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Berühmter Vertreter der Khlebin-Schule naive Malerei IVAN GENERALIC (Generalic) – kroatischer Autodidakt (21. Dezember 1914, Dorf Hlebine, Kroatien – 27. November 1992, ebenda). Nachdem er 1930 in seinem Heimatdorf Chlebin eine Schule für Bauernmaler gegründet hatte, wurde er zu einem der berühmtesten Meister der „naiven Kunst“ der Welt. Seine Gemälde (auf Leinwand oder auf Glas) sind im Allgemeinen farbenfroh und majestätisch, voller folkloristischem Optimismus, enthalten aber auch viele traurige Motive der Erinnerung an den Schrecken des Zweiten Weltkriegs.

Die Biografie des Künstlers, der in eine Bauernfamilie hineingeboren wurde, ist nicht voller Ereignisse – er lebte sein ganzes Leben in seiner Heimatstadt Chlebin. Das Interesse an Kunst zeigte sich schon früh, aber Berufsausbildung er hat es nicht erhalten. Der Zagreber Maler Krsto Hegedušić, ein Vertreter der linken Intellektuellen, ermutigte ihn, die Malerei ernst zu nehmen: 1931 lud er Generalić und seine Dorfbewohner Franjo Mraz und Mirko Virius ein, an der Ausstellung seiner Gruppe „Erde“ teilzunehmen Zagreb.

In den zwanzig Jahren der Zwischenkriegszeit erfüllte die Entdeckung der Kreativität „naiver“ Künstler durch Fachleute, frei von den Dogmen der Tradition, die Aufgabe, die Gesellschaft zu demokratisieren und Neues zu erschließen Ausdrucksfähigkeiten Kunst. Die Kreativität der Khlebintsy legte den Grundstein für die Khlebinsky-Schule der naiven Malerei, die heute auf der ganzen Welt bekannt ist, und Ivan Generalich gilt zu Recht als der Patriarch der naiven Malerei in Kroatien.

Merkmale der Kreativität. Themen soziale Ungleichheit, charakteristisch für frühe Periode, wurden durch Geschichten über ersetzt Bauernleben Brot. Dabei handelt es sich um Genreszenen, seltener um allegorische Szenen mit vielen Details eines eng zusammengefügten Bauernlebens, Landschaften und animierten Menschenfiguren. Alltagsprosa trifft auf Märchen: wilde Bullen und Paradiesvögel, distanzierte Hirsche und geheimnisvolle Einhörner. Geräumige Symbole in den Gemälden „Sonnenblumen“ (1970), „Katze bei Kerze“ (1971) und „Hirsch im Wald“ (1956) repräsentieren Volksphantasie und die hochpoetische Persönlichkeit des Künstlers.

Generalichs Werke sind kammergroß und in Öl auf Glas gemalt. Auf ähnliche Weise wurden früher auch in den Alpenregionen Kroatiens und Sloweniens Ikonen bemalt – Licht, das durch das Glas fällt, erzeugt eine besonders satte Farbe. Der Künstler ist dem Volkshandwerk und der Art und Weise, die Welt darzustellen, treu geblieben: ein abgeflachtes Bild, Klarheit der Kontur, Rhythmus der Teppichkomposition, in der alle Details gleich groß und gleichwertig sind. Die naive und weise Weltanschauung der Menschen verbindet sich mit der Erfahrung des Künstlers aus der Bekanntschaft mit der visuellen Massenproduktion – Kitsch, die zu einer einzigartigen Verschmelzung kindlicher Spontaneität der Wahrnehmung mit der Kühnheit künstlerischer Entscheidungen führte.

Das Werk von Generalich, geschieden von Volkshandwerk und sich nicht den gebildeten Künsten anschloss, bildete eine besondere Nische und schloss sich der internationalen an künstlerischer Prozess. Der Künstler ist frei vom Rahmen von Traditionen und Stilnormen, dennoch spiegelt sich latent die Kunstgeschichte in seinem Werk wider. Ja, er berühmtes Gemälde„Unter dem Birnbaum“ (1943) erinnert mit seinem hohen Kompositionshorizont und der zurückhaltenden Farbgebung an die Gemälde von Bruegel dem Älteren, das Gemälde „Rentier-Kupplerinnen“ (1961) ist voller Charme altorientalischer Reliefs und „Khlebinskaya „Mona Lisa“ (1972) in Form eines Huhns macht sich über gängige Stereotypen lustig.

Patriarch der kroatischen Naiven Gemälde Generalich schuf eine ganze Galaxie von Meistern der Khlein-Schule. Auch sein Sohn Josip malte mit ihm Bilder. Die Werke von Generalić und seinen Kollegen werden in der Galerie für Naive Kunst in Zagreb sowie in Museen in vielen Ländern der Welt aufbewahrt.

Ich möchte den Lesern der Community ein wenig die kroatische Malerei näherbringen. Und sprechen Sie über einen der berühmtesten kroatischen Künstler und den größten Aquarellkünstler dieses Landes – Slava Raskaj.

Ihre Arbeit ist untrennbar mit verbunden tragische Geschichte ihr Leben.

Slava wurde 1877 in der reichen Stadt Ozal geboren Kroatische Geschichte. Die Stadt, die im Besitz der einflussreichsten Adelsfamilien war, in der Ban Petar Zrinski seinen Wohnsitz hatte, und die im 17. Jahrhundert ein literarisches und kulturelles Zentrum war Kulturzentrum. Von Geburt an taub und stumm, war Slava ein introvertiertes Kind und kompensierte den Mangel an Kommunikation mit Menschen durch die Kommunikation mit der Natur, was ihr half, die Natur tief zu verstehen und zu schätzen und sie in ihren Gemälden perfekt darzustellen.

Die ersten Bleistiftzeichnungen von Blumen erschienen bereits in Wiener Schule für gehörlose und stumme Kinder, wo sie im Alter von 7 bis 15 Jahren studierte. Slavas künstlerisches Talent wurde erstmals von einer Lehrerin aus ihrer Heimatstadt bemerkt, die nach Zagreb kam, um die Stelle des Leiters des Instituts für den Unterricht von Kindern mit Hör- und Sprachbehinderungen zu übernehmen. Er brachte Slava zu der damals berühmten Künstlerin Bela Cikos-Sesiy (einer der Gründerinnen der Akademie der Künste in Zagreb), bei der sie begann, Malerei zu studieren. Wegwerfen künstlerischer Einfluss Chikosha, bei dem überwiegend dunkle Töne verwendet wurden, entdeckte Rashkai die Aquarellmalerei, die zu ihrer bevorzugten künstlerischen Ausdrucksform wurde.

Die Kreativität von S. Rashkai wird üblicherweise in zwei Phasen unterteilt, wobei in der ersten Phase Zeichnung und Farbe das Ergebnis sind reine Beobachtung, eine kristallklare Vision der Schönheit der Natur. Die zweite Phase ist durch den Ausdruck der eigenen Eindrücke (Impression) gekennzeichnet und in dieser Zeit wurde geschrieben beste Aquarelle. Dann wurde es geschrieben berühmter Zyklus Rashkai „Seerosen“, inspiriert von einem kleinen See im Botanischen Garten von Zagreb.

1898 nahm sie an einer Ausstellung kroatischer Künstler in Zagreb teil und 1899–1900 stellte sie in Moskau und St. Petersburg aus.

Slava Rashkai wird manchmal Ophelia genannt Kroatische Malerei. Nicht nur wegen der ungewöhnlichen, besonderen Schönheit der Töne und der Eigentümlichkeit der in ihren Bildern zum Ausdruck gebrachten Erlebnisse, sondern auch wegen ihrer Romantik, aber tragisches Schicksal junges Mädchen. Sie war unglücklich in ihre Lehrerin verliebt und diese Gefühle spiegelten sich laut einigen Autoren in dem Porträt von Bela wider, das sie malte (egal wie sehr ich es versuchte, leider konnte ich dieses Porträt nicht finden). Es gibt zwei Versionen darüber, wie die Beziehung zwischen Rashkai und Cikos war. Einer Aussage zufolge waren sie nur enge Kollegen und arbeiteten nur im Bereich der Malerei zusammen. Einem anderen zufolge war es still Liebesgeschichte, geheim, da Chikosh nicht nur viel älter als Slava war, sondern auch verheiratet. Offenbar wird es nicht mehr möglich sein, die Wahrheit über diese Beziehung herauszufinden. Es wird angenommen, dass Slava in Briefen an ihre Mutter, die sie ihr vermachte, um sie mit ihr in einem Sarg zu begraben, ausführlich über ihr Leben sprach. Diese Briefe wurden jedoch bei einem Brand im Haus ihrer Schwester in Budapest verbrannt. Zu den tragischen Umständen ihres Lebens gehören die Zerstörung ihres Hauses in ihrer Heimatstadt und etwa 40 ihrer verlorenen Werke.

Kurz vor ihrer Geisteskrankheit malte sie ein Selbstporträt, danach tauchten in ihren Werken immer mehr Ausdruck auf und vermischten das Visuelle mit dem Fantastischen. Der Zustand tiefer Depression, aufgrund dessen sie 1902 in eine Nervenheilanstalt eingewiesen wurde, spiegelte sich sicherlich in den Gemälden, in der Wahl der Farbtöne und dargestellten Motiven wider – Ruinen, verlassene Mühlen …

Sie starb 1906 im Alter von nur 29 Jahren in Zagreb an Tuberkulose und die sterblichen Überreste wurden in Slava Raskajs Heimatstadt Ozal überführt.

Zu ihren Lebzeiten wurde Slava Rashkai nur teilweise als Künstlerin anerkannt. Sie nahm an Ausstellungen teil, einige ihrer Werke wurden verkauft, allerdings zu unglaublich geringen Beträgen im Vergleich zu den Preisen für Gemälde anderer Künstler dieser Zeit. Teils, weil sie Künstlerin war und Kritiker die Arbeit von Frauen oft eher als Laune und Unterhaltung denn als echte Kunst empfanden, teils, weil Aquarell und seine kleinen Formate völlig „nicht in Gebrauch“ waren, das Genre als etwas frivol galt und die reichen Käufer es waren Auf der Suche nach großen, massiven Leinwänden waren auch Kritiker von Slavas Liebe zum Freilicht verwirrt, da sie ihre Landschaften vollständig im Freien malte und sie nicht, wie damals üblich, im Atelier fertigstellte. Der Kritiker V. Lunacek gab jedoch zu, dass er nicht mehr als eine Künstlerin dieser Zeit hervorheben konnte, mit Ausnahme von Slava Rashkai, die seiner Meinung nach zu ihren Lebzeiten populär geworden wäre, wenn sie länger durchgehalten hätte.

Kroatisches Museum für Naive Kunst in Zagreb - ältestes Museum Naivarta der Welt. Es wurde 1952 als „Bauer“ gegründet Kunstgalerie", dann wurde es in "Gallery of Primitive Art" umbenannt und erhielt erst in den 90er Jahren seinen heutigen Namen. Es präsentiert hauptsächlich die kroatische Welle naive Künstler, insbesondere die „Hlebine-Schule“ (eine Kurzbezeichnung für mehrere Generationen autodidaktischer Bauernkünstler aus dem Dorf Hlebine und seiner unmittelbaren Umgebung in der Nähe der Stadt Koprivnica im Norden Kroatiens).

Da im Allgemeinen interessante Geschichte passiert. Als Gründer der Schule gilt der akademische kroatische Künstler Krsto Hegedusic, der einen Teil seiner Kindheit in Hlebin verbrachte. Als er in der zweiten Hälfte der 20er Jahre in Paris ankam, lernte er sich kennen die neuesten Trends modern Europäische Kunst. Dort sah er Gemälde auf Glas Französische Künstler, was ihn an die traditionelle kroatische ländliche Glasmalerei erinnerte. Nach seiner Rückkehr nach Zagreb lebt Hegedušić von Zeit zu Zeit in Hlebin, wo er junge autodidaktische Künstler aus der Bauernschaft trifft, Ivan Generalić ( Hauptkünstler dieser ganzen Bewegung) und Franjo Mraz. Tatsächlich kombinierten sie anschließend die kroatische Tradition und modernes Experiment, deine eigene Bildsprache finden.

Was sollten Sie zuerst über die kroatische naive Kunst wissen? Naive Künstler Kroatiens der ersten Welle der 30er Jahre. (insgesamt gibt es 4 Generationen kroatischer Naivart) stammten normalerweise aus großen Bauernfamilien. Die Ausbildung umfasste in der Regel 5 Klassen, dann Arbeit auf dem Feld. Einige von ihnen lernten Lesen und Schreiben erst in der Armee. Viele von ihnen leben noch immer auf ihren Höfen, manche in den Weinbergen, manche auf den Feldern. Bitte schön typisches Beispiel aus dem Leben des Klassikers der naiven Malerei, des großen Ivan Vechenaya:

„Eines Tages in den 70er Jahren traf sich der Künstler Hollywood-Schauspieler Yul Brynner, der sich zu der Zeit, als er den Film drehte, in Jugoslawien aufhielt. Yul verliebte sich buchstäblich in die Arbeit kroatischer naiver Künstler, betrachtete die Gemälde mit Vergnügen und diskutierte darüber. Und am Ende lud er Ivan Vechenay und seine Frau ein, in den Urlaub nach Amerika zu kommen. Als der zweiwöchige Urlaub zu Ende ging, wurde dem Paar angeboten, die Reise fortzusetzen und nach Florida ans Meer zu fahren. Darauf antwortete Vechenayas Frau, dass es Zeit für sie sei, zurückzukehren, weil der Mais reif sei und er geerntet werden müsse.“

Die Hauptthemen sind daher einige Szenen aus dem bäuerlichen Leben, Porträts von Bauern, Skizzen des Alltagslebens und ruhige Landschaften. Die Hauptthese der Schule wurde von ihrem wichtigsten ideologischen Inspirator Hegedusic ausgedrückt: „Zeichne, was du siehst.“ Sehr charakteristisch für diese Schule sind die lebendige Farbe (das Arbeiten mit Farbe wird aufgrund der Unkenntnis einiger Grundlagen durch die Meister als sehr gewagt und dissonant angesehen) und eine einzigartige Technik der Glasmalerei im umgekehrten Verfahren. So beschreiben Experten diese Technik: „Dies ist eine sehr arbeitsintensive Technik, weil der Autor sie auferlegt Ölfarbe in umgekehrter Reihenfolge auf das Bild auftragen - zuerst die Highlights zeichnen und kleine Details, und dann wird das Muster Schicht für Schicht aufgetragen. Mit dieser Technik lässt sich nichts korrigieren, denn die allererste Schicht, die das Publikum durch das Glas sieht, bleibt für den Autor sozusagen am „Untergrund“ des Werkes, zu dem es nicht mehr möglich ist zurückkehren. Um mit dieser Technik Gemälde zu erstellen, sind ein ausgezeichnetes räumliches Vorstellungsvermögen und eine ausgeprägte Aufmerksamkeit erforderlich. Beim Betrachten der sorgfältig gezeichneten Gemälde der Anhänger der Khlebinsky-Schule fällt dem Betrachter oft auf, dass „dieses naive kroatische Gemälde gar nicht so naiv ist.“

Iwan Generalich

Ein Klassiker der kroatischen und weltlichen naiven Kunst. Sie nennen ihn seit langem nichts anderes als „hervorragend“. Einer der ersten (und vielleicht sogar der ersten) kroatischen Naiven, der in den europäischen Markt eindrang. Seine erste ausländische Einzelausstellung fand 1953 in Paris mit für dieses Genre beispiellosem Erfolg statt.

Im Werk Generalichs gibt es mehrere Perioden. Die Belcanto-Zeit ist lyrisch, die Themen sind überwiegend landschaftlich. Später, in den 50er Jahren, wandte sich Generalich der Allegorie, dem Symbolismus und der Fantasie zu. In den 60er Jahren verstärkte sich „der Anteil an Theatralik und Fabelhaftigkeit“ in seinem Werk.

Ivan Rabuzin

Ein weiterer Klassiker der kroatischen und weltweiten naiven Kunst, der als „einer der lyrischsten Künstler des 20. Jahrhunderts und ein wahrer Meister neuer Bilder bei der Entstehung abstrakter Bewegungen“ bezeichnet wird.

Rabuzin war im Gegensatz zu vielen naiven Menschen immer noch fertig Grundschule, begann in Zagreb ein Tischlerstudium und machte anschließend eine beneidenswerte Karriere in einem Tischlerunternehmen: Von 1950 bis 1963 war er zunächst Tischlermeister, dann Geschäftsführer, dann technischer Direktor und schließlich Betriebsleiter. Etwa zur gleichen Zeit, im Jahr 1963, wurde er professioneller Künstler.

Rabuzins Malerei zeichnet sich durch die spezifische Lyrik des Ortes, originelle Formen und Farben sowie seinen eigenen Stil aus. Rabuzin fand sich in Kreisen (Kugeln, Farbpunkten) wieder – die einfachste, vollständigste und perfekteste visuelle Lösung.

Mijo Kovacic

Kovacic hat eine typische Biografie eines naiven Künstlers: 1935 in eine arme Bauernfamilie hineingeboren, Ausbildung - 4. Klasse, jüngstes von 5 Kindern, gearbeitet Landwirtschaft und Hausarbeit.

Er lebte in einem Nachbardorf Chlebina, in dem gleichzeitig Ivan Generalich arbeitete. Nachdem er davon erfahren hatte, begann Milhaud, ihn regelmäßig zu Fuß (8 km) zu besuchen, um Rat zu holen und zu lernen.

Kovacics Gemälde (wie üblich Öl/Glas) zeichnen sich durch riesige (für diese Art von Malerei) Gemälde von bis zu 2 Metern aus, gezeichnet mit manischen Details, mit vielen Gesichtern und Charakteren, mit mystischen Landschaften, einer phantasmagorischen Atmosphäre und einer allgemeinen Fabelhaftigkeit.

Ivan Vechenay

Es wird angenommen, dass Vechenays Werk aus Gleichnissen, ländlichen Legenden und anderen Folklorestücken entstand, die er in seiner Kindheit gehört hatte. Auch Kunstkritiker Er gilt als einer der besten Koloristen unter den naiven Künstlern. In seinen Werken findet man leicht feurige Wolken, lila Gras, grüne Kühe und graue Hähne. Zusammen mit Ivan Generalić und Mijo Kovacic nahm er an der „Tour“ der kroatischen naiven Kunst in den 70er Jahren teil. die ganze Welt erobert.

Martin Mehkek

Er leistete einen bedeutenden Beitrag zur kroatischen naiven Kunst, vor allem mit einer Reihe von Porträts. Auf Drängen des Journalisten und Sammlers G. Ledic begann er, sich systematisch mit der Malerei zu beschäftigen. Er verbessert die Technik des Zeichnens auf Glas und erstellt Porträts der Menschen um ihn herum: Nachbarn, Zigeuner, Bauern, Tagelöhner. So wurde er zu einem herausragenden Porträtmaler.

Emeric Fejes

Vielleicht eines der schönsten Beispiele kroatischer naiver Kunst. Seine ersten Gemälde entstanden 1949 im Alter von 45 Jahren. Zu diesem Zeitpunkt war er aufgrund einer Behinderung bereits bettlägerig. Fejes ist vor allem für seine Stadtlandschaften bekannt. Gleichzeitig war er noch nie in all diesen Städten gewesen – alle seine Werke wurden von Postkarten kopiert. Darüber hinaus Schwarz-Weiß-Postkarten, die ihm einen recht freien Umgang mit Farbe ermöglichten. Was er tat, nicht ohne Vergnügen.

Folgendes schrieben die Forscher über ihn: „Feyes verwendet erhebliche Vereinfachungen, Freiheit in der Komposition, eine ungehemmte, man könnte sagen, unlogische Perspektive, die zu Veränderungen in der Tektonik architektonischer Formen, realen Proportionen, Volumenmangel und Willkür der Farbe führt.“ Lösungen.“

Seine Werke machen einen starken Eindruck: völlige Missachtung realer Farben, aller Regeln der Perspektive, der Proportionen und des Volumens, mit flacher Architektur (keine Dreidimensionalität!), nahe und entfernte Objekte haben gleichermaßen klare und intensive Farben. Und natürlich ist der Horizont fast überall verstreut. Im Allgemeinen - ein Klassiker!

Fejes starb 1969 in Ehren und Respekt: ​​Er nahm an allen renommierten Ausstellungen naiver Kunst teil, sein Werk wird in „allen seriösen Monographien, die diesem spezifischen künstlerischen Phänomen des 20. Jahrhunderts gewidmet sind“ beachtet.

(Es wurden Materialien aus der Forschung zur kroatischen naiven Kunst von Vladimir Temkin verwendet)