Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Natuklasan ng mga Hapones ang kagandahang nakatago sa mga bagay noong ika-9-12 siglo, noong panahon ng Heian (794 -1185) at itinalaga pa ito ng espesyal na konsepto ng "mono no aware" (Japanese 物の哀れ (もののあわれ)), na nangangahulugang "malungkot ang kagandahan ng mga bagay." "Ang kagandahan ng mga bagay" ay isa sa mga pinakaunang kahulugan ng kagandahan sa panitikang Hapones; ito ay nauugnay sa paniniwala ng Shinto na ang bawat bagay ay naglalaman ng sarili nitong diyos - kami - at sarili nitong kakaibang kagandahan. Ang Avare ay ang panloob na kakanyahan ng mga bagay, na nagdudulot ng kasiyahan at kaguluhan.

- Washi (wasi) o wagami (wagami).
Paggawa ng papel na gawa sa kamay. Pinahahalagahan ng Medieval Japanese ang washi hindi lamang para sa mga praktikal na katangian nito, kundi pati na rin sa kagandahan nito. Ito ay sikat sa pagiging manipis nito, halos transparency, na, gayunpaman, ay hindi nag-alis ng lakas nito. Ang washi ay ginawa mula sa balat ng puno ng kozo (mulberry) at ilang iba pang mga puno.
Ang papel na washi ay napanatili sa loob ng maraming siglo, na pinatunayan ng mga album at volume ng sinaunang panahon japanese calligraphy, mga kuwadro na gawa, mga screen, mga ukit na nakaligtas sa mga siglo hanggang sa kasalukuyan.
Ang papel ng washi ay mahibla; kung titingnan mo ang isang mikroskopyo, makikita mo ang mga puwang kung saan ang hangin at sikat ng araw ay tumagos. Ang kalidad na ito ay ginagamit sa paggawa ng mga screen at tradisyonal na Japanese lantern.
Ang mga souvenir ng Washi ay napakapopular sa mga Europeo. Maraming maliliit at kapaki-pakinabang na mga bagay ang ginawa mula sa papel na ito: mga wallet, sobre, tagahanga. Ang mga ito ay medyo matibay at magaan pa.

- Gohei.
Talisman na gawa sa mga piraso ng papel. Ang Gohei ay isang ritwal na tauhan ng isang paring Shinto, kung saan nakakabit ang mga papel na zigzag strips. Ang parehong mga piraso ng papel ay nakasabit sa pasukan ng isang Shinto shrine. Ang papel na ginagampanan ng papel sa Shintoism ay tradisyonal na napakahusay, at ang mga produktong gawa mula rito ay palaging binibigyan ng esoteric na kahulugan. At ang paniniwala na ang bawat bagay, bawat kababalaghan, kahit na mga salita, ay naglalaman ng isang kami - isang diyos - ay nagpapaliwanag din sa hitsura ng isang uri ng sining na ginamit bilang gohei. Ang Shintoismo sa ilang paraan ay halos kapareho ng ating paganismo. Para sa mga Shintoist, ang kami ay kusang-loob na tumira sa lahat ng bagay na hindi karaniwan. Halimbawa, sa papel. At higit pa kaya sa gohei na baluktot sa isang sopistikadong zigzag, na nakabitin ngayon sa harap ng pasukan sa mga dambana ng Shinto at nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng isang diyos sa templo. Mayroong 20 na opsyon sa pag-fold para sa gohei, at ang mga nakatiklop ay lalo na hindi karaniwang nakakaakit ng kami. Karamihan sa gohei ay puti, ngunit mayroon ding ginto, pilak at marami pang ibang kulay. Mula noong ika-9 na siglo, may kaugalian na sa Japan na ilakip ang gohei sa mga sinturon ng mga sumo wrestler bago magsimula ang isang labanan.

- Anesama.
Gumagawa ito ng mga manikang papel. Noong ika-19 na siglo, ang mga asawang samurai ay gumawa ng mga manikang papel na nilalaro ng mga bata, na binibihisan sila ng iba't ibang damit. Noong mga panahong walang laruan, si anesama lang ang kausap ng mga bata, "naglalaro" ng papel na ina, nakatatandang kapatid na babae, anak at kaibigan.
Ang manika ay pinagsama mula sa Japanese washi paper, ang buhok ay ginawa mula sa gusot na papel, pininturahan ng tinta at natatakpan ng pandikit, na nagbibigay ito ng isang makintab na pagtatapos. Natatanging katangian ay isang cute na maliit na ilong sa isang mahabang mukha. Ngayon, ang simpleng laruan na ito, na nangangailangan ng walang iba kundi ang mga mahuhusay na kamay, tradisyonal sa anyo, ay patuloy na ginagawa sa parehong paraan tulad ng dati.

- Origami.
Ang sinaunang sining ng pagtitiklop ng papel (折り紙, lit.: "nakatuping papel"). Ang sining ng origami ay nag-ugat sa sinaunang Tsina, kung saan naimbento ang papel. Ang origami ay orihinal na ginamit sa mga ritwal ng relihiyon. Sa mahabang panahon ang ganitong uri ng sining ay magagamit lamang sa mga kinatawan ng matataas na klase, kung saan ang isang palatandaan magandang asal nagkaroon ng karunungan sa mga diskarte sa pagtitiklop ng papel. Pagkatapos lamang ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang origami ay lumampas sa Silangan at dumating sa Amerika at Europa, kung saan agad nitong natagpuan ang mga tagahanga nito. Ang klasikong origami ay ginawa mula sa isang parisukat na sheet ng papel.
Mayroong isang tiyak na hanay ng mga simbolo na kinakailangan upang i-sketch ang folding diagram ng kahit na ang pinaka-kumplikadong produkto. Karamihan sa mga karaniwang palatandaan ay ipinakilala sa pagsasanay noong kalagitnaan ng ika-20 siglo ng sikat na Japanese master na si Akira Yoshizawa.
Ang klasikong origami ay nangangailangan ng paggamit ng isang parisukat, pantay na kulay na sheet ng papel na walang pandikit o gunting. Ang mga kontemporaryong anyo ng sining kung minsan ay umaalis sa canon na ito.

- Kirigami.
Ang Kirigami ay ang sining ng paggupit ng iba't ibang hugis mula sa isang sheet ng papel na nakatiklop ng ilang beses gamit ang gunting. Isang uri ng origami na nagpapahintulot sa paggamit ng gunting at paggupit ng papel sa proseso ng paggawa ng modelo. Ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng kirigami at iba pang mga diskarte sa pagtitiklop ng papel, na binibigyang-diin sa pangalan: 切る (kiru) - hiwa, 紙 (gami) - papel. Bilang mga bata, gustung-gusto nating lahat na gupitin ang mga snowflake - isang bersyon ng kirigami; gamit ang diskarteng ito maaari mong gupitin hindi lamang ang mga snowflake, kundi pati na rin ang iba't ibang mga figure, bulaklak, garland at iba pang mga cute na bagay mula sa papel. Ang mga produktong ito ay maaaring gamitin bilang mga stencil para sa mga print, dekorasyon ng mga album, card, mga frame ng larawan, sa disenyo ng damit, panloob na disenyo at iba pang iba't ibang mga dekorasyon.

- Ikebana.
Ikebana, (Japanese 生け花 o いけばな) isinalin mula sa Japanese - ike" - buhay, "bana" - bulaklak, o "bulaklak na nabubuhay". Ang sining ng Hapon sa pag-aayos ng bulaklak ay isa sa pinakamagandang tradisyon ng mga Hapones. Kapag bumubuo ng ikebana, kasama ang mga bulaklak, ginagamit ang mga pinutol na sanga, dahon at mga sanga.Ang pangunahing prinsipyo ay ang prinsipyo ng katangi-tanging pagiging simple, upang makamit kung saan sinusubukan nilang bigyang-diin ang natural na kagandahan ng mga halaman. Ang Ikebana ay ang paglikha ng isang bagong likas na anyo kung saan ang kagandahan ng isang bulaklak at ang kagandahan ng kaluluwa ng master na lumilikha ng komposisyon ay magkakasuwato na pinagsama.
Ngayon sa Japan mayroong 4 na pinakamalaking paaralan ng ikebana: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Bilang karagdagan sa kanila, mayroong halos isang libong iba't ibang direksyon at uso na sumusunod sa isa sa mga paaralang ito.

- Oribana.
Noong kalagitnaan ng ika-17 siglo, dalawang paaralan ang lumitaw mula sa Ikenobo: ohara (ang pangunahing anyo ng ikebana ay oribana) at koryu (ang pangunahing anyo ay sseka). Oribana lang pala ang pinag-aaralan ng ohara school. Tulad ng sinasabi ng mga Hapon, napakahalaga na ang origami ay hindi maging origami. Ang ibig sabihin ng Gomi ay basura sa Japanese. Pagkatapos ng lahat, habang nangyayari ito, nakatiklop ka ng isang piraso ng papel, at pagkatapos ay ano ang gagawin dito? Nag-aalok ang Oribana ng maraming ideya ng palumpon para sa interior decoration. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Mali.
Isang uri ng pinong sining na ipinanganak mula sa floristry. Lumitaw ang Floristry sa ating bansa walong taon na ang nakalilipas, bagaman ito ay umiral sa Japan nang higit sa anim na raang taon. Noong unang panahon sa Middle Ages, natutunan ng samurai ang paraan ng mandirigma. At ang oshibana ay bahagi ng landas na ito, tulad ng pagsulat ng mga hieroglyph at paghawak ng espada. Ang kahulugan ng pagkakamali ay na sa isang estado ng kabuuang presensya sa sandaling ito (satori), ang master ay lumikha ng isang larawan mula sa mga pinatuyong bulaklak (pinipindot na mga bulaklak). Kung gayon ang larawang ito ay maaaring magsilbi bilang isang susi, isang gabay para sa mga taong handang pumasok sa katahimikan at maranasan ang parehong satori.
Ang kakanyahan ng sining ng "oshibana" ay sa pamamagitan ng pagkolekta at pagpapatuyo ng mga bulaklak, damo, dahon, bark sa ilalim ng presyon at idikit ang mga ito sa isang base, ang may-akda ay lumilikha ng isang tunay na gawa ng "pagpinta" sa tulong ng mga halaman. Sa madaling salita, ang oshibana ay nagpinta gamit ang mga halaman.
Artistic na pagkamalikhain Ang mga florist ay batay sa pagpapanatili ng hugis, kulay at texture ng pinatuyong materyal ng halaman. Ang mga Hapones ay nakabuo ng isang pamamaraan para sa pagprotekta sa mga pintura ng oshibana mula sa pagkupas at pagdidilim. Ang kakanyahan nito ay ang hangin ay pumped out sa pagitan ng salamin at ang larawan at isang vacuum ay nilikha, na pumipigil sa mga halaman mula sa deteriorating.
Ang nakakaakit sa mga tao ay hindi lamang ang hindi kinaugalian ng sining na ito, kundi pati na rin ang pagkakataong magpakita ng imahinasyon, panlasa, at kaalaman sa mga katangian ng mga halaman. Ang mga florist ay gumagawa ng mga burloloy, landscape, still life, portrait at subject painting.

- Bonsai.
Ang bonsai, bilang isang kababalaghan, ay lumitaw higit sa isang libong taon na ang nakalilipas sa Tsina, ngunit ang kulturang ito ay umabot sa rurok ng pag-unlad nito lamang sa Japan. (bonsai - Japanese 盆栽 lit. "plant in a pot") - ang sining ng pagpapalaki ng eksaktong kopya ng tunay na puno sa maliit na larawan. Ang mga halaman na ito ay pinalaki ng mga monghe ng Budismo ilang siglo BC at pagkatapos ay naging isa sa mga trabaho ng lokal na maharlika.
Pinalamutian ng bonsai ang mga tahanan at hardin ng Hapon. Noong panahon ng Tokugawa, nakatanggap ng bagong impetus ang disenyo ng parke: ang paglaki ng azalea at maple ay naging libangan ng mayayamang tao. Umunlad din ang dwarf plant (hachi-no-ki - "potted tree"), ngunit ang bonsai noong panahong iyon ay napakalaki.
Sa ngayon, ang mga ordinaryong puno ay ginagamit para sa bonsai, nagiging maliit sila salamat sa patuloy na pruning at iba't ibang mga pamamaraan. Kasabay nito, ang ratio ng mga sukat ng root system, na limitado sa dami ng mangkok, at ang lupa na bahagi ng bonsai ay tumutugma sa mga proporsyon ng isang punong may sapat na gulang sa kalikasan.

- Mizuhiki.
Katulad ng macrame. Ito ay isang sinaunang Japanese na inilapat na sining ng pagtali ng iba't ibang mga buhol mula sa mga espesyal na lubid at paglikha ng mga pattern mula sa kanila. Ang ganitong mga gawa ng sining ay may napakalawak na hanay ng mga aplikasyon - mula sa mga gift card at mga titik hanggang sa mga hairstyle at handbag. Sa ngayon, ang mizuhiki ay lubos na ginagamit sa industriya ng regalo - bawat kaganapan sa buhay ay sinamahan ng isang regalo, nakabalot at nakatali nang perpekto. sa isang tiyak na paraan. Mayroong napakaraming bilang ng mga buhol at komposisyon sa sining ng mizuhiki, at hindi lahat ng Hapon ay alam ang lahat ng ito sa puso. Siyempre, mayroong mga pinaka-karaniwan at simpleng mga buhol na madalas na ginagamit: para sa pagbati sa kapanganakan ng isang bata, para sa isang kasal o libing, kaarawan o pagpasok sa unibersidad.

- Kumihimo.
Ang Kumihimo ay isang Japanese braiding technique. Kapag ang mga thread ay magkakaugnay, ang mga ribbon at laces ay nakuha. Ang mga laces na ito ay hinabi sa mga espesyal na makina - Marudai at Takadai. Ang Marudai loom ay ginagamit para sa paghabi ng mga bilog na laces, habang ang Takadai loom ay ginagamit para sa flat laces. Ang Kumihimo na isinalin mula sa Japanese ay nangangahulugang "paghahabi ng mga lubid" (kumi - paghabi, pagtitiklop, himo - lubid, puntas). Sa kabila ng katotohanan na ang mga mananalaysay ay matigas ang ulo na iginiit na ang katulad na paghabi ay matatagpuan sa mga Scandinavian at Andean na mga naninirahan, sining ng Hapon Ang Kumihimo ay tunay na isa sa mga pinaka sinaunang uri ng paghabi. Ang unang pagbanggit nito ay nagsimula noong 550, nang kumalat ang Budismo sa buong Japan at ang mga espesyal na seremonya ay nangangailangan ng mga espesyal na dekorasyon. Nang maglaon, ang mga sintas ng kumihimo ay nagsimulang gamitin bilang isang fastener para sa obi belt sa kimono ng isang babae, bilang mga lubid para sa "pag-iimpake" ng buong samurai arsenal ng mga armas (ginamit ng samurai ang kumihimo para sa pandekorasyon at functional na mga layunin, upang itali ang kanilang baluti at ang baluti ng kanilang mga kabayo) at gayundin para sa pagtatali ng mabibigat na bagay.
Ang iba't ibang pattern ng modernong kumihimo ay napakadaling hinabi sa mga lutong bahay na karton na habihan.

- Komono.
Ano ang natitira sa isang kimono pagkatapos nitong maisakatuparan ang layunin nito? Sa tingin mo ba ito ay itinatapon? Walang ganito! Hinding-hindi gagawin iyon ng mga Hapon. Ang kimono ay isang mamahaling bagay. Hindi maiisip at imposibleng itapon lamang ito... Kasama ng iba pang uri ng muling paggamit ng mga kimono, ang mga manggagawang babae ay gumawa ng maliliit na souvenir mula sa maliliit na mga scrap. Kabilang dito ang maliliit na laruan para sa mga bata, manika, brooch, garland, alahas ng kababaihan at iba pang produkto; ang mga lumang kimono ay ginagamit upang gumawa ng maliliit na cute na bagay, na kung saan ay tinatawag na "komono". Mga maliliit na bagay na magdadala sa kanilang sariling buhay, na nagpapatuloy sa landas ng kimono. Ito ang ibig sabihin ng salitang "komono".

- Kanzashi.
Ang sining ng pagdekorasyon ng mga clip ng buhok (madalas na pinalamutian ng mga bulaklak (butterflies, atbp.) na gawa sa tela (karamihan ay sutla). Ang Japanese kanzashi ay isang mahabang hairpin para sa isang tradisyonal na hairstyle ng mga babaeng Hapon. Ang mga ito ay gawa sa kahoy, lacquer, pilak, tortoiseshell , na ginagamit sa tradisyonal na Chinese at Japanese na hairstyles.Mga 400 taon na ang nakalilipas, sa Japan, nagbago ang istilo ng hairstyle ng mga babae: tumigil ang mga babae sa pagsusuklay ng kanilang buhok sa tradisyonal na anyo - taregami (mahabang tuwid na buhok) at nagsimulang mag-istilo nito sa masalimuot at magarbong mga hugis- nihongami. Iba't ibang bagay ang ginamit sa pag-istilo ng buhok - hairpins, sticks, combs. Ito ay pagkatapos na kahit na ang isang simpleng kushi comb ay nagiging isang eleganteng accessory ng hindi pangkaraniwang kagandahan, na nagiging isang tunay na gawa ng sining. Hindi pinapayagan ng tradisyonal na kasuutan ng kababaihang Hapones ang mga alahas sa pulso at mga kuwintas, kaya ang mga dekorasyon sa buhok ang pangunahing kagandahan at larangan para sa pagpapahayag ng sarili - pati na rin ang pagpapakita ng lasa at kapal ng pitaka ng may-ari. Sa mga ukit ay makikita mo - kung titingnan mong mabuti - kung paano madaling nagsabit ng hanggang dalawampung mamahaling kanzashi ang mga babaeng Hapones sa kanilang mga hairstyle.
Sa kasalukuyan, mayroong muling pagbuhay sa tradisyon ng paggamit ng kanzashi sa mga kabataang babaeng Hapones na gustong magdagdag ng pagiging sopistikado at kagandahan sa kanilang mga hairstyle; ang mga modernong hairpin ay maaaring palamutihan ng isa o dalawang eleganteng bulaklak na gawa sa kamay.

- Kinusayga.
Isang kamangha-manghang uri ng handicraft mula sa Japan. Ang Kinusiga (絹彩画) ay isang krus sa pagitan ng batik at tagpi-tagpi. Ang pangunahing ideya ay ang mga bagong kuwadro na gawa ay pinagsama-samang piraso mula sa mga lumang kimono na sutla - mga tunay na gawa sining.
Una, ang artist ay gumagawa ng isang sketch sa papel. Pagkatapos ang pagguhit na ito ay inilipat sa isang kahoy na board. Ang balangkas ng disenyo ay pinutol gamit ang mga grooves, o mga grooves, at pagkatapos ay pinutol ang maliliit na piraso ng magkatugmang kulay at tono mula sa isang lumang kimono na sutla, at ang mga gilid ng mga pirasong ito ay pinupuno ang mga grooves. Kapag tumingin ka sa ganoong larawan, mararamdaman mo na tumitingin ka sa isang litrato, o kahit na nanonood lang ng tanawin sa labas ng bintana, napaka-realistic nila.

- Temari.
Ito ay mga tradisyonal na Japanese geometric embroidered ball na ginawa gamit ang mga simpleng tahi na dating laruan ng mga bata at ngayon ay naging isang anyo ng inilapat na sining na may maraming mga tagahanga hindi lamang sa Japan, ngunit sa buong mundo. Ito ay pinaniniwalaan na matagal na ang nakalipas ang mga produktong ito ay ginawa ng mga asawa ng samurai para sa libangan. Sa pinakadulo simula sila ay aktwal na ginamit bilang isang bola para sa paglalaro ng bola, ngunit sunud-sunod na nagsimula silang makakuha ng mga artistikong elemento, sa kalaunan ay naging pandekorasyon na mga burloloy. Ang pinong kagandahan ng mga bolang ito ay kilala sa buong Japan. At ngayon, ang makulay, maingat na ginawang mga produkto ay isa sa mga uri ng katutubong sining sa Japan.

- Yubinuki.
Ang mga thimble ng Hapon, kapag nananahi o nagbuburda sa pamamagitan ng kamay, sila ay inilalagay sa gitnang phalanx ng gitnang daliri ng nagtatrabaho kamay, sa tulong ng mga daliri ang karayom ​​ay binibigyan ng nais na direksyon, at ang singsing sa gitnang daliri ay nagtutulak sa karayom sa pamamagitan ng trabaho. Sa una, ang mga Japanese yubinuki thimble ay ginawa nang simple - isang strip ng makapal na tela o katad na humigit-kumulang 1 cm ang lapad sa ilang mga layer ay mahigpit na nakabalot sa daliri at ikinabit kasama ng ilang simpleng pandekorasyon na tahi. Dahil ang mga yubinuk ay isang kinakailangang bagay sa bawat tahanan, nagsimula silang palamutihan ng geometric na pagbuburda gamit ang mga sinulid na sutla. Ang mga interlocking stitches ay lumikha ng makulay at kumplikadong mga pattern. Ang Yubinuki mula sa isang simpleng gamit sa bahay ay naging isang bagay para sa "paghanga" at dekorasyon. Araw-araw na buhay.
Ginagamit pa rin ang Yubinuki para sa pananahi at pagbuburda, ngunit bilang karagdagan, maaari rin silang matagpuan na isinusuot lamang sa mga kamay sa anumang daliri, tulad ng mga pandekorasyon na singsing. Pinalamutian sila ng burda sa istilong yubinuki. iba't ibang bagay sa hugis ng isang singsing - napkin ring, bracelets, temari stand, pinalamutian ng yubinuki embroidery; mayroon ding mga burdado na kaso ng karayom ​​sa parehong estilo. Ang mga pattern ng Yubinuki ay maaaring maging isang mahusay na mapagkukunan ng inspirasyon para sa pagbuburda ng temari obi.

- Suibokuga o sumie.
Japanese ink painting. Ang estilo ng pagpipinta ng Tsino na ito ay hiniram ng mga artistang Hapones noong ika-14 na siglo, at sa pagtatapos ng ika-15 siglo. ay naging pangunahing direksyon ng pagpipinta sa Japan. Ang Suibokuga ay monochrome. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng itim na tinta (sumi), isang matigas na anyo ng uling o uling na nagmula sa Chinese na tinta, na giniling sa isang palayok ng tinta, diluted sa tubig at ipinipilyo sa papel o seda. Ang Monochrome ay nag-aalok sa master ng walang katapusang pagpili ng mga pagpipilian sa tonal, na matagal nang kinikilala ng mga Intsik bilang "mga kulay" ng tinta. Minsan pinapayagan ng Suibokuga ang paggamit ng mga tunay na kulay, ngunit nililimitahan ito sa manipis, transparent na mga stroke, na palaging nananatiling nasa ilalim ng linya na pinaandar sa tinta. Ang pagpipinta ng tinta ay nakikibahagi sa sining ng kaligrapya sa mga mahahalagang katangian tulad ng mahigpit na kontroladong pagpapahayag at teknikal na kasanayan sa anyo. Ang kalidad ng pagpipinta ng tinta ay bumababa, tulad ng sa kaligrapya, sa integridad at paglaban sa pagkapunit ng linya na iginuhit gamit ang tinta, na tila hawak ang gawa ng sining sa sarili nito, tulad ng mga buto na humahawak ng tissue sa kanilang sarili.

- Etagami.
Iginuhit na mga postkard (e - larawan, mga tag - titik). Ang paggawa ng mga card gamit ang iyong sariling mga kamay sa pangkalahatan ay isang napaka-tanyag na aktibidad sa Japan, at bago ang holiday ay tumataas ang katanyagan nito. Gustung-gusto ng mga Hapones na magpadala ng mga postkard sa kanilang mga kaibigan, at mahilig din silang tumanggap ng mga ito. Ito ay isang uri ng mabilis na sulat sa mga espesyal na blangko na form; maaari itong ipadala sa pamamagitan ng koreo nang walang sobre. Walang mga espesyal na panuntunan o diskarte sa etegami; kahit sino ay maaaring gawin ito nang walang espesyal na pagsasanay. Sa mga yugto, nakakatulong ito upang tumpak na ipahayag ang iyong kalooban, mga impression; ito ay isang handmade na postkard na binubuo ng isang larawan at maikling sulat, na naghahatid ng mga damdamin ng nagpadala tulad ng init, pagsinta, pangangalaga, pagmamahal, atbp. Ang mga kard na ito ay ipinapadala sa mga pista opisyal at ganoon din, na naglalarawan ng mga panahon, mga aksyon, mga gulay at prutas, mga tao at hayop. Ang mas simple ang larawang ito ay iginuhit, mas kawili-wili ang hitsura nito.

- Furoshiki.
Japanese packaging technique o ang sining ng pagtitiklop ng tela. Ang Furoshiki ay naging bahagi ng buhay ng mga Hapon sa mahabang panahon. Ang mga sinaunang balumbon mula sa panahon ng Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) na may mga larawan ng mga babae na may dalang mga bundle ng mga damit na nakabalot sa tela sa kanilang mga ulo ay napanatili. Ang kagiliw-giliw na pamamaraan na ito ay nagmula noong 710 - 794 AD sa Japan. Ang salitang "furoshiki" ay literal na isinalin sa "bath mat" at ito ay isang parisukat na piraso ng tela na ginamit upang balutin at dalhin ang mga bagay sa lahat ng hugis at sukat.
Noong unang panahon, sa mga paliguan ng Hapon (furo) ay kaugalian na magsuot ng magaan na cotton kimono, na dinadala ng mga bisita mula sa bahay. Nagdala rin ang naliligo ng espesyal na banig (shiki) na kinatatayuan niya habang naghuhubad. Napalitan ng "bath" na kimono, binalot ng bisita ang kanyang mga damit sa isang alpombra, at pagkatapos maligo ay binalot niya ang basang kimono sa alpombra upang dalhin ito pauwi. Kaya, ang bath mat ay naging isang multifunctional na bag.
Napakadaling gamitin ng Furoshiki: ang tela ay may hugis ng bagay na iyong binabalot, at ang mga hawakan ay nagpapadali sa pagdadala ng kargada. Bilang karagdagan, ang isang regalo na nakabalot hindi sa matigas na papel, ngunit sa malambot, multi-layered na tela, ay nakakakuha ng espesyal na pagpapahayag. Mayroong maraming mga pattern para sa natitiklop na furoshiki para sa anumang okasyon, araw-araw o holiday.

- Amigurumi.
Ang sining ng Hapon sa pagniniting o paggantsilyo ng maliliit na malambot na hayop at mga humanoid na nilalang. Ang Amigurumi (Japanese 編み包み, lit.: "knitted-wrapped") ay kadalasang mga cute na hayop (tulad ng mga oso, kuneho, pusa, aso, atbp.), mga tao, ngunit maaari rin silang mga walang buhay na bagay na pinagkalooban ng mga ari-arian ng tao. Halimbawa, mga cupcake, sombrero, handbag at iba pa. Ang Amigurumi ay niniting o niniting. Kamakailan, ang crocheted amigurumi ay naging mas popular at mas karaniwan.
niniting mula sa sinulid sa simpleng paraan pagniniting - sa isang spiral at, hindi katulad ng European na paraan ng pagniniting, ang mga bilog ay karaniwang hindi konektado. Ang mga ito ay naka-crocheted din sa isang mas maliit na sukat na may kaugnayan sa kapal ng sinulid upang lumikha ng isang napakahigpit na tela nang walang anumang mga puwang kung saan ang materyal na palaman ay maaaring makatakas. Ang Amigurumi ay kadalasang ginawa mula sa mga bahagi at pagkatapos ay pinagsama-sama, maliban sa ilang amigurumi na walang mga paa, ngunit isang ulo at katawan lamang na bumubuo ng isang buo. Ang mga limbs ay minsan ay pinalamanan ng mga plastik na piraso upang bigyan sila ng live na timbang, habang ang natitirang bahagi ng katawan ay puno ng fiber filler.
Ang pagkalat ng amigurumi aesthetics ay pinadali ng kanilang cuteness ("kawaiiness").

Na sumasaklaw sa maraming mga diskarte at estilo. Sa buong kasaysayan ng pagkakaroon nito, ito ay dumaan malaking bilang ng mga pagbabago. Ang mga bagong tradisyon at genre ay idinagdag, at ang orihinal na mga prinsipyo ng Hapon ay nanatili. Kasama ang kahanga-hangang kasaysayan ng Japan, ang pagpipinta ay handa rin na magpakita ng maraming kakaiba at kawili-wiling mga katotohanan.

Sinaunang Hapon

Ang mga unang istilo ay lumilitaw sa pinaka sinaunang makasaysayang panahon ng bansa, kahit na BC. e. Pagkatapos ang sining ay medyo primitive. Una, noong 300 BC. BC, lumitaw ang iba't ibang mga geometric na hugis, na ginawa sa palayok gamit ang mga stick. Ang gayong pagtuklas ng mga arkeologo bilang dekorasyon sa mga bronze na kampanilya ay nagsimula sa ibang pagkakataon.

Maya-maya pa, nasa 300 AD na. e., lumilitaw ang mga kuwadro na bato, na mas magkakaibang geometric na palamuti. Ang mga ito ay ganap nang mga larawang may mga larawan. Natagpuan ang mga ito sa loob ng mga crypt, at, malamang, ang mga taong nakapinta sa mga ito ay inilibing sa mga libingan na ito.

Noong ika-7 siglo AD e. Pinagtibay ng Japan ang pagsulat na nagmula sa China. Sa paligid ng parehong oras, ang mga unang painting ay nagmula doon. Pagkatapos ay lilitaw ang pagpipinta bilang isang hiwalay na globo ng sining.

Edo

Ang Edo ay malayo sa una at hindi sa huling pagpipinta, ngunit nagdala ito ng maraming bagong bagay sa kultura. Una, ito ay ang ningning at makulay na idinagdag sa karaniwang pamamaraan, na ginanap sa itim at kulay abong mga tono. Si Sotasu ay itinuturing na pinakatanyag na artista ng istilong ito. Gumawa siya ng mga klasikong pagpipinta, ngunit ang kanyang mga karakter ay napakakulay. Nang maglaon ay lumipat siya sa kalikasan, at karamihan sa kanyang mga tanawin ay ipininta laban sa ginintuan na mga background.

Pangalawa, noong panahon ng Edo, lumitaw ang exoticism, ang genre ng namban. Gumamit ito ng mga makabagong pamamaraang European at Chinese na kaakibat ng mga tradisyonal na istilo ng Hapon.

At pangatlo, lumalabas ang Nanga school. Sa loob nito, ang mga artista ay unang ganap na ginagaya o kahit na kinokopya ang mga gawa ng mga Chinese masters. Pagkatapos ay lilitaw ang isang bagong sangay, na tinatawag na bunjing.

Panahon ng modernisasyon

Ang panahon ng Edo ay nagbibigay daan sa Meiji, at ngayon ang pagpipinta ng Hapon ay napipilitang pumasok sa isang bagong yugto ng pag-unlad. Sa oras na ito, ang mga genre tulad ng Kanluranin at mga katulad ay nagiging popular sa buong mundo, kaya ang modernisasyon ng sining ay naging isang karaniwang estado ng mga gawain. Gayunpaman, sa Japan, isang bansa kung saan iginagalang ng lahat ng tao ang mga tradisyon, binigay na oras ang sitwasyon ay makabuluhang naiiba sa kung ano ang nangyayari sa ibang mga bansa. Matindi ang kompetisyon sa pagitan ng European at local technician dito.

Ang gobyerno sa yugtong ito ay nagbibigay ng kagustuhan sa mga batang artista na nagpapasa malaking pag-asa upang mapabuti ang mga kasanayan sa mga istilong Kanluranin. Kaya ipinapadala nila ang mga ito sa mga paaralan sa Europa at Amerika.

Ngunit ito ay sa simula lamang ng panahon. Ang katotohanan ay ang mga sikat na kritiko ay lubos na pinuna ang sining ng Kanluranin. Upang maiwasan ang malaking kaguluhan sa isyung ito, nagsimulang ipagbawal ang mga istilo at diskarte sa Europa sa mga eksibisyon, tumigil ang kanilang pagpapakita, gayundin ang kanilang kasikatan.

Ang paglitaw ng mga istilo ng Europa

Susunod ang panahon ng Taisho. Sa oras na ito, ang mga batang artista na umalis upang mag-aral sa mga dayuhang paaralan ay bumalik sa kanilang sariling bayan. Naturally, nagdadala sila ng mga bagong estilo ng pagpipinta ng Hapon, na halos kapareho sa mga European. Lumilitaw ang impresyonismo at post-impresyonismo.

Sa yugtong ito, maraming mga paaralan ang nabubuo kung saan sinaunang Mga istilo ng Hapon. Ngunit imposibleng ganap na mapupuksa ang mga hilig sa Kanluran. Samakatuwid, kailangan nating pagsamahin ang ilang mga diskarte upang masiyahan ang parehong mga mahilig sa mga classics at mga tagahanga ng modernong European painting.

Ang ilang mga paaralan ay pinondohan ng estado, salamat sa kung saan posible na mapanatili ang marami sa mga pambansang tradisyon. Napipilitang sundin ng mga pribadong may-ari ang pangunguna ng mga mamimili na nagnanais ng bago; pagod na sila sa mga klasiko.

Pagpinta mula sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig

Matapos ang pagsisimula ng panahon ng digmaan, ang pagpipinta ng Hapon ay nanatiling malayo sa mga kaganapan sa loob ng ilang panahon. Ito ay binuo nang hiwalay at nakapag-iisa. Ngunit hindi ito maaaring magpatuloy magpakailanman.

Sa paglipas ng panahon, kailan kalagayang politikal Habang lumalala ang mga bagay sa bansa, ang matataas at iginagalang na mga pigura ay nakakaakit ng maraming artista. Ang ilan sa kanila ay nagsimulang lumikha sa mga istilong makabayan kahit sa simula ng digmaan. Ang natitira ay nagsisimula lamang sa prosesong ito sa mga utos mula sa mga awtoridad.

Alinsunod dito, hindi nagawang umunlad ang sining ng Hapon lalo na noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Samakatuwid, para sa pagpipinta maaari itong tawaging stagnant.

Walang hanggang Suibokuga

Ang Japanese sumi-e painting, o suibokuga, ay literal na nangangahulugang “ink painting.” Tinutukoy nito ang estilo at pamamaraan ng sining na ito. Ito ay nagmula sa Tsina, ngunit ang mga Hapones ay nagpasya na tawagan ito sa kanilang sarili. At sa una ang pamamaraan ay walang anumang aesthetic side. Ginamit ito ng mga monghe para sa pagpapabuti ng sarili habang nag-aaral ng Zen. Bukod dito, gumuhit muna sila ng mga larawan at pagkatapos ay sinanay ang kanilang konsentrasyon habang tinitingnan sila. Naniniwala ang mga monghe na ang mga mahigpit na linya, malabong tono at anino - lahat ng tinatawag na monochrome - ay nakakatulong upang mapabuti.

Ang Japanese ink painting, sa kabila ng iba't ibang uri ng mga painting at technique, ay hindi kasing kumplikado na tila sa unang tingin. Ito ay batay sa 4 na plots lamang:

1. Chrysanthemum.
2. Orchid.
3. Sanga ng plum.
4. Kawayan.

Ang isang maliit na bilang ng mga plot ay hindi ginagawang mabilis ang pag-master ng pamamaraan. Ang ilang mga masters ay naniniwala na ang pag-aaral ay tumatagal ng panghabambuhay.

Sa kabila ng katotohanan na sumi-e lumitaw ang isang mahabang panahon ang nakalipas, ito ay palaging in demand. Bukod dito, ngayon maaari mong matugunan ang mga master ng paaralang ito hindi lamang sa Japan, ito ay laganap na malayo sa mga hangganan nito.

Makabagong panahon

Pagkatapos ng World War II, ang sining sa Japan ay umunlad lamang sa mga pangunahing lungsod, sapat na ang pag-aalala ng mga taganayon at taganayon. Para sa karamihan, sinubukan ng mga artista na tumalikod mula sa mga pagkalugi sa panahon ng digmaan at ilarawan sa canvas ang modernong buhay sa lungsod kasama ang lahat ng mga palamuti at tampok nito. Ang mga ideyang European at American ay matagumpay na pinagtibay, ngunit ang kalagayang ito ay hindi nagtagal. Maraming mga master ang nagsimulang unti-unting lumayo sa kanila patungo sa mga paaralang Hapon.

Palaging nananatiling sunod sa moda. Samakatuwid, ang modernong pagpipinta ng Hapon ay maaaring magkakaiba lamang sa pamamaraan ng pagpapatupad o mga materyales na ginamit sa proseso. Ngunit karamihan sa mga artista ay hindi nakikita ng mabuti ang iba't ibang mga inobasyon.

Imposibleng hindi banggitin ang sunod sa moda modernong mga subkultura, gaya ng anime at mga katulad na istilo. Sinusubukan ng maraming artista na palabuin ang linya sa pagitan ng mga klasiko at kung ano ang hinihiling ngayon. Para sa karamihan, ang kalagayang ito ay dahil sa komersiyo. Mga klasiko at tradisyonal na mga genre sa katunayan, hindi sila bumibili, samakatuwid, hindi kapaki-pakinabang na magtrabaho bilang isang artista sa iyong paboritong genre, kailangan mong umangkop sa fashion.

Konklusyon

Walang alinlangan, ang Japanese painting ay isang treasure trove ng fine art. Marahil, ang bansang pinag-uusapan ay ang isa lamang na hindi sumunod sa mga uso sa Kanluran at hindi umangkop sa fashion. Sa kabila ng maraming suntok sa pagdating ng mga bagong pamamaraan, nagawa pa rin ng mga Japanese artist na ipagtanggol pambansang tradisyon sa maraming genre. Ito marahil ang dahilan kung bakit ang mga kuwadro na gawa sa mga klasikal na istilo ay lubos na pinahahalagahan sa mga eksibisyon ngayon.

Sining at disenyo

3946

01.02.18 09:02

Ang eksena sa sining ngayon sa Japan ay napaka-magkakaibang at nakakapukaw: ang pagtingin sa mga gawa ng mga masters mula sa Land of the Rising Sun, iisipin mong nakarating ka na sa ibang planeta! Tahanan ng mga innovator na nagbago ng tanawin ng industriya sa pandaigdigang saklaw. Narito ang isang listahan ng 10 kontemporaryong Japanese artist at ang kanilang mga likha, mula sa hindi kapani-paniwalang mga nilalang ni Takashi Murakami (na nagdiriwang ng kanyang kaarawan ngayon) hanggang sa makulay na uniberso ng Kusama.

Mula sa mga futuristic na mundo hanggang sa mga dotted constellation: mga kontemporaryong Japanese artist

Takashi Murakami: tradisyonal at klasiko

Magsimula tayo sa bayani ng okasyon! Si Takashi Murakami ay isa sa mga pinaka-iconic na kontemporaryong artist ng Japan, nagtatrabaho sa mga pagpipinta, malalaking iskultura at fashion na damit. Ang istilo ni Murakami ay naiimpluwensyahan ng manga at anime. Siya ang nagtatag ng kilusang Superflat, na sumusuporta sa Hapon masining na tradisyon at ang kultura ng bansa pagkatapos ng digmaan. Isinulong ni Murakami ang marami sa kanyang mga kasabayan, at makikilala rin natin ang ilan sa kanila ngayon. Ang "subcultural" na mga gawa ni Takashi Murakami ay ipinakita sa mga merkado ng sining ng fashion at sining. Ang kanyang provocative na My Lonesome Cowboy (1998) ay naibenta sa New York sa Sotheby's noong 2008 para sa isang record na $15.2 milyon. Nakipagtulungan si Murakami sa mundo mga sikat na tatak Marc Jacobs, Louis Vuitton at Issey Miyake.

Tahimik na si Ashima at ang kanyang surreal na uniberso

Isang miyembro ng kumpanya ng paggawa ng sining na Kaikai Kiki at ang kilusang Superflat (parehong itinatag ni Takashi Murakami), kilala si Chicho Ashima para sa kanyang mga kamangha-manghang cityscape at kakaibang pop creature. Lumilikha ang artist ng mga surreal na pangarap na pinaninirahan ng mga demonyo, multo, mga batang dilag, na inilalarawan laban sa backdrop ng kakaibang kalikasan. Ang kanyang mga gawa ay karaniwang malakihan at nakalimbag sa papel, katad, at plastik. Noong 2006, lumahok ang kontemporaryong Japanese artist na ito sa Art on the Underground sa London. Gumawa siya ng 17 magkakasunod na arko para sa platform - ang mahiwagang tanawin ay unti-unting lumiliko mula sa araw hanggang gabi, mula sa lunsod hanggang sa kanayunan. Ang himalang ito ay namumulaklak sa Gloucester Road tube station.

Chiharu Shima at ang walang katapusang mga thread

Ang isa pang artist, si Chiharu Shiota, ay gumagawa sa malakihang visual installation para sa mga partikular na landmark. Siya ay ipinanganak sa Osaka, ngunit ngayon ay nakatira sa Alemanya - sa Berlin. Mga sentral na tema ang kanyang gawain ay limot at alaala, mga pangarap at katotohanan, nakaraan at kasalukuyan, at gayundin ang paghaharap ng pagkabalisa. Ang pinakasikat na mga gawa ni Chiharu Shiota ay mga hindi malalampasan na network ng itim na sinulid na sumasaklaw sa iba't ibang gamit sa bahay at personal, tulad ng mga lumang upuan, Damit Pangkasal, nasunog na piano. Noong tag-araw ng 2014, pinagsama ni Shiota ang mga donasyong sapatos at bota (kung saan mayroong higit sa 300) na may mga hibla ng pulang sinulid at isinabit ang mga ito sa mga kawit. Ang unang eksibisyon ni Chiharu sa kabisera ng Aleman ay naganap sa Berlin Art Week noong 2016 at nagdulot ng isang sensasyon.

Hoy Arakawa: kahit saan, wala kahit saan

Ang Hei Arakawa ay inspirasyon ng mga estado ng pagbabago, mga panahon ng kawalang-tatag, mga elemento ng panganib, at ang kanyang mga instalasyon ay kadalasang sumasagisag sa mga tema ng pagkakaibigan at kolektibong gawain. Ang kredo ng kontemporaryong Japanese artist ay binibigyang kahulugan ng performative, indefinite “everywhere, but nowhere.” Lumilitaw ang kanyang mga nilikha sa mga hindi inaasahang lugar. Noong 2013, ipinakita ang mga gawa ni Arakawa sa Venice Biennale at sa eksibisyon ng kontemporaryong sining ng Hapon sa Mori Museum of Art (Tokyo). Ang pag-install ng Hawaiian Presence (2014) ay isang pakikipagtulungan sa New York artist na si Carissa Rodriguez at kasama sa Whitney Biennial. Noong 2014 din, si Arakawa at ang kanyang kapatid na si Tomu, na gumaganap bilang isang duo na tinatawag na United Brothers, ay nag-alok sa mga bisita sa Frieze London ng kanilang "trabaho" na "The This Soup Taste Ambivalent" na may "radioactive" Fukushima daikon root vegetables.

Koki Tanaka: Mga Relasyon at Pag-uulit

Noong 2015, kinilala si Koki Tanaka bilang "Artist of the Year". Nag-explore si Tanaka pangkalahatang karanasan pagkamalikhain at imahinasyon, hinihikayat ang pagpapalitan sa pagitan ng mga kalahok sa proyekto at nagtataguyod ng mga bagong alituntunin ng pakikipagtulungan. Ang pag-install nito sa Japanese pavilion sa 2013 Venice Biennale ay binubuo ng mga video ng mga bagay na nagpabago sa espasyo sa isang plataporma para sa masining na pagpapalitan. Ang mga pag-install ni Koki Tanaka (hindi dapat malito sa kanyang buong pangalan ng aktor) ay naglalarawan ng kaugnayan sa pagitan ng mga bagay at aksyon, halimbawa, ang video ay naglalaman ng isang recording ng mga simpleng kilos na ginawa gamit ang mga ordinaryong bagay(isang kutsilyo na naghihiwa ng mga gulay, nagbubuhos ng beer sa isang baso, nagbubukas ng payong). Walang makabuluhang nangyayari, ngunit ang labis na pag-uulit at pansin sa pinakamaliit na detalye ay nagpapahalaga sa manonood ng makamundo.

Mariko Mori at mga naka-streamline na hugis

Ang isa pang kontemporaryong Japanese artist, si Mariko Mori, ay "nag-conjure" ng mga multimedia object, pinagsasama-sama ang mga video, litrato, at mga bagay. Siya ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang minimalist na futuristic na pananaw at makinis na mga anyo ng surreal. Ang paulit-ulit na tema sa akda ni Mori ay ang paghahambing ng Kanluraning alamat sa Kanluraning kultura. Noong 2010, itinatag ni Mariko ang Fau Foundation, isang pang-edukasyon na kultural na non-profit na organisasyon, kung saan siya ay lumikha ng isang serye ng mga art installation na nagpaparangal sa anim na may nakatirang kontinente. Kamakailan lamang, ang permanenteng pag-install ng Foundation na "Ring: One with Nature" ay itinayo sa isang magandang talon sa Resende malapit sa Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: synthesis ng tunog at video

Si Ryoji Ikeda ay isang bagong media artist at kompositor na ang trabaho ay pangunahing tumatalakay sa tunog sa iba't ibang "raw" na estado, mula sa mga sine wave hanggang sa ingay gamit ang mga frequency sa dulo ng pandinig ng tao. Kasama sa kanyang mga nakaka-engganyong pag-install ang mga tunog na binuo ng computer na biswal na binago sa mga projection ng video o mga digital na pattern. Ang audiovisual art ni Ikeda ay gumagamit ng sukat, liwanag, anino, lakas ng tunog, mga elektronikong tunog at ritmo. Ang sikat na pasilidad ng pagsubok ng artist ay binubuo ng limang projector na nagpapailaw sa isang lugar na 28 metro ang haba at 8 metro ang lapad. Ang setup ay nagko-convert ng data (teksto, mga tunog, mga larawan at mga pelikula) sa mga barcode at binary pattern ng mga isa at mga zero.

Tatsuo Miyajima at mga LED counter

Gumagamit ang kontemporaryong Japanese sculptor at installation artist na si Tatsuo Miyajima ng mga electrical circuit, video, computer at iba pang gadget sa kanyang sining. Ang mga pangunahing konsepto ni Miyajima ay hango sa mga ideyang makatao at mga turong Budista. Ang mga LED counter sa kanyang mga installation ay patuloy na kumikislap sa pag-uulit mula 1 hanggang 9, na sumisimbolo sa paglalakbay mula sa buhay hanggang kamatayan, ngunit iniiwasan ang finality na kinakatawan ng 0 (zero ay hindi kailanman lumilitaw sa trabaho ni Tatsuo). Ang mga ubiquitous na numero sa mga grid, tower, at diagram ay nagpapahayag ng interes ni Miyajima sa mga ideya ng pagpapatuloy, kawalang-hanggan, koneksyon, at daloy ng oras at espasyo. Kamakailan, ipinakita ang "Arrow of Time" ni Miyajima sa inaugural exhibition na "Unfinished Thoughts Visible in New York."

Nara Yoshimoto at ang masasamang bata

Gumagawa si Nara Yoshimoto ng mga painting, eskultura, at mga drowing ng mga bata at aso—mga paksang nagpapakita ng pagkabagot at pagkabigo sa pagkabata at ang matinding pagsasarili na natural sa mga paslit. Ang mga aesthetics ng gawa ni Yoshimoto ay nakapagpapaalaala sa tradisyonal mga ilustrasyon ng libro, ay pinaghalong hindi mapakali na tensyon at pagmamahal ng artist sa punk rock. Noong 2011, ang unang solong eksibisyon ni Yoshimoto, na pinamagatang "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool," ay ginanap sa Asia Society Museum sa New York, na sumasaklaw sa 20-taong karera ng kontemporaryong Japanese artist. Ang mga exhibit ay malapit na nauugnay sa mga pandaigdigang subkultur ng kabataan at kanilang alienation at protesta.

Yayoi Kusama at kalawakan na lumalaki sa kakaibang anyo

Kahanga-hanga malikhaing talambuhay Ang Yayoi ni Kusama ay sumasaklaw ng pitong dekada. Sa panahong ito, nagawang pag-aralan ng kamangha-manghang babaeng Hapones ang mga larangan ng pagpipinta, graphics, collage, eskultura, sinehan, ukit, sining sa kapaligiran, pag-install, pati na rin ang panitikan, fashion at disenyo ng damit. Nakabuo si Kusama ng isang kakaibang istilo ng dot art na naging trademark niya. Ang mga mapanlinlang na pangitain na inilalarawan sa akda ng 88-taong-gulang na si Kusama—kung saan ang mundo ay lumilitaw na nababalot ng malalawak at kakaibang anyo—ay resulta ng mga guni-guni na naranasan niya mula pagkabata. Ang mga silid na may mga makukulay na tuldok at "infinity" na salamin na sumasalamin sa kanilang mga kumpol ay nakikilala at hindi maaaring malito sa anumang bagay.

Tadasu Takamine. "God Bless America", 2002. Video (8 min. 18 seg.)

Dobleng Pananaw: Kontemporaryong Sining ng Japan
Mga Curator na sina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka

Unang bahagi: "Reality/Ordinaryong Mundo." Moscow Museum of Modern Art, Mt. Moscow, Ermolaevsky lane, 17
Ikalawang bahagi: “Imaginary World/Fantasies.” Moscow Museum of Modern Art, Mt. Moscow, Gogolevsky Boulevard, 10

Ang Moscow Museum of Modern Art kasama ang Japan Foundation ay nagtatanghal ng eksibisyon na "Double Perspective: Contemporary Art of Japan", na idinisenyo upang ipakilala ang pangkalahatang publiko sa mga kontemporaryong Japanese artist.
Ang dual perspective ay mula sa dalawang curator iba't-ibang bansa, dalawang mga site ng museo at isang dalawang bahagi na istraktura ng proyekto. Na-curate nina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka, pinagsasama-sama ng eksibisyon ang mga gawa ng higit sa 30 mga artista ng iba't ibang direksyon, na nagtatrabaho mula sa 70s ng ika-20 siglo hanggang sa kasalukuyan. Ang proyekto ay binubuo ng dalawang bahagi - "Ang Tunay na Daigdig/Araw-araw na Buhay" at "Imaginary World/Fantasy" - na matatagpuan sa bakuran ng museo sa 17 Ermolaevsky Lane at 10 Gogolevsky Boulevard.

Unang Bahagi: “Reality/Ordinaryong Mundo”

Ang unang bahagi ng eksibisyon na "Tunay na Daigdig/Araw-araw" ay nagpapakita ng pananaw ng mga Japanese artist sa mundo sa paligid natin sa pamamagitan ng pag-apila sa kasaysayan ng mundo noong ika-20 siglo (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa at Yuken Teruya), mga repleksyon sa istruktura ng modernong lipunan (Dumb Type at Tadasu Takamine), pakikipag-ugnayan sa urban space (contact Gonzo and ChimPom) at ang paghahanap ng tula sa pang-araw-araw na buhay (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi at Tetsuya Umeda). Si Yasumasa Morimura sa serye ng mga gawa sa video na "Requiem" ay nagbabago sa iba't-ibang mga makasaysayang karakter: Chaplin, manunulat na si Yukio Mishima at maging si Lenin - at muling nililikha ang mga yugto mula sa kanilang buhay. Ang isa pang kalahok sa proyekto, si Tetsuya Umeda, ay lumilikha ng mga pag-install mula sa mga improvised na paraan, mga ordinaryong bagay - kaya, ang pinaka-banal na pang-araw-araw na buhay ay nagiging sining. Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga gawa ni Yoko Ono - ang sikat na "Cut Piece" sa 1965 at 2003 na bersyon at ang sound installation na "Cough Piece" (1961). Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga gawa ni Kishio Suga, isa sa mga sentral na kinatawan ng kilusang Mono-Ha (isinalin bilang "School of Things"), na nag-aalok ng alternatibong Hapon sa Western modernism. Ang seksyon ng larawan ay magpapakita ng mga gawa nina Toshio Shibata, Takashi Homma at Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Narito ako, ngunit wala kahit saan", 2000. Mixed media. Pag-install sa Maison de la culture du Japon, Paris.
Koleksyon ng may-akda

Ang mga gawa na bumubuo sa ikalawang bahagi ng proyekto ay magpapakita sa publiko ng isang libre, haka-haka na mundo kung saan ang lahat ng bagay na hindi natin nakikita sa totoong buhay, lahat ng nasa labas nito. Ang mga gawa ng mga artista sa bahaging ito ng eksibisyon ay tumutukoy sa kulturang pop ng Hapon, ang mundo ng pantasya, kawalang-muwang, mga alamat at mga pagmumuni-muni sa istruktura ng kosmogonikong mundo. Ang bawat exhibitor ay naglalagay ng kanyang sariling kahulugan sa konsepto ng "imahinasyon." Ito ang ginagawa ng artistang si Tadanori Yokoo sa kanyang relasyon sa mundong haka-haka. Pangunahing tema nawawala ang kanilang mga gawa, o sa halip ay "naglalaho sa sarili." Ang isang katulad na motif ay makikita sa gawa ni Yayoi Kusama: sa pamamagitan ng pagpapakita ng kanyang mga pantasya sa katotohanan, lumilikha siya ng mundong puno ng kakaibang mga pattern. Ang higanteng iskultura na "Child of the Sun" (2011) ni Kenji Yanobe ay nilikha sa isang kakila-kilabot na panahon nang nagkaroon ng pagsabog sa Fukushima-1 nuclear power plant. Ang kanyang monumental na bagay ay nagiging isang punto ng intersection ng mga imahinasyon. Naiintindihan ng artista na ang karanasang naranasan sa hangganan ng tunay ay magiging impetus para sa paglikha ng isang bagong mundo. Ang seksyon ng Imaginary World/Fantasy ay nagtatampok din ng mga gawa ni Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa at marami pang iba.
Ang ilang mga gawa ay partikular na nilikha para sa eksibisyon. Ang artist na si Yoshinori Niwa para sa kanyang proyekto na "Vladimir Lenin ay nais sa mga apartment ng Moscow" (2012) ay dumating sa Moscow upang makahanap ng mga artifact na nauugnay sa personalidad ng rebolusyonaryo sa mga apartment ng Muscovites. Ang kanyang trabaho ay dokumentasyon ng video ng kanyang mga paghahanap at paglalakbay sa paligid ng Moscow. Ang artist na si Tetsuya Umeda, na ang mga gawa ay ipapakita nang sabay-sabay sa dalawang lugar, ay pupunta sa Moscow upang ipatupad ang kanyang mga pag-install sa site.
Ang dalawang ito, sa unang sulyap, ang magkakaibang bahagi ng eksibisyon ay inilaan upang ipakita ang dalawang poste ng sining ng Hapon, na sa katotohanan ay hindi mapaghihiwalay sa isa't isa.
Bilang bahagi ng eksibisyon, pinlano din na magdaos ng mga bukas na master class at malikhaing pagpupulong kasama ang mga kalahok sa proyekto. Magkakaroon ng mga lecture ng Japanese curator na si Kenjiro Hosaka at artist na si Kenji Yanobe. Para sa Russia, ang eksibisyong ito ay kumakatawan sa kontemporaryong sining ng Hapon sa unang pagkakataon sa gayong sukat.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166.5 x 100 cm. Acrylic sa canvas
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kishio Suga "Space of Separation", 1975. Mga sanga at kongkretong bloke. 184 x 240 x 460 cm
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Child of the Sun", 2011. Fiberglass, steel, neon, atbp. 620 x 444 x 263 cm. Pag-install sa Ezpo Memorial Park"70
Larawan: Thomas Swab

Sa kabila ng katotohanan na ang Japan sa pangkalahatan ay itinuturing na isang bansa ng mga sumisikat na teknolohiya sa buong mundo, ang kontemporaryong kontemporaryong sining ay hindi nagmamadaling sirain ang ugnayan sa tradisyon. The exhibition “Mono no aware. The Charm of Things" ay isang malungkot na kwento tungkol sa kalagayan ng tao sa panahon ng plastik.

Walang alam si Mono - prinsipyo ng aesthetic katangian ng kultura ng Hapon, na nagbigay ng pangalan sa eksibisyon, ay nangangahulugang ang malungkot na kagandahan ng mga bagay, isang pakiramdam ng pagkahumaling sa halata at implicit na kagandahan ng mga bagay at phenomena, na may obligadong lilim ng walang dahilan na kalungkutan na dulot ng pakiramdam ng ilusyon at kahinaan. ng lahat ng nakikita. Ito ay lubos na nauugnay sa tradisyonal na relihiyong Hapones ng Shinto. Naniniwala ang mga Shintoista na ang lahat ng bagay ay pinagkalooban ng isang espirituwal na diwa na "kami". Ito ay umiiral sa anumang bagay: sa kahoy at sa bato. Ang "Kami" ay walang kamatayan at kasama sa ikot ng buhay at kamatayan, kung saan ang lahat ng bagay sa mundo ay patuloy na nababago.

At kahit na ang kontemporaryong sining ay nagsasalita ng isang internasyonal na wika, mas mainam na tingnan ang kontemporaryong sining ng Hapon na ipinakita sa eksibisyong ito mula sa pananaw ng kanilang mga tradisyon.

Ang panimulang pag-install ng artist na si Hiraki Sawa ay umabot sa isang buong silid at isang anino na teatro ng mga aktor na may mga kagamitan sa bahay. Ito ay binuo sa prinsipyo ng isang bata riles. Ang isang tren na may flashlight ay dumadaan sa landscape na nilikha ng artist, isang sinag ng liwanag ang lumilikha ng macro world mula sa micro world of things. At ngayon ito ay isang birch grove, at hindi patayo na nakatayo na mga lapis; at ito ay mga linya ng kuryente sa mga bukid, hindi nakasabit na clothespins; at ang isang baligtad na plastik na palanggana na may mga hawakan ay isang lagusan. Ang obra ay tinatawag na "Inside", ito ay ipinakita sa Venice Biennale kanina.

Ang pagpipinta ni Shinishiro Kano ay matatawag na primitive surrealism. Sa buhay pa ni Kano, may basketball, planeta Earth at prutas sa isang plato.

Ang pagpipinta ay hindi naglalaman ng pagpipinta mismo, ngunit ang frame lamang na pininturahan ng langis. Sa isang canvas, ang isang pigura ng isang diyos sa isang pulang kimono ay pinagsama sa isang pulang tuwalya na nakasabit sa isang kawit sa isa pa. Ang serye ba ng mga painting na ito ay tungkol sa ilusyon na kalikasan ng mundo? O baka may "kami" ang bawat bagay.

Sa pagpipinta ni Masaya Chiba, sa likuran ng isang magandang gubat, mayroong dalawang pigura: mga anthropomorphic na nilalang, nabubulok mula sa puting bagay, halos hindi kahawig ng isang lalaki at isang babae. Ang mga ito ay naayos sa mga stick tulad ng mga oriental mga papet sa teatro. Ang bagay ay nabubulok, ito ay isang shell lamang - parang gustong sabihin sa atin ng may-akda. Yung iba niya gawaing pagpipinta Ang "The Sleeping Man" ay tungkol sa parehong bagay. Walang tao sa larawan, kakaunti lamang ang mga bagay sa ottoman: mga lumang litrato at mga postkard, lumaki na cacti, guwantes, paboritong cassette, isang garapon ng mga pampalasa at isang hanay ng mga tool.

Ang pintor na si Teppei Kanueji ay gumagamit ng parehong prinsipyo upang "i-sculpt" (built-up na bagay) ang kanyang tao: idinidikit niya ang basura sa bahay sa anyo ng isang anthropomorphic na nilalang at tinatakpan ito ng puting pintura.

Isang malaking mandola ang nilagyan ng asin sa sahig; isa itong tradisyunal na ritwal sa templo ng Hapon, na tila nagmula sa Budismo. Ang ganitong gawaing alahas ay nakakakuha ng iyong hininga, alinman sa isang labirint o isang mapa ng isang misteryosong lupain, at kung gaano kaswerte na walang hangin sa museo. Ang pag-install na ito ay natatangi; nilikha ito ng artist sa loob ng ilang araw sa loob ng mga dingding ng museo. Mayroon ding isang kawili-wili tradisyon ng Hapon: Bago ang laban, ang mga sumo wrestler ay nagwiwisik ng asin sa lupa.

Ang pag-install ni Hiroaki Morita na "From Evian to Volvik" ay nagbubukas ng isang medyo kawili-wiling paksang kontemporaryo para sa Japan - plastic recycling. May isang bote ng Evian water sa isang glass shelf; ang anino nito ay eksaktong bumagsak sa leeg ng isa pang bote ng Volvik na nakatayo sa sahig. Ang ilusyon ay nilikha na ang tubig ay bumubuhos mula sa bote patungo sa bote. Absurd sa unang tingin. Para sa mga Hapon, ang haka-haka na gawaing ito ay hindi lamang sumisimbolo sa siklo ng "kami," iyon ay, ang espirituwal na kakanyahan, kundi pati na rin sa literal na kahulugan ang prinsipyo ng recycle - pagproseso ng mga recyclable na materyales. Bilang isang isla na bansa, ang Japan ay isa sa mga unang natutong mangolekta, mag-uri-uri at mag-recycle ng mga basurang plastik. Hindi lamang mga bagong bote at sneaker ang muling ginawa mula sa nagresultang materyal, ngunit kahit na ang mga artipisyal na isla ay nilikha.

Ang pag-install ng Teppei Kuneuji sa unang tingin ay kahawig ng isang istasyon ng pag-uuri ng basura. Narito ang mga plastik na bagay ay inilatag sa iba't ibang pagkakasunud-sunod: mga scoop, amag, iba't ibang laruan, hanger, colored toothbrush, hose, baso at iba pa. Dinidilig ng puting pulbos, tila tuluyan na silang nakahiga. Kapag naglalakad ka sa mga pamilyar na bagay na ito, ngunit hindi na ginagamit, pinag-iisipan ang mga ito mula sa malayo, nakaramdam ka ng katulad ng pagmumuni-muni sa isang hardin ng bato. Sa kanyang mga collage ng larawan, si Teppei Kuneuji "sa isip" ay nagtatayo ng mga tore mula sa mga basura sa konstruksyon. Ngunit ang mga ito ay hindi tulad ng kinetic chain tulad ng sa artistikong duo na sina Fischli at Weiss, ngunit tulad ng isang sagradong istraktura ng Buddhist kung saan ang bato ay hawak sa bato nang walang pangkabit na materyal.

Ang pintor na si Suda Yoshihiro ay naglagay ng isang mahusay na ginawang kahoy rosas na rosas na may isang nahulog na talulot. Sa pagtingin sa napaka banayad at mala-tula na interbensyon na ito sa museo, gusto kong magsimulang magsalita sa Japanese poetry sa haiku genre, tulad ng: “Winter. Kahit na ang isang rosas sa isang museo ay namumulaklak magpakailanman."

Ang isa pang pantay na akdang patula, "The Opposite of Volume" ni Onishi Yasuaki, ay tumutukoy sa gawa ng medieval na pintor at Zen monghe na si Toyo Sesshu. Ang Japanese classic na ito ay sikat sa pagdadala sa bansa sumisikat na araw Chinese monochrome ink drawing.

Ang pag-install ni Yasuaki ay kumakatawan sa isang kulay abong polyethylene volumetric silhouette ng isang bundok, na may mga batis (tulad ng ulan) ng frozen na likidong plastik na bumabagsak dito mula sa kisame. May usapan na gumawa ng "walang laman" na bundok sa ilalim ng buhos ng ulan, na parang may monochrome mga painting ni Toyo Sessus, ang artista ay kailangang bumuo ng isang bundok ng mga kahon, takpan ito ng manipis na polyethylene, at pagkatapos ay tumulo ng mainit na plastik mula sa kisame.

Sa wakas, isang pag-install ni Kengo Kito: mga garland ng may kulay na plastic na mga palakasan sa palakasan na nakasabit, na para bang dinala sa Russia ang mga "Japanese greetings" para sa Olympic Games. Nakakapagtataka na sa eksibisyon na "The Charm of Things" ay ginagamit ang plastik bilang isang materyal kung saan Mga artistang Hapones nababahala hindi lamang sa kapaligiran, kundi pati na rin sa mga isyung espirituwal.