O. Kolovsky. Chorpartituranalyse / Chorkunst: Artikelsammlung / hrsg. A. V. Mikhailov, K. A. Olkhov, N. V. Romanov. Leningrad "Musik", - 1967. - p. 29-42

Lehrbücher zur Analyse musikalischer Werke können Studierende, die an der Partitur arbeiten, hinsichtlich der Darbietung nicht vollständig zufrieden stellen, da der Kurs Analyse eine theoretische Disziplin ist und nicht darauf ausgelegt ist, ein musikalisches Werk umfassend zu behandeln. Der Interpret, insbesondere der Dirigent des Chores, muss die Partitur so gut wie möglich beherrschen.

Dieser Aufsatz widmet sich den Methoden der musikalischen Analyse einer Chorpartitur in einer speziellen Klasse des Dirigierens.

Kurz gesagt stellt sich der Fortschritt der Arbeit an der Partitur in folgender Form dar: Die erste Stufe ist das Spielen, das Hören der Musik; die zweite - historische und ästhetische Analyse (Bekanntschaft mit dem Werk des Komponisten - des Autors der untersuchten Partitur; Lesen von Fachliteratur; Reflexionen über den Text, den allgemeinen Inhalt der Werke, ihre Idee); die dritte ist die theoretische Analyse (Struktur, Thematisierung, Gestaltungsprozess, die Funktion von Kadenzen, harmonische und kontrapunktische Elemente, Fragen der Chororchestrierung usw.).

Natürlich ist die vorgeschlagene Reihenfolge etwas willkürlich. Alles hängt von den konkreten Umständen ab: vom Schwierigkeitsgrad der Arbeit, von der Begabung des Schülers. Wenn zum Beispiel ein talentierter und außerdem gelehrter Musiker auf eine einfache Partitur stößt, braucht er möglicherweise nicht viel Zeit für die Analyse - er wird sie, wie man so sagt, in einer Sitzung meistern; aber es kann auch eine andere Situation eintreten, wenn eine komplexe Partitur in die Hände eines unreifen und nicht sehr sensiblen Interpreten gelangt – dann kann man auf eine Technik nicht verzichten.

Leider bleibt zukünftigen Chorleitern die Möglichkeit verwehrt, Kompositionsunterricht zu nehmen, obwohl es kein Geheimnis ist, dass kompositorische Fähigkeiten beim Musikstudium von großem Nutzen sind, um tiefer und organischer in den Prozess des Gestaltens einzutauchen, die Logik zu beherrschen der musikalischen Entwicklung. Wie viel einfacher wäre das "Problem" der Analyse, wenn es von Leuten behandelt würde, die die Kompositionsschule durchlaufen haben.

Also erhielt der Schüler eine neue Partitur zum Lernen. Es kann eine einfache Verarbeitung sein. Volkslied, ein Fragment aus dem Oratorium oder der Messe, ein neues Werk des sowjetischen Komponisten. Unabhängig vom Schwierigkeitsgrad der Partitur muss diese zunächst auf dem Klavier gespielt werden. Für einen Schüler, der nicht gut Klavier spielt, wird die Aufgabe natürlich komplizierter, aber auch in diesem Fall sollte man sich nicht weigern zu spielen und auf die Hilfe einer Blockflöte oder eines Begleiters zurückgreifen. Natürlich können die Aktivität des inneren Gehörs und ein ausgezeichnetes Gedächtnis den Mangel an pianistischen Fähigkeiten weitgehend ausgleichen.

Das Spielen und natürlich das begleitende Zuhören und Auswendiglernen sind nicht nur für eine vorläufige Bekanntschaft mit der Partitur erforderlich, sondern um sie, wie sie sagen, „durchzubeißen“, um die Bedeutung und Idee der Partitur allgemein zu verstehen Arbeit und ihre Form. Der erste Eindruck muss immer stark und eindeutig sein; Musik soll fesseln, bitte - das ist ein unbedingt notwendiger Anfang für die weitere Arbeit an der Partitur. Wenn dieser Kontakt zwischen der Musik und dem Interpreten nicht von Anfang an bestanden hat, muss die Partitur vorübergehend oder dauerhaft beiseite gelegt werden. Es kann mehrere Gründe geben, warum die Arbeit „nicht gefallen hat“. Abgesehen von Extremfällen (die Musik ist schlecht oder der Schüler ist mittelmäßig), liegt dies meistens an dem engen kulturellen und musikalischen Horizont des Schülers, einem begrenzten Kreis künstlerischer Sympathien oder einfach an schlechtem Geschmack. Es kommt vor, dass eine Form oder eine neue Musiksprache abschreckt, manchmal erweist sich schon die Idee, das Konzept eines Stücks als fremd. In Ausnahmefällen ist dies Ausdruck einer grundsätzlichen Intoleranz gegenüber einem bestimmten Komponisten oder Stil. Wie dem auch sei, wenn die Arbeit „nicht durchgekommen“ ist, bedeutet dies, dass sie sowohl inhaltlich als auch formal unverständlich geblieben ist. Daher ist eine weitere Analyse völlig nutzlos; es wird nur formale Ergebnisse bringen. Es ist sinnvoll, mit der Analyse der Partitur erst dann zu beginnen, wenn der Schüler die Musik bereits kennt, versteht und fühlt, wenn er sie „mag“.

Wo soll man anfangen? Zunächst einmal von der historischen und ästhetischen Analyse, dh von der Herstellung von Verbindungen zwischen einem bestimmten Werk und Phänomenen des Lebens, der Kultur und der Kunst, die ihm nahe stehen. Gegenstand einer solchen Analyse wird also nicht so sehr das Werk selbst sein, sondern jene Phänomene, die irgendwie damit zusammenhängen. Dies ist notwendig, um schließlich durch indirekte Verbindungen tiefer in den Inhalt der untersuchten Partitur und weiter in ihre Form einzudringen. Wir sollten nicht vergessen, dass jedes Musikstück kein isoliertes Phänomen ist, sondern gleichsam ein Element oder ein Teilchen eines ganzen intonationsstilistischen Systems im künstlerischen Leben einer bestimmten Epoche ist. Dieses Teilchen spiegelt wie in einem Mikrokosmos nicht nur die stilistischen Merkmale zeitlich benachbarter musikalischer Phänomene wider, sondern auch die charakteristischen Merkmale einer bestimmten historischen Kultur als Ganzes. Der sicherste Weg, diesen „Mikrokosmos“ zu kennen, führt also vom Allgemeinen zum Besonderen. In der Praxis treten jedoch eine Vielzahl von Situationen auf. Stellen wir uns vor, ein Student hat von einem der alten Meister des 16. Jahrhunderts eine Partitur zum Lernen bekommen und begegnet diesem Stil zum ersten Mal. Es ist unwahrscheinlich, dass die Tatsache, dass der Student sich mit sorgfältigem Büchsen und theoretischer Analyse dieser einzelnen Partitur beschäftigt, viel Nutzen bringen wird. Natürlich wird eine kolossale zusätzliche Arbeit erforderlich sein; erstens müssen Sie Dutzende von Partituren desselben Autors und seiner Zeitgenossen nachspielen, um sich mit dem Stil im weiteren Sinne vertraut zu machen; Zweitens wird es notwendig sein, wie sie sagen, auf allen möglichen Wegen in diese ferne Zeit einzutreten - durch Literatur, Malerei, Poesie, Geschichte, Philosophie.

Erst nach solch akribischer Vorarbeit kann man sich darauf verlassen, den richtigen „Ton“ für die Interpretation eines bestimmten Werkes zu finden.

Und umgekehrt, ein weiteres Beispiel: Der Schüler muss zum Lernen und Aufführen die Partitur eines berühmten Russen vorbereiten Komponist XIX Jahrhundert. Natürlich wird auch hier eine Analyse erforderlich sein, aber in viel kleinerem Maßstab, da die Musik dieses Komponisten „bekannt“ ist, sein Schüler die Hauptwerke kennt (ist das immer so?), lesen Sie etwas über sein Leben und Arbeit, und schließlich etwas, woran ich mich aus Vorträgen erinnere usw. Aber selbst in einem so günstigen Zustand muss ich noch einige Werke (höchstwahrscheinlich symphonische und kammermusikalische) auffrischen, mich mit neuem biografischem Material vertraut machen usw .

In der Praxis kann es andere Möglichkeiten geben. Je höher die Kultur und Gelehrsamkeit eines Musikers ist, je umfangreicher sein musikalisches „Gepäck“ ist, desto eher durchläuft er natürlich diese Phase der Analyse. Ein musikalisch und kulturell weniger vorbereiteter Schüler wird viel Arbeit investieren müssen, um auf das der Arbeit entsprechende Niveau aufzusteigen, und danach das Recht haben, sich auf sich selbst zu konzentrieren.

Für Musiker, die die Methode komplett vernachlässigen historische Analyse, die es für einen unnötigen Luxus und eine Erfindung von "Nicht-Musikern" halten, gibt es immer mehr oder weniger Mängel in der Darbietung; ihre Interpretation hat stets den Beigeschmack eines unangenehmen „Gags“, der sich gut mit stilistischem Eklektizismus verträgt. Es stimmt, manchmal muss man sich mit einem talentierten Gag treffen, aber das ändert nichts an der Essenz der Sache.

Es ist ein erbärmlicher Anblick, einen fähigen Studenten zu sehen, der eine komplexe Komposition dirigiert, die er fühlt, aber nicht wirklich versteht; er gibt sich der Macht seiner Gefühle, seines Temperaments hin, er schafft es sogar, einzelne Details getreu und gekonnt wiederzugeben, er regt sich auf und sorgt sich, und Musik bleibt wie eine Sphinx ungelöst. Und schließlich hat dieses Missverständnis, das sich perfekt mit dem „Wissen“ der Partitur verbinden lässt, fast immer eine Quelle – den fehlenden Weitblick im Bereich Kultur und Kunst. Dieser Umstand macht sich besonders bemerkbar, wenn etwas von J.‐S. Bach. Ohne den Lehrern des speziellen Dirigierens einen Vorwurf zu machen, möchte ich dennoch sagen, dass es kaum einen Nutzen bringt, die Werke von J.-S. Bach am Klavier!

Lass uns weitergehen zu konkrete Beispiele. Es ist zum Beispiel notwendig, eine der Teile von Mozarts „Requiem“ und Schostakowitschs Gedicht „Der 9. Januar“ historisch und ästhetisch zu analysieren.

Die Tatsache, dass beide Werke recht bekannt sind und oft im Unterricht und bei Prüfungen vorgetragen werden, erlaubt es, die Analyse von Informationsballast zu befreien, was notwendig ist, wenn es sich um ein selten aufgeführtes Werk eines wenig bekannten Autors handelt.

Es wurde bereits gesagt, dass man sich, um ein Stück zu dirigieren, möglichst mit dem Gesamtwerk des Komponisten vertraut machen muss. Wenige Menschen wissen das eigentlich nicht, aber nur wenige folgen diesem Prinzip. Die wahre Bedeutung von Musik wird oft durch eine oberflächliche Orientierung ersetzt – so viele Symphonien wurden geschrieben, so viele Opern usw. Aber die Hauptsache ist, wie es geschrieben klingt. Es ist schwer vorstellbar, dass es einen Chorschüler geben kann, der außer dem Requiem nichts von Mozart kennt. Manches in der Kindheit gespielte Klavierstück ist wohl schon in Erinnerung geblieben; vielleicht erinnere ich mich an ein oder zwei Symphonien oder etwas anderes. Wir können jedoch mit Sicherheit sagen, dass die überwiegende Mehrheit der jungen Chorleiter Mozarts Musik nicht gut kennt. Zum „Requiem“ zu gehen, ohne das Gefühl zu haben, dass Kopf und Herz schon voller Musik sind brillanter Künstler, die gleiche Absurdität wie die Partitur von Beethovens 9. Sinfonie oder Tschaikowskys 6. Sinfonie zu übernehmen, ohne die vorherigen zu kennen. All dies bedeutet nicht, dass Sie Mozart in seiner Gesamtheit studieren müssen. Im Gegensatz dazu kann man im ersten Fall mit einem Minimum auskommen, aber selbst dieses Minimum wird auf eine alles andere als kleine Anzahl von Kompositionen hinauslaufen. Machen Sie sich unbedingt mit allen Hauptgattungen im Werk Mozarts vertraut, da jede von ihnen eine neue Facette seiner Musik eröffnet. Beginnen Sie besser mit Klaviersonaten, dann geh zu Klavierkonzerte, hören Sie sich Kammerensembles an (insbesondere Quartette und sicherlich ein Quintett in g-Moll), und es kann gründlicher sein, bei symphonischen Werken zu verweilen, beginnend mit den letzten drei Symphonien. Es wird nicht schaden, charmante Divertissements kennenzulernen. Und natürlich scheint ein Gespür für Mozarts Opernstil, zumindest für 2-3 Opern, absolut notwendig zu sein. Die Liste lässt sich fortsetzen, aber das reicht. Letztlich entscheidet nicht die Anzahl der gespielten und gehörten Dinge über den Erfolg der Analyse, sondern die Fähigkeit, sich in die Musik zu vertiefen. Die Hauptaufgabe besteht darin, den Geist von Mozarts Musik zu spüren, sich davon mitreißen zu lassen, den Stil, das Wesen der Musiksprache zu spüren. Nur wer die „sonnige“ Essenz von Mozarts Musik tief erfährt und versteht, findet den richtigen Weg in die dramatisch-düstere Welt von „Requiem“. Aber auch im Requiem bleibt Mozart Mozart, die Tragödie des Requiems ist nicht Tragödie überhaupt, sondern Mozarts Tragödie, und zwar aufgrund des allgemeinen Stils der Musik des Komponisten.

Leider versuchen wir oft, die kürzesten Wege zwischen der Realität und einem Musikstück zu legen und vergessen, dass es nur einen richtigen Weg gibt, länger, aber wahr – durch Stil. Der Kampf um die Beherrschung des Stils ist vielleicht die prägnanteste Formulierung der Bedeutung historischer und ästhetischer Analyse. Und im Hinblick auf Mozarts Musik gilt dies ganz besonders schwierige Aufgabe, denn Mozart wird auf beiden Seiten von Kolossen wie Bach und Beethoven "unterstützt". Und oft werden dramatische Seiten von Mozarts Musik "unter Beethoven" und kontrapunktisch - "unter Bach" aufgeführt.

Parallel zum musikalischen „Ausflug“ empfiehlt es sich, Fachliteratur zu lesen. Neben Lehrbüchern ist die Lektüre von Primärquellen – Mozarts Briefe, Memoiren – sinnvoll, um sich mit den Äußerungen bedeutender Künstler über Mozart etc. vertraut zu machen. politischen und künstlerischen Umfeld jener Zeit. Was das Requiem selbst betrifft, von der Musik ganz zu schweigen, scheint es auch äußerst wichtig, einige Details des religiösen Inhalts der Trauerfeier zu klären, denn wenn man sich auf den Humanismus der Musik konzentriert, sollte man gleichzeitig die kirchlichen Attribute nicht vergessen, Formen und Kanons, die in der Musik Mozarts eine gewisse Widerspiegelung gefunden haben. Mit der Stilproblematik ist auch die Frage nach dem Einfluss der kirchlichen Ideologie auf die Musik verbunden.

Und noch etwas: An der unsterblichen Kunst der großen Dichter, Musiker und Künstler der Renaissance kommt man nicht vorbei; Fresken und Gemälde von Michelangelo und Raffael können bei der Interpretation mancher Nummern des „Requiems“ viel „suggerieren“; ein sensibler Musiker, mit großem Nutzen für sich selbst, wird auch die Partituren der unsterblichen Palestrina studieren, die von einer Art besonderer Reinheit und "Heiligkeit" erfüllt sind, und schließlich gibt es "Palestrina"-Episoden in der Partitur des "Requiem". ; Mozart beherrschte die italienische Schule des Chorgesangs - leicht und transparent.

Generell scheint es so, als ob um ein Werk herum sehr viel gearbeitet wird, aber erstens bedarf nicht jede Partitur einer so ausführlichen Analyse, und zweitens weiß ein Student, der eine neue Partitur in die Hand nimmt, immer noch etwas über Komponisten und sein Werk sowie über die Epoche insgesamt. Daher wird die Arbeit in der Ergänzung von Wissen bestehen, in zusätzlicher Analyse, von der einige (große oder kleinere) Teile bereits früher im Lernprozess durchgeführt wurden.

Beim Studium der Partitur eines modernen Komponisten wird der Interpret unweigerlich auf andere Schwierigkeiten stoßen als bei der Analyse eines klassischen Werkes, obwohl die Bandbreite der Fragen in beiden Fällen gleich ist. Das Werk selbst des größten Klassikers, der vor, sagen wir, 100 Jahren oder noch mehr nach einem ganz natürlichen Lebensgesetz gelebt hat, verliert etwas von seinem lebenswichtigen Inhalt – es verblasst allmählich, verliert die Leuchtkraft seiner Farben.

Und so verhält es sich mit dem ganzen Erbe: es ist uns Zeitgenossen gegenüber von der Seite seiner schönen, klassischen Formen gleichsam „entfaltet“. Deshalb muss der Dirigent zunächst den wesentlichen Quellen des Stils der klassischen Partitur auf den Grund gehen; seine „Superaufgabe“ ist, dass die alte Musik in seiner Interpretation als neu empfunden wird, zeitgenössische Arbeit. In absoluter Form ist eine solche Transformation natürlich unmöglich, aber das Streben nach diesem Ideal ist das Schicksal eines wahren Künstlers.

Die Stärke echter Gegenwartskunst liegt dagegen darin, dass sie erst mit ihrer Verbindung zum Leben das Herz erobert und gewinnt. Aber die Form der neuen Musik schreckt den konservativen und faulen Interpreten oft ab.

Nun kurz zu Schostakowitschs Chorgedicht „9. Januar“. Auch hier wird man sich zunächst mit dem Gesamtwerk Schostakowitschs auseinandersetzen müssen, wobei das Hauptaugenmerk auf der zentralen Gattung seines Schaffens, der symphonischen, liegen sollte. Vielleicht sollten Sie sich zunächst mit der 5., 7., 8., 11. und 12. Symphonie, einigen Quartetten, einem Klavierquintett, Fugen in e-Moll und d-Moll für Klavier, dem Oratorium „Lied der Wälder“ und a Vokalzyklus zu Texten jüdischer Volksdichtung. Schostakowitsch – der große Symphoniker unserer Zeit; in seinen instrumentalen Fresken spiegeln sich wie in einem Spiegel der Heldenmut, das Drama und die Freuden eines Mannes unserer stürmischen und widersprüchlichen Zeit wider; an Umfang der geschilderten Ereignisse, an Wucht und Abfolge der Ideenentwicklung kennt er unter den Komponisten unserer Zeit seinesgleichen; In seiner Musik gibt es immer eine Note von glühender Liebe, Sympathie und Kampf für eine Person, für die Menschenwürde; tragische Episoden in Schostakowitschs Musik sind oft die Krönung seiner grandiosen Konzepte. Der ursprüngliche Stil von Schostakowitsch ist ein komplexes Amalgam russisch-europäischen Ursprungs. Schostakowitsch ist der treueste Erbe der großen Kunst der Vergangenheit, aber er ist auch an den großen Eroberungen herausragender Komponisten des 20. Jahrhunderts nicht vorbeigegangen. Der Ernst, der Adel und die größte Zielstrebigkeit seiner Kunst machen es möglich, Schostakowitsch auf die allgemeine Entwicklungslinie der europäischen Symphonie neben Beethoven, Brahms, Tschaikowsky und Mahler zu stellen. Die konstruktive Klarheit seiner musikalischen Strukturen und Formen, die außergewöhnliche Länge der Melodielinien, die Vielfalt der modalen Basis, die Reinheit der Harmonien, die makellose kontrapunktische Technik – das sind einige der Merkmale von Schostakowitschs Musiksprache.

Mit einem Wort, wer es wagt, sich ein Werk von Schostakowitsch anzueignen, wird sich zumal seither viel Gedanken über sein Werk machen müssen gute Bücher es gibt immer noch sehr wenig über ihn.

Was das Programm betrifft, darf man sich auch hier nicht damit zufrieden geben, dass das Thema der Revolution von 1905 bekannt ist. Wir dürfen nicht vergessen, dass dies Geschichte ist. Also müssen wir versuchen, näher zu kommen tragisches Ereignis auf der Schlossplatz, es in deiner Vorstellung zu sehen, es zu fühlen und zu erleben, in deinem Herzen ein bürgerliches Gefühl des Stolzes für diejenigen wiederzubeleben, die für die große Sache der Befreiung vom königlichen Joch gestorben sind. Sie müssen sich sozusagen auf die erhabenste Weise aufstellen. Es gibt viele Möglichkeiten, denen zu dienen, die es wünschen: historische Dokumente, Gemälde, Gedichte, Volkslieder und schließlich das Kino. Idealerweise sollte der Interpret immer danach streben, das Niveau des Komponisten - des Autors des Werkes - zu erreichen, und dabei wird ihm sein eigenes Konzept und seine Vorstellung von der Komposition zu einem großen Teil helfen und nicht nur erlernt von der Stimme des Komponisten. Dieser Umstand gibt ihm das Recht, mit dem Autor zu streiten und vielleicht einige Anpassungen an den angegebenen Tempi, Dynamiken usw. vorzunehmen kreative Person) sollte nicht nur analysieren und angeben, was darin enthalten ist, sondern auch versuchen, herauszufinden, was aus seiner Sicht darin enthalten sein sollte. Dies ist einer der Wege zu einer eigenständigen und originellen Interpretation. Aus dem gleichen Grund ist es manchmal sinnvoller, sich zuerst mit dem Text der Partitur und nicht mit der Musik vertraut zu machen.

Das Endergebnis der historischen und ästhetischen Analyse sollte Klarheit in der Gesamtkonzeption, in der Idee, in der inhaltlichen Reichweite, in der emotionalen Tonalität des Gesamtwerkes sein; außerdem vorläufige Schlussfolgerungen zu Stilistik, Musiksprache und Form, die im Prozess der theoretischen Analyse verfeinert werden.

Und schließlich, ob es notwendig ist, die Analyse in einer schriftlichen Arbeit zu erstellen. Auf keinen Fall. Viel sinnvoller ist es, sich zur Gewohnheit zu machen, das gesamte Material zu einer bestimmten Arbeit in Form einer Abschlussarbeit in ein spezielles Notizbuch einzutragen. Dies können sein: die Schlussfolgerungen der Analyse, eigene Gedanken und Überlegungen, Aussagen aus der Fachliteratur und vieles mehr. Am Ende wird es in Zukunft bei Bedarf möglich sein, auf der Grundlage der Daten der Analyse (einschließlich der Ergebnisse der theoretischen Analyse) eine kleine Monographie über die Arbeit zu erstellen. Aber das ist nach der Aufführung der Partitur. Vor dem Debüt ist es besser, sich nicht ablenken zu lassen und sich alle Mühe zu geben, sich besser in der Sprache der Musik auszudrücken.

Von der Form zum Inhalt

Auch an einer Musikschule lernt ein Schüler die Elemente der Musik (Modus, Intervall, Rhythmus, Metrum, Dynamik usw.) kennen, deren Studium im Kurs der elementaren Musiktheorie enthalten ist; wechselt dann zu Harmonielehre, Polyphonie, Orchestrierung, Partiturlesen und vervollständigt schließlich seine theoretische Ausbildung mit einem Kurs zur Analyse musikalischer Kompositionen. Dieser Kurs scheint eine ganzheitliche, umfassende Analyse zur Aufgabe zu haben – jedenfalls deklarieren die Autoren von Lehrbüchern in ihren einleitenden Kapiteln ein solches Profil; Tatsächlich läuft fast alles auf das Studium musikalischer Kompositionsschemata hinaus, auf die Analyse der architektonischen Struktur, dh auf die Beherrschung der Regeln musikalischer "Grammatik".

Die Fragen der thematischen Entwicklung werden zwar angerissen, aber hauptsächlich im begrenzten Rahmen von Methoden der motivierten Entwicklung, und dann irgendwie „mit dem Auge“ - wo es völlig offensichtlich ist.

Das bedeutet jedoch nicht, dass das Studium der Struktur musikalischer Werke an Bedeutung verloren hätte. Es ist unwahrscheinlich, dass die Zweckmäßigkeit einer solchen pädagogischen Disziplin einer besonderen Argumentation bedarf. Es geht vielleicht nicht darum, das architektonische Kriterium (zumindest erstmals) in der Analyse aufzuheben, sondern nur darum, es durch eine Analyse eines anderen Plans, nämlich eine Analyse des Gestaltungsprozesses, zu ergänzen. Wie das geht, wie man dafür eine Methode entwickelt, ist Sache der Theoretiker. Aber praktizierende Musiker und insbesondere Chorleiter können nicht warten; Sie beginnen, den Glauben an die Macht der Theorie zu verlieren, viele von ihnen hören schließlich auf, die analytische Methode des Musikstudiums ernst zu nehmen, und fühlen sich bis zu einem gewissen Grad betrogen - es wurde so viel versprochen und so wenig gehalten. Das ist natürlich ungerecht, hat aber auch seine Berechtigung, denn es stellt sich so heraus: Theorie führt, führt den Studenten an der Hand, und dann, im entscheidendsten Moment, auf dem Höhepunkt der theoretischen Bildung, wann Musik ist, wie man so schön sagt, zum Greifen nah – verlässt seine. Dieser Abstand zwischen Wissenschaft und Live-Musik (der aber im Prinzip ganz natürlich ist) ist derzeit zu groß, er muss deutlich reduziert werden. Es scheint, dass es zwei Wege gibt: entweder die Theorie der Analyse entschlossen auf ein kreativeres Gestaltungsproblem zu verlagern oder sich der bestehenden Theorie durch die höchste und bewussteste Praxis zu nähern - durch Kreativitätskomposition, d.h. durch Verlagerung des musikalischen Problems Entwicklung auf diese Weise in die Sphäre der Praxis . Der zweite Weg ist zuverlässiger, und anscheinend wird die Zeit kommen, in der die Analyse musikalischer Werke (zumindest für Dirigenten) von analytisch zu praktisch wird, aber unabhängig davon muss auch die Theorie einen Schritt nach vorne machen, sich den Anforderungen annähern moderne Praxis. Die Lösung eines solchen Problems auf wissenschaftlicher Ebene ist eine schwierige und langwierige Aufgabe. In solchen Fällen jedoch, wenn die Theorie etwas spät kommt, kann eine Technik zur Rettung kommen. Lassen Sie uns versuchen, jungen Chorleitern mit einigen praktischen Ratschlägen zu helfen, von denen wir glauben, dass sie ihre Aufmerksamkeit in die richtige Richtung lenken werden.

Zunächst zu den möglichen Arten der theoretischen Analyse, die darauf abzielen, die Form eines musikalischen Werkes zu studieren. Es kann mehrere davon geben, zum Beispiel: harmonisch – wenn die Kompositionen nur unter dem Gesichtspunkt ihrer Harmonie betrachtet werden; kontrapunktisch, verpflichtet, den Fragen der Stimmführung besondere Aufmerksamkeit zu schenken; Schließlich können die Merkmale der Chororchestrierung, Struktur oder Muster der thematischen Entwicklung unter das analytische "Scheinwerferlicht" fallen. Jeder von ihnen (mit Ausnahme des letzten) hat seine eigenen theoretischen Prinzipien und Analysemethoden, die in den entsprechenden pädagogischen Kursen entwickelt wurden. Auf die eine oder andere Weise werden die Schüler grundsätzlich auf harmonische, kontrapunktische, strukturelle und in gewissem Maße auf vokal-texturale Analyse vorbereitet. Aber wenn sie sich auf eine „durchführende“ Analyse einlassen, die sowohl mit dem Bereich der Mythologie als auch mit einer „ganzheitlichen“ zu tun hat, verlieren viele von ihnen irgendwie den Boden unter den Füßen und versuchen, um jeden Preis über alles auf einmal zu sprechen.

Ich musste die schriftliche Arbeit von Studenten lesen, die eine einheitliche Vinaigrette ist; etwas über den ideologischen Inhalt, ein paar Worte über Harmonie, Textur, Dynamik usw. Natürlich ist eine solche „Methode“ beschreibend und hat mit echter Wissenschaft wenig gemein.

Die Methodik zur Analyse der Form einer Chorpartitur wird uns in der folgenden Sequenz vorgestellt. Der Student beginnt mit dem theoretischen Studium des Werkes erst, nachdem er es in historischer und ästhetischer Hinsicht gründlich bearbeitet hat. Folglich hat er die Partitur in dem, was man „in den Ohren“ und „im Herzen“ nennt, und dies ist die zuverlässigste Vorbeugung gegen die Gefahr, sich im Prozess der Analyse vom Inhalt zu lösen. Es ist zweckmäßiger, mit der Harmonie zu beginnen und, ohne sich von etwas anderem ablenken zu lassen, die gesamte Komposition Akkord für Akkord durchzusehen (und natürlich anzuhören). Interessante Ergebnisse der Harmonieanalyse können nicht in jedem Einzelfall garantiert werden (nicht jedes Werk kann harmoniesprachlich ausreichend originell sein), aber „Körner“ werden sicherlich gefunden werden; manchmal ist es eine komplexe harmonische Revolution oder Modulation, die nicht genau vom Gehör erfasst wird – bei näherer Betrachtung erweisen sie sich als sehr wichtige Elemente der Form und verdeutlichen daher etwas im Inhalt der Musik; manchmal ist es eine besonders ausdrucksstarke, prägende Kadenz usw. Schließlich hilft eine solche gezielte Analyse, die „harmonischsten“ Episoden der Partitur zu finden, in denen das erste Wort hinter der Harmonie steht, und umgekehrt harmonisch neutralere Abschnitte, wo es nur die Melodie begleitet oder die kontrapunktische Entwicklung unterstützt.

Sehr wertvoll ist auch die Fähigkeit, den tonalen Plan des gesamten Werkes zu entdecken, d. h. in dem bunten Bild der Abweichungen und Modulationen die wesentlichen, tragenden tonalen Funktionen zu finden und ihre Zusammenhänge zu erfassen.

Wenn man sich der kontrapunktischen Analyse zuwendet, muss man davon ausgehen, zu welchem ​​​​Stil diese Komposition gehört - polyphon oder homophon-harmonisch. Wenn zu polyphon, dann kann die kontrapunktische Analyse zum Hauptaspekt des theoretischen Studiums der Musik werden. Bei einem Werk homophon-harmonischen Stils sollte man nicht nur auf kontrapunktische Strukturen (Thema und Opposition, Kanon, Fugato) achten, sondern auch auf Elemente der Polyphonie, die keine Struktursicherheit haben. Dies können verschiedene Arten von Echos, Pedalen, melodischen Passagen, Figurationen, individuellen Imitationen usw. sein. Es ist sehr wichtig, sinnvolle melodische „Adern“ in der akkordharmonischen Textur zu erkennen (und vor allem zu hören), um ihr spezifisches Gewicht zu bestimmen und Aktivitätsgrad bei der Gestaltung. Was kontrapunktische Episoden und Strukturen betrifft, so sollte ihre Analyse es einem Studenten, der die technischen Mittel der Polyphonie besitzt, nicht schwer machen. Die Schwierigkeit hier ist anderer Art; man muss sein Gehör schulen, sich nicht in dem komplexen Geflecht der Stimmen zu verlieren und auch bei Polyphonie immer die Hauptstimme zu finden. Dazu ist es sinnvoll, gezielt am Klavier zu üben: Langsam und sehr leise polyphone Fragmente spielen, nicht „jeder Stimme“, wie meist empfohlen, aufmerksam zuhören, sondern dem Prozess des Zusammenspiels der Stimmen.

Als nächstes folgt die Analyse der Struktur der Partitur. Lehrbücher stehen dem Schüler in ausreichender Zahl zur Verfügung (das Lehrbuch „Musikalische Form“ von I. Sposobin und „Die Struktur musikalischer Werke“ von L. Mazel sollten angeboten werden), weshalb wir uns auf einige allgemeine beschränken können Bemerkungen. Leider muss man den Tatsachen ins Auge sehen, wenn Studenten die Aufgaben einer solchen Analyse eingrenzen und sich nur auf die Frage der Kompositionsschemata beschränken; Schema gefunden - Ziel erreicht. Das ist die tiefste Täuschung, denn die Strukturmuster manifestieren sich vor allem in der Verflechtung und Unterordnung kleinteiliger Konstruktionen - Motive, Phrasen, Sätze. Die konstruktive Seite von Werken zu beherrschen bedeutet, die rhythmischen Beziehungen zwischen einzelnen Strukturen, die Logik struktureller Periodizitäten und Kontraste zu verstehen. Übrigens habe ich mehr als einmal festgestellt, dass ein Musiker-Dirigent, der ein gutes Gefühl und Verständnis für die konstruktive, sozusagen „materielle“ Seite der Musik hat, niemals Gefahr läuft, unter die Trägheit des Timings zu geraten. Letztlich ist es nicht so wichtig zu wissen, ob die dreistimmige Form zB in diesem und jenem Werk, oder die zweistimmige Form mit Reprise; viel sinnvoller ist es, seiner konstruktiven Idee, dem Rhythmus im weitesten Sinne des Wortes auf den Grund zu gehen.

Als Ergebnis der bereits geleisteten Arbeit an der Partitur ist es möglich, einige bedeutsame Rückschlüsse auf ihre strukturharmonischen Merkmale zu ziehen und sich sozusagen von der Form her dem Stilproblem zu nähern. Das schwierigste Problem steht jedoch noch bevor – die Formgebung im Prozess. Vorab sei gesagt, dass hier, wie in der Kunst überhaupt, das erste Wort zum angeborenen Sinn für musikalische Logik gehört; keine makelloseste Theorie kann einen Musiker ausmachen. Aber wir sollten etwas anderes nicht vergessen: Theoretisches Bewusstsein organisiert den kreativen Prozess, gibt ihm Klarheit und Vertrauen. Manchmal werden Ängste geäußert – ob wir zu viel analysieren, ob das die Musik ruiniert. Falsche Befürchtungen. Bei der tiefsten und detailliertesten Analyse bleibt der Löwenanteil immer noch für den Anteil der Intuition; Ein wahrer Musiker wird nie aufhören zu fühlen. Theorie wird ihm nur helfen, sich klüger zu fühlen.

Die Analyse hilft sowohl dem „trockenen“ als auch dem „emotionalen“ Musiker gleichermaßen; er kann den einen „zünden“, den anderen „kühlen“.

Auch im Prozess der strukturharmonischen und kontrapunktischen Analyse stellen sich gewöhnlich von Zeit zu Zeit Fragen zur musikalischen und thematischen Entwicklung, dies geschieht jedoch in der Regel in Form einer Darlegung einzelner Tatsachen; so war es, und so war es. Um den Prozess des Formens einigermaßen zu verstehen, ist es nicht mehr möglich, über die Beats zu „springen“; Sie werden einen schwierigen und langen Weg gehen müssen, ungefähr den, den der Komponist beim Komponieren eines Werkes geht. Hier wird nicht mehr eine Periode, keine harmonische Funktion, sondern ein Thema der Ausgangspunkt sein.

Hier, vom Thema, durch alle Wechselfälle und Ecken und Winkel seiner Entwicklung, bis zur letzten Kadenz analytisch zu denken, ohne ein einziges Glied zu verfehlen – die Aufgabe der prozeduralen Erforschung eines musikalischen Werkes. Dies wird nie vollständig erreicht. Irgendwo wird es „Lücken“ geben, wo der Intellekt nicht durchdringt und wo man sich auf die Intuition verlassen muss. Aber auch wenn die Hauptlinie in der Entwicklung der Form nur skizziert wird, ist das Ziel erreicht.

Eine solche Analyse wird am besten hinter dem Instrument durchgeführt, wenn die Umstände eine ausreichende Sammlung und Konzentration zulassen. Mit einer hohen Kultur des inneren Hörens kann man jedoch auf das Klavier verzichten. Es ist unmöglich vorherzusagen, wie oft Sie die gesamte Partitur und einzelne Stellen spielen und anhören müssen; zumindest viele Male. Eine Analyse dieser Art erfordert enormen kreativen Aufwand, Konzentration und Zeit. Und verständlicherweise ist es keine leichte Aufgabe, das emotionale und figurative Wesen der Musik zu den verborgenen Quellen ihrer Logik und Berechnung zu durchbrechen.

In der Praxis möchte ich dem Schüler folgende Ratschläge geben: Achten Sie auf Zäsuren (auch Pausen) zwischen Konstruktionen, darauf, wie sich Satz an Satz, Satz an Satz „klammert“; lernen, das Leben der "Atome" der musikalischen Sprache zu beobachten - Intonationen, wie sich einige von ihnen entwickeln, variieren, singen, andere eine Art Ostinato oder "Pedal" (Asafjews Ausdruck) bilden; Lassen Sie sich nicht überraschen von unerwarteten und scharfen melodischen, harmonischen und rhythmischen Wendungen - sie sind durch künstlerische und bildliche Logik gerechtfertigt, behalten Sie das gesamte musikalische Gewebe im Auge, trennen Sie nicht die Melodie von der Harmonie, die Hauptstimmen von den Mollstimmen - klar fühlen Sie die Struktur jeder Konstruktion in all ihren Dimensionen; Denken Sie immer an das Hauptthema - die Idee der Arbeit - es lässt Sie nicht von der Straße abbiegen; und ein weiteres sehr wichtiges Detail - verlieren Sie nie den Kontakt zum Text.

Es wäre gut für junge Chorleiter, bei der Verbesserung ihrer Musikkultur über die obligatorischen Lehrbücher hinauszugehen und sich mit theoretischen Primärquellen vertraut zu machen, in denen es natürlich kein pädagogisches System gibt, aber kreatives Denken weiterlebt. Ich möchte zunächst empfehlen, einige Werke von B. Asafiev zu lesen und vielleicht direkt mit seiner Arbeit „Musikalische Form als Prozess“ zu beginnen. Von besonderem Wert für dieses Buch ist die Tatsache, dass sein Autor, ein Komponist, die Gabe hat, die subtilsten Aspekte des kreativen Prozesses zu berühren.

Die letzte Stufe ist die Analyse der Chororchestrierung. Wie Sie wissen, gibt es zu diesem Thema keine umfassende Abhandlung, zumindest auf Russisch, und in den Büchern von P. Chesnokov, A. Egorov, G. Dmitrevsky, obwohl sie die Grundlagen des Chorstudiums darlegen, aber hauptsächlich in der Menge von elementaren Informationen, ohne Abschweifungen in das Problem der Chorstile. Daher kann sich der Student nicht immer klar vorstellen, worauf er achten sollte, wenn er sich mit der chorischen „Handschrift“ eines bestimmten Komponisten vertraut macht. Abgesehen von den bekannten Standards bezüglich der Anordnung von Stimmen in einem Chorakkord, dem Klang und den Ausdrucksmöglichkeiten von Registern und Tonlagen, lassen Sie uns einige Fragen des Chorsatzstils ansprechen. Es scheint, dass der Student, wenn er die Partitur nicht zum ersten Mal zur Analyse öffnet, zunächst die Hauptfrage beantworten muss: Entspricht die Orchestrierung dem Stil des gesamten Werks - hat sie die Absichten des Autors in irgendeiner Weise verdorben? mit anderen Worten, ob die Partitur genau so klingen wird, wie es die Musik erfordert (gibt es eine Überlastung der Akkorde und Stimmen, ist die Textur eintönig, sind die Tutti-Passagen zu flüssig instrumentiert, ist nicht genug Luft in der Partitur und stören sich die Stimmen oder umgekehrt - hat die Textur eine ausreichende Strukturfestigkeit usw.). Eine solche "Untersuchung" sollte nicht nur angeordnet werden junger Komponist, sondern auch an einen ehrwürdigen Autor, denn auch bei letzterem kann es zu Fehleinschätzungen, Versehen oder bestenfalls weniger erfolgreich klingenden Episoden kommen. Und hier geht es natürlich nicht darum, Fehler zu finden, sondern dafür zu sorgen, dass eine kritische Haltung die nötige Sensibilität für stimmliche und chorische Probleme weckt. Danach können Sie sich bereits mit anderen Fragen beschäftigen, wie zum Beispiel: Welche Chorensembles ( Männerchor, Frauenchor, Männer mit Bratschen, Frauen mit Tenören etc.) vom Komponisten bevorzugt; Was bedeutet die Klangfarbe in der Partitur? Wie ist die Beziehung zwischen Dynamik und Orchestrierung? bei welchen Parteien ist es vorzuziehen, das thematische Material zu präsentieren; was sind die Merkmale von Solo- und Tutti-Klängen, die Methoden der Polyphonisierung von Akkordtexturen usw. Hier schließt sich auch die Frage nach der semantischen und phonetischen Übereinstimmung von Wörtern mit Musik an.

Mit der Analyse der Chororchestrierung kann man im Wesentlichen das theoretische Studium der Partitur vervollständigen. Genauere Fragen werden folgen. tägliche Arbeit und Leistungskonzept.

Muss ich die Analyse protokollieren? Es scheint praktisch unmöglich zu sein. Separate Schlussfolgerungen, Überlegungen und sogar einige Details stören das Aufschreiben nicht. Der Performer braucht keine theoretischen Ideen als solche, sondern dass das, was er versteht und aus der Musik extrahiert, wieder zur Musik zurückkehrt. Aus diesem Grund gibt es in diesem Abschnitt des Essays keine illustrative Analyse; wahre Analyse muss lebendig sein – wenn die Musik die Worte vervollständigt und die Worte die Musik vervollständigen.

Fazit

Es wäre ebenso falsch, sich auf die theoretische Analyse zu beschränken, wie im Gegenteil, sie ganz aufzugeben. Dem Studium der Form eines Werks muss notwendigerweise (je nach den Umständen) eine durchdachte Arbeit daran vorausgehen oder es begleiten - Bekanntschaft mit Musik, Literatur, historischen Werken und anderen Materialien. Andernfalls kann die Analyse scheitern und ihre mehr als bescheidenen Ergebnisse werden den Schüler nur enttäuschen. Es muss fest und ein für alle Mal daran erinnert werden: Erst wenn eine ganze Welt von Gefühlen, Gedanken und Ideen bereits mit der Musik der Partitur verbunden ist, wird jede Entdeckung, jedes formale Detail sofort zu einer Entdeckung oder einem inhaltlichen Detail. Das Endergebnis der Analyse sollte idealerweise eine solche Aneignung der Partitur sein, wenn jede Note in den Inhalt „fällt“, und jede Denk- und Gefühlsbewegung ihre Struktur in der Form findet. Ein Interpret (egal ob Solist oder Dirigent), der das Geheimnis der Synthese von Inhalt und Form gemeistert hat, wird üblicherweise als Künstler und Meister in der Vermittlung des Stils eines Werks bezeichnet.

Die Partitur sollte immer in zwei Ebenen – groß und klein – vor dem sie studierenden Schüler liegen; im ersten Fall wird es für eine eingehende theoretische Untersuchung angegangen, im zweiten wird es entfernt, um es leichter zu machen, es mit anderen Phänomenen des Lebens und der Kunst zu verbinden, genauer und tiefer in seinen Inhalt einzudringen.

Es ist vorhersehbar, dass ein junger Dirigent sagen wird: „Nun, das ist alles klar, aber ist es notwendig, zum Beispiel eine Partitur wie „Die Glocke rasselt monoton“ zu analysieren, die von A. Sveshnikov arrangiert wurde?“. Ja, eine solche Partitur erfordert in der Tat keine besondere analytische Arbeit, aber das Können bei ihrer Interpretation hängt von vielen Faktoren ab: von den Kenntnissen des Dirigenten über russische Volkslieder, von seiner allgemeinen und musikalischen Kultur und nicht zuletzt von wie viel und wie große und komplexe Partituren analysiert wurden, bevor dieses unprätentiös wirkende Werk aufgenommen werden musste I. Bach und war der erste in unserem Land, der I. Strawinskys Les Noces dirigierte.

Kolovsky Oleg Pawlowitsch (1915-1995)

Kolovsky Oleg Pavlovich (1915-1995) - Russischer (sowjetischer) Chorleiter, Professor am Leningrader Konservatorium, Lehrer für Polyphonie, Formanalyse, Chorarrangement. Leitete ein Militärensemble. OP Kolovsky ist bekannt für seine Artikel über das Chorwerk von Schostakowitsch, Shebalin, Salmanov, Sviridov. Eine Reihe von Artikeln widmet sich der Analyse von Chorpartituren und der Liedgrundlage von Chorformen in der russischen Musik.

Datum hinzugefügt: 28. April 2014 um 16:20 Uhr
Autor der Arbeit: c*************@mail.ru
Die Art der Arbeit: Diplomarbeit

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Musen. I. Ozolinya

Sl. A. Brodele

Der Wald breitete sich dicht aus

Der literarische Text des Werkes wurde von Anna Yurievna Brodele geschrieben. Sie wurde am 16.09.1910 geboren. Lettischer Schriftsteller. Geboren in der Familie eines Försters. Veröffentlicht seit 1927. Wegen Teilnahme an der Untergrundarbeit wurde sie inhaftiert (1932 - 1936) Sie studierte am Litauischen Institut. M. Gorki in Moskau.

Der Wendepunkt in den Köpfen der alten Intelligenz spiegelt sich im Stück "Lehrer Straush" (1949)

Die bedeutendste Prosa von Brodele ist die Erzählung „Margo“ (1950), der Roman „Quiet Town“ (1967) über den Kampf um die Sowjetmacht im bürgerlichen Lettland. Romane aus dem Kolchosleben: "Blut des Herzens" und "Treue". Die Romane "Der blaue Spatz", "Das ist meine Zeit" widmen sich den Problemen der Jugend. Sie wurde mit zwei Orden sowie Medaillen ausgezeichnet. Gestorben am 29. September 1981.

Der Notentext des Werkes wurde von Janis Adolfovich Ozolin geschrieben. Geboren am 30. Mai 1908 in Emava. Lettischer sowjetischer Chorleiter, Komponist und Lehrer. Verdienter Kunstarbeiter der Lettischen SSR. Rektor und außerordentlicher Professor des Konservatoriums in Riga. Einer der Hauptdirigenten von Liedfestivals. Autor zahlreicher Chorwerke, sowie Romanzen, Bearbeitungen von Volksliedern, Musik für Theater und Kino. Von 1930 - 1941 an allgemeinbildenden Schulen in Jelgava und Riga unterrichtet. Von 1942 bis 1944 war er Chorleiter des Staatlichen Kunstensembles Lettlands in der SSR in Ivanovo, für das er die ersten militärisch-patriotischen Massenlieder Lettlands schuf. Von 1944-1953 künstlerischer Leiter und Dirigent des Staatschores der Lettischen SSR, von 1946-1948 künstlerischer Leiter der Staatsphilharmonie der Lettischen SSR. Seit 1951 ist er Lehrer (seit 1965 Professor) und Rektor des lettischen Konservatoriums. Einer der Hauptdirigenten aller Liedfestivals in Sowjetlettland. J. Ozolin ist Autor zahlreicher aufeinanderfolgender Chorlieder mit einem entwickelten melodischen Anfang. („Lied der lettischen Schützen“, „Lied der Fischer“, „Mein Vaterland“, „Ivushka“, „Der Weg des Liedes“ - ein Gedicht für Männerchor und Sinfonieorchester, ein Zyklus von Vokalminiaturen nach Gedichten von R. Gamzatov ua), Werke für geistliches Orchester (Fantasiesuite „Abend im Fischerdorf“, Ouvertüre „Unsterbliche Jugend“ ua), Musik für Schauspiel- und Puppentheater, Kino.

Literarischer Text

Der Wald breitete sich dicht aus...

In der Ferne ziehen Wolken über den Wald,

blaue Flüsse leuchten,

die sonne strickt spitze.

Grauhaariger leichter Wolkenschwarm

fliegt und schmilzt nach Osten,

und Zweige nachschwenkend,

Birken grüßen sie.

Orte besuchen

wo wir schwebten Träume!

Alle Träume und Träume werden sein

von uns in die Tat umgesetzt.

In diesem Chorwerk wird die Schönheit der Natur besungen. Die Natur gestern, heute und morgen - war, ist und wird schön sein. Die Natur weckt helle Gefühle in einer Person. Es ist unmöglich, sie nicht zu bewundern, denn wir wissen, wie mächtig, einzigartig und ewig die Natur ist, wie gut unser Mutterland ist. Wohin auch immer das Schicksal einen Menschen wirft, wo immer er sich befindet, die Seele wird immer noch im Mutterland leben, wo er Ecken der Natur hat, denen er seine Gedanken, seine Gefühle, seine Träume anvertraut hat ...

Musiktheoretische Analyse.

Die Arbeit ist in einfacher Couplet-Form geschrieben.

Der Umfang der Chorpartitur beträgt 12 Takte.

Die Periode besteht aus drei musikalischen Vorschlägen. Jeder Satz ist in 2 Sätze unterteilt.

Der dritte Satz ist eine unveränderte Wiederholung des zweiten.

Der Wald breitete sich dicht aus ... 1fr.

In der Ferne schweben Wolken über dem Wald, 2 fr.

Schimmert flussblau, 3 fr.

Die Sonne strickt Spitze.4 fr.

Das rhythmische Muster dieses Chores ist einfach und wird durch die folgenden Gruppierungen ausgedrückt:

Das Werk ist in der Tonart F-Dur geschrieben. Der variable Zähler ist einfach, doppelt und dreifach. Die Größe ist einfach ¾, 2/4. Die Darstellung ist homophon-harmonisch. Das Werk wird dominiert von Monorhythmen in 1, 3, 5, 7 Takten, in 2, 4, 6, 8 Takten.

Beispiel v. 1-2

Ein wichtiges musikalisches Ausdrucksmittel ist die Dynamik. Die Dynamik dieses Werkes wird durch folgende Werte repräsentiert: p, mp, mf, sowie viel bewegende Dynamik: Crescendo, Diminuendo.

Beispiel T. 7-8.

Eines der künstlerischen Ausdrucksmittel ist das Tempo - eine bestimmte Sphäre von Bildern, Emotionen, Stimmungen.

Das Arbeitstempo ist moderat (langsam).

Beispiel: v.1 - 2

Dieses Werk wird acappella aufgeführt, die Verteilung des musikalisch-thematischen Materials zwischen den Chorstimmen ist wie folgt: Die Melodielinie verläuft im S1-Teil, und S2 und A unterstützen sie harmonisch.

Beispiel: V. 5 - 6

Der Lado-Tonplan des Werks ist sehr einfach und traditionell. Die Haupttonart des Stücks ist F-Dur. Und nur in 6 m. Der Komponist verwendet die harmonische Dur-Form (mit reduziertem 6. Schritt).

Beispiel: V. 5 - 6

Die harmonische Sprache des Werkes "Der dichte Wald breitet sich aus" wird ganz durch den modal-tonalen Plan bestimmt - es ist sehr einfach. Dies sind Triaden und Inversionen von Triaden (T,S,D).

Beispiel: v.3 - 4

Lagerpräsentation - homophon - harmonisch. Die Textur eines Chorwerkes wird durch den Inhalt und die Ausdrucksmöglichkeiten der Chorstimmen bestimmt. In dem Werk „Der dichte Wald breitet sich aus“ können zwei Hauptfunktionen der Chorstimmen unterschieden werden: melodisch (verbunden mit der musikalischen Gedankenführung – die Oberstimme) und harmonisch (die Begleitfunktion – die mittlere, untere Stimme).

Beispiel: V. 1 - 2

Vokal-Chor-Analyse

Das Werk "Der dichte Wald breitet sich aus" wurde für einen homogenen dreistimmigen Frauenchor a cappella geschrieben. Betrachten Sie den Umfang jeder Chorstimme separat:

Chorbereiche:

Allgemeines Spektrum des Chores:

Alle Chorstimmen sind innerhalb der Noten des Arbeitsbereichs geschrieben.

Mit Ausnahme des Teils - A beginnt ihr Thema in einer kleinen Oktave und daher müssen Sie auf P leiser singen.

Die Diktion ist das wichtigste Element in der Chorkunst. Das Wort hilft dem Zuhörer, die Intention des Komponisten, die Idee und das Bild des Werkes zu verstehen. Diktion ist eines der Mittel, um dem Publikum die Worte des literarischen Textes eines Chorwerkes zu vermitteln. Vokal-Chor-Diktion impliziert eine klare Aussprache. Nach den Regeln der Orthoepie wird ein Konsonant am Ende eines Wortes auf die erste Silbe des nächsten Wortes übertragen:

Lesra-ski-ging-dre-mu-chi ...

Wegschweben-wu-tna-dle-so-mtu-chi,

Bl-sche-tre-chki-si-ne-va

So-sun-vya-same-true-same-va.

Manchmal wird in einer Gruppe von Konsonanten einer von ihnen nicht ausgesprochen:

Sonne Sonne /

Die Arbeit verwendet hauptsächlich wertvolle Atmung, mit Ausnahme von 1-2 tt., 3-4 tt.

Chorsystem

Da das Werk acappella vorgetragen wird, sollte der Intonation große Aufmerksamkeit geschenkt werden. Die saubere Stimmung ist die erste und wichtigste Qualität des Chorgesangs. Viele Faktoren tragen zur Entwicklung und Aufrechterhaltung einer reinen Chorstimmung bei.

Die A-Cappella-Struktur basiert auf den modalen und harmonischen Merkmalen der Intonation von Musik, ihren akustischen Mustern.

In Anbetracht der melodischen Struktur von Chorstimmen sind wir mit Intervallen konfrontiert, die schwierig zu intonieren sind.

S1- T. 4-5 Intervall m.6 in einer Aufwärtsbewegung. Weit verbreitet, in hoher Position:

A - Intervall ch.4 in aufsteigender und absteigender Bewegung. Sollte in einer niedrigen Position ausgeführt werden:

Bei mehrmaliger Wiederholung eines Tones besteht die Gefahr der Absenkung der Intonation: v.1 (S2), v.3, v.5 (A), v.7 (S2).

Auch die Intervalle, Sekunden zwischen den Teilen S1 und S2 erschweren die Intonation.

Nachdem wir die Intervalle der Chorstimmen horizontal und vertikal analysiert haben, können wir schließen, dass die Stimmführung in den Stimmen unterschiedlich ist. S1 - glatt, allmählich, wellig. A Teile S2 und A

im Gegenteil, sie sind sehr statisch, wie bewegungslos - auf einer Note und führen nur manchmal die Melodie Schritt für Schritt auf und ab.

Beispiel: v.5-6

Die Grundlage für einen guten Klang ist die richtige Singatmung. Die Hauptart des Atmens und Singens ist das untere - kostale - Zwerchfell. Eine der Hauptvoraussetzungen für die richtige Atmung beim Singen ist die vollständige Freiheit der oberen Brust und des Nackens. Das Werk verwendet allgemeine Choratmung in Phrasen und Sätzen.

Die dritte Phrase wird auf einem Kettenatem ausgeführt (5 - 8 tt.)

Performance-Analyse

Um an einem Werk zu arbeiten, ist es notwendig, seine wichtigsten künstlerischen Bilder zu präsentieren. Die Hauptaufgabe des Interpreten besteht darin, dem Zuhörer den ganzen Reichtum und die Bedeutung des Inhalts des Werks zu vermitteln.

Die Natur der Tonwissenschaft in der Musik ist direkt abhängig vom Inhalt – legato. Das Stück wird a cappella aufgeführt. Es gibt keine dynamischen Schwierigkeiten. Der Subtext ist für alle gleich. Die Lage der Chorstimmen und des gesamten Chores ist angenehm.

Bequeme Stimmlage, unkomplizierter Rhythmus schaffen günstige Voraussetzungen für den Aufbau eines Chorensembles.

Sie müssen die Arbeit in Stapeln lernen. Die Geste des Dirigenten sollte klein und sanft sein. Der Dirigent und die Sänger müssen auf die Klangkultur achten.

Die dynamische Hauptzone des Werks (P) ist ganz natürlich, um eine ruhige kontemplative Stimmung zu vermitteln. Durchschnittliche Dynamik von PP – mf.

In jeder Phrase gibt es bewegende Nuancen (Crescendo, Diminuendo)

Der zweite Satz des 1. Satzes beginnt mit mp.

Der zweite Satz beginnt mit mf. Am Ende von diminuendo.

Jeder Vers hat eine dynamische Entwicklung.

Diese Arbeit lehrt die Achtsamkeit gegenüber der Natur. Sie zu lieben und zu schätzen, um zu lehren, das Schöne zu sehen.

Kurzbeschreibung

Um an einem Werk zu arbeiten, ist es notwendig, seine wichtigsten künstlerischen Bilder zu präsentieren. Die Hauptaufgabe des Interpreten besteht darin, dem Zuhörer den ganzen Reichtum und die Bedeutung des Inhalts des Werks zu vermitteln.
Die Natur der Tonwissenschaft in der Musik ist direkt abhängig vom Inhalt – legato. Das Stück wird a cappella aufgeführt. Es gibt keine dynamischen Schwierigkeiten. Der Subtext ist für alle gleich. Die Lage der Chorstimmen und des gesamten Chores ist angenehm.
Bequeme Stimmlage, unkomplizierter Rhythmus schaffen günstige Voraussetzungen für den Aufbau eines Chorensembles.
Sie müssen die Arbeit in Stapeln lernen. Die Geste des Dirigenten sollte klein und sanft sein. Der Dirigent und die Sänger müssen auf die Klangkultur achten.

KULTURMINISTERIUM DER RUSSISCHEN FÖDERATION

Bundesstaatliche Bildungseinrichtung

TJUMEN STAATLICHE AKADEMIE FÜR KULTUR, KUNST UND SOZIALTECHNOLOGIEN

"GENEHMIGEN"

Direktor des MTIH-Instituts

_________________ / /

"_____" ______________ 2011

Schulungs- und Methodenkomplex

für Studierende der Fachrichtung 050601.65 „Musikpädagogik“

"_____" ______________ 2011

Berücksichtigt bei der Sitzung der Abteilung für Chorleitung „______“ _______ 2011 Protokoll Nr. __________

Erfüllt die Anforderungen an Inhalt, Struktur und Design.

Band 20 Seiten.

Kopf Abteilung __________________

"______" _____________ 2011

Berücksichtigt bei einer Sitzung des CMD des Instituts für Musik, Theater und Choreographie

„______“ _______Protokoll 2011 Nr. ______

Entspricht dem Landesbildungsstandard der Höheren Berufsbildung und dem Curriculum des Bildungsgangs.

"EINVERSTANDEN":

Vorsitzender des CMD __________________

"______" _____________ 2011

"EINVERSTANDEN":

Direktor der Wissenschaftlichen Bibliothek __________________

ERLÄUTERUNGEN

Eines der führenden Fächer im Zyklus der Sonderfächer des Fachgebietes 050601.65 „Musikpädagogik“ ist das Fach „Klasse Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren“.

Bei der Zusammenstellung der Unterrichtsmaterialien für das Fach „Klasse Chorleitung u

Lesen von Chorpartituren“ basiert auf den folgenden normativen Dokumenten:

· Staatlicher Bildungsstandard der höheren Berufsbildung für das Fachgebiet 050601.65 „Musikerziehung“, genehmigt vom Ministerium für Bildung und Wissenschaft der Russischen Föderation am 30.01.2005. (Registrierungsnummer 000);

Grundlehrplan TGAKIST im Fachgebiet 050601.65

„Musikerziehung“ ab 27g.;

Das Fach „Klasse Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren“ wird während der gesamten Studienzeit für 5 Jahre in Form von Einzelunterricht eines Schülers bei einem Lehrer studiert, wobei auch selbstständiges Arbeiten der Schüler zur Vertiefung und Festigung der Kenntnisse erwartet wird .

Die Gesamtarbeitsintensität der Disziplin beträgt 470 Stunden:

Arten Klassen

Gesamtstunden

Klassenzimmer Lektionen

Selbstständige Arbeit

Gesamt Std.

Verteilung der Stunden pro Semester Klassenzimmer unabhängig

Praktisch

Praktisch

Basierend auf den Ergebnissen des Studiums der Disziplin "Klasse Chorleitung und Lesen von Chorpartituren" wird eine Wissensprüfung durchgeführt:

· in Vollzeit- Einzelunterricht eines Schülers mit einem Lehrer 229 Stunden,

selbstständiges Arbeiten der Studierenden 241 h.

· in Abwesenheit- Einzelunterricht eines Schülers bei einem Lehrer 64

h., selbstständige studentische Arbeit 406 h.

Der Studiengang „Klasse Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren“ dient der Vorbereitung auf die weitere Berufspraxis als Musiklehrer an allgemeinbildenden Schulen, Einrichtungen der Vorschulerziehung und der Kinderergänzung.

Die Disziplin „Klasse Chorleitung und Lesen von Chorpartituren“ hat folgende Aufgaben:

Bekanntschaft mit Chormusik, Werken verschiedener Epochen, Stilrichtungen, mit Werken ausländischer, russischer Komponisten, mit den besten Beispielen

Beliebt Songwriting;

Erwerb von Kenntnissen und Fähigkeiten in der Technik des Chorleitens sowie des Singens

Chorpartien mit Dirigieren auf Metronomniveau;

Kennenlernen der Grundthemen des Chorstudiums und der Methoden der Chorarbeit;

Beherrschung der Fähigkeiten des Partiturlesens und unabhängige Arbeitüber die Chorpartitur, ihre Aufführung auf dem Klavier, Transposition einfacher Werke;

Entwicklung der Fähigkeit zur Umsetzung in der praktischen Arbeit an der Partitur

im Lernprozess erworbene Kenntnisse und Fähigkeiten;

Beginnend mit dem Studium der Disziplin „Klasse Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren“ stehen dem Lehrer einige wichtige Aufgaben bevor.

ein ausgebildeter Musiker, der zu selbstständigem Arbeiten befähigt ist, sowie Neugier wecken, Gestaltungswillen, Fleiß, Disziplin, Verantwortungsbewusstsein für sich und den Chor fördern.

Bei der Entscheidung, bestimmte Werke in den Arbeitsplan aufzunehmen, muss der Lehrer die Unterschiede im Niveau der musikalischen Ausbildung eines bestimmten Schülers und der persönlichen natürlichen musikalischen Begabung berücksichtigen. Aber neben den beruflichen Daten des Studenten - Musikalität, Gehör, Gesang, Klavierbeherrschung - ist es ebenso wichtig, seine persönlichen Qualitäten zu berücksichtigen: Wille, Energie, Entschlossenheit, Kunstfertigkeit - Eigenschaften, die für die Ausbildung eines zukünftigen Spezialisten notwendig sind - ein Musiklehrer. Der angehende Musiklehrer soll ein gutes Gehör für Musik, Rhythmus- und Tempogefühl entwickeln, sich im Dirigier- und Chorpartiturunterricht Kenntnisse über die musikalische Form und den Stil der Werke aneignen. Wie jeder Musiker sollte sich ein Musiklehrer gründlich mit elementarer Musiktheorie, Solfeggio, Harmonielehre, Analyse musikalischer Kompositionen und Musikgeschichte befassen. Von den ersten Tagen der Ausbildung an muss darauf geachtet werden, dass der Unterricht umfassend ist und sich nicht auf das Erlernen der technischen Methoden des Dirigierens und des Lesens von Chorpartituren beschränkt. Die Erziehung zur Selbständigkeit, die Offenlegung und Entfaltung der individuellen Begabung eines Musikschülers ist eine der wichtigsten Aufgaben eines Lehrers.

Beim Spielen einer Chorpartitur auf dem Klavier müssen die klanglichen Besonderheiten dieses Werkes im Chor berücksichtigt werden: Atmung, Lageverhältnisse der Stimmen, klangwissenschaftliche und phrasierende Besonderheiten (basierend auf dem literarischen Text), Ausgewogenheit von Chorstimmen (je nach Art der Darbietung - homophon-harmonisch oder polyphon) usw. e) Das Spiel der Partitur muss schrittweise hingeführt werden künstlerisches Niveau. Die Kenntnis von Stimmen beim Lesen von Partituren impliziert ihre Darbietung mit Subtext und präziser Ausführung von intonatorischen und rhythmischen Merkmalen. In Werken eines homophon-harmonischen Lagers muss der Schüler Akkorde vertikal singen können, und in Werken mit polyphonen Elementen muss er die "Dirigentenlinie" singen, dh alle Einführungen, die der Dirigent zeigen muss.

Im Hinblick auf die zukünftige Ausrichtung der Arbeit eines Musiklehrers ist es für einen Schüler äußerst wichtig, das Schulrepertoire, das Repertoire des Vokalensembles und natürlich eine gute Beherrschung der Stimme, der reinen Intonation und der Aussprache zu kennen. Ein wichtiger Bestandteil des Faches ist die Arbeit an den Werken des Schulrepertoires: Lieder, Kinderchöre klassischer Komponisten, Transkriptionen für Kinder, Volkslieder. Nicht weniger wichtig für kreative Arbeit Kenntnisse anderer Künste: Literatur, Malerei, Architektur.

Der Lehrer muss das Unterrichtsmaterial in der Reihenfolge seiner allmählichen Komplikation aufbauen, die Werke aller Musikstile, Richtungen, kreativen Schulen verschiedener Epochen abdecken.

Der Unterricht in der Klasse Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren sollte auf einem detaillierten Studium der Chorwerke vor dem Dirigieren und deren Vorbereitung auf die Aufführung auf dem Klavier basieren. Die Arbeit an einem Stück sollte mit einer gründlichen Analyse der gegebenen Partitur beginnen. Die Analyse von Chorpartituren umfasst die Analyse der Werkform, einzelner Phrasen, der Definition von Phrasierung, Höhepunkten, der Klärung von Dynamik, Agogik und des Aufführungsplans.

Ein ungefährer Plan für die Analyse eines Chorwerks:

1. allgemeine Analyse Inhalt: Thema, Handlung, Hauptidee;

3. den Komponisten, seine biographischen Daten, die Art seines Schaffens, die Stellung und Bedeutung des untersuchten Werkes im Werk des Komponisten;

4. musiktheoretische Analyse: Form, Tonplan, Vortragstextur, Metrorhythmus, Intervalle, Begleitrolle;

5. Vokal-Chor-Analyse: Art und Art des Chores, Merkmale der Chorstimmen (Tonlage, Lage, Stimmführung, Stimmbelastung),

6. Merkmale des Ensembles, Gebäude, Klangwissenschaft und Atmung; die stimmliche Qualität des literarischen Textes, Diktionsmerkmale sowie die Definition von stimmlichen und chorischen Schwierigkeiten und Möglichkeiten, sie zu überwinden;

7. Aufführungsanalyse: Erstellung eines Plans für die künstlerische Aufführung eines Werkes (Tempo, Dynamik, Agogik, musikalische Phrasierung).

Von den Schülern im Klassenzimmer erhaltene Aufgaben werden selbstständig bearbeitet und in den Folgeklassen von der Lehrkraft kontrolliert. Eine notwendige Bedingung für die Kontrolle der selbstständigen Arbeit der Schüler ist das Verfassen einer Anmerkung, in der die Hauptparameter des festgelegten Plans schriftlich festgelegt sind.

Werke, die in der Dirigentenklasse studiert werden, sollten lokalisiert werden

je nach Komplexitätsgrad der Dirigierfähigkeiten, so dass zu

Am Ende der Ausbildung verfügte der Student über ein umfangreiches und vielfältiges Wissen

Chormaterial wie musikalische Klassiker, und Aufsätze

Das Unterrichtsfach „Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren“ von Partituren für Studierende der Fachrichtung 030700 „Musikpädagogik“ ist kombiniert und beinhaltet jeweils eine individuelle Herangehensweise

Schüler. Je nach Grad der musikalischen Vorbereitung des Spiels auf

Klavier, Entwicklung musikalisches Ohr Schüler und andere individuell

persönlichen Voraussetzungen kann der Lehrer eine individuelle Form wählen

Arbeit. Der Band der einstudierten Chorwerke zum Thema Dirigieren kann

variieren und durch das Lesen von Chorpartituren ergänzt werden, da zuvor

diese Disziplinen, beim Studium, die gleiche Stimme

chorische und technische Aufgaben.

Erster Kurs

Bekanntschaft mit dem Fach "Dirigieren" als Kunstform, dessen

Bedeutung in der Kunst. Technische Mittel des Dirigierens, Begriff „Dirigentenapparat“: Körper, Gesicht, Hände, Augen, Mimik, Artikulation.

Die Hauptposition des Dirigenten, die den Körper, die Hände und den Kopf einstellt. Die Hand, ihre Plastizität. Die Grundprinzipien und die Art der Bewegungen beim Dirigieren: Zweckmäßigkeit, Genauigkeit, Rhythmus. Dirigentenbewegungen in mitteldynamischem Klang, mittlerem Tempo.

Die Struktur der Bewegung von Aktien in den Führungsplänen. Studium der Eintritts- und Beendigungsmethoden: drei Eintrittsmomente - Aufmerksamkeit, Atmung, Eintritt; Übergang zum Ende, Vorbereitung, Ende.

Dirigieren im 2/4-, 3/4-, 4/4-Takt in mäßigem und mäßig schnellem Tempo, mit legato, nicht legato Klangwissenschaft, dynamischen Schattierungen mf, f, p. Beherrschung der Einleitung auf verschiedenen Schlägen des Taktes, Techniken zur Ausführung der einfachsten Arten von Fermaten: entfernbare, nicht entfernbare, Fermate auf dem Taktstrich, Fermate auf einer Pause.

Die Aufteilung eines Musikstücks in Teile, Grundbegriffe: Punkt, Satz, Phrase. Pausen und Zäsuren zwischen Phrasen, Atemzügen, Methoden ihrer Durchführung. Grundkenntnisse im Umgang mit einer Stimmgabel.

Während des ersten Studienjahres besteht ein Student 8–10 einfache Werke eines harmonischen Lagers mit einer einfachen Präsentationsstruktur von 1–2 bis 2–3 Stimmen (einschließlich 2–3 aus dem Schullehrplan) und 4– 6 Werke zum Lesen von Chorpartituren. Kennenlernen von Volksliedern, deren Arrangements a cappella und mit Begleitung für einen homogenen Chor. Kennenlernen der Chorpartituren klassischer Komponisten a cappella und mit Begleitung für einen homogenen Chor.

Eine ungefähre Liste der im 1. Jahr studierten Werke

Dirigieren

Arrangements von Volksliedern: Wachtel (in der Bearbeitung von D. Ardentov). Sing, Singvogel. Die Nacht kommt. Durch Beeren. Zwerg (arr. A. Sveshnikov). Oberek.

Grauer Vogel. Rechenka. Zeit zu schlafen. Werde ich gehen, werde ich ausgehen. Wo bist du, kleiner Ring?

(Bearb. Vl. Sokolov). Wüten Sie nicht, heftige Winde (arr. A. Yurlov). Wei, Brise (arr. A. Yuryan). Streunende Nachtigall (arr. M. Antseva). Wie auf einer Eiche (arr. Yu. Slavnitsky).

A. Aliabijew. Noch mehr Blumen. Lied über einen jungen Schmied.

M. Antsev. Herbst. Weide. Die Wellen dösten ein.

L. Beethoven. Hymne der Nacht

R. Boyko. Morgen. Norden.

R. Glier. Hymne an die große Stadt.

M. Glinka. Ah, du Nacht. Patriotisches Lied.

A. Dargomyzhsky. Aus einem Land, einem weit entfernten Land. Ich trinke auf Marys Gesundheit.

M. Ippolitov - Iwanow. Ach Heimatland. Scharfe Axt.

F. Mendelssohn. Erinnerung.

G. Purcell. Abendlied.

W. Rebikov. Berggipfel. Das Gras ist grün. Der Vogel singt in der Luft.

A. Flyarkowski. Heimatland.

R. Schumann. Nacht. Haus am Meer.

R. Schtschedrin. Morgen.

Arrangements von Volksliedern: Du, mein Feld (arr. M. Balakireva). Weichsel (Probe A. Ivannikova), Kuckuck (Probe A. Sygedinsky).

A. Aliabijew. Winterstraße.

I. Bach. Frühlingslied.

L. Beethoven. Das Lob der Natur durch den Menschen.

I. Brahms. Wiegenlied.

R.Wagner. Hochzeitschor (aus der Oper "Lohengrin").

A. Warlamow. Berggipfel. Ein einsames Segel wird weiß.

M. Glinka. Der Wind heult auf dem offenen Feld.

R. Glier. Im blauen Meer

A. Gretschaninow. Wiegenlied.

C.Cui. Maifeiertag, Verbochki. Frühlingsmorgen.

K. Molchanow. Denken Sie daran.

N. Rimski-Korsakow. Höhe, himmlische Höhe (aus der Oper "Sadko").

N.Rukin. Rabe fliegt zu Rabe.

P. Tschaikowsky. Wiegenlied im Sturm.

L. Beethoven. Hymne der Nacht

Z. Kodai. Im grünen Wald.

C.Cui. Überall Schnee. Die Wellen dösten ein. Frühlingsmorgen.

F. Mendelssohn. Erinnerung.

W.Mozart. Sommerabend. Freundschaftslied.

I. Ozolin. Der Wald breitete sich dicht aus.

G. Purcell. Abendlied.

A. Sweschnikow. Der Abend verblasst.

G.Struve. Vogelkirsche.

A. Skulte. In unseren Tagen.

K. Schwartz. Wie der Nebel fiel.

W. Jakowlew. Winterabend.

Zweiter Gang

Vertiefung der Kenntnisse und Verbesserung der im ersten Studienjahr erworbenen Dirigierfähigkeiten.

Bestimmung der Funktionen der rechten und linken Hand. Die unabhängige Rolle der linken Hand beim Zeigen von anhaltenden Klängen, das Einsetzen von Stimmen zu unterschiedlichen Zeitpunkten des Schlags, das Zeigen verschiedener Nuancen: pp, p, mp, mf, f, ff.

Entwicklung flüssiger, kohärenter Dirigentenbewegungen in moderatem Tempo, mit durchschnittlicher Klangstärke. Dirigieren komplexer 4/4-, 6/4-Taktarten, Vertrautmachen mit sechsstimmigen und zweistimmigen Schemata basierend auf einfacher Chorsatzung für 2–3- und 3–4-stimmige homogene Chöre. Das Konzept des Staccato und Methoden zu seiner Durchführung.

Langsames Tempo und Tempowechsel beherrschen: Piu Mosso, Meno Mosso, Beschleunigung, Verlangsamung, Kompression, Expansion.

Das Studium der Fermate, ihrer Bedeutung und Aufführungstechniken: eine gefilmte Fermate am Anfang, in der Mitte und am Ende des Werks. Fermate über eine Pause mitten im Werk und Methoden seiner Ausführung. Nicht abnehmbare Fermate, Methoden ihrer Ausführung.

Beherrschung verschiedener dynamischer Schattierungen: Crescendo, Diminuendo, Subito Forte, Subito Piano, Pianissimo, Fortissimo. Beherrschung der Techniken des Dirigierens von Akzenten und Synkopen.

Aufnahme in das Programm der Chorkompositionen für homogene, jugendliche, unvollständige Chorkompositionen, homophon-harmonische Werke für gemischten Chor a cappella und mit Begleitung. Während des 2. Studienjahres besteht der Student 8–10 Werke eines harmonischen Lagers mit einer einfachen Präsentationsstruktur von 1–2 bis 2–3 Stimmen (einschließlich 2–3 aus dem Schullehrplan) und 4–6 Werke, die Chorpartituren lesen.

Es ist obligatorisch, mit einem Metronom zu arbeiten: Beherrschung der Fähigkeiten, das Tempo mit dem Metronom zu bestimmen, gemäß den Anweisungen des metronomischen Autors.

Eine ungefähre Liste der im 2. Jahr studierten Werke

Dirigieren

Funktioniert ohne Begleitung

Arrangements von Volksliedern: Grüner Flachs, Pfad im feuchten Wald, Streunende Nachtigall (arr. M. Antseva). Weben, weben, Kohl. Flechtzaun (arr. S. Blagobrazova). Steppe und Steppe ringsum. Unter den Tälern sind flach. Wie für den Fluss, aber für Daria. Borodino (Russische Volkslieder). Fluss (Probe Vl. Sokolov). Vor den Toren, den Toren der Väter (arr. M. Mussorgsky). Das Meer braucht eine dünne Wade (arr. A. Yuryana). Weisya, Weya, Kohl (arr. V. Orlova).

K. Weber. Jägerlied. Im Boot

J. Weckerlen. Schäferin.

I. Galkin. Wohin Sie auch gehen.

E. Grieg. Guten Morgen.

A. Dargomyzhsky. Wild im Norden. Aus einem Land, einem weit entfernten Land.

M. Ippolitov - Iwanow. Kiefer.

C.Cui. Frühlingslied.

F. Mendelssohn. Lauf mit mir Im Süden.

S. Monjuschko. Abendlied.

T. Popatenko. Am Bach. Schnee fällt.

G. Sviridov. Du singst mir dieses Lied.

M. Ciurlionis. Ich werde dir ein Lied der Lieder singen. Ich habe Betten im Garten gemacht.

F. Schubert. Was für eine Nacht. Linde. Schweigen.

R. Schumann. Frühlingsblumen. Gute Nacht. Traum.

Werke mit Klavierbegleitung

Arrangements von Volksliedern: Ich vergrabe Gold (arr. A. Koposov). Weichsel (arr. A. Ivannikova).

M. Antsew. Meine Glocken.

A. Arensky. Tatarisches Lied.

I. Bach. Sei mit mir.

L. Beethoven. Laufendes Lied.

J. Bizet. Knabenchor (aus der Oper "Carmen").

Chor der Jäger (aus der Oper "Freischütze").

G. Verdi. Chor der Sklaven (aus der Oper "Aida"). Chor der Höflinge (aus der Oper

„Rigoletto“).

M. Glinka. Lerche.

R. Glier. Frühling. Hallo Wintergast. Das Gras ist grün. Über Blumen und Gras.

Saiten goldenen Gesangs. Oh, wenn in einem Hain (aus der Oper Orpheus).

A. Gretschaninow. Der Frühling kam. Vogelkirsche.

A. Dargomyzhsky. Wir lieben. Hush, hush (aus der Oper "Meerjungfrau").

M. Ippolitov-Iwanow. Morgen.

D. Kabalewski. Lied über Glück.

W. Kalinnikow. Frühling.

C.Cui. Dawn brennt faul. Mögen die Himmel voller Verwirrung und Donner sein.

W. Makarow. Birds Have Arrived (aus der Chorsuite „River Bogatyr“).

N. Rimski-Korsakow. Nicht der Wind, der von oben weht.

A. Rubinstein. Berggipfel.

S. Tanejew. Berggipfel.

P. Tschaikowsky. Chor der Blumen (von der Musik zum Frühlingsmärchen "Das Schneewittchen").

Schneeglöckchen.

P. Chesnokov. Frühlingsrollen. Die Sonne, die Sonne geht auf. Unkomprimierter Streifen. Morgendämmerung.

Arbeiten zum Lesen von Chorpartituren

B. Bartók. Schwul, schwul, schwarze Krähe. Frühling. Zählen.

L. Beethoven. Hymne der Nacht

W. Kikta. Viele Sommer.

M.Koval. Ilmen-ozaro.

Z. Kodai. Im grünen Wald.

C.Cui. Wasser.

M. Lyudig. See.

F. Mendelssohn. Erinnerung.

W.Mozart. Sommerabend. Freundschaftslied.

I. Ozolin. Der Wald breitete sich dicht aus.

G. Purcell. Abendlied.

A. Skulte. In unseren Tagen.

V. Shebalin. Cliff. Maiglöckchen. Wermut. Wilde Trauben. Winterstraße.

R. Schumann. Lotus. Bergmädchen.

Dritter Kurs

Festigung und Verbesserung der in den ersten Kursen erworbenen Kenntnisse und Dirigierfähigkeiten.

Kennenlernen komplexer und asymmetrischer Metren, Dirigieren im 5/4-Takt nach einem Fünf-Takt-Muster (3+2 und 2+3) in moderater Bewegung. Dirigieren im 5/4-, 5/8-Takt in einem zweiteiligen Muster (3+2 und 2+3) im Zeitraffer.

Techniken, um die metrische Haupteinheit in den Größen 2/4, 3/4, 4/4 in langsamem Tempo zu zerkleinern, alla breve Dirigieren kennenzulernen.

Dirigieren im 3/4- und 3/8-Takt im Zeitraffer (für eine Person).

Techniken zum Dirigieren von homophoner und einfacher polyphoner Musik

Im 3. Studienjahr absolviert der Student 8-10 Arbeiten

homophon-harmonisch und einfach polyphon, mit Imitationselementen, Untertönen, Kanon (darunter 2-3 aus dem Schullehrplan), außerdem 3-4 Werke zum Lesen von Chorpartituren.

Es ist obligatorisch, mit einem Metronom zu arbeiten: Beherrschung der Fähigkeiten, das Tempo mit dem Metronom zu bestimmen, gemäß den Anweisungen des metronomischen Autors.

Eine ungefähre Liste der im 3. Jahr studierten Werke

Dirigieren

Funktioniert ohne Begleitung

Arrangements von Volksliedern: Povian, Povien, Sturmwetter (arr. Vl. Sokolov). Das Gras trocknet, verdorrt auf dem Feld (arr. V. Orlova). Du bist ein Fluss, mein Fluss. Du stehst nicht, stehst, na ja (arr. A. Lyadov). Die Dämmerung der Nacht fiel zu Boden (arr. A. Arkhangelsky). Auf dem Boot, ist der Spatz zu Hause? (arr. A. Sweschnikow). Geflecht, Flechtwerk (arr. N. Rimko-Korsakov). Das Meer braucht ein dünnes Netz, ich bin auf der anderen Seite des Flusses aufgewachsen (arr. A. Yuryan). Schtschedrik (arr. N. Leontovich). Mein lieber Reigen (arr. T. Popova). Ach ja, du, Kalinushka (arr. A. Novikov). Oh du, Fluss, Fluss (bulgarisches Volkslied).

M. Balakirev. Über den Propheten.

R. Boyko. Ein Schneesturm brach aus. Die Felder werden komprimiert. Protokoll. Winterstraße. Blau am Abend.

D. Bortnjanski. Ehre sei dem Vater und dem Sohn.

E. Botjarow. Winter.

W. Kalinnikow. Winter. Oh, Ehre, ob der junge Mann.

W. Kikta. Viele Sommer.

M.Koval. Ilmen-ozaro.

C.Cui. Wasser.

M. Lyudig. See.

L. Marenzio. Die Knospen öffneten sich wieder.

F. Mendelssohn. Wald. Im Süden. Frühlingslied. Als der Frost in einer Frühlingsnacht fiel.

G. Purcell. Singdrossel.

M. Partschaladze. Das Meer schläft.

M. Retschkunow. Herbst. Scharfe Axt. Kiefern schweigen.

V. Salmanov. Poesie. Lied. Jugend.

I. Strawinsky. Beim Retter in Chigis. Övsen.

S. Tanejew. Venedig bei Nacht. Abendlied. Serenade. Kiefer.

P. Tschaikowsky. Die Wolke hat geschlafen. Es lohnt sich zu essen. Abend.

P. Chesnokov. Komm, lass uns Josef gefallen. Es ist keine Blume, die auf dem Feld verwelkt. Herrlichkeit.

Einzig gezeugter Sohn.

Y. Chichkov. Wolken schmelzen am Himmel.

R. Schumann. Stille der Nacht. Gute Nacht. Sommerlied. Rosmarin.

Werke mit Klavierbegleitung

Arrangements von Volksliedern. Und wir haben Hirse gesät (Probe von N. Rimsky-Korsakov).

Hallo, Wintergast, Auf dem Feld stand eine Eberesche (arr. A. Alexandrov).

Starten Sie einen Reigen (arr. S. Polonsky).

A. Borodin. Fassen Sie sich ein Herz, Prinzessin. Flieg auf den Flügeln des Windes (Chöre aus dem op. "Prince

I. Brahms. Der Frühling kam.

G. Verdi. Hush, hush (aus der Oper "Rigoletto").

M. Glinka. Polonäse. Trauere nicht, liebes Kind. Lel der Geheimnisvolle (aus der Oper

"Ruslan und Lyudmila"), Aufgeräumt, übergelaufen (aus der Oper "Ivan Susanin")

R. Glier. Frühling. Abend.

A. Gretschaninow. Häftling. Herbst. Schneeglöckchen. Der Frühling kam.

C. Gounod. Marsch der Soldaten (aus der Oper "Faust"). Chor der Höflinge (aus der Oper „Romeo u

Julia").

E. Grieg. Sonnenuntergang.

A. Dargomyzhsky. Heirat, Ehe. Zopf, Flechtwerk (aus der Oper "Meerjungfrau").

M. Ippolitov-Iwanow. Morgen. Bauernfest.

D. Kabalewski. Unsere Kinder (Nr. 4 aus Requiem). Guten Morgen. Du hörst

C.Cui. Vögel, möge der Himmel voller Verwirrung und Donner sein.

M. Mussorgsky. Schwimmen, schwimmender Schwan. Papa, Papa (aus der Oper "Khovanshchina").

E. Napravnik. Chor der Mädchen (aus der Oper "Dubrovsky").

N. Rimski-Korsakow. Der Gesang einer Lerche ist lauter. Dass die Sonne so früh rot ist

Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“). Wie auf Brücken, auf Schneeball (aus der Oper

„Die Legende der Stadt Kitesch“). Chor der blinden Guslars (aus der Oper "The Snow Maiden").

P. Tschaikowsky. Eine im Meer gebadete Ente (aus der Oprichnik-Oper). Ob zu sitzen

Ärger im dunklen Wald (aus der Oper "Die Zauberin"). Ich werde mich kräuseln, einen Kranz kräuseln (aus der Oper

„Mazepa“).

P. Chesnokov. Nacht. Unkomprimierter Streifen. Laub. Vogelkirsche. Bauernfest.

Apfelbaum. Grünes Rauschen.

Arbeiten zum Lesen von Chorpartituren

A. Banchieri. Villanelle.

F. Belassio. Villanelle.

I. Brahms. Rosmarin.

H. Kalyuste. Reigen. Alle sind auf der Schaukel.

Z. Kodai. Hirtentanz. Zigeuner aßen salzigen Käse

V. Muradeli. Träume sind empfindlich. Strom. Wind

N. Nolinsky. Oh, Felder, du, Felder.

W. Rebikov. Das Violett ist verblasst. Herbstlied. Der Vogel singt in der Luft. Die Abenddämmerung verblasst.

S. Tanejew. Venedig bei Nacht. Serenade. Kiefer.

A. Flyarkowski. Heimatland. Taiga-Lied.

P. Hindemith. Lied der geschickten Hände.

F. Schubert. Musikalischer Augenblick.

R. Schumann. Nacht. Haus am Meer.

Viertes Jahr am College

Festigung und Vertiefung der in den vorangegangenen Studiengängen erworbenen Kenntnisse und Verbesserung der Dirigierfähigkeiten.

Bekanntschaft mit komplexen und asymmetrischen Dimensionen. Dirigieren im 7/4-Takt nach dem Siebentakt-Schema in mäßiger, mäßig schneller Bewegung. Dirigieren im 7/8-Takt nach dem dreiteiligen (3+2+2, 2+3+2, 2+2+3) Schema in schneller und mittelschneller Bewegung.

Techniken zum Zerkleinern der wichtigsten metrischen Einheit in den Größen 2/4, 3/4, 4/4 in einem langsamen Tempo, um alla breve Dirigierfähigkeiten zu verbessern.

Dirigieren im 3/4- und 3/8-Takt im Zeitraffer (für eine Person)

Beherrschung des Tempos von Presto und Largo, langes Crescendo, Diminuendo.

Verbesserung der Techniken des Dirigierens homophon und einfach

kanonische Darstellung.

Im 4. Studienjahr bearbeitet der Student 8-10 Arbeiten

Dirigieren (darunter 2-3 aus dem Schullehrplan), auch 3-4

Arbeiten zum Lesen von Chorpartituren. Im Programm enthalten

Dirigieren und Lesen von Chorpartituren, homophonen und einfachen polyphonen Werken mit Imitationselementen, Untertönen, Kanon.

Es ist obligatorisch, mit einem Metronom zu arbeiten: Beherrschung der Fähigkeiten, das Tempo mit dem Metronom zu bestimmen, gemäß den Anweisungen des metronomischen Autors.

Eine ungefähre Liste der im 4. Jahr studierten Werke

Dirigieren

Funktioniert ohne Begleitung

D. Arakischwili. Über den Dichter.

M. Balakirev. Über den Propheten.

R. Boyko. Winterstraße. Verzauberter Winter.

S. Wassilenko. Wie am Abend. Dafino - Wein.

B. Gibalin. Die Inseln schwimmen.

A. Gretschaninow. In einem feurigen Feuer.

A. Dargomyzhsky. Ein Sturm bewölkt den Himmel. Ich trinke auf Marys Gesundheit.

E. Darzin. Gebrochene Kiefern.

A. Egorow. Lied. Lila.

W. Kalinnikow. Lerche. Sommer vergeht. Elegie.

M.Koval. Hochzeit. Ilmensee. Tränen.

F. Mendelssohn. Vorahnung des Frühlings. Als der Frost in einer Frühlingsnacht fiel.

M. Partschaladze. See.

K. Proschnak. Meer. Barcarolle. Auftakt.

T. Popatenko. Schnee fällt.

G. Sviridov. Der Sohn hat seinen Vater kennengelernt. Wo ist unsere Rose? Schneesturm.

B. Snetkov. Das Meer schläft.

P. Tschaikowsky. Legende. Keine Zeit, keine Zeit. Nachtigall.

P. Chesnokov. August. Alpen. Ich werde dich essen. Es lohnt sich zu essen.

V. Shebalin. Winterstraße. Birke. Die Mutter schickte Gedanken zu ihrem Sohn. Der Kosak trieb das Pferd

D. Schostakowitsch. Hingerichtet. Die verspäteten Salven verstummten.

F. Schubert. Nacht. Liebe.

R. Schumann. Im Wald. Ich erinnere mich an einen ländlichen stillen Garten. Traum. Sänger. Schlafender See. Bergmädchen.

R. Schtschedrin. Erstes Eis. Was für ein lieber Freund.

Werke mit Klavierbegleitung

Russisch n. n. in Bearbeitung S. Rachmaninow. Burlatskaja.

L. Beethoven. Kyrie, Sanctus (aus Messe C–dur).

I. Brahms. Ave Maria.

A. Borodin. Ehre sei der roten Sonne. Jaroslawnas Szene mit den Mädchen (aus der Oper

„Prinz Igor“).

G. Verdi. Du bist schön, o unser Vaterland (aus der Oper Nebukadnezar).

G. Galynin. Der Zar ritt aus dem Krieg durch das Dorf (aus dem Oratorium "Das Mädchen und der Tod").

J. Gershwin. Wie sitzt man hier? (aus der Oper „Porgy and Bess“).

M. Glinka. Oh, du, leichte Ljudmila (aus der Oper "Ruslan und Ljudmila"), uns geht es gut

Fluss (aus der Oper "Ivan Susanin").

E. Grieg. Chor des Volkes (aus der Oper "Olaf Trygvasson").

D. Kabalewski. Glück, Schuljahre, Unsere Kinder (Nr. 4 aus Requiem).

D. McDowell. Alte Kiefer.

S. Monjuschko. Mazurka (aus der Oper Der schreckliche Hof).

M. Mussorgsky. Kein Falke fliegt am Himmel (aus der Oper "Boris Godunov"), Batya,

Papa (aus der Oper "Khovanshchina")

N. Rimski-Korsakow. Lied über den Kopf (aus der Oper "May Night"). Was ist drin

Brücken entlang des Schneeballs (aus der Oper "Die Legende der Stadt Kitezh").

G. Sviridov. "Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin" (getrennte Teile).

P. Tschaikowsky. Lasst uns trinken und fröhlich sein (aus der Oper Pique Dame). Nein, nein

hier ist eine Brücke. Ich werde mich kräuseln, ich werde einen Kranz kräuseln. Marys Szene mit den Mädchen (aus der Oper

„Mazepa“).

F. Schubert. Schutz.

R. Schumann. Zigeuner. "Paradies und Peri" (getrennte Teile des Oratoriums).

Arbeiten zum Lesen von Chorpartituren

I. Arkadelt. Schwan. Ave Maria.

D. Buxtehude. Cantate Domino (Kanon).

A. Gabrieli. Ave Maria.

G. Caccini. Ave Maria.

L. Cherubini. Terzett zum Ruhm der Dur-Tonleiter (Kanon).

C. Monteverdi. Wie Rosen auf dem Rasen.

W.Mozart. ABC. Spiele für Kinder. Hören Sie, wie die Klänge kristallklar sind (aus der Oper „Die Zauberflöte“).

J. Palestrina. Ave Regina.

G. Pergolesi. Stabat Mater (Sätze aus einer Kantate Ihrer Wahl).

A. Scarlatti. Fuge.

R. Schumann. Träume. Nachricht (aus spanischen Liedern).

Fünfte Jahr

Festigung und Vertiefung der Kenntnisse, Verbesserung der in Vorkursen erworbenen Dirigierfähigkeiten. Verbesserung der Fähigkeiten und Techniken des Dirigierens in komplexen Metren und variablen Metren.

Verbesserung der Fähigkeiten und Techniken des Dirigierens von Chorpartituren mit einer Gruppierung von Takten in verschiedenen Metren nach Schemata mit neun Schlägen, zwölf Schlägen und fünf Schlägen. Beherrschung, ähnlich wie bei den vorherigen Zählern, Durchführung komplexer Zähler in dreiteiligen, vierteiligen Schemata.

Verbesserung der Fähigkeiten und Techniken des Dirigierens von Chorwerken mit abwechselnd einfachen und komplexen Metren.

Beherrschung der Techniken des Dirigierens aller musikalischen Tempi, Anschläge musikalischer Ausdruckskraft, langfristiger dynamischer Veränderungen, Tempoänderungen, Größen, Gruppierung von Takten.

Im 5. Studienjahr bearbeitet der Student 4–6 Arbeiten

Dirigieren sowie 3-4 Arbeiten zum Lesen von Chorpartituren.

Im Programm zum Lesen von Chorpartituren sind homophone und

einfache polyphone Werke mit Imitationselementen, Kanon,

Chorszenen aus russischen und russischen Opern sind im Dirigierprogramm enthalten.

ausländische Komponisten, Teile (Teilfragmente) großer vokal-sinfonischer Werke (Kantaten, Oratorien, Chorsuiten, Chorzyklen, Chorkonzerte) einheimischer, ausländischer, zeitgenössischer Komponisten verschiedener Schaffensrichtungen und Richtungen.

Es ist obligatorisch, mit einem Metronom zu arbeiten: Beherrschung der Fähigkeiten, das Tempo mit dem Metronom zu bestimmen, gemäß den Anweisungen des metronomischen Autors.

Disziplin "Klasse für Chorleitung und Lesen von Chorpartituren"

Das 9. Semester endet mit einer Prüfung, in der die Studierenden alle im Lernprozess erworbenen Fähigkeiten und Kenntnisse unter Beweis stellen müssen.

Eine ungefähre Liste der im 5. Jahr studierten Werke

Dirigieren

Funktioniert ohne Begleitung

A. Arensky. Anchar.

M. Glinka. Venezianische Nacht.

A. Gretschaninow. Hinter dem Fluss Yarhopfen. In einem feurigen Feuer.

C. Gesualdo. Ich schweige.

W. Kalinnikow. Herbst. Elegie. Kondor. Sommer vergeht. Auf dem alten Hügel. Die sanften Sterne leuchteten für uns.

A. Kastalsky. Rus.

A. Lensky. Vorbei an. Die Braut sehen. Majestätisch jung.

B. Ljatoschinski. Der Mond kriecht über den Himmel. Herbst.

F. Mendelssohn. Lied der Lerche. Abschied vom Wald.

K. Proschnak. Auftakt. Meer. Es würde einen Sturm geben, richtig?

F. Poulenc. Traurigkeit. Die Nacht ist schrecklich für mich.

B. Snetkov. Das Meer schläft.

P. Tschaikowsky. Kein Kuckuck in einem feuchten Wald.

P. Chesnokov. Alpen. August. Die Morgendämmerung ist warm.

V. Shebalin. Die Mutter schickte Gedanken zu ihrem Sohn. Der Kosak trieb das Pferd. Soldatengrab.

Dämmerung im Tal.

K. Schimanowski. Stabat Mater (getrennte Teile).

R. Schumann. Lied der Freiheit. Sturm.

R. Schtschedrin. Ich wurde in der Nähe von Rzhev getötet. Zu dir gefallen.

Werke mit Klavierbegleitung

Verarbeitung des russischen n. P. M. Kraseva. Weck mich nicht jung auf.

A. Harutyunjan. Kantate über das Mutterland (getrennte Teile).

I. Bach. Sei mit mir (Nr. 1 aus Kantate Nr. 6)

L. Beethoven. Chor der Gefangenen (aus der Oper "Fidelio"). Kyrie, Sanctus (aus Messe C–dur).

Seeruhe und fröhliches Segeln.

J. Bizet. Szene Nr. 24 aus der Oper Carmen.

I. Brahms. Ave Maria.

B. Britten. Missa in D (getrennte Stimmen). Dieses kleine Kind (aus der Suite „Rite

Weihnachtslied“, op. 28).

A. Borodin. Ehre sei der roten Sonne (aus der Oper "Prinz Igor").

G. Verdi. Finale des 1. Tages aus der Oper "Aida".

J. Haydn. Gloria (aus "Nelson Mass").

C. Gounod. An fremden Flüssen.

A. Dargomyzhsky. Chorsuite aus 1 Akt. Zazdravny Chor. Drei Meerjungfrauenchöre (aus der Oper "Meerjungfrau").

G. Händel. Samson starb (aus der Rede "Samson"). Sätze Nr. 3, 52 (aus dem Oratorium

"Messias").

M.Koval. Eh, ihr Berge, das Uralgebirge, Wald, Berge (aus dem Oratorium "Emelyan

Pugatschow).

W. Makarow. "The Bogatyr River", separate Teile aus der Chorsuite.

W.Mozart. Das Meer schläft friedlich. Lauf, geh (aus der Oper Idomeneo).

M. Mussorgsky. Kein Falke fliegt am Himmel (aus der Oper "Boris Godunov").

Szenen Nr. 6, 7, 8 (aus der Oper "Khovanshchina").

N. Rimski-Korsakow. Für Himbeeren, für Johannisbeeren (aus der Oper Die Jungfrau von Pskow).

Herrlichkeit. Yar-Hop (aus der Oper " königliche Braut"). Chor der Blinden

guslyarov (aus der Oper "The Snow Maiden"). Oh, es kommt Ärger, Leute (aus der Oper „The Legend of

die Stadt Kitezh und die jungfräuliche Fevronia).

G. Rossini. Teile Nr. 1, 9, 10 aus "Stabat Mater".

G. Sviridov. Winter singt. Dreschen. Nacht unter Ivan Kupala. Gartenstadt (ab

"Gedichte zum Gedenken an Sergei Yesenin").

B. Sauerrahm. Wie können wir keinen Spaß haben (aus der Oper „Die verkaufte Braut“).

P. Tschaikowsky. Zwischenspiel „Die Aufrichtigkeit der Hirtin“ (aus der Oper „Die Pique Dame“).

"Glory" (aus op. "Oprichnik"). Aufgewachsen in der Nähe von Tyn (aus der Oper „Cherewitschki“). Da ist nicht,

Hier gibt es keine Brücke (aus der Oper "Mazeppa"). Verabschiedung von Maslenitsa (von Musik bis

Frühlingsmärchen "Schneewittchen"). Mit kleinem Schlüssel. Die Stunde hat geschlagen (aus Kantate

"Moskau")

P. Chesnokov. Apfelbaum. Bauernfest. Grünes Rauschen.

F. Schubert. Schutz. Miriams Siegeslied (Chöre Nr. 1, 3)

R. Schumann. Zigeuner. Chöre 6,7, 8 (aus der Rede "Paradies und Peri"). Requiem (ausgewählt

Arbeiten zum Lesen von Chorpartituren

A. Aliabijew. Winterstraße.

L. Beethoven. Frühlingsruf. Singen Sie mit uns.

J. Bizet. Marsch und Chor (aus der Oper "Carmen").

R. Boyko. Morgen. Ein Schneesturm weht. Herz, Herz, was ist los mit dir.

I. Brahms. Wiegenlied. Rosmarin.

A. Warlamow. Ein einsames Segel wird weiß.

W. Kalistratow. Taljanka.

W. Kikta. Tula-Lieder Nr. 2B. Mozart. ABC. Spiele für Kinder. Hören Sie, wie die Klänge kristallklar sind (aus der Oper „Die Zauberflöte“).

C.Cui. Frühlingsmorgen. Lassen Sie Verwirrung und Donner.

G. Lomakin. Abenddämmerung.

F. Mendelssohn. Am fernen Horizont. Sonntag Morgen.

A. Pachmutowa. Mein Land ist golden (Stimmen zur Auswahl aus dem Chorzyklus).

S. Rachmaninow. Insel. Sechs Chöre für Frauen(kinder)stimmen.

N. Rimski-Korsakow. Eine goldene Wolke verbrachte die Nacht. Nicht der Wind, der von oben weht. Vogelchor (aus der Oper „Das Schneewittchen“).

A. Scarlatti. Fuge.

P. Tschaikowsky. Nachtigall. Eine goldene Wolke verbrachte die Nacht. Neapolitanisches Lied. Chor von Kindern, Kindermädchen und anderen (aus der Oper The Queen of Spades).

P. Chesnokov. Apfelbaum. Grünes Rauschen. Es ist es wert zu essen (aus "Liturgie für Frauenstimmen").

F. Schubert. Musikalischer Augenblick. Serenade.

R. Schumann. Träume. Botschaft (aus spanischen Liedern)

4. Voraussetzungen für die Abschlussprüfung

nach Disziplin"Klasse für Chorleitung und Lesen von Chorpartituren"

für Studierende der Fachrichtung 050601.65 "Musikalische Bildung"

1. Um ein Werk a cappella auswendig spielen zu können und dabei alle Techniken der musikalischen Ausdruckskraft zu beachten, versuchen Sie, den Klang des Chores im Spiel zu vermitteln.

Text optional mit Stempelung. Singen Sie Choralvertikale in Kadenzwechseln, Kulminationen, wenn Sie Abschnitte (Teile) wechseln.

3. ein Stück mit Klavierbegleitung spielen können,

Begleitung und Chorpartitur.

4. Singen Sie die Partien des Solisten (Solisten) und begleiten Sie auf dem Klavier.

5. Führe diese beiden Arbeiten auswendig durch.

6. beide Werke analysieren können, die Entstehungsgeschichte und -zeit kennen,

formulieren, eine Vokal-Chor-Analyse durchführen, Beispiele aus anderen Werken chorischer Kreativität geben, die von Komponisten aufgeführt werden.

Staatsexamen

„Dirigieren eines vom Chor dargebotenen Konzertprogramms“

Beim Staatsexamen ist die Absolventin oder der Absolvent verpflichtet, mit dem Ausbildungschor zwei Werke aufzuführen - eines a cappella und eines mit Klavierbegleitung. Die Vorbereitung und Durchführung des Staatsexamens ist ein entscheidender Schritt in der Arbeit eines Lehrers mit einem Absolventen. Das Programm des Staatsexamens wird im Vorfeld ausgewählt und muss den Fähigkeiten des Chores und der Absolventin/des Absolventen entsprechen, außerdem ist eine Genehmigung der Programme an den Instituten für Chorleitung und Musikpädagogik erforderlich. Der Lehrer in der Disziplin „Klasse für Chorleitung und Lesen von Chorpartituren“ muss den Doktoranden sorgfältig auf den Unterricht mit dem Chor vorbereiten und dabei besonderes Augenmerk auf die Methodik der kommenden Klassen legen. Persönlich bei den Proben der Chorklasse mit seinem Absolventen anwesend, hat der Lehrer die Möglichkeit, ihm bei seiner Arbeit taktvoll und gekonnt zu helfen und den Probenprozess zu leiten.

In der Phase der Probenarbeit wendet der Absolvent verschiedene Methoden und Techniken des Dirigierens an, die es ermöglichen, das Konzertprogramm der Staatsprüfung durch den Ausbildungschor auf höchstem Niveau darzubieten. Basierend auf einer ganzheitlichen Erstanalyse der Werke macht der Absolvent grober plan Probenarbeit. Es kann sein: Bestimmung der einfachsten und schwierigsten Chorfragmente, Wege zur Überwindung von Schwierigkeiten auf der Grundlage von Vokalchor, Intonation und metrorhythmischer Arbeit mit Chorstimmen. Ein solcher Plan ist notwendig, er ist die Grundlage zur Erreichung des Hauptziels – der qualitativ hochwertigen Aufführung des Konzertprogramms der Staatsprüfung durch den Bildungschor.

5. Pädagogische und methodische Unterstützung

Hauptliteratur

1. Bezborodova, Ljudmila Alexandrowna. Dirigieren: Lehrbuch. Zulage für päd. Universitäten und Musik Hochschulen / . - Moskau: Flint, 2000. - 208 p.

2. Bezborodova, Ljudmila Alexandrowna. Dirigieren: Lehrbuch. Beihilfe / . - Moskau: Feuerstein, 20er Jahre.

3. Romanovsky, Wörterbuch /. - Hrsg. 4. hinzufügen. - Moskau.: Musik, 2005. - 230 p.

4. Svetozarova, weltliche Chormusik a carpella des 19.–frühen 20. Jahrhunderts: ein notographischer Führer / . - St. Petersburg: SPbGPU, 2004. - 161 p.

5. Semenyuk, V. Anmerkungen zur Chorstruktur / V. Semenyuk. - Moskau, 2000.

6. Ukolowa, Ljubow Iwanowna. Dirigieren: Lehrbuch / L. Ukolova. Moskau: VLADOS, 2003. - 207 p. + Notizen.

7. Reader zum Thema Dirigieren. Chorwerke in komplexen asymmetrischen und variablen Größen: ein Lehrbuch für Dirigier- und Chorfakultäten von Musikhochschulen / comp. : Magniog. Zustand Wintergarten. - Magitogorsk, 2009. - 344 p.

8. Reader zum Thema Dirigieren. Chöre aus Opern ausländischer Komponisten (Klavierbegleitung) / comp. . - Moskau: Musik, 1990. - Ausgabe. 6. - 127 S.

weiterführende Literatur

1. Um dem Chorleiter zu helfen. Chorwerke russischer Komponisten: notographischer Index / comp. ; bzw. zur Ausgabe . - Tjumen, 2003. - 69 p. - Ausgabe. eines.

2. Um dem Chorleiter zu helfen. Arrangements für den Chor russischer Komponisten: notografischer Index / comp. ; bzw. zur Ausgabe . - Tjumen, 2003. - 39 p. - Ausgabe. 2.

3. Um dem Chorleiter zu helfen. Chorwerke ausländischer Komponisten: notographischer Index / comp. ; bzw. zur Ausgabe - Tjumen, 2003. - 40 p. - Ausgabe. 3.

4. Lyozin, vokalmotorische Informiertheit

Dirigententechnik in Berufsausbildung Chorleiter [Text]: Monographie / . - Tjumen: RIC TGAKI, 2009. - 144 p.

5. Romanova, Irina Anatoljewna. Probleme der Geschichte und Theorie

Dirigieren: Lehrbuch. Zulage / - Jekaterinburg: Polygraphist, 1999. - 126 p.

6. Logistik

Anforderungen an die Logistik der Disziplin „Class

Chordirigieren und Lesen von Chorpartituren“ für Studierende der Fachrichtung 050601.65 „Musikpädagogik“ werden durch den staatlichen Bildungsstandard der HPE konkretisiert und lauten wie folgt:

Verfügbarkeit von Klavieren und Flügeln in ausreichender Menge für den Dirigierunterricht im Dirigieren, in der Klasse - je zwei Instrumente;

das Vorhandensein von Dirigentenständern in der Klasse - mindestens einer;

Verfügbarkeit einer Bibliothek, Musikbibliothek, Audio- und Videoaufzeichnungen;

Verfügbarkeit der erforderlichen Tontechnik (Tonbandgeräte, Musikzentren, CD-, DVD-, CD-Audio-Player);

· das Vorhandensein eines Musikzimmers mit einem Bestand an Musikaufnahmen von Konzerten, Festivals, Meisterkursen der Universität.

1. Erläuterung ………………………………………………………….2

Chorpartituren lesen ……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..5

4. Voraussetzungen für die Abschlussprüfung……………………………………..17

5. Pädagogische und methodische Unterstützung der Disziplin

5.1 Literaturgrundlage

5.2 Weiterführende Literatur…………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………….

6. Logistik…………………………………… 19

Analyse der Chorpartitur.

Zusammengestellt von: Senior Dozent

Abteilung für Chorleitung u

Sologesang der Musikfakultät

Bogatko IS

Dauer 2013

Analyse der Chorarbeit

Musiktheoretische Analyse des Werkes (Tonplan, Form, Kadenzen, Art der musikalischen Gedankenentwicklung, Größe, Texturmerkmale, Tempo).

Vokal-Chor-Analyse: Art und Art des Chores, Stimmlagen, Stimmlage, Ensemble, System, Intonation, Vokal-Chor, Rhythmik, Diktionsschwierigkeiten).

Durchführung einer Analyse der Arbeit; (die Verbindung der Musik mit dem Text, die Definition von Zäsuren, die Festlegung des Tempos, die Art des Werks, Dynamik, Anschläge, Höhepunkt).

Liste der Werke.

Kurs 1

Chorwerke zum Lernen

Arensky A. Anchar. Nocturne

Agafonnikov V. Flachs wurde über den Fluss gesät.

Bely V. Steppe

Boyko R. 10 Chöre am Bahnhof A. Puschkin

Vasilenko S. Dafino Wein. Wie am Abend. Auf den Bergen zwei düsterWolken. Schneesturm. Steppe.

Grechaninov A. Der Strom amüsiert uns. In einem feurigen Feuer. Überunüberwindliche Zähigkeit. Licht ist leise. Nach dem Sturm. In der Dämmerung.

Gounod C. Nacht

Davidenko A. Vsevpered. Binnenschifffahrt. Das Meer tobte wild.

Darzin E. Vergangenheit Gebrochene Kiefern.

Dvorak A. Pir. Chöre aus dem Zyklus "Über die Natur"

Debussy K. Winter. Tambourin

Egorov A. Taiga. Nikitich. Wiegenlied. Lila. Lied.

Ippolitov-Ivanov M. Novgorod-Epos. Wald. Nacht.

Kastalsky A. Unter einem großen Zelt. Rus.

Korganov T. Sieht ein Reh im Wasser.

Kasyanov A. Herbst. Das Meer schäumt nicht.

Caldara A. StabatMater

Kalinnikov V. Lerche. Winter. Auf dem alten Hügel. Wir Sternedie Sanftmütigen strahlten. Herbst. Wald. Oh, was für eine Ehre für den jungen Mann. MerksterneKüken und ausgehen. Kondor. Elegie.

Koval M. Ilmen-See. Laub. Tränen. Es würde einen Sturm geben oder so.

Kravchenko B. Russische Fresken (optional)

Cui C. Nocturne. Singvögel aufwecken. Zwei Rosen. Die Sonne scheinttse. Sturmwolken. Traum.

Kolosov A. Rus.

Lasso O. Serenade des Soldaten. Ach, wenn du das nur wüsstest. Matona.

Lensky A. Vergangenheit. Russisches Land. 9. Januar. Klippe und Meer. Arrangements von Volksliedern (optional).

Lyatoshinsky B. Herbst. Oh, ty, meine Mutter. In einem sauberen Feld. Wasser fließt.

Makarov A. "City of Unfading Glory" aus der Suite "River Bogatyr"

Mendelssohn F. Chöre zur Auswahl.

Muradeli V. Antwort auf die Botschaft von A. Puschkin.

Novikov A. In der Schmiede. Oh, du Feld. Liebe. Fröhliches Fest.

Popov S. Wie das Meer.

Poulenc F. Weißer Schnee. Traurigkeit. „Ich fürchte mich vor der Nacht“ aus der Kantate „Lik Mensch"

Ravel M. Drei Vögel. Nicoletta.

Sveshnikov A. Im dunklen Wald. Ah, du bist eine weite Steppe. Die Mutter runter entlang der Wolga.

Sviridov G. "Puschkins Kranz": Nr. 1, 3, 7, 8, 10. "Nachtwolken" -Nr. 2. Blau am Abend. freie Felder. Frühling und der Zauberer. Chöre anGedichte russischer Dichter.Slonimsky S. Vier russische Lieder.

Sokolov V. Povien-povien, Sturmwetter. Bist du Rowan, Ripple? Nuschka.

Tanejew S. Adeli. Ruine des Turms. Venedig bei Nacht.

Tschaikowsky P. Ohne Poren, aber ohne Zeit. Kein Kuckuck im KäseBor. Die Wolke hat geschlafen. Nachtigall. Was für ein zum Schweigen gebrachter SpaßStimme. Gesegnet ist, wer lächelt. Chöre aus der Liturgie (optional).

Chesnokov P. August. Alpen. Im Winter. Die Morgendämmerung ist warm. Wald. Mit ja mitFluss. Dubinuschka. Es ist keine Blume, die auf dem Feld verwelkt. Liturgisch Chöre (fakultativ).

Shebalin V. Winterstraße. Die Mutter schickte Gedanken zu ihrem Sohn. Stepan Razin.Weißseitiges Zwitschern. Cliff. Botschaft an die Dekabristen. Kosakenfuhr ein Pferd. Soldatengrab.

Schostakowitsch D. Zehn Gedichte. (Chöre zur Auswahl).

Schumann R. Gute Nacht. Zahnschmerzen. Im Wald. Am Bodensee.

Shchedrin R. 4 Chöre in st. A. Twardowski.

Schubert F. Liebe. Nacht.

Chorwerke zum Vom-Blatt-Lesen und Transponieren.

Bortnyansky D. Es ist es wert zu essen. Cherubim Nummer 2.

Vekki O. Der Hirte und die Hirtin.

Davidenko A. Das Meer stöhnte wütend. Häftling. Binnenschifffahrt.

Dargomyzhsky A. Petersburger Serenaden.

Glinka M. Patriotisches Lied.

Grechaninov A. Frosch und Ochse.

Egorov A. Lied.

Sinowjew A. Herbst.

Ippolitov-Ivanov M. Scharfe Axt. Kiefer.

Kalinnikov V. Elegie.

Kastalsky A. Am Tor, Tor. Vogelbeere.

Kodai 3. Abendlied.

Costle G. Mignon.

Blatt F. Der Frühlingsanfang.

Mendelssohn F. Lauf mit mir. Als der Frost in einer Frühlingsnacht fiel.Über ihrem Grab. Vorahnung des Frühlings.

Prosnak K. Präludium.

Rachmaninov S. Wir singen für Sie.

Rimsky-Korsakov N.A. Ai im Bereich Kalk. Du gehst auf die rote Sonne.

Salmanov V. "Oh, liebe Kameraden" aus dem Oratorium "The Twelve".

Slonimsky S. Leningrad weiße Nacht.

TaneevS. Serenade. Kiefer.

Tschaikowsky P. "Liturgie des Hl. I. Chrysostomus": Nr. 9, 13.Eine goldene Wolke verbrachte die Nacht

Chesnokov P. Frühlingsruhe. Hinter dem Fluss, hinter dem schnellen. Gedanke für Gedanke.

Shebalin V. Winterstraße.

Schumann R. Abendstern. Gute Nacht. Stille der Nacht.

Schubert F. Liebe. entfernt.

Shchedrin R. Wie teuer ist ein Freund. Der Krieg ist vorbei. Ruhige ukrainische Nacht.

Eshpay A. Lied über Quellen.

2 Gänge

Chöre mit Begleitungzumlernen.

Originale Chorwerke:

Glinka M. Polonaise. Ehre sei dem russischen Volk.

Debussy K. Flieder.

Ippolitov-Ivanov M. Morgen. Bauernfest.Die Annäherung des Frühlings. Blumen.Blätter rascheln im Garten. Im Mai.

Novikov A. Grass. Hey, auf geht's. Und es regnet in Strömen.

Schumann R. Zigeuner.

Schubert F. Shelter.

Chöre aus Oratorien und Kantaten.

Harutyunyan A. Kantate über das Mutterland Nr. 1, 4, 5.

Britten B . Missa brevis in D

Bruckner A. Requiemd- Einkaufszentrum. Große Masse.

Brahms I. Deutsches Requiem:№ 4.

Vivaldi A. Gloria: Nr. 1, 4, 7.

Händel T. Oratorium "Samson": "Smitten Samson"

Grieg E. Olaf Trigvasson (Einzelzimmer).

Dvorak A. Requiem (Choraufführungen). DieseDeum(völlig)

Kabalevsky D. Requiem: Einführung, Erinnere dich, Ewiger Ruhm, Schwarzer Stein.

Kozlovsky O, Requiem (Sätze nach Wahl).

Makarov A. Suite "Fluss Bogatyr". Ö

Ö rf K. Karmina Burana: Nr. 1, 2, 5, 8, 10, 20, 24, 25.

Prokofjew S. Iwan der Schreckliche (Chornummern).

Poulenc F. Gesicht eines Mannes (Teile nach Wahl)

Salmanov V. Zwölf (einzelne Teile oder vollständig).

Sviridov G. "Pathetic Oratorio": Wrangels Flug,Für die Helden der Schlacht von Perekop, Es wird eine Gartenstadt geben, Der Dichter und die Sonne " Gedicht in Erinnerung an S. Yesenin ": Winter singt, Dreschen,Nacht auf Ivan Kupala, Bauer

Leute. " Puschkin-Kranz ": Nr. 5, 6. "Nachtwolken" Nr. 5. " Ladoga" № 3, 5.

Tschaikowsky P. Moskau: Nr. 1, 3, 5.

Schostakowitsch D. "Lied der Wälder": Zukunftsspaziergang. "Die Sonne scheint über unserem Vaterland, Stenka Razin.

Chöre aus Opern;

Bizet G. "Carmen": Szenen 24, 25, 26.

Beethoven L. "Fidelio" (Chorabteilung).

Borodin A. "Prinz Igor": Glory, Jaroslawnas Szene mit den Mädchen,Szene bei Galitsky, Polovtsian Tänze mit einem Chor,Finale des 1. Aktes,

Wagner R. "Lohengrin": Hochzeitschor. "Tannhäuser": März.

Verdi D. "Aida": Chorszenen. "Othello": Chorszenen aus 1, 3 Akten.

Verstovsky A. "Askold's Grave": Oh, Freundinnen, kochen, Trank.Chor und Lied von Torop.

Gershwin A. "Porgy and Bess": getrennte Chöre.

Glinka M. "Ivan Susanin": Polnischer Akt, Ruhm."Ruslan und Ljudmila": Einleitung, 1. Schlussakt,Oh, du bist das Licht, Lyudmila.

Panne X. "Orpheus": einzelne Chöre.

Gounod C. "Faust": Walzer. "Romeo und Julia: Chor der Höflinge.

Dargomyzhsky A. "Meerjungfrau": Oh, du, Herz, Braid, Flechtwerk. Wie wir am Berg Bier gebraut haben.Wie im oberen Raum-svetlitsa.

Delib L. "Lakme": Chor und Bühne auf dem Markt.

Kozlovsky O. "Oedipus Rex": 1. Chor des Volkes.

Mussorgsky M. "Boris Godunov": Szene der Krönung,Szene am BasiliusSzene unter Kromy (vollständig und getrennte Fragmente), "Sorochinskaya Fair": Chor aus 1 Akt. "Khovanshchina": Treffen und Verherrlichung von Khovansky,Szene im Streltsy Sloboda (komplett und separates frag.).

Rimsky-Koreakov N.A. "Pskovityanka": Begegnung mit dem Schrecklichen,Grosnys Eintritt in Pskov, Veche Scene; "Sadko": Chor der Fachbesucher,Ob die Höhe, die Höhe unter dem Himmel. "Snegurochka": Chor der blinden Guslars,Szene im reservierten WaldUnd wir haben Hirse gesät, PKarneval, Finale der Oper.

« Die Legende der unsichtbaren Stadt Kitezh":Hochzeitszug. "Die Zarenbraut": Liebestrank, Yar-hop. " Mainacht": Hirse.

Smetana B. "Die verkaufte Braut": getrennte Chöre.

Cholminov A. "Chapaev": Bei uns, Petenka.

Tschaikowsky P. "Eugen Onegin": Bauernchor, Ball bei den Larins. " Pik-Dame": Chor der Wanderer,Chor der Gäste, Schäferin Pastoral. "Mazeppa": Chor und Klage der Mutter, Volksszenen, Hinrichtungsszene. "Oprichnik": Die Ente schwamm im Meer,Hochzeitschor "Glory".

Chorwerke zum Vom-Blatt-Lesen und Transponieren

Borodin A. "Prinz Igor": Fliegen Sie auf den Flügeln des Windes davon.

Verstovsky A. "Askolds Grab": Zwei Fischerchöre,Am Tal stand eine weiße Birke, Ach, Freundinnen.

Verdi J. "Nebukadnezar": Du bist schön, o unser Vaterland. "Aida“: Wer ist da (2. Akt).

Glinka M. "Ruslan und Ljudmila": Oh, du bist das Licht von Ljudmila,Der Vogel wacht morgens nicht auf. "Ivan Susanin“: Hochzeitslied.

Dargomyzhsky A. "Mermaid": Drei Chöre von Meerjungfrauen.

Mussorgsky M. "Khovanshchina": Papa, Papa, komm zu uns raus.

Petrov A. "Peter I": Schlusschor aus der Oper.

Tschaikowsky P. "The Snow Maiden": Abschied von Fasching.

Chesnokov P. Frühlingsrollen.

3 Gänge

Polyphone Chorwerke zum Einstudieren.

Originale Chorwerke

Arkadelt Ya. Swan im Moment des Todes.

Vecky Oh, es ist besser, nicht geboren zu werden.

Verdi J. 4 geistliche Chöre.

Gabrieli A. Junges Mädchen.

Grechaninov A. Schwan, Krebse und Hecht.

Glazunov A. Die Mutter hinunter, entlang der Wolga.

Kodály 3. Ungarischer Psalm.

Lasso O. Hirte. Gänselied. Echo.

Marenzio L. Wie viele Liebhaber.

Monteverdi K. Abschied. Dein klarer Blick ist so schön und strahlend.

Morley Tenderness brennt in deinem Gesicht.

Palestrina J. Frühlingswind. Oh, er liegt schon lange im Grab.

Rimsky-Koreakov N. Der Mond schwebt. Altes Lied.Eine goldene Wolke verbrachte die Nacht. Tatarisch voll.Du bist bereits ein Garten. Wild im Norden.

Sveshnikov A. Du bist ein Garten.

Sokolov V. Wohin kann ein Mädchen mit Trauer gehen?

Taneev S. Alpen. Sonnenaufgang. Abend. Auf dem Grab.Ruine des Turms. Schau, wie dunkel.Prometheus. Ich sah eine Klippe durch die Wolken. In den Tagen, wenn über dem schläfrigen Meer. Es gibt zwei düstere Wolken über den Bergen.

Tschaikowsky P. Liturgie von St. I. Chrysostomus: Nr. 6, 10, 11, 14.Cherubische Hymne Nr. 2. Unser Vater.

Chesnokov P. Es gab ein Baby.

Shebalin V. Über den Hügeln.

Shchedrin R. Willow, Weide.

Chöre aus Opern:

Borodin A. "Prinz Igor": Chor der Dorfbewohner.

Berlioz T. "Die Verurteilung des Faust": Branders Lied und Chor.

Vasilenko S. "Die Legende der unsichtbaren Stadt Kitezh":Chor des Volkes „Wehe ist geschehen“.

Wagner R. "Meistersinger": Ehre der Kunst.

Glinka M. "Iwan Susanin" ": Einführung. "Ruslan und Lyudmila": Er wird sterben, er wird sterben.

Dargomyzhsky A. "Meerjungfrau": Gesunder Chor.

Mozart W. "Idomeneo": Lauf, rette dich.

Rimsky-Koreakov N. "Die Zarenbraut":Chorfughette "Süßer als Honig". "„Schneewittchen“: Ich bin noch nie wegen Verrats gescholten worden(ab den letzten 3 Tagen)

Ravel M. "Kind und Magie": Chor der Hirten und Hirtinnen.

Schostakowitsch D. „Katerina Izmailova“: Ruhm.

Chöre aus Oratorien und Kantaten

Harutyunyan A. Kantate über das Mutterland: Nr. 3 "Der Triumph der Arbeit".

Bartók b. Kantateprofan. № 1, 2, 3.

Bach I.S. Weltliche Kantaten:№ 201 D- Dauer"Achtung", Nr. 205 D-dur "Chorus of Winds", Nr. 206D- Dauer"Eröffnungschor", Nr. 208 F-dur "Schlusschor", Mekka h- molI: № 1, 3, 15, 16, 17.

Beethoven L. MesseC- Dauer: 1. Hymne

Berlioz G. Requiem: otd. Zahlen.

Britten B. Kriegsrequiem. MasseinD.

Brahms I. Deutsches Requiem: Nr. 1, 2, 3, 6, 7.

Vivaldi A. Gloria: Nr. 5, 12

Verdi G. Requiem: Nr. 1, 2, 7.

Haydn I. Jahreszeiten: Nr. 2, 6, 9, 19.

Händel G. "Alexander Fest": Nr. 6, 14, 18. " Messias": Nr. 23, 24, 26, 42. " Judas Makkabäer": Nr. 26. "Simson": Nr. 11, 14, 26, 30, 32, 49, 59.

Davidenko A. Aus dem gemeinsamen Oratorium "The Way of October": On

Zehnte Werst, Die Straße ist besorgt.

Degtyarev S. "Minin und Pozharsky": separate Ausgaben.

Dvorak A. Requiem: einzelne Nummern. Stabat Mater Nr. 3.

Yomeli N. Requiem: einzelne Nummern.

Mozart W. Requiem: Nr. 1, 4, 8, 9, 12.

Honegger A. "König David": Nr. 16, 18 und Schlusschor. "Jeanne d'Arc auf dem Scheiterhaufen: Finale des Oratoriums.

Ravel M. Daphnis und Chloe: Chöre aus den Suiten 1 und 2.

Reger M. Requiem: vollständige und separate Nummern.

Skrjabin A. Sinfonie 1: Ruhm der Kunst (Finale).

Strawinsky I. Sinfonie der Psalmen: vollständige und separate Nummern.

Smetana B. "Tschechische Kantate".

Taneev S. "Johannes von Damaskus": vollständige und separate Nummern. "Nach dem Lesen des Psalms: Nr. 1, 4.

Faure G. Requiem: einzelne Nummern.

Hindemith A. "Ewig": vollständige und getrennte Nummern.

Tschaikowsky P. "Zum 200-jährigen Jubiläum des Denkmals für Peterich»: Fuge.

Schubert F. Messe As-dur. Private Zimmer. Masse Es-dur: Separate Nummern.

Shimanovsky K. StabatMater: № 1, 4, 5, 6.

Schumann R. "Paradies und Peri":№8, 11, Requiem: einzelne Nummern.

Schostakowitsch D. Lied der Wälder: Nr. 7 Herrlichkeit.

Shchedrin R. "The Sealed Angel": einzelne Nummern und vollständig.

Chorwerke in den Tonarten "TO".

Baya T. ÖKnochenJesus

Bortnyansky D. Konzert für Chor Nr.ich.

Gastoldi T. Herz, erinnerst du dich

Calvisius S. Ich bin ein Mann.

Lasso O. Den ganzen Tag tagsüber.Mir wurde gesagt. Wie hast du das geschafft.

Lechner L. Oh, wie grausam ist mir mein Schicksal.

Meyland Ya. Das Herz jubelt in der Brust.

ScandeliusA. Auf der Erde zu leben.

Friderichi D. Lied der Gesellschaft.

Hasler G. Ah, ich singe mit einem Lächeln.

Chesnokov P. Geist. Chöre.

Schostakowitsch D. Wie vor undenklichen Jahren.

Chorpartituren zur Transposition

Venosa J. Sancti spiritus.

Verdi J . Laudi alla jungfräuliche Maria Fragmente )

Dargomyzhsky A. Petersburg Serenaden: Aus einem Land, einem fernen Land.Rabe fliegt zu Rabe.Ich trinke auf Marys Gesundheit. Kobold um Mitternacht. Auf den ruhigen Wellen.

Ippolitov-Ivanov M. Kiefer.

Kodály 3. Hallo Janos.

Lottie A. Miserere

Mendelssohn F. Im Süden.

Muradeli V. Unerträgliche Träume.

Rechkunov M. Scharfe Axt. Herbst.

Taneev S. Serenade. Kiefer. Venedig bei Nacht.

Tschaikowsky P. Abend.

Schubert F. Lipa.