Paano magpinta ng sketch sa mga langis

(sa website sa lalong madaling panahon ito ay binalak na manood ng isang libreng video na "Oil Painting Lessons"

Gusto kong ilarawan kung paano ko inilalapat ang mga materyales na inilarawan sa itaas at mga pamamaraan ng pagtatrabaho sa pagsasanay. Halimbawa, napili ang landscape na "End of Summer".

Sa pagtatapos ng tag-araw - simula ng taglagas, ang mga dahon sa mga puno ay nagiging dilaw, ang damo ay nagiging iba't ibang kulay. Ang mga anino mula sa mga puno ay nagiging mas malamig, na may isang lilang tint. Mas malapit sa abot-tanaw, dahil sa asul na kalangitan, ang mga puno at mga halaman ay tila mas malamig kaysa sa mainit na tag-araw. Ang taglagas ay ang oras kung kailan hindi mo maaaring hayaang lumipas ang isang araw nang hindi nagpinta sa bukas na hangin. Ang dalawa hanggang tatlong oras na pagtatrabaho sa mga pintura ng langis sa isang araw para sa akin ay personal na nagiging minuto ng kumpleto kapayapaan ng isip, kapayapaan at pagkakaisa sa kalikasan.

Upang ipinta ang sketch na ito, kailangan ko ng isang canvas na ginagamot sa gelatin at acrylic primer, na dati ay nakadikit sa tablet. Nagpasya akong gawin ang underpainting na may tempera paints, kaya nag-stock ako mga kinakailangang materyales para sa langis at tempera painting. Gumawa ako ng viewfinder mula sa itim na papel ayon sa laki ng inihandang canvas. Bilang karagdagan sa sketchbook, para sa kumpletong kaginhawaan, kumuha ako ng isang folding chair at isang payong.

Ang pagkakaroon ng napili ang pinaka-kaakit-akit na view ng landscape gamit ang viewfinder, na nasuri ang komposisyon at tonal na relasyon ng hinaharap na sketch, nagsimula akong magtrabaho.

Upang magpinta ng isang larawan sa langis mula sa isang larawan (), kakailanganin mo ng isang paunang, tumpak na pagguhit ng lapis. Sa aking kaso, ang pagtatayo ng komposisyon at paunang pagguhit sa canvas ay maaaring gawin sa isang manipis na kolinsky brush No. 2 at transparent, ocher tempera na pintura. Gamit ang viewfinder, natukoy ko na ang pangunahing pokus ng sketch ay mga halaman. Batay dito, inilagay ko ang horizon line sa itaas ng gitna ng canvas. Upang bigyang-diin ang pananaw ng landscape, pati na rin ang balanse ng komposisyon, binalangkas ko ang isang kalsada na papunta sa malayo.

Bago simulan ang underpainting gamit ang tempera paint, ginawa ko sa isip ang paghahanda.

1. Maingat na sinuri ang tonal na relasyon ng landscape.

2. Itakda ang pinakamagaan at pinaka-puspos na lugar.

3. Natukoy kung aling mga kulay ang mangingibabaw sa sketch sa foreground, gitna at background.

Upang maiwasan ang mga pagkakamali sa karagdagang pagbuo ng tonal ng trabaho, sinisimulan ko ang underpainting na may pinakamaraming puspos na mga fragment ng larawan, hindi alintana kung ito ay isang still life o pigura ng tao. Susunod na sumulat ako mula sa pinakamadilim hanggang sa pinakamaliwanag. Madalas na nangyayari na ang puting lupa ng canvas ay ang pinaka-minimal na saturated na lugar sa sketch. Sa ganitong mga kaso, binibigyan ko ang lupa ng mainit o malamig na lilim, depende sa mga pangyayari at lugar ng pagpipinta (sa silid-aralan o sa open air).

Sa landscape na "End of Summer", ang pinakamainam na solusyon ay ang pagsasakatuparan ng underpainting, simula sa mga puno sa background. Ang katotohanan ay ang mga halaman at ibabaw ng lupa sa background ay malinaw na nakikilala sa pamamagitan ng isang kulay-lila-asul na guhit at may magaan na tono, malapit sa langit. Mga pintura na ginamit: sky blue, cadmium violet, Neapolitan red-violet, zinc at titanium white sa isang 1:1 ratio.

Sa itaas ng mga puno malapit sa abot-tanaw, ang kalangitan ay may ocher-reddish tint at naging pinakamaliwanag na elemento ng larawan sa tono. Mga pintura na ginamit: Moscow golden ocher, light cadmium pula, puti. Ang kaibahan ng mainit at malamig na lilim sa abot-tanaw ay minarkahan ang hangganan sa pagitan ng mga puno at kalangitan.

Magbibigay ako ng mga sipi mula sa mga tala ni D. Constable tungkol sa langit: “ Ang isang pintor ng landscape, kung saan ang langit ay hindi isa sa pinakamahalagang bahagi ng komposisyon, ay nagpapabaya sa kanyang pinakamahusay na katulong... Ang kalangitan ay isang napaka mahirap na pagsubok, parehong sa mga tuntunin ng komposisyon at pagpapatupad. Sa buong ningning nito, hindi ito dapat umusbong pasulong, ngunit dapat lamang pukawin ang ideya ng isang walang katapusang distansya. Hindi ito nalalapat, siyempre, sa mga bihirang natural na phenomena o mga random na epekto ng pag-iilaw, na palaging nakakaakit ng espesyal na atensyon..."

Sa paglipat sa medium shot, gumamit ako ng mas maraming contrasting at saturated tone para sa mga puno at iba pang mga halaman. Isinasaalang-alang pananaw sa himpapawid, pininturahan ang anino at liwanag ng mas maiinit na kulay. Mga kulay ng anino na ginamit: cadmium violet, sky blue, umber nasunog, pulang ilaw ng cadmium. Mga pintura na ginagamit para sa liwanag: dilaw na okre, Moscow golden ocher, kadmyum pula, kadmyum dilaw na lemon, titanium puti.

Sa lupa na pinakamalapit sa manonood, ang damo at kalsada ay bahagyang mas magaan at mas mainit kaysa sa tono ng mga puno. Ang mga sumusunod na pintura ay ginamit dito: dilaw na okre, Moscow golden ocher, cadmium red, cadmium yellow lemon, carmine, English red, white.

Ang nasabing underpainting ay nagbigay na sa future sketch ng aerial perspective at natukoy ang kulay ng gawa.

Matapos matuyo ang tempera paint, nagsimula akong magpinta gamit ang mga langis.

Sa yugtong ito ng trabaho kailangan kong:

1. "Bigyang-diin" ang dami ng mga dahon at putot ng mga kalapit na puno.

2. Ihanda ang unang plano bilang batayan para sa susunod.

3. Isulat nang detalyado ang pangalawang plano ng sketch.

4. Idagdag, gamit ang glazing, iba't ibang shades sa mga tamang lugar sa sketch.

Kasunod ng underpainting na may tempera paints, nagpatuloy ako sa isang oil sketch ng mga puno sa background. Ang mga anino ng mga puno ay binigyan ng malabong balangkas gamit ang pinaghalong kulay. Mga pintura na ginamit: ubas itim, puti, asul na langit; Ang liwanag ay ipinakita gamit ang lemon yellow, white at sky blue na mga pintura.

Gamit ang isang bristle brush No. 16 pininturahan ko ang kalangitan, gamit ang tinatawag na stretching mula sa mainit-init (malapit sa abot-tanaw) na tono hanggang sa malamig at mula sa liwanag hanggang sa madilim, upang bigyan ito ng lakas ng tunog. Mga pintura na ginamit: sky blue, FC blue, cadmium violet, grape black, white. Habang pinipintura ang kalangitan, naglapat ako ng isang layer ng pintura sa isang diagonal na direksyon.

Gaya ng inilarawan sa itaas, hindi dapat magkaroon ng dalawang magkaparehong stroke sa pagpipinta (tingnan ang mga paraan ng pagpipinta ng langis). Samakatuwid, gumamit ako ng mga brush ng iba't ibang laki (alinsunod sa mga fragment ng trabaho).

Ang liwanag sa foreground at background ng sketch ay ginawa gamit ang impasto stroke gamit ang isang palette knife.

Pagkatapos magdagdag ng lakas ng tunog sa mga puno ng puno at mga halaman sa background, lumipat ako sa mga detalye.

Sa huling yugto ng trabaho, kailangan ko lamang ipinta nang mas maingat ang manipis na mga sanga ng puno, damo at mga seksyon ng kalsada na may manipis na core brush (No. 2).

Tagumpay sa malikhaing aktibidad ay ipinagkakaloob, una sa lahat, sa artistang iyon na, sa patuloy na pagnanais na lumikha ng isang gawa ng sining, ay nagtagumpay, sa kabila ng iba't ibang mga paghihirap, anumang mga hadlang at hadlang sa kanyang landas buhay. Alalahanin si Vincent Van Gogh... Kung tutuusin, pinatunayan ng artist na ito (at hindi lamang siya) na ang isang tao sa kanyang tiyaga at pagnanais na makamit ang kanyang layunin ay may kakayahan ng maraming.

Isang araw sikat na iskultor Tinanong si Michelangelo: "Paano ka gumawa ng gayong kahanga-hangang mga eskultura?" Na sumagot siya: "Kumuha ako ng isang bato at pinutol ang lahat ng hindi kailangan dito." Ito ay halos pareho sa pagpipinta. Sa pamamagitan ng pagkakatulad, kailangan mo lamang ilagay ang nais na tono ng pintura sa kaukulang lugar sa canvas... Sa ganitong paraan maiparating ng artist ang kanyang mga damdamin at iniisip, na inilalantad sa manonood bagong realidad. Ngunit upang malaman kung paano, ano at saan ilalagay ang tono ng pintura, kailangan mong magtrabaho at bumuo ng maraming, mag-aral at mahalin ang pagpipinta.

Ang pinakamahusay na guro para sa isang pintor ay kalikasan, at walang sinuman ang makapagtuturo ng higit sa kalikasan. Ang mga guro ay gumagabay, nagpapayo at nagtuturo lamang sa nagsisimulang pintor ng mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta at nagbabahagi ng kanilang sariling mga obserbasyon. Nasaan ka man, anuman ang iyong nararamdaman, at anuman ang iyong kalooban, laging subukang pansinin sa katotohanan sa paligid mo na, sa unang tingin, ay tila hindi kawili-wili sa iyo. ordinaryong tao. Obserbahan at ihambing ang mga tonal na relasyon ng langit at lupa, background at foreground na kulay. Gumawa ng mabilis na mga sketch mula sa buhay araw-araw at sa anumang pagkakataon ay sirain ang mga ito sa ibang pagkakataon. Kahit na ang ilan sa kanila ay hindi lumabas sa paraang perpektong nakikita mo sila.

Subukang isipin ang iyong sarili sa papel ng isang naturalista na nag-aaral ng mga natural na phenomena at mga gawi ng hayop; isang physiognomist na nag-aaral ng mga tampok na istruktura at mga ekspresyon ng mukha ng mga tao sa pagtatangkang hulaan at matukoy ang kanilang mga katangian ng karakter.

Dapat ipakita ng artista ang kanyang oras sa canvas at sa parehong oras ay maipahayag ang kanyang sarili, na nangangailangan ng kanyang patuloy na pagiging bukas sa mundo sa paligid niya.

Bigyang-pansin ang mga taong nakapaligid sa iyo: pantomime, ekspresyon ng mukha, istilo ng pananamit (gumawa ng mabilisang sketch).

Upang palawakin ang iyong sariling propesyonal na abot-tanaw, subukang bumisita sa pinakamaraming eksibisyon at museo hangga't maaari, pag-aralan ang mga reproduksyon ng mahuhusay na pintor, at magbasa ng iba't ibang literatura.

Ipinakita ko ang aking compact set para sa mabilis na watercolor sketch (mga mahaba - naka-on susunod na linggo Magsusulat ako), ngayon ay oras na para pag-usapan ang tungkol sa pag-aaral ng langis. Dito rin, ang lahat ay nakasalalay sa mga gawain: para sa malalaking gawa Kumuha ako ng Mabef tripod at canvas carrier para sa maraming maikling sketch - Gumagamit ako ng maliit na Podolsk sketchbook na may mga binti, bahagyang binabago ito upang umangkop sa aking sarili, ngunit ito ay isang opsyon sa paglalakad. Mayroon akong ilang oras, kaya tumakbo ako sa parke at gumawa ng sketch. O kaya'y nagpicnic ako kasama ang mga kaibigan at habang ang lahat ay naglalatag ng kumot, naghihiwa sila ng mga kamatis - mabilis kong nakuhanan ang sandali. Nagpunta ako upang ipakita sa ina ni Repino: naglalakad siya sa baybayin, nagpinta ako. Iginuhit ko ito noong lunch break ko :)

Ang isa pang pagpipilian ay maaaring tawaging urban. St. Petersburg sa panahon ay masikip sa mga turista. Sumang-ayon, kakaunti ang gustong magtrabaho kapag maraming tao ang nakatayo sa likuran nila at huminga sa kanilang mga leeg, nagtanong tungkol sa isang bagay, nagpapayo... Imposibleng mag-concentrate sa gawain. Hindi lang drawing ang pinag-uusapan, kahit anong trabaho ang pinag-uusapan. Sa pagpipinta, nalulutas din ng artist ang mga problema: kung paano ihatid ang liwanag, kung saan pinakamahusay na maglagay ng bush, kung paano maakit ang atensyon ng hinaharap na manonood sa trabaho. Kinabukasan! Ngunit sa proseso ng pagguhit, hindi lahat ay handa na "maging hubad" at ipakita ang "sa likod ng mga eksena", ang tren ng kanilang mga iniisip. At kahit na sinasabi nila ng isang libong beses, kailangan mong masanay sa pagguhit sa isang pulutong, ngunit hindi ito gumagana! Kailangan nating magsimula sa isang lugar. Masanay ka na) Nagsisimula ako, at sa panahon ng turista ng St. Petersburg nagpapatuloy ako sa kahon ng Jullian.

Ang pinakamahalagang bentahe ay hindi ito nakakaakit ng pansin gaya ng isang regular na sketchbook na may mga binti. Nakatayo ka sa isang maingay na kalye na may tripod at iyon nga, isa kang bayani! Nakikipag-selfie sila sa iyo, kumukuha ng mga larawan ng iyong mga sketchy doodle, tanungin kung bakit nandiyan ang dilaw, ikuwento ang kanilang mga kuwento... oh:((((Sinusubukan kong lumikha ng pinaka komportableng mga kondisyon para sa aking sarili sa open air. Tungkol sa mga lifehack. Sa kahon ng Jullian ang lahat ay mas simple: kailangan mo lamang kumuha ng upuan at umupo nang nakatalikod sa bahay o, para halimbawa, sa Hardin ng Tag-init yakapin ang mga palumpong. Binuksan niya ang sketchbook sa kanyang mga tuhod at - pasulong! Ang canvas sa karton na 25x35 cm ay nakatago mula sa mga prying eyes, imposibleng tumayo sa likod nito, napakahirap tingnan (kailangan mo ng leeg tulad ng isang giraffe). At kung pipiliin mo rin ang gray-beige-green na mga damit, madali kang makihalo sa iyong paligid :) Minimum na nanonood at maximum na konsentrasyon sa proseso.

Malaki at matapang na plus tulad ng mga sketchbook - ang paghahanda para sa pagpipinta ay hindi tumatagal ng maraming oras. Kailangan mo lang buksan ang talukap ng mata at pisilin ang mga pintura (Hindi ko gustong gawin ito nang maaga; maraming tubo ang naglalaman ng exfoliated liquid oil; habang nakarating ka doon, may ilang mga pintura na lumalabas). Ako ay pagod o ang karamihan ng mga turista sa wakas ay nakarating sa akin, isinara ang takip at umalis.

Timbang ng kahon 2.5 kg. Mga Dimensyon: 42 x 29 x 9 cm Sa loob ay may mga metal-coated na compartment na madaling linisin mula sa langis, na kung saan ay nabahiran ang lahat ng bagay sa paligid nito))) Gawa nang perpekto ng Pranses. Hindi ko kinuha ang Russia o China, dahil... Gustung-gusto ko ang mga bagay na ginawa na may mataas na kalidad, nang matalino. Kapag ang lahat ng mga clasps ay malumanay na pumutok sa lugar, at ang takip ay ligtas na naayos sa tamang posisyon (sa pamamagitan ng kanyang sarili, nang walang anumang mga turnilyo), ang maleta mismo ay gawa sa beech, pantay(!) na barnisan, na may komportableng hawakan ng balat. Well, sa pangkalahatan, naiintindihan mo ako 🙂 mayroong lahat ng uri ng mga bagay na madalas nating ginagamit at kung ang mga ito ay naisip sa pinakamaliit na detalye, kung gayon ito ay isang hiwalay na kilig.

Anong nasa loob?

• Canvas sa karton 25x35 o maaari kang bumili ng malaking karton at gupitin ito sa mga kinakailangang laki
• Palette (kapag isinara ang kahon, mahigpit itong naayos na may takip)
• Mga panyo ng papel (kung marumi, gamitin ang mga ito)
• Basahan (pinunasan ko ang aking mga brush)
• Palette kutsilyo (pintura ko gamit ang isa, at linisin ang palette gamit ang isa pa)
• Mga maliliit na tubo na may pintura ng langis sa isang cosmetic bag (Ayoko kapag gumagalaw sila sa drawer at kumakalampag kapag naglalakad)
• mga bag ng basura)
• Lata ng langis
• Isang kahon na may mga pushpins (bago magtrabaho, agad kong ipinasok ang mga ito sa karton, pagkatapos ng pagguhit ay inilalagay ko ang karton na nakaharap sa takip, kaya pinoprotektahan ng mga pindutan ang takip mula sa pintura sa sketch. Hindi ko inilalagay ang sketch na nakaharap sa palette, dahil ang pintura na hindi pa nalilinis ay maaaring lumipat sa nakasulat na sketch). Tingnan ang larawan sa simula ng tala para sa hitsura ng mga button mismo. Naglilipat din ako ng ilang sketch: kailangan mong idikit ang mga button sa mga sulok ng bawat isa, i-stack ang mga sketch sa ibabaw ng bawat isa at ilagay ang mga ito sa isang kahon.
• Sa isang plastik na bote (ito ay mula sa shower gel mula sa ilang hotel) - langis ng linseed o tee (karaniwang isinusulat ko ito)
• Mga brush

Ay oo! Tungkol sa cons nakalimutan kong sabihin! Nakaupo, nakakuha lang ako ng isang punto ng view: may maliit na pahalang na eroplano na nakabukas, at kung naaakit ako ng mga anino ng openwork mula sa mga puno sa eskinita na umaabot sa malayo, kailangan kong kumuha ng tripod o maghanap ng ibang paksa. .

Ang natitira ay positibo. At higit pa! Kapag nagpinta ako ng isang larawan sa bahay sa isang malaking canvas sa ilang mga sesyon, nag-iingat ako ng palette na may napipisil na mga pintura sa isang drawer upang hindi sila matuyo.

Binili ko ito ilang taon na ang nakalilipas sa Art Quarter at nabigla ang isipan ng mahirap na consultant, na nagpakita sa akin ng iba't ibang mga kahon sa loob ng ilang oras: nagpasok kami ng iba't ibang karton sa loob, kinakalkula kung gaano karaming mga sketch ang papasok, naglatag ng isang bungkos ng mga brush, tinimbang ang mga ito, binuksan at isinara ang mga ito. Pero ganyan dapat. Sinubukan ko ang lahat, siniguro na ang sketchbook ay angkop sa akin ng 100% at umalis na nasisiyahan. Hindi ko ito pinagsisihan. Kaya, pahirapan ang mga consultant)

Mga tanong? Ano ang nakalimutan mong isulat?

UPD. Maraming salamat sa iyong mga katanungan sa Instagram! Ang mga karagdagan ay lumitaw.

Ang karton, sayang, ay hindi nakakabit sa anumang paraan, ngunit mabilis na mga sketch Sumulat ako ng likido, sa isang manipis na layer. Karaniwan, na may impasto o nagpapahayag na pagsulat, ang canvas ay umuuga) Iyon ang dahilan kung bakit hinahati ko ang aking mga kit ayon sa mga gawain: solidong pagpipinta - isang sketchbook na may mga binti o isang tripod, mabilis na pagpipinta- Kahon ni Jullian.

Paano ako hindi madumihan? likurang bahagi mga sketch mula sa mga pintura sa palette? Oo, nakalimutan kong linawin na karaniwan kong pinipiga ko lang ang kaunting mantika para sa pag-sketch at pagpinta nang likido. Ipinasok ko ang mga pindutan upang lumabas sila sa kabilang panig at pagkatapos ay pinoprotektahan ng maliliit na binti ang sketch mula sa langis. Hindi, hindi scratched ang palette) Hindi ko alam kung bakit) Malamang na isang magandang coating. Madali itong linisin. Kung nakapaglabas ako ng maraming langis, inilalagay ko ang karton na may mga plastik na binti sa tabi ng palette. Kung mayroong isang napaka, napakarami, pagkatapos ay kumuha ako ng isang kahon ng metal na kendi at ilagay ang natitira doon. At nang pumunta ako sa Vyborg upang gumawa ng mga sketch at magsulat ng marami (ang kahon ay hindi magkasya ng higit sa 2), gumamit ako ng isang makapal na paper bag mula sa ilang boutique store at naglagay ng 4-5 sketch na may mga button na ito doon. Bitbit nang hiwalay.

Ang malikhaing proseso at ang resulta ay malapit na nauugnay sa pananaw sa mundo ng artist. Ang larawang kanyang nilikha ay kinasasangkutan ng kanyang mga iniisip, damdamin, imahinasyon, kasanayan, at saloobin sa kung ano ang inilalarawan.Ang artista ay palaging naghahanap ng pinakanagpapahayag na solusyon sa kanyang plano, pinag-iisipan ang balangkas at komposisyon. Ang mga imahe na lumilitaw sa kanyang imahinasyon ay may layunin na pinagmulan, ay ipinanganak mula sa nakikitang mga katangian ng katotohanan at may sariling mga tiyak na anyo. Samakatuwid, ang pintor, na naglalaman ng kanyang plano, ay lumiliko sa mga pag-aari ng mga bagay at phenomena na nakikita niya sa paningin. Tanging kung mayroong visual na authenticity ng kung ano ang itinatanghal ay maaaring ipahayag ng isang tao ang ilang mga damdamin, kaisipan, at pukawin ang kaukulang mga karanasan sa manonood, na ang mga nag-uugnay na ideya ay konektado sa layunin ng mundo. Sa magandang tanawin, makikita ng manonood hindi lamang ang mga materyal na bagay, kundi pati na rin ang natural na paglalaro ng liwanag at kulay, ang kulay-pilak na kinang ng hamog o ang paglalaro ng mga kulay sa kalangitan sa umaga. Ang ganitong imahe ay nagbubunga ng mga nakalimutang impresyon, nagpapagana ng imahinasyon, at nagpapagana ng mga kaisipan at damdaming nauugnay sa mga nakaraang karanasan, sa mga nakaraang karanasan. Ang emosyonal at aesthetic na epekto ng mga pagpipinta ay nauugnay sa mga kakaibang ito ng associative perception.

Hindi dapat isipin ng isang tao na ang may-akda ng isang pagpipinta, na sinusubukang makamit ang visual na pagiging tunay ng pagpipinta, ay dapat na mekanikal na kopyahin ang hitsura ng taong inilalarawan. Ang gawaing akademiko ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng katalusan, malalim at komprehensibong pag-aaral ng kalikasan. Kadalasan ang mga sketch na pang-edukasyon ay masyadong "tuyo", "fractional", "protocol", katulad ng bawat isa hindi lamang sa balangkas at pampakay na mga termino, kundi pati na rin sa teknikal na pagpapatupad. Ang lahat ng ito ay medyo natural, at ang "pagkatuyo" at pagkamahiyain ng gawaing pang-akademiko ay hindi maituturing na mga palatandaan ng kahinaan nito o kakulangan ng malikhaing talento ng may-akda.

Kasabay nito, ang malayang saloobin ng mag-aaral sa mga gawain ng sketch, ang isang tiyak na "magara" ay hindi mga palatandaan ng pagkamalikhain, tulad ng kung minsan ay pinaniniwalaan. Ang mga gawaing pang-edukasyon ay hindi sapat na emosyonal, sariwa at orihinal, dahil hindi pa rin sila perpekto sa masining na mga termino, dahil ang mga mag-aaral ay wala pang karanasan, kasanayan, at hindi alam ang buong iba't ibang paraan upang malutas. gawaing pang-edukasyon o pagpapatupad ng isang plano. Sa pamamagitan lamang ng karanasan ay darating ang libreng creative mastery ng kalikasan at mga batas nito, pati na rin ang teknikal na pagiging perpekto.

Ito ay tungkol gawaing pang-edukasyon ang mga itinalagang gawaing pang-edukasyon ay pare-pareho at malinaw na nalutas, at kasabay nito, ang mga malikhaing talento ng mga mag-aaral ay napangalagaan at napaunlad.

Pangunahing bahagi

Ang kakayahang makita at maihatid ang mga three-dimensional na hugis at kulay ng mga bagay sa isang eroplano ay ang kakanyahan ng pagpipinta. Ang kasanayang ito ay nakuha pangunahin sa pamamagitan ng mga pagsasanay mula sa buhay. Ang mas maraming pintor na nagpinta ng mga sketch mula sa buhay, nagiging mas matalas ang kanyang pakiramdam ng kulay, pagkakatugma ng mga kulay at ritmo ng mga linya. Bilang resulta ng patuloy na pagsasanay sa paglalarawan ng mga buhay na buhay, mga tanawin, mga ulo ng tao at mga pigura mula sa kalikasan, nabubuo ang pagmamasid, ang kakayahang bigyang-diin ang mahalaga, itapon ang pangalawa, at ipahayag ang sariling damdamin na dulot ng kagandahan ng nakapaligid na kalikasan at pagkakaiba-iba ng umunlad ang buhay.

Ang landas sa mastery ay nagsisimula sa pag-aaral ng mga teoretikal na pundasyon ng pagpipinta at sistematikong pagsasagawa ng mga praktikal na pagsasanay. Nang walang kaalaman sa mga batas ng pagpipinta, ang praktikal na gawain ng mga mag-aaral ay isinasagawa nang walang taros at bumabagal ang pagpapabuti ng propesyonal.

Ang maglarawan ay, una sa lahat, ang pangangatwiran. Kapag nagsimulang magpinta, kailangan mong pag-isipang mabuti ang iyong gawain at malinaw na tukuyin ang iyong layunin.

Sinabi rin ni Leonardo da Vinci na “yaong umiibig sa pagsasanay nang walang agham ay parang mga nilalang na namimilipit na naglalayag nang walang timon o kumpas, sapagkat hindi nila matiyak kung saan sila pupunta. Ang pagsasanay ay dapat palaging binuo sa mabuting teorya, at kung wala ito walang magagawa nang maayos sa kaso ng pagpipinta."

De Boillier

Ang pagguhit mula sa buhay ay palaging propesyonal na malikhaing pagsasanay. Sa panahon ng pagsasanay na ito, aktibong umuunlad ang ating mga mata, utak at kamay. Sa pamamagitan ng ating mga mata sinasanay natin ang proseso ng pang-unawa. Ang utak ay responsable para sa proseso ng abstraction at visual na pag-iisip - sa pamamagitan ng pagguhit mula sa buhay, nag-aambag tayo sa pag-unlad nito sa lugar na ito. Sa sandaling ito, ang kamay ay bubuo ng kasanayan sa pagtatrabaho sa materyal, natututong lumikha ng isang imahe sa eroplano ng larawan nang mas mahusay at teknikal. Samakatuwid, walang alinlangan na ang pagguhit ng kalikasan mula sa buhay ay kapansin-pansing nagpapataas ng antas ng malikhaing kasanayan. Sa artikulong ito gusto kong pag-usapan kung paano kapaki-pakinabang ang plein airs para sa mga artist, tungkol sa pagpili ng paksa at ang mga pangunahing teknikal na pamamaraan para sa sketching mula sa kalikasan. Ibinabahagi ko ang aking maliit na mga trick upang gawing mas kasiya-siya at kumportable ang pagpipinta sa labas sa aking isa pang artikulo:

Ang mga benepisyo ng plein air practice

Ang pagguhit mula sa buhay ay palaging propesyonal na malikhaing pagsasanay. Sa prosesong ito, marami sa mga kasanayang kailangan para sa masining na aktibidad. Ang plein air exercises ay epektibong nagtataguyod ng pagkakahanay ng mata at kamay, at umuunlad visual na pag-iisip at matalinghagang memorya. Maaari nating pag-usapan nang walang katapusan ang tungkol sa mga pakinabang ng pagguhit mula sa buhay - pinayaman nila ang kanilang sarili kaalaman sa sining, ang proseso ng pagtatrabaho sa materyal ay napabuti, ang pakiramdam ng kulay ay umabot sa isang bagong antas. Sa plein air, hindi kinokopya ng artista ang kanyang nakikita, ngunit aktibo mga aktibidad sa pananaliksik, maingat na pinag-aaralan ang mundo sa paligid niya, na napansin ang pinaka banayad na mga pagbabago dito. Salamat sa pagsasanay na ito, isang ganap na bagong paningin ng kulay, hugis, at ang buong espasyo sa paligid ay nangyayari. Ang iba't ibang mga shade ay nagbubukas sa harap ng iyong mga mata, at ngayon sa karaniwang berde ay makakahanap ka na ng pula, lila, asul... Ang gawain ng artist ay tama na sabihin ang tungkol dito sa kanyang trabaho, na naglalarawan kung ano ang nakita niya bilang ito sa sa sandaling ito.

Ngunit kabilang sa napakahalagang praktikal na benepisyong ito, mayroong hindi nakikitang isa pang mahalagang bahagi ng plein air practice - malapit na pakikipag-ugnayan sa mundo ng buhay na kalikasan, na espirituwal na nagpapayaman sa isang tao. Ang gayong pag-uusap ay palaging nag-iiwan ng isang partikular na inspiradong imprint sa loob, na pinagmumulan ng lakas ng pagkamalikhain. Kapag nagpinta ng en plein air, kinakailangang ilipat sa sketch ang estado ng kalikasan na naghari noong panahong iyon. Maaaring bahagyang ihatid ng litrato mga kinakailangang kulay, isang aerial na perspektibo, ngunit isang bagay na buhay na pinunan ang sandaling ito ay mawawala. Kapag gumuhit mula sa isang larawan, hindi mo ganap na mararanasan ang mood, ang hininga ng sandali, ang paglalaro ng liwanag at anino, ang paggalaw ng buhay ng napakahuli na oras na iyon. Iyon ang dahilan kung bakit napakadalas ng plein air sketches ay nagiging mas masigla, na may katangian ng naihatid na kapaligiran.

Gustung-gusto ko talaga ang plein air practice dahil nakikita mo ang tanawin hindi lamang ng iyong mga mata. Naririnig mo ang bulong ng mga dahon at ang tunog ng tubig, nararamdaman mo ang isang bagay na hindi nakikita, na bumabalot sa lahat ng bagay sa paligid. At ang mga sensasyong ito ay inililipat sa pamamagitan ng brush at mga pintura sa canvas o papel.

Mga sketch

Ang isa sa mga pangunahing gawain ng mga sketch ay upang maihatid ang estado, upang ituon ang unang impresyon ng kalikasan. Tinutukoy ng limitasyon ng oras ang mga detalye ng sketch. Kinakailangan na lumikha ng isang masining na imahe, upang makabuo ng isang ideya ng kalikasan, gamit ang isang minimum na visual at compositional na paraan, nang hindi napupunta sa labis na detalye, ngunit nagdidirekta ng vector ng pansin sa pangunahing bagay. Ang mga sketches ay napaka kapaki-pakinabang na ehersisyo. Kapag gumaganap ang mga ito, aktibong nabubuo ng artist ang kasanayan sa pagsasaulo, pagpaparami ng isang kulay na imahe at pagbuo ng panandaliang visual memory. Ang kakayahang maghatid ng isang kulay na estado ng imahe ay napakahalaga para sa emosyonal na pagpapahayag ng isang pagpipinta. Ito ay ang sistematikong pagpapatupad ng mga sketch na nagbibigay-daan sa isa na tama na mahanap at maihatid ang coloristic na imahe ng kalikasan sa pamamagitan ng mga pintura.

Pagpili ng eksena

Anumang bagay mula sa buong pagkakaiba-iba ng nakapaligid na mundo ay maaaring gamitin bilang isang likas na katangian para sa mga sketch: mga motif ng landscape, mga lansangan ng lungsod, mga buhay pa rin sa bukas na hangin at marami pa. Ang pinakamahalagang bagay ay ang napiling motibo ay partikular na tumutugon sa iyo, hindi nag-iiwan sa iyo na walang malasakit, nakakakuha sa iyo ng ilan sa mga kakaibang katangian nito, na maaaring hindi halata sa iba sa unang tingin. Kapag ang iyong mga mata ay lumiwanag kapag tumingin ka sa kalikasan at ang iyong mga kamay ay hindi makapaghintay na hawakan ang mga pintura, ang pagpili ay ginawa nang tama. Kailangan mo lamang mahanap ang pinakamainam na punto ng view sa napiling balangkas, na makakatulong sa iyo na makita ang pinakamahalaga at katangian ng mga bagay sa kalikasan. Ang isang tamang napiling format ay makakatulong din sa iyo na bigyang-diin ang kakaiba ng motif. Para sa mga panandaliang sketch, mas mahusay na pumili ng mga simpleng eksena na may maliit na bilang ng mga bagay na kasama sa kanila. Makakatulong ito sa iyo na maiwasan ang labis na detalye, na hindi palaging may positibong epekto sa integridad ng sketch. Kung ang iyong plein air practice ay hindi pa mayaman, hindi ka dapat agad na kumuha ng mga panorama ng lungsod, ngunit mas mahusay na magsimula sa mga simpleng natural na motif. Maging ang relasyon ng langit at malinis na bukid, na umaabot hanggang abot-tanaw, ay maaaring maging lubhang kawili-wili, lalo na para sa paglutas ng mga problema sa kulay. Ang ganitong mga plot ay magiging perpekto para sa pagsasagawa ng mga panandaliang sketch. Tutulungan ka nilang buuin ang karanasan at kumpiyansa na kailangan mong gawin pa kumplikadong mga gawain.

Teknik at mga diskarte sa pagpipinta

Ang anumang materyal na sining ay maaaring gamitin plein air - walang mga paghihigpit. Ang pinakamahalagang bagay ay ang napiling materyal ay pamilyar sa iyo, dahil sa larangan hindi posible na pag-aralan ang mga katangian at pag-uugali ng materyal nang detalyado. Pagkatapos pumili ng isang balangkas, kailangan mong maingat na pag-aralan ang kulay at tonal na mga relasyon ng lahat ng mga sangkap dito. Sa panahon ng trabaho, kinakailangan na patuloy na ihambing ang resulta sa kulay at tono sa kalikasan. Upang mas tumpak na maunawaan ang pagkakaiba sa tono, kailangan mong duling nang mas madalas, tumingin sa kalikasan, pagkatapos ay sa trabaho. Kapag naghahambing ng mga kulay, kailangan mong patuloy na tanungin ang iyong sarili ng mga tanong tungkol sa kung aling kulay ang mas malamig, alin ang mas mainit at kung magkano, anong mga shade ang naroroon pa rin sa kulay na ito? Kaya pare-pareho paghahambing na pagsusuri ay makakatulong sa iyo na lumikha ng tamang kapaligiran sa larawan, tama na ihatid ang mood kapaligiran. Ang bawat estado ng kalikasan ay nailalarawan sa pamamagitan ng sarili nitong kulay at tonal na mga relasyon - kung sila ay natagpuan nang tama, kung gayon ang sketch ay maghahatid ng nais na estado. Halimbawa, ang araw sa umaga ay magpapapaliwanag sa mga bagay na may kulay-rosas-dilaw na kulay, na nagiging mga anino na asul-lilang.

Ang pag-unlad ng trabaho sa sketch ay dapat na nakaayos ayon sa prinsipyo "mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak." Iyon ay, ang mga pangunahing masa ay nalutas muna, ang gawain ay isinasagawa sa malalaking lugar, at ang malawak na mga brush ay ginagamit. At tanging sa wakas ay ibinibigay ang oras sa mas detalyadong pag-aaral. Sa loob ng mahabang panahon, sa plein air, nagkaroon ako ng problema tulad ng "paghuhukay sa mga detalye" - nang walang oras upang ilatag ang pangkalahatang masa, maingat akong gumuhit ng mga blades ng damo, nagtataka kung bakit wala akong oras upang gumawa isang sketch sa tatlong oras. Ang problemang ito ay nalutas sa pamamagitan ng katotohanan na sa unang yugto ay nagsimula akong kumuha lamang ng malalaking brush, na patuloy na nagpapaalala sa aking sarili kung ano ang pinakamahalaga. Iniiwan ko ang mga detalye sa huli, na nagbibigay sa kanila ng papel ng mga accent na nagpapayaman sa larawan. Hindi na kailangang lituhin ang isang sketch sa mahaba, multi-session na trabaho sa studio, sinusubukang gumawa ng sketch sa antas ng pagiging perpekto, o ganap na hindi kinakailangang photographic accuracy. Ang pagsasagawa ng mga etudes ay may sariling mga gawain at lohika. Ang pangunahing bagay dito ay ang paglipat ng mga impression, hanay ng kulay, ang mood na tumatagos sa mundo sa paligid natin sa sandaling ito. Ang kalikasan mismo ay maaaring magsabi sa iyo kung anong teknikal na pamamaraan ang gagamitin upang magsagawa ng sketch kung maingat mong pag-aaralan ito. Kadalasan maaari itong magdikta sa paraan ng paglalapat ng pintura, ang likas na katangian ng mga stroke - kung ito ay isang makinis na punan o makapal na mga stroke na nag-iiwan sa texture ng brush, mauunawaan mo, na nakakakuha ng likas na katangian ng kung ano ang nasa harap ng iyong mga mata. Ang isang sketch na pinagsasama ang iba't ibang mga diskarte sa pagpipinta ay mukhang buhay na buhay at kawili-wili, kaya ipinapayo ko sa iyo na mag-eksperimento sa loob ng isang trabaho, na ginagawang iba-iba ang layer ng pintura sa texture at pamamaraan ng aplikasyon ng pintura. Upang maisagawa ang gawaing ito, tutulungan ka rin ng mga brush ng iba't ibang mga hugis at bristles, na ang bawat isa ay mag-iiwan ng sarili nitong marka ng katangian. Huwag pabayaan ang mga tool tulad ng basahan at mga daliri, maaari silang lumikha ng mga kamangha-manghang epekto kung nagtatrabaho ka sa mga langis o pastel. Ang lahat ng mga teknikal na puntong ito ay dapat makatulong sa iyo na lumikha masining na imahe.

Ang mga alaala na dinadala ko mula sa plein air ay nakatago sa mga stroke ng pintura. Kaya't hindi sila mawawala, hindi matutunaw sa kaibuturan ng memorya. Kapag gumuhit, ang artist ay hindi mekanikal na inililipat ang kanyang nakikita sa isang canvas o sheet, ngunit hindi nakikitang kumokonekta sa balangkas, na naaalala ang bawat detalye, sa isang sandali ay naging kung ano ang nasa paligid niya - alinman sa isang mabagyong daloy ng ilog, o isang nanginginig na asul na kalangitan o isang mabangong talim ng damo. Ang oras ay lumilipas, ngunit kung ano ang nakikita at nakuha ay madaling makikita sa harap ng panloob na mata sa lahat ng pinakamaliit na detalye. Mararamdaman mo pa ang hanging silangan at ang hugong ng bumblebee. Iguhit kung ano ang sumasalamin sa kagalakan, kapana-panabik, at walang malasakit sa iyong puso! Pagkatapos ng lahat, ang mood ng balangkas ay hindi nakikitang mananatili sa loob mo.