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Bericht zur Geschichte der Wissenschaften

dann das Thema „Musik Frankreichs im 18. Jahrhundert“

Schüler der 10. Klasse der Fakultät für Physik und Mathematik

Lyzeum Nr. 1525 „Spatzenberge“

Kazakova Philippa.

Das Erste, was über die Musik Frankreichs im 18. Jahrhundert gesagt werden muss, ist Folgendes
im Gegensatz zu führenden Ländern im Musikbereich (wie Deutschland,
Österreich, Spanien und Italien) konnte sich Frankreich nicht mehr rühmen
Reihe besonders berühmter Kompositionen, weder Interpreten noch reich
eine Auswahl berühmter Werke. Die berühmtesten Franzosen
Gluck gilt als Komponist dieser Zeit, stammte aber ebenfalls aus Deutschland.
Diese Situation wurde teilweise durch die Interessen der Gesellschaft bestimmt, die bestimmte
Musikstile. Betrachten wir die Entwicklung der Musik im 18. Jahrhundert.

Zu Beginn des Jahrhunderts war die sentimentale Musik der beliebteste Musikstil
Klassizismus. Es war langsame, gemächliche Musik, nicht besonders komplex.
Sie spielten es weiter Streichinstrumente. Sie begleitete meist Bälle und Feste,
Sie hörten ihr aber auch gerne in entspannter häuslicher Atmosphäre zu.

Dann begann die Lautenmusik, Merkmale und Techniken des Rokoko zu integrieren, wie z
wie ein Triller und eine Fahne. Es erhielt ein komplexeres, musikalisches Aussehen
Phrasen sind komplexer und interessanter geworden. Die Verbindung zur Musik ist immer größer geworden
Realität, fantastischer, weniger korrekt und damit näher
an den Zuhörer.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurden Elemente des Rokoko integriert
Musik, die eine bestimmte Ausrichtung annahm. Ja bald
In der Musik haben sich deutlich zwei Richtungen herausgebildet: Musik zum Tanzen und
Musik zum Singen. Tanzmusik begleitete die Bälle, Musik für
Der Gesang erklang in vertraulicher Atmosphäre. Oft Aristokraten
liebte es, zu den Klängen des heimischen Cembalos zu singen. Zur gleichen Zeit erschien dort
neu Theatergenre Comedy-Ballett, das Dialog, Tanz und kombiniert
Pantomime, Instrumentalmusik, manchmal Vokalmusik. Seine Schöpfer sind J.
B. Moliere und Komponist J. B. Lully. Das Genre hatte einen erheblichen Einfluss auf
spätere Entwicklung des Französischen Musiktheater.

Es folgt eine subtilere Trennung Musikgenres, gestartet
Marschmusik erklingt. Es war harte, laute, laute Musik. IN
Diesmal wurde weit verbreitet Schlaginstrumente(Schlagzeug u
Becken), die den Rhythmus vorgeben und dadurch das Werk berauben
Individualität der Leistung. Diese wurden auch viel genutzt
Instrumente wie die Trompete, die vor allem der Aufwertung des Gesamtbildes dienten
Musiklautstärke. Es liegt gerade am Auftritt der Schlagzeuger und ist laut
Instrumente der französischen Musik des späten 18. Jahrhunderts wurden meiner Meinung nach
besonders primitiv und nicht herausragend. Der krönende Abschluss war die Marschmusik
Erscheinen des Werkes „Marseillaise“, geschrieben von Rouget De Lisle im Jahr 1792
Jahr.

Rouget De Lisle Claude Joseph (1760–1836), französischer Militäringenieur, Dichter und
Komponist. Er schrieb Hymnen, Lieder, Romanzen. 1792 schrieb er die Komposition
„La Marseillaise“, die später zur Hymne Frankreichs wurde.

Couperin François (1668–1733) – französischer Komponist, Cembalist,
Organist. Aus einer mit der deutschen Bach-Dynastie vergleichbaren Dynastie, seit in
Zu seiner Familie gehörten mehrere Generationen von Musikern. Couperin erhielt den Spitznamen
„der große Couperin“, teils wegen seines Sinns für Humor, teils wegen
Charakter. Sein Werk ist der Höhepunkt der französischen Cembalokunst.
Couperins Musik zeichnet sich durch melodischen Einfallsreichtum, Anmut,
Perfektion der Details.

Rameau Jean Philippe (1683–1764) – französischer Komponist und Musicaldarsteller
Theoretiker. Nutzung der Errungenschaften französischer und italienischer Musik
Kulturen, die den Stil der klassizistischen Oper erheblich veränderten, vorbereitet
Opernreform von K. V. Gluck. Er schrieb die lyrischen Tragödien „Hippolytus und
Arisia“ (1733), „Castor und Pollux“ (1737), Opernballett „Gallant India“
(1735), Cembalostücke und mehr. Seine theoretischen Arbeiten sind
ein bedeutender Schritt in der Entwicklung der Harmonielehre.

Gluck Christoph Willibald (1714–1787) – berühmter Deutsch-Französischer
Komponist. Seine berühmtesten Aktivitäten waren mit dem Paris verbunden
Opernbühne, für die er seine schrieb beste Werke An
Französische Wörter. Deshalb halten es die Franzosen für französisch
Komponist. Seine zahlreichen Opern: „Artaserse“, „Demofonte“,
„Fedra“ und andere wurden in Mailand, Turin, Venedig, Cremoni gegeben.
Nachdem Gluck eine Einladung nach London erhalten hatte, schrieb er zwei
Opern: „La Caduta de Giganti“ (1746) und „Artamene“ sowie Opernmedley
(Pasticcio) „Pyram.“ Letzteres hatte großen Einfluss auf
Glucks weitere Aktivitäten. Alle Opern, die ein großer Erfolg waren
Gluck, nach italienischer Vorlage geschrieben, bestand aus mehreren Arien; V
Gluck hat sie nicht bezahlt besondere Aufmerksamkeit jemandem eine SMS schicken. Seine Oper „Pyram“ hat er
zusammengestellt aus Auszügen früherer Opern, die den größten Erfolg hatten,
Anpassung eines weiteren Textes des neuen Librettos an diese Passagen. Dies scheitert
Opern führten Gluck zu der Idee, dass nur diese Art von Musik produzieren könne
richtigen Eindruck, der in direktem Zusammenhang mit dem Text steht.
Er begann, sich in seinen nächsten Werken an dieses Prinzip zu halten,
allmählich eine ernstere Haltung gegenüber der Deklamation entwickeln,
Das Rezitativ-Arioso bis ins kleinste Detail ausarbeiten und nicht vergessen
Rezitation auch in Arien.

Der Wunsch nach einer engen Verbindung von Text und Musik ist bereits in spürbar
„Semiramis“ (1748). Aber die taktilere Hinwendung des Komponisten zur Oper,
als Musikdrama, erkennbar in „Orfeo“, „Alceste“, „Paride ed Elena“
(1761 - 64), aufgeführt in Wien. Der Reformator von Glucks Oper ist
in „Iphigenie en Aulide“, mit großem Erfolg in Paris aufgeführt (1774).
Außerdem wurden angegeben: „Armide“ (1777) und „Iphigenie en Tauride“
(1779) -

Glucks größtes Werk. G.s letzte Oper war „Echo et
Narzisse.“ Neben Opern schrieb Gluck Sinfonien, Psalmen und mehr. Alle
Gluck schrieb mehr als 50 Opern, Zwischenspiele und Ballette.

Abschließend sollten wir noch einmal die Einseitigkeit der französischen Musik betonen
18. Jahrhundert. Musikalische Kreativität war wie ein Handwerk oder ein einfaches
Hobby. Zum Basteln, da alle Werke nahezu gleicher Art und Art sind
ähnlicher Freund auf einen Freund. Ein Hobby, weil es viele Komponisten gibt
studierte Musik einfach in seiner Freizeit und füllte so sein Image
Freizeit. Nennen Sie diese Aktivität professionelles kreatives Schaffen.
es ist verboten. Sogar der damals berühmteste Komponist Frankreichs, Gluck
(der übrigens nicht gerade ein französischer Komponist war),
Kritiker nennen ihn den Komponisten eines Werkes. Verfügbar in
Ansicht „Orpheus und Eurydike“.

Quellen:

Große Enzyklopädie von Cyril und Methodius,

Enzyklopädie der klassischen Musik,

Brockhaus und Efron,

Klassische Musik (manuell),

Internet,

Kompetente Musikwissenschaftlerin Natalya Bogoslavskaya.

„Marseillaise“ ist ein französisches Revolutionslied.
Zuerst „Kampflied der Rheinarmee“, dann „Marsch“ genannt
Marseille“ oder „Marseillaise“. Unter der Dritten Republik wurde es
Nationalhymne Frankreichs (seit 14. Juli 1975 in der neuen Version aufgeführt).
Musikausgabe). In Russland „Arbeiten
Marseillaise“ (Melodie von „Marseillaise“, Text von P. L. Lawrow, veröffentlicht in
Zeitung „Forward“ 1.7.1875).

HARMONIE, Ausdrucksmittel der Musik, die auf Vereinigung basieren
Töne in Konsonanzen und die Verbindung von Konsonanzen in ihrer sequentiellen Bewegung.
Der wichtigste Konsonanztyp ist der Akkord. Harmonie wird nach bestimmten Maßstäben aufgebaut
die Gesetze der Harmonie in polyphoner Musik jeglicher Art - Homophonie,
Polyfonie. Die Elemente der Harmonie – Kadenz und Modulation – sind die wichtigsten Faktoren
musikalische Form. Die Harmonielehre ist einer der Hauptabschnitte der Theorie
Musik.

Die Traditionen der französischen Musikkultur begannen sich bereits vor dem 15. Jahrhundert zu etablieren. Es ist mit Sicherheit bekannt, dass es stark von den Kulturen der germanischen und keltischen Stämme beeinflusst wurde, die auf dem modernen Territorium Frankreichs lebten. Die Entwicklung der Musik in diesem Land erfolgte im Zusammenspiel mit der Kreativität der Völker der Nachbarländer – Italiener und Deutsche. Deshalb Französisch musikalisches Erbe Es ist so bunt und abwechslungsreich geworden.

Ursprünge

Zunächst rückte in Frankreich die Volksmusik in den Vordergrund, ohne die sich der einfache Mensch seine Existenz nicht vorstellen konnte. Mit dem Aufkommen des Christentums entstand die Kirchenmusik, die sich unter dem Einfluss des Volkes allmählich zu verändern begann.

Die berühmteste liturgische Autorin dieser Zeit heißt Hilaria aus der Provinz Poitiers. Er lebte im 3. Jahrhundert und war der klügste Theologe und Lehrer der Kirche.

Um das 10. Jahrhundert herum begann weltliche Musik an Popularität zu gewinnen. Es wird an feudalen Höfen, auf den Plätzen großer Städte und in Klöstern aufgeführt. Zu den Instrumenten gehören Trommel, Flöte, Tamburin und Laute.

Das 12. Jahrhundert war geprägt von der Eröffnung einer Musikschule in Notre Dame, der großen Pariser Kathedrale. Seine Komponisten wurden zu Schöpfern neuer Musikgenres (Dirigent, Motette).

Im 13. Jahrhundert wurde Adam de la Al zum bedeutendsten Musiker, der die Arbeit der Troubadours neu überdachte und der echten Musikkunst Platz machte. Seine interessanteste Kreation ist „Das Spiel von Robin und Marion“. Er wurde zum Autor sowohl von Gedichten als auch von Musik für dieses Stück, das am Hofe des Grafen von Artois erfolgreich aufgeführt wurde.

Ars nova – Regie Europäische Musik, das in Frankreich entwickelt wurde, wurde zum Inbegriff neuer Ideen von Musikern. Die französischen Komponisten Guillaume de Machaut und Philippe de Vitry wurden zu den wichtigsten Theoretikern dieser Zeit. De Vitry schrieb die musikalische Begleitung zum Gedicht „Die Romanze von Fauvel“, de Machaut wurde Autor der „Messe von Notre Dame“. Dies ist das erste Werk, das von einem Komponisten und nicht in Zusammenarbeit mit jemand anderem geschrieben wurde.

Renaissance

Von der Mitte des 15. bis zur zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts entwickelte sich die französische Musik unter dem Einfluss der niederländischen Schule und internen politischen Veränderungen wie dem französischen Einigungskrieg, der Errichtung eines Zentralstaates und der Entstehung des Bürgertums.

Unter dem Einfluss von Komponisten wie Gilles Benchois, Josquin Depres und Orlando di Lasso bildet sich eine neue Schicht in der Musikkunst Frankreichs. Der königliche Hof steht nicht daneben. Dort entstehen Kapellen und die Position des Oberintendanten der Musik wird etabliert. Der erste war der italienische Geiger Baltazarini di Belgioiso.

Die Blütezeit der nationalen Musikkultur kam im 16. Jahrhundert, als Chanson als Genre entstand. bedeutende Rolle erworbene Orgelmusik. Jean Titlouz wurde zum Begründer und Ideologen dieser Strömung.

Das Wirken der Hugenotten war weit verbreitet, geriet jedoch aufgrund religiöser Auseinandersetzungen in den Hintergrund. Französische Komponisten, größte Vertreter Diese Schicht, Claude Goudimel und Claude Lejeune wurden zu den Autoren von Hunderten von Psalmen. Beide litten während der Bartholomäusnacht.

17. Jahrhundert

Die Musik dieses Jahrhunderts entwickelte sich unter dem Einfluss der etablierten absoluten Monarchie. Das Hofleben unter Ludwig 15 war berühmt für seinen Prunk und Überfluss. Daher ist es nicht verwunderlich, dass unter anderem so wichtige Genres wie Oper und Ballett auftauchten.

Kardinal Mazarin befürwortete die Entwicklung einer raffinierten Kunst. Seine italienische Herkunft wurde zum Grund für die Popularisierung der Kultur dieses Landes in Frankreich. Erste Schöpfungsexperimente Nationaloper gehören Elisabeth Jacquet de la Guerre, die 1694 Cephalus und Procris schrieb.

Im Jahr 1671 eröffnet Royal Opernhaus dem Land gegeben wunderbare Komponisten. Marc-Antoine Charpentier schuf Hunderte von Werken, darunter die Opern „Orpheus‘ Höllenfahrt“, „Medea“ und „Das Urteil des Paris“. Andre Campra – Autor des Opernballetts „Gallantes Europa“, „Der Karneval von Venedig“, Musikalische Tragödien„Iphigenie in Tauris“, „Achilles und Deidamia“.

Das 17. Jahrhundert war eine Zeit der Bildung Französische Schule Cembalisten. Zu den Teilnehmern zählen Chambonnière und Jean-Henri d'Anglebert.

18. Jahrhundert

Das musikalische und gesellschaftliche Leben verändert sich in diesem Jahrhundert dramatisch. Konzertaktivitäten gehen über den Hof hinaus. Seit 1725 fanden regelmäßig öffentliche Konzerte in Theatern statt. In Paris wurden die Vereine „Amateurkonzerte“ und „Freunde des Apollo“ gegründet, in denen Amateure die Aufführung von Instrumentalmusik genießen konnten.

Die Cembalosuite erreichte ihren Höhepunkt in den 30er Jahren. François Couperin schrieb mehr als 250 Stücke für das Cembalo und erlangte nicht nur in seinem Heimatland, sondern auch im Ausland Berühmtheit. Er hat auch königliche Opern und Werke für Orgel inszeniert.

Für die Musik des 18. Jahrhunderts ist das Werk von Jean Philippe Rameau, der nicht nur ein talentierter Komponist, sondern auch ein herausragender Theoretiker auf seinem Gebiet war, von großer Bedeutung. Auch seine lyrischen Tragödien „Kastor und Pollux“, „Hippolytus und Arisia“ und die Ballettoper „Die galanten Indianer“ sind bei modernen Regisseuren gefragt.

Beinahe alles Musikalische Werke bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts waren sie entweder kirchlicher oder mythologischer Natur. Doch die Stimmung in der Gesellschaft verlangte nach neuen Interpretationen und Genres. Auf dieser Grundlage gewann die Opera buffe an Popularität, die sich von einer satirischen Seite zeigte hohe Gesellschaft und königliche Macht. Die ersten Libretti für solche Opern wurden von Charles Favard geschrieben.

Französische Komponisten des 18. Jahrhunderts hatten großen Einfluss auf den Opernstil und die musiktheoretischen Grundlagen dieser Gattung.

19. Jahrhundert

Die Große Französische Revolution brachte bedeutende Veränderungen in der Musikkultur mit sich. Militärische Blasmusik rückte in den Vordergrund. Zur Ausbildung von Militärmusikern wurden Sonderschulen eröffnet. In der Oper dominierten nun patriotische Themen mit neuen Nationalhelden.

Die Zeit der Restauration war geprägt vom Aufstieg der romantischen Oper. Der französische Komponist Berlioz ist der prominenteste Vertreter dieser Zeit. Sein erstes Programmwerk war die Fantastische Symphonie, die übertriebene Emotionalität und die typische Stimmung der Zeit widerspiegelte. Er wurde der Schöpfer der dramatischen Sinfonie „Romeo und Julia“, der Ouvertüre „König Lear“ und der Oper „Benvenuto Cellini“. In seinem Heimatland wurde Hector Berlioz zweideutig beurteilt. Damit verbunden war ein Sonderangebot kreative Art und Weise die er selbst gewählt hat. Seine Werke sind voller unglaublicher Orchestereffekte, die der Komponist als erster unter französischen Musikern einsetzte.

Die Mitte des 19. Jahrhunderts war geprägt vom Beginn der Entwicklung der Operette im Land. Doch bereits in den 1870er Jahren rückte die lyrische Musik in den Vordergrund, allerdings mit realistischen Tendenzen. Charles Gounod gilt als Begründer dieses Genres. Seine Opern – „Der Doktor wider Willen“, „Faust“ und „Romeo und Julia“ – bringen alle innovativen Entwicklungen des Komponisten zum Ausdruck.

Dutzende für die Kultur Frankreichs bedeutende Werke wurden von Georges Bizet geschaffen, der ein kurzes Leben führte. Er studierte ab seinem 10. Lebensjahr am Konservatorium und tat dies von Anfang an großer Erfolg. Er gewann mehrere bedeutende Musikwettbewerbe, die es dem Musiker ermöglichten, für mehrere Jahre nach Rom zu gehen. Nach seiner Rückkehr nach Paris beginnt Georges Bizet mit der Arbeit an der Oper seines Lebens – Carmen. Die Uraufführung fand 1875 statt. Die Öffentlichkeit akzeptierte oder verstand diese Arbeit nicht. Der Komponist starb im selben Jahr, ohne den Triumph von Carmen zu erleben.

In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts schrieben französische Komponisten unter dem Einfluss deutscher Komponisten, insbesondere Richard Wagner.

20. Jahrhundert

Das neue Jahrhundert war geprägt von der Ausbreitung des Impressionismus in der Musikkultur. Große französische Komponisten wurden Anhänger dieses Stils. Der hellste war C. Debussy. Seine Arbeit spiegelte alle Hauptmerkmale dieser Richtung wider. Die Ästhetik des Impressionismus blieb einem anderen Franzosen nicht fern. Maurice Ravel vermischte in seinen Werken verschiedene Stilrichtungen seiner Zeit.

Das 20. Jahrhundert war eine Zeit der Gründung kreativer Vereinigungen, deren Mitglieder Künstler waren. Die berühmten „Französischen Sechs“, gegründet unter der Führung von Erik Satie und Jean Cocteau, wurden zur mächtigsten Komponistengemeinschaft dieser Zeit.

Der Verein erhielt seinen Namen aufgrund der Analogie zum Russischen Komponistenverband - Ein mächtiger Haufen. Sie wurden durch den Wunsch zusammengeführt, sich von ausländischen Einflüssen (in diesem Fall deutschen) zu distanzieren und die nationale Ebene dieser Kunst zu entwickeln.

Zur Vereinigung gehörten Louis Durey („Lyrical Offerings“, „Self-Portraits“), Darius Milhaud (Oper „The Guilty Mother“, Ballett „Creation of the World“), Arthur Honegger (Oper „Judith“, Ballett „Shota Rustaveli“ ), Georges Auric (Musik für die Filme „Die Prinzessin von Kleve“, „Römische Feiertage“), Francis Poulenc (Oper „Dialoge der Karmeliter“, Kantate „Un ballo in maschera“) und Germaine Taillefer (Oper „Die kleine Meerjungfrau“) “, Ballett „Der Vogelverkäufer“).

1935 wurde ein weiterer Verein gegründet – Young France. Seine Teilnehmer waren Olivier Messiaen (Oper „St. Franziskus von Assisi“), Andre Jolivet (Ballette „Die Schöne und das Biest“, „Ariadne“).

Eine so neue Bewegung wie die musikalische Avantgarde entstand nach 1950. Ihr prominenter Vertreter und Inspirator war Pierre Boulez, der bei Messiaen studierte. Im Jahr 2010 wurde er in die Top 20 der besten Dirigenten weltweit aufgenommen.

Entwicklung zeitgenössische Kunst in Frankreich trug zu den innovativen Aktivitäten dieser Säulen bei akademische Musik wie Debussy und Ravel.

Debussy

Achille-Claude Debussy, geboren in Saint-Germain-en-Laye, mit frühe Kindheit verspürte ein Verlangen nach Schönheit. Bereits im Alter von 10 Jahren trat er in das Pariser Konservatorium ein. Das Lernen fiel ihm leicht, der Junge gewann sogar einen kleinen internen Wettbewerb. Aber Claude wurde durch den Harmonieunterricht belastet, da der Lehrer den Klangexperimenten des Jungen gegenüber ablehnend gegenüberstand.

Nach einer Studienunterbrechung unternahm Claude Debussy als Heimpianist eine Reise mit dem russischen Gutsbesitzer N. von Meck. Die auf russischem Boden verbrachte Zeit wirkte sich positiv auf Claude aus. Er genoss die Werke von Tschaikowsky, Balakirew und anderen Komponisten.

Nach Paris zurückgekehrt, setzte Debussy sein Studium am Konservatorium und das Schreiben fort. Er ist immer noch dabei, seinen eigenen Stil zu entwickeln. Der Wendepunkt in Claudes Leben war seine Bekanntschaft mit E. Satie, der mit seinen innovativen Ideen dem aufstrebenden Komponisten den Weg zeigte.

Debussys reifer Stil war 1894 vollständig ausgebildet, als er schrieb: Nachmittagsruhe Faun“, das berühmte symphonische Vorspiel.

Ravel

Maurice Ravel wurde im Süden Frankreichs geboren, zog aber schon in jungen Jahren nach Paris, um sein Lieblingshandwerk zu erlernen. Sein Lehrer war der französische Komponist und Pianist Charles de Bériot.

Wie bei Debussy wurde Maurice stark von seiner Begegnung mit Erik Satie beeinflusst. Nach ihr begann Ravel mit neuer Kraft zu komponieren, inspiriert von den Reden und Ideen des Komponisten.

Noch während seines Studiums am Konservatorium schrieb Ravel eine Reihe von Werken nach spanischen Motiven („Habanera“, „Antikes Menuett“), die von seinen Musikerkollegen positiv aufgenommen wurden. Der Stil des Komponisten war ihm jedoch einst ein grausamer Scherz. Am Wettbewerb um den prestigeträchtigen Rom-Preis durfte Ravel aus Altersgründen nicht teilnehmen. Der Komponist war jedoch noch nicht 30 Jahre alt und konnte seine Komposition ordnungsgemäss einreichen. Dies löste 1905 einen riesigen Skandal in der Musikwelt aus.

Nach dem Ersten Weltkrieg, für den Ravel sich freiwillig meldete, galt das emotionale Prinzip als das wichtigste in seinen Werken. Dies erklärt den scharfen Übergang vom Schreiben von Opern zu Instrumentalwerken (der Suite „Grab von Couperin“). Er arbeitet auch mit Sergei Diaghilew zusammen und schreibt Musik für das Ballett Daphnis und Chloe.

Gleichzeitig beginnt der Komponist mit der Arbeit an seinem bedeutendsten Werk – dem „Bolero“. Die Musik wurde 1928 fertiggestellt.

Maurice Ravels letztes Werk war „Drei Lieder“, geschrieben für Fjodor Schaljapin.

Legrand

Für den russischen Zuschauer kommt der Name eines französischen Komponisten sehr bekannt vor. Das ist Michel Legrand, der die Musik für Kultfilme geschaffen hat.

Michel Jean wurde in die Familie eines Dirigenten und Pianisten hineingeboren. Seit seiner Kindheit war der Junge von der Musikkunst fasziniert, weshalb er das Pariser Konservatorium besuchte. Nach Abschluss seines Studiums ging er in die USA, wo er begann, Musik für Filme zu schreiben.

In Frankreich arbeitete er mit den berühmten Regisseuren Jean-Luc Godard und Jacques Demy zusammen. Sein bekanntestes Werk ist die Musik zum Film „Die Regenschirme von Cherbourg“.

Hat Jazzmusik geschrieben. Seit den 1960er Jahren arbeitete er in Hollywood. Unter Berühmte Werke Komponist - Musik für „The Thomas Crown Affair“ Rückseite Mitternacht.“ Michel Legrand ist dreimaliger Oscar-Gewinner.

21. Jahrhundert

Akademische Musik ist in Frankreich immer noch gefragt. Es gibt unzählige Festivals und Auszeichnungen für Leistungen in diesem Bereich. In Paris nämlich Kulturzentrum In diesem Land gibt es das Nationale Konservatorium, die Opera Bastille, die Opera Garnier und das Théâtre des Champs-Élysées. Es gibt Dutzende von Orchestern auf der ganzen Welt.

Dank des Kinos wird die Musik französischer Komponisten einer breiten Öffentlichkeit bekannt. Neben Oper und symphonischer Musik schreiben sie auch für Filme. Dabei handelt es sich vor allem um Werke für die französische Filmindustrie, einige Komponisten erreichen aber auch internationales Niveau. Die erfolgreichsten lebenden französischen Komponisten des 21. Jahrhunderts sind:

1. Antoine Duhamel („Gestohlene Küsse“, „Belle Epoque“).
2. Maurice Jarre (Doktor Schiwago, Ein Spaziergang in den Wolken).
3. Vladimir Kosma („Injection with a Umbrella“, „Dads“).
4. Bruno Coulet („Belphegor, das Phantom des Louvre“, „Chorsänger“).
5. Louis Aubert (Opern „The Blue Forest“, „Enchanting Night“).
6. Philippe Sard („D’Artagnans Tochter“, „Prinzessin de Montpensier“).
7. Eric Serra (Soundtracks für „Leon“, „Jeanne d’Arc“, „Das fünfte Element“).
8. Gabriel Yared (Der englische Patient, Cold Mountain).

Einführung

Kapitel I. Voraussetzungen für das Aufblühen der Musik französischer Cembalisten

1 Tastenmusikinstrumente des 18. Jahrhunderts

2 Merkmale des Rokoko-Stils in Musik und anderen Formen der Kreativität

Kapitel II. Musikalische Bilder französischer Cembalisten

1 Cembalomusik von J.F. Ramo

2 Cembalomusik von F. Couperin

Abschluss

Literaturverzeichnis

Einführung

Die französische Cembaloschule erreichte ihren Höhepunkt im Werk zweier Genies – Francois Couperin und seines jüngeren Zeitgenossen Jean Philippe Rameau.

François Couperin ist ein französischer Komponist, Cembalist und Organist. Aus einer mit der deutschen Bach-Dynastie vergleichbaren Dynastie, da es in seiner Familie mehrere Generationen von Musikern gab. Couperin wurde teilweise aufgrund seines Sinns für Humor und teilweise aufgrund seines Charakters „der große Couperin“ genannt. Sein Werk ist der Höhepunkt der französischen Cembalokunst. Couperins Musik zeichnet sich durch melodischen Einfallsreichtum, Anmut und Detailgenauigkeit aus.

Jean Philippe Rameau ist ein französischer Komponist und Musiktheoretiker. Nutzung der Errungenschaften des Französischen und Italienischen Musikkulturen, veränderte den Stil der klassizistischen Oper erheblich und bereitete die Opernreform von K. V. Gluck vor. Er schrieb die lyrischen Tragödien „Hippolytus und Arisia“, „Castor und Pollux“, das Opernballett „Gallant India“, Cembalostücke und mehr. Seine theoretischen Arbeiten stellen einen bedeutenden Schritt in der Entwicklung der Harmonielehre dar.

Der Zweck dieser Kursarbeit besteht darin, Materialien über das Leben und Werk zweier großer Cembalisten zu studieren und die Merkmale ihrer Arbeit zu identifizieren.

) die Literatur zum angegebenen Thema studieren;

) Betrachten Sie die Hauptmerkmale des Rokoko-Stils;

), um die Merkmale der Arbeit der großen französischen Cembalisten F. Couperin und J.F. zu identifizieren. Ramo.

Dieses Werk ist in unserer Zeit relevant, da Rameau und Couperin einen besonderen Beitrag zur klassischen Weltmusik geleistet haben.

1.1 Tastenmusikinstrumente des 18. Jahrhunderts

Im 17. Jahrhundert waren die Mechanismen von Tasteninstrumenten wie dem Clavichord und dem Cembalo gut bekannt. Beim Clavichord wurde der Klang mit einem flachen Metallstift (Tangente) erzeugt, beim Cembalo mit einer Krähenfeder (Plektrum).

Clavichorde waren zu leise Instrumente für große Aufführungen. Und Cembali erzeugten einen ziemlich lauten Klang, hatten aber für jede einzelne Note wenig Ausdruck.

Die bedeutendsten Hersteller von Cembali im 18. Jahrhundert waren die Familie Schudis und die Familie Kirkman. Ihre Instrumente hatten einen mit Sperrholz ausgekleideten Eichenkorpus und waren vornehm starker Klang reiches Timbre. Im Deutschland des 18. Jahrhunderts war Hamburg das Hauptzentrum der Cembaloproduktion. Unter den in dieser Stadt hergestellten Instrumenten befinden sich Instrumente mit zwei und sechzehn Registern sowie mit drei Manualen. Das ungewöhnlich lange Cembalomodell wurde von J. D. Duelken entworfen, einem führenden niederländischen Meister des 18. Jahrhunderts. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts<#"justify">Viele Jahre lang war das Cembalo am beliebtesten beliebtes Werkzeug in vielen Ländern der Welt. Vom 16. bis zum 18. Jahrhundert erfreute sich das Cembalo weiterhin großer Beliebtheit. Auch nach der Erfindung des Klaviers, das einfacher und bequemer zu spielen war, verwendeten Musiker weiterhin das Cembalo. Es dauerte etwa hundert Jahre, bis Musiker das Cembalo vergaßen und zum Klavier wechselten.

Ab der Mitte des 18. Jahrhunderts begann das Cembalo an Popularität zu verlieren und verschwand bald von der Bühne. Konzerthallenüberhaupt. Erst Mitte des 19. Jahrhunderts erinnerten sich Musiker daran, und mittlerweile haben viele Musikschulen damit begonnen, Cembalospieler auszubilden.

2 Merkmale des Rokoko-Stils in Musik und anderen Formen der Kreativität

Rokoko ist ein Kunststil, der seinen Ursprung in Frankreich hat<#"justify">Die Entstehung des Rokoko-Stils war auf Veränderungen in der Philosophie, im Geschmack und im höfischen Leben zurückzuführen. Die ideologische Grundlage des Stils ist ewige Jugend und Schönheit, galante und melancholische Anmut, Realitätsflucht, der Wunsch, sich in ländlicher Idylle und ländlicher Freude vor der Realität zu verstecken. Der Rokoko-Stil hat seinen Ursprung in Frankreich und verbreitete sich in anderen Ländern: Italien, Deutschland, Russland, der Tschechischen Republik und anderen. Dies gilt für die Malerei und andere Kunstformen.

Die Rokoko-Malerei manifestierte sich am deutlichsten in Frankreich und Italien. Statt Kontraste und helle Farben In der Malerei erschien eine andere Farbpalette: helle Pastellfarben, Rosa, Bläulich, Lila. Das Thema wird von Pastoralen dominiert<#"justify">Kapitel II. Musikalische Bilder französischer Cembalisten

2.1 Cembalomusik von J. Rameau

Rameau wurde unter professionellen Musikern in einer der ältesten Gegenden der Welt geboren und wuchs dort auf Musikzentren Frankreich - die Stadt Dijon, in der Familie eines Organisten. Sein Geburtstag ist unbekannt, aber er wurde am 25. September 1683 getauft. Die Hauptstadt Burgunds ist seit langem als eines der ältesten Zentren bekannt französische Musik. Jean Rameau, der Vater, war dort Organist an der Kathedrale Notre Dame de Dijon und war offenbar der erste musikalische Mentor eines von ihnen größten Komponisten Frankreich. Zu dieser fernen Zeit etablierte sich der Heimmusikunterricht als eine Art Musikunterricht fast überall unerschütterliche Tradition und umgekehrt, künstlerische Verbesserung junger Mann in Musik Bildungseinrichtung schien eine sehr seltene Ausnahme zu sein. ZU Geisteswissenschaften Der junge Rameau trat dem Jesuitenkolleg bei, das er vier Jahre lang besuchte. Informationen bestätigt durch dokumentarisches Material über Jugend Jean Philippe, spärlich. Es ist sicher bekannt, dass er im Alter von achtzehn Jahren auf Initiative seines Vaters dorthin ging Musikalische Bildung nach Italien, ohne jedoch weiter als nach Mailand zu gehen.

Zu dieser Zeit erregte die italienische Musik die Aufmerksamkeit aller, sowohl aufgrund der Entstehung eines neuen Genres des französischen Musiktheaters (Das Comic-Ballett der Königin wurde unter Beteiligung von Italienern aufgeführt) als auch aufgrund der proitalienischen Politik der Könige Valois-Dynastie. Im 17. Jahrhundert kam es zu einer theoretischen Debatte über italienische und französische Musik zwischen dem italienischstämmigen Abbé Raguenet und dem gallomanischen Lecerf de la Vieville. Einige Monate später kehrte Rameau nach Frankreich zurück, wo er in einer sehr bescheidenen Rolle als Geiger in den Truppen reisender Komiker auftrat – dieselben, die in den Werken von Antoine Watteau mit erstaunlicher Genauigkeit und Poesie dargestellt werden. Dies war eine sehr bedeutsame Zeit im Leben des Künstlers: Er trat bei Volkstheater, Oper, Ballett. Vielleicht entstanden in diesen Jahren melodische Abbilder einiger seiner Cembalostücke in der Violinstruktur.

Seit 1702 tritt Rameau in einer neuen Rolle auf – als Kirchenorganist einiger Provinzstädte – Avignon, Clermont-Ferrand, wo seine ersten Kantaten – „Medea“ und „Ungeduld“ – geschrieben wurden. 1705 trat er erstmals in der Hauptstadt auf, wo er in zwei kleinen Kirchen spielte; 1706 veröffentlichte er das erste Notizbuch seiner Cembalostücke. Musical Paris empfing den Neuling gleichgültig, wenn nicht sogar kalt, trotz der unzähligen und erstaunlichen Schönheiten, mit denen die erste Suite in a-Moll seiner Cembalostücke (mit dem berühmten Präludium ohne Taktstrich) im wahrsten Sinne des Wortes funkelt und funkelt.

Zu Beginn der zweiten Pariser Periode beschritt Rameau den Weg des Musiktheaters. Alles im Leben war für ihn schwierig und dieser Weg erwies sich als dornig. Auf der Suche nach einem Libretto griff er 1727 wiederholt auf den berühmten de la Motte zurück. Einer von Rameaus Briefen an diesen Librettisten ist eine wahrhaft klassische Darstellung seiner opernästhetischen Theorie. Der von Lullys Schülern über alle Maßen verwöhnte Favorit der Royal Opera hielt es jedoch nicht einmal für nötig, auf diese Nachrichten zu antworten. Rameau komponierte weiter. Im Anschluss an die zweite erschien ein drittes Notizbuch mit Cembalostücken und neuen Kantaten – „Aquilon und Oritia“ und „Der treue Hirte“. Im Jahr 1732 – dem Jahr, in dem Joseph Haydn geboren wurde, als François Couperin seine letzten Tage verbrachte und Voltaire „Zaire“ schrieb – erschien Rameau im selben Jahr im Salon des damals allmächtigen Philanthropen, Generalsteuerpächters Alexandre la Pupliniere. Hier traf er seinen ersten Librettisten, Abbé Pellegrin, und lernte ihn kennen der größte Dichter und der Dramatiker des damaligen Frankreichs, der gestrige Gefangene der Bastille - Francois Marie Arouet-Voltaire.

Aus dieser Bekanntschaft entwickelte sich eine Zusammenarbeit zwischen den beiden herausragende Künstler, es hatte die wichtigste Leitbedeutung für Rameau: Der Komponist verdankte ihm viel für seine Entwicklung zur größten Musikfigur des vorrevolutionären Klassizismus des 18. Jahrhunderts.

Die Zusammenarbeit mit Voltaire hatte einen entscheidenden Einfluss auf Rameau, sie trug zur endgültigen Gestaltung seiner Ästhetik, seiner Ansichten über das Theater, seiner Dramaturgie, Genres und, wie man annehmen kann, seines Rezitativstils bei, dessen unwiderstehlicher Einfluss bis ins Französische reicht Musik von heute.

Rameaus Element war der Tanz, in den er, während er die Züge der Galanterie beibehielt, Temperament, Witz und rhythmische Intonationen des Folk-Genres einführte, die er in seiner Jugend auf der Bühne von Jahrmärkten hörte. Zunächst klangen sie in seinen Cembalostücken herb, manchmal trotzig, und von da an betraten sie das Opernhaus und traten in einem neuen Orchestergewand vor dem Publikum auf.

Seine Cembalospiele wurden von fast allen Virtuosen Europas aufgeführt, und die vornehmsten Familien der französischen Aristokratie bestritten untereinander das Recht, ihre Kinder bei ihm zu unterrichten. Es war eine brillante Karriere.

Rameau ist im Gegensatz zur Kammermusik charakteristisch für die Cembalomusik. Traditionen des Genres, großer Strich. Er neigt nicht zu feinen Details. Seine Musik zeichnet sich durch helle Charakteristika aus, man spürt sofort die Handschrift eines geborenen Theaterkomponisten („Chicken“, „Savages“, „Cyclopes“).

Neben den wunderbaren Cembalostücken schrieb Rameau viele „ lyrische Tragödien“, sowie die innovative „Abhandlung über die Harmonie“, die ihm den Ruf eines bedeutenden Musiktheoretikers einbrachte.

Rameau war schon in jungen Jahren mit dem Theater verbunden und schrieb Musik für Messeaufführungen. Er begann erst sehr spät, bereits mit fünfzig Jahren, Opernwerke aufzuführen. Das erste Werk, „Samson“, basierend auf Voltaires Libretto, kam wegen der biblischen Handlung nicht auf die Bühne.

Ein bedeutender Bereich von Rameaus Schaffen ist die Cembalomusik. Der Komponist war ein hervorragender Improvisator. In den Jahren 1706, 1722 und etwa 1728 wurden 5 Suiten veröffentlicht, in denen sich Tanzstücke (Allemande, Courante, Menuett, Sarabande, Gigue) mit charakteristischen Stücken abwechselten, die ausdrucksstarke Namen hatten: „Zärtliche Beschwerden“, „Gespräch der Musen“, „Wilde“. ”, „Whirlwinds“ und andere Werke.

Seine besten Stücke zeichnen sich durch hohe Spiritualität aus – „Bird Calling“, „Peasant Woman“, aufgeregte Begeisterung – „Gypsy“, „Princess“ und eine subtile Kombination aus Humor und Melancholie – „Chicken“, „Hromusha“. Rameaus Meisterwerk sind die Gavotte und Variationen, in denen das raffinierte Tanzthema allmählich an Schärfe gewinnt. Dieses Stück spiegelte die spirituelle Bewegung der Zeit wider: von der raffinierten Poesie galanter Festlichkeiten in Watteaus Gemälden bis zum revolutionären Klassizismus in Davids Gemälden. Neben Solosuiten schrieb Rameau 11 Cembalokonzerte, begleitet von Kammerensembles.

Rameau wurde seinen Zeitgenossen zunächst als Musiktheoretiker und dann als Komponist bekannt. Als Kosmetiker verteidigte er die führende Theorie seiner Zeit – die Theorie der Kunst als Nachahmung der Natur. Bei der Erforschung der Harmoniegesetze ging er im Wesentlichen von einem materialistischen Verständnis von Klang und Klangempfindungen (natürliche Skala als Phänomen der physischen Welt) aus. Er verlangte, dass der Musiker praktische Erfahrungen mit den Mitteln der Vernunft und des Intellekts prüft und begreift. Rameau verallgemeinerte und begründete theoretisch die Tertian-Struktur, die Umkehrung von Akkorden, führte das Konzept des „harmonischen Zentrums“ (Tonika) sowie der dominanten und insbesondere subdominanten Funktionen ein.

2 Cembalomusik von F. Couperin

François Couperin wurde am 10. November 1668 in Paris erblich geboren musikalische Familie Kirchenorganist Charles Couperin. Seine Fähigkeiten zeigten sich früh; sein erster Lehrer war sein Vater; Dann Musikstunden unter der Leitung des Organisten J. Tomlen fortgesetzt. 1685 übernahm François Couperin die Stelle des Organisten an der Kirche Saint-Gervais, wo zuvor sein Großvater Louis Couperin und sein Vater gearbeitet hatten. Ab 1693 begann auch François Couperin seine Tätigkeit am königlichen Hof – zunächst als Lehrer, dann als Organist. Hofkapelle, Kammermusiker (Cembalist).

Seine Aufgaben waren vielfältig: Er trat als Cembalist und Organist auf, komponierte Musik für Konzerte und für die Kirche, begleitete Sänger und gab Mitgliedern der königlichen Familie Musikunterricht. Gleichzeitig gab er den Privatunterricht nicht auf und behielt seine Position als Organist in der Kirche Saint-Gervais. Obwohl Couperins Lebenszeit und posthumer Ruhm hauptsächlich mit seinen Verdiensten als Komponist und Cembalist verbunden sind, schrieb er viele Werke für Kammerensemble (Konzerte, Triosonaten), und zu seinen geistlichen Werken gehören zwei Orgelmessen, Motetten und die sogenannte „ L eçons des Ténèbres“ („ Nachtlesungen"). Fast sein gesamtes Leben verbrachte Couperin in der Hauptstadt Frankreichs oder in Versailles. Über ihn sind nur sehr wenige biografische Details erhalten.

Sein Musikrichtung entstand hauptsächlich in den Traditionen der französischen Cembalistenschule, wie der Inhalt seiner Abhandlung „Die Kunst, das Cembalo zu spielen“ voll und ganz bestätigt. Gleichzeitig erreichte das französische Cembalo im Werk Couperins einen hohen Reifegrad: darin der beste Weg Nahezu alle künstlerischen Möglichkeiten, die sich in dieser kreativen Schule ergeben, wurden offenbart. Wenn Jean Philippe Rameau in diesem Sinne weiter ging als Couperin, dann hatte er bereits eine Art Teilrevision der Traditionen des Cembalotums begonnen – sowohl in figurativer als auch in kompositorischer Hinsicht.

Insgesamt schrieb Couperin mehr als 250 Stücke für das Cembalo. Mit wenigen Ausnahmen wurden sie in die Sammlungen von 1713, 1717, 1722 und 1730 aufgenommen. Diese Stücke zeichnen sich durch erstaunliche Einheit und Integrität aus. künstlerischer Stil. Es ist schwierig, überhaupt zu spüren, wie genau das auf lange Sicht ist kreative Entwicklung Komponist. Ist es nur so, dass der Präsentationsstil im Laufe der Jahre etwas strenger geworden ist, die Linien etwas größer geworden sind, die Manifestation von Galanterie weniger auffällig geworden ist und die direkte Abhängigkeit vom Tanz abgenommen hat?

In Couperins frühen Werken sind bestimmte Tänze (mit Bezeichnungen: Allemande, Courante, Sarabande, Gigue, Gavotte, Menuett, Kanarienvogel, Paspier, Rigaudon), teilweise mit programmatischen Untertiteln, häufiger anzutreffen. Mit der Zeit werden es weniger davon, aber bis den letzten Jahren Der Komponist hat eine Allemande, eine Sarabande, ein Menuett, eine Gavotte, ganz zu schweigen davon Tanzbewegungen in Programmstücken ohne Bezeichnung des einen oder anderen Tanzes. Ohne mit dem Tanz (einschließlich der traditionellen Tänze der Suite), insbesondere mit dem Prinzip des Tanzes in der Komposition seiner kleinen Stücke, zu brechen, fasst Couperin diese jedoch nicht zu Suiten zusammen. Die Aneinanderreihung mehrerer Stücke (von vier bis vierundzwanzig) nennt er „Ordre“, also Aufeinanderfolge, Reihe. Dabei wird nicht irgendeine typische Konstruktion des Ganzen betont, sondern jeweils ein freier Wechsel von fünf, sechs, sieben, acht, neun, zehn (selten mehr) Stücken, ohne stabile Funktionen der Teile. Vier Sammlungen enthalten 27 solcher „Zeilen“. In jedem von ihnen gibt es im Prinzip keine Haupt- oder Nebenteile, es gibt keine obligatorischen Kontrastvergleiche, sondern gerade der Wechsel der Miniaturen erscheint wie eine Girlande aus ihnen, die sowohl breiter als auch bescheidener eingesetzt werden kann - je nach Plan des Komponisten. Gleichzeitig soll in dieser leichten Serie anmutiger, fesselnder, lustiger, witziger, brillanter, farbenfroher, charakteristischer, ja sogar Porträt- oder Genrebilder nichts langweilig werden. Daher sind die Stücke in jedem Ordre mit unaufdringlicher Vielseitigkeit ausgewählt, ohne jedoch die allgemeine künstlerische Harmonie zu verletzen, die der gute Geschmack erfordert (den Couperin über alles schätzte). Selbstverständlich sind hier zahlreiche individuelle Lösungen möglich, was letztlich das Grundprinzip solcher Kompositionen ist.

Die Stücke selbst haben, wie früher bei Cembalisten, einen einheitlichen Bildcharakter, sei es ein prägendes Merkmal einer Erscheinung (meist einer Frau), sei es eine Porträtskizze („nominale“ Stücke), sei es ein poetisches Naturphänomen , ein Genre, ein Ausdruck bestimmter Emotionen, eine mythologische Figur, eine Szene oder Situation, die eindeutig vom Opern- und Balletttheater inspiriert ist. Und überall ist Couperins Musik elegant, voller Verzierungen; mal rhythmisch skurril, wechselhaft, mal tanzbarer; schlanke Form; ausdrucksstark, aber ohne Affektiertheit; wenn majestätisch, dann ohne viel Pathos; wenn zärtlich, dann ohne viel Sensibilität; wenn fröhlich und dynamisch, dann ohne Urgewalt; wenn sie traurige oder „düstere“ Bilder verkörpert, dann mit edler Zurückhaltung.

Der Komponist bestätigt, dass er seine Musik auch in der Porträtmalerei immer im übertragenen Sinne gedacht hat. In Übereinstimmung mit den ästhetischen Normen der Zeit und insbesondere der Umgebung, in der Couperin arbeitete, verbanden seine Bilder – „Porträts“ – in unterschiedlichem Maße echte Genauigkeit mit Konvention. Und je höher die gesellschaftliche Stellung des „Dargestellten“ war, desto mehr war der Künstler daran gebunden.

Derzeit sind viele konkrete Persönlichkeiten bekannt, deren Namen in den Titeln von Couperins Stücken auftauchen. Dabei handelte es sich meist um Ehefrauen oder Töchter von Adligen oder Musikern (G. Garnier, A. Forcret, J.B. Marais), mit denen der Komponist kommunizierte.

Couperins musikalisches Schreiben ist in all seinen Feinheiten äußerst entwickelt und überraschend stilvoll. Unter gewissen ästhetischen Einschränkungen und Konventionen findet er vielfältige, ja extreme Ausdrucksmöglichkeiten auf dem Cembalo. „Das Cembalo selbst ist ein brillantes Instrument, ideal in seinem Tonumfang, aber da das Cembalo die Klangstärke weder erhöhen noch verringern kann, werde ich denen immer dankbar sein, die es dank ihrer unendlich perfekten Kunst und ihres Geschmacks schaffen es ausdrucksstark. Das war es auch, was meine Vorgänger anstrebten, ganz zu schweigen von der hervorragenden Komposition ihrer Stücke. Ich habe versucht, ihre Entdeckungen zu verbessern“, schrieb Couperin zu Recht im Vorwort zur ersten Sammlung von Cembalostücken.

Im Vergleich zu seinen Vorgängern nutzt Couperin die Möglichkeiten des Cembalos viel umfassender aus, verwaltet die Klänge im gesamten Tonumfang freier und verfügt über zwei Manuale. großes Werkzeug(Die Stücke „Crois“ sind speziell für sie konzipiert ee", d. h. mit Kreuzungen), entwickelt umfassend die Cembalostruktur, aktiviert die Stimmführung (mit der bestimmenden Bedeutung der homophonen Struktur), steigert die Gesamtdynamik innerhalb des Stücks und legt großen Wert auf die Verzierung. Dadurch erweist sich das musikalische Gefüge seiner Werke als raffiniert und transparent zugleich, mal exquisit verziert, gespickt mit feinsten Intonationsstrichen, mal voller leichter Bewegung bei relativer Einfachheit gemeinsame Linien. Am schwierigsten ist es, seine Cembalokompositionen auf irgendwelche Typen oder Normen zu reduzieren. Der Hauptreiz liegt hier in der Beweglichkeit, der Entstehung unzähliger Varianten musikalischer Komposition, bestimmt durch figurative Nuancen. Das detaillierteste, Schmuck war die „spitzenartige“ Entwicklung der Textur äußerst wichtig, die von Couperin durchgeführt wurde.

Spezieller Ort In Couperins Werk nimmt die in Ordre VIII enthaltene Passacaglia in h-Moll einen festen Platz ein – vielleicht das tiefgründigste und gefühlvollste Werk unter seinen Stücken für Cembalo. Umfangreich (174 Takte), sehr klar komponiert, ist es ein Rondo mit acht Versen. Das Rondo-Thema selbst ist wunderschön – streng, zurückhaltend, akkordisch, auf einem chromatisch aufsteigenden Bass: ein Achttakt aus zwei identischen Viertakten:

Diese Maßhaftigkeit, Gewichtigkeit und dieser Moll-Charakter werden harmonisch besonders betont: Durch die sanfte Gesangsdarbietung erreicht man in aller Ruhe harmonische Schärfe und subtile Farbwechsel, die sich in der Melodie widerspiegeln und bis ins melodische Moll zurückgehen. Der allgemeine Charakter des Klangs ist nachhaltig – ernst und wäre hart, wenn es nicht diese sanften harmonischen Modulationen gäbe. Die Verse nehmen den Eindruck des völlig dominanten Themas nicht auf. Sie offenbaren den erstaunlichen Reichtum der Fantasie des Komponisten – und wahren gleichzeitig die künstlerische Integrität des Stücks.

Die subtile Raffinesse vieler von Couperins Stücken steht auf ihre eigene Weise im Kontrast zu seinen wenigen, aber immer noch spürbaren figurativen Verkörperungen des heroischen Prinzips, des militanten Aufschwungs und des siegreichen Triumphs. In den Stücken „Triumph“ und „Trophäe“ kommt dieses Heldentum nicht nur in einer einfachen und lapidaren Form zum Ausdruck, sondern sogar in einer typischen Intonationsstruktur (Fanfaren, Signale).

Couperins Fähigkeit, aus einem System ähnlicher oder verwandter Präsentationstechniken vielfältige künstlerische Ergebnisse zu extrahieren, ist erstaunlich. Sehr eigenartig ist beispielsweise seine Tendenz, die Melodie während des gesamten (oder fast gesamten) Stücks in einer tiefen, als ob Tenorlage zu leiten, was uns bereits in der Miniatur „Kleine Trauer“ begegnet ist, und auch – in einer kompletten anders - im großen Rondo „Geheimnisvolle Hindernisse“. In anderen Fällen dienen ihm solche Registerfarben entweder dazu, seine natürliche Männlichkeit auszudrücken („Sylvans“), oder sie vermitteln das Rauschen der Wellen und führen ihn in eine besondere poetische Atmosphäre ein. („Wellen“), dann erweisen sie sich auch für die Verkörperung sehr unterschiedlicher weiblicher Bilder als notwendig. Das letzte ist besonders überraschend. Allerdings das sanfte, reine, etwas von Leidenschaften losgelöste Bild von „Angelica“, das raffinierte, sogar träge kapriziöse Bild von „Seducing“ und die wunderbaren, gleichsam erregenden Texte von „Touching“ – mit allen Unterschieden in den gewählten Mitteln des Ausdrucks - werden durch diese tiefere Farbe als gewöhnlich perfekt abgeschattet:

Dem Komponisten ging es darum, auf dem Cembalo vor allem die für dieses Instrument charakteristischen Vortragstechniken zu beobachten. Generell gilt, dass das, was auf der Violine in einer Violinsonate möglich ist, in der Cembalomusik begrenzt sein sollte, fand er. „Wenn es unmöglich ist, den Klang auf dem Cembalo zu verstärken, und wenn die Wiederholung des gleichen Klangs nicht so gut zu ihm passt, hat es seine Vorteile – Genauigkeit, Klarheit, Brillanz, Reichweite.“

Couperins Zeitgenossen waren die französischen Cembalisten Louis Marchand, G. Le, J. F. Dandrieu und einige andere. Ihre Kunst entwickelte sich in die gleiche Richtung wie die kreative Schule mit einer Vorliebe für kleinformatige Programmstücke, mit einem Interesse an traditionellen und neuen Tänzen. Und obwohl jeder von ihnen auf seinem Weg seine eigenen individuellen Errungenschaften vorzuweisen hatte, drückte Couperins Werk zweifellos seine Zeit mit der größten Vollständigkeit aus, die dem Cembalo in seiner spezifisch französischen Brechung zur Verfügung stand.

Literaturverzeichnis

Couperin Rameau, französischer Cembalist

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2.Rozenschild K.K. Musik in Frankreich im 17. – frühen 18. Jahrhundert. Moskau, 1979. 168 S.

Livanova T.N. Westeuropäische Musik des 17.-18. Jahrhunderts unter den Künsten. Moskau, 1977, 528 S.

Gerufen wird ein Musiker, der musikalische Werke sowohl auf dem Cembalo als auch auf seinen Varietäten aufführt Cembalist.

Herkunft

Die früheste Erwähnung eines Cembaloinstruments findet sich in einer Quelle aus dem Jahr 1397 aus Padua (Italien), das früheste bekannte Bild befindet sich auf einem Altar in Minden (1425). Als Soloinstrument blieb das Cembalo bis zum Ende des 18. Jahrhunderts in Gebrauch. Etwas länger wurde es zur Wiedergabe von Digitalbassinstrumenten und zur Begleitung von Rezitativen in Opern verwendet. Um 1810 wurde es praktisch nicht mehr genutzt. Die Wiederbelebung der Kultur des Cembalospiels begann im Jahr Wende XIX-XX Jahrhunderte.

Die Cembali aus dem 15. Jahrhundert sind nicht erhalten. Den Bildern nach zu urteilen, waren es diese kurze Werkzeuge mit schwerem Körper. Die meisten erhaltenen Cembali aus dem 16. Jahrhundert wurden in Italien hergestellt, wo Venedig das Hauptproduktionszentrum war.

Sie verfügten über ein 8‘-Register (seltener zwei Register 8‘ und 4‘) und zeichneten sich durch ihre Anmut aus. Ihr Körper bestand meist aus Zypressen. Der Anschlag dieser Cembali war klarer und der Klang abrupter als bei späteren flämischen Instrumenten.

Das wichtigste Zentrum der Cembaloproduktion in Nordeuropa war Antwerpen, wo seit 1579 Vertreter der Familie Ruckers arbeiteten. Ihre Cembali haben längere Saiten und einen schwereren Korpus Italienische Instrumente. Ab den 1590er Jahren wurden in Antwerpen Cembali mit zwei Manualen hergestellt. Französische, englische und deutsche Cembali des 17. Jahrhunderts vereinen Merkmale flämischer und niederländischer Vorbilder.

Einige französische zweimanualige Cembali mit Walnusskorpus sind erhalten. Ab den 1690er Jahren wurden in Frankreich Cembali des gleichen Typs wie Ruckers-Instrumente hergestellt. Unter den französischen Cembalomeistern ragte die Blanchet-Dynastie heraus. Im Jahr 1766 wurde Blanchets Werkstatt von Taskin geerbt.

Die bedeutendsten englischen Cembalohersteller im 18. Jahrhundert waren die Shudys und die Familie Kirkman. Ihre Instrumente hatten einen mit Sperrholz ausgekleideten Eichenkorpus und zeichneten sich durch einen kräftigen Klang mit reichem Timbre aus. Im Deutschland des 18. Jahrhunderts war Hamburg das Hauptzentrum der Cembaloproduktion; In dieser Stadt werden unter anderem Instrumente mit 2‘‘ und 16‘‘ Registern sowie mit 3 Manualen hergestellt. Das ungewöhnlich lange Cembalomodell wurde von J.D. Dulken entworfen, einem führenden niederländischen Meister des 18. Jahrhunderts.

In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts begann man mit der Erneuerung des Cembalos. Um 1809 stellte die Firma Kirkman ihr letztes Cembalo her. Der Initiator der Wiederbelebung des Instruments war A. Dolmech. Er baute sein erstes Cembalo 1896 in London und eröffnete bald Werkstätten in Boston, Paris und Haslemere.

Die Produktion von Cembali wurde auch von den Pariser Firmen Pleyel und Erard aufgenommen. Pleyel begann mit der Herstellung eines Modells eines Cembalos mit einem Metallrahmen, der dicke, gespannte Saiten trug; Wanda Landowska bildete eine ganze Generation von Cembalisten auf Instrumenten dieser Art aus. Die Bostoner Meister Frank Hubbard und William Dowd waren die ersten, die antike Cembali kopierten.

Gerät

Es hat die Form eines länglichen Dreiecks. Seine Saiten sind horizontal parallel zu den Tasten positioniert.

Am Ende jeder Taste befindet sich ein Drücker (oder Jumper). Am oberen Ende des Drückers befindet sich eine Zunge, in der ein Plektrum (Zunge) aus Federn befestigt ist (bei vielen modernen Instrumenten aus Kunststoff), direkt über dem Plektrum befindet sich ein Dämpfer aus Filz oder weichem Leder. Wenn Sie eine Taste drücken, hebt sich der Drücker und das Plektrum zupft die Saite. Wenn die Taste losgelassen wird, ermöglicht der Entriegelungsmechanismus dem Plektrum, an seinen Platz unter der Saite zurückzukehren, ohne die Saite erneut zu zupfen. Die Schwingung der Saite wird durch einen Dämpfer gedämpft.

Für die Registrierung, d.h. Ändert die Stärke und Klangfarbe des Klangs mithilfe von Hand- und Fußschaltern. Es ist unmöglich, die Lautstärke eines Cembalos sanft zu erhöhen und zu verringern. Im 15. Jahrhundert betrug der Tonumfang des Cembalos 3 Oktaven (in der unteren Oktave fehlten einige chromatische Noten); im 16. Jahrhundert wurde es auf 4 Oktaven (C - c«`) erweitert, im 18. Jahrhundert auf 5 Oktaven (F' - f').

Ein typisches deutsches oder niederländisches Cembalo aus dem 18. Jahrhundert verfügt über 2 Manuale (Klaviaturen), 2 Sätze 8'-Saiten und einen Satz 4'-Saiten (die eine Oktave höher klingen), die einzeln oder zusammen verwendet werden können, sowie eine manuelle Kopulation Mechanismus. Ende der 1750er Jahre kamen Fuß- und Knieregisterschalter auf den Markt. Die meisten Instrumente verfügen über ein sogenanntes Lautenregister mit einem charakteristischen nasalen Timbre (um es zu erhalten, werden die Saiten mit einem speziellen Mechanismus durch Leder- oder Filzhöcker leicht gedämpft).

Komponisten, die Cembalomusik komponierten

Francois Couperin der Große
Louis Couperin
Louis Marchand
Jean-Philippe Rameau
Johann Sebastian Bach
Johann Pachelbel
Dietrich Buxtehude
Girolamo Frescobaldi
Johann Jacob Froberger
Georg Friedrich Händel
William Bird
Henry Purcell
Johann Adam Reinecke
Dominico Scarlatti
Alessandro Scarlatti
Matthias Weckmann
Dominico Zipoli

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Ab der Mitte des 17. Jahrhunderts ging die Vorrangstellung in der Entwicklung der Tastenmusik von den englischen Virginalisten auf die französischen Cembalisten über. Lange Zeit, fast ein Jahrhundert, war diese Schule die einflussreichste in Westeuropa. Sein Vorfahre wird berücksichtigt Jacques Chambonnière, bekannt als hervorragender Orgel- und Cembalospieler, talentierter Lehrer und Komponist.

Konzerte mit Cembalomusik fanden in Frankreich meist in aristokratischen Salons und Palästen statt, nach leichtem Smalltalk oder Tanz. Eine solche Umgebung war einer vertieften und ernsthaften Kunst nicht förderlich. In der Musik wurden anmutige Raffinesse, Raffinesse, Leichtigkeit und Witz geschätzt. Gleichzeitig wurden kleinformatige Theaterstücke bevorzugt – Miniaturen. „Nichts Langwieriges, Langwieriges oder zu Ernstes.“- das war das ungeschriebene Gesetz, dem französische Hofkomponisten folgen sollten. Es überrascht nicht, dass sich französische Cembalisten selten großen Formen und Variationszyklen zuwandten – sie tendierten eher dazu Suite, bestehend aus Tanz- und Programmminiaturen.

Die Suiten französischer Cembalisten sind im Gegensatz zu den ausschließlich aus Tanznummern bestehenden deutschen Suiten freier aufgebaut. Sie verlassen sich eher selten auf die strenge Reihenfolge Alemand – Courante – Sarabande – Gigue. Ihre Komposition kann alles sein, manchmal unerwartet, und die meisten Stücke haben einen poetischen Titel, der die Absicht des Autors offenbart.

Die Schule der französischen Cembalisten wird durch die Namen L. Marchand, J.F. Dandrieu, F. Dazhenkura, L.-C. Daquin, Louis Couperin. Am erfolgreichsten waren diese Komponisten mit elegant pastoralen Bildern („Cuckoo“ und „Swallow“ von Daken; „Bird Cry“ von Dandrieu).

Die französische Cembaloschule erreichte ihren Höhepunkt im Werk zweier Genies – Francois Couperin(1668–1733) und sein jüngerer Zeitgenosse Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Zeitgenossen nannten François Couperin „François den Großen“. Keiner ihrer Cembalisten konnte mit ihm an Popularität mithalten. Er wurde in eine erbliche Musikerfamilie hineingeboren und verbrachte fast sein ganzes Leben in Paris und Versailles als Hoforganist und Musiklehrer für königliche Kinder. Der Komponist arbeitete in vielen Genres (mit Ausnahme des Theaters). Der wertvollste Teil seines kreativen Erbes sind 27 Cembalosuiten (ca. 250 Stücke in vier Sammlungen). Es war Couperin, der den französischen Suite-Typ begründete, der sich von deutschen Vorbildern unterschied und überwiegend aus Programmstücken bestand. Darunter sind Naturskizzen („Schmetterlinge“, „Bienen“, „Schilf“) und Genreszenen – Bilder des Landlebens („Reapers“, „Grape Pickers“, „Strickers“); aber vor allem viele musikalische Porträts. Dabei handelt es sich um Porträts von Damen der Gesellschaft und einfachen jungen Mädchen – namenlos („Geliebte“, „Die Einzige“) oder im Titel von Theaterstücken genannt („Prinzessin Mary“, „Manon“, „Schwester Monica“). Oft malt Couperin keine bestimmte Person, sondern eine menschliche Figur („Fleißig“, „Frolic“, „Anemone“, „Touchy“) oder versucht sogar, verschiedene nationale Charaktere auszudrücken („Spanish Woman“, „French Woman“). Viele von Couperins Miniaturen stehen den populären Tänzen dieser Zeit nahe, zum Beispiel dem Glockenspiel und dem Menuett.

Die Lieblingsform von Couperons Miniaturen war Rondo.

Wie bereits erwähnt, stammt die Musik der Cembalisten aus einem aristokratischen Umfeld und war für dieses gedacht. Es stand im Einklang mit dem Geist der aristokratischen Kultur, daher die äußere Anmut in der Gestaltung des thematischen Materials und die Fülle an Ornamenten, die das charakteristischste Element des aristokratischen Stils darstellten. Die Vielfalt der Verzierungen ist von Cembalowerken bis hin zum frühen Beethoven untrennbar miteinander verbunden.

Cembalomusik Ramo Charakteristisch ist, entgegen den Kammertraditionen des Genres, ein großer Schlaganfall. Er neigt nicht zu feinen Details. Seine Musik zeichnet sich durch helle Charakteristika aus, man spürt sofort die Handschrift eines geborenen Theaterkomponisten („Chicken“, „Savages“, „Cyclopes“).

Zusätzlich zu seinen bemerkenswerten Cembalostücken schrieb Rameau viele „lyrische Tragödien“ sowie die innovative „Abhandlung über die Harmonie“ (1722), die ihm den Ruf eines bedeutenden Musiktheoretikers einbrachte.

Mit dem Namen ist die Entwicklung der italienischen Tastenmusik verbunden Domenico Scarlatti.

Programmatische Werke sind solche, die eine bestimmte Handlung haben – ein „Programm“, das sich oft auf einen Titel beschränkt, aber eine ausführliche Erläuterung enthalten kann.

Wahrscheinlich ist das Auftreten von Verzierungen mit der Unvollkommenheit des Cembalos verbunden, dessen Klang sofort verstummte, und ein Triller oder Gruppetto könnte diesen Mangel teilweise ausgleichen, indem er den Klang des Referenzklangs verlängerte.

In Westeuropa (besonders italienisch-spanisch) polygonal. wok Musik des Spätmittelalters und der Renaissance (Motetten, Madrigale etc.) als Improvisationen. Element wird ausgeführt. In der Kunst hat die Diminutivtechnik eine große Entwicklung erfahren. Sie hat auch eine der Texturkompositionen zusammengestellt. die Grundlagen solcher alten Instrumente. Genres wie Präludium, Ricercar, Toccata, Fantasy. Abt. Aus den vielfältigen Erscheinungsformen der freien Musik entstanden nach und nach Verkleinerungsformeln, vor allem am Ende melodischer Linien. Konstruktionen (in Sätzen). Gegen Mittag 15. Jahrhundert in ihm. org. Die ersten Grafiken erschienen in Tabulaturen. Symbole zum Aufzeichnen von Dekorationen. K ser. 16. Jahrhundert sind weit verbreitet - in verschiedenen Varianten und Verbindungen - Mordent, Triller, Gruppetto, die immer noch zu den wichtigsten gehören. Instr. Dekorationen Offenbar sind sie in der Instrumentenpraxis entstanden. Leistung.

Ab der 2. Hälfte. 16. Jahrhundert frei O. entwickelt ch. arr. in Italien, vor allem in seinem unverwechselbaren melodischen Stil. Reichtum des Solo-Wok. Musik, sowie im Geigenspiel, das zur Virtuosität tendiert. Musik. Damals in der Violine. Das Vibrato, das ausgedehnten Klängen Ausdruck verleiht, hat in der Musik noch keine weite Verbreitung gefunden und wurde durch die reiche Ausschmückung der Melodie ersetzt. Melizmatisch Dekorationen (ornements, agréments) erfuhren in der französischen Kunst eine besondere Entwicklung. Lautenisten und Cembalisten des 17. und 18. Jahrhunderts, die sich durch ihre Abhängigkeit vom Tanz auszeichneten. Genres, die einer subtilen Stilisierung unterlagen. Auf Französisch In der Musik gab es eine enge Verbindung zwischen den Instrumenten. Vereinbarungen mit weltlichem Wok. Texte (die sogenannten Airs de Cour), die ihrerseits von Tanz durchdrungen waren. Plastik. Englisch Virginalisten (spätes 16. Jahrhundert), anfällig für Liedthematik und ihre Variationen. Entwicklung, im Bereich O. tendierten sie eher zur Diminutivtechnologie. Wenig melismatisch. Die von den Virginalisten verwendeten Ikonen können nicht genau entziffert werden. Auf Österreichisch-Deutsch. Tastaturkunst, die sich ab der Mitte intensiv zu entwickeln begann. Im 17. Jahrhundert, bis einschließlich J. S. Bach, prallten die Neigungen zum Italienischen auf unterschiedliche Weise aufeinander. Diminutiv und Französisch. melismatisch Stile. Auf Französisch Musiker des 17.-18. Jahrhunderts. Es wurde zur Sitte, Theaterstücksammlungen mit Tischdekorationen zu begleiten. Der umfangreichsten Tabelle (mit 29 Sorten Melismen) ging die Cembalosammlung von J. A. d'Anglebert (1689) voraus; obwohl solche Tabellen geringfügige Abweichungen aufweisen, wurden sie zu einer Art häufig verwendeter Schmuckkataloge. Insbesondere in der vorangegangenen Tabelle Bachs „Klavierbuch für Wilhelm Friedemann Bach“ (1720), stark von d'Anglebert entlehnt.

Die Franzosen wandten sich von der freien Kleidung ab und hin zu regulierten Auszeichnungen. Cembalisten wurden dem Ork zugeteilt. Musik von J.B. Lully. Allerdings die Franzosen Die Regulierung von Schmuck ist nicht absolut streng, da selbst die detaillierteste Tabelle ihre genaue Auslegung nur für typische Anwendungsfälle angibt. Kleinere Abweichungen sind akzeptabel, um den spezifischen Eigenschaften der Musik gerecht zu werden. Stoffe. Sie hängen von der Kunst und dem Geschmack des Interpreten ab, bei Veröffentlichungen mit schriftlichen Mitschriften auch vom Stil. Kenntnisse, Prinzipien und Geschmack der Redakteure. Ähnliche Abweichungen sind bei der Aufführung von Stücken der französischen Koryphäe unvermeidlich. Cembalo von P. Couperin, der eindringlich die genaue Umsetzung seiner Regeln zur Entzifferung von Dekorationen forderte. Franz. Es war auch üblich, dass Cembalisten die Verzierung von Diminutiven unter die Kontrolle des Autors stellten, was sie insbesondere in den Variationen ausschrieben. dauert.

K con. 17. Jahrhundert, als die Franzosen Cembalisten wurden zu Geschmacksmachern auf ihrem Gebiet, mit Verzierungen wie Triller und Vorschlagsnote sowie der Melodie. Funktion, begann eine neue harmonische Leistung zu erbringen. Funktion, die Dissonanzen im Downbeat des Takts erzeugt und verstärkt. J. S. Bach schrieb wie D. Scarlatti meist dissonante Verzierungen im Hauptteil. Notentext (siehe z. B. Teil II des Italienischen Konzerts). Dies ließ I. A. Sheibe glauben, dass Bach dadurch seine Werke beraubte. „die Schönheit der Harmonie“, weil Komponisten zu dieser Zeit es vorzogen, alle Dekorationen mit Symbolen oder kleinen Notizen auszuschreiben, so dass sie in der Grafik enthalten waren. Die Aufnahme zeigte deutlich Obertöne. Wohlklang Basic Akkorde.

F. Couperin hat Französisch verfeinert. Der Cembalostil erreichte seinen Höhepunkt. In den reifen Stücken von J. F. Rameau zeigte sich der Wunsch, über die Grenzen der Kammerbetrachtung hinauszugehen, die wirksame Entwicklungsdynamik zu stärken und in der Musik anzuwenden. Schrift mit breiteren dekorativen Strichen, insbesondere in Form von Hintergrundharmonien. Figurationen. Daher die Tendenz zu einem gemäßigteren Einsatz von Dekorationen sowohl bei Rameau als auch im späteren Französisch. Cembalisten zum Beispiel bei J. Dufly. Allerdings im 3. Quartal. 18. Jahrhundert O. erreichte einen neuen Höhepunkt in Werken, die mit sentimentalen Tendenzen verbunden sind. Ein leuchtender Vertreter dieser Kunst. Richtungen in der Musik wurden von F. E. Bach gemacht, dem Autor der Abhandlung „Eine Erfahrung in der richtigen Art, das Klavier zu spielen“, in der er den Fragen von O. große Aufmerksamkeit schenkte.

Die anschließende Hochblüte des Wiener Klassizismus, entsprechend der neuen Ästhetik. Ideale führten zu einem strengeren und gemäßigteren Gebrauch von O. Dennoch spielte es weiterhin eine herausragende Rolle im Werk von J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart und dem jungen L. Beethoven. Free O. blieb in Europa. Musik im Bereich der Variation, virtuose Konz. Kadenzen und Wok. Koloratur. Letzteres spiegelt sich im Romantischen wider. fp. Musik 1. Hälfte. 19. Jahrhundert (in besonders originellen Formen bei F. Chopin). Gleichzeitig wich der dissonante Klang der Melismen einem konsonanten Klang; Insbesondere begann der Triller bereits im Vorfeld. nicht mit dem Hilfsgerät, sondern mit dem Hauptgerät. Ton, oft mit der Bildung eines Schlags. So harmonisch. und rhythmisch O.s Abschwächung stand im Gegensatz zu der zunehmenden Dissonanz der Akkorde selbst. Charakteristisch für romantische Komponisten war die beispiellose Entwicklung der Harmonik. figurativer Hintergrund in FP. Musik mit einer breiten Farbpalette. mit Pedalisierung sowie klangfarbenfarbener Figuration. Rechnungen in orc. Partituren. In der 2. Hälfte. 19. Jahrhundert Der Wert von O. sank. Im 20. Jahrhundert Die Rolle des freien O. nahm durch die Stärkung der Improvisation wieder zu. begann in bestimmten Bereichen der Musik. Kreativität, z. V Jazz Musik. Es gibt einen großen methodischen und theoretischen Aufwand. Literatur zu den Problemen von O. Sie entsteht durch unermüdliche Versuche, die Phänomene von O. extrem zu klären und sich diesen in ihrer Improvisation „zu widersetzen“. Natur. Vieles von dem, was die Autoren der Werke als strenge, umfassende Entschlüsselungsregeln präsentieren, erweist sich nur als Teilempfehlungen.