay sumalakay. Sa muling pagbabalik, ang pangunahing tema ay hindi na maibabalik sa dati nitong kawalang-ingat, at ang panig na tema ay ganap na wala: ito ay napupunta sa coda, nagtatapos sa bahagi na balintuna, hindi maliwanag.

Ikalawang bahagi- katamtaman ang liriko. Ang clarinet solo ay parang isang malungkot na pagmuni-muni. Ito ay pinalitan ng nasasabik na mga parirala ng mga string - isang pangalawang tema ng sonata form na walang pag-unlad. Sa kabuuan ng piyesa, nangingibabaw ang taos-puso, madamdamin na intonasyon ng romansa;

Kabaligtaran sa kanya scherzo(sa karaniwang kumplikadong tatlong bahagi na anyo para sa bahaging ito) lumilipad tulad ng isang mabilis na ipoipo. Sa una ay walang pakialam, na may walang katapusang pintig ng isang malinaw na ritmo, ang musika ay unti-unting nagbabago at gumagalaw sa isang tunay na pagsasaya ng kilusan ng ipoipo, na humahantong sa malakas na tunog na Largo na pumapasok nang walang patid.

Mga intonasyon ng pagluluksa Largo, at lalo na ang malungkot na monologo ng solong bassoon, na nagambala ng mga tandang ng tanso, nagpapaalala sa trahedya na laging hindi nakikita sa malapit, gaano man kawalang muwang na saya ang naghahari sa ibabaw. Ang ikaapat na bahagi ay laconic - ito ay isang maikling paalala lamang, isang uri ng improvisational na pagpapakilala sa finale.

SA pangwakas naghahari muli ang elemento ng opisyal na kagalakan. Tungkol sa solong bassoon, na, sa nakaraang kilusan, ay tumunog na taos-puso at madamdamin, at ngayon ay nagsisimula ng isang awkwardly dancing theme (ang pangunahing bahagi ng isang sonata form na may mga tampok ng isang rondo), I. Nestyev ay sumulat: "Ang nagniningas na orator, na kakasabi lang ng funeral speech, biglang naging playfully winking, laughing comedian." Higit sa isang beses sa panahon ng finale ang imaheng ito ay bumalik, at sa muling pagbabalik ay hindi na malinaw kung ito ay isang kusang pagdiriwang na lumalabas sa gilid, o isang matagumpay na mekanismo, hindi makatao na puwersa. Sa maximum na volume, ang coda ay tumutunog sa isang motif na halos magkapareho sa tema ng "makalangit na pamumuhay" - ang finale ng Mahler's Fourth Symphony.

Symphony No. 10

Symphony No. 10, E minor, op. 93 (1953)

Komposisyon ng orkestra: 2 flute, piccolo flute, 3 oboes, cor anglais, 2 clarinets, piccolo clarinet, 2 bassoons, contrabassoon, 4 horns, 3 trumpets, 3 trombones, tuba, timpani, triangle, tamburin, snare drum, cymbals, bass drum , tom-tom, xylophone, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Ang Tenth Symphony, isa sa mga pinaka-personal, autobiographical na gawa ni Shostakovich, ay binubuo noong 1953. Ang nauna, ang Ikasiyam, ay nilikha walong taon na ang nakalilipas. Inaasahan ito bilang apotheosis ng tagumpay, ngunit ang nakuha nila ay isang bagay na kakaiba, hindi maliwanag, na nagdulot ng pagkalito at kawalang-kasiyahan sa mga kritiko. At pagkatapos ay nagkaroon ng resolusyon ng partido noong 1948, kung saan kinilala ang musika ni Shostakovich bilang pormal at nakakapinsala. Sinimulan nilang "muling turuan" siya: "ginawa nila siya" sa maraming mga pagpupulong, pinaalis siya mula sa conservatory - pinaniniwalaan na ang isang kumpletong pormalista ay hindi mapagkakatiwalaan sa edukasyon ng mga batang musikero.

Sa loob ng ilang taon ang kompositor ay naging isolated sa kanyang sarili. Upang kumita ng pera, sumulat siya ng musika para sa mga pelikula, pangunahin na niluluwalhati si Stalin. Binubuo niya ang oratorio na "Awit ng mga Kagubatan", ang cantata na "The Sun Shines Over Our Motherland", mga choral na tula batay sa mga tula ng mga rebolusyonaryong makata - mga gawa na dapat na tiyakin sa mga awtoridad ng kanyang ganap na katapatan. Ipinahayag ng kompositor ang kanyang tunay na damdamin sa Violin Concerto, kakaiba sa katapatan, lalim at kagandahan nito. Ang pagpapatupad nito ay imposible sa loob ng maraming taon. Ang vocal cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry" ay isinulat din "sa mesa" - isang akda na ganap na hindi maiisip sa kapaligiran ng opisyal na anti-Semitism na nanaig pagkatapos ng pagsisimula ng "kaso ng mga nakamamatay na doktor", na inspirasyon ng Kremlin, at ang galit na galit na kampanya laban sa kosmopolitanismo.

Ngunit dumating ang Marso 1953. Namatay si Stalin. Ang "Doctors' Case" ay tinapos. Ang mga biktima ng panunupil ay unti-unting nagsimulang bumalik mula sa mga kampo. Nagkaroon ng amoy ng isang bagay na bago, o hindi bababa sa naiiba.

Hindi pa malinaw sa sinuman kung ano ang hinaharap. Ang mga iniisip ni Shostakovich ay malamang na magkasalungat. Sa napakaraming taon ang bansa ay nanirahan sa ilalim ng kakila-kilabot na takong ng isang malupit. Napakaraming patay, napakaraming karahasan laban sa mga kaluluwa...

Ngunit mayroong isang kislap ng pag-asa na ang kakila-kilabot na oras ay tapos na, na ang mga pagbabago para sa mas mahusay ay darating. Hindi ba ito ang tungkol sa musika ng symphony, na isinulat ng kompositor noong tag-araw ng 1953, ang premiere kung saan naganap noong Disyembre 17, 1953 sa Leningrad sa ilalim ng baton ni Mravinsky?

Ang mga pagmumuni-muni sa nakaraan at kasalukuyan, mga usbong ng pag-asa ay nasa simula ng symphony. Ang mga kasunod na bahagi ay maaaring perceived bilang isang pag-unawa sa oras: ang kahila-hilakbot na nakaraan sa pag-asa ng Gulag, at para sa ilan, ang nakaraan sa Gulag mismo (pangalawa); ang kasalukuyan ay isang punto ng pagbabago, hindi pa rin malinaw, nakatayo na parang nasa bingit ng oras (ikatlo); at ang kasalukuyan, tumitingin sa hinaharap na may pag-asa (pangwakas). (Sa interpretasyong ito mayroong isang malayong pagkakatulad sa mga prinsipyo ng komposisyon Ang ikatlong symphony ni Mahler.)

Musika

Unang parte Nagsisimula ito nang malungkot, mahigpit. Ang pangunahing bahagi ay napakahaba, ang mahabang pag-unlad nito ay walang alinlangan na may malungkot na mga intonasyon. Ngunit ang madilim na pag-iisip ay nawala at isang maliwanag na tema ang maingat na lumilitaw, tulad ng unang mahiyaing usbong na umaabot patungo sa araw. Unti-unti, lumilitaw ang ritmo ng isang waltz - hindi ang waltz mismo, ngunit isang pahiwatig nito, tulad ng unang kislap ng pag-asa. Ito ay bahaging bahagi ng sonata form. Ito ay maliit at nawawala, pinalitan ng pag-unlad ng orihinal - malungkot, puno ng mabibigat na pag-iisip at mga dramatikong pagsabog - thematicism. Ang mga damdaming ito ay nangingibabaw sa buong piraso. Sa reprise lamang bumalik ang mahiyain na waltz, at pagkatapos ay nagdudulot ito ng kaunting kaliwanagan.

Ikalawang bahagi- isang scherzo na hindi masyadong tradisyonal para sa Shostakovich. Hindi tulad ng ganap na "masama" na katulad na mga paggalaw sa ilan sa mga nakaraang symphony, naglalaman ito ng hindi lamang isang hindi makataong martsa, kagalakan, at hindi maiiwasang kilusan na nagwawalis sa lahat. Lumilitaw din ang magkasalungat na pwersa - pakikibaka, paglaban. Hindi nagkataon na ang mga obo at clarinet ay kumanta ng isang himig na halos inuulit ang motif mula sa pagpapakilala sa "Boris Godunov" ni Mussorgsky. May mga taong nabubuhay na kailangang magtiis nang husto. Isang matinding labanan ang sumiklab, na kinasasangkutan ng lahat ng tatlong seksyon ng tatlong bahaging scherzo form. Ang hindi kapani-paniwalang pag-igting ng pakikibaka ay humahantong sa simula ng susunod na bahagi.

Ang ikatlong bahagi, na tila misteryoso sa loob ng maraming taon, ay naging lubos na lohikal sa iminungkahing interpretasyon. Ito ay hindi pilosopikal na liriko, hindi pagmuni-muni, gaya ng nakasanayan para sa mabagal na paggalaw ng mga nakaraang symphony. Ang simula nito ay parang isang paraan sa labas ng kaguluhan (ang hugis ng bahagi ay binuo ayon sa scheme A - BAC - A - B - A - A/C[development] - code). Sa unang pagkakataon sa symphony, may lalabas na tema ng autograph, batay sa monogram na D - Es - C - H (ang mga inisyal na D. Sh. sa Latin na transkripsyon). Ito ang kanyang, ang kompositor, mga saloobin sa isang makasaysayang sangang-daan. Ang lahat ay nagbabago, ang lahat ay hindi matatag at hindi malinaw. Ang mga tawag ng mga sungay ay nagpapaalala sa Ikalawang Symphony ni Mahler. Doon ay may komento ang may-akda na "Ang tinig ng isang umiiyak sa ilang." Di ba ganun din dito? Ito ba ang mga trumpeta ng Huling Paghuhukom? Sa anumang kaso, ito ay ang hininga ng isang punto ng pagbabago. Isang tanong ng mga tanong. Ang mga dramatikong pagsabog at pag-alala ng hindi makatao na kilusan ay hindi sinasadya. At ang tema-monogram, ang tema-autograph ay tumatakbo sa lahat. Siya, si Shostakovich, na muling nabuhay, muling nag-iisip kung ano ang dati niyang naranasan. Ang bahagi ay nagtatapos sa isang malungkot, biglaang pag-uulit ng D-Es - C - H, D - Es - C - H...

Ang final Nagsisimula din ito nang hindi kinaugalian - na may malalim na pag-iisip. Ang mga monologue ng solong mga instrumento ng hangin ay pinapalitan ang bawat isa. Unti-unti, sa loob ng mabagal na pagpapakilala, ang hinaharap na tema ng finale ay nabuo. Sa una ay parang nagtatanong at hindi sigurado. Ngunit sa wakas, siya, na naging masigasig, ay dumating sa kanyang sarili - tulad ng isang positibong konklusyon pagkatapos ng mahabang pagdududa. Maaari pa rin itong mabuti. "Ang isang malayong signal ng trumpeta ay nagbibigay ng pangunahing tema ng finale, mahangin, magaan, matulin, bumubulong tulad ng masayang mga sapa ng tagsibol" (G. Orlov). Ang masiglang tema ng motor ay unti-unting nagiging impersonal ang gilid na bahagi ay hindi kabaligtaran dito, ngunit nagpapatuloy sa pangkalahatang daloy, nakakakuha ng higit na kapangyarihan sa pag-unlad. Ang thematicism ng scherzo ay hinabi dito. Nagtatapos ang lahat sa climax. Pagkatapos ng pangkalahatang paghinto, maririnig ang tema ng autograph. Ito ay hindi na umalis: ito ay tumutunog pagkatapos ng muling pagbabalik - ito ay nagiging mapagpasyahan at nanalo sa coda.

Symphony No. 11

Symphony No. 11, G minor, op. 93, "1905" (1957)

Komposisyon ng orkestra: 3 flute, piccolo, 3 oboes, cor anglais, 3 clarinets, bass clarinet, 3 bassoons, contrabassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombone, tuba, timpani, triangle, snare drum, cymbals, bass drum , tom- tom, xylophone, celesta, kampana, alpa (2–4), mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Noong 1956, naganap ang 20th Congress of the Communist Party, na naghari sa bansa. Sa kongresong ito, tinalakay sa unang pagkakataon ang mga krimen ni Stalin. Tila ngayon magbabago ang buhay. May hininga ng kalayaan, kahit na napaka-kamag-anak pa rin. Nagbago din ang saloobin sa trabaho ni Shostakovich. Dati hinatulan, itinuturing na haligi ng anti-folk art - pormalismo, ngayon ay hindi gaanong pinupuna. Mayroong kahit isang artikulo na hindi maiisip ilang taon na ang nakalilipas. Ang kilalang musicologist na si I. Nestyev ay sumulat: "Sa nakalipas na mga taon, kami ay nagkaroon ng kakaunti, petiburges na pag-unawa sa gawain ni D. Shostakovich... Ang kahabag-habag na pamamaraan ayon sa kung saan ginugol ni Shostakovich ang kanyang buong buhay sa "muling pagtatayo" tulad ng isang sundalo sa Ang pagsasanay ay mukhang hindi kapani-paniwala: ayon sa pamamaraang ito, lumabas na ang kompositor ay unang nahulog sa pormalismo ("The Nose", Pangalawa at Ikatlong Symphony), pagkatapos ay "itinayong muli" (Fifth Symphony), pagkatapos ay nahulog muli sa pormalismo (Eighth Symphony) at muli "muling itinayong" ("Awit ng mga Kagubatan"). Inaasahan na ng ilang kalaban ng Tenth Symphony at ng Violin Concerto ang panibagong pag-uulit ng nakagawiang cycle, na nagpapaalala sa temperature curve ng tropical malaria...” Buti na lang at tapos na ang mga panahong ito. Gayunpaman, ang pagsusulat ng lahat ng nasa iyong puso nang hayagan at direktang pagpapahayag ng iyong opinyon ay mapanganib pa rin. At ang mga gawang "na may double bottom" ay patuloy na lumabas, na may subtext na maiintindihan ng lahat nang iba.

1957 ay darating - ang ikaapatnapung anibersaryo kapangyarihan ng Sobyet, na kailangang ipagdiwang nang maringal at mataimtim. Tulad ng dati, inihanda ng opisyal na sining ang mga regalo nito para sa anibersaryo: mga gawa na niluwalhati ang rehimen, niluluwalhati ang CPSU - "ang puwersang gumagabay at nagtuturo." Hindi mapigilan ni Shostakovich na tumugon sa petsang ito: sa kabila ng lahat ng mga pagbabago sa patakaran sa loob ng bansa, hindi siya mapapatawad para dito. At lumitaw ang isang kakaibang symphony. Ang pagkakaroon ng subtitle ng programa na "1905", ito ay nilikha noong 1957. Pormal na isinulat para sa ikaapatnapung anibersaryo ng kapangyarihan ng Sobyet, ito ay nakatuon, kahit na ganap na alinsunod sa pamagat ng programa, sa anumang paraan sa pagluwalhati ng "Great October". Tinutugunan ni Shostakovich ang parehong paksa na palaging nag-aalala sa kanya. Pagkatao at kapangyarihan. Tao at ang mga pwersang kontra-tao na sumasalungat sa kanya. Kalungkutan para sa mga inosenteng patay. Ngunit ngayon, kapwa alinsunod sa plano ng programa at sa ilalim ng impluwensya ng panahon, o sa halip, dahil ang oras mismo ang nagbigay inspirasyon sa gayong plano, ang symphony ay humihiling ng kontraaksyon, para sa paglaban sa mga puwersa ng kasamaan.

Ginanap sa Moscow noong Oktubre 30, 1957 sa ilalim ng baton ni Nathan Rakhlin, ang symphony, sa unang pagkakataon mula noong Una, ay pumukaw ng nagkakaisang kritikal na pag-apruba. Ngunit, tila, hindi nagkataon lamang na narinig ng mga dayuhang kritiko ang kaluskos ng mga machine gun, ang dagundong ng mga kanyon... Hindi ito nangyari sa Palace Square noong Enero 9, 1905, ngunit ito ay nangyari kamakailan lamang sa Hungary, kung saan sa 1956 "Ibinalik ng mga tropang Sobyet ang kaayusan", pinipigilan ang udyok ng mga mamamayang Hungarian tungo sa kalayaan. At ang nilalaman ng symphony, gaya ng lagi kay Shostakovich, ay naging - ito ba ay walang malay? - mas malawak kaysa sa inihayag na opisyal na programa at, gaya ng nakasanayan, malalim na moderno (lalo na, ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na mananaliksik ng gawa ng mahusay na kompositor, si Genrikh Orlov, ay nagsusulat tungkol dito).

Ang apat na galaw ng symphony ay sunod-sunod nang walang pagkaantala, bawat isa ay may programmatic na subtitle. Ang unang bahagi ay "Palace Square". Ang sound picture na nilikha ni Shostakovich ay kahanga-hanga. Ito ay isang patay at walang kaluluwa, lungsod na pag-aari ng estado. Ngunit ito ay hindi lamang Palace Square, gaya ng sinasabi ng programa sa nakikinig. Ito ang buong napakalaking bansa kung saan ang kalayaan ay sinasakal, buhay at pag-iisip ay inaapi, niyurakan dignidad ng tao. Ang ikalawang bahagi ay "Ang Ikasiyam ng Enero". Ang musika ay naglalarawan ng isang tanyag na prusisyon, mga panalangin, mga panaghoy, isang kakila-kilabot na masaker... Ang ikatlong bahagi - "Eternal Memory" - isang requiem para sa mga patay. Ang finale - "Alarm" - ay isang larawan ng popular na galit. Sa kauna-unahang pagkakataon sa isang symphony, malawakang ginagamit ni Shostakovich ang materyal ng panipi, na nagtatayo dito ng isang monumental na symphonic canvas. Ito ay batay sa mga rebolusyonaryong kanta.

Musika

Unang parte ay batay sa mga kantang "Listen" at "Prisoner", na sa proseso ng pag-unlad ay itinuturing na pangunahing at pangalawang tema ng sonata form. Gayunpaman, ang sonata dito ay may kondisyon. Nahanap ng mga mananaliksik sa unang bahagi ang mga tampok ng isang concentric na hugis (A - B - C - B - A). Sa mga tuntunin ng papel nito sa loob ng cycle, ito ay isang prologue na lumilikha ng setting ng eksena ng aksyon. Bago pa man lumitaw ang tema ng kanta, ang mga nakakadena, nakakatakot na manhid na mga tunog ay lumikha ng isang imahe ng pagsupil, ng buhay sa ilalim ng pang-aapi. Laban sa hindi matatag na background ang isa ay maaaring marinig ang alinman sa simbahan chants o mapurol bell strike. Sa pamamagitan ng nakamamatay na musikang ito ang himig ng kantang "Makinig!" (Tulad ng usapin ng pagtataksil, tulad ng budhi ng isang malupit / Ang gabi ng taglagas ay madilim. / Mas madilim kaysa sa gabing iyon ang isang bilangguan ay bumangon mula sa hamog na ulap / Isang madilim na pangitain.) Ito ay dumaan nang maraming beses, nahati, nahahati sa magkahiwalay na maikling motibo, ayon sa mga batas ng pagbuo ng sariling symphonic na tema ng kompositor. Pinalitan ito ng himig ng kantang “Prisoner” (The night is dark, seize the minutes). Ang parehong mga tema ay paulit-ulit na hinahabol, ngunit ang lahat ay napapailalim sa orihinal na imahe - panunupil, pang-aapi.

Ikalawang bahagi nagiging larangan ng digmaan. Ang dalawang pangunahing tema nito ay mga himig mula sa mga tula ng koro na isinulat ni Shostakovich ilang mas maaga sa mga teksto ng mga rebolusyonaryong makata - "Enero 9" (Goy, ikaw, Tsar, aming Ama!) at ang malupit, choral chant na "Hubad ang iyong mga ulo!" Ang kilusan ay binubuo ng dalawang magkaibang mga yugto, maliwanag sa kanilang konkretong visibility - ang "eksena ng prusisyon" at ang "eksena ng pagpapatupad" (tulad ng karaniwang tawag sa mga ito sa panitikan tungkol sa symphony na ito).

Ang ikatlong bahagi- Ang "Eternal Memory" ay mabagal, malungkot, ay nagsisimula sa kantang "Nahulog ka bilang biktima" sa popa, sinusukat na ritmo ng isang prusisyon ng libing, sa isang partikular na nagpapahayag na timbre ng mga violas na may mga mute. Pagkatapos ang mga himig ng mga kantang "Glorious Sea, Sacred Baikal" at "Bravely, comrades, keep up" ay tunog. Sa gitnang seksyon ng kumplikadong tatlong bahagi na anyo, ang mas magaan na tema na "Kumusta, malayang pananalita" ay lilitaw. Ang isang malawak na paggalaw ay humahantong sa isang kasukdulan, kung saan ang motif na "Bare your heads" mula sa nakaraang paggalaw ay lilitaw, tulad ng isang tawag. Ang isang pagbabagong punto ay nangyayari sa pag-unlad, na humahantong sa isang mabilis na pagtatapos, tulad ng isang bagyo na tinatangay ang lahat.

Ikaapat na bahagi- Ang "Alarm", na nakasulat sa libreng anyo, ay nagsisimula sa mapagpasyang parirala ng kantang "Rage, tyrants." Laban sa background ng mabagyo na paggalaw ng mga string at woodwinds, matutulis na drum beats, ang melodies ng parehong unang kanta at ang susunod na isa ay nagmamadali ng - "Matapang, mga kasama, sa hakbang." Naabot na ang kasukdulan, kung saan, tulad ng sa nakaraang bahagi, ang motibo na "Bare your heads" ay tumunog. Ang gitnang seksyon ay pinangungunahan ng "Varshavyanka," na sinamahan ng isang maligaya, maliwanag na himig mula sa operetta ni Sviridov na "Ogonki," na intonasyon ay katulad ng mga tema ng "Varshavyanka" at "Matapang, mga kasama, sa hakbang." Sa coda ng finale, ang malalakas na tunog ng alarm bell ay nagpapalabas ng temang "Hoy, ikaw, hari, aming ama!" at "Hubad ang iyong mga ulo!", tunog menacing at affirming.

Symphony No. 12

Symphony No. 12, D minor, op. 112, "1917" (1961)

Komposisyon ng orkestra: 3 flute, piccolo flute, 3 oboes, 3 clarinets, 3 bassoons, contrabassoon, 4 horns, 3 trumpets, 3 trombones, tuba, timpani, triangle, snare drum, cymbals, bass drum, tom-tom, strings.

Kasaysayan ng paglikha

Noong Setyembre 29, 1960, nagsasalita sa magazine ng radyo na "Musical Life of the Russian Federation," nagsalita si Shostakovich tungkol sa kanyang bagong symphony, na nakatuon sa imahe ni Lenin. Ayon sa kompositor, ang kanyang ideya ay lumitaw maraming taon na ang nakalilipas. Noong 1930s, lumabas ang mga ulat sa pahayagan na si Shostakovich ay nagtatrabaho sa Lenin Symphony. Ito ay dapat na gumamit ng mga tula ni Mayakovsky. Ngunit pagkatapos, sa halip na ang programmatic na ito, ang Sixth ay lumitaw.

Ang makinang na kompositor ay ganap na taos-puso. Siya ay isang tao sa kanyang panahon, isang namamana na intelektuwal, pinalaki ang mga ideya ng kalayaan, pagkakapantay-pantay, at kapatiran ng lahat ng tao. Ang mga islogan na ipinahayag ng mga komunista ay hindi maiwasang maakit siya. Sa mga taong iyon, ang pangalan ni Lenin ay hindi pa nauugnay sa mga krimen ng mga awtoridad - sila ay ipinaliwanag nang tumpak sa pamamagitan ng mga paglihis mula sa linya ng Leninist, ng "kulto ng personalidad" ni Stalin. At si Shostakovich, marahil, ay talagang hinahangad na isama ang imahe ng "pinuno ng pandaigdigang proletaryado." Ngunit... hindi natuloy ang gawain. Ipinapahiwatig nito kung gaano ipinakita ang artistikong kalikasan, bilang karagdagan sa mga malay na hangarin: para kay Shostakovich, isang hindi maunahang master ng anyo, na nagawang lumikha ng mga canvases na napakalaki ang haba na hindi iniwan ang tagapakinig na walang malasakit sa isang sandali, ang symphony na ito ay tila iginuhit. . Ngunit isa ito sa pinakamaikli ng kompositor. Para bang ang karaniwang makikinang na kasanayan ng kanyang sining ay nagtaksil sa Guro dito. Halata rin ang kababawan ng musika. Ito ay hindi para sa wala na ang trabaho ay tila cinematic sa marami, iyon ay, naglalarawan. Dapat isipin ng isang tao na ang kompositor mismo ay naunawaan na ang simponya ay hindi naging ganap na "Leninista," ibig sabihin, tiyak na kinakatawan ang imaheng ito tulad ng ipinakita ng opisyal na propaganda. Iyon ang dahilan kung bakit ang pangalan nito ay hindi "Lenin", ngunit "1917".

Noong kalagitnaan ng dekada 90, pagkatapos ng pagbagsak ng rehimeng komunista, lumitaw ang iba pang mga pananaw sa Twelfth Symphony. Kaya, ang Japanese researcher ng akda ni Shostakovich na si Fumigo Hitotsunayagi ay naniniwala na ang isa sa mga nangungunang motif ng symphony ay naglalaman ng mga inisyal ng I.V. Tinukoy ng kompositor na si Gennady Banshchikov na "ilang magkakasunod na code, ganap na magkapareho sa kahulugan, ngunit naiiba sa musika, sa finale ng symphony ay hindi malilimutang walang katapusang mga party congresses. Ito ay kung paano ko ipaliwanag ang dramaturgy sa aking sarili.<…>dahil kung hindi ito ay ganap na imposibleng maunawaan ito. Dahil para sa normal na lohika ito ay ganap na kahangalan."

Nakumpleto ang symphony noong 1961 at unang ginanap noong Oktubre 15 ng parehong taon sa Moscow sa ilalim ng baton ni K. Ivanov.

Musika

Ang apat na galaw ng symphony ay may mga programmatic na subtitle.

Unang parte- "Rebolusyonaryong Petrograd" - nagsisimula nang taimtim at mahigpit. Pagkatapos ng maikling pagpapakilala, sumunod ang isang sonata allegro na puno ng nagngangalit na enerhiya. Ang pangunahing bahagi ay nakasulat sa karakter ng isang dynamic, masiglang martsa, ang side chant ay magaan. Ang mga motif ng mga rebolusyonaryong kanta ay binuo. Ang pagtatapos ng kilusan ay umaalingawngaw sa simula - ang mga marilag na chord ng pagpapakilala ay lilitaw muli. Ang sonority ay unti-unting humihina, katahimikan at konsentrasyon.

Ikalawang bahagi- "Spill" - isang musical landscape. Ang mahinahon, hindi nagmamadaling paggalaw ng mababang mga kuwerdas ay humahantong sa hitsura ng isang melody-monologue ng mga biyolin. Ang solo clarinet ay nagdudulot ng mga bagong kulay. Sa gitnang seksyon ng kilusan (ang anyo nito ay pinagsasama ang mga palatandaan ng isang kumplikadong tripartite at mga pagkakaiba-iba), lumilitaw ang mga magaan na melodies ng plauta at clarinet, na nagbibigay ng isang ugnayan ng pastoralism. Unti-unting lumakapal ang kulay. Ang rurok ng kilusan ay ang trombone solo.

Ang ikatlong bahagi nakatuon sa mga kaganapan sa di-malilimutang gabi ng Oktubre. Ang mapurol na mga kumpas ng timpani ay tumutunog nang maingat at nakababahala. Ang mga ito ay pinalitan ng matalim na maindayog na pizzicato string, ang sonority ay tumataas at bumababa muli. Sa tema, ang bahaging ito ay konektado sa mga nauna: ginamit muna nito ang motif mula sa gitnang seksyon ng "Razliv", pagkatapos ay lilitaw sa pagpapalaki, sa malakas na tunog ng mga trombone at tuba, na pagkatapos ay pinagsama ng iba pang mga instrumento, isang tema sa gilid. ng "Rebolusyonaryong Petrograd". Ang pangkalahatang paghantong ng buong symphony ay ang pagbaril ng "Aurora" - isang dumadagundong na drum solo. Sa reprise ng tatlong-bahaging anyo, ang parehong mga temang ito ay maririnig nang sabay-sabay.

Pangwakas ng symphony- "Ang Liwayway ng Sangkatauhan." Ang anyo nito, libre at hindi pumapayag sa hindi malabo na interpretasyon, ay itinuturing ng ilang mga mananaliksik bilang dobleng pagkakaiba-iba na may isang coda. Ang pangunahing tema, isang solemne fanfare, ay nakapagpapaalaala sa mga katulad na melodies mula sa mga pelikula na may musika ni Shostakovich, tulad ng "The Fall of Berlin," na niluluwalhati ang tagumpay, ang pinuno. Ang pangalawang tema ay mala-waltz, sa malinaw na tunog ng mga kuwerdas, na nagpapaalala sa mga marupok na larawan ng kabataan. Ngunit ang balangkas nito ay malapit sa isa sa mga tema ng "Spill," na lumilikha ng matalinghagang pagkakaisa. Ang symphony ay nagtatapos sa isang matagumpay na apotheosis.

Itinuturing ni M. Sabinina ang buong cycle bilang isang napakalaking pinalawak na tatlong-bahaging anyo, kung saan ang gitna, magkakaibang seksyon ay "Spill," at ang ikatlong bahagi ay nagsisilbing isang link na humahantong sa reprise at coda sa "The Dawn of Humanity."

Symphony No. 13

Symphony No. 13, B-flat minor, op. 113 (1962)

Gumaganap: 2 plauta, piccolo, 3 obo, cor anglais, 3 clarinet, piccolo clarinet, bass clarinet, 2 bassoons, contrabassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombones, tuba, timpani, triangle, castanets, tamburin , wooden block, silo tambol, latigo, simbal, bass drum, tom-tom, kampana, kampana, saylopono, 4 na alpa, piano, mga kuwerdas (kabilang ang limang-kuwerdas na double bass); boses: bass solo, bass choir.

Kasaysayan ng paglikha

Noong kalagitnaan ng 50s, naganap ang mga dramatikong pagbabago sa USSR. Sa XX at XXII na mga Kongreso ng naghaharing Partido Komunista, opisyal na kinondena ang kulto ng personalidad ni Stalin, ang maniniil na humawak sa isang malaking bansa sa manhid na takot sa loob ng ilang dekada. Nagsimula ang isang panahon na, ayon sa angkop na simbolikong pamagat ng kuwento ni I. Ehrenburg, ay nagsimulang tawaging Thaw. Ang mga creative intelligentsia ay yumakap sa pagkakataong ito nang may sigasig. Tila posible na sa wakas na isulat ang tungkol sa lahat ng masakit, na humadlang sa pamumuhay. At ang pangkalahatang pagtuligsa ay nakialam din: sinabi nila na kung magtipon ang tatlong tao, ang isa sa kanila ay tiyak na magiging isang seksot - isang lihim na empleyado ng lihim na pulis ng Sobyet; at ang sitwasyon ng mga kababaihan na "pinalaya" sa isang lawak na natagpuan nila ang kanilang mga sarili na nagtatrabaho sa pinakamahihirap na trabaho - sa mga bukid, sa paggawa ng kalsada, sa mga makina, at pagkatapos ng isang mahirap na araw ng trabaho kailangan nilang tumayo sa walang katapusang mga pila. sa mga tindahan para makakuha ng maipapakain sa pamilya. At ang isa pang masakit na punto ay ang anti-Semitism, na patakaran ng estado sa mga huling taon ng buhay ni Stalin. Ang lahat ng ito ay hindi maiwasang mag-alala kay Shostakovich, na palaging tumutugon nang lubos sa mga pangyayari noong panahong iyon.

Ang ideya para sa symphony ay nagsimula noong tagsibol ng 1962. Naakit ang kompositor ng mga tula ni Evg. Yevtushenko, na nakatuon sa trahedya ng Babyn Yar. Ito ay noong Setyembre 1941. Sinakop ng mga pasistang tropa ang Kyiv. Pagkalipas ng ilang araw, sa ilalim ng pagkukunwari ng paglikas, ang lahat ng mga Hudyo ng lungsod ay natipon sa labas nito, malapit sa isang malaking bangin na tinatawag na Babi Yar. Sa unang araw, tatlumpung libong tao ang binaril. Ang iba ay naghintay ng kanilang pagkakataon. Sa ilang sunod-sunod na araw, nakarinig ng putok ng machine-gun ang mga kalapit na residente. Pagkalipas ng dalawang taon, nang dumating ang oras na umatras mula sa nabihag na lupain, sinimulang sirain ng mga Nazi ang mga bakas ng krimen. Naghukay ng malalaking kanal sa bangin, kung saan itinapon ang mga bangkay sa mga salansan ng ilang hanay. Gumagana ang mga buldoser, daan-daang bilanggo ang gumagawa ng malalaking hurno kung saan sinunog ang mga bangkay. Alam ng mga bilanggo na darating ang kanilang pagkakataon: ang kanilang nakita ay napakahirap para sa kanila na payagang mabuhay. Ang ilan ay nagpasya sa isang desperadong matapang na pagtakas. Sa ilang daang tao, apat o lima ang nakatakas. Sinabi nila sa mundo ang tungkol sa mga kakila-kilabot ng Babyn Yar. Ang mga tula ni Yevtushenko ay tungkol dito.

Sa una, nilayon ng kompositor na magsulat ng isang vocal-symphonic na tula. Pagkatapos ay dumating ang desisyon na palawakin ang saklaw ng gawain sa isang five-movement symphony. Ang mga sumusunod na bahagi, na isinulat din sa mga tula ni Yevtushenko, ay "Humor", "In the Store", "Fears" at "Career". Sa kauna-unahang pagkakataon sa isang symphony, hinahangad ng kompositor na ipahayag ang kanyang ideya nang ganap na partikular, hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa mga salita. Ang symphony ay nilikha noong tag-araw ng 1962. Ang unang pagtatanghal nito ay naganap sa Moscow noong Disyembre 18, 1962 sa ilalim ng baton ni Kirill Kondrashin.

Ang karagdagang kapalaran ng symphony ay mahirap. Ang mga panahon ay nagbabago, ang rurok ng "pagtunaw" ay nasa likuran na namin. Inakala ng mga awtoridad na sobra-sobra na ang kanilang ibinigay na kalayaan sa mga tao. Nagsimula ang gumagapang na pagpapanumbalik ng Stalinismo, at muling nabuhay ang anti-Semitism ng estado. At siyempre, ang unang bahagi ay nagdulot ng sama ng loob ng matataas na opisyal. Inalok si Shostakovich na palitan ang ilan sa mga pinakamakapangyarihang linya ng Babi Yar. Kaya, sa halip na mga linya

Sa palagay ko ngayon ako ay isang Hudyo,
Narito ako ay gumagala sa sinaunang Ehipto,
Ngunit narito ako sa krus, ipinako sa krus, namamatay,
At mayroon pa akong mga marka ng kuko sa akin ...

ang makata ay kailangang mag-alok sa iba, mas "mas malambot":

Nakatayo ako dito, na parang nasa bukal,
Binibigyan ako ng pananampalataya sa ating kapatiran.
Dito nagsisinungaling ang mga Ruso at Ukrainiano,
Nakahiga sila sa mga Hudyo sa parehong lupain...

Napalitan din ang isa pang matulis na lugar. Sa halip na mga linya

At ako mismo ay parang patuloy na tahimik na hiyaw
Higit sa libu-libong inilibing,
Ako ang bawat matandang lalaki dito na binaril,
Ako ang bawat pinatay na bata dito...

lumitaw ang sumusunod:

Iniisip ko ang tagumpay ng Russia,
Hinarang ng pasismo ang daan.
Hanggang sa pinakamaliit na patak ng hamog
Malapit sa akin sa lahat ng aking kakanyahan at tadhana.

Ngunit sa kabila ng mga pagbabagong ito, ang symphony ay patuloy na pumukaw ng hinala mula sa mga awtoridad. Sa loob ng maraming taon pagkatapos ng premiere ay hindi ito pinahintulutang maisagawa. Sa ating panahon lamang nawala ang puwersa ng unspoken ban.

Musika

Unang parte- Ang "Babi Yar" ay puno ng trahedya. Ito ay isang requiem para sa mga patay. Ang malungkot na mga tunog sa loob nito ay napalitan ng malawak na awit, ang malalim na kalungkutan ay sinamahan ng mga kalunos-lunos. Ang pangunahing tema-simbulo ay paulit-ulit na inuulit sa "mga junction" ng mga yugto, kapag ang pagsasalaysay ng tagapagsalaysay ay nagbibigay-daan sa pagpapakita ng matingkad na mga konkretong larawan: ang masaker kay Dreyfus, ang batang lalaki sa Bialystok, si Anne Frank... Ang musikal na salaysay ay lumaganap sa naaayon sa lohika ng tekstong patula. Ang karaniwang mga pattern ng symphonic na pag-iisip ay pinagsama sa vocal at operatic na pag-iisip. Ang mga tampok ng sonata form ay maaaring masubaybayan, ngunit implicitly - sila ay nasa wave-like development, sa mga kaibahan ng exposition ng mga imahe at isang tiyak, medyo nagsasalita, developmental section (ilang mga mananaliksik ay binibigyang kahulugan ang unang paggalaw bilang isang rondo na may tatlong magkakaibang yugto). Ang kapansin-pansing resulta ng bahagi ay ang mga salitang may impit na sinalungguhitan ng musika:

Walang dugong Judio sa aking dugo,
Ngunit kinasusuklaman na may kalyo na malisya
Ako ay tulad ng isang Hudyo sa lahat ng mga anti-Semite,
At iyon ang dahilan kung bakit ako ay isang tunay na Ruso!

Ikalawang bahagi- Ang "katatawanan" ay mapanukso, puno ng ebullient energy. Ito ay ang papuri ng katatawanan, ang flagellant ng mga bisyo ng tao. Ang mga larawan nina Till Eulenspiegel, Russian buffoons, at Hadji Nasreddin ay nabuhay dito.

Nangibabaw ang medyo mabigat na scherzo, grotesqueness, sarcasm, at buffoonery. Ang kahusayan ni Shostakovich sa orkestra ay nahayag sa lahat ng kinang nito: ang mga solemne na chord ng tutti - at ang "nakangiting" melody ng piccolo clarinet, ang pabagu-bagong sirang melody ng solo violin - at ang nagbabantang pagkakaisa ng bass male choir at tuba; isang ostinato motif ng isang cor anglais na may alpa, na lumilikha ng isang "malibog" na background kung saan ginagaya ng mga woodwinds ang isang buong orkestra ng mga tubo - isang eksena ng katutubong buffoon. Ang gitnang yugto (sa bahagi ay maaaring masubaybayan ang mga tampok ng isang rondo sonata) ay batay sa musika ng pag-iibigan na "MacPherson bago siya bitay" na may isang nagbabantang prusisyon patungo sa lugar ng pagbitay, ang nagbabala na ritmo ng timpani, at mga senyales ng militar mga instrumentong tanso, tremolo at trills ng kahoy at string. Ang lahat ng ito ay walang pag-aalinlangan tungkol sa kung anong uri ng katatawanan ang pinag-uusapan natin. Ngunit ang tunay na katutubong katatawanan ay hindi maaaring patayin: ang walang malasakit na motibo ng mga plauta at clarinet ay tila nakaalis mula sa ilalim ng isang nakakatakot na pang-aapi at nananatiling hindi natatalo.

Ang ikatlong bahagi, na nakatuon sa mga babaeng Ruso, ay isang klasikong mabagal na paggalaw ng simponya na may dahan-dahang paglalahad ng himig, puro, puno ng maharlika, at kung minsan ay nakakaawa pa. Binubuo ito ng mga monologong vocal-instrumental na may libreng pag-unlad, depende sa lohika ng tekstong patula (nahanap din dito ni M. Sabinina ang mga tampok ng isang rondo). Ang pangunahing katangian ng tunog ay napaliwanagan, liriko, na may pamamayani ng violin timbre. Minsan lumilitaw ang isang imahe ng isang prusisyon, na kung saan ay naka-frame sa pamamagitan ng mga tuyong tunog ng mga castanets at isang latigo.

Ikaapat na bahagi muli mabagal, na may mga tampok ng isang rondo at iba't-ibang couplets. Para bang ang karaniwang liriko-pilosopikal na estado ni Shostakovich ay "stratified." Dito, sa "Mga Takot," mayroong lalim ng pag-iisip, konsentrasyon. Ang simula ay nasa hindi matatag na sonority, kung saan ang mapurol na tremolo ng timpani ay nakapatong sa mababa, halos hindi maririnig na mga nota ng mga string. Sa kakaibang paos na timbre ng tuba, lumilitaw ang isang anggular na tema - isang simbolo ng takot na nakakubli sa mga anino. Sinasagot siya ng salmo ng koro: "Ang mga takot ay namamatay sa Russia ..." Sinamahan ng koro, sa mga instrumental na yugto - kalunus-lunos na mga himig ng sungay, nakababahala na trumpeta fanfare, rustling string. Ang karakter ng musika ay unti-unting nagbabago - ang madilim na mga eksena ay nawala, at isang maliwanag na himig ng mga violas ang lumilitaw, na nakapagpapaalaala sa isang masayang awit ng martsa.

Pangwakas ng symphony- Ang "Career" ay isang lyrical-comedy rondo. Sinasabi nito ang tungkol sa mga kabalyero sa karera at mga tunay na kabalyero. Ang mga vocal stanza ay tunog nakakatawa, at ang mga instrumental na yugto na humalili sa mga ito ay puno ng liriko, biyaya, at kung minsan ay pastoral. Ang lyrical melody ay dumadaloy nang malawak sa buong coda. Ang mga kristal na tints ng celesta ring, ang mga kampana ay nanginginig, na parang maliwanag, nakakaakit na mga distansya ay nagbubukas.

Symphony No. 14

Symphony No. 14, op. 135 (1969)

Mga performer: castanets, wooden block, 3 tomtoms (soprano, alto, tenor), whips, bells, vibraphone, xylophone, celesta, strings; soprano solo, bass solo.

Kasaysayan ng paglikha

Matagal nang naisip ni Shostakovich ang tungkol sa mga tanong ng buhay at kamatayan, ang kahulugan ng pag-iral ng tao at ang hindi maiiwasang wakas nito - kahit na sa mga taong iyon noong bata pa siya at puno ng lakas. Kaya noong 1969 ay bumaling siya sa paksa ng kamatayan. Hindi lamang ang katapusan ng buhay, ngunit isang marahas, napaaga, trahedya na kamatayan.

Noong Pebrero 1944, nang makatanggap ng balita ng biglaang, sa kasaganaan ng buhay, ang pagkamatay ng kanyang pinakamalapit na kaibigan na si I. Sollertinsky, sumulat ang kompositor sa kanyang balo: "Nag-usap kami ni Ivan Ivanovich tungkol sa lahat. Pinag-usapan din nila ang hindi maiiwasang naghihintay sa atin sa katapusan ng buhay, iyon ay, kamatayan. Pareho kaming natatakot sa kanya at ayaw sa kanya. Mahal namin ang buhay, ngunit alam namin na... kailangan naming maghiwalay dito..."

Pagkatapos, sa kakila-kilabot na thirties, tiyak na pinag-usapan nila maagang pagkamatay. Kung tutuusin, sabay-sabay silang nagbigay ng kanilang pangako na alagaan ang kanilang mga kamag-anak - hindi lamang mga anak at asawa, kundi pati na rin ang mga ina. Ang kamatayan ay lumakad sa malapit sa lahat ng oras, dinala ang mga mahal sa buhay at kaibigan, maaaring kumatok sa kanilang mga bahay... Marahil sa bahagi ng symphony na "Oh, Delvig, Delvig", ang isa lamang kung saan hindi natin pinag-uusapan ang tungkol sa karahasan, ngunit pa rin kaya napaaga, hindi patas sa pagkamatay ng talento, naaalala ni Shostakovich ang kanyang hindi napapanahong umalis na kaibigan, ang pag-iisip kung kanino, ayon sa patotoo ng mga kamag-anak ng kompositor, ay hindi siya iniwan hanggang sa huling oras. "Oh, Delvig, Delvig, napakaaga..." "Talent has its delight among villains and fools..." - ang mga salitang ito ay sumasalamin sa hindi malilimutang 66th sonnet ni Shakespeare, na nakatuon sa kanyang minamahal na kaibigan. Ngunit ang konklusyon ngayon ay mas maliwanag: "Kaya ang aming unyon, malaya, masaya at mapagmataas, ay hindi mamamatay..."

Ang symphony ay nilikha sa ospital. Ang kompositor ay gumugol ng higit sa isang buwan doon, mula Enero 13 hanggang Pebrero 22. Ito ay isang "pinaplanong kaganapan" - ang kondisyon ng kalusugan ng kompositor ay nangangailangan ng isang pana-panahong paulit-ulit na kurso ng paggamot sa isang ospital, at si Shostakovich ay pumunta doon nang mahinahon, na nag-stock ng lahat ng kailangan niya - papel ng musika, mga notebook, isang stand ng pagsusulat. Nagtrabaho ako nang maayos at mahinahon sa pag-iisa. Matapos makalabas sa ospital, ibinigay ng kompositor ang ganap na natapos na symphony para sa liham at pag-aaral. Ang premiere ay naganap sa Leningrad noong Setyembre 29, 1969 at naulit sa Moscow noong Oktubre 6. Ang mga gumanap ay sina G. Vishnevskaya, M. Reshetin at ang Moscow Chamber Orchestra na isinagawa ni R. Barshai. Inialay ni Shostakovich ang ikalabing-apat na symphony kay B. Britten.

Ito ay isang kamangha-manghang symphony - para sa soprano, bass at chamber orchestra batay sa mga tula nina Federico García Lorca, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Küchelbecker at Rainer Maria Rilke. Labing-isang paggalaw - labing-isang eksena sa symphony: isang mayaman, multifaceted at nababagong mundo. Maalinsangan Andalusia, tavern; isang malungkot na bato sa isang liko ng Rhine; selda ng bilangguan sa Pransya; Petersburg ni Pushkin; mga kanal kung saan sumipol ang mga bala... Ang mga bayani ay magkakaibang - Lorelei, ang obispo, mga kabalyero, isang pagpapakamatay, ang mga Cossacks, isang babaeng nawalan ng kasintahan, isang bilanggo, si Kamatayan. Pangkalahatang kalooban musika - malungkot, mula sa pinigilan at puro hanggang sa frantically, frantically tragic. Ang kakanyahan nito ay isang protesta laban sa lahat ng bagay na sumisira sa mga tadhana, kaluluwa, buhay, laban sa pang-aapi at paniniil.

Musika

Ang mga bahagi ng symphony ay sunod-sunod na halos walang patid na pinag-uugnay ng lohika ng musikal na dramaturhiya, na nag-uugnay sa iba't ibang makata, mga tula na naiiba sa tema, genre, at istilo.

Ang monologo na "Isang daang masigasig na mahilig ay nakatulog sa isang matandang pagtulog" (De profundis) ay liriko at pilosopiko, na may isang malungkot na tunog ng malungkot na himig ng mga biyolin sa isang mataas na rehistro - isang uri ng mabagal na pagpapakilala sa isang sonata allegro.

Sinasalungat ito ng kalunos-lunos na sayaw na “Malagueña”, matigas, mabilis, na may kasamang mga harmoniya. Ito ay scherzosen, ngunit ito lamang ang pangalawang yugto ng pagpapakilala, na humahantong sa isang kilusan na maaaring ituring na isang analogue ng isang sonata allegro.

Ito ay "Lorelei" - isang romantikong balad tungkol sa pag-aaway ng kagandahan sa panatismo. Ang pinakamatinding salungatan ay lumitaw sa pagitan ng mga larawan ng isang maganda, dalisay na batang babae at isang malupit na obispo kasama ang kanyang mga matitinong guwardiya. Simula sa mga suntok ng isang latigo, ang balad ay nagsasama ng isang mabagyong pag-uusap sa pagitan ng obispo at Lorelei (ang pangunahing bahagi), at pagkatapos - ang kanyang liriko na pahayag (sa gilid na bahagi), pagkatapos - ang kanyang pagkondena, pagkatapon, ay nahulog sa mga alon ng Rhine - puno ng drama, epektibo, kabilang ang nagpapahayag na arioso, at whirlwind five-voice fugato, at sound-depicting moments.

Ang malungkot na elehiya na "Suicide" ay isang analogue ng mabagal na bahagi ng symphony, ang liriko nitong sentro. Ito ay isang malalim na emosyonal na pahayag kung saan ang vocal element ay nauuna. Binibigyang-diin lamang ng orkestra ang pinaka-nagpapahayag na mga sandali sa ningning ng mga kulay nito. Ang pagkakaisa ng symphonic cycle ay binibigyang diin ng pagkakapareho ng mga intonasyon ng kilusang ito sa himig ng paunang seksyon ng symphony at ang makasagisag na mundo ng Lorelei.

Ang malupit na katawa-tawa na martsa na "On the Lookout" ay bumuo ng madilim na militanteng mga sandali ng "Lorelei", umaalingawngaw ang "Malagena", na pareho sa karakter at sa ibig sabihin ay isang scherzo symphony. Sa ritmo nito ay may malinaw na kaugnayan sa mga katangiang tema ng Shostakovich, na ang pinakatuktok ay ang tema ng pagsalakay mula sa Seventh Symphony. "Ito ay isang masiglang himig ng militar, isang martsa ng "mabubuting sundalo", at isang prusisyon at pagsalakay ng isang nakamamatay na puwersa na nakikipaglaro sa isang tao tulad ng isang pusa na may daga" (M. Sabinina).

Ang ikaanim na bahagi ay isang mapait na kabalintunaan at malungkot na duet "Madam, tingnan mo, may nawala ka. "Oh, walang kapararakan, ito ang aking puso..." - paglipat sa pagbuo ng symphony, na nagaganap sa mga sumusunod na bahagi - "Sa Sante's Prison" - monologo ng bilanggo, detalyado, musikal at emosyonal na mayaman, ngunit tragically walang pag-asa , na humahantong sa kasukdulan - "Tugon ng Cossacks sa Turkish Sultan," puno ng panunuya, galit, kapaitan at walang awa na pangungutya. Ito ay pinangungunahan ng walang pigil, halos kusang paggalaw, malupit, tinadtad na mga motif, vocal recitation, panloob na nasasabik, ngunit hindi nagiging tunay na pag-awit. Sa orkestra na interlude, lumilitaw ang isang ritmo ng sayaw, na pumupukaw ng mga asosasyon sa "Humor" mula sa Thirteenth Symphony.

Malaki ang pagbabago ng palette ng artist sa mga sumusunod na bahagi. Ang "Oh, Delvig, Delvig" ay maganda, napakagandang marangal na musika. Ito ay medyo inilarawan sa pangkinaugalian, ganap na wala ng isang ironic na saloobin sa mga tula ni Kuchelbecker, na namumukod-tangi sa istilo mula sa lahat ng patula na materyal ng simponya. Sa halip, ito ay isang pananabik para sa isang hindi na mababawi na umalis na ideal, isang walang hanggang nawawalang pagkakaisa. Ang himig, malapit sa mga romansang Ruso, sa kanilang karaniwang anyo ng taludtod, ay kasabay nito ay libre, tuluy-tuloy, at nababago. Hindi tulad ng ibang mga bahagi, ito ay sinasaliwan ng saliw, at hindi ng isang independiyenteng bahagi ng orkestra, na matalinghagang independiyente sa teksto at boses. Ito ay kung paano ang semantic center ng symphony, na inihanda ng nakaraang symphonic development, ay katawanin - ang affirmation ng isang mataas na etikal na prinsipyo.

Ang "The Death of a Poet" ay gumaganap ng papel ng isang reprise, isang pampakay at nakabubuo na pagbabalik sa mga unang larawan ng symphony. Pinagsasama nito ang mga pangunahing elemento ng pampakay - ang mga instrumental na pagliko ng "De profundis", na lumilitaw din sa mga gitnang bahagi ng symphony, umaawit ng mga recitative mula sa parehong lugar, at ang nagpapahayag na mga intonasyon ng ikaapat na paggalaw.

Ang huling bahagi ay "Konklusyon" (Death is omnipotent) - isang afterword na kumukumpleto sa nakagalaw na tula tungkol sa buhay at kamatayan, ang symphonic coda ng akda. Isang nagmamartsa na malinaw na ritmo, tuyong mga beats ng mga castanet at tomtom, pira-piraso, pasulput-sulpot na vocal - hindi isang linya - isang tuldok na linya ang magsisimula nito. Ngunit pagkatapos ay nagbabago ang mga kulay - isang kahanga-hangang chorale ang tunog, ang vocal na bahagi ay nagbubukas tulad ng isang walang katapusang laso. Ang code ay nagbabalik ng isang mahirap na martsa. Ang musika ay unti-unting naglalaho, na parang umuurong sa malayo, na nagpapahintulot sa isa na masilayan ang marilag na gusali ng symphony.

Symphony No. 15

Symphony No. 15, op. 141(1971)

Komposisyon ng orkestra: 2 plauta, piccolo, 2 obo, 2 clarinet, 2 bassoon, 4 na sungay, 3 trumpeta, 3 trombone, tuba, timpani, tatsulok, castanets, kahoy na bloke, latigo, tomtom (soprano), tambol ng militar, mga cymbal, bass tambol, tom-tom, kampana, celesta, xylophone, vibraphone, mga kuwerdas.

Kasaysayan ng paglikha

Matapos ang premiere ng Ika-labing-apat na Symphony noong taglagas ng 1969, nagsimula ang 1970 ng medyo bagyo para sa Shostakovich: noong Enero 4, ang Eighth Symphony, isa sa pinakamahirap, ay ginanap. Ito ay palaging nauugnay sa malaking pagkabalisa para sa kompositor. Pagkatapos ay kinakailangan na maglakbay mula sa Moscow hanggang Leningrad nang maraming beses - sa Lenfilm, ang direktor na si Kozintsev, na nagsimula ang pakikipagtulungan noong 20s, ay nagtrabaho sa pelikulang "King Lear". Sumulat si Shostakovich ng musika para dito. Sa katapusan ng Pebrero, kailangan kong lumipad sa Kurgan - ang lungsod kung saan nagtrabaho ang sikat na bansang doktor na si Ilizarov, na gumamot sa kompositor. Si Shostakovich ay gumugol ng higit sa tatlong buwan sa kanyang ospital - hanggang Hunyo 9. Ang Ikalabintatlong Quartet ay isinulat doon, na katulad ng matalinghagang istraktura sa kamakailang nilikha na simponya. Sa tag-araw, ang kompositor ay pinilit na manirahan sa Moscow, dahil ang susunod na kumpetisyon ng Tchaikovsky ay isinasagawa, na ayon sa kaugalian niya ay pinamumunuan. Sa taglagas, kailangan niyang sumailalim muli sa paggamot kay Ilizarov, at sa simula lamang ng Nobyembre si Shostakovich ay bumalik sa bahay. Kahit na sa taong ito, ang isang cycle ng ballads na "Loyalty" ay lumitaw sa mga taludtod ng E. Dolmatovsky para sa isang walang kasamang male choir - ito ang mga malikhaing resulta ng taon, na natabunan, tulad ng lahat ng mga kamakailan, ng patuloy na masamang kalusugan. Sa susunod na taon, 1971, lumitaw ang Ikalabinlimang Symphony - ang resulta ng malikhaing landas ng mahusay na symphonist ng ating mga araw.

Isinulat ito ni Shostakovich noong Hulyo 1971 sa Repino House of Composers' Creativity malapit sa Leningrad - ang kanyang paboritong lugar kung saan siya palaging nagtatrabaho nang mahusay. Dito siya nadama sa tahanan, sa klimang pamilyar mula pagkabata.

Sa Repin, sa loob lamang ng isang buwan, lumitaw ang isang symphony, na nakatakdang maging resulta ng buong symphonic na gawain ni Shostakovich.

Ang symphony ay nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit nitong pagkaklasipika, kalinawan, at balanse. Ito ay isang kuwento tungkol sa walang hanggan, pangmatagalang mga pagpapahalaga, at kasabay nito - tungkol sa pinakakilala, malalim na personal. Ang kompositor ay tumanggi sa pagiging programmatic nito, mula sa pagpapakilala ng mga salita. Muli, tulad ng kaso mula Ika-apat hanggang Ika-sampu, ang nilalaman ng musika ay, kumbaga, naka-encrypt. Muli, siya ay pinaka nauugnay sa mga pagpipinta ni Mahler.

Musika

Unang parte tinawag itong "Toy Store" ng kompositor. Mga laruan... Baka puppet? Ang pag-awit at pag-ikot ng simula ng unang paggalaw ay tulad ng bago magsimula ang pagtatanghal. Dito nag-flash ang isang side theme mula sa Ninth (subtly na katulad ng "invasion theme" ng Seventh!), pagkatapos ay isang melody mula sa piano prelude, tungkol sa kung saan minsan ay sinabi ni Sofronitsky: "Anong madamdaming kabastusan!" Kaya, ang makasagisag na mundo ng sonata allegro ay malinaw na nailalarawan. Ang melody ni Rossini ay organikong kasama sa musikal na tela - isang fragment ng overture sa opera na "William Tell".

Ikalawang bahagi bumubukas na may malungkot na chord at malungkot na tunog. Ang cello solo ay isang himig ng kamangha-manghang kagandahan, na sumasaklaw sa isang napakalaking hanay. Parang funeral march ang brass choir. Ang trombone, tulad ng sa Berlioz's Funeral and Triumphal Symphony, ay gumaganap ng isang malungkot na solo. Ano ang ibinabaon nila? kapanahunan? mithiin? ilusyon?.. Ang martsa ay umabot sa isang napakalaking madilim na kasukdulan. At pagkatapos nito - pag-iingat, pagtatago...

Ang ikatlong bahagi- isang pagbabalik sa papet na teatro, sa ibinigay, eskematiko na mga kaisipan at damdamin.

Mahiwaga ang pangwakas, pagbubukas ng doom leitmotif mula sa Wagner's Ring of the Nibelung. Pagkatapos ng tipikal na tema ng liriko ng Shostakovich, na parang naliwanagan ng pagdurusa, pagkatapos ng hindi gaanong katangian na tema ng pastoral, ang passacaglia ay nagbubukas. Ang tema nito, na tumatakbo sa pizzicato cellos at double basses, ay nakapagpapaalaala sa tema ng pagsalakay at sa passacaglia na tema mula sa First Violin Concerto. (Bumangon ang isang pag-iisip: marahil para sa kompositor ang mahigpit, na-verify na anyo ng passacaglia na may hindi nagbabago, tuluy-tuloy na pag-uulit ng parehong himig, ang anyo kung saan siya lumingon nang maraming beses sa kanyang malikhaing landas, ay isang simbolo ng "hawla" kung saan siya ay nakapaloob sa isang totalitarian na estado, ang espiritu ng tao Isang simbolo ng kawalan ng kalayaan kung saan ang lahat ay nagdusa sa USSR - at ang lumikha ng higit pa kaysa sa iba ay hindi ba sa pamamagitan ng pagkakataon na ang mga himig ng mga passacaglias na ito, ang simbolismo? na kung saan ay napakalantad sa Ikapito, ay malapit?) Ang tensyon ay tumataas at higit sa bawat pagganap ng melody, ang passacaglia ay umabot sa isang napakalaking antas? At - pag-urong. Isang magaan na tema ng sayaw ang kumukumpleto sa symphony, na ang mga huling bar ay ang tuyong kalabog ng isang xylophone at tomtom.

Noong tagsibol ng 1926, ang Leningrad Philharmonic Orchestra, na isinagawa ni Nikolai Malko, ay naglaro sa unang pagkakataon ng First Symphony of Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906 - 1975). Sa isang liham sa Kyiv pianist na si L. Izarova, isinulat ni N. Malko: "Kakabalik ko lang mula sa isang konsiyerto, isinagawa ko ang symphony ng batang Leningrader na si Mitya Shostakovich sa unang pagkakataon sa kasaysayan ng musikang Ruso."

Ang pagtanggap sa symphony ng publiko, orkestra, at press ay hindi matatawag na isang tagumpay lamang, ito ay isang tagumpay. Ganoon din ang kanyang prusisyon sa pinakasikat na symphonic stages sa mundo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski ay yumuko sa iskor ng symphony. Para sa kanila, mga conductor-thinkers, ang ugnayan sa pagitan ng antas ng kasanayan at edad ng may-akda ay tila hindi kapani-paniwala. Natamaan ako ng kumpletong kalayaan kung saan itinapon ng labinsiyam na taong gulang na kompositor ang lahat ng mga mapagkukunan ng orkestra upang mapagtanto ang kanyang mga ideya, at ang mga ideya mismo ay tumama sa pagiging bago ng tagsibol.

Ang symphony ni Shostakovich ay tunay na unang symphony mula sa bagong mundo, kung saan tumama ang bagyo sa Oktubre. Ang kaibahan ay kapansin-pansin sa pagitan ng musika, puno ng kagalakan, ang masiglang pamumulaklak ng mga kabataang pwersa, banayad, mahiyain na liriko at ang madilim na ekspresyonistang sining ng marami sa mga dayuhang kapanahon ni Shostakovich.

Paglampas sa karaniwang yugto ng kabataan, si Shostakovich ay may kumpiyansa na humakbang sa kapanahunan. Ang napakahusay na paaralang ito ang nagbigay sa kanya ng kumpiyansa. Isang katutubo ng Leningrad, siya ay tinuruan sa loob ng mga dingding ng Leningrad Conservatory sa mga klase ng pianista na si L. Nikolaev at kompositor na si M. Steinberg. Si Leonid Vladimirovich Nikolaev, na nagpalaki ng isa sa pinakamabungang sangay ng Soviet pianistic school, bilang isang kompositor ay isang mag-aaral ni Taneyev, na siya namang mag-aaral ng Tchaikovsky. Si Maximilian Oseevich Steinberg ay isang mag-aaral ng Rimsky-Korsakov at isang tagasunod ng kanyang mga prinsipyo at pamamaraan ng pedagogical. Mula sa kanilang mga guro sina Nikolaev at Steinberg ay nagmana ng isang kumpletong pagkapoot sa amateurism. Sa kanilang mga klase mayroong isang diwa ng malalim na paggalang sa trabaho, para sa kung ano ang gustong italaga ni Ravel sa salitang metier - craft. Iyon ang dahilan kung bakit ang kultura ng karunungan ay napakataas na sa unang pangunahing gawain ng batang kompositor.

Maraming taon na ang lumipas mula noon. Labing-apat pa ang idinagdag sa First Symphony. Labinlimang quartets, dalawang trio, dalawang opera, tatlong ballet, dalawang piano, dalawang violin at dalawang cello concerto, romance cycles, mga koleksyon ng piano preludes at fugues, cantatas, oratorio, musika para sa maraming pelikula at mga dramatikong pagtatanghal.

Ang maagang panahon ng pagkamalikhain ni Shostakovich ay nag-tutugma sa pagtatapos ng twenties, isang oras ng pinainit na mga talakayan sa mga pangunahing isyu ng kulturang sining ng Sobyet, kapag ang mga pundasyon ng pamamaraan at istilo ng sining ng Sobyet - sosyalistang realismo - ay nag-kristal. Tulad ng maraming mga kinatawan ng mga kabataan, at hindi lamang ang nakababatang henerasyon ng mga artistikong intelihente ng Sobyet, si Shostakovich ay nagbibigay pugay sa kanyang pagkahilig para sa mga eksperimentong gawa ng direktor na si V. E. Meyerhold, ang mga opera ng Alban Berg ("Wozzeck"), Ernst Kshenek ("Jumping" Over the Shadow", "Johnny") , ballet productions ni Fyodor Lopukhov.

Ang kumbinasyon ng acute grotesqueness na may malalim na trahedya, tipikal ng maraming phenomena ng expressionist art na nagmula sa ibang bansa, ay nakaakit din ng atensyon ng batang kompositor. Kasabay nito, ang paghanga kay Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka, at Berlioz ay laging nabubuhay sa kanya. Sa isang pagkakataon ay nag-aalala siya tungkol sa engrandeng symphonic epic ni Mahler: ang lalim ng mga problemang etikal na nakapaloob dito: ang artist at lipunan, ang artist at modernity. Ngunit wala sa mga kompositor ng mga nakaraang panahon ang nakakagulat sa kanya gaya ni Mussorgsky.

Sa pinakadulo simula ng malikhaing karera ni Shostakovich, sa oras ng paghahanap, libangan, at pagtatalo, ang kanyang opera na "The Nose" (1928) ay ipinanganak - isa sa mga pinaka-kontrobersyal na gawa ng kanyang malikhaing kabataan. Sa opera na ito batay sa balangkas ni Gogol, sa pamamagitan ng mga nasasalat na impluwensya ng "The Government Inspector" ni Meyerhold at pagkasira ng musika, nakita ang mga maliliwanag na tampok na ginagawang katulad ng "The Nose" ni Mussorgsky ang opera na "Marriage". Ang "The Nose" ay may mahalagang papel sa malikhaing ebolusyon ni Shostakovich.

Ang simula ng 30s ay minarkahan sa talambuhay ng kompositor ng isang stream ng mga gawa ng iba't ibang genre. Narito ang mga ballet na "The Golden Age" at "Bolt", musika para sa paggawa ni Meyerhold ng dula ni Mayakovsky na "The Bedbug", musika para sa ilang mga pagtatanghal ng Leningrad Theater of Working Youth (TRAM), at sa wakas, ang unang pagpasok ni Shostakovich sa cinematography, ang paglikha ng musika para sa mga pelikulang "Alone", "Golden Mountains", "Counter"; musika para sa iba't-ibang at circus performance ng Leningrad Music Hall na "Conditionally Killed"; malikhaing komunikasyon sa mga kaugnay na sining: ballet, drama theater, sinehan; ang paglitaw ng unang siklo ng pag-iibigan (batay sa mga tula ng mga makatang Hapones) ay katibayan ng pangangailangan ng kompositor na ikonkreto ang matalinghagang istruktura ng musika.

Ang gitnang lugar sa mga gawa ni Shostakovich noong unang kalahati ng 30s ay inookupahan ng opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova"). Ang batayan ng dramaturgy nito ay ang gawa ni N. Leskov, ang genre kung saan itinalaga ng may-akda ang salitang "sanaysay," na parang binibigyang-diin ang pagiging tunay, pagiging maaasahan ng mga kaganapan, at ang portrait na karakter ng mga character. Ang musika ng "Lady Macbeth" ay isang trahedya na kuwento tungkol sa isang kakila-kilabot na panahon ng paniniil at kawalan ng batas, nang ang lahat ng tao sa isang tao, ang kanyang dignidad, pag-iisip, adhikain, damdamin, ay pinatay; kapag ang primitive instincts ay binubuwisan at pinamamahalaan ang mga aksyon at buhay mismo, nakagapos, lumakad sa walang katapusang mga highway ng Russia. Sa isa sa kanila, nakita ni Shostakovich ang kanyang pangunahing tauhang babae - isang dating asawa ng mangangalakal, isang convict, na nagbayad ng buong presyo para sa kanyang kriminal na kaligayahan. Nakita niya ito at tuwang-tuwang sinabi sa kanya ang kapalaran sa kanyang opera.

Ang pagkamuhi sa lumang mundo, ang mundo ng karahasan, kasinungalingan at kawalang-katauhan ay makikita sa marami sa mga gawa ni Shostakovich, sa iba't ibang genre. Siya ang pinakamalakas na antithesis ng mga positibong larawan, mga ideya na tumutukoy sa artistikong at panlipunang kredo ni Shostakovich. Paniniwala sa hindi mapaglabanan na kapangyarihan ng Tao, paghanga sa kayamanan kapayapaan ng isip, pakikiramay sa kanyang pagdurusa, matinding pagkauhaw na lumahok sa pakikibaka para sa kanyang maliliwanag na mithiin - ito ang pinakamahalagang katangian ng kredo na ito. Ito manifests mismo lalo na ganap sa kanyang susi, milestone gumagana. Kabilang sa mga ito ang isa sa pinakamahalaga, ang Fifth Symphony, na lumitaw noong 1936, na nagsimula ng isang bagong yugto sa malikhaing talambuhay ng kompositor, isang bagong kabanata sa kasaysayan ng kulturang Sobyet. Sa symphony na ito, na maaaring tawaging isang "optimistic na trahedya," ang may-akda ay dumating sa malalim na pilosopikal na problema ng pagbuo ng personalidad ng kanyang kontemporaryo.

Sa paghusga sa musika ni Shostakovich, ang genre ng symphony ay palaging para sa kanya na isang platform kung saan ang pinakamahalaga, pinaka-apoy na talumpati, na naglalayong makamit ang pinakamataas na layunin sa etika, ay dapat maihatid. Ang symphony platform ay hindi itinayo para sa mahusay na pagsasalita. Ito ay isang pambuwelo para sa militanteng pilosopikal na pag-iisip, nakikipaglaban para sa mga mithiin ng humanismo, tinutuligsa ang kasamaan at kawalang-hanggan, na parang muling pinaninindigan ang sikat na posisyon ng Goethean:

Siya lamang ang karapat-dapat sa kaligayahan at kalayaan, at araw-araw ay lumalaban siya para sa kanila! Mahalaga na wala ni isa sa labinlimang symphony na isinulat ni Shostakovich ang umalis sa modernidad. Ang Una ay nabanggit sa itaas, ang Pangalawa ay isang symphonic na dedikasyon sa Oktubre, ang Pangatlo ay "May Day". Sa kanila, ang kompositor ay bumaling sa tula nina A. Bezymensky at S. Kirsanov upang mas malinaw na ihayag ang kagalakan at kataimtiman ng mga rebolusyonaryong pagdiriwang na nagliliyab sa kanila.

Ngunit mayroon nang Fourth Symphony, na isinulat noong 1936, ang ilang dayuhan, masamang puwersa ay pumasok sa mundo ng masayang pag-unawa sa buhay, kabutihan at kabaitan. Siya ay kumuha ng iba't ibang mga guises. Sa isang lugar siya ay halos tumapak sa lupa na natatakpan ng tagsibol na halaman, na may isang mapang-uyam na ngiti ay dinudungisan niya ang kadalisayan at katapatan, siya ay nagagalit, siya ay nagbabanta, siya ay nagbabadya ng kamatayan. Ito ay panloob na malapit sa madilim na mga tema na nagbabanta sa kaligayahan ng tao mula sa mga pahina ng mga marka ng huling tatlong symphony ni Tchaikovsky.

Sa parehong Fifth at II na paggalaw ng Sixth Symphony ni Shostakovich, ang mabigat na puwersang ito ay nagpaparamdam sa sarili. Ngunit sa Ikapito lamang, Leningrad Symphony, ito ay tumaas sa buong taas nito. Biglang, isang malupit at kakila-kilabot na puwersa ang sumalakay sa mundo ng mga pilosopikong pag-iisip, dalisay na pangarap, sigla ng atleta, at mala-Levitan na mala-tula na mga tanawin. Siya ay dumating upang walisin ang dalisay na mundong ito at itatag ang kadiliman, dugo, kamatayan. Sa palagay, mula sa malayo, ang halos hindi maririnig na kaluskos ng isang maliit na tambol ay naririnig, at sa malinaw na ritmo nito ay isang matigas, angular na tema ang lumilitaw. Inuulit ang sarili ng labing-isang beses na may mapurol na mekanikal at pagkakaroon ng lakas, ito ay nakakakuha ng paos, ungol, kahit papaano ay mabahong mga tunog. At ngayon, sa lahat ng nakakatakot na kahubaran nito, ang hayop-tao ay humahakbang sa lupa.

Sa kaibahan sa "tema ng pagsalakay," ang "tema ng katapangan" ay lumalabas at lumalakas sa musika. Ang monologo ng bassoon ay labis na puspos ng kapaitan ng pagkawala, na nagpapaalala sa mga linya ni Nekrasov: "Ito ang mga luha ng mga mahihirap na ina, hindi nila malilimutan ang kanilang mga anak na namatay sa madugong larangan." Ngunit gaano man kalungkot ang mga pagkalugi, iginiit ng buhay ang sarili bawat minuto. Ang ideyang ito ay tumatagos sa Scherzo - Part II. At mula rito, sa pamamagitan ng pagmuni-muni (Bahagi III), ito ay humahantong sa isang matagumpay na pagtatapos.

Isinulat ng kompositor ang kanyang maalamat na Leningrad Symphony sa isang bahay na patuloy na inalog ng mga pagsabog. Sa isa sa kanyang mga talumpati, sinabi ni Shostakovich: "Na may sakit at pagmamataas na tinitingnan ko ang aking minamahal na lungsod At ito ay tumayo, pinaso ng apoy, tumigas sa labanan, na naranasan ang malalim na pagdurusa ng isang mandirigma, at mas maganda sa kanyang mahigpit. Paanong hindi mo mamahalin itong lungsod na itinayo ni Pedro ay hindi makapagsasabi sa buong mundo tungkol sa kaluwalhatian nito, tungkol sa katapangan ng mga tagapagtanggol nito... Ang sandata ko ay musika.”

Marubdob na napopoot sa kasamaan at karahasan, tinutuligsa ng kompositor ng mamamayan ang kaaway, ang naghahasik ng mga digmaan na naglulubog sa mga bansa sa bangin ng kapahamakan. Iyon ang dahilan kung bakit ang tema ng digmaan ay nakakaakit sa mga iniisip ng kompositor sa mahabang panahon. Ito ay tunog sa Ikawalo, engrande sa sukat, sa lalim ng mga trahedya na salungatan, na binubuo noong 1943, sa Ikasampu at Ikalabintatlong symphony, sa piano trio, na isinulat sa memorya ng I. I. Sollertinsky. Ang temang ito ay tumagos din sa Eighth Quartet, sa musika para sa mga pelikulang "The Fall of Berlin", "Meeting on the Elbe", "Young Guard". Ang tagumpay ay nag-oobliga ng hindi bababa sa digmaan ", na isinagawa sa ngalan ng tagumpay. Ang pagkatalo ng pasismo ay isang yugto lamang sa hindi mapigilang opensibong kilusan ng tao, sa pagpapatupad ng progresibong misyon ng mamamayang Sobyet."

Ang Ninth Symphony, ang unang gawain ni Shostakovich pagkatapos ng digmaan. Ito ay ginanap sa unang pagkakataon noong taglagas ng 1945, sa ilang lawak, ang symphony na ito ay hindi naabot ang mga inaasahan. Walang monumental na solemnidad dito na maaaring magsama sa musika ng mga imahe ng matagumpay na pagtatapos ng digmaan. Ngunit may iba pa rito: kagyat na kagalakan, biro, pagtawa, na para bang isang malaking bigat ang nahulog mula sa mga balikat ng isang tao, at sa unang pagkakataon sa maraming taon ay posible na buksan ang ilaw nang walang mga kurtina, nang walang pagdidilim, at ang lahat ng bintana ng mga bahay ay lumiwanag sa tuwa. At tanging sa penultimate na bahagi lamang lumilitaw ang isang malupit na paalala ng naranasan. Ngunit naghahari ang kadiliman sa loob ng maikling panahon - muling nagbabalik ang musika sa mundo ng liwanag at saya.

Walong taon ang naghihiwalay sa Tenth Symphony mula sa Ninth. Walang ganoong pahinga sa symphonic chronicle ni Shostakovich. At muli ay nasa harapan natin ang isang gawaing puno ng mga kalunus-lunos na banggaan, malalim na mga problema sa ideolohikal, nakakabighaning kasama ang mga kalunos-lunos na salaysay nito tungkol sa isang panahon ng malaking kaguluhan, isang panahon ng malaking pag-asa para sa sangkatauhan.

Ang Eleventh at Twelfth ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa listahan ng mga symphony ni Shostakovich.

Bago bumaling sa Eleventh Symphony, na isinulat noong 1957, kailangang alalahanin ang Sampung Tula para sa halo-halong koro (1951) batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata noong ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang mga tula ng mga rebolusyonaryong makata: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz ay nagbigay inspirasyon kay Shostakovich na lumikha ng musika, ang bawat bar na kung saan ay binubuo niya, at kasabay nito ay katulad ng mga kanta ng rebolusyonaryo. sa ilalim ng lupa, mga pagtitipon ng mga mag-aaral, na narinig sa mga piitan na Butyrok, at sa Shushenskoye, at sa Lynjumo, sa Capri, sa mga kanta na isa ring tradisyon ng pamilya sa bahay ng mga magulang ng kompositor. Ang kanyang lolo, si Boleslav Boleslavovich Shostakovich, ay ipinatapon dahil sa pakikilahok sa pag-aalsa ng Poland noong 1863. Ang kanyang anak na lalaki, si Dmitry Boleslavovich, ang ama ng kompositor, sa panahon ng kanyang mga taon ng mag-aaral at pagkatapos ng pagtatapos sa St. Si Lukashevich ay gumugol ng 18 taon sa kuta ng Shlisselburg.

Ang isa sa pinakamalakas na impresyon sa buong buhay ni Shostakovich ay napetsahan noong Abril 3, 1917, ang araw ng pagdating ni V.I. Lenin sa Petrograd. Ganito ang pag-uusap ng kompositor tungkol dito. "Nasaksihan ko ang mga kaganapan ng Rebolusyong Oktubre, ay kabilang sa mga nakinig kay Vladimir Ilyich sa plaza sa harap ng Finlyandsky Station sa araw ng kanyang pagdating sa Petrograd At, kahit na napakabata ko noon, ito ay naka-print nang walang hanggan aking alaala.”

Ang tema ng rebolusyon ay pumasok sa laman at dugo ng kompositor kahit sa kanyang pagkabata at matured sa kanya kasabay ng paglaki ng kamalayan, na naging isa sa kanyang mga pundasyon. Nag-kristal ang temang ito sa Eleventh Symphony (1957), na tinatawag na "1905". Ang bawat bahagi ay may sariling pangalan. Mula sa kanila ay malinaw mong maiisip ang ideya at dramaturhiya ng gawain: "Palace Square", "Enero 9", "Eternal Memory", "Alarm". Ang symphony ay napuno ng mga intonasyon ng mga kanta ng rebolusyonaryong underground: "Makinig", "Prisoner", "Nabiktima ka", "Rage, tyrants", "Varshavyanka". Binibigyan nila ang mayamang musikal na salaysay ng isang espesyal na kaguluhan at pagiging tunay ng isang makasaysayang dokumento.

Nakatuon sa alaala ni Vladimir Ilyich Lenin, ang Twelfth Symphony (1961) - isang gawa ng epikong kapangyarihan - nagpapatuloy sa instrumental na kuwento ng rebolusyon. Tulad ng sa Eleventh, ang mga pangalan ng programa ng mga bahagi ay nagbibigay ng isang ganap na malinaw na ideya ng nilalaman nito: "Rebolusyonaryong Petrograd", "Razliv", "Aurora", "Liwayway ng Sangkatauhan".

Ang Thirteenth Symphony (1962) ni Shostakovich ay malapit sa genre sa oratorio. Ito ay isinulat para sa isang hindi pangkaraniwang komposisyon: isang symphony orchestra, isang bass choir at isang bass soloist. Ang batayan ng teksto ng limang paggalaw ng simponya ay ang mga taludtod ni Evg. Yevtushenko: "Babi Yar", "Humor", "In the Store", "Fears" at "Career". Ang ideya ng symphony, ang kalunos-lunos nito ay ang pagtuligsa sa kasamaan sa ngalan ng paglaban para sa katotohanan, para sa tao. At ang symphony na ito ay nagpapakita ng aktibo, nakakasakit na humanismo na likas sa Shostakovich.

Pagkatapos ng pitong taong pahinga, noong 1969, nilikha ang Ika-labing-apat na Symphony, na isinulat para sa isang chamber orchestra: mga string, isang maliit na bilang ng pagtambulin at dalawang boses - soprano at bass. Ang symphony ay naglalaman ng mga tula nina Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke at Wilhelm Kuchelbecker na nakatuon kay Benjamin Britten, ang symphony ay isinulat, ayon sa may-akda nito, sa ilalim ng impluwensya ng "Songs and Dances of Death" ni M. P. Mussorgsky. Sa kahanga-hangang artikulong "Mula sa Kalaliman ng Kalaliman", na nakatuon sa Ika-labing-apat na Symphony, isinulat ni Marietta Shaginyan: "... Ang Ika-labing-apat na Symphony ni Shostakovich, ang kasukdulan ng kanyang trabaho, - Gusto kong tawagan itong una "Mga Pagnanasa ng Tao" ng bagong panahon, - sabi nang nakakumbinsi, kung gaano kailangan ng ating panahon ang parehong malalim na interpretasyon ng mga kontradiksyon sa moral at isang trahedya na pag-unawa sa mga espirituwal na pagsubok ("mga hilig") kung saan dumaraan ang sangkatauhan."

Ang ikalabinlimang symphony ni D. Shostakovich ay binubuo noong tag-araw ng 1971. Pagkatapos ng mahabang pahinga, bumalik ang kompositor sa isang purong instrumental na marka para sa symphony. Ang liwanag na pangkulay ng "laruang scherzo" ng unang paggalaw ay nauugnay sa mga larawan ng pagkabata. Ang tema mula sa "William Tell" na overture ni Rossini ay "angkop" sa musika. Ang malungkot na musika ng simula ng Bahagi II sa madilim na tunog ng isang brass band ay nagbibigay ng mga pag-iisip ng pagkawala, ng unang kakila-kilabot na kalungkutan. Ang musika ng Part II ay puno ng nakakatakot na pantasya, sa ilang mga paraan ay nagpapaalala sa mundo ng fairytale ng "The Nutcracker." Sa simula ng Bahagi IV, muling ginamit ni Shostakovich ang panipi. Sa oras na ito ito ang tema ng kapalaran mula sa "Valkyrie", na paunang natukoy ang trahedya na rurok ng karagdagang pag-unlad.

Labinlimang symphony ng Shostakovich ay labinlimang kabanata ng epikong salaysay ng ating panahon. Sumali si Shostakovich sa hanay ng mga aktibong at direktang nagbabago sa mundo. Ang kanyang sandata ay musika na naging pilosopiya, pilosopiya na naging musika.

Ang mga malikhaing adhikain ni Shostakovich ay sumasaklaw sa lahat ng umiiral na mga genre ng musika - mula sa mass song mula sa "The Counter" hanggang sa monumental na oratorio na "Song of the Forests", opera, symphony, at instrumental na konsiyerto. Ang isang makabuluhang seksyon ng kanyang trabaho ay nakatuon sa musika ng silid, na ang isa sa mga opus, "24 Preludes at Fugues" para sa piano, ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Pagkatapos ni Johann Sebastian Bach, ilang tao ang nangahas na hawakan ang isang polyphonic cycle ng ganitong uri at sukat. At hindi ito isang bagay ng pagkakaroon o kawalan ng naaangkop na teknolohiya, isang espesyal na uri ng kasanayan. Ang "24 Preludes and Fugues" ni Shostakovich ay hindi lamang isang katawan ng polyphonic na karunungan ng ika-20 siglo, sila ang pinakamalinaw na tagapagpahiwatig ng lakas at tensyon ng pag-iisip, na tumatagos sa kailaliman ng mga pinaka-kumplikadong phenomena. Ang ganitong uri ng pag-iisip ay katulad ng intelektwal na kapangyarihan ni Kurchatov, Landau, Fermi, at samakatuwid ang mga preludes at fugues ni Shostakovich ay humanga hindi lamang sa mataas na akademya ng pagbubunyag ng mga lihim ng polyphony ni Bach, ngunit higit sa lahat sa pilosopikal na pag-iisip na tunay na tumagos sa "kalaliman ng kalaliman" ng kanyang kontemporaryo, ang mga puwersang nagtutulak, mga kontradiksyon at kalunos-lunos na panahon ng mga dakilang pagbabago.

Sa tabi ng mga symphony, isang malaking lugar sa malikhaing talambuhay ni Shostakovich ay inookupahan ng kanyang labinlimang quartets. Sa ensemble na ito, katamtaman sa mga tuntunin ng bilang ng mga gumaganap, ang kompositor ay lumiliko sa isang pampakay na bilog na malapit sa kanyang pinag-uusapan sa kanyang mga symphony. Ito ay hindi nagkataon na ang ilang quartets ay lumilitaw halos sabay-sabay sa mga symphony, na kanilang orihinal na "mga kasama".

Sa mga symphony, ang kompositor ay tumutugon sa milyun-milyon, na nagpapatuloy sa ganitong kahulugan ng linya ng symphonism ni Beethoven, habang ang mga quartet ay naka-address sa isang mas makitid, silid na bilog. Sa kanya ibinabahagi niya kung ano ang nakaka-excite, nakalulugod, nakaka-depress, kung ano ang pinapangarap niya.

Wala sa mga quartet ang may espesyal na pamagat upang makatulong na maunawaan ang nilalaman nito. Walang iba kundi isang serial number. Gayunpaman, ang kanilang kahulugan ay malinaw sa lahat ng nagmamahal at marunong makinig ng chamber music. Ang unang quartet ay kapareho ng edad ng Fifth Symphony. Sa masayang istraktura nito, malapit sa neoclassicism, na may maalalahanin na sarabande ng unang kilusan, isang Haydnian sparkling finale, isang fluttering waltz at isang soulful na Russian viola chorus, hugot at malinaw, ang isang tao ay maaaring makadama ng paggaling mula sa mabibigat na pag-iisip na nanaig sa bayani ng Fifth Symphony.

Naaalala natin kung gaano kahalaga ang liriko sa mga tula, kanta, at liham noong mga taon ng digmaan, kung paano pinarami ng liriko na init ng ilang taimtim na parirala ang espirituwal na lakas. Ang waltz at romansa ng Ikalawang Quartet, na isinulat noong 1944, ay napuno nito.

Gaano kaiba ang mga larawan ng Third Quartet sa isa't isa. Naglalaman ito ng kawalang-ingat ng kabataan, at masakit na mga pangitain ng "puwersa ng kasamaan", at ang pag-igting sa larangan ng paglaban, at mga liriko na katabi ng pilosopikal na pagmuni-muni. Ang Fifth Quartet (1952), na nauna sa Tenth Symphony, at sa mas malaking lawak ang Eighth Quartet (I960) ay puno ng mga trahedya na pangitain - mga alaala ng mga taon ng digmaan. Sa musika ng mga quartet na ito, tulad ng sa Ikapito at Ikasampung symphony, ang mga puwersa ng liwanag at mga puwersa ng kadiliman ay mahigpit na sinasalungat. Ang pahina ng pamagat ng Eighth Quartet ay mababasa: "Sa pag-alaala sa mga biktima ng pasismo at digmaan." Ang quartet na ito ay isinulat sa loob ng tatlong araw sa Dresden, kung saan nagtungo si Shostakovich sa musika para sa pelikulang Five Days, Five Nights.

Kasama ang quartets, na sumasalamin sa " Malaking mundo"sa mga salungatan nito, mga kaganapan, mga banggaan sa buhay, ang Shostakovich ay may mga quartets na parang mga pahina ng isang talaarawan. Sa Una sila ay masayahin; sa Ika-apat ay pinag-uusapan nila ang tungkol sa pagpapalalim sa sarili, pagmumuni-muni, kapayapaan; sa Ikaanim - mga larawan ng pagkakaisa kasama ang kalikasan, ang malalim na kapayapaan ay ipinahayag sa Ikapito at ang Ika-labing isang - nakatuon sa memorya ng mga mahal sa buhay, ang musika ay umabot sa halos pandiwang pagpapahayag, lalo na sa mga trahedya na rurok.

Sa Ika-labing-apat na Quartet, ang mga tampok na katangian ng Russian melos ay lalong kapansin-pansin. Sa Bahagi I, ang mga musikal na larawan ay nakakabighani sa kanilang romantikong paraan ng pagpapahayag ng isang malawak na hanay ng mga damdamin: mula sa taos-pusong paghanga sa kagandahan ng kalikasan hanggang sa pagsabog ng kaguluhan sa isip, pagbabalik sa kapayapaan at katahimikan ng tanawin. Ang Adagio ng Ika-labing-apat na Quartet ay nagpapaalala sa diwa ng Russian ng viola chorus sa First Quartet. Sa III - ang huling bahagi - ang musika ay binalangkas ng mga ritmo ng sayaw, na tunog nang higit pa o hindi gaanong malinaw. Ang pagtatasa sa Ika-labing-apat na Quartet ni Shostakovich, binanggit ni D. B. Kabalevsky ang "simula ng Beethoven" ng mataas na pagiging perpekto nito.

Ang ikalabinlimang quartet ay unang ginanap noong taglagas ng 1974. Ang istraktura nito ay hindi pangkaraniwan; ito ay binubuo ng anim na bahagi, sunod-sunod na walang pagkaantala. Ang lahat ng paggalaw ay nasa mabagal na tempo: Elehiya, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March at Epilogue. Ang ikalabinlimang quartet ay humanga sa lalim ng pilosopiko na pag-iisip, kaya katangian ng Shostakovich sa maraming mga gawa ng genre na ito.

Ang quartet work ni Shostakovich ay kumakatawan sa isa sa mga tuktok ng pag-unlad ng genre sa post-Beethoven period. Tulad ng sa mga symphony, naghahari dito ang isang mundo ng matayog na ideya, pagmumuni-muni, at paglalahat ng pilosopikal. Ngunit, hindi tulad ng mga symphony, ang mga quartet ay mayroong intonasyon ng tiwala na agad na pumukaw ng emosyonal na tugon mula sa madla. Ang pag-aari na ito ng mga quartets ni Shostakovich ay ginagawa silang katulad ng mga quartets ni Tchaikovsky.

Sa tabi ng mga quartets, nararapat na isa sa mga pinakamataas na lugar sa genre ng kamara ay inookupahan ng Piano Quintet, na isinulat noong 1940, isang akda na pinagsasama ang malalim na intelektwalismo, lalo na makikita sa Prelude at Fugue, at banayad na emosyonalidad, sa isang lugar na nagpapaalala sa Levitan's mga landscape.

Ang kompositor ay bumaling sa chamber vocal music nang mas madalas sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Lumilitaw ang anim na romansa batay sa mga salita ni W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; vocal cycle "Mula sa Jewish Folk Poetry"; Dalawang romansa sa mga tula ni M. Lermontov, Apat na monologo sa mga tula ni A. Pushkin, mga kanta at romansa sa mga tula ni M. Svetlov, E. Dolmatovsky, ang cycle na "Spanish Songs", Limang satires sa mga salita ni Sasha Cherny, Five humoresques sa mga salita mula sa magazine na "Crocodile" ", Suite sa mga tula ni M. Tsvetaeva.

Ang ganitong kasaganaan ng vocal music batay sa mga teksto ng mga klasiko ng tula at mga makatang Sobyet ay nagpapatotoo sa malawak na hanay ng mga interes sa panitikan ng kompositor. Sa vocal music ni Shostakovich, ang isang tao ay natamaan hindi lamang sa kahusayan ng istilo at pagkakasulat ng makata, kundi pati na rin sa kakayahang muling likhain ang mga pambansang katangian ng musika. Ito ay lalo na matingkad sa "Spanish Songs", sa cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry", sa mga romansa batay sa mga tula ng mga makatang Ingles. Ang mga tradisyon ng Russian romance lyrics, na nagmumula sa Tchaikovsky, Taneyev, ay naririnig sa Five Romances, "Five Days" batay sa mga tula ni E. Dolmatovsky: "The Day of Meeting", "The Day of Confessions", "The Day of Mga hinanakit", "Ang Araw ng Kagalakan", "Ang Araw ng mga Alaala" .

Ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng "Satires" batay sa mga salita ni Sasha Cherny at "Humoresques" mula sa "Crocodile". Sinasalamin nila ang pagmamahal ni Shostakovich kay Mussorgsky. Lumitaw ito sa kanyang kabataan at unang lumitaw sa kanyang siklo na "Krylov's Fables", pagkatapos ay sa opera na "The Nose", pagkatapos ay sa "Katerina Izmailova" (lalo na sa Act IV ng opera). Tatlong beses na direktang bumaling si Shostakovich kay Mussorgsky, muling nag-orkestra at nag-edit ng "Boris Godunov" at "Khovanshchina" at nag-orkestra ng "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan" sa unang pagkakataon. At muli ang paghanga kay Mussorgsky ay makikita sa tula para sa soloista, koro at orkestra - "The Execution of Stepan Razin" sa mga taludtod ni Evg. Yevtushenko.

Gaano dapat kalakas at kalalim ang attachment kay Mussorgsky, kung, nagtataglay ng ganoong maliwanag na sariling katangian, na hindi mapag-aalinlanganan na makikilala ng dalawa o tatlong parirala, si Shostakovich nang mapagpakumbaba, na may gayong pagmamahal - ay hindi gumaya, hindi, ngunit nagpapatibay at binibigyang-kahulugan ang istilo. ng pagsulat sa kanyang sariling paraan dakilang realistang musikero.

Noong unang panahon, hinahangaan ang henyo ni Chopin, na kalalabas lang sa European musical horizon, sumulat si Robert Schumann: "Kung buhay pa si Mozart, susulat sana siya ng Chopin concerto." Upang i-paraphrase si Schumann, masasabi natin: kung nabuhay si Mussorgsky, isinulat niya ang "The Execution of Stepan Razin" ni Shostakovich. Si Dmitry Shostakovich ay isang natitirang master ng theater music. Malapit siya sa iba't ibang genre: opera, ballet, musical comedy, variety shows (Music Hall), drama theater. Kasama rin nila ang musika para sa mga pelikula. Pangalanan lang natin ang ilang mga gawa sa mga genre na ito mula sa higit sa tatlumpung pelikula: "The Golden Mountains", "The Counter", "The Maxim Trilogy", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Fall of Berlin ”, "The Gadfly", "Limang" araw - limang gabi", "Hamlet", "King Lear". Mula sa musika para sa mga dramatikong pagtatanghal: "The Bedbug" ni V. Mayakovsky, "The Shot" ni A. Bezymensky, "Hamlet" at "King Lear" ni V. Shakespeare, "Salute, Spain" ni A. Afinogenov, "The Human Comedy” ni O. Balzac.

Gaano man kaiba sa genre at sukat ang mga gawa ni Shostakovich sa pelikula at teatro, pinagsasama sila ng isang karaniwang tampok - ang musika ay lumilikha ng sarili nitong, kumbaga, "serye ng symphonic" ng sagisag ng mga ideya at karakter, na nakakaimpluwensya sa kapaligiran ng pelikula o pagganap.

Ang kapalaran ng mga balete ay kapus-palad. Dito ang sisihin ay buo sa mababang scriptwriting. Ngunit ang musika, na pinagkalooban ng matingkad na imahe at katatawanan, na napakatalino sa orkestra, ay napanatili sa anyo ng mga suite at sumasakop sa isang kilalang lugar sa repertoire ng mga konsiyerto ng symphony. Na may mahusay na tagumpay sa maraming yugto ng musikal ng Sobyet nakabukas ang mga sinehan ballet na "The Young Lady and the Hooligan" sa musika ni D. Shostakovich batay sa libretto ni A. Belinsky, na batay sa script ng pelikula ni V. Mayakovsky.

Gumawa ng malaking kontribusyon si Dmitri Shostakovich sa genre ng instrumental concerto. Ang unang naisulat ay isang piano concerto sa C minor na may solong trumpeta (1933). Sa kanyang kabataan, kalokohan, at kaakit-akit na angularidad ng kabataan, ang konsiyerto ay nakapagpapaalaala sa Unang Symphony. Makalipas ang labing-apat na taon, lumitaw ang isang violin concerto, malalim ang pag-iisip, kahanga-hanga ang saklaw, at virtuosic brilliance; na sinundan ng, noong 1957, ang Second Piano Concerto, na nakatuon sa kanyang anak, si Maxim, na dinisenyo para sa pagtatanghal ng mga bata. Ang listahan ng panitikan ng konsiyerto mula sa panulat ni Shostakovich ay nakumpleto ng mga cello concerto (1959, 1967) at ang Second Violin Concerto (1967). Ang mga konsiyerto na ito ay hindi gaanong idinisenyo para sa "pagkalasing sa teknikal na kinang." Sa mga tuntunin ng lalim ng pag-iisip at matinding drama, ang mga ito ay nagraranggo sa tabi ng mga symphony.

Ang listahan ng mga gawa na ibinigay sa sanaysay na ito ay kinabibilangan lamang ng pinakakaraniwang mga gawa sa mga pangunahing genre. Dose-dosenang mga pamagat sa iba't ibang mga seksyon ng pagkamalikhain ang nanatili sa labas ng listahan.

Ang kanyang landas tungo sa katanyagan sa mundo ay ang landas ng isa sa mga pinakadakilang musikero ng ikadalawampu siglo, na matapang na nagtatakda ng mga bagong milestone sa kulturang pangmusika ng mundo. Ang kanyang landas tungo sa katanyagan sa mundo, ang landas ng isa sa mga taong iyon kung kanino mabubuhay ay nangangahulugan na maging sa kapal ng mga kaganapan ng lahat para sa kanyang oras, upang malalim na bungkalin ang kahulugan ng kung ano ang nangyayari, upang kumuha ng isang patas na posisyon sa mga hindi pagkakaunawaan, salungatan ng mga opinyon, sa pakikibaka at upang tumugon sa lahat ng mga puwersa ng kanyang mga dambuhalang regalo para sa lahat ng bagay na ipinahayag sa isang mahusay na salita - Buhay.

Si Dmitry Shostakovich (1906 – 1975) ay isang pambihirang kompositor na Ruso, klasiko ng ika-20 siglo. Ang malikhaing pamana ay napakalaki sa dami at pangkalahatan sa saklaw nito sa iba't ibang genre. Si Shostakovich ay ang pinakamalaking symphonist ng ikadalawampu siglo (15 symphony). Ang pagkakaiba-iba at pagka-orihinal ng kanyang mga symphonic na konsepto, ang kanilang mataas na pilosopikal at etikal na nilalaman (4, 5, 7, 8, 13, 14, 15 symphony). Umaasa sa mga tradisyon ng mga klasiko (Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Mahler) at matapang na mga makabagong insight.

Gumagana para sa musikal na teatro (opera "The Nose", "Lady Macbeth ng Mtsensk", ballets "Golden Age", "Bright Stream", operetta "Moscow - Cheryomushki"). Musika para sa mga pelikula (“Golden Mountains”, “Counter”, trilogy “Maxim's Youth”, “The Return of Maxim”, “Vyborg Side”, “Meeting on the Elbe”, “Gadfly”, “King Lear”, atbp.) .

Chamber instrumental at vocal music, incl. "Twenty-four Preludes and Fugues", sonata para sa piano, violin at piano, viola at piano, dalawang piano trio, 15 quartets. Concerto para sa piano, violin, cello at orkestra.

Periodization ng trabaho ni Shostakovich: maaga (bago ang 1925), gitna (bago ang 1960s), huli (huling 10 -15 taon) na mga panahon. Mga kakaibang katangian ng ebolusyon at indibidwal na pagka-orihinal ng estilo ng kompositor: multiplicity ng mga elemento ng constituent na may pinakamataas na intensity ng kanilang synthesis (mga tunog na imahe ng musika ng modernong buhay, Russian folk song, pagsasalita, oratorical at arioso-romantic na intonations, mga elemento na hiniram mula sa mga klasikong musika, at ang orihinal na mode intonation structure ng musical speech ng may-akda) . Ang kultural at makasaysayang kahalagahan ng gawain ni D. Shostakovich.