, Moskauer Biennale, Auftritte auf Festivals in Europa, prestigeträchtige Auszeichnungen wie PRIX CUBE, Zusammenarbeit mit, wo haben Sie Ihre Ausbildung erhalten und wie sind Sie an der Schaffung technologischer Kunst interessiert?

Dmitry Morozov: Ich bin ausgebildeter Kunsthistoriker und habe an der Russischen Staatlichen Universität für Geisteswissenschaften an der Fakultät für Kunstgeschichte studiert. Aber ich habe mich schon immer für Technik und Technik interessiert. Ich habe meine Abschlussarbeit über die modernistische Architektur der USA geschrieben, die im Allgemeinen nicht zu verstehen ist, ohne Parallelen zwischen Technologie, Design und Kunst zu ziehen. Ich habe mich auch schon immer dafür interessiert Elektronische Musik, die es ohne Technologie natürlich nicht gibt. Irgendwann kamen alle diese Interessen zusammen, aber es wurde nicht mehr interessant, Theorie zu studieren, und nach und nach entstand die Elektronik Musikinstrumente kam, um Objekte und Installationen zu schaffen.

Daher fällt es mir schwer, für das gesamte Genre verantwortlich zu sein, aber ich kann sagen, dass ich persönlich dem Format der kleinen Werke, Skulpturen usw. sehr nahe stehe. eher wie Gadgets. Obwohl ich es getan habe Hauptarbeiten, aber es handelt sich im Wesentlichen um die gleichen Gadgets in größerem Maßstab. Zuallererst reizt mich an diesem Format die Zugänglichkeit einer solchen Sprache für das Verständnis meiner Werke durch die moderne Gesellschaft, denn inzwischen ist die „Schnittstelle“ wichtiger geworden als das Bild. Die Technologie hat uns völlig übernommen.

Finanzielle Risiken. 2015. Das Kunstobjekt besteht aus sechs Bankkartenlesegeräten, einem Hardwaresystem zur Video- und Tonsynthese, einer Tastatur zur Eingabe eines PIN-Codes und einem Zweikanal-Soundsystem. Karten sind zu einem festen Bestandteil des Lebens geworden moderner Mann, deren Wohlbefinden und materieller Seelenfrieden auf symbolischer Ebene durch Informationen auf einem kleinen Magnetstreifen und einem vierstelligen PIN-Code gewährleistet werden. Der Künstler lässt sich mit dem Betrachter auf eine Art psychologisches Spiel ein, das ihm die Möglichkeit gibt, die mit der Ausbreitung verbundenen Ängste zu überwinden vertrauliche Informationen und treten im Gegenzug in volle Interaktion mit dem Kunstobjekt.

Wie man versteht, wo es endet Museum für Wissenschaft und Industrie und wo beginnt die Kunst selbst?

Dmitry Morozov: Irgendwo in der Mitte, aber immer noch Polytechnikum, ist eine Sammlung von Artefakten, meist Gebrauchsgegenständen, die unter dem Gesichtspunkt der Entwicklung der Technologie betrachtet werden, während technologische Kunst eher eine Arbeit mit Bedeutungen und Ideen ist, aber überhaupt nicht Umsetzung angewandter Ziele.

R x2, 2015 (Anastasia Alyokhina, Dmitry Morozov). Kinetische Klanginstallation. Ein Computeralgorithmus liest aus dem Internet die Stärke und Tiefe der Schwingungen der Erdkruste und registriert alle Erdbeben über 0,1 auf der Richterskala. Im Durchschnitt ereignen sich pro Tag etwa zweihundert solcher seismischen Erschütterungen. Die Informationen werden in Signale umgewandelt, die an an der Thunder Drum angebrachte Motoren gesendet werden. Klang und Bewegung sind in diesem Fall eine visuelle Interpretation der seismischen Aktivität des Planeten.

In jedem Werk sind es letztendlich die Idee und das Konzept, die wichtig sind, aber die Reihenfolge, in der sie erscheinen, kann eine andere Reihenfolge haben. Was mich am meisten interessiert, ist, wie Technologie mit unserem Leben verflochten ist und wie Werkzeuge dazu gekommen sind, die Gesellschaft zu beeinflussen. Ich finde es auch sehr interessant, dass alle Wissenschaften und Disziplinen viel mehr sind engerer Freund an einen Freund, als man in der Gesellschaft oft denkt. Ich interessiere mich auch sehr für die Tatsache, dass jede Technologie tatsächlich sehr anthropomorph ist, dass Menschen sehr dazu neigen, Technologie mit menschlichen Eigenschaften auszustatten – sie sprechen mit ihr, wenn sie kaputt geht, oder sehen in irgendeinem Prozess sogar eine gewisse Erotik. Ich interessiere mich sehr für die Ideen der technologischen Singularität, des Fortschritts und der Probleme, mit denen die Gesellschaft in Zukunft konfrontiert sein wird, wenn sich die Technologie auf einem völlig anderen Niveau weiterentwickelt.

Wie wird Ihrer Meinung nach die Kunst der Zukunft aussehen? Liegt die Zukunft in der technischen Kunst?

Dmitry Morozov: Ich denke, dass die technologische Kunst erst die allererste Formationsstufe hinter sich hat und immer mehr an Stärke gewinnen wird, obwohl dieser Prozess nicht linear sein wird und sich möglicherweise sogar verlangsamt, oder sagen wir, er wird sich „horizontal“ entwickeln und nicht „vertikal“, was in dieser Phase normalerweise der Fall ist. Ich möchte nicht genau vorhersagen, wie es sein wird, aber ich hoffe, dass ich selbst irgendwie an diesem Prozess teilnehmen kann.

„Das Schönste, was wir im Leben erleben können, ist das Geheimnis. Es ist die Quelle aller wahren Kunst oder Wissenschaft“, sagte Albert Einstein. Aber wenn die Menschen alles wissen und es kein Geheimnis mehr gibt, was passiert dann mit der Kunst? Vielleicht wird es in Zukunft so sein: Nichts wird jemanden überraschen, jeder hat alles gesehen und weiß alles, und dann die Kunst, die Fähigkeit zu schaffen einzigartige Werke Wird es die einzige Möglichkeit sein, die Einzigartigkeit Ihrer Persönlichkeit zu zeigen?

Kunst ist mit Gefühlen verbunden – was passiert in Zukunft mit ihnen? Vielleicht wird die Schaffung alternativer Versionen der Geschichte, neuer Planeten und Galaxien als Kunst betrachtet, chemische Elemente? Eine virtuelle Realität und Biotechnologie, Metamorphose und Unsterblichkeit – was ist von morgen zu erwarten?

Die Vorlesung geht weiter Bildungszyklus, der Zukunft gewidmet, wurde im April 2014 in der Bibliothek eingeführt. Frühere Vorträge behandelten Themen wie die Zukunft der Menschheit als Spezies und die Möglichkeiten, das Leben durch wissenschaftliche Methoden radikal zu verlängern.

Obwohl moderne Vertreter der Kunstwelt oft denken, dass Kunst eine völlig autonome Sphäre sei öffentliches Leben, das in seiner Entwicklung nicht auf neue Technologien angewiesen ist, glauben Zukunftsforscher, dass dies nicht der Fall ist. Die Werkzeuge moderner Künstler und Maler sind nicht nur Pinsel, Leinwand, Ton oder Marmormeißel. Bei der Schaffung eines Kunstwerks kommen Hightech-Geräte und -Programme zum Einsatz – Zeichentabletts, Zeichen- und Bildbearbeitungsprogramme, 3D-Modellierungsprogramme, hochentwickelte Videogeräte und modernste Computerausrüstung. Und die Ideen, die moderne Künstler inspirieren, entspringen der Realität. moderne Gesellschaft, das sich unter dem Einfluss des wissenschaftlichen und technischen Fortschritts rasch verändert.

Wir erwarten Sie am 20. Juni um 19:00 Uhr in der Jugendbibliothek. Swetlowa. (Moskau, Bolshaya Sadovaya Str., 1, U-Bahnstation Mayakovskaya)

Referenzmaterialien:

• Valeria Viktorovna Udalova (Pseudonym Valeria Pride) ist Zukunftsforscherin, Soziologin, eine der Gründerinnen und Anführerinnen der russischen transhumanistischen Bewegung und eine Popularisiererin der Wissenschaft. Autor und Co-Autor von mehr als hundert Artikeln und Büchern zu Problemen der wissenschaftlichen und technologischen Entwicklung. Generaldirektor das einzige Kryounternehmen in Russland KrioRus". Mehr über den Referenten.
• Die Russische Transhumanistische Bewegung (RTD) ist eine öffentliche Organisation, eine große Gemeinschaft von Befürwortern des Einsatzes innovativer Technologien zur schrittweisen Steigerung der physischen, intellektuellen und sonstigen Fähigkeiten des Menschen für seinen Übergang zur nächsten Evolutionsstufe, vom Menschen zum Postmenschen .

Betrachtung Andrey Belyüber die Kunst der Zukunft. Vorlesung 1907 Publ. am Samstag. Artikel "Symbolik". 1910.

Wir sehen klar, wohin die Entwicklung gehen wird Kunst der Zukunft; Die Idee dieses Weges entsteht in uns aus der Antinomie, die wir in der Kunst unserer Zeit wahrnehmen. Bestehende Kunstformen neigen zum Verfall: Ihre Differenzierung ist endlos: Dies wird durch die Entwicklung der Technologie erleichtert: Der Begriff des technischen Fortschritts ersetzt zunehmend den Begriff des Lebewesens.

Andererseits gehen die Spielarten der Kunstformen ineinander über; Dies kommt keineswegs in der Zerstörung der Grenzen zwischen zwei benachbarten Kunstformen zum Ausdruck: dem Verlangen nach Synthese drückt sich in Versuchen aus, diese Formen um eine der Formen herum anzuordnen, die als Zentrum angesehen wird.

Dadurch überwiegt die Musik gegenüber anderen Künsten. So entsteht der Wunsch nach Geheimnisse als Synthese aller möglichen Formen. Aber Musik verdirbt die Formen verwandter Künste ebenso sehr, wie sie sie in einer anderen Hinsicht nährt: Falsches Eindringen des Geistes der Musik ist ein Indikator für den Niedergang: Wir sind von der Form dieses Niedergangs fasziniert – das ist unsere Krankheit: eine Seifenblase - bevor es platzt - schimmert in allen Farben des Regenbogens: Ein exotischer Regenbogenteppich verbirgt sowohl Fülle als auch Leere: und wenn die Kunst der Zukunft ihre Formen durch Nachahmung reiner Musik bilden würde, hätte die Kunst der Zukunft den Charakter des Buddhismus.

Kontemplation in der Kunst ist ein Mittel: Es ist ein Mittel, den Ruf zu hören Lebenskreativität. In der in Musik aufgelösten Kunst würde die Kontemplation zum Ziel werden: Sie würde den Betrachter zum unpersönlichen Betrachter seiner eigenen Erfahrungen machen: Die Kunst der Zukunft, die in der Musik ertrinkt, würde die Entwicklung der Künste für immer stoppen.

Wenn die Kunst der Zukunft als Kunst verstanden wird, die eine Synthese aktuell bestehender Formen darstellt, was ist dann das verbindende Prinzip der Kreativität? Sie können natürlich die Kleidung eines Schauspielers anziehen und am Altar beten: Der Chor kann Loblieder vortragen, die von den besten Lyrikern ihrer Zeit geschrieben wurden: Musik wird die Lobpreisungen begleiten: Tanz wird die Musik begleiten: beste Künstler Mit der Zeit werden sie eine Illusion um uns herum erschaffen usw. usw. Wozu dient das alles? Mehrere Stunden des Lebens in einen Traum verwandeln und diesen Traum dann mit der Realität brechen?

Sie werden uns antworten: „Nun, was ist mit dem Geheimnis?“

Aber das Geheimnis hatte eine lebendige religiöse Bedeutung: so Geheimnis der Zukunft Hatte die gleiche Bedeutung, müssen wir sie über die Grenzen der Kunst hinausführen. Es sollte für alle da sein. Nein, und der Anfang der Kunst der Zukunft liegt nicht im Gesamtkunstwerk!

Ein Künstler ist in erster Linie eine Person; dann ist er bereits ein Experte in seinem Handwerk; vielleicht beeinflusst seine Kreativität das Leben; aber die handwerklichen Bedingungen, die die Kreativität begleiten, begrenzen diesen Einfluss: zeitgenössischer Künstler an die Form gebunden; Es ist unmöglich, von ihm zu verlangen, dass er singt, tanzt und Bilder malt oder sich auch nur an allen möglichen ästhetischen Feinheiten erfreut; und es ist daher unmöglich, von ihm den Wunsch nach Synthese zu verlangen; dieser Wunsch drückte sich in Wildheit aus, in einer Rückkehr zu den primitiven Formen der fernen Vergangenheit, und die primitive Kreativität, die sich auf natürliche Weise entwickelte, führte die Kunst zur bestehenden Komplexität der Formen; Eine Rückkehr in die Vergangenheit würde diese Vergangenheit in die Gegenwart zurückbringen.

Ein Gesamtkunstwerk, das auf einer Rückkehr in die ferne Vergangenheit beruht, ist unmöglich. auf der Grundlage einer mechanischen Wiedervereinigung bestehender Formen ist dies ebenfalls unmöglich: Eine solche Wiedervereinigung würde die Kunst in den toten Eklektizismus führen; Der Kunsttempel würde sich in ein Kunstmuseum verwandeln, in dem die Musen - Wachspuppen, nicht mehr.

Wenn eine externe Verbindung unmöglich ist und eine Rückkehr in die Vergangenheit ebenso unmöglich ist, dann stehen wir vor der Komplexität der Gegenwart. Kann man über die Kunst der Zukunft sprechen? Es wird wahrscheinlich nur eine Komplikation der Gegenwart sein.

Aber das ist nicht so.

Derzeitige Bewertung Kunstwerk Kosten aufgrund besonderer Bedingungen künstlerische Technik: Egal wie stark das Talent ist, es ist mit der gesamten technischen Vergangenheit seiner Kunst verbunden; der Moment des Wissens, das Studium der eigenen Kunst bestimmt immer mehr die Entwicklung des Talents; die Kraft der Methode, ihr Einfluss auf die Entwicklung der Kreativität wächst sprunghaft; Individualismus der Kreativität derzeit herrscht meist ein Individualismus der Arbeitsweise vor; dieser Individualismus ist nur eine Verbesserung der Methode der Schule, mit der der Künstler verbunden ist; Individualismus dieser Art ist Spezialisierung; es steht im umgekehrten Verhältnis zur Individualität des Künstlers selbst; Der Künstler muss, um etwas zu schaffen, zunächst wissen; Wissen korrumpiert die Kreativität und der Künstler findet sich in einem fatalen Zirkel von Widersprüchen wieder; die technische Entwicklung der Künste macht ihn zu ihrem Sklaven; es ist ihm unmöglich, seine technische Vergangenheit aufzugeben; der Künstler der Gegenwart wird immer mehr zum Wissenschaftler; im Prozess dieser Transformation entgehen ihm die letzten Ziele der Kunst; Bereich der Künste technischer Fortschritt bringt das Wissensgebiet immer näher; Kunst ist eine Gruppe besonderer Art von Wissen.

Das Wissen über die kreative Methode wird durch Kreativität ersetzt. aber Kreativität geht vor Wissen; es schafft die eigentlichen Objekte des Wissens.

Kreativität einfangen vorhandene Formulare Kunst, wir verurteilen sie zur Macht der Methode; und es wird Wissen für Wissen ohne Gegenstand; Ist „Ungegenständlichkeit“ in der Kunst ein lebendiges Bekenntnis zum Impressionismus? Und sobald „Ungegenständlichkeit“ in der Kunst etabliert ist, wird die Methode der Kreativität „zu einem Objekt an sich“, was eine extreme Individualisierung mit sich bringt: Die eigene Methode zu finden ist das Ziel der Kreativität; Eine solche Sicht auf Kreativität wird uns unweigerlich zu einem völligen Zerfall der Kunstformen führen, bei dem jedes Werk seine eigene Form hat: Unter solchen Bedingungen wird in der Kunst ein inneres Chaos entstehen.

Wenn auf den Ruinen ein Tempel scheinbar eingestürzt ist, kann man ihn erstellen neuer Tempel, dann ist es unmöglich, diesen Tempel auf den endlosen Atomformen zu errichten, in die gegenwärtig existierende Formen gegossen werden, ohne die Formen selbst aufzugeben: So übertragen wir die Frage nach dem Zweck der Kunst von der Betrachtung der Produkte der Kreativität auf die eigentliche Prozesse der Kreativität: Die Produkte der Kreativität sind Asche und Magma; die Prozesse der Kreativität - fließende Lava.

Hat die schöpferische Energie der Menschheit einen Fehler gemacht, als sie den Weg gewählt hat, auf dem die Formen entstanden sind, die uns jetzt faszinieren? Ist es nicht notwendig, die Gesetze der Kreativität selbst zu analysieren, bevor man der Kunst zustimmt, wenn sie uns in Formen erscheint? Sind diese Formen nicht die Essenz einer fernen Vergangenheit der Kreativität? Sollte der kreative Strom noch entlang versteinerter Felsvorsprünge, deren höchster Punkt ist, ins Leben eintauchen? Musik, untere - die Architektur: Nachdem wir diese Formen erkannt haben, verwandeln wir sie schließlich in eine Reihe technischer Mittel, die die Kreativität abschrecken: Wir verwandeln Kreativität in Wissen: den Kometen in seinen funkelnden Schweif, der nur den Weg beleuchtet, den die Kreativität entlang geeilt ist: Musik, Malerei, Architektur, Skulptur, Poesie – all das ist längst vergangene Vergangenheit: Hier in Stein, in Farbe, Ton und Wort vollzog sich der Prozess der Transformation, einst lebendig und jetzt totes Leben; musikalischer Rhythmus- der Wind, der über den Himmel der Seele strich; Der musikalische Rhythmus – „Die Stimme der Kälte ist dünn“ – lief über diesen Himmel, der heiß auf die Schöpfung wartete, und verdichtete die Wolken poetischer Mythen: und der Mythos bedeckte den Himmel der Seele, der in Tausenden von Farben funkelte : in Stein versteinert; Der kreative Fluss schuf einen lebendigen Cloud-Mythos. aber der Mythos erstarrte und zerfiel in Farben und Steine.

Entstanden Kunstwelt wie ein Grabtempel der Kreativität des Lebens.

Indem wir den kreativen Prozess in der Form fixieren, befehlen wir uns im Wesentlichen, die Lava selbst in der Asche und im Magma zu sehen: Deshalb ist unsere Aussicht auf die Zukunft der Kunst hoffnungslos: Wir befehlen, dass diese Zukunft Asche ist: Wir töten gleichermaßen Kreativität, dann ihre Fragmente zu einem Haufen zusammenfügen (Synthese der Künste) und diese Formen dann bis ins Unendliche fragmentieren (Differenzierung der Künste).

Und hier. und dort wird die Vergangenheit wiederbelebt; sowohl hier als auch dort sind wir in der Macht der lieben Toten; und die wundersamen Klänge von Beethovens Symphonie und die siegreichen Klänge der dionysischen Dithyramben (Nietzsche) – all das sind tote Klänge: wir denken, dass es sich um Könige handelt, die in feines Leinen gekleidet sind, aber das sind einbalsamierte Leichen; Sie kommen zu uns, um uns mit dem Tod zu faszinieren.

Mit der Kunst, mit dem Leben ist die Situation viel ernster, als wir denken: Der Abgrund, über dem wir hängen, ist tiefer, dunkler. Um aus dem Teufelskreis der Widersprüche herauszukommen, müssen wir aufhören, über irgendetwas zu reden, sei es Kunst, Wissen oder unser Leben selbst. Wir müssen die Gegenwart vergessen: Wir müssen alles neu erschaffen; Um dies zu tun, müssen wir uns neu erschaffen.

Und das Einzige, was steil ist und das wir noch erklimmen können, sind wir selbst. Oben erwartet uns unser „Ich“.

Hier ist die Antwort für den Künstler: Wenn er Künstler bleiben will, ohne aufzuhören, ein Mann zu sein, muss er sein eigener werden künstlerische Form. Nur diese Form der Kreativität verspricht uns Erlösung. Hierin liegt der Weg der Zukunft der Kunst.

Die moderne Welt der Kunst kann weder durch Malerei allein noch durch Musik allein erobert werden. Aber wenn Sie alle oben genannten Punkte kombinieren und das Licht richtig einstellen, ist der Erfolg garantiert. Was ist das: das Sättigungsgefühl eines Städters oder die Evolution der Kunst? Wie dem auch sei, Multimedia-Ausstellungen fegen in fröhlicher Schar durch die Lofts der Hauptstadt und wir können nur raten, was uns in Zukunft erwartet?

Ursprung des Konzepts

Alles begann in den 60er Jahren mit der einfachen Präsentation des englischen Künstlers Dick Higgins und kreative Gruppe Fluxus: „Ich möchte vorschlagen, dass der Einsatz von Intermedialität eine mehr oder weniger universelle Möglichkeit ist, Repräsentation in der Kunst abzulehnen, da das Kennzeichen unserer neuen Mentalität eher Kontinuität als Trennung ist.“

Aus den seit den 50er-Jahren kursierenden Ideen von Freiheit und Erneuerung der Kunst ist eine einzige Form entstanden, unverständlich, aber äußerst unterhaltsam: eine Symbiose aus Text, Musik und Bild. Von der Universalität der Fähigkeiten des Künstlers kann jedoch keine Rede sein; das Konzept von D. Higgins impliziert lediglich eine Ablehnung der Genreeinteilung, der Klassifizierung der Kunst und des Systems Berufsausbildung Künstler.

Trotz der Tatsache, dass das Konzept von D. Higgins selbst nicht weit verbreitet ist, ist die Idee der Inklusion verschiedene Künsteв структуру произведения была использована многими его современниками: Н. Дж. Пайком, Дж. Белсоном, Дж. Уитни, Дж. Ялкутом, С. Бартлетом, К. Джекобсом, П. Рист, Ф. Темплтон, Д. Грэхемом, Дж. Джонас usw.

Je weiter, desto spannender: In den 70-80er Jahren löste der Begriff „Intermedia“ den Begriff „Multimedia“ ab. Unter dem neuen Motto „Multiple Media“ finden nun Installationen und Performances statt, die Elemente aus Film, Video und Diabildschirmen integrieren.

Unterschied zwischen den Begriffen „Multimedia“ und „Multimedia-Kunst“

Heutzutage gibt es immer noch Verwirrung mit der Terminologie. Künstlerische Praktiken, basierend auf Mehrschichtexperimenten, kann bestimmt werden als "Multimedia", und wie " Multimedia-Kunst“. Der erste Begriff bezieht sich auf die bereits bekannten Praktiken der bildenden Kunst der 1960er bis 1990er Jahre, die mit der Einbeziehung von mehr als einer Kunstform in die Struktur eines Werks verbunden waren.

Multimedia-Kunst ist ein Synonym für die in den Ländern verbreitetere Kunst Westeuropa den Begriff „digitale Kunst“ oder „neue Medienkunst“. In ihrer Ausprägung ist die Multimediakunst harmonischer als ihre Vorgänger: Erzwungene Aktualisierungen weichen einer natürlichen Reaktion auf den technischen Fortschritt. Und hier gibt es einige Paradoxien: in moderne Welt, große Stadt In einer Gegend, in der es reichlich Informationen gibt und es an Konsistenz mangelt, ist der durchschnittliche Einwohner sehr bereit, sich Multimedia anzusehen. Dies geschah mit einer Reihe beliebter Multimedia-Ausstellungen, die die Werke großer Künstler auf der ganzen Welt durch digitale Projektionen präsentieren.

„Unsere Ausstellungen sind relevant, weil man gleichzeitig und an einem Ort alle Werke von Van Gogh oder die bedeutendsten Gemälde der Impressionisten sehen kann. Solange die Originale vorliegen verschiedene Museen Ob Welt- oder Privatsammlungen, wir präsentieren sie alle zusammen, in vergrößertem Format und begleitet von wunderbarer Musik“, kommentiert der Erfolg der Ausstellungen Kira Marinina, PR-Direktorin von iVision- Veranstalter in Russland.

Im Zuge der Popularisierung der Kunst gibt es auch Gegner multimedialer Darstellungen, die nicht sehen Bildungsaktivitäten, sagen sie, „sie werden hinsehen und vergessen.“ Es ist jedoch schwierig, Multimedia-Kunst als „Ersatz für Kunst“ zu bezeichnen. Vielmehr ist es eine unentschlossene Jugend, ob sie ein Werkzeug zum Ausdruck der Gedanken des Künstlers sein soll oder eine neue Richtung, deren Aussichten davon abhängen Abenteuerlust des Schöpfers.

Multimediashow „Große Modernisten. Revolution in der Kunst

„Betrachten Sie Multimedia-Display und Klassik.“ Museumsausstellung Gemälde austauschbar ist aus vielen Gründen unmöglich. Es gibt eine interne künstlerische Konvention, nach der der Autor des Werkes (und anschließend das Museum, das das Werk ausstellt) den Inhalt, das Format und die Art der Ausstellung bestimmt und die keinen Änderungen unterliegt. Darüber hinaus ist dies technisch unmöglich, da zu diesem Zeitpunkt keine repräsentative Darstellungsweise in der Lage ist, alle Nuancen der Farbschicht und die Textur des Pinselstrichs zu vermitteln. Eine multimediale Darstellung arbeitet eher mit dem Inhalt des Werkes; sie orientiert sich an der Handlung des Bildes und hilft dem Betrachter, die Fantasie anzuregen und Nuancen zu erkennen, die auf den ersten Blick nicht offensichtlich sind.

Natürlich bleiben Multimedia-Ausstellungen vorerst ein modischer Trend, aber in Zukunft werden sie sich als eigenständige Richtung in der Kunst entwickeln und möglicherweise formieren. In der Ausstellung „Große Modernisten. „Revolution in Art“ ist ein experimenteller Versuch, über die Darstellung von Gemälden hinauszugehen, indem nicht die Gemälde selbst animiert werden, sondern eine separate grafische Umgebung geschaffen wird, in die diese Gemälde integriert werden. Bisher gibt es jedoch nur wenige solcher Videos. Um beispielsweise flächige Kompositionen und Kandinsky „wiederzubeleben“, identifizierten unsere Designer die Hauptmuster in den Gemälden jedes Künstlers und schufen darauf basierend 3D-Welten, in denen sich der Betrachter bewegen kann. Das heißt, dies ist nicht mehr nur eine Diashow mit Musik, sondern eine echte Reise in das Universum von Kandinsky und Malewitsch...“, erklärt Kuratorin des ARTPLAY Design Center Yasha Yavorskaya.

Text: Daria Logashova

Gibt es eine Zukunft für russisches Volkshandwerk und traditionelle Künste? Natalia Nekhlebova hat es herausgefunden

Volkskunst und Kunsthandwerk traditionelle Künste die Kriege, Revolutionen überlebt haben, Sowjetmacht und Perestroika, in neues Russland waren vom Aussterben bedroht: Die Produktion geht Jahr für Jahr zurück, der Umsatz wächst nicht, die Zahl der Handwerker geht unaufhaltsam zurück. Nur ein Wunder könnte diese einzigartige Branche vor einem traurigen Schicksal bewahren. Und es sieht so aus, als ob es passieren könnte. Wie die russische Identität im Sterben lag und warum der St. Petersburger Unternehmer Anton die Chance hat, im Gedächtnis vieler Generationen von Volkshandwerkern zu bleiben, fand Ogonyok heraus.

Natalia Nekhlebova

„Bei unserem Volkshandwerk läuft alles stabil“, sagt Gennady Drozhzhin, Vorstandsvorsitzender des Vereins „Volkskunsthandwerk Russlands“, „durchweg schlecht.“ Und er erklärt: Seit nunmehr 25 Jahren unsere „Basis des Originals“. Nationalkultur„(so definiert das Ministerium für Industrie und Handel in seinen Dokumenten das Volkshandwerk) stirbt still und leise aus …“

Die tragischen Töne in den Worten des Verbandschefs sind verständlich: Das Produktionsvolumen sinkt von Jahr zu Jahr, die Zahl der Handwerker nimmt stetig ab. Wenn in der Sowjetunion etwa 100.000 Handwerker in Volkskunst- und Handwerksbetrieben arbeiteten, sind es heute die Verwalter. Nationalität„In den Weiten Russlands sind es weniger als 20.000. Typisches Bild: In Unternehmen, in denen früher 200 bis 300 Menschen arbeiteten, sind nur noch 15 übrig, und alle sind im Rentenalter. Und sie arbeiten mehr aus Gewohnheit als für Geld.“ - In einem Drittel der einst berühmten Fabriken beträgt das Gehalt nicht mehr als 10.000 Rubel. Natürlich werden sich junge Leute nicht hinsetzen, um Zhostovo-Tabletts zu bemalen, über Bogorodsk-Schnitzereien, Yelets-Spitze oder Fedoskino-Miniaturen zu brüten. Neun Prozent des Volkshandwerks brauchen Nothilfe“, stellt der Verband fest. Und sie fügen dem tristen Bild düstere Farben hinzu: Letztes Jahr haben Unternehmen Produkte im Wert von 5 Milliarden Rubel hergestellt, aber sie können sie nicht verkaufen, ein Drittel der Unternehmen hat eine Rentabilität von 0,1 bis 3 Prozent, mehr als die Hälfte sind unrentabel. Die Leiterin eines der berühmtesten Kunsthandwerke Russlands, „Chokhloma-Malerei“, seufzt: „Über Profit muss man nicht reden.“

Was ist das? Unser Dymkovo-Spielzeug, Palekh-Box, Lackminiaturen, die theoretisch ganze Regionen ernähren und den ländlichen Tourismus entwickeln können, nützen niemandem?

Schwer fassbare Identität

In der UdSSR arbeiteten alle Handwerksbetriebe im Auftrag der Regierung. Die Produkte wurden zentral eingekauft, an Geschäfte verteilt und als Geschenke für angesehene ausländische Gäste verwendet. IN große Städte Es gab große Kunstsalons, in denen sämtliche Kunsthandwerksprodukte präsentiert wurden. In Leipzig und Edinburgh fanden regelmäßig Messen statt – traditionelle russische Souvenirs wurden schnell exportiert...

Dann ersetzten der Markt und die launische Mode die staatlichen Anordnungen. Was früher als „jahrhundertealtes Erbe“ und fast „Seele des Volkes“ galt, ist für die neuen Russen zum Kitsch geworden. Und für Ausländer erwies es sich als unzugänglich – kaputte Straßen und das Fehlen einer freundlichen touristischen Infrastruktur schnitten selbst Fans von den Handwerkern ab: Handwerksbetriebe sind überwiegend in Dörfern angesiedelt, die einfach nicht zugänglich waren.

Daher gibt es heute kein Vertriebsnetz für traditionelle Artikel Nationalstolz Nein. Unternehmen können einfach keine Verkaufsstellen eröffnen – sie hätten etwas für den Strom zu bezahlen. „Die Mietkosten in Moskau und St. Petersburg sind exorbitant“, sagt Elena Krayushkina, „kolossale Preise pro Quadratmeter. Von solchen Beträgen haben wir noch nie geträumt!“

Nur die Glücklichen erhalten Mittel – das sind 79 Unternehmen, die es geschafft haben, in das Register für Volkskunst und Handwerk des Ministeriums für Industrie und Handel aufgenommen zu werden. Sich darauf einzulassen ist der ultimative Traum für alle Liebhaber origineller Kunsthandwerke

Für bekannte Fischereibetriebe wie Khokhloma ist der Großhandel für Firmenkunden einer der Hauptmärkte. Aber hier geht es nicht mehr um Kunst, sondern um die Launen des Kunden – Unternehmen bestellen Geschenke für Mitarbeiter und verlassen sich dabei auf die eigene Kreativität, sodass allerlei wilde Dinge auftauchen: entweder Nistpuppen mit eingebautem Flash-Laufwerk oder Laptops mit der Aufschrift „Chokhloma“. Einst wurde sogar der königliche Thron für einen Bewunderer der Autokratie von der Khokhloma-Fabrik im Kampf um Rache angefertigt. Und um ehrlich zu sein: Es hat eine Reihe von Kapazitäten für die Produktion gewöhnlicher Landmöbel umfunktioniert – die Nachfrage danach ist stabil. Die Khokhloma-Produktion ist jedoch groß angelegt, und kleine Unternehmen, die einzigartige kommerzielle Produkte herstellen, haben keine solche Möglichkeit, Geld zu verdienen.

In Moskau oder St. Petersburg kann man heute alles kaufen. Zusätzlich zu... traditionellen russischen Produkten. Weder echte Vologda-Spitze noch Palekh-Särge kann nicht gefunden werden. Chinesische Fälschungen, belarussische und ukrainische Waren an Souvenirständen selbst in den Städten des Goldenen Rings verdrängen den Originalhersteller. „Viele Reisebüros lösen das Problem, Touristen mit Souvenirs zu versorgen, mit billigen importierten chinesischen Produkten“, beklagt der Folk Arts and Crafts Association. Und sie geben zu: Es ist fast unmöglich, dagegen anzukämpfen. „Die Menge an illegalen Produkten, die gegen Urheberrechte verstoßen, ist um ein Vielfaches höher als der Umsatz unseres Unternehmens“, sagt Elena Krayushkina. „Es gab mehrere Klagen. Wir haben Testkäufe von gefälschten Produkten bei verschiedenen Einzelunternehmern durchgeführt Verstöße gegen unsere Urheberrechte und reichten eine Klage beim Schiedsgericht ein. Im Zuge des Papierkrams werden die einzelnen Unternehmer begraben, der Fall verlässt die Zuständigkeit des Schiedsgerichts und wird an den Weltgerichtshof weitergeleitet, wo den Verstößen eine Geldstrafe zugesprochen wird von 2.000 Rubel. Nichts: Die Geldstrafe wurde bezahlt, und einen Monat später eröffnen sie neue Einzelunternehmer und machen weiterhin das Gleiche, aber wir für die Prüfung bezahlt, Geld für Anwälte ausgegeben ... Das heißt, das Gericht kostet uns 150-200.000, und sie kosten 2.000. Und was nützen solche Gerichtsverfahren?

Nicht für jeden gedacht

Der Staat unterstützt die Fischerei vor Ort und in Teilen. Es ist jedoch gut, dass zumindest dies der Fall ist – für viele Menschen ist das Leben nur dank Subventionen (in diesem Jahr wurden 450 Millionen Rubel bereitgestellt) kaum noch zu sehen. Unternehmen können Subventionen nutzen, um Gas, Strom, Schienentransport und Ausstellungsaktivitäten zu finanzieren. Aber das Geld reicht dringend nicht aus, um alle Ausgaben zu decken, und nur die Glücklichen erhalten Mittel – das sind 79 Unternehmen, die es geschafft haben, in das Register für Volkskunst und Handwerk des Ministeriums für Industrie und Handel aufgenommen zu werden. Sich darauf einzulassen ist der ultimative Traum für alle Liebhaber origineller Kunsthandwerke. Und der Traum hängt vom Glück und der Gunst der Mitglieder der Kunstkommission des Ministeriums ab.

Das Glück ist launisch und lächelt nicht jedem zu. Zum Beispiel versuchen russische Mosaike – das berühmte Handwerk der Herstellung von Tafeln aus farbigen Steinen – seit 10 Jahren, in dieses Register aufgenommen zu werden, und schaffen es immer noch nicht. Die einzigartige Kunst existiert seit 300 Jahren und wurde von ihren Meistern dekoriert Isaakskathedrale damals in der Zarenzeit und in Sowjetzeit Mitglieder des Politbüros schenkten ausländischen Gästen teure Tafeln aus Ural-Jaspis. Doch es stellt sich heraus, dass dies der für die Registereinträge zuständigen Ministerkommission nicht ausreicht.

„Beim Kunstrat fragten sie uns, wo die Berge in der Wolga-Region seien“, erzählt Nail Badtredinov, Leiter des Unternehmens Artel NHP, über die Missgeschicke im Büro. „Die Behauptung war, dass unser Handwerk nicht an ein bestimmtes Dorf gebunden sei. wie die Anderen. Und was soll ich ihnen antworten? Unsere Berge sind gewöhnlich. Ural. Und der Jaspisgürtel verläuft durch viele Siedlungen ... Ein anderes Mal stellte sich heraus, dass unser Papierkram falsch war, dann stellte sich heraus, dass wir nicht traditionell genug waren. Wir haben erneut eine Bewerbung eingereicht. Wir warten. Wir hoffen...

Der Verband für Volkskunst und Kunstgewerbe kämpft seit langem für Steuervorteile. Und sie scheinen sogar in der 2015 vom Ministerium für Industrie und Handel ausgearbeiteten Sektorstrategie für die Entwicklung des Volkskunsthandwerks bis 2020 versprochen worden zu sein. Im Allgemeinen wird dort viel Gutes geschrieben, aber alles bleibt immer noch auf dem Papier. Und im Leben - fast alle Steuern und Versicherungsprämien Unternehmen unseres Originals Volkskultur den ganzen Betrag bezahlen. „Wir beschäftigen 700 Mitarbeiter“, sagt Elena Krayushkina, „der größte Kostenanteil an den Produktkosten entfällt auf Löhne und Steuern.“ Löhne, fast 75 Prozent des Selbstkostenpreises sind eine kolossale Summe. Und wir zahlen als große, hochtechnologische und automatisierte Unternehmen alle Steuern und Versicherungsprämien. Das ist für uns eine unerträgliche Belastung.“

Handarbeit, das Hauptmerkmal der Volkskunst, ist teuer. Das ist es, was Unternehmen in die hoffnungslose Unrentabilität stürzt. „Den beliebten Handwerken, die die Handarbeit aufgegeben haben, geht es besser“, gibt Drozhzhin zu. Dies sind zum Beispiel Pavlovo Posad-Schals – das einst einzigartige Muster darauf wird heute nicht mehr von einem Handwerker gezeichnet, sondern von einem Drucker gedruckt. Und die verlorene Identität scheint die Kuratoren der Branche nicht zu stören: Das Ministerium für Industrie und Handel hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Zahl der Volkskunst- und Handwerksbetriebe mit einem Mindestanteil an Handarbeit zu erhöhen. Das heißt, sie werden aufhören, echte Industrieprodukte als solche herzustellen, sondern stattdessen billige Produkte herstellen. Wir sind bereit, dafür öffentliche Gelder bereitzustellen – für den Kauf von Ausrüstung. Aber wird dies die Besitzer alter Handwerke und kleine Unternehmen retten, die keinen Laden eröffnen können?

Die Welt funktioniert anders. In Deutschland beispielsweise genießen Branchen, die Handarbeit einsetzen, erhebliche Steueranreize, die es ihnen ermöglichen, ihre Kosten innerhalb weniger Jahre vollständig zu amortisieren. Dort sind die Kosten für die Anmietung von Einzelhandelsflächen deutlich niedriger als in Russland. Gültig in Kanada zentralisiertes System Verkauf: Der Meister übergibt die von ihm hergestellten Produkte an die Genossenschaft, die sie an Verkaufsstellen versendet. In Frankreich, wenn Absolventen Kunstschulen Gehen Sie zur Arbeit für Handwerker oder Organisationen, die sich auf manuelle Arbeiten spezialisiert haben künstlerische Arbeit Dann erhalten sie drei Jahre lang eine Zuzahlung, die ihnen ein über dem Durchschnitt der Region liegendes Einkommen sichert. Und in Japan Volkshandwerker und haben sogar den Status eines Nationalschatzes. Und der Staat kauft garantiert Produkte von Meistern und ihren Schülern, um Museums- und Schenkungsgelder aufzufüllen und in anderen Ländern zu verkaufen.

Hohe Beamte sind sich des traurigen Schicksals des russischen Volkshandwerks bewusst: Der Verein „Volkskunsthandwerk Russlands“ veranstaltet jährliche Konferenzen, kommuniziert mit dem Ministerium für Industrie und Handel und bombardiert regionale Leiter mit Hilferufen. Ach...

Aber es stellt sich heraus, dass eine andere Methode für uns einwandfrei funktioniert – in den Himmel zu gelangen.

Wort des Ersten

Anton Georgiev kaufte vor zwei Jahren die bankrotte Fabrik Krestetskaya Stochka im Dorf Kresttsy in der Region Nowgorod. Ich bin direkt auf alle oben besprochenen „allgemeinen Probleme“ der Branche gestoßen. Ich habe mir die wichtigsten ausgedacht: An wen soll man Krestetsk-Spitze verkaufen und warum der Staat nicht hilft. Doch im Gegensatz zu seinen Kollegen im Laden hatte er großes Glück: Er gehörte zu den zehn Geschäftsleuten, die sich Ende April in Weliki Nowgorod mit Wladimir Putin trafen.

Anton macht keine Angaben zu den Einzelheiten des Treffens, er gibt nur zu, dass er dem Präsidenten berichtet hat: In unserer Fischerei ist alles durchweg schlecht. Er fügt hinzu, dass danach alle Verantwortlichen plötzlich aufgeheitert seien. Und dann die offizielle Chronik: Eine Woche später wurde bekannt, dass der Präsident die Regierung angewiesen hatte, „einen Maßnahmenplan zur Gewährleistung der Erhaltung, Wiederbelebung und Entwicklung des Volkskunsthandwerks“ zu entwickeln. Es wird insbesondere darauf hingewiesen, den Einsatz von Volkskunst und Kunsthandwerk in Programmen zu berücksichtigen zusätzliche Ausbildung und Kindererziehung, Ausbildung von Fachkräften Berufsausbildung, Entwicklung des Inlands- und Inlandstourismus an Orten mit traditioneller Existenz von Volkskunsthandwerk. Und vor allem gibt es eine Antwort auf die Frage: „Wer kauft?“ Es wird vorgeschlagen, im Rahmen des Bundesvertragssystems ein System der vorrangigen staatlichen Beschaffung von Kunsthandwerk zu schaffen, um Museumsfonds und Sammlungen in Bildungs- und Kultureinrichtungen aufzufüllen. Darüber hinaus verfügen alle Ministerien, Rosneft und Gazprom über Schenkungsfonds – sie werden auch kaufen. Dmitri Medwedew muss dem Präsidenten Ende August über die Erstellung eines Plans berichten, der alle diese Positionen umfasst...

Anton skizzierte all diese guten Aussichten und sagte nicht ohne Stolz zu Ogonyok: Der Geschenkfonds des Präsidenten habe bereits beschlossen, Werke von Krestetskaya Stochka zu kaufen. Georgievs Fabrik erhielt auch einen Regierungsauftrag aus der Region Nowgorod.

Ist es wirklich eine Erlösung? „Wenn Spendengelder Produkte von uns kaufen, Museumssammlungen wird irgendwie mit handwerklichen Elementen aufgefüllt, das wird eine große Hilfe sein“, sagt Elena Krayushkina. „In der Sowjetunion große Menge„Unsere Arbeiten gingen an Schenkungsgelder“, stimmt Nail Badtredinov zu, „wenn alles zurückkommt, hilft uns das natürlich.“

Die Meister hoffen, dass sich die von den Weisungen des Präsidenten betroffenen Ministerien nun irgendwie „im Namen der Erlösung vereinen“. Russische Traditionen". Und sie träumen: Der Rosttourismus wird Industrieunternehmen in die föderale Touristenroute einbeziehen; das Kulturministerium wird die Tretjakow-Galerie und die Eremitage anweisen, Produkte von ihnen zu kaufen; das Bildungsministerium wird bei der Personalschulung helfen; das Ministerium für Industrie und Der Handel wird ein Netz von Filialen schaffen Großstädte, wo alle Volkshandwerke präsentiert werden...

„Eine Person würde sich für ein Geschenk entscheiden und verstehen, dass sie sich für ein Geschenk entscheidet, das in Russland hergestellt wurde, ein Sammlerstück ist und an eine andere Generation weitergegeben werden kann“, träumt der Verein. Wir sind aber auch bereit, bescheidenere Wünsche zu erfüllen: Wenn die Ressorts das alles nicht bewältigen oder verschwenden (sie bauen keine Straßen, schaffen keine touristische Infrastruktur, eröffnen keine Geschäfte usw.), dann lassen sie es zumindest mit Gewalt geschehen Kaufen Sie „Produkte der nationalen Originalkultur“ als Geschenk.

Wie sonst können wir unsere Identität bewahren?