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„Ich war darin versunken Blau, als mir klar wurde, dass Casagemas tot war“, gab Picasso später zu. „Der Zeitraum von 1901 bis 1904 wird in Picassos Werk üblicherweise als „blaue“ Periode bezeichnet, da die meisten Gemälde dieser Zeit in einer kalten blaugrünen Farbpalette gemalt waren, was die Stimmung der Müdigkeit und tragischen Armut noch verstärkte.“ Was später als „blaue“ Periode bezeichnet wurde, vervielfachte sich durch Bilder trauriger Szenen, Gemälde voller tiefer Melancholie. Auf den ersten Blick ist das alles mit dem Enormen unvereinbar Vitalität der Künstler selbst. Aber ich erinnere mich an Selbstporträts junger Mann Mit großen, traurigen Augen verstehen wir, dass die Gemälde der „blauen“ Zeit die Emotionen vermitteln, die den Künstler damals besaßen. Eine persönliche Tragödie schärfte seinen Blick für das Leben und die Trauer leidender und benachteiligter Menschen.

Es ist paradox, aber wahr: Die Ungerechtigkeit der Lebensstruktur spüren nicht nur diejenigen, die seit ihrer Kindheit die Unterdrückung durch die Nöte des Lebens oder, noch schlimmer, die Abneigung geliebter Menschen erlebt haben, sondern auch recht wohlhabende Menschen. Picasso ist ein Paradebeispiel dafür. Seine Mutter verehrte Pablo und diese Liebe wurde für ihn bis zu seinem Tod zu einem undurchdringlichen Panzer. Der Vater, der sich ständig in finanziellen Schwierigkeiten befand, wusste, wie er sein Bestes tun konnte, um seinem Sohn zu helfen, auch wenn er manchmal völlig in die falsche Richtung ging, die Don Jose angedeutet hatte. Der geliebte und wohlhabende junge Mann wurde nicht egozentrisch, obwohl die Atmosphäre der dekadenten Kultur, in der er in Barcelona aufwuchs, dazu beigetragen zu haben scheint. Im Gegenteil, er enorme Kraft spürte die soziale Unordnung, die große Kluft zwischen Arm und Reich, die Ungerechtigkeit der Gesellschaftsstruktur, ihre Unmenschlichkeit – kurzum alles, was zu den Revolutionen und Kriegen des 20. Jahrhunderts führte.

„Wenden wir uns einem von ihnen zu zentrale Werke Picasso dieser Zeit - zum Gemälde „Alter Bettler mit Junge“, fertiggestellt 1903 und jetzt in Landesmuseum Bildende Kunst benannt nach. A. S. Puschkin. Auf einem flachen, neutralen Hintergrund sind zwei sitzende Figuren dargestellt – ein altersschwacher, blinder alter Mann und kleiner Junge. Die Bilder werden hier in ihrem scharf kontrastierenden Kontrast präsentiert: das Gesicht eines alten Mannes, von Falten zerfurcht, wie durch ein kraftvolles Hell-Dunkel-Spiel geformt tiefe Depressionen blinde Augen, seine knochige, unnatürlich kantige Figur, die gebrochenen Linien seiner Beine und Arme und, im Gegensatz zu ihm, die Breite Augen auf auf dem sanften, sanft modellierten Gesicht des Jungen, den glatten, fließenden Linien seiner Kleidung. Ein Junge, der an der Schwelle zum Leben steht, und ein altersschwacher alter Mann, an dem der Tod bereits seine Spuren hinterlassen hat – diese Extreme vereinen sich im Bild zu einer Art tragischer Gemeinsamkeit. Die Augen des Jungen sind weit geöffnet, aber sie wirken ebenso unscheinbar wie die schrecklichen Hohlräume in den Augenhöhlen des alten Mannes: Er ist in denselben freudlosen Gedanken versunken. Die mattblaue Farbe verstärkt noch die Stimmung der Trauer und Hoffnungslosigkeit, die in den traurig konzentrierten Gesichtern der Menschen zum Ausdruck kommt. Die Farbe hier ist weder die Farbe realer Objekte noch die Farbe echten Lichts, das den Bildraum ausfüllt. Picasso vermittelt die Gesichter der Menschen, ihre Kleidung und den Hintergrund, vor dem sie dargestellt werden, in ebenso matten, tödlich kalten Blautönen.“

Das Bild ist lebensecht, es gibt jedoch viele Konventionen. Die Proportionen des Körpers des alten Mannes sind übertrieben, die unbequeme Haltung betont seine Gebrochenheit. Dünnheit ist unnatürlich. Die Gesichtszüge des Jungen werden zu einfach wiedergegeben. „Der Künstler verrät uns nichts darüber, wer diese Menschen sind, welchem ​​Land oder welcher Epoche sie angehören und warum sie zusammengedrängt auf dieser blauen Erde sitzen. Und doch spricht das Bild Bände: Im Kontrast zwischen dem alten Mann und dem Jungen sehen wir die traurige, freudlose Vergangenheit des einen, die hoffnungslose, zwangsläufig düstere Zukunft des anderen und die tragische Gegenwart beider. Das sehr traurige Gesicht der Armut und Einsamkeit blickt uns aus dem Bild mit seinen traurigen Augen an. In seinen in dieser Zeit entstandenen Werken vermeidet Picasso Fragmentierung und Details und bemüht sich auf jede erdenkliche Weise um Betonung Hauptidee abgebildet. Diese Idee bleibt der überwiegenden Mehrheit von ihm gemeinsam frühe Werke; Genau wie in „Der alte Bettler mit dem Jungen“ geht es darum, die Unordnung, die traurige Einsamkeit der Menschen in der tragischen Welt der Armut aufzudecken.“

In der „blauen“ Periode entstanden neben den bereits erwähnten Gemälden („Alter Bettler mit Junge“, „Krug Bier (Porträt von Sabartes)“ und „Leben“) auch „Selbstporträt“, „Datum (Zwei Schwestern)“. )“, „Kopf einer Frau“, „Tragödie“ usw.

„Die Blaue Periode“ ist vielleicht die erste Phase in Picassos Werk, in Bezug auf die wir über die Individualität des Meisters sprechen können: Trotz der noch klingenden Einflüsse haben wir es bereits mit der Manifestation seiner wahren Individualität zu tun.

Der erste kreative Aufschwung wurde seltsamerweise durch eine lange Depression ausgelöst. Im Februar 1901 erfuhr Picasso in Madrid vom Tod seines engen Freundes Carlos Casagemas. Am 5. Mai 1901 kam der Künstler zum zweiten Mal in seinem Leben nach Paris, wo ihn alles an Casagemas erinnerte, mit dem er kurz zuvor die französische Hauptstadt entdeckt hatte. Pablo ließ sich in dem Zimmer nieder, in dem er seine Zeit verbrachte letzte Tage Carlos, der eine alles andere als platonische Affäre mit Germaine begann, wegen der er Selbstmord beging, kommunizierte mit demselben Personenkreis wie er. Man kann sich vorstellen, in was für einem komplexen Knoten die Bitterkeit des Verlustes, das Schuldgefühl, das Gefühl der Nähe des Todes für ihn miteinander verwoben waren ... All dies diente in vielerlei Hinsicht als „Müll“, aus dem die „blaue Periode“ entstand. wuchs. Picasso sagte später: „Ich stürzte ins Blaue, als mir klar wurde, dass Casagemas tot war.“

Doch im Juni 1901, auf der ersten von Vollard eröffneten Pariser Picasso-Ausstellung, gab es noch keine „blaue“ Besonderheit: Die 64 präsentierten Werke waren hell, sinnlich und der Einfluss der Impressionisten war in ihnen spürbar.

Die „blaue Periode“ kam nach und nach zur Geltung: In Picassos Werken tauchten ziemlich starre Figurenkonturen auf, der Meister strebte nicht mehr nach „Dreidimensionalität“ der Bilder und begann, sich von der klassischen Perspektive zu entfernen. Allmählich wird seine Palette immer weniger vielfältig und die blauen Akzente werden immer stärker. Als Beginn der „blauen Periode“ selbst gilt das im selben Jahr 1901 entstandene „Porträt von Jaime Sabartes“.

Sabartes selbst sagte über dieses Werk: „Als ich mich selbst auf der Leinwand betrachtete, wurde mir klar, was genau meinen Freund inspirierte – es war das gesamte Spektrum meiner Einsamkeit, von außen gesehen.“

Die Schlüsselwörter für diese Schaffensperiode Picassos sind tatsächlich „Einsamkeit“, „Schmerz“, „Angst“, „Schuld“, ein Beispiel hierfür ist „Selbstporträt“.

Meister, erstellt einige Tage vor der Abreise nach Barcelona.

Im Januar 1902 wird er nach Spanien zurückkehren, er wird nicht bleiben können – der spanische Kreis ist zu klein für ihn, Paris ist zu attraktiv für ihn, er wird erneut nach Frankreich gehen und dort mehrere äußerst schwierige Monate verbringen. Die Werke verkauften sich nicht, das Leben war sehr schwierig. Er musste wieder nach Barcelona zurückkehren und Letztes Mal ganze 15 Monate dort bleiben.

Die Hauptstadt Kataloniens begrüßte Picasso mit großer Anspannung; er war von allen Seiten von Armut und Ungerechtigkeit umgeben. Die sozialen Unruhen, die Europa um die Jahrhundertwende erfassten, betrafen auch Spanien. Dies beeinflusste wahrscheinlich auch die Gedanken und Stimmungen des Künstlers, der in seiner Heimat äußerst hart und fruchtbar arbeitete. Meisterwerke der „blauen Periode“ wie „Date (Two Sisters)“,

Das Bild von Casagemas taucht noch einmal im Gemälde „Leben“ auf;

es wurde über das Werk „Last Moments“ gemalt, ausgestellt bei Weltausstellung 1900 in Paris und wurde zum Anlass für die erste Reise von Picasso und Casagemas in die Hauptstadt Frankreichs. In Zeiten des Geldmangels hat der Künstler mehr als einmal seine alten Leinwände übermalt, doch in diesem Fall hatte diese „Barbarei“ möglicherweise einiges zu bieten symbolische Bedeutung als Zeichen des Abschieds von der alten Kunst und von Carlos, der ebenfalls für immer in der Vergangenheit ist.

Im Frühjahr 1904 bot sich die Gelegenheit, erneut nach Paris zu gehen, und Picasso zögerte nicht. In Paris erwarteten ihn neue Sensationen, neue Menschen, Interessen und eine neue „rosa“ Periode, die bis in den Herbst 1904 zurückreicht.

„Ich stürzte ins Blaue, als mir klar wurde, dass Casagemas tot war“, gab Picasso später zu. „Der Zeitraum von 1901 bis 1904 wird in Picassos Werk üblicherweise als „blaue“ Periode bezeichnet, da die meisten Gemälde dieser Zeit in einer kalten blaugrünen Farbpalette gemalt waren, was die Stimmung der Müdigkeit und tragischen Armut noch verstärkte.“ Was später als „blaue“ Periode bezeichnet wurde, vervielfachte sich durch Bilder trauriger Szenen, Gemälde voller tiefer Melancholie. All dies ist auf den ersten Blick unvereinbar mit der enormen Vitalität des Künstlers selbst. Aber wenn wir uns an die Selbstporträts eines jungen Mannes mit großen, traurigen Augen erinnern, verstehen wir, dass die Leinwände der „blauen“ Zeit die Gefühle vermitteln, die der Künstler damals besaß. Eine persönliche Tragödie schärfte seinen Blick für das Leben und die Trauer leidender und benachteiligter Menschen.

Es ist paradox, aber wahr: Die Ungerechtigkeit der Lebensstruktur spüren nicht nur diejenigen, die seit ihrer Kindheit die Unterdrückung durch die Nöte des Lebens oder, noch schlimmer, die Abneigung geliebter Menschen erlebt haben, sondern auch recht wohlhabende Menschen. Picasso ist ein Paradebeispiel dafür. Seine Mutter verehrte Pablo und diese Liebe wurde für ihn bis zu seinem Tod zu einem undurchdringlichen Panzer. Der Vater, der sich ständig in finanziellen Schwierigkeiten befand, wusste, wie er sein Bestes tun konnte, um seinem Sohn zu helfen, auch wenn er manchmal völlig in die falsche Richtung ging, die Don Jose angedeutet hatte. Der geliebte und wohlhabende junge Mann wurde nicht egozentrisch, obwohl die Atmosphäre der dekadenten Kultur, in der er in Barcelona aufwuchs, dazu beigetragen zu haben scheint. Im Gegenteil, er spürte mit großer Wucht die soziale Unordnung, die große Kluft zwischen Arm und Reich, die Ungerechtigkeit der Gesellschaftsstruktur, ihre Unmenschlichkeit – kurzum alles, was zu den Revolutionen und Kriegen des 20. Jahrhunderts führte .

„Wenden wir uns einem der zentralen Werke Picassos dieser Zeit zu – dem Gemälde „Alter Bettler mit Junge“, das 1903 fertiggestellt wurde und sich heute im Staatlichen Museum der Schönen Künste befindet. ALS. Puschkin. Auf einem flachen, neutralen Hintergrund sind zwei sitzende Figuren abgebildet – ein altersschwacher, blinder alter Mann und ein kleiner Junge. Die Bilder werden hier in ihrem scharf kontrastierenden Kontrast präsentiert: das Gesicht eines alten Mannes, von Falten zerfurcht, wie durch ein kraftvolles Hell-Dunkel-Spiel geformt, mit tiefen Augenhöhlen, seine knochige, unnatürlich kantige Figur, die gebrochenen Linien von seine Beine und Arme und im Gegensatz dazu weit geöffnete Augen auf einem sanften, sanft modellierten Gesicht des Jungen, die glatten, fließenden Linien seiner Kleidung. Ein Junge, der an der Schwelle zum Leben steht, und ein altersschwacher alter Mann, an dem der Tod bereits seine Spuren hinterlassen hat – diese Extreme vereinen sich im Bild zu einer Art tragischer Gemeinsamkeit. Die Augen des Jungen sind weit geöffnet, aber sie wirken ebenso unscheinbar wie die schrecklichen Höhlen in den Augenhöhlen des alten Mannes: Er ist in denselben freudlosen Gedanken versunken. Die mattblaue Farbe verstärkt noch die Stimmung der Trauer und Hoffnungslosigkeit, die in den traurig konzentrierten Gesichtern der Menschen zum Ausdruck kommt. Die Farbe hier ist weder die Farbe realer Objekte noch die Farbe echten Lichts, das den Bildraum ausfüllt. Picasso vermittelt die Gesichter der Menschen, ihre Kleidung und den Hintergrund, vor dem sie dargestellt werden, in ebenso matten, tödlich kalten Blautönen.“

Das Bild ist lebensecht, es gibt jedoch viele Konventionen. Die Proportionen des Körpers des alten Mannes sind übertrieben, die unbequeme Haltung betont seine Gebrochenheit. Dünnheit ist unnatürlich. Die Gesichtszüge des Jungen werden zu einfach wiedergegeben. „Der Künstler verrät uns nichts darüber, wer diese Menschen sind, welchem ​​Land oder welcher Epoche sie angehören und warum sie so zusammengedrängt auf dieser blauen Erde sitzen. Und doch spricht das Bild Bände: Im kontrastierenden Gegensatz des alten Mannes und des Jungen sehen wir die traurige, freudlose Vergangenheit des einen, die hoffnungslose, zwangsläufig düstere Zukunft des anderen und die tragische Gegenwart beider. Das sehr traurige Gesicht der Armut und Einsamkeit blickt uns aus dem Bild mit seinen traurigen Augen an. In seinen in dieser Zeit entstandenen Werken vermeidet Picasso Fragmentierung und Details und bemüht sich auf jede erdenkliche Weise, die Hauptidee des Dargestellten hervorzuheben. Diese Idee bleibt der überwiegenden Mehrheit seiner frühen Werke gemein; Genau wie in „Der alte Bettler mit dem Jungen“ geht es darum, die Unordnung, die traurige Einsamkeit der Menschen in der tragischen Welt der Armut aufzudecken.“

Es gibt kaum einen Menschen auf der Welt, der den Namen Pablo Picasso nicht kennt. Der Begründer des Kubismus und Künstler vieler Stilrichtungen beeinflusste im 20. Jahrhundert nicht nur die schönen Künste Europas, sondern der ganzen Welt.

Künstler Pablo Picasso: Kindheit und Studienjahre

Einer der Klügsten wurde am 25. Oktober 1881 in Malaga in einem Haus am Merced-Platz geboren. Heutzutage gibt es ein Museum und eine Stiftung, die nach P. Picasso benannt sind. Nach spanischer Tradition gaben die Eltern dem Jungen bei der Taufe genug langer Name, das eine Abwechslung der Namen von Heiligen und den nächsten und am meisten verehrten Verwandten der Familie ist. Letztendlich ist er sowohl dem Allerersten als auch dem Letzten bekannt. Pablo beschloss, den Nachnamen seiner Mutter anzunehmen, da er den Namen seines Vaters für zu einfach hielt. Das Talent und die Leidenschaft des Jungen für das Zeichnen zeigten sich von Anfang an. frühe Kindheit. Die ersten und sehr wertvollen Lektionen erhielt er von seinem Vater, der ebenfalls Künstler war. Sein Name war José Ruiz. Sein erstes ernsthaftes Gemälde malte er im Alter von acht Jahren – „Picador“. Wir können mit Sicherheit sagen, dass mit ihr das Werk von Pablo Picasso begann. Der Vater des zukünftigen Künstlers erhielt 1891 das Angebot, als Lehrer in La Coruña zu arbeiten, und die Familie zog bald nach Nordspanien. Dort studierte Pablo ein Jahr lang an einer örtlichen Kunstschule. Dann zog die Familie in eine der schönsten Städte – Barcelona. Der junge Picasso war damals 14 Jahre alt und zu jung, um an der La Lonja (Schule) zu studieren Schöne Künste). Der Vater konnte jedoch eine Einweisung erreichen Aufnahmeprüfungen auf Wettbewerbsbasis, was er hervorragend gemeistert hat. Nach weiteren vier Jahren beschlossen seine Eltern, ihn an der besten Kunstschule seiner Zeit anzumelden – „San Fernando“ in Madrid. Das Studium an der Akademie wurde schnell langweilig junges Talent, in seinen klassischen Kanons und Regeln fühlte er sich eingeengt und sogar gelangweilt. Deshalb widmete er dem Prado-Museum und dem Studium seiner Sammlungen mehr Zeit und kehrte ein Jahr später nach Barcelona zurück. ZU frühe Periode Zu seinem Werk gehören Gemälde aus dem Jahr 1986: „Selbstporträt“ von Picasso, „Erstkommunion“ (mit Darstellung der Schwester des Künstlers, Lola), „Porträt einer Mutter“ (siehe Abbildung unten).

Während seines Aufenthalts in Madrid unternahm er seine erste Reise, bei der er alle Museen und die Gemälde der größten Meister studierte. Anschließend besuchte er dieses Zentrum der Weltkunst mehrmals und zog 1904 endgültig um.

„Blaue“ Periode

Diese Zeitspanne lässt sich als genau zu dieser Zeit bezeichnen, in der sich seine Individualität, die noch äußeren Einflüssen unterliegt, im Werk Picassos zu manifestieren beginnt. Bekannte Tatsache: Das Talent kreativer Menschen zeigt sich am deutlichsten in schwierigen Lebenssituationen. Genau das geschah mit Pablo Picasso, dessen Werke heute auf der ganzen Welt bekannt sind. Der Start war provoziert und erfolgte nach einer langen Depression, die durch den Tod seines engen Freundes Carlos Casagemas verursacht wurde. Im Jahr 1901 wurden auf einer von Vollard organisierten Ausstellung 64 Werke des Künstlers präsentiert, die jedoch damals noch voller Sinnlichkeit und Helligkeit waren, der Einfluss der Impressionisten war deutlich zu spüren. Die „blaue“ Periode seines Schaffens kam nach und nach zu ihrem Recht und manifestierte sich in starren Konturen der Figuren und einem Verlust der Dreidimensionalität des Bildes, einer Abkehr von den klassischen Gesetzen der künstlerischen Perspektive. Die Farbpalette auf seinen Leinwänden wird immer eintöniger, wobei der Schwerpunkt auf Blau liegt. Der Beginn dieser Periode kann als „Porträt von Jaime Sabartes“ und Picassos Selbstporträt aus dem Jahr 1901 angesehen werden.

Gemälde der „blauen“ Zeit

Die Schlüsselwörter für den Meister in dieser Zeit waren Einsamkeit, Angst, Schuld, Schmerz. 1902 kehrte er erneut nach Barcelona zurück, konnte dort jedoch nicht bleiben. Die angespannte Lage in der Hauptstadt Kataloniens, Armut auf allen Seiten und soziale Ungerechtigkeit führten zu Unruhen in der Bevölkerung, die nach und nach nicht nur ganz Spanien, sondern auch Europa erfassten. Wahrscheinlich hat dieser Zustand auch den Künstler beeinflusst, der in diesem Jahr fruchtbar und äußerst hart arbeitet. In der Heimat entstanden Meisterwerke der „blauen“ Zeit: „Zwei Schwestern (Datum)“, „Alter Jude mit Junge“, „Tragödie“ (Foto der Leinwand oben), „Leben“, wo das Bild des Der verstorbene Casagemas erscheint erneut. Im Jahr 1901 entstand auch das Gemälde „Der Absinthtrinker“. Es zeichnet den Einfluss der damals populären Faszination für „bösartige“ Charaktere nach, die charakteristisch für ist Französische Kunst. Das Thema Absinth taucht in vielen Gemälden auf. Picassos Werk ist unter anderem voller Dramatik. Besonders auffällig ist die hypertrophierte Hand der Frau, mit der sie sich zu verteidigen scheint. Derzeit wird „Der Absinthliebhaber“ in der Eremitage aufbewahrt, da er nach der Revolution aus einer privaten und sehr beeindruckenden Sammlung von Werken von Picasso (51 Werke) von S. I. Shchukin dorthin gelangte.

Sobald sich die Gelegenheit bietet, erneut nach Spanien zu gehen, beschließt er, sie zu nutzen und verlässt Spanien im Frühjahr 1904. Dort begegnete er neuen Interessen, Empfindungen und Eindrücken, die eine neue Stufe seiner Kreativität einleiteten.

„Rosa“ Periode

Bei Picasso dauerte diese Phase relativ lange – von 1904 (Herbst) bis Ende 1906 – und war nicht ganz homogen. Die meisten Gemälde dieser Zeit zeichnen sich durch eine helle Farbpalette, das Auftreten von Ocker-, Perlgrau- und Rot-Rosa-Tönen aus. Charakteristisch ist die Entstehung und anschließende Dominanz neuer Themen für die Arbeit des Künstlers – Schauspieler, Zirkusartisten und Akrobaten, Sportler. Natürlich wurde ihm der überwiegende Teil des Materials vom Zirkus Medrano zur Verfügung gestellt, der sich damals am Fuße des Montmartre befand. Die helle Theaterkulisse, die Kostüme, das Verhalten und die Typenvielfalt schienen P. Picasso in die Welt des, wenn auch veränderten, aber realen Formen und Volumens des natürlichen Raums zurückzubringen. Die Bilder in seinen Gemälden wurden wieder sinnlich und voller Leben und Helligkeit, im Gegensatz zu den Charakteren der „blauen“ Schaffensstufe.

Pablo Picasso: Werke der „rosa“ Periode

Die Gemälde, die den Beginn einer neuen Periode markierten, wurden erstmals Ende Winter 1905 in der Serurrier-Galerie ausgestellt – es handelt sich um „Sitzender Akt“ und „Schauspieler“. Eines der anerkannten Meisterwerke der „rosa“ Periode ist „A Family of Comedians“ (siehe Abbildung oben). Die Leinwand hat beeindruckende Ausmaße – mehr als zwei Meter Höhe und Breite. Die Figuren von Zirkusartisten werden vor dem Hintergrund eines blauen Himmels dargestellt; es wird allgemein angenommen, dass ein Harlekin mit rechte Seite- das ist Picasso selbst. Alle Charaktere sind statisch und es gibt keine innere Nähe zwischen ihnen; jeder ist von innerer Einsamkeit gefesselt – das Thema der gesamten „rosa“ Periode. Darüber hinaus sind folgende Werke von Pablo Picasso erwähnenswert: „Frau im Hemd“, „Toilette“, „Junge führt ein Pferd“, „Akrobaten“. Mutter und Sohn“, „Mädchen mit Ziege“. Sie alle zeigen dem Betrachter Schönheit und Gelassenheit, die für die Gemälde des Künstlers selten sind. Ein neuer Anstoß für die Kreativität kam Ende 1906, als Picasso durch Spanien reiste und in einem kleinen Dorf in den Pyrenäen landete.

Afrikanische Schaffensperiode

P. Picasso begegnete archaischer afrikanischer Kunst zum ersten Mal bei einer thematischen Ausstellung im Trocadero-Museum. Er war beeindruckt heidnische Idole primitive Formen, exotische Masken und Figuren, die verkörperten große Macht Natur und distanziert von die kleinsten Details. Die Ideologie des Künstlers stimmte mit dieser kraftvollen Botschaft überein, und infolgedessen begann er, seine Helden zu vereinfachen und sie wie steinerne Idole zu machen, monumental und scharf. Das erste Werk in dieser Stilrichtung erschien jedoch bereits 1906 – es handelt sich um ein Porträt der Schriftstellerin von Pablo Picasso. Er schrieb das Bild 80 Mal um und hatte bereits den Glauben an die Möglichkeit, ihr Bild darin zu verkörpern, völlig verloren klassischer Stil. Dieser Moment kann mit Recht als Übergang von der Naturbefolgung zur Formverformung bezeichnet werden. Schauen Sie sich nur Gemälde wie „Nackte Frau“, „Tanz mit Schleier“, „Dryade“, „Freundschaft“, „Büste eines Seemanns“ und „Selbstporträt“ an.

Aber das vielleicht auffälligste Beispiel für die afrikanische Phase von Picassos Werk ist das Gemälde „Les Demoiselles d’Avignon“ (siehe Abbildung oben), an dem der Meister etwa ein Jahr lang arbeitete. Sie krönte diese Etappe kreativer Weg Künstler und bestimmte maßgeblich das Schicksal der gesamten Kunst. Das Gemälde wurde erst dreißig Jahre nach seiner Entstehung erstmals veröffentlicht offene Tür in die Welt der Avantgarde. Der Boheme-Kreis von Paris spaltete sich buchstäblich in zwei Lager: „dafür“ und „dagegen“. IN gegenwärtiger Moment Das Gemälde wird im Museum aufbewahrt zeitgenössische Kunst New York City.

Kubismus in den Werken Picassos

Das Problem der Einzigartigkeit und Genauigkeit des Bildes blieb in Europa im Vordergrund Schöne Künste bis zu dem Moment, als der Kubismus Einzug hielt. Den Anstoß für seine Entwicklung sehen viele in einer unter Künstlern aufkommenden Frage: „Warum zeichnen?“ Zu Beginn des 20. Jahrhunderts konnte fast jedem ein zuverlässiges Bild dessen, was man sieht, beigebracht werden, und die Fotografie war ihr buchstäblich auf den Fersen, die drohte, alles andere völlig zu verdrängen. Visuelle Bilder werden nicht nur glaubwürdig, sondern auch zugänglich und leicht reproduziert. Der Kubismus von Pablo Picasso spiegelt in diesem Fall die Individualität des Schöpfers wider und lehnt ein glaubwürdiges Bild ab Außenwelt und völlig neue Möglichkeiten, Grenzen der Wahrnehmung eröffnen.

ZU frühe Werke Dazu gehören: „Topf, Glas und Buch“, „Baden“, „Blumenstrauß in einem grauen Krug“, „Brot und eine Obstschale auf dem Tisch“ usw. Die Leinwände zeigen deutlich, wie sich der Stil des Künstlers verändert und wird gegen Ende des Zeitraums (1918-1919) zunehmend abstraktere Züge. Zum Beispiel „Harlekin“, „Drei Musiker“, „Stillleben mit Gitarre“ (Bild oben). Die Assoziation der Werke des Meisters durch das Publikum mit abstrakter Kunst passte Picasso überhaupt nicht; die sehr emotionale Botschaft der Gemälde war ihm wichtig verborgene Bedeutung. Letztendlich hörte der von ihm selbst geschaffene Stil des Kubismus nach und nach auf, den Künstler zu inspirieren und zu interessieren, und öffnete den Weg für neue Trends in der Kreativität.

Klassik

Das zweite Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts war für Picasso ziemlich schwierig. So war das Jahr 1911 von der Geschichte gestohlener Figuren aus dem Louvre geprägt, die den Künstler nicht im besten Licht zeigten. Im Jahr 1914 stellte sich heraus, dass Picasso, selbst nachdem er so viele Jahre auf dem Land gelebt hatte, nicht bereit war, im Ersten Weltkrieg für Frankreich zu kämpfen, was ihn von vielen seiner Freunde trennte. Und rein nächstes Jahr seine geliebte Marcelle Humbert starb.

Die Rückkehr eines realistischeren Pablo Picasso, dessen Werke wieder von Lesbarkeit, Bildhaftigkeit und künstlerischer Logik erfüllt waren, wurde auch von vielen externen Faktoren beeinflusst. Einschließlich einer Reise nach Rom, wo er von der Kunst durchdrungen wurde antike Kunst, sowie Kommunikation mit Balletttruppe Diaghilew und Begegnung mit der Ballerina Olga Khokhlova, die bald die zweite Frau des Künstlers wurde. Ihr Porträt von 1917, das in gewisser Weise experimenteller Natur war, kann als Beginn einer neuen Periode angesehen werden. Das russische Ballett von Pablo Picasso inspirierte nicht nur die Schaffung neuer Meisterwerke, sondern schenkte auch seinem geliebten und lang erwarteten Sohn. Am meisten berühmte Werke Zeitraum: „Olga Khokhlova“ (Bild oben), „Pierrot“, „Stillleben mit Krug und Äpfeln“, „Schlafende Bauern“, „Mutter und Kind“, „Am Strand laufende Frauen“, „Die drei Grazien“.

Surrealismus

Die Einteilung der Kreativität ist nichts anderes als der Wunsch, sie in Regale zu sortieren und in einen bestimmten (stilistischen, zeitlichen) Rahmen zu quetschen. Am meisten wird jedoch mit dem Werk von Pablo Picasso geschmückt beste Museen und Galerien der Welt kann dieser Ansatz als sehr bedingt bezeichnet werden. Wenn wir der Chronologie folgen, fällt die Zeit, in der der Künstler dem Surrealismus nahe stand, in die Jahre 1925-1932. Es ist keineswegs verwunderlich, dass in jeder Phase der Arbeit des Meisters eine Muse den Meister des Pinsels besuchte, und als O. Khokhlova sich in seinen Leinwänden wiedererkennen wollte, wandte er sich dem Neoklassizismus zu. Jedoch kreative Menschen launisch und bald jung und sehr schöne Maria Teresa Walter, die zum Zeitpunkt unseres Treffens erst 17 Jahre alt war. Sie war für die Rolle einer Geliebten bestimmt, und 1930 kaufte der Künstler ein Schloss in der Normandie, das für sie zum Zuhause und für ihn zur Werkstatt wurde. Maria Teresa war eine treue Begleiterin, die den kreativen und liebevollen Wirren des Schöpfers unerschütterlich standhielt und bis zum Tod von Pablo Picasso einen freundschaftlichen Briefwechsel pflegte. Werke aus der Zeit des Surrealismus: „Tanz“, „Frau auf einem Stuhl“ (im Foto unten), „Badende“, „Akt am Strand“, „Traum“ usw.

Zeit des Zweiten Weltkriegs

Picassos Sympathie während des Spanienkrieges 1937 gehörte den Republikanern. Als im selben Jahr italienische und deutsche Flugzeuge Guernica zerstörten – politisch und Kulturzentrum Baskisch - Pablo Picasso hat in nur zwei Monaten auf einer riesigen gleichnamigen Leinwand eine in Trümmern liegende Stadt dargestellt. Er war im wahrsten Sinne des Wortes entsetzt über die Bedrohung, die über ganz Europa herrschte und die seine Kreativität nur beeinträchtigen konnte. Emotionen wurden nicht direkt ausgedrückt, sondern verkörperten sich im Ton, seiner Düsterkeit, Bitterkeit und seinem Sarkasmus.

Nachdem die Kriege vorbei waren und die Welt in ein relatives Gleichgewicht kam und alles wiederhergestellt wurde, was zerstört worden war, wurde auch Picassos Werk glücklicher und glücklicher leuchtende Farben. Seine zwischen 1945 und 1955 entstandenen Leinwände haben einen mediterranen Touch, sind sehr atmosphärisch und teilweise idealistisch. Gleichzeitig begann er mit Keramik zu arbeiten und schuf viele dekorative Krüge, Schalen, Teller und Figuren (Foto oben). Die Werke, die in den letzten 15 Jahren seines Lebens entstanden sind, sind in Stil und Qualität sehr uneinheitlich.

Einer von bedeutende Künstler 20. Jahrhundert – Pablo Picasso – starb im Alter von 91 Jahren in seiner Villa in Frankreich. Er wurde in der Nähe der ihm gehörenden Burg Vovenart beigesetzt.

„Blaue Periode“ in den Werken von Pablo Picasso.

Alter Gitarrist

Diese Zeit war Anfangsstadium V kreative Karriere Künstler. Es sind die Werke dieser Zeit, die man sehen kann individueller Stil Maler, obwohl er zu dieser Zeit am meisten von anderen Meistern beeinflusst wurde.

Celestina

Zu Beginn des Jahres 1901 wurde Pablo von der Nachricht vom Tod seines Vaters erschüttert Lieber Freund, Carlos Casagemas. Diese Nachricht führte den Künstler in eine lange Zeit der Traurigkeit und Depression. Nach einem halben Jahr beschloss er schließlich, noch einmal nach Paris zu kommen, wo ihn buchstäblich alles an alles erinnerte enger Freund, der ihm vor nicht allzu langer Zeit zum ersten Mal alle Freuden der französischen Hauptstadt zeigte. Picasso beschloss, in einem Raum zu leben, in dem er sich befand unerwiderte Liebe sein Freund Carlos beging Selbstmord. Er begann auch eine Beziehung mit einer Frau, an der sein Freund starb, und verbrachte viel Zeit mit den Menschen um Carlos. All dies gab ihm das Gefühl, an der Stelle seines Freundes zu sein, was ihn erfüllte dunkle Gedanken darüber, wie nah jeder von uns dem Tod ist. All dies markierte den Beginn jener sehr dunklen Periode seines Schaffens, die später Blau genannt wurde. Picasso selbst behauptete, er sei buchstäblich von der Farbe Blau inspiriert worden, nachdem ihm klar wurde, dass sein Freund nicht mehr da war.

Wenige Monate nach seiner Ankunft in Paris eröffnete der Künstler seine erste Ausstellung in dieser Stadt. Allerdings hatte er zu diesem Zeitpunkt noch keine „blauen“ Gemälde gemalt; seine Werke ähnelten eher dem Impressionismus. Picasso versuchte, seinen Gemälden Volumen zu verleihen, indem er Objekten dunkle Umrisse verpasste. Mit der Zeit wurden seine Bilder immer eintöniger; immer häufiger entstanden sie alle in Blautöne. Das erste Gemälde dieser Zeit war „Porträt von Jaime Sabartes“.

Angst, Verzweiflung, Einsamkeit, Leid – diese Worte waren die ideale Beschreibung für die Werke der „blauen Periode“. Eine Bestätigung dafür findet sich in dem damals entstandenen Selbstporträt Picassos. Dann erlebte er eine schwierige Zeit, niemand kaufte Gemälde, er pendelte oft zwischen Spanien und Frankreich hin und her, die ihn jeweils auf ihre Weise unter Druck setzten. Spanien befand sich damals in einer schwierigen Situation, die Menschen bettelten und wanderten ständig ab. Vielleicht berührte das alles auch den Künstler und er malte damals das Gemälde „Ein alter Jude mit einem Jungen“, das hungrige arme Menschen zeigt. In seiner Heimat verbrachte Picasso viel Zeit mit der Malerei. Sehr oft malte er neue Gemälde über alte, da er nicht das Geld hatte, neue Leinwände zu kaufen, und so gingen viele mögliche Meisterwerke der Malerei verloren. Andererseits kann man sich das aber auch so vorstellen, als würde man alte Erinnerungen an einen geliebten Menschen loswerden.