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Cembalo(vom französischen Clavecin; italienisch Cembalo, Clavicembalo; englisch Cembalo) ist ein Tasteninstrument mit Saiteninstrumenten und Zupftechnik zur Klangerzeugung. Ein Musiker, der Werke auf dem Cembalo und seinen Varianten spielt, wird Cembalist genannt.

Gerät

Anfangs hatte das Cembalo eine viereckige Form, im 17. Jahrhundert erhielt es jedoch eine flügelförmige, längliche Dreiecksform; anstelle von Darmsaiten wurden Metallsaiten verwendet. Seine Saiten sind horizontal, parallel zu den Tasten, meist in Form mehrerer Chöre angeordnet, wobei sich Saitengruppen unterschiedlicher Manuale auf unterschiedlichen Höhenniveaus befinden. Äußerlich waren Cembali meist elegant verarbeitet: Der Korpus war mit Zeichnungen, Intarsien und Schnitzereien verziert. Während der Ära Ludwigs XV. entsprach die Dekoration des Cembalos dem stilvollen Mobiliar der Zeit. Im 16.-17. Jahrhundert zeichneten sie sich durch ihre Klangqualität und ihre Qualität aus Dekoration Cembali der Antwerpener Meister Rukkers.

Geschichte

Die früheste Erwähnung eines Cembalo-Instruments (Clavicembalum, von lateinisch clavis – „Taste“ und cymbalum – „Becken“) findet sich in einer Quelle aus dem Jahr 1397 aus Padua (Italien). Das früheste Bild befindet sich auf dem Altar Dom in der deutschen Stadt Minden aus dem Jahr 1425. Die erste praktische Beschreibung eines Cembalo-ähnlichen Instruments (ein Clavichord mit Zupfmechanismus) mit Zeichnungen erfolgte um 1445 durch den Niederländer Arno aus Zwolle.

Die Cembali aus dem 15. Jahrhundert sind nicht erhalten. Den Bildern nach zu urteilen, waren es diese kurze Werkzeuge mit schwerem Körper. Die meisten erhaltenen Cembali aus dem 16. Jahrhundert wurden in Italien hergestellt, wo Venedig das Hauptproduktionszentrum war. Sie verfügten über ein 8‘-Register (seltener zwei Register 8‘ und 4‘) und zeichneten sich durch ihre Anmut aus. Ihr Körper bestand meist aus Zypressen. Der Anschlag dieser Cembali war klarer und der Klang abrupter als bei späteren flämischen Instrumenten. Das wichtigste Zentrum für die Herstellung von Cembali Nordeuropa war Antwerpen, wo seit 1579 Vertreter der Familie Rückers wirkten. Ihre Cembali haben längere Saiten und einen schwereren Korpus Italienische Instrumente. Ab den 1590er Jahren wurden in Antwerpen Cembali mit zwei Manualen hergestellt.

CLAVISIN, Becken (französisch clavecin, von spätlateinisch clavicymbalum – „Hackbrett“; italienisch Cembalo), musikalisch Saitentasteninstrument. Nach der anerkannten Klassifizierung handelt es sich um ein Zupfinstrument der Klasse Chordophon. Der Übertragungsmechanismus von der Taste auf die Saite besteht aus einem sogenannten Drücker (einer schmalen Platte von 10–25 cm Länge) und einer Zunge, die in ihrem oberen Teil mit einem Plektrum („Feder“; früher wurde sie aus Holz geschnitzt) befestigt ist Krähenfeder), die in die Schnur eingreift. Seit dem 15. Jahrhundert bekannt (die ersten Beschreibungen und Zeichnungen stammen von Arno aus Zwolle, um 1445), ist es seit dem 16. Jahrhundert in allen Ländern verbreitet Westeuropa; Die Cembalokultur erlebte ihre Blütezeit im späten 16. und mittleren 18. Jahrhundert.

Typischerweise wird der Begriff „Cembalo“ für große Instrumente mit einem flügelförmigen Korpus (daher der deutsche Name für das Instrument Flügel) von 1,5 bis 2,5 m Länge verwendet. Die Tastatur hat den gleichen Aufbau wie andere Tastenmusikinstrumente Bei Instrumenten des 16. bis frühen 18. Jahrhunderts ist die Reihenfolge der abwechselnden „diatonischen“ und „chromatischen“ Tasten im Bassteil der Tastatur jedoch häufig durch die Verwendung der sogenannten kurzen Oktave (mit überspringenden Noten) gestört. . Ein Cembalo kann 1 oder 2 (seltener 3) Tastaturen – Manuale – haben. Die Saiten werden entlang des Korpus senkrecht zur Tastatur gespannt und in horizontalen Reihen (normalerweise 2-3) angeordnet. Im 16. und 17. Jahrhundert wurden Cembali mit einer Pedal-(Fuß-)Tastatur gebaut, die aus 9–12 Tasten bestand, die mit der Bassoktave des Manuals verbunden waren (sie hatten keine eigenen Saiten). Jedes Manual steuert 1-2 Saitenreihen, die zusammen oder separat verwendet werden können.

Verschiedene Saitenreihen sowie die sie steuernden Mechaniken, sogenannte Register, unterscheiden sich in Klangfarbe und Lautstärke und manchmal auch in der Tonhöhe. Register, deren Tonhöhe dem Wert der Tasten und der Notenschrift entspricht, werden in Analogie zu den Registern einer Orgel üblicherweise als 8-Fuß-Register (Kurzbezeichnung 8‘) bezeichnet. Register, die eine Oktave höher klingen als geschrieben, werden als 4-Fuß-Register (4 Fuß) bezeichnet (die Saiten eines 4-Fuß-Registers sind ungefähr zweimal kürzer). Der Wechsel der Register erfolgt in der Regel manuell (mit Hebeln) während des Spiels. Cembali aus dem 17. und 18. Jahrhundert, die über mehr als eine Tastatur verfügen, verfügen in der Regel über eine Kopulation, eine Vorrichtung, die für eine mechanische Verriegelung zwischen den Tastaturen sorgt (so können beim Spielen einer davon die Register der anderen in Bewegung gesetzt werden). Die Registrierung (die Wahl der Register und deren Kombinationen) ist weniger wichtig als bei einer Orgel, was auf einen bescheideneren Registersatz zurückzuführen ist. Im 18. Jahrhundert wurde jedoch das Prinzip der „terrassenförmigen“ Dynamik, das allgemein für die Gattung des Instrumentalkonzerts charakteristisch ist (z. B. das italienische Konzert von J. S. Bach, 1735), weit verbreitet: Der Effekt wird durch die Gegenüberstellung des Massiven erzielt Klangfülle der Register des Untermanuals und des transparenten des Obermanuals.

Der Tonumfang des Cembalos hat sich im Laufe der Zeit erweitert, von etwa 3 Oktaven im 15. Jahrhundert auf 5 Oktaven in der Mitte des 18. Jahrhunderts. Die Temperamentsysteme sind die gleichen wie auf der Orgel und anderen Tasteninstrumenten der damaligen Zeit. Darüber hinaus beschreiben Autoren des 16.-17. Jahrhunderts (N. Vicentino, M. Mersenne, A. Kircher) Cembali mit mehr als 12 Tasten in der Oktave (unterschiedliche Tasten für „flach“ und „hoch“), was dies ermöglicht Spielen Sie alle Tonarten in reiner und mittlerer Stimmung (solche Cembali waren aufgrund der besonderen Schwierigkeit, sie zu spielen, nicht weit verbreitet).

Moderne Notation Cembalomusik im Grunde nicht anders als das Klavier. Im 15.-18. Jahrhundert wurden die Arten der Tastaturnotation (die sogenannte Tabulatur) variiert (die gleichen wurden für alle Tasteninstrumente verwendet), es wurden sowohl Musiknoten als auch Buchstaben (das System zur Zuordnung von Buchstaben zu Noten) verwendet stimmte mit dem modernen überein) und Zahlen (es gab mehrere wichtige Nummerierungssysteme); Es gab auch gemischte Noten-Buchstaben-Systeme, zum Beispiel die „altdeutsche Tabulatur“, bei der die Oberstimme in Noten und der Rest in Buchstaben geschrieben wurde. Die Anordnung der Noten auf 2 Notenzeilen (für 2 Hände) tauchte um 1400 in den Stücken des Codex Faenza (Italien) auf. Die Anzahl der Zeilen in den Notenzeilen war nicht konstant (es konnten 6-8 sein). Ein System aus zwei Notenzeilen mit je 5 Zeilen erschien erstmals in der gedruckten Sammlung „Frottole intabulate“ von A. Antico (1517, Rom), begann mit den Pariser Ausgaben von P. Attennan (1529) und verbreitete sich in Frankreich In der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts breitete es sich auf andere europäische Länder aus und verdrängte nach und nach den Rest.

Der Klang des Cembalos hat einen „explosiven“ Anschlag, hell, wenn er erscheint, aber schnell verklingt. Die Lautstärke ist praktisch unabhängig von der Stärke und Art des Tastendrucks. Die begrenzten Möglichkeiten der dynamischen Nuancierung werden durch die Vielfalt der Artikulation bis zu einem gewissen Grad ausgeglichen. In Handbüchern für das Tastenspiel des 16. bis 18. Jahrhunderts wird dem Fingersatz große Aufmerksamkeit geschenkt. Ein wesentlicher Aspekt des Cembalospiels ist die Ausführung von Melismen (Verzierungen). Hohe Obertöne spielen eine große Rolle bei der Klangfarbe, wodurch der Cembaloklang in einem mittelgroßen Konzertsaal, selbst in einem kleinen Orchester, gut hörbar ist. Orchester des 18. Jahrhunderts verwendeten möglicherweise zwei Cembali; Am Cembalo saß oft der Dirigent selbst. Wie die meisten Tasteninstrumente verfügt das Cembalo über umfangreiche polyphone Spielmöglichkeiten. In der Vergangenheit war Soloimprovisation weit verbreitet. Das Cembalo-Repertoire im 16. und 17. Jahrhundert war weitgehend allen Arten von Tasteninstrumenten (einschließlich der Orgel) gemeinsam. Die größten Cembalisten: C. Merulo, G. Frescobaldi, M. Rossi, B. Pasquini, B. Marcello, B. Galuppi, D. Cimarosa (Italien); D. Scarlatti (Spanien); J. Chambonnière, J. A. d'Anglebert, L. und F. Couperin, J. F. Rameau, J. Dufly (Frankreich). Einer von höchste Erfolge Welt Musikkultur- Deutsche Tastenmusik des 16.-18. Jahrhunderts; seine Vertreter: D. Buxtehude, S. Scheidt, I. Kuhnau, I. Froberger, I. K. Kerl, I. Pachelbel, J. S. Bach und seine Söhne. Die Blütezeit der englischen Klavierschule im 16. und 17. Jahrhundert wird hauptsächlich mit dem Virginal in Verbindung gebracht; Die größten in England tätigen Cembalisten des 18. Jahrhunderts waren G. F. Händel und J. K. Bach. Das russische Cembalo-Repertoire ist nicht reichhaltig; das Instrument wurde zur Gesangsbegleitung verwendet; 3 Sonaten für Cembalo wurden von D. S. Bortnyansky geschaffen.

Wie die meisten anderen Musikinstrumente des 16.-18. Jahrhunderts hat das Cembalo kein standardmäßiges „klassisches“ Aussehen, sondern wird durch viele Varianten repräsentiert, die von Meistern verschiedener Länder, Epochen und Stilrichtungen geschaffen wurden. Meisterschulen von europaweiter Bedeutung entwickelten sich (in verschiedenen Epochen) in Nord Italien(die größten Zentren sind Venedig, Mailand, Bologna, Florenz, unter den Vertretern ist B. Cristofori), die südlichen Niederlande (das Zentrum ist Antwerpen, größter Vertreter- die Familie Rückers), Frankreich (Familien Blanchet, Tusken, Brüder Emsch), England (Familie J. Kirkman, Familie Hitchcock, Firma Chudy und Broadwood), Deutschland (Zentren - Dresden, Hamburg; Familien Graebner, Friederici, Silberman, Fleischer, Zell , Haas). Cembalo ist ein Objekt der dekorativen und angewandten Kunst; die meisten Überlebenden historische Instrumente bemalt, es gibt Perlmutteinlagen und Edelsteine; manchmal wurden auch die Schlüssel verziert.

Ab dem letzten Drittel des 18. Jahrhunderts verlor das Cembalo durch die Entwicklung des Klaviers schnell an Popularität, blieb aber noch lange Zeit ein Instrument für das Musizieren zu Hause, insbesondere in der europäischen Peripherie und in den Ländern der Neuen Welt. Wird auch zu Beginn des 19. Jahrhunderts weiterhin im Italienischen verwendet Opernhaus(zur Begleitung von Rezitativen).

Seit Ende des 19. Jahrhunderts wird die Cembalokultur wiederbelebt. Zuerst wurden die Instrumente kopiert, dann begann man, sie entsprechend dem wechselnden künstlerischen Geschmack zu bauen (ein Modell mit Pedalregister wurde zum Standard; das in der Vergangenheit seltene 16-Fuß-Register, das eine Oktave unterdurchschnittlich klang, war weit verbreitet gebraucht). Nach dem Zweiten Weltkrieg kopierten Handwerker wieder antike Modelle; oft wird ein neues Cembalo geschaffen individuelles Projekt. Die moderne Schauspielschule wurde Mitte des 20. Jahrhunderts von V. Landovskaya gegründet. Andere bedeutende Cembalisten: R. Kirkpatrick, J. Dreyfus, C. Jacote, G. Leonhardt, B. van Asperen, I. Wiuniski, K. Rousset, P. Antai, A. B. Lyubimov. Seit der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts beherrschen Cembalisten authentische Temperamente, Artikulationsweisen und Fingersätze. Grundlage des Konzertrepertoires ist Musik des 18. Jahrhunderts und darüber hinaus frühe Epochen. Das Repertoire des 20. Jahrhunderts wird durch Werke von F. Poulenc („Concert champêtre“ für Cembalo und Orchester, 1926), M. Oana, A. Tisne, A. Louvier, D. Ligeti und anderen Komponisten repräsentiert.

Lit.: Neupert N. Das Cembalo. 3. Aufl. Kassel, 1960; Hubbard F. Drei Jahrhunderte Cembalobau. Zweiter. Camb., 1967; Boalch D. Hersteller des Cembalos und des Clavichords, 1440-1840. 2. Aufl. Oxf., 1974; Harich-Schneider E. Die Kunst des Cembalo-Spiels. 4. Aufl. Kassel, 1979; Henkel N. Beiträge zum historischen Cembalobau. LPZ., 1979; Das historische Cembalo. New York, 1984–1987. Bd. 1-2; Kopchevsky N. A. Keyboardmusik: Fragen der Aufführung. M., 1986; Mercier-Y thier S. Les clavecins. R., 1990; Bedford F. Cembalo- und Clavichordmusik des 20. Jahrhunderts. Berk., 1993; Apel W. Geschichte der Orgel- und Klaviermusik bis 1700. Kassel u. a., 2004; Druskin M. Sammlung. Op. St. Petersburg, 2007. T. 1: Tastenmusik aus Spanien, England, den Niederlanden, Frankreich, Italien, Deutschland XVI-XVIII Jahrhundert.

CEMBALO

Sicherlich ist Ihnen bei Konzerten ein Musikinstrument aufgefallen, das einem Klavier ähnelt, aber viel kleiner ist, mit mehreren Tastaturen und einem ganz anderen, klingenden metallischen Klang? Der Name dieses Instruments ist Cembalo (abgeleitet vom französischen Wort). In jedem Land wird es anders genannt: In Frankreich und Russland ist es ein Cembalo, in Italien ist es ein Becken (und manchmal auch ein Clavicembalo), in England ist es ein Cembalo. Das Cembalo ist ein Saitenmusikinstrument mit Tasten, bei dem der Klang durch Zupfen erzeugt wird.

Klang, Klangfarbe:

Der Klang des Cembalos ist kaum mit einem anderen Instrument zu verwechseln; er ist besonders, brillant und abrupt. Sobald Sie dieses Geräusch hören, stellen Sie sich sofort antike Tänze, Bälle und edle Hofdamen in prächtigen Kleidern mit unvorstellbaren Frisuren vor. Der Hauptunterschied zwischen dem Cembalo besteht darin, dass sein Klang die Dynamik nicht wie bei anderen Instrumenten sanft ändern kann. Um dieses Problem zu lösen, kamen die Handwerker auf die Idee, weitere Register hinzuzufügen, die über manuelle Schalter und Hebel aktiviert werden. Sie befinden sich an den Seiten der Tastatur. Wenig später erschienen auch Fußschalter, die das Spielen erleichtern sollten.
Interessante Fakten:

• Das Cembalo galt seit jeher als aristokratisches Instrument, das Salons und Säle schmückte reichste Leute Europa. Deshalb wurde es früher aus teuren Holzarten hergestellt, die Tasten waren mit Schildpattplatten, Perlmutt bedeckt und manchmal mit Edelsteinen eingelegt.
• Ist Ihnen aufgefallen, dass manche Cembali schwarze Untertasten und weiße Obertasten haben – alles ist genau das Gegenteil von dem eines Flügels oder Klaviers? Cembali mit solchen Grundfarben waren im 17. Jahrhundert in Frankreich üblich. Wie Historiker erklären, war diese Verzierung der Tastatur mit dem damals in der Kunst vorherrschenden galanten Stil verbunden – die schneeweißen Hände der Cembalisten wirkten auf der schwarzen Tastatur sehr anmutig und hervorstechend.
• Zuerst wurde das Cembalo auf einen Tisch gestellt, wenig später fügten die Handwerker schöne Beine hinzu.
• Einst musste der Dirigent am Cembalo sitzen und schaffte es, mit der linken Hand zu spielen und mit der rechten die Musiker zu dirigieren.
• Bei dem Versuch, den Klang eines Cembalos nachzubilden, griffen einige Meister auf Tricks zurück. So auch beim Red-October-Flügel, hergestellt in Sowjetzeit Das dritte Pedal senkt ein spezielles Gewebe auf die Saiten, an dem Metallzungen befestigt sind. Die Hämmer schlagen darauf und es entsteht ein charakteristischer Klang. Das sowjetische Accord-Klavier hat das gleiche Design.
• Fußschalter am Cembalo tauchten erst 1750 auf.
• Zunächst wurde die Klangdynamik durch Verdoppelung und Verdreifachung der Saiten verändert; erst im 17.-18. Jahrhundert begann man, Instrumente mit zwei oder sogar drei übereinander angeordneten Manualen und unterschiedlichen Registern zu bauen. In diesem Fall wurde das Obermanual eine Oktave höher gestimmt.
• Lange Zeit Das älteste bis heute erhaltene Cembalo galt 1521 als Instrument des italienischen Meisters Hieronymus. Später fand man jedoch ein älteres Cembalo, das am 18. September 1515 von Vincentius aus Livigimeno hergestellt wurde.
• Cembalos des 16. Jahrhunderts waren überwiegend italienischen Ursprungs (Venedig) und wurden aus Zypressenholz gefertigt. Französische Instrumente mit zwei Klaviaturen (Handbücher) wurden aus Walnussholz gefertigt.
• Die meisten Cembali verfügen über ein Lautenregister, das durch eine nasale Klangfarbe gekennzeichnet ist. Um einen solchen Klang zu erzielen, wurden die Saiten mit Filz- oder Lederstücken gedämpft.
• Im Mittelalter gab es am Hofe des spanischen Königs Philipp II. ein sogenanntes „Katzencembalo“. Es handelte sich um ein Gerät bestehend aus einer Tastatur und einer rechteckigen Box mit mehreren Fächern, in die Katzen gelegt wurden. Zuvor wurden die Tiere durch Treten auf ihren Schwanz abgehört und nach ihrer Stimme eingestuft. Dann wurden die Schwänze der unglücklichen Katzen unter den Schlüsseln befestigt, beim Drücken wurde eine Nadel in sie gestochen. Das Tier schrie laut und der Darsteller spielte seine Melodie weiter. Es ist bekannt, dass Perth I. für sein Kuriositätenkabinett auch ein „Katzen-Cembalo“ bestellte.
• Der berühmte französische Cembalist F. Couperin hat eine Abhandlung „Die Kunst, Cembalo zu spielen“, die noch heute von Musikern verwendet wird.
• Es war Couperin, der begann, beim Cembalospiel aktiv den Daumen (den Zeigefinger) zu nutzen; davor spielten Musiker nur mit vier Fingern und der fünfte wurde nicht verwendet. Diese Idee wurde bald von anderen Künstlern aufgegriffen.
• Der berühmte Künstler Händel musste als Kind auf dem Dachboden das Cembalospiel üben, da sein Vater gegen eine Karriere als Musiker war und von einem Jurastudium träumte.
• Interessant ist, dass die Aktion des Springers von W. Shakespeare in seinem 128. Sonett beschrieben wurde.
• Musiker, die Cembalo spielten, wurden Claviers genannt, da sie auch erfolgreich Orgel und Clavichord spielten.
• Bemerkenswert ist, dass der Tonumfang des Konzertcembalos ser. 18. Jahrhundert war breiter als das Klavier, das es wenig später ersetzte

Ich muss zugeben, dass ich über das Cembalo als ein zutiefst persönliches Thema für mich spreche. Nachdem ich fast vierzig Jahre lang darauf gespielt habe, habe ich eine tiefe Zuneigung zu bestimmten Autoren entwickelt und in Konzerten komplette Zyklen von allem gespielt, was sie für dieses Instrument geschrieben haben. Dies betrifft vor allem François Couperin und Johann Sebastian Bach. Ich hoffe, dass das Gesagte als Entschuldigung für meine Vorurteile dienen wird, denen ich leider nicht entgehen kann.

GERÄT

Es ist eine große Familie von Zupfinstrumenten mit Tasten und Saiten bekannt. Sie unterscheiden sich in Größe, Form und Klang-(Farb-)Ressourcen. Fast jeder Meister, der früher solche Instrumente herstellte, versuchte, ihrem Design etwas Eigenes hinzuzufügen.

Es herrscht große Verwirrung darüber, wie sie genannt wurden. In den meisten allgemeiner Überblick Instrumente werden nach ihrer Form in Längsinstrumente (erinnert an ein kleines Klavier, aber mit eckigen Formen – ein Flügel hat abgerundete Formen) und Rechteckinstrumente unterteilt. Natürlich ist dieser Unterschied keineswegs dekorativ: wann verschiedene Orte Wenn man die Saiten relativ zur Tastatur verändert, hat die Stelle auf der Saite, an der die Zupfcharakteristik all dieser Instrumente erzeugt wird, einen ganz erheblichen Einfluss auf die Klangfarbe des Klangs.

J. Wermeer aus Delft. Frau sitzt am Cembalo
OK. 1673–1675. Nationalgallerie, London

Das Cembalo ist das größte und komplexeste Instrument dieser Familie.

In Russland seit dem 18. Jahrhundert. Der am häufigsten verwendete französische Name für das Instrument ist Cembalo ( Clavecin), kommt aber vor allem in der musikalischen und akademischen Praxis vor, und das italienische Becken ( Cembalo; Auch italienische Namen sind bekannt Clavicembalo, Gravicembalo). In der musikwissenschaftlichen Literatur, insbesondere wenn es um englische Barockmusik geht, kommt man ohne Übersetzung daher englischer Name dieses Werkzeug Cembalo.

Das Hauptmerkmal der Tonerzeugung beim Cembalo besteht darin, dass sich am hinteren Ende der Taste ein sogenannter Jumper (auch Drücker genannt) befindet, in dessen oberem Teil eine Feder befestigt ist. Wenn der Musiker eine Taste drückt, hebt sich das hintere Ende der Taste (da es sich bei der Taste um einen Hebel handelt) und der Jumper bewegt sich nach oben, und die Feder zupft die Saite. Beim Loslassen der Taste gleitet die Feder lautlos, dank einer Feder, die eine leichte Auslenkung ermöglicht.

Verschiedene Typen Tasteninstrumente

Es ist bemerkenswert, dass W. Shakespeare in seinem 128. Sonett eine ungewöhnlich genaue Beschreibung der Aktion des Springers gab. Von den vielen Übersetzungsmöglichkeiten wird die Essenz des Cembalospiels – neben der künstlerischen und poetischen Seite – am genauesten durch die Übersetzung von Modest Tschaikowsky vermittelt:

Wenn du, meine Musik, spielst,
Setzen Sie diese Schlüssel in Bewegung
Und indem du sie so zärtlich mit deinen Fingern streichelst,
Der Gleichklang der Streicher weckt Bewunderung,
Ich schaue neidisch auf die Schlüssel,
Wie sie sich an deinen Handflächen festklammern;
Die Lippen brennen und dürsten nach einem Kuss,
Sie schauen neidisch auf ihre Kühnheit.
Oh, wenn sich das Schicksal plötzlich wenden würde
Ich schließe mich den Reihen dieser Trockentänzer an!
Ich bin froh, dass deine Hand darüber geglitten ist, -
Ihre Seelenlosigkeit ist gesegneter als die Lippen der Lebenden.
Aber wenn sie glücklich sind, dann
Lass sie deine Finger küssen und lass mich deine Lippen küssen.

Von allen Arten von Tastenzupfinstrumenten ist das Cembalo das größte und komplexeste. Es wird sowohl als Soloinstrument als auch als Begleitinstrument eingesetzt. Als Ensemblestück ist es in der Barockmusik unverzichtbar. Doch bevor wir über das riesige Repertoire dieses Instruments sprechen, ist es notwendig, etwas mehr über sein Design zu erklären.

Bei einem Cembalo wurden alle Farben (Klangfarben) und Dynamik (also die Klangstärke) vom Erbauer jedes einzelnen Cembalos zunächst im Instrument selbst festgelegt. Dadurch ähnelt es gewissermaßen einer Orgel. Bei einem Cembalo kann man den Klang nicht dadurch verändern, dass man die Stärke des Tastendrucks verändert. Zum Vergleich: Beim Klavier liegt die gesamte Interpretationskunst im Reichtum des Anschlags, also in der Vielfalt der Arten des Tastendrucks oder -anschlags.

Diagramm der Cembalo-Mechanik

Reis. A: 1. Steg; 2. Dämpfer; 3. Jumper (Drücker); 4. Registerleiste; 5. Steg;
6. Jumper-(Schub-)Rahmen; 7. Schlüssel

Reis. B. Jumper (Drücker): 1. Dämpfer; 2. Zeichenfolge; 3. Feder; 4. Zunge; 5. Polster; 6. Frühling

Natürlich hängt es von der Sensibilität des Cembalisten ab, ob das Instrument musikalisch klingt oder „wie ein Kochtopf“ (so ungefähr hat es Voltaire ausgedrückt). Die Stärke und Klangfarbe des Klangs hängt jedoch nicht vom Cembalisten ab, da zwischen dem Finger des Cembalisten und der Saite ein komplexer Übertragungsmechanismus in Form einer Brücke und einer Feder besteht. Nochmals zum Vergleich: Bei einem Klavier wirkt sich das Anschlagen einer Taste direkt auf die Wirkung des Hammers auf die Saite aus, während bei einem Cembalo die Wirkung auf die Feder indirekt ist.

GESCHICHTE

Frühe Geschichte Das Cembalo hat eine Jahrhunderte alte Geschichte. Es wurde erstmals in der Abhandlung von John de Muris „The Mirror of Music“ (1323) erwähnt. Eine der frühesten Darstellungen eines Cembalos findet sich im Weimarer Wunderbuch (1440).

Lange Zeit glaubte man, dass das älteste erhaltene Instrument von Hieronymus von Bologna hergestellt und auf das Jahr 1521 datiert wurde. Es wird in London im Victoria and Albert Museum aufbewahrt. Aber in In letzter Zeit Es wurde festgestellt, dass es ein mehrere Jahre älteres Instrument gibt, das ebenfalls hergestellt wurde Italienischer Meister- Vincentius von Livigimeno. Es wurde Papst Leo X. überreicht. Die Herstellung begann der Inschrift auf dem Gehäuse zufolge am 18. September 1515.

Cembalo. Weimarer Wunderbuch. 1440

Um eine Monotonie des Klangs zu vermeiden, begannen Cembalobauer bereits in einem frühen Stadium der Instrumentenentwicklung, jede Taste nicht mit einer Saite, sondern mit zwei, natürlich unterschiedlichen Klangfarben, zu versehen. Es stellte sich jedoch schnell heraus, dass es aus technischen Gründen nicht möglich war, mehr als zwei Saitensätze für eine Tastatur zu verwenden. Dann entstand die Idee, die Anzahl der Tastaturen zu erhöhen. Bis zum 17. Jahrhundert Die musikalisch reichhaltigsten Cembali sind Instrumente mit zwei Klaviaturen (auch Manuale genannt, von lat. manus- "Hand").

Aus musikalischer Sicht ist ein solches Instrument das beste Mittel zur Aufführung eines vielfältigen Barockrepertoires. Viele Werke der Cembalo-Klassiker wurden speziell für die Wirkung des Spiels auf zwei Keyboards geschrieben, beispielsweise einige Sonaten von Domenico Scarlatti. F. Couperin hat im Vorwort zur dritten Sammlung seiner Cembalostücke ausdrücklich darauf hingewiesen, dass er darin Stücke untergebracht hat, die er selbst nennt „Stücke Croises“(spielt mit dem Verschränken der [Arme]). „Stücke mit einem solchen Namen“, fährt der Komponist fort, „sollten auf zwei Klaviaturen gespielt werden, von denen eine durch Registerwechsel gedämpft klingen sollte.“ Für diejenigen, die kein zweimanualiges Cembalo besitzen, gibt Couperin Empfehlungen, wie man das Instrument mit einer Klaviatur spielt. Doch in manchen Fällen ist das Erfordernis eines zweimanualigen Cembalos eine unabdingbare Voraussetzung für die volle künstlerische Darbietung einer Komposition. So gab Bach auf der Titelseite der Sammlung mit der berühmten „Französischen Ouvertüre“ und dem „Italienischen Konzert“ an: „für Clavicembalo mit zwei Manualen.“

Aus der Sicht der Entwicklung des Cembalos erwiesen sich zwei Manuale als nicht die Grenze: Wir kennen Beispiele von Cembalos mit drei Klaviaturen, obwohl wir keine Werke kennen, die für ihre Darbietung unbedingt ein solches Instrument erfordern würden. Es handelt sich vielmehr um technische Tricks einzelner Cembalisten.

Während seiner glänzenden Blütezeit (17.-18. Jahrhundert) wurde das Cembalo von Musikern gespielt, die alle damals existierenden Tasteninstrumente beherrschten, nämlich Orgel und Clavichord (deshalb wurden sie Claviers genannt).

Cembali wurden nicht nur von Cembalobauern, sondern auch von Orgelbauern hergestellt. Und es war selbstverständlich, beim Cembalobau einige grundlegende Ideen anzuwenden, die bereits bei der Gestaltung von Orgeln weit verbreitet waren. Mit anderen Worten: Cembalobauer folgten dem Weg der Orgelbauer und erweiterten die Registerressourcen ihrer Instrumente. Waren es bei der Orgel immer mehr neue Pfeifensätze, die auf die Manuale verteilt waren, so begann man beim Cembalo damit, sie zu verwenden größere Zahl Saitensätze, auch auf Manuale verteilt. Diese Cembaloregister unterschieden sich nicht allzu sehr in der Lautstärke, wohl aber in der Klangfarbe – sehr deutlich.

Titelseite der ersten Musiksammlung
für Virginel „Parthenia“. London. 1611

Zusätzlich zu zwei Saitensätzen (einer für jede Tastatur), die unisono klangen und in der Höhe den in den Noten aufgezeichneten Klängen entsprachen, konnten Register in vier Fuß und sechzehn Fuß vorhanden sein. (Sogar die Bezeichnung der Register wurde von Cembalobauern von Orgelbauern übernommen: Rohre Orgeln werden in Fuß angegeben, und die Hauptregister, die der Notenschrift entsprechen, sind die sogenannten Acht-Fuß-Register, während Pfeifen, deren Töne eine Oktave über den notierten Tönen liegen, als Vier-Fuß-Tonleiter bezeichnet werden, und solche, die Töne erzeugen, die eine Oktave darunter liegen werden Sechzehn-Fuß-Einser genannt. Auf dem Cembalo sind die durch die Sätze gebildeten Register in den gleichen Takten angegeben Saiten.)

So der Klangumfang eines großen Konzertcembalos aus der Mitte des 18. Jahrhunderts. Es war nicht nur nicht schmaler als ein Klavier, sondern sogar noch breiter. Und das, obwohl die Notation von Cembalomusik einen engeren Tonumfang zu haben scheint als die von Klaviermusik.

MUSIK

Bis zum 18. Jahrhundert Das Cembalo verfügt über ein ungewöhnlich reichhaltiges Repertoire. Als äußerst aristokratisches Instrument verbreitete es sich in ganz Europa und hatte überall seine klugen Apologeten. Aber wenn wir über die mächtigsten Schulen des 16. – frühen 17. Jahrhunderts sprechen, dann müssen wir zunächst die englischen Virginalisten nennen.

Wir werden hier nicht die Geschichte des Virginel erzählen, sondern nur darauf hinweisen, dass es sich um eine Art Saiteninstrument mit Tastenzupfung handelt, das im Klang dem Cembalo ähnelt. Es ist bemerkenswert, dass in einer der letzten gründlichen Studien zur Geschichte des Cembalos ( Kottick E. Eine Geschichte des Cembalos. Bloomington. 2003) Virginel gelten ebenso wie das Spinett (eine andere Variante) als im Einklang mit der Entwicklung des Cembalos selbst.

Bezüglich des Namens virginel ist anzumerken, dass eine der vorgeschlagenen Etymologien ihn auf das Englische zurückführt Jungfrau und weiter zum Latein Jungfrau, das heißt „Jungfrau“, da Elisabeth I., die jungfräuliche Königin, es liebte, die Jungfrau zu spielen. Tatsächlich erschien Virginal bereits vor Elizabeth. Der Ursprung des Begriffs „Virginel“ lässt sich korrekter von einem anderen lateinischen Wort ableiten – Jungfrau(„Stick“), was auf den gleichen Jumper hinweist.

Es ist interessant, dass der Musiker in dem Stich, der die erste gedruckte Musikausgabe für die Jungfrau („Parthenia“) schmückt, in der Gestalt einer christlichen Jungfrau dargestellt ist – der Heiligen. Cecilia. Der Name der Sammlung selbst stammt übrigens aus dem Griechischen. Parthenos, was „Jungfrau“ bedeutet.

Zur Verzierung dieser Ausgabe wurde ein Stich nach dem Gemälde des niederländischen Künstlers Hendrik Goltzius „St. Cäcilia“. Allerdings hat der Graveur kein Spiegelbild des Bildes auf der Tafel angefertigt, also sowohl die Gravur selbst als auch der Darsteller – sie linke Hand viel weiter entwickelt als das Recht, was für einen Virginianer dieser Zeit natürlich nicht der Fall gewesen sein konnte. Es gibt Tausende solcher Fehler in Gravuren. Das Auge eines Nichtmusikers bemerkt dies nicht, aber ein Musiker erkennt sofort den Fehler des Stechers.

Der Begründer des Cembalo-Revivals im 20. Jahrhundert widmete der Musik der englischen Virginalisten mehrere wundervolle Seiten voller enthusiastischer Gefühle. wunderbare polnische Cembalistin Wanda Landowska: „Aus Herzen, die würdiger sind als unseres, und genährt Volkslieder, alte englische Musik – leidenschaftlich oder gelassen, naiv oder pathetisch – verherrlicht Natur und Liebe. Sie verherrlicht das Leben. Wenn sie sich der Mystik zuwendet, verherrlicht sie Gott. Sie ist unverkennbar souverän, aber auch spontan und mutig. Es wirkt oft moderner als das Neueste und Fortschrittlichste. Öffnen Sie Ihr Herz für den Charme dieser im Wesentlichen unbekannten Musik. Vergessen Sie, dass sie alt ist, und denken Sie nicht, dass sie deshalb kein menschliches Gefühl mehr hat.“

Diese Zeilen wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts geschrieben. Im vergangenen Jahrhundert wurde außerordentlich viel getan, um das Unbezahlbare in seiner Gesamtheit zu offenbaren und zu bewerten musikalisches Erbe Virginalisten. Und was sind das für Namen! Die Komponisten William Bird und John Bull, Martin Pearson und Gil Farnaby, John Munday und Thomas Morley...

Es gab enge Kontakte zwischen England und den Niederlanden (davon zeugt bereits der Stich von „Parthenia“). Cembalos und Virginels niederländischer Meister, insbesondere der Ruckers-Dynastie, waren in England bekannt. Gleichzeitig können sich die Niederlande selbst seltsamerweise nicht mit einer so lebendigen Kompositionsschule rühmen.

Auf dem Kontinent waren die charakteristischen Cembaloschulen Italienisch, Französisch und Deutsch. Wir erwähnen nur drei ihrer Hauptvertreter – Francois Couperin, Domenico Scarlatti und Johann Sebastian Bach.

Eines der klaren und offensichtlichen Zeichen der herausragenden Begabung eines Komponisten (was für jeden Komponisten jeder Epoche gilt) ist die Entwicklung seines eigenen, rein persönlichen, einzigartigen Ausdrucksstils. Und in der Gesamtmasse der unzähligen Schriftsteller wird es nicht so viele wahre Schöpfer geben. Diese drei Namen gehören sicherlich den Schöpfern. Jeder von ihnen hat seinen eigenen einzigartigen Stil.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) – ein wahrer Cembalodichter. Er könnte sich wahrscheinlich selbst in Betracht ziehen glücklicher Mann: alle (oder fast alle) seiner Cembalowerke, also genau das, was seinen Ruhm ausmacht und globale Bedeutung wurden von ihm herausgegeben und umfassen vier Bände. Somit haben wir einen umfassenden Überblick über sein Cembalo-Erbe. Der Autor dieser Zeilen hatte das Glück, einen vollständigen Zyklus von Couperins Cembalowerken in acht Stück aufzuführen Konzertprogramme, die auf einem Festival seiner Musik in Moskau unter der Schirmherrschaft von Herrn Pierre Morel, Botschafter Frankreichs in Russland, präsentiert wurden.

Es tut mir leid, dass ich meinen Leser nicht an die Hand nehmen, ihn zum Cembalo führen und beispielsweise „Die französische Maskerade oder Les Masques of the Dominos“ von Couperin spielen kann. Wie viel Charme und Schönheit hat es! Aber es gibt auch so viel psychologische Tiefe. Dabei hat jede Maske eine bestimmte Farbe und – was ganz wichtig ist – Charakter. Die Anmerkungen des Autors erläutern die Bilder und Farben. Insgesamt gibt es zwölf Masken (und Farben), die in einer bestimmten Reihenfolge erscheinen.

Ich hatte bereits Gelegenheit, mich an dieses Stück von Couperin im Zusammenhang mit der Geschichte über „Schwarzes Quadrat“ von K. Malewitsch zu erinnern (siehe „Kunst“ Nr. 18/2007). Tatsache ist, dass Couperins Farbschema, beginnend mit Weiß(die erste Variante, die Jungfräulichkeit symbolisiert) endet mit einer schwarzen Maske (Wut oder Verzweiflung). Also zwei Schöpfer verschiedene Epochen Und verschiedene Künste schuf Werke mit zutiefst symbolischer Bedeutung: Bei Couperin symbolisiert dieser Zyklus die Perioden Menschenleben- das Alter einer Person (zwölf in Monaten, alle sechs Jahre – das ist eine im Barock bekannte Allegorie). Infolgedessen hat Couperin eine schwarze Maske, Malewitsch ein schwarzes Quadrat. Für beide ist das Erscheinen von Schwarz das Ergebnis vieler Kräfte. Malewitsch stellte direkt fest: „Ich betrachte Weiß und Schwarz als Ableitungen von Farbe und Farbskalen.“ Couperin präsentierte uns dieses bunte Sortiment.

Es ist klar, dass Couperin über erstaunliche Cembali verfügte. Dies ist nicht verwunderlich, schließlich war er Hofcembalist Ludwigs XIV. Die Instrumente konnten mit ihrem Klang die ganze Tiefe der Ideen des Komponisten vermitteln.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Dieser Komponist hat einen völlig anderen Stil, aber genau wie Couperin ist eine unverwechselbare Handschrift das erste und offensichtliche Zeichen von Genie. Dieser Name ist untrennbar mit dem Cembalo verbunden. Obwohl Domenico in seiner Jugend schrieb andere Musik Später wurde er gerade als Autor einer großen Anzahl (555) Cembalosonaten berühmt. Scarlatti erweiterte die Spielmöglichkeiten des Cembalos auf ungewöhnliche Weise und eröffnete der Spieltechnik eine bisher beispiellose virtuose Spielfreiheit.

Eine Art Parallele zu Scarlatti in der späteren Geschichte Klaviermusik ist das Werk von Franz Liszt, der sich bekanntlich speziell mit den Aufführungstechniken von Domenico Scarlatti beschäftigt hat. (Da es sich übrigens um Parallelen zur Klavierkunst handelt, hatte Couperin gewissermaßen auch einen geistigen Erben – das ist natürlich F. Chopin.)

Die zweite Lebenshälfte von Domenico Scarlatti (nicht zu verwechseln mit seinem Vater, dem berühmten Italiener). Opernkomponist Alessandro Scarlatti war Hofcembalist der spanischen Königin Maria Barbara und die überwiegende Mehrheit seiner Sonaten wurde speziell für sie geschrieben. Man kann mit Sicherheit davon ausgehen, dass sie eine bemerkenswerte Cembalistin war, wenn sie diese manchmal technisch äußerst schwierigen Sonaten spielte.

J. Wermeer aus Delft. Mädchen am Spinett. OK. 1670. Privatsammlung

In diesem Zusammenhang erinnere ich mich an einen Brief (1977), den ich von der hervorragenden tschechischen Cembalistin Zuzanna Ruzickova erhielt: „Sehr geehrter Herr Majkapar! Ich habe eine Bitte an Sie. Wie Sie wissen, besteht mittlerweile großes Interesse an authentischen Cembali und es wird viel darüber diskutiert. Eines der Schlüsseldokumente in der Diskussion über diese Instrumente im Zusammenhang mit D. Scarlatti ist das Vanloo-Gemälde, das Maria Barbara von Portugal, die Frau von Philipp V., zeigt (Z. Ruzickova irrte sich – Maria Barbara war die Frau von Ferdinand VI., Sohn von Philipp V. - BIN.). Raphael Pouyana (ein bedeutender zeitgenössischer französischer Cembalist – BIN.) ist der Ansicht, dass das Gemälde nach dem Tod von Maria Barbara gemalt wurde und daher keine historische Quelle sein kann. Das Gemälde befindet sich in der Eremitage. Es wäre sehr wichtig, wenn Sie mir Unterlagen zu diesem Gemälde zukommen lassen würden.“

Fragment. 1768. Eremitage, St. Petersburg

Das in dem Brief erwähnte Gemälde ist „Sextett“ von L.M. Vanloo (1768).

Es befindet sich in der Eremitage, im Lagerraum der Abteilung für französische Malerei des 18. Jahrhunderts. Verwalter der Abteilung I.S. Nachdem Nemilova vom Zweck meines Besuchs erfahren hatte, begleitete sie mich in einen großen Raum bzw. eine Halle, in dem sich Gemälde befinden, die nicht in der Hauptausstellung enthalten waren. Es stellt sich heraus, dass hier viele Werke aufbewahrt werden, die aus musikalischer Ikonographie von großem Interesse sind! Einer nach dem anderen holten wir große Rahmen heraus, auf denen 10–15 Gemälde montiert waren, und untersuchten die Themen, die uns interessierten. Und schließlich „Sextett“ von L.M. Vanloo.

Berichten zufolge zeigt dieses Gemälde die spanische Königin Maria Barbara. Wenn diese Hypothese bewiesen wäre, könnten wir ein Cembalo haben, das von Scarlatti selbst gespielt wird! Was sind die Gründe, die in Vanloos Gemälde dargestellte Cembalistin als Maria Barbara zu erkennen? Erstens scheint es mir tatsächlich eine oberflächliche Ähnlichkeit zwischen der hier dargestellten Dame und den berühmten Porträts von Maria Barbara zu geben. Zweitens lebte Vanloo relativ lange am spanischen Hof und hätte daher durchaus ein Bild zu einem Thema aus dem Leben der Königin malen können. Drittens ist ein anderer Name des Gemäldes bekannt – „Spanisches Konzert“ und viertens sind einige ausländische Musikwissenschaftler (z. B. K. Sachs) davon überzeugt, dass es sich bei dem Gemälde um Maria Barbara handelt.

Aber Nemilova bezweifelte wie Rafael Puyana diese Hypothese. Das Gemälde entstand im Jahr 1768, also zwölf Jahre nach der Abreise des Künstlers aus Spanien und zehn Jahre nach dem Tod von Maria Barbara. Die Geschichte ihres Ordens ist bekannt: Katharina II. übermittelte Vanloo durch Prinz Golitsyn den Wunsch, ein Gemälde von ihm zu haben. Dieses Werk kam sofort nach St. Petersburg und wurde hier die ganze Zeit aufbewahrt; Golitsyn schenkte es Katharina als „Konzert“. Was den Namen „Spanisches Konzert“ betrifft, so spielten die spanischen Kostüme, in denen die Charaktere dargestellt sind, eine Rolle bei seiner Entstehung, und wie Nemilova erklärte, handelte es sich um Theaterkostüme und nicht um solche, die damals in Mode waren.

V. Landowska

Auf dem Bild fällt natürlich das Cembalo auf – ein zweimanualiges Instrument mit charakteristischem Anfang Hälfte des XVIII V. Die Farbe der Tasten ist umgekehrt wie bei der modernen (die schwarzen Tasten des Klaviers sind die weißen Tasten dieses Cembalos und umgekehrt). Zudem fehlen noch Pedale zur Registerumschaltung, obwohl diese schon damals bekannt waren. Diese Verbesserung findet sich bei den meisten modernen zweimanualigen Konzertcembali. Die Notwendigkeit, die Register von Hand zu wechseln, erforderte eine bestimmte Vorgehensweise bei der Wahl der Registrierung auf dem Cembalo.

Derzeit zeichnen sich in der Aufführungspraxis deutlich zwei Richtungen ab: Anhänger der ersten sind der Meinung, dass man alle modernen Möglichkeiten des Instruments nutzen sollte (diese Meinung vertraten beispielsweise V. Landovska und übrigens Zuzanna Ruzickova), andere glauben, dass man bei der Aufführung alter Musik auf einem modernen Cembalo nicht über den Rahmen der Aufführungsmittel hinausgehen sollte, mit denen die alten Meister geschrieben haben (dies ist die Meinung von Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, dem gleichen Rafael Puiana und anderen).

Da wir Vanloos Gemälde so viel Aufmerksamkeit geschenkt haben, stellen wir fest, dass der Künstler selbst wiederum eine Figur in einem musikalischen Porträt war: Das Cembalostück ist berühmt Französischer Komponist Jacques Dufly, der „Vanloo“ genannt wird.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750). Sein Cembalo-Erbe ist von außergewöhnlichem Wert. Meine Erfahrung, alles, was Bach für dieses Instrument geschrieben hat, in Konzerten aufzuführen, bezeugt: Sein Vermächtnis passt in fünfzehn (!) Konzertprogramme. Gleichzeitig müssen Konzerte für Cembalo und Streicher sowie viele Ensemblewerke, die ohne Cembalo undenkbar sind, getrennt betrachtet werden.

Es sollte anerkannt werden, dass bei aller Einzigartigkeit von Couperin und Scarlatti jeder von ihnen einen kultivierte individueller Stil. Bach war universell. Das bereits erwähnte „Italienische Konzert“ und die „Französische Ouvertüre“ sind Beispiele für Bachs Studium der Musik dieser nationalen Schulen. Und das sind nur zwei Beispiele, deren Namen Bachs Bewusstsein widerspiegeln. Hier können Sie seinen Zyklus hinzufügen“ Französische Suiten" Man könnte über den englischen Einfluss in seinen Englischen Suiten spekulieren. Wie viele Musikbeispiele? verschiedene Stile in jenen seiner Werke, die dies nicht in ihren Titeln widerspiegeln, sondern in der Musik selbst enthalten sind! Es gibt nichts darüber zu sagen, wie weitreichend die muttersprachliche deutsche Klaviertradition in seinem Werk synthetisiert wird.

Wir wissen nicht genau, welche Cembali Bach spielte, aber wir wissen, dass er sich für alle technischen Neuerungen interessierte (einschließlich der Orgel). Sein Interesse an der Erweiterung der Spielmöglichkeiten des Cembalos und anderer Keyboards kommt am deutlichsten zum Ausdruck berühmter Zyklus Präludien und Fugen in allen Tonarten „Das Wohltemperierte Klavier“.

Bach war ein wahrer Meister des Cembalos. I. Forkel, Bachs erster Biograph, berichtet: „Niemand konnte die unbrauchbar gewordenen Federn seines Cembalos durch neue ersetzen, damit er zufrieden war – er tat es selbst.“ Er stimmte sein Cembalo immer selbst und war in dieser Hinsicht so geschickt, dass das Stimmen nie länger als eine Viertelstunde dauerte. Mit seiner Stimmmethode standen ihm alle 24 Tasten zur Verfügung und er improvisierte mit ihnen, was er wollte.“

Schon zu Lebzeiten des genialen Schöpfers der Cembalomusik begann das Cembalo seine Stellung zu verlieren. Als Bach 1747 den König von Preußen, Friedrich den Großen, in Potsdam besuchte, gab er ihm ein Thema zum Improvisieren, und Bach improvisierte offenbar auf dem „Pianoforte“ (so hieß damals ein neues Instrument). - eine von vierzehn oder fünfzehn, die Bachs Freund, der berühmte Orgelbauer Gottfried Silbermann, für den König angefertigt hat. Bach gefiel dessen Klang, obwohl er das Klavier zuvor nicht gemocht hatte.

In seiner frühen Jugend schrieb Mozart noch für das Cembalo, doch generell ist seine Klavierarbeit natürlich auf das Klavier ausgerichtet. Verlag frühe Arbeiten Auf Beethoven wurde hingewiesen Titelseiten, dass seine Sonaten (man denke sogar an die Pathétique, die 1799 veröffentlicht wurde) „für Cembalo oder Klavier“ gedacht sind. Die Verleger griffen zu einem Trick: Sie wollten die Kunden nicht verlieren, die alte Cembali zu Hause hatten. Doch immer häufiger blieb von den Cembali nur der Korpus übrig: Die „Füllung“ des Cembalos wurde als unnötig entfernt und durch neue, Hammer-, also Klaviermechaniken ersetzt.

Da stellt sich die Frage: Warum ist dieses Instrument, das eine so lange Geschichte hat und so reichhaltig ist? künstlerisches Erbe, war gegen Ende des 18. Jahrhunderts. aus der Musikpraxis verdrängt und durch das Klavier ersetzt? Und im 19. Jahrhundert nicht nur verdrängt, sondern völlig vergessen? Und man kann nicht sagen, dass das Klavier zu Beginn dieses Prozesses, das Cembalo zu ersetzen, seine Qualitäten erfüllt hatte das beste Werkzeug. Ganz im Gegenteil! Carl Philipp Emanuel Bach, einer der ältesten Söhne Johann Sebastians, schrieb sein Doppelkonzert für Cembalo, Klavier und Orchester mit der Absicht, mit eigenen Augen die Vorzüge des Cembalos gegenüber dem Klavier zu demonstrieren.

Darauf gibt es nur eine Antwort: Der Sieg des Klaviers über das Cembalo wurde unter Bedingungen eines radikalen Wandels ästhetischer Vorlieben möglich. Barocke Ästhetik, die entweder auf einem klar formulierten oder klar empfundenen Konzept der Affekttheorie (das Wesentliche in Kürze: eine Stimmung, beeinflussen, - eine Klangfarbe), für die das Cembalo ein ideales Ausdrucksmittel war, wich zunächst der Weltanschauung des Sentimentalismus, dann einer stärkeren Richtung – dem Klassizismus und schließlich der Romantik. Bei all diesen Stilrichtungen war im Gegenteil die Idee die attraktivste und kultivierteste Variabilität- Gefühle, Bilder, Stimmungen. Und das konnte das Klavier zum Ausdruck bringen.

Dieses Instrument übernahm das Pedal mit seinen fantastischen Fähigkeiten und wurde in der Lage, unglaubliche Höhen und Tiefen im Klang zu erzeugen ( Crescendo Und Diminuendo). Das alles konnte das Cembalo prinzipiell nicht – aufgrund der Besonderheiten seiner Bauart.

Lassen Sie uns innehalten und uns an diesen Moment erinnern, damit wir unser nächstes Gespräch damit beginnen können – über das Klavier und insbesondere über das große Konzert Klavier, also das „königliche Instrument“, der wahre Herrscher aller romantischen Musik.

Unsere Geschichte vermischt Geschichte und Moderne, da sich das Cembalo und andere Instrumente dieser Familie heute aufgrund des enormen Interesses an der Musik der Renaissance und des Barock, also der Zeit, in der sie entstanden sind, als ungewöhnlich weit verbreitet und gefragt erwiesen erlebten ihr goldenes Zeitalter.