Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Sa kabila ng katotohanan na ang Japan sa pangkalahatan ay itinuturing na isang bansa ng mga sumisikat na teknolohiya sa buong mundo, ang kontemporaryong kontemporaryong sining ay hindi nagmamadaling sirain ang ugnayan sa tradisyon. The exhibition “Mono no aware. The Charm of Things" ay isang malungkot na kwento tungkol sa kalagayan ng tao sa panahon ng plastik.

Mono walang kamalayan - isang aesthetic na prinsipyo na katangian ng kultura ng Hapon, na nagbigay ng pangalan sa eksibisyon, ay nangangahulugang ang malungkot na kagandahan ng mga bagay, isang pakiramdam ng pagkahumaling sa halata at implicit na kagandahan ng mga bagay at phenomena, na may obligadong lilim ng walang dahilan na kalungkutan na dulot. sa pamamagitan ng pakiramdam ng ilusyon at kahinaan ng lahat ng nakikita. Ito ay lubos na nauugnay sa tradisyonal na relihiyong Hapones ng Shinto. Naniniwala ang mga Shintoista na ang lahat ng bagay ay pinagkalooban ng isang espirituwal na diwa na "kami". Ito ay umiiral sa anumang bagay: sa kahoy at sa bato. Ang "Kami" ay walang kamatayan at kasama sa ikot ng buhay at kamatayan, kung saan ang lahat ng bagay sa mundo ay patuloy na nababago.

At bagama't ang kontemporaryong sining ay nagsasalita ng isang pang-internasyonal na wika, mas mainam na tingnan ang kontemporaryong sining ng Hapon na ipinakita sa eksibisyong ito mula sa pananaw ng kanilang mga tradisyon.

Ang panimulang pag-install ng artist na si Hiraki Sawa ay tumagal ng isang buong silid at isang anino na teatro ng mga aktor na may mga kagamitan sa bahay. Ito ay itinayo sa prinsipyo ng isang riles ng mga bata. Ang isang tren na may flashlight ay dumadaan sa landscape na nilikha ng artist, isang sinag ng liwanag ang lumilikha ng macro world mula sa micro world of things. At ngayon ito ay isang birch grove, at hindi patayo na nakatayo na mga lapis; at ito ay mga linya ng kuryente sa mga bukid, hindi nakasabit na clothespins; at ang isang baligtad na plastik na palanggana na may mga hawakan ay isang lagusan. Ang obra ay tinatawag na "Inside", ito ay ipinakita sa Venice Biennale kanina.

Ang pagpipinta ni Shinishiro Kano ay matatawag na primitive surrealism. Sa buhay pa ni Kano, may basketball, planeta Earth at prutas sa isang plato.

Ang pagpipinta ay hindi naglalaman ng pagpipinta mismo, ngunit ang frame lamang na pininturahan ng langis. Sa isang canvas, ang isang pigura ng isang diyos sa isang pulang kimono ay pinagsama sa isang pulang tuwalya na nakasabit sa isang kawit sa isa pa. Ang serye ba ng mga painting na ito ay tungkol sa ilusyon na kalikasan ng mundo? O baka naman ang bawat bagay ay may "kami".

Sa pagpipinta ni Masaya Chiba, sa likuran ng isang magandang gubat, mayroong dalawang pigura: mga anthropomorphic na nilalang, nabubulok mula sa puting bagay, halos hindi kahawig ng isang lalaki at isang babae. Ang mga ito ay nakakabit sa mga patpat na parang oriental theatrical puppet. Ang bagay ay nabubulok, ito ay isang shell lamang - na parang gustong sabihin sa atin ng may-akda. Yung iba niya gawaing pagpipinta Ang "The Sleeping Man" ay tungkol sa parehong bagay. Walang tao sa larawan, kakaunti lamang ang mga bagay sa ottoman: mga lumang litrato at mga postkard, lumaki na cacti, guwantes, paboritong cassette, isang garapon ng mga pampalasa at isang hanay ng mga tool.

Ang pintor na si Teppei Kanueji ay gumagamit ng parehong prinsipyo upang "i-sculpt" (built-up na bagay) ang kanyang tao: idinidikit niya ang basura sa bahay sa anyo ng isang anthropomorphic na nilalang at tinatakpan ito ng puting pintura.

Isang malaking mandola ang nilagyan ng asin sa sahig; Ang ganitong gawaing alahas ay nakakakuha ng iyong hininga, alinman sa isang labirint o isang mapa ng isang misteryosong lupain, at kung gaano kaswerte na walang hangin sa museo. Ang pag-install na ito ay natatangi; nilikha ito ng artist sa loob ng ilang araw sa loob ng mga dingding ng museo. Mayroon ding isang kawili-wiling tradisyon ng Hapon: bago ang isang labanan, ang mga sumo wrestler ay nagwiwisik ng asin sa lupa.

Ang pag-install ni Hiroaki Morita na "From Evian to Volvik" ay nagpapakita ng lubos kawili-wiling paksa moderno para sa Japan - pagproseso ng plastik. May isang bote ng tubig na Evian sa istante ng salamin na eksaktong bumagsak sa leeg ng isa pang bote ng Volvik na nakatayo sa sahig. Ang ilusyon ay nilikha na ang tubig ay bumubuhos mula sa bote patungo sa bote. Absurd sa unang tingin. Para sa mga Hapon, ang haka-haka na gawaing ito ay hindi lamang sumisimbolo sa ikot ng "kami," iyon ay, ang espirituwal na kakanyahan, kundi pati na rin sa literal na kahulugan ang prinsipyo ng recycle - pagproseso ng mga recyclable na materyales. Bilang isang isla na bansa, ang Japan ay isa sa mga unang natutong mangolekta, mag-uri-uri at mag-recycle ng mga basurang plastik. Hindi lamang mga bagong bote at sneaker ang muling ginawa mula sa nagresultang materyal, ngunit kahit na ang mga artipisyal na isla ay nilikha.

Ang pag-install ng Teppei Kuneuji sa unang tingin ay kahawig ng isang istasyon ng pag-uuri ng basura. Ang mga plastik na bagay ay inilatag dito sa iba't ibang pagkakasunud-sunod: mga scoop, amag, iba't ibang mga laruan, hanger, may kulay na toothbrush, hose, baso at iba pa. Dinidilig ng puting pulbos, tila tuluyan na silang nakahiga. Kapag naglalakad ka sa mga pamilyar na bagay na ito, ngunit hindi na ginagamit, pinag-iisipan ang mga ito mula sa malayo, nakaramdam ka ng katulad ng pagmumuni-muni sa isang hardin ng bato. Sa kanyang mga collage ng larawan, si Teppei Kuneuji "sa isip" ay nagtatayo ng mga tore mula sa mga basura sa konstruksyon. Ngunit ang mga ito ay hindi tulad ng kinetic chain tulad ng sa artistikong duo na sina Fischli at Weiss, ngunit tulad ng isang sagradong istraktura ng Buddhist kung saan ang bato ay hawak sa bato nang walang pangkabit na materyal.

Ang pintor na si Suda Yoshihiro ay naglagay ng isang mahusay na ginawang kahoy rosas na rosas na may isang nahulog na talulot. Sa pagtingin sa napaka banayad at mala-tula na interbensyon na ito sa museo, gusto kong magsimulang magsalita sa Japanese poetry sa haiku genre, tulad ng: “Winter. Kahit na ang isang rosas sa isang museo ay namumulaklak magpakailanman."

Ang isa pang pantay na akdang patula, "The Opposite of Volume" ni Onishi Yasuaki, ay tumutukoy sa gawa ng medieval na pintor at Zen monghe na si Toyo Sesshu. Ang Japanese classic na ito ay sikat sa pagdadala sa bansa sumisikat na araw pagguhit ng intsik monochrome mascara.

Ang pag-install ni Yasuaki ay kumakatawan sa isang kulay abong polyethylene volumetric silhouette ng isang bundok, na may mga batis (tulad ng ulan) ng frozen na likidong plastik na bumabagsak dito mula sa kisame. May usapan na gumawa ng "walang laman" na bundok sa ilalim ng buhos ng ulan, na parang may monochrome mga painting ni Toyo Sessus, ang artista ay kailangang bumuo ng isang bundok ng mga kahon, takpan ito ng manipis na polyethylene, at pagkatapos ay tumulo ng mainit na plastik mula sa kisame.

Sa wakas, ang pag-install ni Kengo Kito: mga garland ng may kulay na mga plastic na palakasan na nakasabit, na parang dinadala sa Russia ang "mga pagbati ng Hapon" sa Mga Larong Olimpiko. Ito ay kagiliw-giliw na sa eksibisyon na "The Charm of Things" ay ginagamit ang plastik bilang isang materyal sa tulong kung saan hinawakan ng mga Japanese artist hindi lamang ang kapaligiran, kundi pati na rin ang mga espirituwal na isyu.

Ang kontemporaryong Japanese art scene ay tila ganap na globalisado. Ang mga artista ay lumipat sa pagitan ng Tokyo at New York, halos lahat ay nakatanggap ng European o American na edukasyon, at nagsasalita sila tungkol sa kanilang trabaho sa internasyonal na sining na Ingles. Gayunpaman, ang larawang ito ay malayo sa kumpleto.

Ang mga pambansang hugis at uso ay nagpapatunay na isa sa mga pinaka hinahangad na produkto na inaalok ng Japan sa pandaigdigang merkado. masining na ideya at gumagana.

Pagpapatakbo ng eroplano. Paano pinagsasama ng superflat na kilusan ang kultura ng geek ng Amerika at tradisyonal na pagpipinta ng Hapon

Kung sa Kanluraning mundo para sa halos lahat (maliban marahil sa pinaka-masigasig na postmodern theorists) ang hangganan sa pagitan ng mataas at sikat na kultura nananatiling may kaugnayan pa rin, kahit na may problema, pagkatapos sa Japan ang mga mundong ito ay ganap na halo-halong.

Ang isang halimbawa nito ay si Takashi Murakami, na matagumpay na pinagsama ang mga eksibisyon sa pinakamahusay na mga gallery sa mundo at streaming production.

Pagre-record ng tour ng Murakami exhibition na "There Will Be Gentle Rain"

Gayunpaman, ang relasyon ni Murakami sa sikat na kultura - at para sa Japan, ito ang pangunahing kultura ng mga tagahanga ng manga at anime (otaku) - ay mas kumplikado. Pinuna ni Pilosopo Hiroki Azuma ang pag-unawa sa otaku bilang isang tunay na kababalaghan sa Hapon. Itinuturing ng Otaku ang kanilang sarili na direktang konektado sa mga tradisyon ng panahon ng Edo noong ika-17–19 na siglo - isang panahon ng isolationism at pagtanggi na mag-modernize. Nangangatuwiran si Azuma na ang kilusang otaku - na nakatali sa manga, animation, mga graphic na nobela, mga laro sa kompyuter - ay maaari lamang lumitaw sa konteksto ng pananakop ng mga Amerikano pagkatapos ng digmaan bilang resulta ng pag-import ng kulturang Amerikano. Ang sining ni Murakami at ng kanyang mga tagasunod ay muling nag-imbento ng otaku gamit ang mga paraan ng pop art at pinabulaanan ang nasyonalistang alamat tungkol sa pagiging tunay ng tradisyong ito. Kinakatawan nito ang "re-Americanization ng Japaneseized American culture."

Mula sa isang art historical point of view, ang superflat ay pinakamalapit sa sinaunang Japanese ukiyo-e painting. Ang pinaka sikat na gawain sa tradisyong ito - pag-ukit " Isang malaking alon sa Kanagawa" ni Katsushika Hokusai (1823–1831).

Para sa Kanluraning modernismo, ang pagtuklas ng pagpipinta ng Hapon ay isang pambihirang tagumpay. Pinahintulutan kaming makita ang larawan bilang isang eroplano at nagsusumikap na huwag pagtagumpayan ang tampok na ito, ngunit upang gumana dito.

Mga pioneer ng performance art. Ano ang Ibig Sabihin Ngayon ng Sining ng Hapon noong 1950s

Pagdodokumento ng malikhaing proseso nina Akira Kanayama at Kazuo Shiraga

Ang Superflat ay nabuo lamang noong 2000s. Ngunit ang mga artistikong kaganapan na makabuluhan para sa sining ng mundo ay nagsimula sa Japan nang mas maaga - at mas maaga pa kaysa sa Kanluran.

Ang performative turn sa sining ay naganap sa pagliko ng 60s at 70s ng huling siglo. Sa Japan, lumitaw ang sining ng pagganap noong dekada limampu.

Sa kauna-unahang pagkakataon, inilipat ng Gutai Group ang pokus nito mula sa paglikha ng mga bagay na sapat sa sarili patungo sa proseso ng paggawa ng mga ito. Mula dito ay isang hakbang ang layo mula sa pag-abandona sa art object sa pabor sa isang ephemeral na kaganapan.

Kahit na ang mga indibidwal na artist mula sa Gutai (mayroong 59 sa kanila sa kabuuan sa loob ng dalawampung taon) ay aktibong umiral sa internasyonal na konteksto, na nauunawaan kung paano sila kolektibong aktibidad Ang sining pagkatapos ng digmaang Hapones ay karaniwang nagsimula sa Kanluran kamakailan lamang. Dumating ang boom noong 2013: ilang exhibition sa maliliit na gallery sa New York at Los Angeles, "Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde" sa MoMA at isang malakihang historical retrospective na "Gutai: Splendid Playground" sa Guggenheim Museum. Ang pag-import ng sining ng Hapon sa Moscow ay tila isang halos huli na pagpapatuloy ng kalakaran na ito.

Nakapagtataka kung gaano kapanahon ang hitsura ng mga retrospective na eksibisyon na ito. Halimbawa, ang sentral na bagay ng eksibisyon sa Guggenheim Museum ay isang muling pagtatayo ng Trabaho (Tubig) ni Sadamasa Motonaga, kung saan ang mga antas ng museo rotunda ay konektado sa pamamagitan ng polyethylene tubes na may kulay na tubig. Ang mga ito ay kahawig ng mga brush stroke na napunit mula sa canvas, at naging halimbawa ang sentrong pagtutok ni Gutai sa "konkreto" (tulad ng isinalin mula sa pangalan ng Hapon grupo), ang materyalidad ng mga bagay kung saan gumagana ang artist.

Maraming kalahok sa Gutai ang nakatanggap ng edukasyon na may kaugnayan sa klasikal na nihonga painting, marami ang biyograpikong nakatali sa kontekstong relihiyon ng Zen Buddhism, sa katangian nito. japanese calligraphy. Lahat sila ay nakahanap ng bago, procedural o participatory approach sa mga sinaunang tradisyon. Nag-record si Kazuo Shiraga ng mga video ng kanyang sarili na nagpinta ng kanyang mga monochrome, inaabangan si Rauschenberg, gamit ang kanyang mga paa, at gumawa pa ng mga painting sa publiko.

Binago ni Minoru Yoshida ang mga bulaklak mula sa Japanese prints sa mga psychedelic na bagay - isang halimbawa nito ay ang Bisexual Flower, isa sa mga unang kinetic (gumagalaw) na eskultura sa mundo.

Ang mga tagapangasiwa ng eksibisyon sa Guggenheim Museum ay nagsasalita tungkol sa pampulitikang kahalagahan ng mga gawang ito:

"Ipinakita ni Gutai ang kahalagahan ng malayang indibidwal na pagkilos, ang pagbabagsak ng mga inaasahan ng manonood, at maging ang katangahan bilang mga paraan upang kontrahin ang panlipunang kawalang-kibo at pagsang-ayon na, sa loob ng ilang dekada, pinahintulutan ang isang militaristikong pamahalaan na magkaroon ng kritikal na masa ng impluwensya, salakayin ang Tsina, at pagkatapos ay sumali sa World War II.

Mabuti at matalino. Bakit umalis ang mga artista sa Japan patungong Amerika noong 1960s?

Ang Gutai ay eksepsiyon sa panuntunan sa post-war Japan. Ang mga grupo ng avant-garde ay nanatiling marginal, ang mundo ng sining ay mahigpit na hierarchical. Ang pangunahing landas sa pagkilala ay ang pakikilahok sa mga kumpetisyon na gaganapin ng mga kinikilalang asosasyon ng mga klasikal na artista. Samakatuwid, marami ang ginustong pumunta sa Kanluran at isama sa sistema ng sining sa wikang Ingles.

Ito ay lalong mahirap para sa mga kababaihan. Maging sa progresibong Gutai, ang bahagi ng kanilang presensya ay hindi umabot kahit isang ikalimang bahagi. Ano ang masasabi natin tungkol sa mga tradisyonal na institusyon, para sa pag-access kung saan ito ay kinakailangan espesyal na edukasyon. Sa pamamagitan ng mga ikaanimnapung taon, nakuha na ng mga batang babae ang karapatan dito, ngunit pagsasanay sa sining (kung hindi ito tungkol sa pandekorasyon na sining, na bahagi ng set ng kasanayan) ryosai kenbo- isang mabuting asawa at matalinong ina) ay isang aktibidad na hindi inaprubahan ng lipunan.

Yoko Ono. Gupitin ang Piraso

Naging paksa ng pag-aaral ni Midori Yoshimoto na "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" ang kuwento ng paglilipat ng limang makapangyarihang Japanese artist mula Tokyo patungong States. Nagpasya sina Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi at Shigeko Kubota na lumipat sa New York sa pagsisimula ng kanilang mga karera at doon ay nagtrabaho, kabilang ang paggawa ng makabago sa mga tradisyon ng sining ng Hapon. Si Yoko Ono lamang ang lumaki sa Estados Unidos - ngunit siya rin, ay sadyang tumanggi na bumalik sa Japan, na naging disillusioned sa artistikong hierarchy ng Tokyo sa isang maikling pamamalagi noong 1962-1964.

Si Ono ang naging pinakatanyag sa limang ito - hindi lamang bilang asawa ni John Lennon, kundi pati na rin bilang may-akda ng mga proto-feminist na pagtatanghal na nakatuon sa objectification ng babaeng katawan. May mga halatang pagkakatulad sa pagitan ng Ono's Cut Piece, kung saan maaaring putulin ng mga manonood ang mga piraso ng damit ng artist, at "Rhythm 0" ng "lola ng pagganap" na si Marina Abramović.

Sa maikling binti. Paano kumuha ng orihinal na pagsasanay sa pag-arte ni Tadashi Suzuki

Sa kaso nina Ono at Gutai, ang mga pamamaraan at tema ng kanilang trabaho, na hiwalay sa mga may-akda, ay naging makabuluhan sa buong mundo. Mayroong iba pang mga anyo ng pag-export - kapag ang gawa ng artist ay natanggap na may interes sa internasyonal na yugto, ngunit ang pamamaraan mismo ay hindi hiniram dahil sa pagiging tiyak nito. Ang pinaka-kapansin-pansin na kaso ay ang acting training system ng Tadashi Suzuki.

Ang Suzuki Theater ay minamahal kahit na sa Russia - at hindi ito nakakagulat. Huling beses binisita niya kami noong 2016 kasama ang dulang "The Trojan Women" batay sa mga teksto ng Euripides, at noong 2000s ay dumating siya nang maraming beses kasama ang mga produksyon nina Shakespeare at Chekhov. Inilipat ni Suzuki ang aksyon ng mga dula sa kasalukuyang konteksto ng Hapon at nag-alok ng mga di-halatang interpretasyon ng mga teksto: natuklasan niya ang anti-Semitism sa Ivanov at inihambing ito sa mapanghamak na saloobin Japanese sa Chinese, inilipat ang aksyon ni "King Lear" sa isang Japanese madhouse.

Itinayo ni Suzuki ang kanyang sistema sa pagsalungat sa paaralan ng teatro ng Russia. SA huli XIX siglo, noong tinaguriang panahon ng Meiji, ang isang nagmoderno na imperyal na Japan ay nakaranas ng pagtaas ng mga kilusan ng oposisyon. Ang resulta ay isang malakihang Westernization ng isang dating sobrang saradong kultura. Kabilang sa mga na-import na form ay ang Stanislavsky system, na nananatiling isa sa mga pangunahing pamamaraan ng pagdidirekta sa Japan (at sa Russia).

Mga ehersisyo ng Suzuki

Noong dekada ikaanimnapung taon, nang simulan ni Suzuki ang kanyang karera, ang thesis ay lalong lumalaganap na, dahil sa kanilang mga pisikal na katangian, ang mga aktor ng Hapon ay hindi nasanay sa mga tungkulin mula sa mga tekstong Kanluranin na pumupuno sa repertoire noon. Nagawa ng batang direktor na mag-alok ng pinaka-nakakumbinsi na alternatibo.

Ang sistema ng mga pagsasanay ni Suzuki, na tinatawag na grammar ng mga binti, ay may kasamang dose-dosenang mga paraan upang umupo, kahit na higit pa upang tumayo at maglakad.

Ang kanyang mga aktor ay karaniwang naglalaro ng nakayapak at, dahil sa pagbaba ng sentro ng grabidad, ay lumilitaw na mabigat hangga't maaari, na nakatali sa lupa. Itinuro ni Suzuki sa kanila at sa mga dayuhang performer ang kanyang pamamaraan sa nayon ng Toga, sa mga sinaunang bahay ng Hapon na puno ng modernong kagamitan. Ang kanyang tropa ay nagbibigay lamang ng humigit-kumulang 70 na pagtatanghal sa isang taon, at ang natitirang oras ay nabubuhay sila, halos hindi umaalis sa nayon at walang oras para sa mga personal na bagay - trabaho lamang.

Ang sentro sa Toga ay lumitaw noong dekada ikapitumpu, ito ay dinisenyo sa kahilingan ng direktor ng mundo sikat na arkitekto Arata Isozaka. Ang sistema ni Suzuki ay maaaring mukhang patriyarkal at konserbatibo, ngunit siya mismo ay nagsasalita tungkol sa Toga sa modernong mga tuntunin ng desentralisasyon. Noong kalagitnaan ng 2000s, naunawaan ni Suzuki ang kahalagahan ng pag-export ng sining mula sa kabisera patungo sa mga rehiyon at pag-aayos ng mga lokal na lugar ng produksyon. Ayon sa direktor, ang theatrical map ng Japan sa maraming paraan ay katulad ng sa Russia - ang sining ay puro sa Tokyo at ilang mas maliliit na sentro. teatro ng Russia Magiging maganda rin na magkaroon ng isang kumpanya na regular na naglilibot sa paligid maliit na mga bayan at nakabase sa malayo sa kabisera.

Mga landas ng bulaklak. Anong mapagkukunan ang natuklasan ng modernong teatro sa sistema ng noh at kabuki?

Ang pamamaraan ng Suzuki ay lumago sa dalawang sinaunang tradisyon ng Hapon - Kabuki. Ito ay hindi lamang na ang mga uri ng teatro ay madalas na nailalarawan bilang sining ng paglalakad, kundi pati na rin ang mas malinaw na mga detalye. Madalas na sinusunod ni Suzuki ang panuntunan na ang lahat ng mga tungkulin ay ginagampanan ng mga lalaki, gamit ang mga katangiang spatial na solusyon, halimbawa, hanamichi ("landas ng mga bulaklak") ng kabuki pattern - isang platform na umaabot mula sa entablado hanggang sa likod. auditorium. Gumagamit din siya ng napakakilalang mga simbolo tulad ng mga bulaklak at mga scroll.

Siyempre, sa pandaigdigang mundo Hindi may usapan tungkol sa pribilehiyo ng mga Hapones na gamitin ang kanilang mga pambansang anyo.

Ang teatro ng isa sa pinakamahalagang direktor sa ating panahon, ang Amerikanong si Robert Wilson, ay itinayo sa mga paghiram mula rito.

Hindi lamang siya gumagamit ng mga maskara at pampaganda na nagpapaalala sa mass audience ng Japan, ngunit humihiram din siya ng mga paraan ng pag-arte batay sa maximum slow motion at self-sufficient expressiveness ng kilos. Pinagsasama-sama ang mga tradisyonal at ritwal na anyo na may mga cutting-edge na marka ng pag-iilaw at minimalist na musika (isa sa pinaka... mga tanyag na gawa Ang produksyon ni Wilson ng Einstein on the Beach ni Philip Glass), mahalagang ginawa ni Wilson ang synthesis ng mga pinagmulan at kaugnayan na pinagsusumikapan ng karamihan ng kontemporaryong sining.

Robert Wilson. "Einstein sa dalampasigan"

Mula sa noh at kabuki lumaki ang isa sa mga haligi modernong sayaw- butoh, literal na isinalin - sayaw ng dilim. Nilikha noong 1959 ng mga koreograpo na sina Kazuo Ono at Tatsumi Hijikata, na umasa din sa mababang sentro ng grabidad at nakatutok sa mga binti, kinakatawan ng butoh ang pagsasalin ng mga pagninilay sa mga traumatikong karanasan sa digmaan sa pisikal na dimensyon.

"Nagpakita sila ng isang katawan na may sakit, nabubulok, kahit na napakapangit, napakapangit.<…>Ang mga galaw ay minsan mabagal, minsan sadyang matalas, paputok. Para dito, ginagamit ang isang espesyal na pamamaraan, kapag ang paggalaw ay isinasagawa na parang hindi ginagamit ang pangunahing mga kalamnan, dahil sa mga lever ng buto ng balangkas," isinulat ng mananalaysay ng sayaw na si Irina Sirotkina ang butoh sa kasaysayan ng pagpapalaya ng katawan, na kumukonekta. ito sa pag-alis mula sa ballet normativity. Inihambing niya ang butoh sa mga gawi ng mga mananayaw at koreograpo noong unang bahagi ng ika-20 siglo - sina Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, at pinag-uusapan ang impluwensya sa "postmodern" na sayaw.

Isang fragment ng isang sayaw ni Katsura Kan, isang modernong kahalili sa tradisyon ng butoh

Sa ngayon, ang butoh sa orihinal nitong anyo ay hindi na isang avant-garde practice, kundi isang historical reconstruction.

Gayunpaman, nananatili ang bokabularyo ng mga paggalaw na binuo nina Ono, Hijikata at ng kanilang mga tagasunod makabuluhang mapagkukunan Para sa mga modernong koreograpo. Sa Kanluran, ginagamit ito nina Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky at maging sa video para sa "Belong To The World" ng The Weekend. Sa Japan, ang nagpapatuloy ng tradisyon ng butoh ay, halimbawa, si Saburo Teshigawara, na darating sa Russia sa Oktubre. Bagama't siya mismo ay itinatanggi ang anumang pagkakatulad sa sayaw ng kadiliman, ang mga kritiko ay nakakahanap ng medyo nakikilalang mga palatandaan: isang tila walang buto na katawan, hina, at tahimik na mga hakbang. Totoo, inilagay na sila sa konteksto ng postmodern choreography - na may mataas na tempo, jogging, gumagana sa post-industrial noise music.

Saburo Teshigawara. Metamorphosis

Lokal na global. Paano nagkakatulad ang kontemporaryong sining ng Hapon sa sining ng Kanluranin?

Ang mga gawa ni Teshigawara at marami sa kanyang mga kasamahan ay magkasya nang walang putol sa mga programa ng pinakamahusay na Western contemporary dance festival. Kung mabilis mong titingnan ang mga paglalarawan ng mga pagtatanghal at pagtatanghal na ipinakita sa Festival/Tokyo - ang pinakamalaking taunang palabas ng Japanese theater, magiging mahirap na mapansin ang mga pangunahing pagkakaiba sa mga uso sa Europa.

Isa sa mga pangunahing tema ay site-specificity - ginalugad ng mga Japanese artist ang mga espasyo ng Tokyo mula sa mga kumpol ng kapitalismo sa anyo ng mga skyscraper hanggang sa mga marginal na lugar ng konsentrasyon ng otaku.

Ang isa pang paksa ay ang elaborasyon ng intergenerational misunderstanding, theater bilang isang lugar ng live na pagpupulong at organisadong komunikasyon ng mga tao iba't ibang edad. Ang mga proyektong inialay sa kanya nina Toshiki Okada at Akira Tanayama ay dinala sa Vienna sa loob ng ilang magkakasunod na taon sa isa sa mga pangunahing European festival ng performative arts. Sa pagtatapos ng 2000s, wala nang bago sa pagdadala ng mga dokumentong materyal at personal na kwento sa entablado, ngunit ipinakita ng tagapangasiwa ng Vienna Festival ang mga proyektong ito sa publiko bilang isang pagkakataon para sa live, naka-target na pakikipag-ugnayan sa ibang kultura.

Ang isa pang pangunahing linya ay nagtatrabaho sa pamamagitan ng mga traumatikong karanasan. Para sa mga Hapon, hindi ito nauugnay sa Gulag o Holocaust, ngunit sa pambobomba sa Hiroshima at Nagasaki. Ang teatro ay patuloy na tumutukoy dito, ngunit ang pinakamalakas na pahayag tungkol sa mga pagsabog ng atom bilang ang sandali ng simula ng lahat ng modernong kultura ng Hapon ay pagmamay-ari pa rin ni Takashi Murakami.

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" ang pamagat ng kanyang curatorial project, na ipinakita sa New York noong 2005. "Little Boy" - "baby" sa Russian - ang pangalan ng isa sa mga bomba na ibinagsak sa Japan noong 1945. Nangongolekta ng daan-daang manga komiks mula sa mga nangungunang illustrator, mga natatanging vintage na laruan, at mga souvenir batay sa sikat na anime - mula Godzilla hanggang Hello Kitty, pinalaki ni Murakami ang konsentrasyon ng cute - kawaii - sa espasyo ng museo hanggang sa limitasyon. Kasabay nito, inilunsad niya ang isang seleksyon ng mga animation kung saan sentral na mga imahe May mga larawan ng mga pagsabog, hubad na lupa, nawasak na mga lungsod.

Ang kaibahan na ito ay naging unang malakihang pahayag tungkol sa infantilization ng kultura ng Hapon bilang isang paraan upang makayanan ang post-traumatic stress disorder.

Ngayon ang konklusyon na ito ay tila halata. Nakabatay dito ang akademikong pananaliksik ni Inuhiko Yomota sa kawaii.

Mayroon ding mamaya traumatic trigger. Ang pinakamahalaga ay ang mga kaganapan noong Marso 11, 2011, ang lindol at tsunami na humantong sa isang malaking aksidente sa Fukushima nuclear power plant. Sa Festival/Tokyo-2018 buong programa sa anim na pagtatanghal ay nakatuon sa pag-unawa sa mga kahihinatnan ng isang natural at teknolohikal na sakuna; sila rin ang naging tema ng isa sa mga akdang ipinakita sa Solyanka. Ang halimbawang ito ay malinaw na nagpapakita na ang arsenal ng mga kritikal na pamamaraan sa Western at Japanese na sining ay hindi sa panimula ay naiiba. Lumilikha si Haruyuki Ishii ng pag-install ng tatlong telebisyon na naglalaro ng high-tempo, naka-loop na footage mula sa mga programa sa telebisyon tungkol sa lindol sa isang loop.

"Ang gawa ay binubuo ng 111 na video na pinapanood ng artist araw-araw sa balita hanggang sa sandaling ang lahat ng nakita niya ay nagsimulang isipin bilang fiction," paliwanag ng mga curator. Ang "Bagong Japan" ay isang kapansin-pansing halimbawa kung paano hindi nilalabanan ng sining ang interpretasyon batay sa mga pambansang alamat, ngunit sa parehong oras kritikal na pananaw ay nagpapakita na ang parehong interpretasyon ay maaaring may kaugnayan para sa sining ng anumang pinagmulan. Pinag-uusapan ng mga curator ang pagmumuni-muni bilang batayan tradisyon ng Hapon, pagguhit ng mga panipi mula sa Lao Tzu. Kasabay nito, na parang nag-iiwan ng mga bracket, halos lahat ng kontemporaryong sining ay nakatuon sa "epekto ng tagamasid" (iyan ang pangalan ng eksibisyon) - maging ito sa anyo ng paglikha ng mga bagong konteksto para sa pang-unawa ng mga pamilyar na phenomena o sa pagtaas ang tanong ng posibilidad ng sapat na pang-unawa tulad nito.

Ang Imagined Communities ay isa pang gawa ng video artist na si Haruyuki Ishii

Laro

Gayunpaman, hindi dapat isipin na ang Japan noong 2010s ay kumakatawan sa isang konsentrasyon ng progresibo.

Ang mga gawi ng magandang lumang tradisyonalismo at pag-ibig para sa Orientalist exoticism ay hindi pa napagtagumpayan. Ang "Theater of Virgins" ay ang pamagat ng isang medyo hinahangaan na artikulo tungkol sa Japanese Takarazuka Theater sa Russian konserbatibong magazine na PTZh. Lumitaw ang Takarazuka sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang proyekto ng negosyo upang maakit ang mga turista sa malayong lungsod na may parehong pangalan, na hindi sinasadyang naging dulo ng isang pribadong riles. Naglalaro lang sila sa sinehan mga babaeng walang asawa, na, ayon sa plano ng may-ari ng riles, ay dapat umakit sa mga lalaking manonood sa lungsod. Ngayon ang Takarazuka ay tumatakbo tulad ng isang industriya - na may sarili nitong TV channel, siksik programa ng konsiyerto, maging ang lokal na amusement park. Pero ang mga unmarried girls lang ang may karapatang mapabilang sa tropa - sana, at least hindi nila suriin ang kanilang virginity.

Gayunpaman, namumutla ang Takarazuka kumpara sa Toji Deluxe club sa Kyoto, na tinatawag ding teatro ng mga Hapon. Nagpapakita sila ng mga ganap na ligaw na bagay, sa paghusga sa pamamagitan ng paglalarawan Ang kolumnista ng New Yorker na si Ian Buruma, palabas sa estriptis: ilang nakahubad na batang babae sa entablado ang ginawang pampublikong ritwal ang pagpapakita ng mga ari.

Tulad ng maraming artistikong kasanayan, ang palabas na ito ay batay sa mga sinaunang alamat (sa tulong ng isang kandila at isang magnifying glass, ang mga lalaki sa madla ay maaaring magpalitan ng paggalugad sa "mga lihim ng ina na diyosa na si Amaterasu"), at ang may-akda mismo ay pinaalalahanan ng ang tradisyon ng Noh.

Ipaubaya namin sa mambabasa ang paghahanap para sa Western analogues para sa Takarazuka at Toji - hindi mahirap hanapin ang mga ito. Tandaan lamang natin na tiyak na labanan ang gayong mga gawi ng pang-aapi na ang isang mahalagang bahagi ng kontemporaryong sining ay naglalayon - parehong Kanluranin at Hapon, mula sa superflat hanggang sa butoh na sayaw.

Mula noong Nobyembre 16, 2013, binuksan ng Ermita ang eksibisyon na "Mono walang kamalayan. Makabagong Sining Japan." Ang eksibisyon, na matatagpuan sa gusali ng Eastern Wing ng General Staff, ay inihanda ng State Hermitage sa suporta ng Japanese Embassy sa Russia, at nagtatanghal ng mga installation, sculpture, video art, mga larawang nilikha sa nakalipas na ilang taon. taon ng mga Japanese artist at idinisenyo upang punan ang isang bagong pahina sa siglo-lumang kasaysayan ng sining Land of the Rising Sun. Kuvakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki Sawa at iba pa.

Umiiral mula noong ika-10 siglo, ang terminong "mono no aware" ay maaaring isalin bilang "ang kagandahan ng isang bagay" o "kasiyahan sa isang bagay", at nauugnay sa ideya ng Budismo ng ephemerality at kawalang-saysay ng pag-iral. Ang materyal at espirituwal na mga bagay na nakapalibot sa isang tao ay puno ng isang kakaiba, panandaliang kagandahan (avare) na katangian lamang sa kanya. Ang isang tao - at higit sa lahat isang artista - ay dapat na may tumutugon na puso upang mahanap at madama ang kagandahang ito, upang tumugon dito sa loob. Mga kontemporaryong artista Mayroon silang matalas na kahulugan ng mga materyales kung saan kumikinang ang panloob na pagiging simple ng kahulugan. Sadyang nililimitahan ang kanilang sarili sa ilang partikular na tema at motif, gumagamit sila ng mga sinaunang pamamaraan ng artistikong Hapon sa bagong paraan.

Sa Japan, tulad ng sa Russia, ang kontemporaryong sining ay isang kababalaghan na dinala mula sa labas, mula sa Kanluran, na hindi palaging naiintindihan at nagiging sanhi ng pagtanggi. Ang parehong kultura ay tinanggap ang Anglo-American na terminong kontemporaryong sining bilang isang simbolo ng mga bagong kultural na paghiram. Sa Japan noong 1970s, tulad ng sa Russia noong 1990s, parang mga tagalabas ang mga artista. Umalis sila upang magtrabaho sa Kanluran, ngunit sa Japan pa rin noong 1970s ang mga salitang "kontemporaryong sining" ay naging positibo, na nagpapahintulot sa nakababatang henerasyon kalimutan ang kahulugan ng "post-war art", na nauugnay sa trahedya at pagtanggi.

Ang tunay na pamumulaklak ng modernong sining sa Kanluraning kahulugan ay dumating lamang sa pagtatapos ng 1980s, nang magbukas ang mga gallery hindi lamang sa Ginza, kundi pati na rin sa ibang mga lugar ng Tokyo. Noong 1989, ang unang modernong museo ng sining ay itinatag sa Hiroshima, at hindi nagtagal ay sumunod ang mga museo ng Tokyo noong 1990s. Mula noon, nagsimula ang unti-unting pagkilala sa kababalaghan ng kontemporaryong sining. Pambansang antas at ang pagpasok nito sa pang-araw-araw na buhay pangkultura. Ang sumunod na hakbang ay ang pagdaraos ng national biennales at triennials.

Sa panahon ng kabuuang pangingibabaw ng mga teknolohiya ng media, itinuon ng mga artistang Hapones ang kanilang atensyon sa mga katutubong materyales, sa kanilang pagpindot, sa pakikinig sa kanila. Ang malaking interes sa eksibisyon ay ang mga pag-install, kabilang ang gawain ni Ryota Kuwakubo (b. 1971), simple sa disenyo, ngunit kumplikado sa pagkilos, kung saan ang pangunahing papel ay ginampanan ng anino. Binabalangkas ng artist ang mga bagay at lumilikha ng kamangha-manghang gumagalaw na kaleidoscope. Si Kaneuji Teppei (b. 1978) ay nagpapakita ng mga hindi inaasahang disenyo mula sa pang-araw-araw na materyales sa bahay. Ang mga bagay na kinolekta niya, na may iba't ibang kulay at layunin, ay bumubuo ng mga kakaibang hugis na nagiging makabagong eskultura o mga landscape na nababalutan ng niyebe na may Mga pintura ng Hapon sa seda.

Ang "mga pagpipilian sa materyal" sa mga gawa sa video at sa genre ng "found object" ay ginawa ni Hiroaki Morita (b. 1973), at sa pagpipinta ni Shinishiro Kano (b. 1982) at Masaya Chiba (b. 1980). Ang potensyal ng napaka-prosaic na "mga pagpipilian sa materyal" na pinagsama-sama ng mga artista ay bumalik sa espiritwalisasyon ng lahat at lahat, tradisyonal para sa Budismo kasama ang ideya nito na sa bawat nilalang at sa bawat bagay - mula sa isang tao hanggang sa isang maliit na talim ng damo - ay kasinungalingan ang kalikasan ng Buddha. Binibigyang-pansin din nila ang panloob na kakanyahan ng mga bagay, na itinuturing na kagandahan at kagandahan.

Ang pag-install ni Kengo Kito (b. 1977), na binubuo ng mga hoop, ay parehong eskultura at malaking larawan na may mga nakadiskonektang eroplano, elementarya na kulay at pananaw. Ang espasyo sa loob nito ay nagiging mga eroplano sa harap ng ating mga mata, na ginagawang posible na walang katapusang kopyahin ang lahat ng mga palatandaan at simbolo ng sining na nawalan ng koneksyon sa katotohanan.

Yasuaki Onishi (b. 1979) at Motoi Yamamoto (b. 1966) ay gumagana sa espasyo na medyo naiiba sa kanilang mga installation. Para bang pinag-iisa ang lahat ng iba't ibang pamamaraang ito na may mapang-akit na pagiging simple, sinimulan ni Yoshihiro Suda (b. 1969) ang kaunting panghihimasok sa espasyo ng eksibisyon sa pamamagitan ng maingat na paglalagay ng mga halamang kahoy na parang tunay.

Ang eksibisyon na "Mono no aware. The charm of things. Contemporary art of Japan" ay inihanda ng Department of Contemporary Art bilang bahagi ng Hermitage 20/21 project. Ayon kay M. B. Piotrovsky, Pangkalahatang Direktor ng State Hermitage: "Ang mga layunin ng proyekto ay upang mangolekta, magpakita, at mag-aral ng sining ng ika-20-21 na siglo "Hermitage 20/21" ay naka-address sa mga nais sumunod sa panahon - sa mga baguhan at propesyonal, sopistikadong mga connoisseurs at mga pinakabatang manonood."

Ang mga curator ng eksibisyon ay sina Dmitry Yuryevich Ozerkov, pinuno ng Department of Contemporary Art ng State Hermitage, Candidate of Philosophy at Ekaterina Vladimirovna Lopatkina, deputy head ng Department of Contemporary Art. Ang siyentipikong consultant ng eksibisyon ay si Anna Vasilievna Savelyeva, isang mananaliksik sa Oriental Department ng State Hermitage. Ang isang may larawang brochure ay inihanda para sa eksibisyon, ang may-akda ng teksto ay si D.Yu. Ozerkov.

Sinasakop ng sining ng Hapon ang isang mahalagang lugar sa koleksyon ng State Hermitage at may bilang na humigit-kumulang 10,000 mga gawa: ang museo ay nag-iimbak ng 1,500 mga sheet ng mga kulay na woodcuts, kabilang ang mga gawa. mga sikat na master Japanese prints mula sa kalagitnaan ng ika-18 hanggang ika-20 siglo; koleksyon ng porselana at keramika (higit sa 2000 exhibit); barnisan ng ika-16-20 siglo; mga sample ng tela at costume. Ang pinakamahalagang bahagi ng koleksyon ng sining ng Hapon ng Hermitage ay ang koleksyon ng netsuke - pinaliit na eskultura noong ika-17-19 na siglo, na may bilang na higit sa 1000 mga gawa.

Tadasu Takamine. "God Bless America", 2002. Video (8 min. 18 seg.)

Dobleng Pananaw: Kontemporaryong Sining ng Japan
Mga Curator na sina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka

Unang bahagi: "Reality/Ordinaryong Mundo." Museo ng Makabagong Sining ng Moscow, Mt. Moscow, Ermolaevsky lane, 17
Ikalawang bahagi: “Imaginary World/Fantasies.” Museo ng Makabagong Sining ng Moscow, Mt. Moscow, Gogolevsky Boulevard, 10

Ang Moscow Museum of Modern Art kasama ang Japan Foundation ay nagtatanghal ng eksibisyon na "Double Perspective: Contemporary Art of Japan", na idinisenyo upang ipakilala ang pangkalahatang publiko sa mga kontemporaryong Japanese artist.
Ang dalawahang pananaw ay mula sa dalawang curator iba't-ibang bansa, dalawang site ng museo at isang istraktura ng proyekto na may dalawang bahagi. Na-curate nina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka, pinagsasama-sama ng eksibisyon ang mga gawa ng higit sa 30 mga artista ng iba't ibang direksyon, na nagtatrabaho mula sa 70s ng ika-20 siglo hanggang sa kasalukuyan. Ang proyekto ay binubuo ng dalawang bahagi - "Tunay na Mundo/Araw-araw na Buhay" at "Imaginary World/Fantasy" - na matatagpuan sa bakuran ng museo sa 17 Ermolaevsky Lane at 10 Gogolevsky Boulevard.

Unang Bahagi: “Reality/Ordinaryong Mundo”

Ang unang bahagi ng eksibisyon na "Tunay na Mundo/Araw-araw" ay nagpapakita ng pananaw ng mga Japanese artist sa mundo sa paligid natin sa pamamagitan ng pag-apila sa kasaysayan ng mundo noong ika-20 siglo (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa at Yuken Teruya), mga pagninilay sa istraktura modernong lipunan(Dumb Type at Tadasu Takamine), pakikipag-ugnayan sa urban space (contact Gonzo and ChimPom) at ang paghahanap ng tula sa pang-araw-araw na buhay (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi at Tetsuya Umeda). Si Yasumasa Morimura sa serye ng mga gawa sa video na "Requiem" ay nagbabago sa iba't-ibang mga makasaysayang karakter: Chaplin, manunulat na si Yukio Mishima at maging si Lenin - at muling nililikha ang mga yugto mula sa kanilang buhay. Ang isa pang kalahok sa proyekto, si Tetsuya Umeda, ay lumilikha ng mga pag-install mula sa mga improvised na paraan, mga ordinaryong bagay - kaya, ang pinaka-banal na pang-araw-araw na buhay ay nagiging sining. Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga gawa ni Yoko Ono - ang sikat na "Cut Piece" sa 1965 at 2003 na bersyon at ang sound installation na "Cough Piece" (1961). Itatampok sa eksibisyon ang mga gawa ni Kishio Suga, isa sa mga sentral na kinatawan ng kilusang Mono-Ha (isinalin bilang "School of Things"), na nag-aalok ng alternatibong Hapones sa Kanluraning modernismo. Ang seksyon ng larawan ay magpapakita ng mga gawa nina Toshio Shibata, Takashi Homma at Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Narito ako, ngunit wala kahit saan", 2000. Mixed media. Pag-install sa Maison de la culture du Japon, Paris.
Koleksyon ng may-akda

Ang mga gawa na bumubuo sa ikalawang bahagi ng proyekto ay magpapakita sa publiko ng isang libre, haka-haka na mundo kung saan ang lahat ng bagay na hindi natin nakikita sa totoong buhay, lahat ng nasa labas nito. Ang mga gawa ng mga artista sa bahaging ito ng eksibisyon ay tumutukoy sa kulturang pop ng Hapon, ang mundo ng pantasya, kawalang-muwang, mga alamat at mga pagmumuni-muni sa istruktura ng kosmogonikong mundo. Ang bawat exhibitor ay naglalagay ng kanyang sariling kahulugan sa konsepto ng "imahinasyon." Ito ang ginagawa ng artistang si Tadanori Yokoo sa kanyang relasyon sa mundong haka-haka. Pangunahing tema ang kanilang mga gawa ay nawawala, o sa halip ay "naglalaho sa sarili." Ang isang katulad na motif ay makikita sa gawa ni Yayoi Kusama: sa pamamagitan ng pagpapakita ng kanyang mga pantasya sa katotohanan, lumilikha siya ng mundong puno ng kakaibang mga pattern. Ang higanteng iskultura na "Child of the Sun" (2011) ni Kenji Yanobe ay nilikha sa isang kakila-kilabot na panahon nang nagkaroon ng pagsabog sa nuclear power plant"Fukushima-1". Ang kanyang monumental na bagay ay nagiging isang punto ng intersection ng mga imahinasyon. Nauunawaan ng artist na ang karanasan na naranasan sa hangganan ng tunay ay magiging impetus para sa paglikha ng isang bagong mundo. Nagtatampok din ang Imaginary World/Fantasy section ng mga gawa ni Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa at marami pang iba.
Ang ilang mga gawa ay partikular na nilikha para sa eksibisyon. Ang artist na si Yoshinori Niwa para sa kanyang proyekto na "Vladimir Lenin ay nais sa mga apartment ng Moscow" (2012) ay dumating sa Moscow upang makahanap ng mga artifact na nauugnay sa personalidad ng rebolusyonaryo sa mga apartment ng Muscovites. Ang kanyang trabaho ay dokumentasyon ng video ng kanyang mga paghahanap at paglalakbay sa paligid ng Moscow. Ang artist na si Tetsuya Umeda, na ang mga gawa ay ipapakita nang sabay-sabay sa dalawang lugar, ay pupunta sa Moscow upang ipatupad ang kanyang mga pag-install sa site.
Ang dalawang ito, sa unang sulyap, ang magkakaibang bahagi ng eksibisyon ay inilaan upang ipakita ang dalawang poste ng sining ng Hapon, na sa katotohanan ay hindi mapaghihiwalay sa isa't isa.
Bilang bahagi ng eksibisyon, pinlano din na magdaos ng mga bukas na master class at malikhaing pagpupulong kasama ang mga kalahok sa proyekto. Magkakaroon ng mga lecture ng Japanese curator na si Kenjiro Hosaka at artist na si Kenji Yanobe. Para sa Russia, ang eksibisyong ito ay kumakatawan sa kontemporaryong sining ng Hapon sa unang pagkakataon sa gayong sukat.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166.5 x 100 cm sa canvas
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kishio Suga "Space of Separation", 1975. Mga sanga at kongkretong bloke. 184 x 240 x 460 cm
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Child of the Sun", 2011. Fiberglass, steel, neon, atbp. 620 x 444 x 263 cm. Pag-install sa Ezpo Memorial Park"70
Larawan: Thomas Swab

Ang Hermitage ay nagho-host ng isang kawili-wiling eksibisyon - Contemporary Art of Japan "MONO-NO AWARE. The Charm of Things."

Hindi ko masasabi na fan ako ng kontemporaryong sining. Mas gusto ko kapag may titingnan (busy graphics, o decorative arts, ethnicity - that’s my everything). Ang paghanga sa kagandahan ng isang purong konsepto ay hindi palaging masaya para sa akin. (Malevich, sorry! Hindi ko gusto ang black square!)

Ngunit ngayon nakarating ako sa eksibisyong ito!

Mga minamahal, kung ikaw ay nasa St. Petersburg, interesado sa sining at hindi pa nakakapunta doon, ang eksibisyon ay magpapatuloy hanggang ika-9 ng Pebrero! Pumunta, ito ay kawili-wili!

Hindi ako masyadong kumbinsido sa mga konsepto, tulad ng isinulat ko sa itaas. Naisip ko kahit papaano na sa isang taon ng pagbisita sa mga kontemporaryong eksibisyon, halos isa o dalawang bagay ay tila nakakatawa sa akin. At maraming bagay ang hindi nakakaantig sa akin kaya naaawa ako sa oras na ginugol ko. Ngunit ito ay sa anumang genre, sa anumang sining, ang porsyento ng talento at pangkaraniwan, mabuti kung ito ay isa sa sampu! Ngunit nagustuhan ko ang eksibisyong ito.

Ipinakita ang mga likhang Hapones sa mga exhibition hall ng General Staff Building. Ang unang pag-install na bumabati sa mga bisita ay isang hindi kapani-paniwalang malaking labirint na binudburan ng asin sa sahig. Gray na sahig, puting asin, hindi kapani-paniwalang maayos na markang espasyo, hinabi sa isang field. Isang malaking bulwagan ng eksibisyon, at isang puting palamuti na kumakalat sa sahig na parang kamangha-manghang loach. Bukod dito, naiintindihan mo kung gaano pansamantala ang sining na ito. Ang eksibisyon ay magsasara, ang labirint ay tangayin ng walis. Minsan akong nanood ng pelikula, "Little Buddha". At doon, sa simula, isang Buddhist monghe ang naglatag ng isang kumplikadong palamuti mula sa kulay na buhangin. At sa pagtatapos ng pelikula, ang monghe ay gumawa ng isang matalim na paggalaw gamit ang kanyang brush at ang titanic na gawa ay nakakalat sa hangin. Ito ay naroroon, pagkatapos ito ay isang hop, at pagkatapos ay hindi. At ang sabi nito, pahalagahan ang kagandahan dito at ngayon, ang lahat ay panandalian. Kaya ang labirint ng asin na ito, pumapasok ito sa diyalogo sa iyo, sinimulan mong sagutin ang mga tanong na ibinibigay nito sa iyo. Artist - Motoi Yamamoto.

Oo Oo! Ito ay isang malaking labirint, naramdaman mo ba ang sukat?

Ang pangalawang bagay na nakakabighani ay ang malaking simboryo na gawa sa polyethylene at itim na resin ni Yasuaki Onishi. Ang espasyo ay idinisenyo sa hindi pangkaraniwang paraan. Ang nakasabit sa itim, manipis, hindi pantay na mga string ng dagta, bahagyang gumagalaw, ay isang simboryo... o isang bundok na may kumplikadong lupain. Pagpasok mo sa loob, makikita mo ang motley pattern ng mga tuldok - mga lugar kung saan dumidikit ang dagta. Ito ay nakakatawa, na parang ang itim na ulan ay tahimik na bumabagsak, at ikaw ay nasa ilalim ng canopy.

Paano mo naisip ang pamamaraang ito? Nakakatawa diba? Ngunit sa totoong buhay ay mukhang "mas buhay", ang simboryo ay bahagyang umindayog mula sa simoy na nilikha ng mga dumadaang bisita. At mayroong isang pakiramdam ng iyong pakikipag-ugnayan sa bagay. Maaari kang pumunta "sa kweba" at tingnan kung ano ito mula sa loob!

Ngunit upang maiwasan ang impresyon na ang lahat ay itim at puti lamang, magpo-post ako dito ng ilang higit pang mga larawan ng komposisyon na ginawa mula sa mga hoop na magkakaugnay. Ang ganitong mga kulay na nakakatawang mga kulot na plastik! At saka, maaari kang maglakad sa silid na ito, sa loob ng mga hoop, o maaari mong tingnan ang lahat mula sa labas.

Ang mga bagay na ito ang pinakagusto ko. Siyempre, sa lalong madaling panahon ang konsepto ng kontemporaryong sining ay magiging iba, na naaayon sa bagong panahon. Hindi na ito babalik sa dating daan, at hindi na mananatili tulad ng ngayon. Magbabago ito. Ngunit upang maunawaan kung ano ang nangyari, kung saan ang daloy ay nagmamadali at kung ano at saan ito nanggaling, kailangan mong malaman kung ano ang nangyayari ngayon. At huwag kang mahiya sa katotohanan na nooo, ang konsepto ay hindi para sa akin, ngunit subukang makita ito at pahalagahan ito. Mayroong ilang mga talento, gaya ng dati, ngunit umiiral ang mga ito. At kung umalingawngaw ang mga exhibit, hindi mawawala ang lahat!!!