Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Si Takashi Murakami ay isa sa pinaka mga kilalang kinatawan modernong psychedelic pop art. Ang mga gawa ni Murakami ay humanga sa kanilang pagiging masayahin, ningning at parang bata na spontaneity. Ang artista ay aktibo sa mga social network, nakikipag-usap siya sa mga tagahanga, patuloy na naglalathala ng mga larawan sa Instagram.

Nagawa pa nga ni Takashi Murakami na pagsamahin ang mga talento ng isang artist, sculptor, designer at businessman. Siya mismo ang nag-curate ng kanyang mga eksibisyon, pinag-aaralan ang merkado at ang mga mekanismo nito, at nakikipagtulungan sa mga tatak ng fashion. Si Murakami ay may sariling studio, si Kaikai Kiki, kung saan nagtatrabaho siya sa mga cartoons.

Si Takashi Murakami ay ipinanganak noong 1962 sa Tokyo. Dito niya natanggap ang kanyang doctorate mula sa Tokyo University pambansang unibersidad Fine Arts and Music, kung saan nag-aral siya ng tradisyonal na Japanese painting noong ikalabinsiyam na siglo, na kilala bilang Nihonga. Ang kasikatan ng anime ay nagdirekta sa interes ni Murakami sa animation, na nagsasabing "ito ay kumakatawan sa modernong buhay sa Japan." Ang gawa ni Murakami ay naimpluwensyahan din ng American pop culture - animation, komiks, fashion. Palaging pinangalanan ng artista ang kanyang mga gawa nang misteryoso, kakaiba at kung minsan ay mahirap isalin.

"Sino ang Natatakot sa Pula, Dilaw, Asul at Kamatayan", 2010, Gagosian Gallery.

"Pagpupugay sa Mono Pink, 1960 G", 2013, Perrotin Gallery.

Noong 2000, na-curate ni Murakami ang exhibition na Superflat, na nag-explore sa impluwensya ng entertainment industry sa kontemporaryong aesthetics at ang perception ng kontemporaryong sining. Sa kanyang mga gawa, si Murakami ay nagbabalanse sa pagitan ng Silangan at Kanluran at nakikipaglaro sa magkasalungat. Noong 2007, ginanap ang isang retrospective exhibition na "© Murakami", na ipinakita sa Museum of Contemporary Art sa Los Angeles, sa Brooklyn Museum sa New York, sa Museum fur Moderne Kunst sa Frankfurt, at sa Guggenheim Museum sa Bilbao. Noong 2010, ang mga gawa ng artista ay ipinakita sa Palasyo ng Versailles sa France.

"Tang Tan Bo - Nakipag-usap", 2014, Gagosian Gallery.

"At pagkatapos, kapag natapos na ang lahat... binago ko kung ano ako kahapon, tulad ng isang insekto na gumagapang sa balat," 2009.

"The Cry of the Newborn Universe," 2014, Gagosian Gallery.

Tadasu Takamine. "God Bless America", 2002. Video (8 min. 18 seg.)

Dalawahang Pananaw: Kontemporaryong sining Japan
Mga Curator na sina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka

Unang bahagi: "Reality/Ordinaryong Mundo." Museo ng Makabagong Sining ng Moscow, Mt. Moscow, Ermolaevsky lane, 17
Ikalawang bahagi: “Imaginary World/Fantasies.” Museo ng Makabagong Sining ng Moscow, Mt. Moscow, Gogolevsky Boulevard, 10

Ang Moscow Museum of Modern Art kasama ang Japan Foundation ay nagtatanghal ng eksibisyon na "Double Perspective: Contemporary Art of Japan", na idinisenyo upang ipakilala ang pangkalahatang publiko sa kontemporaryong Mga artistang Hapones.
Ang dobleng pananaw ay nangangahulugang dalawang tagapangasiwa mula sa iba't ibang bansa, dalawang lugar ng museo at dalawang bahagi na istraktura ng proyekto. Na-curate nina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka, pinagsasama-sama ng eksibisyon ang mga gawa ng higit sa 30 mga artista ng iba't ibang direksyon, na nagtatrabaho mula sa 70s ng ika-20 siglo hanggang sa kasalukuyan. Ang proyekto ay binubuo ng dalawang bahagi - "Tunay na Mundo/Araw-araw na Buhay" at "Imaginary World/Fantasy" - na matatagpuan sa bakuran ng museo sa 17 Ermolaevsky Lane at 10 Gogolevsky Boulevard.

Unang Bahagi: “Reality/Ordinaryong Mundo”

Ang unang bahagi ng eksibisyon na "Tunay na Mundo/Araw-araw" ay nagpapakita ng pananaw ng mga Japanese artist sa mundo sa paligid natin sa pamamagitan ng pag-apila sa kasaysayan ng mundo noong ika-20 siglo (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa at Yuken Teruya), mga repleksyon sa istruktura modernong lipunan(Dumb Type at Tadasu Takamine), pakikipag-ugnayan sa urban space (contact Gonzo and ChimPom) at ang paghahanap ng tula sa pang-araw-araw na buhay (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi at Tetsuya Umeda). Si Yasumasa Morimura sa serye ng mga gawa sa video na "Requiem" ay nagbabago sa iba't-ibang mga makasaysayang karakter: Chaplin, manunulat na si Yukio Mishima at maging si Lenin - at muling nililikha ang mga yugto mula sa kanilang buhay. Ang isa pang kalahok sa proyekto, si Tetsuya Umeda, ay lumilikha ng mga pag-install mula sa mga improvised na paraan, mga ordinaryong bagay - kaya, ang pinaka-banal na pang-araw-araw na buhay ay nagiging sining. Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga gawa ni Yoko Ono - ang sikat na "Cut Piece" sa 1965 at 2003 na bersyon at ang sound installation na "Cough Piece" (1961). Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga gawa ni Kishio Suga, isa sa mga sentral na kinatawan ng kilusang Mono-Ha (isinalin bilang "School of Things"), na nag-aalok ng alternatibong Hapon sa Western modernism. Ang seksyon ng larawan ay magpapakita ng mga gawa nina Toshio Shibata, Takashi Homma at Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Narito ako, ngunit wala kahit saan", 2000. Mixed media. Pag-install sa Maison de la culture du Japon, Paris.
Koleksyon ng may-akda

Ang mga gawa na bumubuo sa ikalawang bahagi ng proyekto ay magpapakita sa publiko ng isang libre, haka-haka na mundo kung saan ang lahat ng bagay na hindi natin nakikita sa totoong buhay, lahat ng nasa labas nito. Ang mga gawa ng mga artista sa bahaging ito ng eksibisyon ay tumutukoy sa kulturang pop ng Hapon, ang mundo ng pantasya, kawalang-muwang, mga alamat at mga pagmumuni-muni sa istruktura ng kosmogonikong mundo. Ang bawat exhibitor ay naglalagay ng kanyang sariling kahulugan sa konsepto ng "imahinasyon." Kaya, ang artist na si Tadanori Yokoo, sa kanyang kaugnayan sa haka-haka na mundo, ay naglalaho, o sa halip ay "pagkawala sa sarili," ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa. Ang isang katulad na motif ay makikita sa gawa ni Yayoi Kusama: sa pamamagitan ng pagpapakita ng kanyang mga pantasya sa katotohanan, lumilikha siya ng mundong puno ng kakaibang mga pattern. Ang higanteng iskultura na "Child of the Sun" (2011) ni Kenji Yanobe ay nilikha sa isang kakila-kilabot na panahon nang nagkaroon ng pagsabog sa nuclear power plant"Fukushima-1". Ang kanyang monumental na bagay ay nagiging isang punto ng intersection ng mga imahinasyon. Nauunawaan ng artist na ang karanasan na naranasan sa hangganan ng tunay ay magiging impetus para sa paglikha ng isang bagong mundo. Ang seksyon ng Imaginary World/Fantasy ay nagtatampok din ng mga gawa ni Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa at marami pang iba.
Ang ilang mga gawa ay partikular na nilikha para sa eksibisyon. Ang artist na si Yoshinori Niwa para sa kanyang proyekto na "Vladimir Lenin ay nais sa mga apartment ng Moscow" (2012) ay dumating sa Moscow upang makahanap ng mga artifact na nauugnay sa personalidad ng rebolusyonaryo sa mga apartment ng Muscovites. Ang kanyang trabaho ay dokumentasyon ng video ng kanyang mga paghahanap at paglalakbay sa paligid ng Moscow. Ang artist na si Tetsuya Umeda, na ang mga gawa ay ipapakita nang sabay-sabay sa dalawang lugar, ay pupunta sa Moscow upang ipatupad ang kanyang mga pag-install sa site.
Ang dalawang ito, sa unang sulyap, ang magkakaibang bahagi ng eksibisyon ay inilaan upang ipakita ang dalawang poste ng sining ng Hapon, na sa katotohanan ay hindi mapaghihiwalay sa isa't isa.
Bilang bahagi ng eksibisyon, pinlano din na magdaos ng mga bukas na master class at malikhaing pagpupulong kasama ang mga kalahok sa proyekto. Magkakaroon ng mga lecture ng Japanese curator na si Kenjiro Hosaka at artist na si Kenji Yanobe. Para sa Russia, ang eksibisyong ito ay ang unang pagkakataon sa gayong sukat upang ipakita ang moderno sining ng Hapon.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166.5 x 100 cm sa canvas
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kishio Suga "Space of Separation", 1975. Mga sanga at kongkretong bloke. 184 x 240 x 460 cm
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Child of the Sun", 2011. Fiberglass, steel, neon, atbp. 620 x 444 x 263 cm. Pag-install sa Ezpo Memorial Park"70
Larawan: Thomas Swab

Ano ang anime at manga? Ang pinakasimpleng kahulugan ay ganito:
Ang Manga ay Japanese comics.
Ang anime ay Japanese animation.

Madalas na pinaniniwalaan na ang mga terminong "manga" at "anime" ay limitado sa ilang mga genre (science fiction, fantasy) at mga graphic na istilo (realism, " malalaking mata"). Hindi ito totoo. Ang mga terminong "manga" at "anime" ay tumutukoy lamang sa pangunahing kultura kung saan nilikha ang mga kaukulang akda.
Walang ibang bansa sa mundo kung saan binibigyang pansin ang komiks at animation. Ang mga tagalikha ng mga sikat na Japanese comics ay napakayayamang tao (Si Takahashi Rumikom ay isa sa pinakamayamang kababaihan sa Japan), ang pinakasikat sa kanila ay mga pambansang celebrity na binubuo ng manga ng halos isang-kapat ng lahat ng mga nakalimbag na bagay na ginawa sa Japan at binabasa kahit na ano; edad at kasarian. Ang posisyon ng anime ay medyo mas katamtaman, ngunit medyo nakakainggit din. Sabihin nating, walang kahit isang bansa sa mundo kung saan ang mga voice actor para sa animation (seiyuu) ay nagtatamasa ng ganitong pagkilala, paggalang at pagmamahal. Japan - ang tanging bansa sa mundo, nag-nominate ng feature-length na animated na pelikula para sa Oscar para sa "Best Foreign Film."

Sa iba pang mga bagay, anime at manga - mahusay na paraan pinahahalagahan hindi lamang kung paano sinasalamin at nararanasan ng modernong Hapon ang kanilang mga tradisyon ng ninuno, kundi pati na rin kung paano ipinapakita ng mga gawa ng Hapon ang mga motif at plot ng ibang mga tao. At ito ay hindi nangangahulugang isang katotohanan na ang una ay palaging mas kawili-wili kaysa sa pangalawa. Kailangan mong malaman ang wikang Hapon at teoryang pampanitikan upang tunay na maunawaan kung paano naiiba ang Japanese versification (at ang Japanese mentality) sa mga European. At para maunawaan kung paano naiiba ang mga duwende ng Hapon sa mga duwende ni Tolkien, manood lang ng isa o dalawang serye sa TV.
Kaya, ang anime at manga ay isang uri ng "pintuan sa likod" sa mundo ng kamalayan ng Hapon. At sa pamamagitan ng pagdaan sa daanan na ito, hindi mo lamang maiikli ang landas, nang hindi kinakailangang tumawid sa lahat ng mga bakod at balwarte na itinayo mahigit isa at kalahating libong taon na ang nakalilipas." mataas na kultura"Ang Japan (ang sining ng anime at manga ay mas bata, at may mas kaunting mga tradisyon), ngunit nakakakuha din ng maraming kasiyahan. Ang pagsasama-sama ng negosyo sa kasiyahan - ano ang maaaring maging mas mahusay?

Ngayon ng ilang partikular na tala tungkol sa manga at anime nang hiwalay.

Manga

Ang "Mga Kuwento ng Larawan" ay kilala sa Japan mula noong ito ay nagsimula. kasaysayang pangkultura. Kahit na sa mga kofun mound (mga libingan ng mga sinaunang pinuno), ang mga arkeologo ay nakahanap ng mga guhit na medyo nakapagpapaalaala sa mga komiks sa ideolohiya at istraktura.
Ang pagkalat ng "mga kuwento ng larawan" ay palaging pinadali ng pagiging kumplikado at kalabuan ng pagsulat ng Hapon. Kahit ngayon, ang mga batang Hapones ay makakabasa lamang ng mga aklat at pahayagan na "pang-adulto" pagkatapos makatapos ng elementarya (sa edad na 12!). Halos kaagad pagkatapos ng paglitaw ng prosa ng Hapon, ang mga isinalarawan na muling pagsasalaysay nito ay lumitaw, kung saan mayroong maliit na teksto, at ang pangunahing papel ay ginampanan ng mga guhit.

Ang unang komiks ng Hapon ay itinuturing na "Mga Nakakatuwang Larawan mula sa Buhay ng mga Hayop," na nilikha noong ika-12 siglo ng paring Budista at artist na Kakuyu (isa pang pangalan ay Toba, mga taon ng buhay - 1053-1140). Ito ay apat na papel na scroll na naglalarawan ng pagkakasunod-sunod ng itim at puti na mga larawang iginuhit ng tinta na may mga caption. Ang mga larawan ay nagsasabi ng mga hayop na kumakatawan sa mga tao, at ng mga Buddhist monghe na lumalabag sa mga patakaran. Ngayon ang mga scroll na ito ay itinuturing na isang sagradong relic at iniingatan sa monasteryo kung saan nakatira ang ascetic na Kakuyu.
Sa loob ng halos libong taon ng kasaysayan nito, iba ang hitsura at tawag sa "mga kuwento sa larawan". Ang salitang "manga" (literal na "kakaibang (o nakakatawa) na mga larawan, mga katarantaduhan") ay nilikha ng sikat na graphic artist na si Katsushika Hokusai noong 1814, at kahit na ginamit mismo ito ng artist para sa isang serye ng mga "buhay" na mga guhit, ang termino ay nananatili sa sumangguni sa mga komiks.
Ang European caricature at American comics, na naging tanyag sa Japan noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng manga. Ang unang kalahati ng ika-20 siglo - ang oras ng paghahanap para sa lugar ng komiks sa system kultura ng Hapon bagong panahon. Malaki ang papel ng militaristikong gobyerno dito, gamit kulturang popular upang maimpluwensyahan ang populasyon. Pinondohan ng militar ang "tamang" manga (nagsimula pa itong lumitaw sa kulay sa maikling panahon) at ipinagbawal ang manga na may pampulitika na pagpuna, na pinipilit ang mga dating cartoonist na makabisado ang mga pakikipagsapalaran at mga plot ng pantasya (halimbawa, ang ideya ng isang "higanteng robot" unang lumitaw sa 1943 revenge manga, kung saan binasag ng naturang robot ang kinasusuklaman na USA). Sa wakas, sa panahon pagkatapos ng digmaan Ang dakilang Tezuka Osamu, kasama ang kanyang mga gawa, ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon sa mundo ng manga at, kasama ang kanyang mga estudyante at tagasunod, ginawa ang manga ang pangunahing direksyon ng kulturang masa.

Ang Manga ay halos palaging itim at puti; Karamihan sa manga ay serialized na serye, na inilathala sa mga pahayagan o (mas madalas) lingguhan o buwanang mga magasin. Ang karaniwang laki ng paghahatid para sa isang serye sa isang lingguhang magasin ay 15-20 na pahina. Ang manga, na sikat sa mga mambabasa, ay muling nai-publish sa anyo ng magkahiwalay na volume - tankobons. Siyempre, may mga maikling kwento ng manga, at agad na inilathala ang manga sa anyo ng tankobon.
Maraming manga magazine sa Japan. Ang bawat isa sa kanila ay naglalayon sa isang partikular na madla, halimbawa, ang mga nakababatang teenager na lalaki na interesado sa pantasya, o mas matatandang teenager na babae na interesado sa ballet. Ang pinakamalakas na pagkakaiba ay sa pagitan ng mga babae at mga magasing panlalaki. Ang mga madla para sa mga naturang magazine ay mula sa mga bata (kung kanino ang manga ay naka-print nang walang mga caption) hanggang sa nasa katanghaliang-gulang na mga lalaki at babae. Mayroon nang mga eksperimento sa larangan ng manga para sa mga matatanda. Siyempre, ang gayong iba't ibang mga madla ay nagbunga ng isang buong iba't ibang mga estilo at genre: mula sa simbolismo hanggang sa photorealism at mula sa mga engkanto hanggang sa mga gawaing pilosopikal at mga aklat-aralin sa paaralan.

Ang lumikha ng manga ay tinatawag na "mangaka". Karaniwan ang isang tao (madalas na may mga apprentice assistant) ay parehong gumuhit ng komiks at nagsusulat ng mga teksto, ngunit nangyayari rin ang pagkamalikhain ng grupo. Gayunpaman, hindi karaniwan para sa higit sa tatlo o apat na tao na magtrabaho sa isang solong manga. Pinatataas nito ang artistikong integridad, at lumalaki ang personal na kita. Bilang karagdagan sa propesyonal na manga, mayroon ding amateur manga - "doujinshi". Maraming manga artist ang nagsimula bilang mga tagalikha ng doujinshi ("doujinshika"). SA mga pangunahing lungsod May mga espesyal na merkado kung saan ibinebenta ng doujinshi ang kanilang mga produkto at kung minsan ay nakakahanap ng mga seryosong publisher para sa kanilang mga gawa.

Anime

Ang terminong "anime" ay naitatag lamang noong kalagitnaan ng dekada ng 1970 bago iyon, karaniwang sinasabi ng mga tao ang "manga-eiga" ("komiks ng pelikula"). Sinimulan ng mga Hapon ang kanilang unang mga eksperimento sa animation noong kalagitnaan ng 1910s, at ang unang anime ay lumitaw noong 1917. Sa loob ng mahabang panahon, ang anime ay nasa gilid ng sinehan, ngunit dito rin, ang mga militarista ay gumaganap ng isang kapaki-pakinabang na papel, na sumusuporta sa anumang "tama" na sining. Kaya, ang unang dalawang pangunahing pelikulang anime ay inilabas noong 1943 at 1945, ayon sa pagkakabanggit, at mga "laro" na propaganda na niluluwalhati ang kapangyarihan ng hukbong Hapones. Tulad ng kaso ng manga, si Tezuka Osamu ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa kasaysayan ng anime, na nagmungkahi na iwanan ang walang kabuluhang kumpetisyon sa mga tampok na pelikula ng Walt Disney at lumipat sa paglikha ng mga serye sa TV na higit na mataas sa mga Amerikano hindi sa kalidad ng imahe, ngunit sa pagiging kaakit-akit sa madlang Hapon.

Karamihan sa mga anime ay mga serye sa TV at serye na ginawa para ibenta sa video (serye ng OAV). Gayunpaman, mayroon ding maraming mga pelikula sa TV at full-length na anime. Sa mga tuntunin ng pagkakaiba-iba ng mga estilo, genre at madla, ang manga ay higit na nakahihigit sa anime, ngunit ang huli ay nakakakuha ng katunggali nito bawat taon. Sa kabilang banda, maraming anime ang mga adaptasyon ng sikat na manga, at hindi sila nakikipagkumpitensya, ngunit sinusuportahan ang isa't isa sa komersyo. Gayunpaman, karamihan sa anime ay para sa mga bata at teenager, bagama't mayroon ding anime para sa mga kabataan. Ang mga nasa katanghaliang-gulang na audience ay kinukunan ng "family anime," na pinapanood ng mga bata kasama ng kanilang mga magulang. Ang serye ay nagdidikta ng sarili nitong mga batas - ang mga tagalikha ng anime ay hindi gaanong madaling kapitan mga teknikal na eksperimento, ngunit binibigyang pansin nila ang paglikha ng mga kaakit-akit at kawili-wiling mga character (kaya ang kahalagahan ng mataas na kalidad na voice acting) at pagbuo ng isang balangkas. Ang mga designer sa anime ay mas mahalaga kaysa sa mga animator.
Ang anime ay nilikha ng mga studio ng anime, kadalasan ay medyo maliit at nagtatrabaho sa panlabas na pagpopondo mula sa iba't ibang mga sponsor (mga channel sa TV, mga korporasyong laruan, mga publisher ng manga). Karaniwan, lumilitaw ang mga naturang studio sa paligid ng ilang natatanging tagalikha, at samakatuwid ang studio ay madalas na may isang partikular na "estilo ng studio" na itinakda ng mga nangungunang designer.

Ang mundo ngayon ay madalas na inaakusahan espirituwal na krisis, sa pagkasira ng ugnayan sa mga tradisyon, sa globalisasyon, na hindi maiiwasang sumisipsip pambansang pundasyon. Ang lahat ay personified at depersonalized sa parehong oras. Kung ang tinatawag na klasikal na sining maaari nating hatiin sa mga pambansang paaralan at isipin kung ano ang sining ng Italyano, ano ang sining ng Aleman, at kung ano ang Pranses; kung gayon maaari ba nating hatiin ang kontemporaryong sining sa parehong "mga paaralan"?

Bilang sagot sa tanong na ibinigay, nais kong ipakita sa iyong pansin ang kontemporaryong sining ng Hapon. Sa isang kumperensya sa Museo ng Sining Mori, sa paksa ng internasyunalismo sa kontemporaryong sining noong nakaraang taon, iminungkahi ng propesor ng Unibersidad ng Tokyo na si Michio Hayashi na ang tanyag na persepsyon ng "Japaneseness" sa Kanluran ay pinagsama noong 1980s ng trinity ng "kitsch," "naturalness," at " pagiging sopistikado ng teknolohiya.” Ngayon, ang sikat, at lalo na ang sikat sa komersyo, ang kontemporaryong sining sa Japan ay maaari pa ring ilagay sa loob ng tatsulok na ito. Para sa Western viewer nananatili itong misteryoso at orihinal dahil sa tiyak na mga tampok, likas lamang sa sining ng Land of the Rising Sun. Noong Agosto, ang Kanluran at Silangan ay nagkita sa tatlong mga lugar ng sining nang sabay-sabay: hanggang Agosto 8, ang eksibisyon na "Duality of Existence - Post-Fukushima" ay ginanap sa Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), ang eksibisyon na "teamLab: Ultra Subjective Space” na tumagal hanggang 15 Agosto ay halos malapit na (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); at ang "The Arhats Cycle" ni Takashi Murakami sa Palazzo Reale sa Milan ay patuloy pa rin sa pag-akit at pagkabigla sa mga bisita.

Lahat ng mga gawang ipinakita ay nilikha pagkatapos ng Marso 11, 2011, nang tumama ang tsunami sa Japan. Ang nukleyar na sakuna sa Fukushima nuclear power plant ay nagkaisa sa bansa, pinilit itong muling isaalang-alang ang mga priyoridad at halaga, at muling bumaling sa matagal nang nakalimutang tradisyon. Ang sining ay hindi maaaring tumabi at ipinakilala ang mundo sa isang bagong uri ng artista, na nakatuon sa mga pangangailangan ng modernong manonood, at kasabay nito ay pinarangalan ang mga makasaysayang pundasyon at halaga.

Si Takashi Murakami ay isang komersyal na matagumpay na artist na nagpasikat ng techno-kitsch at lumikha ng bagong visual na wika, superflat, batay sa tradisyon Japanese painting nihonga at ang mga detalye ng anime at manga. Ang ideolohiya ng kanyang mga replicated sculptures at mapangahas na pag-install ay upang ipakita ang pagbabago sa Japan pagkatapos ng digmaan, kapag ang consumerism ay naging laganap. Ngunit noong Marso 11, 2011 ay hinati ang buhay ng Japan sa "bago" at "pagkatapos," tulad ng dalawang kakila-kilabot na araw ng Agosto 1945, nang ang mga bombang nuklear sa Hiroshima at Nagasaki. Matapos ang malakas na lindol na iyon, na humantong sa kakila-kilabot na mga kahihinatnan, si Murakami ay nagsimula sa landas ng muling pag-iisip ng Budismo at Japanese estetika, na gumawa ng isang hakbang patungo sa pagbabalik sa mga ugat at espirituwalidad. Ang unang gawa na nagmarka ng simula ng "Arhats" cycle ay "500 Arhats," na ipinakita sa solong eksibisyon ni Takashi Murakami sa Doha, Qatar, noong 2012. Ang pagbabalik sa mga tema ng Budismo ay ipinaliwanag ng may-akda bilang isang pagtatangka na mapagtanto na sa mundong ito ay hindi lamang tayo, na may mga puwersang independyente sa atin, at dapat nating pagbutihin ang bawat oras upang ihinto ang pagiging umaasa sa sariling kagustuhan at nakakaapekto. Ang siksik na pader ng mga arhat, na parang pinoprotektahan ang mga manonood mula sa nagngangalit na mga elemento sa buong 100 metro ng canvas, ay nagtanim ng kapayapaan at katahimikan sa kaluluwa ng lahat. Ngunit hindi nilimitahan ni Murakami ang kanyang sarili sa isang gawa lamang at ipinagpatuloy ang ikot ng mga pagpipinta, na umakma at nagpapalawak ng salaysay, na parang gumagamit ng manga technique at nagkukuwento sa visual na disenyo. Ang ikalawang bahagi ng serye ay ipinakita sa Blum & Poe gallery (Los Angeles) noong 2013. Ngayon, sa Milan, ang mga arhat ay naglalakbay sa buong mundo sa ikatlong pagkakataon, na ikinakalat ang ideya ng pagbabalik sa espirituwalidad at pagtalikod sa mga emosyon. Sa kabila ng pagpapatibay at lalim ng kahulugan, ang mga kuwadro na gawa ay madaling makita dahil sa matapang at maliwanag na scheme ng kulay, ang masining na wika mismo. Ang mga elemento ng manga ay nagdala sa kanila ng kinakailangang halaga ng pagpapasikat upang ang ipinadalang mga ideya ng Budismo ay madaling mabasa at madama kahit ng hindi pa nakikilalang publiko.

Ang susunod na kinatawan ng modernong pagpipinta ng Hapon ay maaaring tawaging Kazuki Umezawa, isang mag-aaral ng Murakami, na nagbabalik sa atin sa tanong ng paaralan at pagpapatuloy. Gumagawa siya ng mga digital rendering ng mga anime character sa pamamagitan ng pagpinta sa mga ito sa ibabaw ng mga sticker upang lumikha ng dagdag na lalim at visual na kaguluhan. Mula sa mga random na imahe na nakakalat sa buong Internet, siya ay gumagawa ng mga collage, pinaghiwa-hiwalay ang mga background, lumilikha ng mga mandalas na sumasalamin sa istraktura at nilalaman ng imahinasyon ng mga otaku (mga tagahanga ng anime at manga). Ang pag-apela sa isang simbolo ng Budismo ay nagpapataas ng semantikong halaga ng mga gawa batang artista, pagkonekta, sa isang banda, ang sagrado at ang itinatag sa kultura, sa kabilang banda, mga modernong isyu, ngunit muli sa pagsasama ng isang partikular na kababalaghan ng Hapon - anime.

Sina Takashi Murakami at Kazuki Umezawa ay mahusay na nagbalanse sa pagitan ng kaugnayan at tradisyon, kitsch at istilo.

Nakapagtataka na pagkatapos ng lindol noong Marso 11, 2011 sa Japan, isang 16-anyos na batang lalaki na nakulong sa ilalim ng guho ng kanyang tahanan sa loob ng siyam na araw at nailigtas ay sumagot sa tanong ng isang mamamahayag tungkol sa kanyang mga pangarap para sa hinaharap: “Gusto ko para maging artista."

Natuklasan ng mga Hapon ang kagandahang nakatago sa mga bagay noong ika-9-12 siglo, noong panahon ng Heian (794 -1185) at itinalaga pa ito ng isang espesyal na konsepto " mono no aware"(Japanese: 物の哀れ (もののあわれ)), na nangangahulugang "ang malungkot na alindog ng mga bagay." "Ang kagandahan ng mga bagay" ay isa sa mga pinakaunang kahulugan ng kagandahan sa panitikang Hapones na nauugnay sa paniniwala ng Shinto na ang bawat bagay ay naglalaman ng sarili nitong diyos - kami - at sariling kakaibang kagandahan. Ang Avare ay ang panloob na kakanyahan ng mga bagay, na nagdudulot ng kasiyahan at kaguluhan.

- Washi (wasi) o wagami (wagami).
Paggawa ng papel na gawa sa kamay. Pinahahalagahan ng Medieval Japanese ang washi hindi lamang para sa mga praktikal na katangian nito, kundi pati na rin sa kagandahan nito. Ito ay sikat sa pagiging manipis nito, halos transparency, na, gayunpaman, ay hindi nag-alis ng lakas nito. Ang washi ay ginawa mula sa balat ng puno ng kozo (mulberry) at ilang iba pang mga puno.
Ang papel na washi ay napanatili sa loob ng maraming siglo, na pinatunayan ng mga album at volume ng sinaunang kaligrapya ng Hapon, mga pintura, mga screen, at mga ukit na nakaligtas sa mga siglo hanggang sa kasalukuyan.
Ang papel ng washi ay mahibla; kung titingnan mo ang isang mikroskopyo, makikita mo ang mga puwang kung saan ang hangin at sikat ng araw ay tumagos. Ang kalidad na ito ay ginagamit sa paggawa ng mga screen at tradisyonal na Japanese lantern.
Ang mga souvenir ng Washi ay napakapopular sa mga Europeo. Maraming maliliit at kapaki-pakinabang na mga bagay ang ginawa mula sa papel na ito: mga wallet, sobre, tagahanga. Ang mga ito ay medyo matibay at magaan pa.

- Gohei.
Talisman na gawa sa mga piraso ng papel. Ang Gohei ay isang ritwal na tauhan ng isang paring Shinto, kung saan nakakabit ang mga papel na zigzag strips. Ang parehong mga piraso ng papel ay nakasabit sa pasukan ng isang Shinto shrine. Ang papel na ginagampanan ng papel sa Shintoism ay tradisyonal na napakahusay, at ang mga produktong gawa mula rito ay palaging binibigyan ng esoteric na kahulugan. At ang paniniwala na ang bawat bagay, bawat kababalaghan, kahit na mga salita, ay naglalaman ng isang kami - isang diyos - ay nagpapaliwanag din sa hitsura ng isang uri ng sining na ginamit bilang gohei. Ang Shintoismo sa ilang paraan ay halos kapareho ng ating paganismo. Para sa mga Shintoist, ang kami ay kusang-loob na tumira sa lahat ng bagay na hindi karaniwan. Halimbawa, sa papel. At higit pa kaya sa gohei na baluktot sa isang sopistikadong zigzag, na nakabitin ngayon sa harap ng pasukan sa mga dambana ng Shinto at nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng isang diyos sa templo. Mayroong 20 na opsyon sa pag-fold para sa gohei, at ang mga nakatiklop ay lalo na hindi karaniwang nakakaakit ng kami. Karamihan sa gohei ay puti, ngunit mayroon ding ginto, pilak at marami pang ibang kulay. Mula noong ika-9 na siglo, may kaugalian na sa Japan na ilakip ang gohei sa mga sinturon ng mga sumo wrestler bago magsimula ang isang laban.

- Anesama.
Gumagawa ito ng mga manikang papel. Noong ika-19 na siglo, ang mga asawang samurai ay gumawa ng mga manikang papel na nilalaro ng mga bata, na binibihisan sila ng iba't ibang damit. Noong mga panahon na walang mga laruan, si anesama ang tanging kausap ng mga bata, "naglalaro" ng papel ng ina, nakatatandang kapatid na babae, anak at kaibigan.
Ang manika ay pinagsama mula sa Japanese washi paper, ang buhok ay ginawa mula sa gusot na papel, pininturahan ng tinta at natatakpan ng pandikit, na nagbibigay ito ng isang makintab na pagtatapos. Natatanging tampok ay isang cute na maliit na ilong sa isang mahabang mukha. Ngayon, ang simpleng laruan na ito, na nangangailangan ng walang iba kundi ang mga mahuhusay na kamay, tradisyonal sa anyo, ay patuloy na ginagawa sa parehong paraan tulad ng dati.

- Origami.
Ang sinaunang sining ng pagtitiklop ng papel (折り紙, lit.: "nakatuping papel"). Ang sining ng origami ay nag-ugat sa sinaunang Tsina, kung saan naimbento ang papel. Ang origami ay orihinal na ginamit sa mga ritwal ng relihiyon. Sa loob ng mahabang panahon, ang ganitong uri ng sining ay magagamit lamang sa mga kinatawan ng mga matataas na klase, kung saan magandang asal nagkaroon ng karunungan sa mga diskarte sa pagtitiklop ng papel. Pagkatapos lamang ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang origami ay lumampas sa Silangan at dumating sa Amerika at Europa, kung saan agad nitong natagpuan ang mga tagahanga nito. Ang klasikong origami ay ginawa mula sa isang parisukat na sheet ng papel.
Mayroong isang tiyak na hanay ng mga simbolo na kinakailangan upang i-sketch ang folding diagram ng kahit na ang pinaka-kumplikadong produkto. Karamihan sa mga karaniwang palatandaan ay ipinakilala sa pagsasanay noong kalagitnaan ng ika-20 siglo ng sikat na Japanese master na si Akira Yoshizawa.
Ang klasikong origami ay nangangailangan ng paggamit ng isang parisukat, pantay na kulay na sheet ng papel na walang pandikit o gunting. Ang mga kontemporaryong anyo ng sining kung minsan ay umaalis sa canon na ito.

- Kirigami.
Ang Kirigami ay ang sining ng paggupit ng iba't ibang hugis mula sa isang sheet ng papel na nakatiklop ng ilang beses gamit ang gunting. Isang uri ng origami na nagpapahintulot sa paggamit ng gunting at paggupit ng papel sa proseso ng paggawa ng modelo. Ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng kirigami at iba pang mga diskarte sa pagtitiklop ng papel, na binibigyang-diin sa pangalan: 切る (kiru) - hiwa, 紙 (gami) - papel. Bilang mga bata, gustung-gusto nating lahat na gupitin ang mga snowflake - isang bersyon ng kirigami gamit ang diskarteng ito maaari mong gupitin hindi lamang ang mga snowflake, kundi pati na rin ang iba't ibang mga figure, bulaklak, garland at iba pang mga cute na bagay mula sa papel. Ang mga produktong ito ay maaaring gamitin bilang mga stencil para sa mga print, dekorasyon ng mga album, card, mga frame ng larawan, sa disenyo ng damit, panloob na disenyo at iba pang iba't ibang mga dekorasyon.

- Ikebana.
Ikebana, (Japanese 生け花 o いけばな) isinalin mula sa Japanese - ike" - buhay, "bana" - bulaklak, o "bulaklak na nabubuhay". Ang sining ng Hapon sa pag-aayos ng bulaklak ay isa sa pinakamagandang tradisyon ng mga Hapones. Kapag bumubuo ng ikebana, kasama ang mga bulaklak, mga sanga na pinutol, mga dahon at mga shoots ay ginagamit Ang pangunahing prinsipyo ay ang prinsipyo ng katangi-tanging pagiging simple, upang makamit kung saan sinusubukan nilang bigyang-diin ang natural na kagandahan ng mga halaman. Ang Ikebana ay ang paglikha ng isang bagong likas na anyo kung saan ang kagandahan ng isang bulaklak at ang kagandahan ng kaluluwa ng master na lumilikha ng komposisyon ay magkakasuwato na pinagsama.
Ngayon sa Japan mayroong 4 na pinakamalaking paaralan ng ikebana: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Bilang karagdagan sa kanila, mayroong halos isang libong iba't ibang direksyon at uso na sumusunod sa isa sa mga paaralang ito.

- Oribana.
Noong kalagitnaan ng ika-17 siglo, dalawang paaralan ang lumitaw mula sa Ikenobo: ohara (ang pangunahing anyo ng ikebana ay oribana) at koryu (ang pangunahing anyo ay sseka). Oribana lang pala ang pinag-aaralan ng ohara school. Tulad ng sinasabi ng mga Hapon, napakahalaga na ang origami ay hindi maging origami. Ang ibig sabihin ng Gomi ay basura sa Japanese. Pagkatapos ng lahat, habang nangyayari ito, nakatiklop ka ng isang piraso ng papel, at pagkatapos ay ano ang gagawin dito? Nag-aalok ang Oribana ng maraming ideya ng palumpon para sa interior decoration. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Mali.
Isang uri ng pinong sining na ipinanganak ng floristry. Lumitaw ang Floristry sa ating bansa walong taon na ang nakalilipas, bagaman ito ay umiral sa Japan nang higit sa anim na raang taon. Noong unang panahon sa Middle Ages, natutunan ng samurai ang paraan ng mandirigma. At ang oshibana ay bahagi ng landas na ito, tulad ng pagsulat ng mga hieroglyph at paghawak ng espada. Ang kahulugan ng pagkakamali ay na sa isang estado ng kabuuang presensya sa sandaling ito (satori), ang master ay lumikha ng isang larawan mula sa mga pinatuyong bulaklak (pinindot na mga bulaklak). Kung gayon ang larawang ito ay maaaring magsilbi bilang isang susi, isang gabay para sa mga taong handang pumasok sa katahimikan at maranasan ang parehong satori.
Ang kakanyahan ng sining ng "oshibana" ay sa pamamagitan ng pagkolekta at pagpapatuyo ng mga bulaklak, halamang gamot, dahon, balat sa ilalim ng presyon at idikit ang mga ito sa isang base, ang may-akda ay lumilikha ng isang tunay na gawa ng "pagpinta" sa tulong ng mga halaman. Sa madaling salita, ang oshibana ay nagpinta gamit ang mga halaman.
Artistic na pagkamalikhain Ang mga florist ay batay sa pagpapanatili ng hugis, kulay at texture ng pinatuyong materyal ng halaman. Ang mga Hapones ay nakabuo ng isang pamamaraan para sa pagprotekta sa mga pintura ng oshibana mula sa pagkupas at pagdidilim. Ang kakanyahan nito ay ang hangin ay pumped out sa pagitan ng salamin at ang larawan at isang vacuum ay nilikha, na pumipigil sa mga halaman mula sa deteriorating.
Ang nakakaakit sa mga tao ay hindi lamang ang hindi kinaugalian ng sining na ito, kundi pati na rin ang pagkakataong magpakita ng imahinasyon, panlasa, at kaalaman sa mga katangian ng mga halaman. Ang mga florist ay gumagawa ng mga burloloy, landscape, still life, portrait at subject painting.

- Bonsai.
Ang bonsai bilang isang kababalaghan ay lumitaw higit sa isang libong taon na ang nakalilipas sa Tsina, ngunit ang kulturang ito ay umabot sa rurok ng pag-unlad nito lamang sa Japan. (bonsai - Japanese 盆栽 lit. "plant in a pot") - ang sining ng pagpapalaki ng eksaktong kopya ng tunay na puno sa maliit na larawan. Ang mga halaman na ito ay pinalaki ng mga monghe ng Budismo ilang siglo BC at pagkatapos ay naging isa sa mga trabaho ng lokal na maharlika.
Pinalamutian ng bonsai ang mga tahanan at hardin ng Hapon. Noong panahon ng Tokugawa, nakatanggap ng bagong impetus ang disenyo ng parke: ang paglaki ng azalea at maple ay naging libangan ng mayayamang tao. Ang lumalagong dwarf na halaman (hachi-no-ki - "puno sa isang palayok") ay nabuo din, ngunit ang bonsai noong panahong iyon ay napakalaki.
Sa ngayon, ang mga ordinaryong puno ay ginagamit para sa bonsai; Kasabay nito, ang ratio ng mga sukat ng root system, na limitado sa dami ng mangkok, at ang lupa na bahagi ng bonsai ay tumutugma sa mga proporsyon ng isang punong may sapat na gulang sa kalikasan.

- Mizuhiki.
Katulad ng macrame. Ito ay isang sinaunang Japanese na inilapat na sining ng pagtali ng iba't ibang mga buhol mula sa mga espesyal na lubid at paglikha ng mga pattern mula sa kanila. Ang ganitong mga gawa ng sining ay may napakalawak na hanay ng mga aplikasyon - mula sa mga gift card at mga titik hanggang sa mga hairstyle at handbag. Sa ngayon, ang mizuhiki ay lubos na ginagamit sa industriya ng regalo - bawat kaganapan sa buhay ay sinamahan ng isang regalo, nakabalot at nakatali sa isang napaka-espesipikong paraan. Mayroong napakaraming bilang ng mga buhol at komposisyon sa sining ng mizuhiki, at hindi lahat ng Hapon ay alam ang lahat ng ito sa puso. Siyempre, mayroong mga pinaka-karaniwan at simpleng mga buhol na madalas na ginagamit: para sa pagbati sa kapanganakan ng isang bata, para sa isang kasal o libing, kaarawan o pagpasok sa unibersidad.

- Kumihimo.
Ang Kumihimo ay isang Japanese braiding technique. Kapag ang mga thread ay magkakaugnay, ang mga ribbon at laces ay nakuha. Ang mga laces na ito ay hinabi sa mga espesyal na makina - Marudai at Takadai. Ang Marudai loom ay ginagamit para sa paghabi ng mga bilog na laces, habang ang Takadai loom ay ginagamit para sa flat laces. Ang Kumihimo na isinalin mula sa Japanese ay nangangahulugang "paghahabi ng mga lubid" (kumi - paghabi, pagtitiklop, himo - lubid, puntas). Sa kabila ng katotohanan na ang mga mananalaysay ay matigas ang ulo na iginiit na ang katulad na paghabi ay matatagpuan sa mga Scandinavian at mga naninirahan sa Andes, ang Hapon na sining ng kumihimo ay tunay na isa sa mga pinaka sinaunang uri ng paghabi. Ang unang pagbanggit nito ay nagsimula noong 550, nang kumalat ang Budismo sa buong Japan at ang mga espesyal na seremonya ay nangangailangan ng mga espesyal na dekorasyon. Nang maglaon, ang mga sintas ng kumihimo ay nagsimulang gamitin bilang isang fastener para sa obi belt sa kimono ng isang babae, bilang mga lubid para sa "pag-iimpake" ng buong samurai arsenal ng mga armas (ginamit ng samurai ang kumihimo para sa pandekorasyon at functional na mga layunin, upang itali ang kanilang baluti at ang baluti ng kanilang mga kabayo) at gayundin para sa pagtatali ng mabibigat na bagay.
Ang iba't ibang pattern ng modernong kumihimo ay napakadaling hinabi sa mga lutong bahay na karton na habihan.

- Komono.
Ano ang natitira sa isang kimono pagkatapos nitong maisakatuparan ang layunin nito? Sa tingin mo ba ito ay itinatapon? Walang katulad! Hinding-hindi gagawin iyon ng mga Hapon. Ang kimono ay isang mamahaling bagay. Hindi maiisip at imposibleng itapon lang ito nang ganoon... Kasama ng iba pang uri ng muling paggamit ng mga kimono, ang mga craftswomen ay gumawa ng maliliit na souvenir mula sa maliliit na scrap. Kabilang dito ang maliliit na laruan para sa mga bata, mga manika, brotse, garland, alahas ng kababaihan at iba pang mga produkto na ginagamit sa paggawa ng maliliit na cute na bagay, na kung saan ay tinatawag na "komono". Maliit na bagay na mabubuhay sariling buhay, na nagpatuloy sa landas ng kimono. Ito ang ibig sabihin ng salitang "komono".

- Kanzashi.
Ang sining ng pagdekorasyon ng mga clip ng buhok (madalas na pinalamutian ng mga bulaklak (butterflies, atbp.) na gawa sa tela (karamihan ay sutla). Ang Japanese kanzashi ay isang mahabang hairpin para sa isang tradisyonal na hairstyle ng mga babaeng Hapon. Ang mga ito ay gawa sa kahoy, lacquer, pilak, tortoiseshell , na ginagamit sa tradisyonal na Chinese at Japanese na hairstyles Mga 400 taon na ang nakalilipas, nagbago ang istilo ng hairstyle ng kababaihan sa Japan: huminto ang mga babae sa pagsusuklay ng buhok. tradisyonal na anyo- taregami (mahabang tuwid na buhok) at nagsimulang i-istilo ito sa masalimuot at magarbong mga hugis- nihongami. Ginagamit para sa pag-istilo ng buhok iba't ibang bagay- hairpins, sticks, combs. Ito ay pagkatapos na kahit na ang isang simpleng kushi comb ay nagiging isang eleganteng accessory ng hindi pangkaraniwang kagandahan, na nagiging isang tunay na gawa ng sining. Hindi pinahihintulutan ng tradisyonal na kasuutan ng kababaihang Hapones ang mga alahas sa pulso at mga kuwintas, kaya ang mga dekorasyon sa buhok pangunahing kagandahan at isang larangan para sa pagpapahayag ng sarili - pati na rin ang pagpapakita ng lasa at kapal ng wallet ng may-ari. Sa mga ukit ay makikita mo - kung titingnan mong mabuti - kung paano madaling nagsabit ng hanggang dalawampung mamahaling kanzashi ang mga babaeng Hapones sa kanilang mga hairstyle.
Sa kasalukuyan, mayroong muling pagbabago sa tradisyon ng paggamit ng kanzashi sa mga kabataang babaeng Hapon na gustong magdagdag ng pagiging sopistikado at kagandahan sa kanilang mga hairstyles ay maaaring palamutihan ng isa o dalawang magagandang bulaklak na gawa sa kamay.

- Kinusayga.
Isang kamangha-manghang uri ng handicraft mula sa Japan. Ang Kinusiga (絹彩画) ay isang krus sa pagitan ng batik at tagpi-tagpi. Ang pangunahing ideya ay ang mga bagong kuwadro na gawa ay pinagsama-samang piraso mula sa mga lumang kimono na sutla - mga tunay na gawa sining.
Una, ang artist ay gumagawa ng isang sketch sa papel. Pagkatapos ang pagguhit na ito ay inilipat sa isang kahoy na board. Ang balangkas ng disenyo ay pinutol gamit ang mga grooves, o mga grooves, at pagkatapos ay pinutol ang maliliit na piraso ng magkatugmang kulay at tono mula sa isang lumang kimono na sutla, at ang mga gilid ng mga pirasong ito ay pinupuno ang mga grooves. Kapag tumingin ka sa ganoong larawan, mararamdaman mo na tumitingin ka sa isang litrato, o kahit na nanonood lang ng tanawin sa labas ng bintana, napaka-realistic nila.

- Temari.
Ito ay mga tradisyonal na Japanese geometric embroidered ball na ginawa gamit ang mga simpleng tahi na dating laruan ng mga bata at ngayon ay naging isang anyo ng inilapat na sining na may maraming mga tagahanga hindi lamang sa Japan, ngunit sa buong mundo. Ito ay pinaniniwalaan na matagal na ang nakalipas ang mga bagay na ito ay ginawa ng mga asawa ng samurai para sa libangan. Sa pinakadulo simula sila ay aktwal na ginamit bilang isang bola para sa paglalaro ng bola, ngunit sunud-sunod na nagsimula silang makakuha ng mga artistikong elemento, sa kalaunan ay naging pandekorasyon na mga burloloy. Ang pinong kagandahan ng mga bolang ito ay kilala sa buong Japan. At ngayon, ang makulay, maingat na ginawang mga produkto ay isa sa mga uri ng katutubong sining sa Japan.

- Yubinuki.
Ang mga thimble ng Hapon, kapag nananahi o nagbuburda ng kamay, ang mga ito ay inilalagay sa gitnang phalanx ng gitnang daliri ng nagtatrabaho na kamay, sa tulong ng mga daliri ang karayom ​​ay binibigyan ng nais na direksyon, at ang singsing sa gitnang daliri ay nagtutulak sa karayom. ang gawain. Sa una, ang mga Japanese yubinuki thimble ay ginawa nang simple - isang strip ng makapal na tela o katad na humigit-kumulang 1 cm ang lapad sa ilang mga layer ay mahigpit na nakabalot sa daliri at ikinabit kasama ng ilang simpleng pandekorasyon na tahi. Dahil ang mga yubinuk ay isang kinakailangang bagay sa bawat tahanan, nagsimula silang palamutihan ng geometric na pagbuburda gamit ang mga sinulid na sutla. Ang mga interlocking stitches ay lumikha ng makulay at kumplikadong mga pattern. Yubinuki mula sa simpleng bagay ang pang-araw-araw na buhay ay naging isang bagay para sa "paghanga", palamuti araw-araw na buhay.
Ginagamit pa rin ang Yubinuki para sa pananahi at pagbuburda, ngunit bilang karagdagan, maaari rin silang matagpuan na isinusuot lamang sa mga kamay sa anumang daliri, tulad ng mga pandekorasyon na singsing. Pinalamutian sila ng burda sa istilong yubinuki. iba't ibang bagay sa hugis ng isang singsing - napkin ring, bracelets, temari stand, pinalamutian ng yubinuki na pagbuburda, mayroon ding mga burda na kaso ng karayom ​​sa parehong estilo; Ang mga pattern ng Yubinuki ay maaaring maging isang mahusay na mapagkukunan ng inspirasyon para sa pagbuburda ng temari obi.

- Suibokuga o sumie.
Japanese ink painting. Ang estilo ng pagpipinta ng Tsino na ito ay hiniram ng mga artistang Hapones noong ika-14 na siglo, at sa pagtatapos ng ika-15 siglo. ay naging pangunahing direksyon ng pagpipinta sa Japan. Ang Suibokuga ay monochrome. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng itim na tinta (sumi), isang matigas na anyo ng uling o uling na nagmula sa Chinese na tinta, na dinidikdik sa isang palayok ng tinta, diluted sa tubig at sinipilyo sa papel o seda. Ang Monochrome ay nag-aalok sa master ng walang katapusang pagpili ng mga pagpipilian sa tonal, na matagal nang kinikilala ng mga Intsik bilang "mga kulay" ng tinta. Minsan pinapayagan ng Suibokuga ang paggamit ng mga tunay na kulay, ngunit nililimitahan ito sa manipis, transparent na mga stroke, na palaging nananatiling nasa ilalim ng linya na pinaandar sa tinta. Ang pagpipinta ng tinta ay nakikibahagi sa sining ng kaligrapya sa mga mahahalagang katangian tulad ng mahigpit na kontroladong pagpapahayag at teknikal na kasanayan sa anyo. Ang kalidad ng pagpipinta ng tinta ay bumababa, tulad ng sa kaligrapya, sa integridad at paglaban sa pagkapunit ng linya na iginuhit sa tinta, na tila hawak ang gawa ng sining sa sarili nito, tulad ng mga buto na humahawak ng tissue sa kanilang sarili.

- Etagami.
Iginuhit na mga postkard (e - larawan, mga tag - titik). Ang paggawa ng mga card gamit ang iyong sariling mga kamay sa pangkalahatan ay isang napaka-tanyag na aktibidad sa Japan, at bago ang holiday ay tumataas ang katanyagan nito. Gustung-gusto ng mga Hapones na magpadala ng mga postkard sa kanilang mga kaibigan, at mahilig din silang tumanggap ng mga ito. Ito ay isang uri ng mabilis na sulat sa mga espesyal na blangko na mga form na maaari itong ipadala sa pamamagitan ng koreo nang walang sobre. Walang mga espesyal na panuntunan o pamamaraan sa etegami; kahit sino ay maaaring gawin ito nang walang espesyal na pagsasanay. Sa mga yugto ito ay nakakatulong upang tumpak na ipahayag ang iyong kalooban, mga impression ito ay isang handmade na postkard na binubuo ng isang larawan at maikling sulat, na naghahatid ng mga damdamin ng nagpadala tulad ng init, pagsinta, pangangalaga, pagmamahal, atbp. Ang mga kard na ito ay ipinapadala sa mga pista opisyal at ganoon din, na naglalarawan ng mga panahon, mga aksyon, mga gulay at prutas, mga tao at hayop. Ang mas simple ang larawang ito ay iginuhit, mas kawili-wili ang hitsura nito.

- Furoshiki.
Japanese packaging technique o ang sining ng pagtitiklop ng tela. Ang Furoshiki ay naging bahagi ng buhay ng mga Hapon sa mahabang panahon. Ang mga sinaunang balumbon mula sa panahon ng Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) na may mga larawan ng mga babae na may dalang mga bundle ng mga damit na nakabalot sa tela sa kanilang mga ulo ay napanatili. Ang kagiliw-giliw na pamamaraan na ito ay nagmula noong 710 - 794 AD sa Japan. Ang salitang "furoshiki" ay literal na isinalin sa "bath mat" at ito ay isang parisukat na piraso ng tela na ginamit upang balutin at dalhin ang mga bagay sa lahat ng hugis at sukat.
Noong unang panahon, sa mga paliguan ng Hapon (furo) ay kaugalian na magsuot ng magaan na cotton kimono, na dinadala ng mga bisita mula sa bahay. Nagdala rin ang naliligo ng isang espesyal na banig (shiki), na kinatatayuan niya habang naghuhubad. Napalitan ng "bath" na kimono, binalot ng bisita ang kanyang mga damit sa isang alpombra, at pagkatapos maligo ay binalot niya ang basang kimono sa alpombra upang dalhin ito pauwi. Kaya, ang bath mat ay naging isang multifunctional na bag.
Napakadaling gamitin ng Furoshiki: ang tela ay may hugis ng bagay na iyong binabalot, at ang mga hawakan ay nagpapadali sa pagdadala ng kargada. Bilang karagdagan, ang isang regalo na nakabalot hindi sa matigas na papel, ngunit sa malambot, multi-layered na tela, ay nakakakuha ng espesyal na pagpapahayag. Mayroong maraming mga pattern para sa natitiklop na furoshiki para sa anumang okasyon, araw-araw o holiday.

- Amigurumi.
Ang sining ng Hapon sa pagniniting o paggantsilyo ng maliliit na malambot na hayop at mga humanoid na nilalang. Ang Amigurumi (Japanese 編み包み, lit.: "knitted-wrapped") ay kadalasang mga cute na hayop (tulad ng mga oso, kuneho, pusa, aso, atbp.), mga tao, ngunit maaari rin silang mga walang buhay na bagay na pinagkalooban ng mga ari-arian ng tao. Halimbawa, mga cupcake, sombrero, handbag at iba pa. Ang Amigurumi ay niniting o niniting. SA kani-kanina lang Ang crocheted amigurumi ay naging mas popular at mas karaniwan.
Ang mga ito ay niniting mula sa sinulid gamit ang isang simpleng paraan ng pagniniting - sa isang spiral at, hindi katulad ng paraan ng pagniniting ng Europa, ang mga bilog ay karaniwang hindi konektado. Ang mga ito ay naka-crocheted din sa isang mas maliit na sukat na may kaugnayan sa kapal ng sinulid upang lumikha ng isang napakahigpit na tela nang walang anumang mga puwang kung saan ang materyal na palaman ay maaaring makatakas. Ang Amigurumi ay madalas na ginawa mula sa mga bahagi at pagkatapos ay pinagsama ang mga ito, maliban sa ilang amigurumi na walang mga paa, ngunit isang ulo at katawan lamang na bumubuo ng isang buo. Ang mga limbs ay minsan ay pinalamanan ng mga plastik na piraso upang bigyan sila ng live na timbang, habang ang natitirang bahagi ng katawan ay puno ng fiber filler.
Ang pagkalat ng amigurumi aesthetics ay pinadali ng kanilang cuteness ("kawaiiness").