Kunstgeschichte. Die magische Welt der kroatischen Naivmalerei Was ist das Bemerkenswerte an der kroatischen Naivmalerei?

Schlüsselwörter

IVAN VECENAJ / IVAN VECENAJ / KHLEBINSKAYA-SCHULE/HLEBIN-SCHULE/ NAIVE KUNST/NAIVE KUNST/ KROATISCHES PRIMITIVES/KROATISCHE KUNST/ KUNSTGESCHICHTE/ KUNSTGESCHICHTE

Anmerkung wissenschaftlicher Artikel zur Kunstgeschichte, Autorin der wissenschaftlichen Arbeit - Sofya Antonovna Lagranskaya

Der Artikel ist dem Werk des Künstlers Ivan Vecenaj gewidmet, einem Vertreter der Hlebinka-Schule des führenden Trends in der kroatischen Naivmalerei. Der Autor hat versucht, das Werk des Künstlers zu analysieren und archaische Symbole in Werken der Glasmalerei am Beispiel einer Analyse konkreter Werke zu interpretieren, die zum Verständnis des Konzepts beitragen Khlebinskaya-Schule im Allgemeinen seine untrennbare Verbindung mit Folkloretraditionen und Volksbräuchen. Leider gibt es in der heimischen Kunstgeschichte keine Materialien, die diesem Studium gewidmet sind kreativer Weg Ivana Vechenaya. Der Autor hofft, dass dieser Artikel allen Interessierten weiterhilft naive Kunst und primitiv, das vielfältige Talent dieses Künstlers zu entdecken.

Kroatische naive Kunst: Ivan Vecenaj

Abgesehen von der professionellen Kunst erwiesen sich die Malerei der kroatischen Primitivisten und die Individualität ihrer Position nicht nur als nah am ästhetischen Denken des 20. Jahrhunderts, sondern auch als organische Folge des Einflusses der Kultur der städtischen Unterschicht und der Folklore . Die Bauern sind zweifellos zutiefst religiös, aber in ihren Gemälden spiegelte sich dies nicht praktisch wider: Die Künstler konzentrierten sich mit einem angemessenen Anteil an Egoismus eher auf die Natur und die Menschen in ihrer Nähe. Die Ausnahme ist Ivan Vecenaj (1920-2013). und sein für die bäuerliche Primitivität untypischer biblischer Zyklus, der eine neue Seite in der kroatischen Naivkunst aufschlug, war der größte Trend in der kroatischen Naivkunst. Dabei handelt es sich um eine alte Technik Der Künstler malt Schicht für Schicht von den Details zum Hintergrund und verleiht seinen Figuren ein wenig Fantasie, egal ob es sich um mehrfarbiges Laub mitten im Winter oder einen violetten Farbton einer Kuhwolle handelt. Vecenaj tendiert in seinen Werken eher zum Realismus, jedoch mit Elementen des Ausdrucks, der Groteske und der Ironie. Vecenaj bewegte die Heiligen Schriften in Raum und Zeit, modernisierte sie und platzierte sie in einer vertrauten Umgebung. Seine Bilder sind Darstellungen des Leidens und des ehrfürchtigen Glaubensbewusstseins. Die Palette ist hell und gesättigt, als würde sie die Hysterie der Geschichten widerspiegeln. In den Werken von Vecenaj begegnet der Betrachter der Grausamkeit des Bildes, die für die bäuerliche naive Kunst untypisch ist und die weniger in den Motiven als vielmehr in der abstoßenden Darstellung von Landschaften liegt: verbrannte Wüsten, verkohlte Bäume, dornige Büsche usw blutroter Himmel All dies erzeugt ein Gefühl von Unbehagen und Angstgefühlen, die für die pastorale naive Kunst der Hlebine-Schule völlig untypisch sind. Die überwiegende Mehrheit der Genreszenen im bäuerlichen Primitivstil ist darauf zurückzuführen, dass es für Bauern einfach einfacher und klarer ist, die Umgebung darzustellen. Daher ist in einer endlosen Reihe von Ernte- und Festszenen der Individualismus, den Ivan Vecenaj geschaffen hat Der Beitrag des Künstlers zur Hlebin-Schule liegt gerade in seinen religiösen Werken. Hier entdeckt er einen einzigartigen Traditionalismus im Kontext der heiligen Thematik der Beziehungen der Bauern zu Gott.

Text einer wissenschaftlichen Arbeit zum Thema „Naive Malerei Kroatiens: Ivan Vecenaj“

Vestnik Tomskogo staatliche Universität Kulturwissenschaften und Kunstgeschichte. 2018. Nr. 30

UDC 7.031.2+75.023.15 B01: 10.17223/22220836/30/14

S.A. Lagranskaya NAIVE GEMÄLDE KROATIEN: IVAN VECENAI

Der Artikel ist dem Werk des Künstlers Ivan Vecenaj gewidmet, einem Vertreter der Hlebinka-Schule – der führenden Richtung in der kroatischen Naivmalerei. Der Autor hat versucht, das Werk des Künstlers zu analysieren und archaische Symbole in Werken der Glasmalerei am Beispiel einer Analyse spezifischer Werke zu interpretieren, die dazu beitragen, das Konzept der Chlebinsky-Schule als Ganzes und ihre untrennbare Verbindung mit Folkloretraditionen und Folk zu verstehen Zoll. Leider gibt es in der russischen Kunstgeschichte keine Materialien, die sich mit der Erforschung des kreativen Weges von Ivan Vechenaya befassen. Der Autor hofft, dass dieser Artikel allen, die sich für naive und primitive Kunst interessieren, hilft, das vielfältige Talent dieses Künstlers zu entdecken.

Schlüsselwörter: Ivan Vechenay; Khlebinskaya-Schule; naive Kunst; Kroatisches Primitiv; Geschichte der Kunst.

Die Malerei der kroatischen Primitivisten stand nicht nur dem ästhetischen Denken des 20. Jahrhunderts nahe, sondern war auch eine organische Folge der Verschmelzung von Stadtkultur und Folklore: Sie trat als lebendiger Strom in den internationalen künstlerischen Prozess ein und erlebte einen starken Aufstieg eine Zeit erhöhten Interesses an Kreativität naive Künstler in Europa in den sechziger Jahren.

Der größte jugoslawische Forscher der naiven Kunst, Oto Biha-li-Merin, ging nicht ohne Grund davon aus, dass es zum Verständnis eines Künstlers normalerweise ausreicht, seine Werke zu studieren, „für Bauernmeister gelten jedoch die Konzepte „Leben“ und „Kreativität“. untrennbar." Sie praktizierten Kunst in ihrer Freizeit von der Feldarbeit – Kreativität war eine Fortsetzung der Linearität ihres Lebens, ohne spontane Inspirationsschübe auszulösen und ohne bäuerliche Belange in den Hintergrund zu drängen. „Ihre Werke sind voller Energie und spiegeln natürliche Einsicht und naive poetische Vision wider“ – wie alle naiven Künstler verwendeten die kroatischen Primitivisten eine reiche Farbpalette, hielten an klaren Konturen fest und beherrschten die Perspektive nicht immer. Und obwohl die Bauern zutiefst religiöse Menschen waren, waren die Motive der Gemälde immer noch von alltäglichen Sorgen und Freuden geprägt und der Bezug zur Religion trat in den Hintergrund. Die Werke von Ivan Vecenaj (1920-2013) gelten zu Recht als Ausnahme – sein für bäuerliche Primitiven untypischer Bibelzyklus schlug eine neue Seite in der kroatischen naiven Kunst auf.

Vecenai wurde in einer armen Bauernfamilie im Dorf Gola geboren. Zukünftiger Künstler Er war der älteste von sechs Brüdern und hatte vier Schuljahre abgeschlossen. Er half seinem Vater bei der Hausarbeit und arbeitete Teilzeit für wohlhabendere Bauern. Der Meister zeigte schon als Kind seine Liebe zur Kreativität und verbrachte lange Winterabende mit Bleistiftzeichnungen, aber mit Schreiben Hauptwerke begann erst 1953 zu malen, nachdem er Krsto Hegedušić (1901-1975), einen Zagreber Künstler, den ideologischen Inspirator der Khlebinsky-Schule, kennengelernt hatte

Ivan Generalich (1914-1992), der berühmteste Bauernkünstler. Zwei Jahre später beteiligte sich Vecenai an einer gemeinsamen Ausstellung mit anderen Einwohnern von Hlebin im Museum der Stadt Koprivnica. Ende der fünfziger Jahre beherrschte Vecenai die von Hegedusic demonstrierte Technik der Unterglasmalerei: Das Bild wird spiegelverkehrt gemalt – nicht auf der Vorderseite, sondern auf der Rückseite des Glases. Eine Bleistiftskizze, oft sehr skizzenhaft, wird als Hinweis unter das Glas gelegt allgemeine Zusammensetzung Bilder, dann ist der Vordergrund geschrieben, alles kleine Details und so weiter Schicht für Schicht, bis hin zum Hintergrund.

Mitte der sechziger Jahre widmete sich der Künstler der Malerei, während er sich gleichzeitig für Linguistik und Ethnographie interessierte. In Kroatien ist Vecenaj auch als Dichter und Lokalhistoriker bekannt – in seinem Haus in Gol befinden sich etwa tausend Objekte aus der ethnografischen Sammlung, die dem Leben und der Geschichte gewidmet sind Heimat Künstler. Vecenai ist Autor von sieben Büchern: Bänden zur Lokalgeschichte und Linguistik, einem Wörterbuch sowie zwei Romanen und einer Gedichtsammlung. Seit 1999 ist Vecenaj Mitglied des Kroatischen Schriftstellerverbandes. Sein Haus in Gol wurde restauriert und die ehemaligen Ställe wurden in eine Galerie umgewandelt, in der sich die größte Sammlung von Werken des Künstlers befindet. Sein Sohn Mladlen malt ebenfalls und interessiert sich für Ethnographie. Zusammen mit ihrem Vater gründeten sie in den Nebengebäuden ihres Anwesens ein kleines Heimatmuseum.

Vechenays Werke werden in der Privatsammlung des Fürsten von Monaco sowie in aufbewahrt große Museen und Galerien auf der ganzen Welt – Paris, Turin, New York, München, Tokio. 1987 erschien in London die „Bibel der Kunst des 20. Jahrhunderts“, in der sich unter den Gemälden der Klassiker der akademischen Malerei auch das Werk „Die vier Reiter der Apokalypse“ von Ivan Vechenaya befindet (Abb. 1). .

Der Künstler betrachtete dies als eine große Errungenschaft nicht nur für die kroatische naive Kunst, sondern für sein Land insgesamt. 1996 nominierte das American Biographical Institute Vecenay für die Auszeichnung „Person des Jahres“ und überreichte dem Künstler eine Goldmedaille mit der Aufschrift: „Ausgezeichnet für seinen Beitrag zur Entwicklung der Menschheit auf dem Gebiet der Malerei.“ Zahlreiche Aufsätze und zwei große Monographien der kroatischen Kunsthistoriker G. Gamulin und T. Marojevic sind dem Werk von Vecenai gewidmet. Vecenaj nahm an der Zagreber Triennale (1970, 1973 und 1987) und dem Bratislava Naive Art Festival (1966, 1969, 1972, 1994) teil und nahm auch an Gruppenausstellungen kroatischer naiver Künstler auf der ganzen Welt teil. Die bemerkenswertesten und begeistertesten Kritiken waren internationale Ausstellungen in London (Mercury Gallery, „Khlebinskaya School“, 1965), Tokio (Setegai Museum of Art, „Eleven Artists from Jugoslavia“, 1994) und St. Petersburg, Florida, USA („ Fantastische Welt Kroatische naive Kunst“, 2000).

Wie andere kroatische Künstler tendiert Vecenaj zur Beschreibung und zum Geschichtenerzählen: Das Bild muss unbedingt eine Geschichte oder ein Stück Erinnerung enthalten. Das Epigraph zum biblischen Zyklus des Künstlers könnte ein Zitat aus der Offenbarung des Theologen Johannes sein: „Siehe, ich komme schnell, und mein Lohn ist mit mir, um jedem nach seinen Taten zu geben.“ Vecenai war ein zutiefst religiöser Mann: Er wuchs in einer patriarchalischen, armen Dorffamilie auf und hatte als junger Mann nicht die Mittel, sich Bücher zu kaufen, sodass die Bibel sie alle für ihn ersetzte. 1962 schrieb er die ersten Werke des Bibelzyklus,

Bezug nehmend auf die Geschichten des Alten und Neuen Testaments. In diesen ersten Werken verwendet Vechenay eine Technik, die für naive Meister charakteristisch ist: Er überträgt die Themen der Heiligen Schrift in Raum und Zeit, modernisiert sie und platziert sie in der vertrauten Umgebung der Subdravinsky-Bauernschaft. Und obwohl die Helden wie Vorbilder in der Renaissance-Malerei in Lendenschurzen oder völlig nackt dargestellt werden, besteht für den Betrachter kein Zweifel daran, dass alles, was passiert, untrennbar mit der Realität um den Künstler verbunden ist. Der Meister demonstriert dieselbe Eigenschaft in Genrewerken und demonstriert die Harmonie der Beziehungen zwischen Mensch und Natur: Die Helden sind „Fleisch vom Fleisch“ des Künstlers – die gleichen rauen Gesichtszüge, knorrigen Finger, ein sonnenverbranntes Gesicht, gepunktet mit Falten und vom Wind verhärtet; und ihre Berufe sind ganz typisch für Vertreter ihrer Klasse – Ernten, Vieh treiben, Mähen, Taufen, Hochzeiten, Beerdigungen. Der Meister fügt seinen Charakteren ein Stück Fantasie hinzu – seien es Bäume, die mitten im Winter in bunte Blätter gekleidet sind, oder der violette Farbton des Fells einer Kuh. In seinen Landschaften und Genreszenen tendiert Vecenai eher zum Realismus, jedoch mit Elementen des Ausdrucks, der Groteske und der Ironie.

Reis. 1. Reiter der Apokalypse. 1978. Glas, Öl. Galerie Ivan Vechenaya, Gola

Vecenai greift oft auf das Bild eines Hahns zurück: Diese Figur ist in fast jedem Gemälde präsent und fungiert als Leitfaden für die Fantasiewelt des Künstlers. Die kroatische Kunstkritikerin und Publizistin Bozica Jelušić betrachtet das Bild eines Hahns als Symbol des Metaphorischen und Metaphysischen im Werk des Künstlers: Vor dem Hintergrund klappriger Häuser und Bauern bewegt sich eine ganze Reihe leuchtender Hähne voller Mystik bei der Arbeit von religiösen und magischen Kulten, als ob „der Hahn eine symbolische Rolle spielt und darauf hinweist, dass zu seinen Tugenden Stolz, die Entschlossenheit eines Kämpfers, Mut, Freundlichkeit und Loyalität gehören.“

In seinen Werken vermittelt Vecenai häufig die Stimmung eines Gemäldes verschiedene Farbtöne Himmel und Vielfalt der Vegetation: Die Natur pastoraler Landschaften, die mit strahlend blauem Himmel und smaragdgrünen Wasserwiesen funkeln, wirkt zusammen mit den brutalen Figuren der Bauern als vollwertiger Teilnehmer des Bildes und in den Werken des biblischen Zyklus mit dornigem Schwarz Büsche und dunkle Wolken sind eher ein Akkord, der die Handlung ergänzt und ihre Symbolik widerspiegelt. Der Himmel am Ewigen ist ein archaisches Symbol der Antike, bei dessen Betrachtung ein Mensch mit Entsetzen und Freude, Ehrfurcht und Angst erfüllt war. Der Himmel zog ihn an und stieß ihn gleichzeitig ab – er wirkte von Natur aus übernatürlich und wurde dadurch zu einem heiligen Symbol: „Es schien den Menschen, als könne man gehen, indem man in den Himmel stürmte, der Transzendenz versprach.“ über die Grenzen der sterblichen menschlichen Existenz hinausgehen und etwas anderes finden.

Die gleiche Technik ist in der Arbeit „Reiter der Apokalypse“ zu sehen. Das semantische Zentrum des Bildes sind vier bewaffnete Reiter, hässliche Skelettwesen, die Wirbelstürme aus eisigem Regen auf die Erde schicken und Zerstörung und Tod säen. In der unteren linken Ecke platzierte der Künstler ein schematisches Bild von Menschen, die in die Flucht geschlagen wurden. Der Hintergrund ist ein stürmischer Himmel, der mit dunkelblauen Wolken bedeckt ist. In der unteren rechten Ecke ist ein Falke zu sehen: Der Vogel ist ein Vorbote der Zukunft, eine Allegorie der Wiedergeburt. In diesem Werk spiegelt Vecenai die gottesfürchtige Moral wider, die in der ihn umgebenden Gesellschaft herrschte, die Angst vor der Unvermeidlichkeit der himmlischen Strafe. Aber gleichzeitig versucht der Künstler, das Bewusstsein der Bauern aus ihrem lethargischen Schlaf zu erwecken, sie aufzurütteln und warnt davor, dass die Apokalypse zwar unausweichlich ist, sie aber nicht im Kampf um ihre Seele verzweifeln sollten, denn jeder „wird es tun.“ werde für deine Taten belohnt.“ In einem anderen Werk aus dem biblischen Zyklus „Golgatha“ (Abb. 2) kommt die gleiche Dramatik durch den Hintergrund zum Ausdruck – die verbrannte Wüste im Hintergrund als Symbol für karges Land vermittelt ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit. Die Charaktere sind unverhältnismäßig lang, wie in den Gemälden von Salvador Dali, aber Vecenai lässt sie aus seiner eigenen Fantasie entstehen, ohne zu versuchen, den brillanten Surrealisten nachzuahmen. Jesus wird an den Stamm eines kahlen Baumes genagelt – seine Dornenkrone ist bereits mit Blut befleckt, aber der Wächter sticht weiterhin mit einem Speer auf ihn ein und Blut spritzt wie eine Fontäne aus der Brust Christi. Zwei Räuber – rosagraue Gestalten in verzerrten Posen – an Holzkohlebaumstämme gefesselt – eher gehängt als gekreuzigt (Vecenai verwendet die gleiche Version des Bildes in anderen Werken, die die Kreuzigungsszene illustrieren). Der Hahn, der als Dirigent zwischen der Welt der Lebenden und der Toten fungierte, erstarrte mit erhobenen Flügeln zu Füßen Christi als weiterer Trauernder. Alle Arbeiten sind durchdrungen von

Schmerz und Schmerz, als ob der Künstler das Leiden vermitteln möchte, mit dem der Erretter die Sünden der Menschen gesühnt hat.

Reis. 2. Golgatha. 1977. Glas, Öl. Galerie Ivan Vechenaya, Gola

In der Arbeit „Evangelisten auf Golgatha“ (Abb. 3) spiegeln schwarze Wolken am purpurroten Himmel die Tragödie des Geschehens wider, als ob das von Christus gebrachte Opfer der Natur ebenso Leid bringen würde wie den Menschen. In der Mitte des Bildes steht ein gekreuzigter Jesus, seine Augen sind verdreht, was auf seinen Todeskampf hinweist, und seine Körperfarbe ist graugrün, als wäre er schon lange tot. Christus ist mit blutenden Wunden bedeckt und mit sechs Nägeln gefesselt – Symbolen des Leidens und der Leidenschaft – sein ganzer Körper ist sehnig, angespannt, durch die dünne Haut sind Muskeln und Adern sichtbar. Sein Bild ist im gotischen Stil mit dem für den Künstler charakteristischen Ausdruck ausgeführt. Um die Hauptfigur herum gibt es undurchdringliches Dickicht und vier Figuren entsprechend den kanonischen Symbolen, die die Apostel symbolisieren: einen Adler, einen Löwen, einen Stier und

Engel - die Augen aller vier sind auf Christus gerichtet. Dargestellt sind auch zwei Diebe: Derjenige, der den Glauben gefunden hat, nimmt demütig sein Schicksal an der rechten Hand des Erlösers an, während zu seiner Linken der Atheist qualvoll stirbt.

Reis. 3. Evangelisten auf Golgatha. 1966. Glas, Öl. Kroatisches Museum für Naive Kunst, Zagreb

Unten im Kreuzsymbol Erbsünde Die Schlange und die Leiter, Symbol des Aufstiegs. Rechts obere Ecke Schematisch ist eine Gruppe von acht Personen dargestellt, als würde der Künstler den Betrachter dazu einladen, selbst zu erraten, wer hier abgebildet ist – untätige Zuschauer oder Figuren aus dem Neuen Testament. Den für die weiblichen Charaktere charakteristischen roten Gewändern und den Beschreibungen des Evangeliums zufolge können vier von ihnen als „seine Mutter und die Schwester seiner Mutter, Maria von Klopas und Maria Magdalena“ identifiziert werden. Die anderen drei sind höchstwahrscheinlich der heilige Petrus, Johannes der Täufer und Jakobus; Die vierte Figur, die fast unbekleidet auf dem Boden sitzt, ist unbekannt – vielleicht ein Selbstporträt. In den Tiefen des Dickichts platzierte der Künstler die Figur des gehängten Judas als Symbol des Verrats, und neben den Aposteln, von denen jeder ein Manuskript mit Zitaten aus dem Evangelium hält, stehen Kerzen, Symbole der Göttlichkeit. Diese Phrasenfragmente bilden das Gesamtbild, das der Künstler vermitteln wollte: Das Gemälde ist ein Manifest des Leidens Christi, ein Akt großer Selbstaufopferung, der gleichzeitig mit unglaublichem Leid und erstaunlichen Wundern verbunden ist.

Außer Mijo Kovacic (geb. 1935) war in den frühen siebziger Jahren kein Künstler der Khlebinsky-Schule so überzeugend in seinen Interpretationen der Heiligen Schrift. Aber trotz der Ähnlichkeit der Werke von Vecenai und Kovacic kann man in den biblischen Zyklen Künstler sehen Besonderheiten: „Kovačić verfolgt den Weg der Nivellierung kanonischer Traditionen und bringt eine ironischere Sicht auf das Christentum zum Ausdruck, während Vecenai sich im Gegenteil eher strikt an die Bibel hält, ohne sie einer Extrapolation zu unterziehen.“ Vechenays religiöse Werke sind wie antike Legenden voller Fabelhaftigkeit und Phantasmagorismus und spiegeln die Vision des Künstlers, seine persönliche Einstellung zu den Gleichnissen des Alten und Neuen Testaments wider.

Die überwiegende Mehrheit der Genreszenen in bäuerlicher Primitivität entsteht, weil es für Bauern einfach und verständlich ist, ihre Umgebung darzustellen. Daher ist in der endlosen Reihe von Ernte- und Festszenen der Individualismus so wertvoll, dass er im Rahmen etablierter Kanons einen naiven Künstler zeigt und seinen eigenen eigenwilligen Stil formt. Die bescheidene Zahl biblischer Motive erklärt sich aus einer rein persönlichen Glaubenserfahrung, die Bauern nicht gewohnt sind, öffentlich zu teilen, und Vechenays Beitrag zur Bewegung liegt gerade in seinen religiösen Werken – hier offenbart sich ein einzigartiger Traditionalismus im Rahmen des Heiligen Thema der Beziehungen zu Gott für Bauern.

Literatur

1. Bihaljia-Merin O. Moderne Primitiven: Meister der naiven Malerei. New York: Abrams, Cop. 1959. 304 Rubel.

2. Jelusic B. Vecenajevih pet prstiju. Zagreb: Galerija Mirko Virius, 2010. 130 S.

3. Armstrong K. Kurze Geschichte Mythos. M.: Offene Welt, 2005. 160 S.

4. Bibel, Johannesevangelium [Elektronische Ressource] URL: http://allbible.info/bible/sino-dal/joh/19#25 (Zugriffsdatum: 19.06.2017).

5. Jacob M.J. Naive und Outsider-Malerei aus Deutschland: Eine Einführung // Naive und Outsider-Malerei aus Deutschland und Gemälde von Gabriele Munter. Chicago: Museum of Contemporary Art, 1983. 118 r.

Lagranskaya Sofia A., Staatliches Institut für Kunststudien (Moskau, Russische Föderation).

E-Mail: [email protected]

Zeitschrift für Kulturwissenschaften und Kunstgeschichte der Staatlichen Universität Tomsk, 2018, 30, S. 139-146.

DOI: 10.17223/2220836/30/14

KROATISCHE NAIVE KUNST: IVAN VECENAJ

Schlüsselwörter: Ivan Vecenaj; Hlebin-Schule; naive Kunst; Kroatische Kunst; Kunstgeschichte.

Die Bauern sind zweifellos zutiefst religiös, aber in ihren Gemälden spiegelte sich dies nicht praktisch wider: Die Künstler konzentrierten sich mit einem angemessenen Anteil an Egoismus eher auf die Natur und die Menschen in ihrer Nähe. Die Ausnahme ist Ivan Vecenaj (1920-2013). und sein Bibelzyklus – untypisch für die bäuerliche Primitivität –, der eine neue Seite in der kroatischen naiven Kunst aufschlug.

Wie die meisten Vertreter der Hlebin-Schule – der größten Strömung in der kroatischen naiven Kunst – arbeitete Vecenaj mit Öl auf Glas. Hierbei handelt es sich um eine alte Technik, bei der der Künstler umgekehrt malt – Schicht für Schicht von den Details bis zum Hintergrund.

Vecenaj fügte seinen Figuren ein wenig Fantasie hinzu – sei es buntes Laub mitten im Winter oder ein violetter Farbton der Wolle einer Kuh. In seinen Werken tendiert Vecenaj eher zum Realismus, jedoch mit Elementen des Ausdrucks, der Groteske und der Ironie.

S.A. HaspancKan

Vecenaj bewegte die Heiligen Schriften in Raum und Zeit, modernisierte sie und platzierte sie in einer vertrauten Umgebung. Seine Bilder sind Darstellungen des Leidens und des ehrfürchtigen Glaubensbewusstseins. Die Palette ist hell und gesättigt, als würde sie die Hysterie der Geschichten widerspiegeln. In Vecenajs Werken begegnet der Betrachter der Grausamkeit des Bildes, die für die bäuerliche naive Kunst untypisch ist – und sie liegt weniger in den Motiven als vielmehr in der abstoßenden Darstellung von Landschaften: verbrannte Wüsten, verkohlte Bäume, dornige Büsche, und blutroter Himmel - all dies erzeugt ein Gefühl von Unbehagen und Angst – Emotionen, die für die pastorale naive Kunst der Hlebine-Schule völlig untypisch sind.

Die überwiegende Mehrheit der Genreszenen im bäuerlichen Primitivstil ist darauf zurückzuführen, dass es für Bauern einfach einfacher und klarer ist, die Umgebung darzustellen. Daher ist in einer endlosen Reihe von Ernte- und Festszenen der Individualismus, den Ivan Vecenaj geschaffen hat Der Beitrag des Künstlers zur Hlebin-Schule liegt gerade in seinen religiösen Werken – hier entdeckt er einen einzigartigen Traditionalismus im Kontext des für die Bauern heiligen Themas – der Beziehungen zu Gott.

1. Bihaljia-Merin, O. (1959) Moderne Primitiven: Meister der naiven Malerei. New York: Abrams,

2. Jelusic, B. (2010) Vecenajevih pet prstiju. Zagreb: Galerie Mirko Virius.

3. Armstrong, K. (2005) Kratkaya istoria mifa. Aus dem Englischen übersetzt von A. Blaze. Moskau: Offene Welt.

4. Bibel, Evangelie ot John.

5. Jacob, M.J. (1983) Naive und Outsider-Malerei aus Deutschland: Eine Einführung. In: Munter, G. Naive und Outsider-Malerei aus Deutschland und Gemälde. Chicago: Museum für zeitgenössische Kunst.

Eine Ausstellung mit diesem Titel, die in Moskau im Museum für Naive Kunst eröffnet wurde, war Anlass für ein Interview mit dem Sammler Vladimir Temkin. Er brachte 16 Werke in die Hauptstadt Kroatische Künstler, Vertreter von vier Generationen von Anhängern der berühmten Khlebinsky-Schule.

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„Die naive Podravka-Malerei zeichnet sich durch Motive aus dem alltäglichen Dorfleben, ruhige Landschaften sowie lebendige Lokalkolorit aus, die besonders charakteristisch für die einzigartige Technik der Glasmalerei sind. Die Motive, Farben und Techniken sind so typisch, dass die Malerei der Khlebinsky-Schule gleichermaßen von Experten, Kritikern und gewöhnlichen Amateuren anerkannt wird“, liest Wladimir sein eigenes Zitat in einem der Kataloge vor. Mit kroatischen Künstlern ist er schon lange befreundet, und er ist genau befreundet – Vladimir Temkin kannte persönlich 13 der 16 Autoren der Werke der Ausstellung in Moskau. Der Sammler gibt zu, dass dies für ihn nicht nur ein Kauf von Kunstwerken ist, sondern eine Gelegenheit, Freunde zu finden, zu kommunizieren und etwas zu schaffen.

Die Hlebinsk-Schule in Kroatien sah nie wie eine klassische Bildungseinrichtung mit Programmen, Pulten und Schülern aus. Dieser Begriff wird üblicherweise verwendet, um den Prozess der Weitergabe von Wissen und Traditionen von Generation zu Generation autodidaktischer kroatischer Künstler zu beschreiben. Am Anfang dieses Prozesses stand in den 30er Jahren des letzten Jahrhunderts der aus dem kroatischen Dorf Hlebine stammende akademische Künstler Krsto Hegedusic. Nach seinem Studium in Paris kehrte der junge Künstler in seine Heimat zurück und suchte intuitiv nach einer Möglichkeit zur Selbstdarstellung für sich und sein Volk. „Während ihrer Gründung wurde die Khlebinsk-Schule gleichzeitig vom soziokulturellen Kontext und den von der professionellen Malerei inspirierten Ideen sowie dem Volksgefühl und der damaligen Stimmung beeinflusst“, schreibt Alexandra Volodina, stellvertretende Direktorin des Museums für Naive Kunst. im Katalog zur Ausstellung „Die von Hegedusic gewählten Ausdrucksmittel – Glasmalerei und leuchtende Farben – sind jetzt.“ Visitenkarte Chlebinsk-Schule.“

In etwa 90 % der Fälle malen kroatische naive Künstler Bilder auf Glas im sogenannten umgekehrten Verfahren. Laut Vladimir Temkin ist dies eine sehr arbeitsintensive Technik, da der Autor sie auferlegt Ölfarbe in umgekehrter Reihenfolge auf das Bild auf: Zuerst zeichnet er Glanzlichter und kleine Details und trägt die Zeichnung dann Schicht für Schicht auf. Mit dieser Technik lässt sich nichts korrigieren, denn die allererste Schicht, die das Publikum durch das Glas sieht, bleibt für den Autor sozusagen am „Untergrund“ des Werkes, zu dem es nicht mehr möglich ist zurückkehren. Um mit dieser Technik Gemälde zu erstellen, sind ein ausgezeichnetes räumliches Vorstellungsvermögen und eine ausgeprägte Aufmerksamkeit erforderlich. Beim Betrachten der sorgfältig gezeichneten Gemälde der Anhänger der Khlebinsky-Schule fällt dem Betrachter oft auf, dass „dieses naive kroatische Gemälde gar nicht so naiv ist.“

Szenen aus dem bäuerlichen Leben, die mit komplexen Techniken der Glasmalerei angefertigt wurden, haben weltweit Anerkennung gefunden. Wie Vladimir Temkin sagte, besuchten die Künstler der Khlebin-Schule Ausstellungen auf allen Kontinenten und nahmen an Empfängen für Präsidenten und Mitglieder königlicher Familien teil.

Als jedoch der Gründer der Hlebin-Schule, Krsto Hegedusic, die Arbeit seiner Schüler, jungen Bauern, erstmals der breiten Öffentlichkeit zeigte, brach in Zagreb ein Skandal aus. Zunächst wollten sie die Gemälde von Ivan Generalić, Franjo Mraz und anderen Schülern Hegedusićs, die keine klassische Kunstausbildung hatten, nicht als Kunst anerkennen. Wie Tiomkin betont, förderte Hegedušić aktiv die Kreativität der Bauern und versuchte zu beweisen, dass Talent nicht mit der Herkunft zusammenhängt und kein Privileg der Oberschicht ist, wie es in der akademischen Kunst der Fall war. Hegedusic forderte seine Schüler dringend auf, nichts zu erfinden oder zu fantasieren, sondern nur das zu zeichnen, was sie umgibt, das Leben eines einfachen Bauern.

Und so kam es, dass naive kroatische Maler in ihren Werken nicht nur das Alltagsleben des Dorfes Hlebine darstellten, sondern auch selbst Bauern blieben. „Alle, über die wir sprechen, bleiben, obwohl sie international anerkannte Künstler sind, immer noch Bauern. Mijo Kovacic zum Beispiel lebt immer noch auf seinem Bauernhof. Jeden Tag verbringt er Zeit in den Weinbergen, sät Mais, pflanzt Kartoffeln, treibt Honig und kümmert sich um die Bienen. All dies bleibt bestehen, obwohl die Person weltweit als Künstler anerkannt ist“, sagt Vladimir Tiomkin.

Unser Gesprächspartner nannte ein Beispiel aus dem Leben des naiven Malers Ivan Vechenaya. In den 70er Jahren lernte der Künstler einmal den Hollywood-Schauspieler Yul Brynner kennen, der sich zu dieser Zeit in Jugoslawien aufhielt, um einen Film zu drehen. Yul verliebte sich buchstäblich in die Arbeit kroatischer naiver Künstler, betrachtete die Gemälde mit Vergnügen und diskutierte darüber. Und am Ende lud er Ivan Vechenay und seine Frau ein, in den Urlaub nach Amerika zu kommen. Als der zweiwöchige Urlaub zu Ende ging, wurde dem Paar angeboten, die Reise fortzusetzen und ans Meer in Florida zu fahren. Darauf antwortete Vechenayas Frau, dass es Zeit für sie sei, zurückzukehren, da der Mais reif sei und er geerntet werden müsse.

Die Ausstellung präsentiert Werke von Malern aus etwa 80 Jahren der Existenz des Phänomens der Khlebin-Schule. Auch die Lithographie des Autors von Ivan Generalić (erste Generation), Gemälde von Mijo Kovacic, Ivan Lacković, Josip Generalić, Martin Mehkek und Maler, die an der Schwelle der Geschichte stehen, werden gewürdigt. Unter ihnen sind Nikola Vechenay Leportinov und Martin Koprichanets (zweite Generation).

Die dritte Generation naiver Künstler in Kroatien ist die zahlreichste. Stjepan Ivanec und Nada Svegovich Budaj sind Autoren, deren Werke dauerhaft im Museum für Naive Kunst in Zagreb ausgestellt sind. Im Anschluss an ihre Arbeit sind zahlreiche Artikel und Monographien verfasst worden. Darüber hinaus gehören zur dritten Generation Vladimir Ivanchan, Mirko Horvat, Ivan Andrasic und Biserka Zlatar.

Zur vierten Generation der Anhänger der Khlebin-Schule zählen laut Wladimir Tiomkin buchstäblich fünf Künstler. Der talentierteste von ihnen ist, wie viele Kritiker und Kunsthistoriker anerkennen, übrigens Drazen Tetets, ein Teilnehmer der Festnaive-Triennale 2013 in Moskau.

Während ihres Bestehens erlebte die Khlebinsky-Schule naiver Maler sowohl völlige Verleugnung und Verfolgung als auch universelle Anerkennung und Liebe. Laut Kunsthistorikern ist die Entwicklungsperiode des Phänomens der Khlebin-Schule zu Ende. Aber auf unsere Frage, was die naive Kunst der Welt in Zukunft erwartet, antwortet Vladimir Tyomkin optimistisch: „Ich denke, dass die naive Kunst eine sehr große Zukunft hat. Die Wahrnehmung verändert sich. Immer mehr Menschen beschäftigen sich mit der Malerei, versuchen sich auszudrücken und dadurch die Menschen um sie herum zu erkennen und besser zu verstehen. Es findet ein Austausch statt. Wer in der Lage ist, sowohl akademische als auch nichtakademische Kunst zu verstehen und zu akzeptieren, kann morgen das Werk eines naiven Künstlers kaufen und in seinem Haus aufhängen. Was ist der Unterschied zwischen einem naiven und einem nicht-naiven Künstler? Er ist ein Schöpfer und wenn das ein echtes Kunstwerk ist, dann berührt es die Seele, nicht wahr?“

Ausstellung " Magische Welt Kroatisch naiv“ wird bis zum 6. Juli im Museum für Naive Kunst an der Adresse: Moskau, Izmailovsky Boulevard, 30, stattfinden. Weitere Informationen auf der Website des Museums http://naive-museum.ru/

In unserem Land gibt es kaum einen mit Malerei vertrauten Menschen, der nicht die Namen der berühmtesten primitivistischen Künstler des 20. Jahrhunderts kennt: Niko Pirosmani (Georgien) und Henri Rousseau (Frankreich). Und nur wenige kannten Leute wie Generalich Ivan, Kovacic Mijo, Lackovich Ivan, Svegovich Nada. Diese primitivistischen Künstler aus Kroatien erhielten ein halbes Jahrhundert später Anerkennung als Pirosmani, Rousseau, Matisse, Goncharova und andere Primitivisten und Neoprimitivisten zu Beginn des letzten Jahrhunderts. Berühmtheit erlangten sie in Russland im Gegensatz zu anderen Ländern in den letzten fünf Jahren, als in mehreren Städten des Landes Ausstellungen primitivistischer Künstler der berühmten Khlebinsky-Schule aus Kroatien stattfanden.

Ich gestehe, dass ich selbst erst vor einem Jahr die kroatische Naivmalerei gesehen habe. Bei der Ausstellung der Sammlung des berühmten Geigers und Dirigenten Vladimir Spivakov, die 2017 in Moskau stattfand, machte ich auf ungewöhnliche Ikonen aufmerksam, die in Öl nicht auf Holz, sondern auf Glas gemalt wurden. Dabei handelte es sich um Ikonen aus Kroatien, die von Laienkünstlern geschaffen wurden. Die Einfachheit der Bilder gepaart mit der Vorstellungskraft der Künstler hat mich zu den Werken hingezogen. Aus dem Katalog erfuhr ich, dass Ikonen auf Glas als günstiger galten als präparierte Tafeln oder Leinwand und in Slowenien, Kroatien, Rumänien und den Alpenregionen weit verbreitet waren Westeuropa.

In diesem Sommer müssen die Einwohner von Jaroslawl nicht nach Moskau, Zagreb oder Nizza fahren, um eine der besten Schulen für Volksmalerei kennenzulernen – die kroatische. Besuchen Sie das Museum für ausländische Kunst am Sowjetskaja-Platz 2. Dort wurde am 7. Juli die Ausstellung „Das Wunder der naiven Kunst“ eröffnet aus der Sammlung berühmter Sammler Wladimir Tjomkin.

Wladimir Tjomkin interessierte sich für das Naive Kroatische Kunst vor mehr als zehn Jahren, nachdem ich in einer der Monographien die Werke von Volkskünstlern gesehen hatte. Eine Reise nach Kroatien führte zu einer Bekanntschaft mit modernen Meistern der Malerei und dem Wunsch, eine eigene Sammlung zusammenzustellen. Die erste persönliche Ausstellung fand 2014 in Kostroma statt (der Sammler lebt in Nerekhta, Region Kostroma). Dann gab es Moskau (in mehreren Museen), Brüssel, St. Petersburg, Tokio, Mytischtschi (Region Moskau). Nach Jaroslawl geht die Ausstellung nach Jekaterinburg.

V. Temkin über die Technik des Malens auf Glas:

„Viele kroatische Künstler arbeiten mit Leinwand und Karton, in Gouachen und Aquarellfarben, viele Holzschnitzer usw. Aber die Hauptrichtung der Technologie, die allgemein erkennbare Marke der kroatischen naiven Kunst, ist natürlich die Malerei auf Glas. Das Bild ist spiegelverkehrt gemalt. Das heißt, nicht auf der Vorderseite, sondern auf der Rückseite des Glases. Unter das Glas wird eine oft sehr schematische Bleistiftskizze gelegt, die den Gesamtaufbau des Bildes angibt, dann werden der Vordergrund und alle kleinen Details eingezeichnet, und so weiter Schicht für Schicht. Jede Farbschicht muss trocknen, daher dauert die Arbeit mindestens mehrere Tage. Der Hintergrund wird zuletzt aufgezeichnet. Ein Künstler, der mit Leinwand arbeitet, malt mit den letzten Strichen kleine Details und Highlights. Hier ist alles genau umgekehrt. Dann kann man es nicht korrigieren, man kann es nicht umschreiben. Natürlich sind ein gewisses räumliches Denken und Erfahrung erforderlich. Es dauert Monate, bis gute und große Gemälde fertig sind. Diese Technik, die die Originalität des kroatischen Naivus maßgeblich bestimmt, geht auf Volksikonen auf Glas zurück, die in vielen zentralen Regionen Europas verbreitet sind. In Kroatien wurden sie „glazhi“ oder „glazma“, „malerai“ genannt – eine Ableitung der deutschen „hinterglasmalerei“. Im letzten Jahrhundert wurden solche Ikonen auf Dorf- und Stadtmärkten getauscht oder verkauft.

Die Ausstellung in Jaroslawl präsentiert mehrere solcher Ikonen unbekannter Meister.

Dreieinigkeit. Glas, Öl. Unbekannter Künstler.

Elia, der Prophet. Glas, Öl. Unbekannter Künstler.

Der Mann, der eine der Hauptrollen bei der Entstehung und Entwicklung der kroatischen naiven Kunst spielte, die später weltweite Berühmtheit erlangte, war akademischer Künstler Krsto Hegedusic.

Er verbrachte einen Teil seiner Kindheit im Dorf Chlebin, in der Heimat seines Vaters. Dann kam Zagreb, wo er eine höhere Kunstausbildung an der Höheren Schule und der Akademie für Malerei erhielt, wo er nach seinem Abschluss Lehrer und dann Professor wurde. K. Hegedusic war ein außergewöhnlicher und talentierter Mensch. Er suchte nach einer eigenen nationalen und originellen Note in der Darstellung gesellschaftlicher Themen. Auf der Suche nach neuen Themen begibt sich der Künstler immer wieder an die Orte seiner Kindheit. Als er eines Tages in einen Dorfladen ging, sah er Zeichnungen auf Geschenkpapier. Er mochte sie und Hegedusic erkundigte sich nach ihrem Autor. Der Verkäufer antwortete, dass es sein 15-jähriger Neffe gewesen sei, der es gemalt habe. Iwan Generalich. So kam es 1930 zu einer Bekanntschaft zwischen einem Lehrer-Akademiker und einem Studenten – einem Bauern. Zu ihnen gesellten sich bald der junge Franjo Mraz und dann Mirko Virius. Sie sind die erste Generation von Künstlern der berühmten Khlebinsky-Schule.

Leidenschaftlich auf der Suche nach neuen Ideen in der Kunst, Hegedusisch beschloss, ein Experiment durchzuführen, um zu bestätigen, dass Talent nicht von der Herkunft abhängt. Er begann mit Autodidakten zu arbeiten, brachte ihnen Maltechniken bei, zeigte ihnen verschiedene Schreibtechniken und half ihnen, sie zu beherrschen, darunter auch die Ölmalerei auf Glas. Und vor allem lehrte er, nicht nachzuahmen, sondern seine eigene Sicht auf die Welt um ihn herum zu finden, indem er zunächst das Dorfleben darstellte, das den jungen Männern nahe und verständlich war. Ein Jahr später nahmen die Studenten an einer der von K. Hegedusic organisierten Ausstellungen in Zagreb teil. Die Kreativität der Bauern löste bei Zuschauern und Kritikern gemischte Reaktionen aus, weckte aber gleichzeitig Interesse daran ungewöhnliche Gemälde. I. Generalich wurde für seine Dorfbewohner das, was Hegedusic für die ersten drei Künstler war. Viele Bauern begannen, sich kreativ zu engagieren. Leider verzögerten der Zweite Weltkrieg und die darauffolgende instabile Situation den Eintritt und die Bedeutung der Khlebinsky-Schule Weltkultur seit zwei Jahrzehnten. Erst in den frühen fünfziger Jahren erlangten Künstler der naiven Kunst aus Chlebinsk und anderen umliegenden Dörfern Weltruhm.

Es geschah in Paris im Jahr 1953 , wo die Galerie Jugoslawiens gezeigt wurde 36 Werke von Ivan Generalich.

Das Vorwort zum Ausstellungskatalog wurde von dem berühmten Autor verfasst Der französische Schriftsteller Marcel Arlan , der die Arbeit des Künstlers schätzte:

„Es gibt nichts Aufdringliches, nichts Schockierendes in diesen dreißig Werken, die Ivan Generalić in der Jugoslawischen Galerie zeigt, und niemand kann sagen, dass der kroatische Künstler gekommen ist, um Paris zu erobern. Aber er überrascht und entwaffnet uns. Denn Ivan Generalić ist seinen Wurzeln treu geblieben.“ , und weil diese kleine Welt, die er uns gebracht hat, wirklich ihm gehört. Kleine Welt Zweifellos, aber von sanfter und tugendhafter Qualität, von einem raffinierten und ernsten Geist, in dem Naivität und Raffinesse eng miteinander verbunden sind. Die zurückhaltende Melodie, die derzeit aus seinen Bildern erklingt, ist die Melodie einer Person, eines Volkes und einer Region. Diese Dekoration, diese Landschaften, ländliche Szenen. Und es gibt immer eine Art intimen Dialog zwischen Menschen, Tieren und der Natur: Eine gelbe Kuh, ein Pferd unter einer blauen Decke sind gleichermaßen Teilnehmer, wie diese Hügel, Bauern und Bäume. Ja, der Mann dort ist der Generalich, der aus seiner Kindheit, aus dem Land dieser Kühe und Pferde, unter diesen Bäumen, zwischen diesen Bauern, aus ihrer gemeinsamen Geschichte, seine eigene geschaffen hat eigene Geschichte, und träumt davon, es anderen zu zeigen ...“

Die Ausstellung war so erfolgreich, dass sie um fast einen Monat verlängert wurde. Alle Gemälde waren vor der Fertigstellung ausverkauft, was für Paris eine Seltenheit war, und es gingen weiterhin Bestellungen für I. Generalichs Werke ein. Paris und dahinter die ganze Welt wurden erobert.

In der Jaroslawl-Ausstellung sieht der Betrachter Werke von vier Generationen kroatischer Künstler. Klassiker der Khlebinsky-Schule und naive Kunst der ersten beiden Generationen: Ivan Generalic, Ivan Vecenaj, Mijo Kovacic, Martin Mehkek. Einer der besten Grafiker in der Welt der naiven Kunst – Iwan Latskovich. In der dritten Generation heben Kritiker insbesondere solche Künstler hervor wie Nada Svegovich Budaj, Stepan Ivanets, Nikola Vechenay Leportinov, Martin Koprichanets. Die heutige Künstlergeneration ist klein: Kreativität verdient höchste Noten Drazhena Tetets.

Vor dem Eingang der Halle platzierten die Ausstellungsorganisatoren große Stände mit Informationen über die Geschichte der kroatischen Naiven sowie einen Bildschirm, auf dem Sie Fotografien von Künstlern und Landschaften des Landes sehen können, die ihre Arbeit inspiriert haben.
Jedes Gemälde hat kurze Informationenüber den Künstler und das Werk selbst. Dies ist eine große Hilfe für diejenigen, die die Ausstellung auf eigene Faust und ohne Führer besuchen. Ich erinnere Sie daran, dass Sie jeden Sonntag um 15:00 Uhr an einer kostenlosen Exkursion teilnehmen können, die vom Museumspersonal durchgeführt wird (sofern Sie eine Eintrittskarte für die Ausstellung haben).

Ein wenig über die Gemälde:
Das Schaffen von Künstlern wird oft in verschiedene Perioden eingeteilt. Wassili Wereschtschagin beispielsweise hatte turkestanische, palästinensische, indische, russische und japanische Perioden. Pablo Picasso hat Blau und Rosa. Irgendwann in Ivan Generalichs Schaffen ereignete sich ein fantasievoller, märchenhafter, magischer Moment. Diese Zeit wird in der Ausstellung durch das Gemälde repräsentiert „Wald der Träume“ .

Iwan Generalich. „Wald der Träume“ Glas, Öl.

Das Gemälde war der Vorgänger seines berühmten Werks „Weißer Hirsch“ .

Magisch fantasievoll und zugleich reale Welt in seinen Werken geschaffen Wladimir Iwantschan.

Wladimir Iwantschan. „Große blaue Nacht“ 2008

Offensichtlich zeigte sich reifes Können Nada Svegovich Budaj in der Gemäldeserie „Mummers“.

Nada Svegovich Budaj. „Mummers“ II. Glas, Öl. 1983

Nada Svegovich Budaj. „Mummers“ V. Glas, Öl 1989.

Darin zeigte sie eine deutliche Abkehr von der traditionellen „Khlebinsky“-Schule. Zu diesem Zeitpunkt hatte die Künstlerin ihre Technik des Schreibens auf Glas, einschließlich der sogenannten „ala prima“ („roh auf nass“), deutlich verbessert. Das Bild wird nicht Schicht für Schicht gemalt, wobei jede Schicht trocknet, sondern sofort, wie eine Skizze, ohne vorherige Vorbereitung.

„Propped Jesus“ Glas, Öl 2014. „Apocalypse“-Serie.
Drazen Tetets.

Das Gemälde nahm an mehreren Ausstellungen in Kroatien und Russland teil, darunter an einer großen Ausstellungsprojekt „Creation of the World“ im Rahmen des V. Moskauer Internationalen Festivals „Festnaive“ im MMOMA, 2017.

Der Schlüsselpunkt wird hell, tolle Arbeit Vertreter der letzten Welle der Khlebinsky-Schule (kroatisch naiv) Drazen Tetec „Propped Jesus“. Das ist einerseits naiv im Verständnis Europas, andererseits ist das Werk selbst, sein Inhalt eine philosophische Sicht auf die ideologische Krise der weitreichenden Berichterstattung über die Welt der christlichen Zivilisation. Ein Warnbild und ein Alarmbild. Es zeigt auch, wie unnaiv ein Naiver sein kann, egal was wir mit diesem Wort meinen.“
Sergei Belov, Kurator des Projekts „Creation of the World“.
Der Titel des Gemäldes „Propped up Jesus“ kommt nicht von ungefähr. Obwohl es wohl wohlklingender klingen würde als „Propped up cross“, „Crucified Jesus“ oder „Cross on props“. Tatsächlich wurden diese Namen in Medienberichten erwähnt.
Drazen vermeidet im Titel bewusst die Betonung eines unbelebten Objekts, wenn auch eines sehr symbolischen wie dem Kreuz. Damit verlagern wir unsere Aufmerksamkeit auf eine völlig andere, metaphysische Ebene. Der Name „kratzt“ am Ohr und lässt einen sofort an etwas Menschliches denken, das psychologisch tiefer geht (wir sind immer bereit, „Requisiten“ in unserem Leben zu verwenden, der Glaube ist da keine Ausnahme, eher das Gegenteil).

Einwohner und Gäste der Stadt Jaroslawl:
Ich erinnere Sie daran, dass Sie jeden Sonntag um 15.00 Uhr an einer kostenlosen Exkursion teilnehmen können, die vom Museumspersonal durchgeführt wird.
Die Ausstellung dauert bis zum 9. September.
Ruhetag ist Montag.

Iwan Latskovich. Dorf Podravsko. Glas, Öl. 1978.

Mijo Kovacic. Porträt eines Bauern. Glas, Öl. 1985.

Matija Skurjeni ist ein Klassiker der kroatischen naiven Kunst, einer der bedeutendsten prominente Vertreter„Independent“ (zusammen mit Rabuzin und Feish), ein Künstler, dessen Werk große internationale Anerkennung gefunden hat.

Tierwelt, Öl/Leinwand. 1961

Matia Skurjeni wurde am 14. Dezember 1898 im Dorf Veternice, nahe der Stadt Zlatar im kroatischen Zagorje, als siebtes Kind der Familie geboren. Vater und Mutter arbeiteten, waren aber so arm, dass sie die kleine Matia nicht einmal zur Schule schicken konnten. Lesen und Schreiben habe ich von meinen älteren Brüdern gelernt, das Lesen und Schreiben erst viel später, in der Armee. Bis zu seinem zwölften Lebensjahr arbeitete er in seinem Dorf als Hirte, dann baute er eine Eisenbahn und wurde Eisenbahner. Ebenfalls im Jahr 1911 begann er ein wenig zu studieren künstlerische Künste(oder einfach malen) - Wandmalerei. Während des Ersten Weltkriegs wurde er 1917 dorthin geschickt Ostfront, nach Bessarabien (heute Moldawien), wurde Anfang 1918 im Kampf verwundet und in ein Militärkrankenhaus gebracht.

Ende 1918 beteiligte er sich als Teil kroatischer Freiwilligenabteilungen an der Befreiung von Međimurje. Nach der Demobilisierung kehrte er in seine Heimatstadt Veterinismus zurück und begann als Bergmann zu arbeiten.

1923 kehrte er in die Stadt Metlika zurück, wo er seine „künstlerische“ Ausbildung abschloss und dann begann, seine ersten Aquarelle zu malen. Während des Zweiten Weltkriegs arbeitete er als Designer bei der Staatsbahn und bemalte Waggons. Im Jahr 1946 beteiligte er sich an der Gründung der künstlerischen Abteilung der Eisenbahner RKUD „Vinko Jedut“ in Zagreb, gleichzeitig begann die eigentliche „Ausbildung“ künstlerischer Fähigkeiten. Zu den Mentoren gehörten berühmte akademische Künstler und Bildhauer.

1948 nahm Matia zum ersten Mal an einer der Gemeinschaftsausstellungen in Zagreb teil. Erst 1956, nach seiner Pensionierung, widmete sich Skurjeni ganz der Kreativität und erst dann begann seine eigentliche künstlerische Karriere. 1958 wurde seine erste unabhängige Ausstellung in der Galerie für Primitive Kunst (dem künftigen Museum für Naive Kunst) in Zagreb organisiert. 1959 erhielt er die erste Auszeichnung bei der 4. Internationalen Kunstausstellung in München, 1960 in Rom ausgestellt.

Eine unabhängige Ausstellung in Paris in der Galerie Mona Lisa im Jahr 1962 wird zu einem bedeutenden Meilenstein in seinem Leben. Danach folgten eine Reihe von Ausstellungen und zahlreiche Auszeichnungen in vielen Ländern. 1964 beteiligte er sich an der Gründung der Gesellschaft naiver Künstler Kroatiens.

Im Jahr 1975 erkrankte Matia Skurjeni schwer (Apoplexie), wodurch seine rechte Hand nicht mehr funktionierte, seine Kreativität jedoch nicht aufgab – er zeichnete erfolgreich mit der linken Hand. 1984 schenkte er eine Sammlung seiner Gemälde, um die Galerie Matia Skurjeni in Zaprešić (einem Vorort von Zagreb) zu gründen, die 1987 eröffnet wurde.

Einmal begonnen, hört es nie auf, Öl/Leinwand. 910x1315 mm. 1973

Kriegsengel, Öl/Leinwand, 700x905mm. 1959

Musikalischer Teil, Öl/Leinwand, 530x690 mm. 1959

Zigeunerfest, Öl/Leinwand, 700x900 mm. 1960

Das erste Astronautenpaar, Öl/Leinwand, 490x550 mm. 1960-1963

Altes Paris, Öl/Leinwand, 800x1300 mm. 1964

Drei Brüder spielten auf der Atompfeife, Öl/Leinwand, 730x1000 mm. 1964

Zigeunerliebe, 1966. Öl auf Leinwand

Gorgone, Öl/Leinwand, 700x560 mm. 1968

Ich habe geträumt, dass ich durch diese stürmische Save schwimme, Öl/Leinwand, 710x530 mm. 1969

Der Dritte Weltkrieg, Öl/Leinwand, 940x1380 mm. 1969

Akt mit Blumen, Öl/Leinwand, 700x1300 mm. 1970

Marseille, Öl/Leinwand, 1300x800 mm. 1971

Blick auf die Stadt und die Brücke, Öl/Leinwand. 1969

Nachdenklicher Pier, Öl/Leinwand

Akt, Öl/Leinwand, 650x850 mm. 1973

Stärke, Öl/Leinwand, 744x926 mm. 1973

Ein Traum, in dem ich nackt vor der Werkstatt von I. Meštrović stehe, Öl/Leinwand. 950x1370 mm. 1974

Zoo, Öl/Leinwand, 550x720 mm. 1974

Apostel, Öl/Leinwand, 800x650 mm. 1975

Matia Skurjeni. 1927

Matia Skurjeni. 1988 Foto von M. Lenkovich

Ich möchte den Lesern der Community ein wenig die kroatische Malerei näherbringen. Und sprechen Sie über einen der berühmtesten kroatischen Künstler und den größten Aquarellkünstler dieses Landes – Slava Raskaj.

Ihre Arbeit ist untrennbar mit der tragischen Geschichte ihres Lebens verbunden.

Slava wurde 1877 in der Stadt Ozal geboren, die reich an kroatischer Geschichte ist. Die Stadt, die im Besitz der einflussreichsten Adelsfamilien war, in der Ban Petar Zrinski seinen Wohnsitz hatte, und die im 17. Jahrhundert ein literarisches und kulturelles Zentrum war Kulturzentrum. Von Geburt an taub und stumm, war Slava ein introvertiertes Kind und kompensierte den Mangel an Kommunikation mit Menschen durch die Kommunikation mit der Natur, was ihr half, die Natur tief zu verstehen und zu schätzen und sie in ihren Gemälden perfekt darzustellen.

Die ersten Bleistiftzeichnungen von Blumen erschienen bereits in Wiener Schule für gehörlose und stumme Kinder, wo sie im Alter von 7 bis 15 Jahren studierte. Slavas künstlerisches Talent wurde erstmals von einer Lehrerin aus ihrer Heimatstadt bemerkt, die nach Zagreb kam, um die Stelle des Leiters des Instituts für den Unterricht von Kindern mit Hör- und Sprachbehinderungen zu übernehmen. Er brachte Slava zu der damals berühmten Künstlerin Bela Cikos-Sesiy (einer der Gründerinnen der Akademie der Künste in Zagreb), bei der sie begann, Malerei zu studieren. Nachdem sie den künstlerischen Einfluss von Csikos, der in der Verwendung überwiegend dunkler Töne bestand, ablehnte, wandte sich Rashkai der Aquarellmalerei zu, die zu ihrer bevorzugten künstlerischen Ausdrucksform wurde.

Die Kreativität von S. Rashkai wird üblicherweise in zwei Phasen unterteilt, wobei in der ersten Phase Zeichnung und Farbe das Ergebnis sind reine Beobachtung, eine kristallklare Vision der Schönheit der Natur. Die zweite Phase ist durch den Ausdruck der eigenen Eindrücke (Impression) gekennzeichnet und in dieser Zeit wurde geschrieben beste Aquarelle. Dann wurde es geschrieben berühmter Zyklus Rashkai „Seerosen“, inspiriert von einem kleinen See im Botanischen Garten von Zagreb.

1898 nahm sie an einer Ausstellung kroatischer Künstler in Zagreb teil und 1899–1900 stellte sie in Moskau und St. Petersburg aus.

Slava Raškai wird manchmal als Ophelia der kroatischen Malerei bezeichnet. Nicht nur wegen der ungewöhnlichen, besonderen Schönheit der Töne und der Besonderheiten der in ihren Bildern zum Ausdruck gebrachten Erlebnisse, sondern auch wegen ihres romantischen, aber tragischen Schicksals eines jungen Mädchens. Sie war unglücklich in ihre Lehrerin verliebt und diese Gefühle spiegelten sich laut einigen Autoren in dem Porträt von Bela wider, das sie malte (egal wie sehr ich es versuchte, leider konnte ich dieses Porträt nicht finden). Es gibt zwei Versionen darüber, wie die Beziehung zwischen Rashkai und Cikos war. Einer Aussage zufolge waren sie nur enge Kollegen und arbeiteten nur im Bereich der Malerei zusammen. Einem anderen zufolge handelte es sich immer noch um eine Liebesgeschichte, geheim, da Chikosh nicht nur viel älter als Slava war, sondern auch verheiratet. Offenbar wird es nicht mehr möglich sein, die Wahrheit über diese Beziehung herauszufinden. Es wird angenommen, dass Slava in Briefen an ihre Mutter, die sie ihr vermachte, um sie mit ihr in einem Sarg zu begraben, ausführlich über ihr Leben sprach. Diese Briefe wurden jedoch bei einem Brand im Haus ihrer Schwester in Budapest verbrannt. Zu den tragischen Umständen ihres Lebens gehören die Zerstörung ihres Hauses in ihrer Heimatstadt und etwa 40 ihrer verlorenen Werke.

Kurz vor ihrer Geisteskrankheit malte sie ein Selbstporträt, danach tauchten in ihren Werken immer mehr Ausdruck auf und vermischten das Visuelle mit dem Fantastischen. Der Zustand tiefer Depression, aufgrund dessen sie 1902 in eine Nervenheilanstalt eingewiesen wurde, spiegelte sich sicherlich in den Gemälden, in der Wahl der Farbtöne und dargestellten Motiven wider – Ruinen, verlassene Mühlen …

Sie starb 1906 im Alter von nur 29 Jahren in Zagreb an Tuberkulose und die sterblichen Überreste wurden in Slava Raskajs Heimatstadt Ozal überführt.

Zu ihren Lebzeiten wurde Slava Rashkai nur teilweise als Künstlerin anerkannt. Sie nahm an Ausstellungen teil, einige ihrer Werke wurden verkauft, allerdings zu unglaublich geringen Beträgen im Vergleich zu den Preisen für Gemälde anderer Künstler dieser Zeit. Teilweise, weil sie Künstlerin war und Kritiker die Arbeiten von Frauen oft eher als Laune und Unterhaltung denn als echte Kunst empfanden, teils, weil Aquarell und seine kleinen Formate überhaupt nicht verwendet wurden, das Genre als etwas frivol galt und die reichen Käufer auf der Suche waren für große, massive Leinwände und Kritiker waren auch von Slavas Liebe zum Freilicht verwirrt, da sie ihre Landschaften vollständig unter freiem Himmel malte und sie nicht, wie damals üblich, im Atelier fertigstellte. Der Kritiker V. Lunacek gab jedoch zu, dass er nicht mehr als eine Künstlerin dieser Zeit hervorheben konnte, mit Ausnahme von Slava Rashkai, die seiner Meinung nach zu ihren Lebzeiten populär geworden wäre, wenn sie länger durchgehalten hätte.

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