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Die Geschichte des Teams geht auf den 2. März 1911 zurück, als kleine Bühne Beim Adelstreffen fand das erste Konzert des Bauernchors unter der Leitung von Mitrofan Jefimowitsch Pjatnizki statt. Das Programm des ersten Konzerts umfasste 27 Lieder aus den russischen Regionen Woronesch, Rjasan und Smolensk. Sergej Rachmaninow, Fjodor Schaljapin und Iwan Bunin waren schockiert über die makellose und inspirierte Gesangskunst der Bauern und lobten die Bauernsänger und Musiker in höchstem Maße. Diese Einschätzung trug wesentlich zur Bildung des Teams als kreative Einheit der russischen Bühne dieser Jahre bei. Bis 1917 war die Mannschaft „Amateur“. Nach Oktoberrevolution Die Aktivitäten des Chores wurden von der Sowjetregierung unterstützt. Alle Teilnehmer ziehen für einen dauerhaften Wohnsitz nach Moskau. Und seit Anfang der 20er Jahre führt der Chor umfangreiche Konzertaktivitäten nicht nur in Moskau, sondern im ganzen Land durch.

Ab Anfang der 30er Jahre wurde das Team geleitet als Musikdirektor Volkskünstler der UdSSR, Staatspreisträger V. G. Zakharov, dessen Originallieder „And Who Knows Him“, „Along the Village“ und „Russian Beauty“ den Pjatnizki-Chor im ganzen Land verherrlichten.

Ende der 30er Jahre wurden im Chor Orchester- und Tanzgruppen unter der Leitung des Volkskünstlers der Russischen Föderation V.V. Khvatov und des Volkskünstlers der UdSSR, Staatspreisträgerin Professor T.A., gegründet. Dadurch konnten die ausdrucksstarken Bühnenmittel deutlich erweitert werden, diese strukturelle Basis ist bis heute erhalten geblieben und viele Staatsgruppen sind nach diesem Bild entstanden.

Während des Zweiten Weltkriegs führte der M.E. Pyatnitsky-Chor umfangreiche Konzertaktivitäten als Teil der Frontkonzertbrigaden durch. Und das Lied „Oh, Fogs“ von V.G. Sacharowa wurde zur Hymne der Partisanenbewegung. Am 9. Mai 1945 war der Chor eine der Hauptgruppen bei den Feierlichkeiten zum Großen Sieg in Moskau. Darüber hinaus gehörte er zu den ersten Mannschaften, denen die Vertretung des Landes im Ausland übertragen wurde. In den folgenden Jahrzehnten führte der M.E. Pyatnitsky Choir umfangreiche Tourneen- und Konzertaktivitäten durch. Er brachte seine Kunst in jeden Winkel des Landes und besuchte mehr als 40 Länder auf der ganzen Welt. Das Team schuf Meisterwerke der Welt Volkskunst.

Eine bedeutende Seite in der Geschichte der Gruppe ist das Werk des Volkskünstlers der UdSSR, Staatspreisträger und Komponisten V.S. Die Lieder von V. S. Levashov „Nimm deinen Mantel – lass uns nach Hause gehen“, „Mein liebes Moskauer Gebiet“ – und heute sind sie eine Zierde der modernen Gesangsbühne.

Über den nach M.E. Pyatnitsky benannten Chor wurden Spielfilme und Dokumentationen gedreht, darunter „Singing Russia“, „Russian Fantasy“, „All Life in Dance“, „You, My Russia“. Über den nach ihm benannten Chor wurden Bücher veröffentlicht M.E. Pyatnitsky „Staatlicher russischer Volkschor benannt nach M.E. Pyatnitsky“, „Erinnerungen an V.G. Zakharov“, „Russen Volkstänze"; eine große Anzahl von Musiksammlungen „Aus dem Repertoire des nach M.E. Pyatnitsky benannten Chores“, Zeitungs- und Zeitschriftenveröffentlichungen sowie viele Schallplatten wurden veröffentlicht.

Moderner Chor benannt nach M.E. Pjatnizki ist ein komplexer kreativer Organismus, bestehend aus Chor, Orchester, Ballettgruppen mit dem künstlerischen und administrativen Apparat.

Quelle - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

Künstlerisches Bild Musikstück im Chor wird es durch Gesang und Worte geschaffen und offenbart. Daher sind die wichtigsten technischen Anforderungen an die Klangfülle des Chors erstens die Genauigkeit der hohen Intonation des Klangs durch jeden Sänger in einer separaten Stimme und jede Stimme im gesamten Chorklang; zweitens die klangliche Einheit und das dynamische Gleichgewicht der einzelnen Stimmen innerhalb jedes Teils und aller Teile des gesamten Chorensembles; drittens, klare Aussprache von Wörtern.
Aber harmonisch, intonatorisch rein, ausgewogen in der Kraft, einheitlich in der Klangfarbe, ist der Chorklang nur eine Voraussetzung für die Schaffung eines künstlerischen Bildes, das den Inhalt des Werkes vermittelt. Daher muss der Leiter, bevor er mit dem Erlernen eines Liedes beginnt, durch die Analyse des Werks seinen Inhalt und die Mittel verstehen, mit denen es vom Komponisten offenbart wird. Durch das Kennenlernen des literarischen Textes können Sie das Thema und die Idee des Werkes und seinen Charakter verstehen: entweder heroisch, lyrisch, komisch usw. Abhängig vom allgemeinen Charakter des Liedes, dem Tempo, Dynamik, Klangfarbe des Klangs und Art der Bewegung der Melodie werden bestimmt, künstlerische und semantische Hervorhebung von Phrasen.

Nach einer solchen Analyse des Werkes wird ein Aufführungsplan erstellt, dem alle weiteren Gesangs- und Chorarbeiten untergeordnet sind. Der Leiter identifiziert Schwierigkeiten bei der Bewältigung des Stückes, skizziert Wege zu deren Überwindung, entwickelt bestimmte Übungen und erstellt einen detaillierten Probenplan.
Die Arbeit mit einem Chor an einem neuen Lied beginnt normalerweise mit grobem Lernen – dem Auswendiglernen der Melodie, dem Aufbau von Intervallen, Konsonanzen, dem Üben der rhythmischen Seite des Werkes und der Diktion.
Wenn der Manager die technischen Elemente beherrscht, beginnt er, der künstlerischen Fertigstellung der Arbeit mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Es kommt die Zeit, in der bloße Notizen beginnen, künstlerisches Fleisch anzunehmen.
Als Beispiel geben wir die künstlerische Analyse und den Aufführungsplan für die Arbeit mit dem Chor am Lied „Polyushko Kolkhoznoe“, Text und Melodie von G. Savitsky, Arrangement für die Frauenkomposition des Volkschors von I. Ivanova. (Das Lied ist in dieser Ausgabe der Sammlung auf Seite 13 abgedruckt).

Der literarische Text des Liedes offenbart das Bild eines weiten, ausgedehnten Kolchosfeldes.

Oh, du bist mein Schatz,
Kolchose Polelyuska,
Du bist mein Breiter
Du bist meine Freiheit.
Der Roggen liegt dicht in Wellen,
Der Wind schwankt.
Jedes Jahr Pole
Es ist berühmt für seine Ernte.
Oh, du bist mein Schatz,
Kolchose Polelyuska,
Du bist mein Breiter.
Du bist meine Freiheit.

Das Gedicht zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Lakonizität und zugleich Ausdruckskraft des Bildes aus. Trotz der Tatsache, dass es nur aus drei Vierzeilern besteht und der dritte eine wörtliche Wiederholung des ersten ist, sticht das Bild des „Kollektivwirtschaftspols“ deutlich und deutlich hervor. Was für eine großartige und weitreichende thematische Bedeutung legt der Autor den Worten „Kollektivwirtschaftspol“ bei! Sie haben einen tiefen Subtext. Dieser „Pol“ ist das ganze Leben eines arbeitenden Menschen, ein neues, glückliches Leben, wie ein „Pol“, weit und frei.
Diese innere Bedeutung oder Idee des Gedichts wird bereits im ersten Vierzeiler skizziert, wo sich das majestätische Bild des „Poles“ durch einen zutiefst emotionalen, liebevollen Appell zu offenbaren beginnt: „Oh, du bist mein Pol.“ ”

Enthüllt sich im ersten Vierzeiler das Bild des „Kollektivwirtschaftspols“ in lyrisch-epischem Charakter, so tritt im zweiten Vierzeiler der heroische Klang des Bildes in den Vordergrund, der einen immer dynamischeren Inhalt erhält. Somit ist der energische Beginn des zweiten Vierzeilers –

Der Roggen liegt dicht in Wellen,
Der Wind schwankt.

vermittelt die rasante Bewegung und Dynamik in der Entwicklung des Bildes der „kollektivwirtschaftlichen Polepole“. Es ist nicht mehr nur „breit und weitläufig“, sondern auch „berühmt für seine Ernte“. Hier wird der Subtext des Gedichts weiter enthüllt. Das wogende Roggenmeer ist die Frucht kreativer Arbeit Sowjetischer Mann- der Schöpfer aller irdischen Segnungen. Daher erklingt im dritten Vierzeiler, der eine wörtliche Wiederholung des ersten ist, der Appell an „Pole“. neue Kraft: nicht mehr als Meditation, sondern als Hymne an seine Fruchtbarkeit, als Hymne an die schöpferische Arbeit des Sowjetmenschen.
So offenbart sich das Bild des „Kollektivhofpfahls“ im Gedicht in einer dynamischen Entwicklung von lyrisch-epischer Erhabenheit zu einem kraftvollen heroischen Klang. Die Rahmungstechnik verleiht dem Gedicht thematische Integrität und eröffnet gleichzeitig Raum für die Kreativität des Komponisten und des Autors der Chorbearbeitung.

Analyse der Musik des Liedes“ Kolchose Polyuschko„Es ist leicht zu erkennen, dass es in der Intonation sehr genau und volksliedartig den Charakter des literarischen Bildes wiedergibt. Die Melodie des Liedes ist breit gefächert, wohlklingend und schafft dank ihrer abwechslungsreichen metrorhythmischen Gestaltung eine Atmosphäre emotionaler Erregung und innerer Bewegung. Jede Strophe des Liedes, die die Stimmung des entsprechenden Vierzeilers vermittelt, stellt sozusagen eine bestimmte Entwicklungsstufe dar musikalisches Bild Lieder.
Die Musik der ersten Strophe enthält einen sanften, liebevollen Appell an die „Kolchose polelyuska“. Aber gleichzeitig handelt es sich hier nicht um ein Gespräch im wörtlichen Sinne, sondern eher um eine tiefe Reflexion, bei der der „Kollektivwirtschaftspol“ und das Schicksal eines Menschen, sein ganzes Leben zu einem einzigen Konzept verschmelzen. Daraus ergibt sich die prägende Stimmung des ersten Verses – Sanftheit, Aufrichtigkeit und Bedeutung.

Das Tempo ist langsam, die Bewegung der Melodie ist sanft, der Gesamtton ist pianissimo (sehr leise).
Alle Elemente des künstlerischen Ausdrucks (Melodie, Metrorhythmus, Textur, Phrasierung) sind in ständiger Bewegung, als ob sie immer neue Aspekte des Bildes offenbaren würden, wodurch das Werk zu einem fruchtbaren Material für künstlerische Darbietungen wird.

Der erste Vers besteht wie die folgenden Verse aus vier Phrasen, von denen jede ihren eigenen dynamischen Höhepunkt hat. Die auf den Höhepunkt folgenden Klänge werden mit erhöhter Klangfülle und die auf den Höhepunkt folgenden Klänge mit schwächerer Klangfülle ausgeführt. Dadurch wird der Peak dynamisch betont und ordnet vorhergehende und nachfolgende Klänge um sich herum. In dem zu analysierenden Lied ist der Anfang jeder Phrase der erste Schlag des zweiten Takts. Die Bedeutung der Ausdrücke ist jedoch nicht gleich. In diesem Fall ist die dritte Hauptphrase der oberste Satz. Eine emotionale Steigerung steigt, die Melodie erweitert den Tonumfang, die innere Bewegung beschleunigt sich durch die Reduzierung der Taktzahl in der zweiten Phrase, die Textur ist gesättigt: Zuerst singt eine Sängerin, in der zweiten Phrase gesellt sich eine zweite hinzu , und in der dritten Phrase erklingt ein polyphoner Chor. Im vierten Satz hingegen ist bereits eine Abschwächung der emotionalen Spannung zu spüren, er klingt dynamisch schwächer als der dritte, sein rhythmisches Muster ändert sich, der Tonumfang wird verkürzt und die Textur vereinfacht: Die Vierstimmigkeit wird durch Unisono ersetzt.
Diese Unterscheidung von Phrasen nach ihrer künstlerischen Bedeutung nennt man Phrasierung. (Beispiel Nr. 1) Wenn der allgemeine Ton des Verses Pianissimo ist, kann sich der Klang an den Spitzen der Phrasen etwas verstärken, bis er das Klavier erreicht, und am Ende der Phrase zum ursprünglichen Ton zurückkehren.

Die dritte Phrase (die oberste) klingt etwas stärker als alle anderen (im Klavier).

Die Entwicklung des musikalischen Bildes in der zweiten und dritten Strophe folgt dem Weg des dynamischen Wachstums – von Piano zu Forte, struktureller Komplikation, unterschiedlicher Entwicklung von Stimmen, Veränderungen in der Klangfarbe, der Art der Bewegung der Melodie und der Aussprache von Wörtern. Alle diese Veränderungen folgen dem Prinzip der Injektion – einer allmählichen und kontinuierlichen Steigerung und Erweiterung. Um das Gesagte zu bestätigen, berücksichtigen Sie den dynamischen Plan und die strukturellen Änderungen des Liedes.

Dynamischer Plan
Die erste Strophe ist Pianissimo.
Die zweite Strophe ist Klavier.
Die dritte Strophe reicht von Mezzo Forte bis Fortissimo.

Änderungen in der Dynamik stehen in engem Zusammenhang mit strukturellen Komplikationen: Die erste Strophe wird von einem Sänger gesungen, die zweite von zwei, und die dritte Strophe wird vom gesamten Chor begonnen. Hier sehen wir nicht nur eine Zunahme der Anzahl der Sänger, sondern auch eine Zunahme der Anzahl der Stimmstimmen sowie Variationen in der Melodielinie des Sängers selbst. (Beispiel Nr. 2)

Seinen Höhepunkt erreicht das Lied in der letzten Strophe mit den Worten: „You are my wide, you are my wide.“ Alle Elemente des künstlerischen Ausdrucks erreichen an diesem Ort ihr höchstes Niveau. Hier zeichnet sich der lauteste Klang des Chors, die Art der Bewegung der Melodie (im Gegensatz zu den vorherigen Versen), nicht mehr durch die sanfte und ruhige Entwicklung des Klangs aus, sondern durch die schwungvolle, helle, eingängige Aussprache von Klang und Wort, basierend auf einer Kombination aus Akzent und maximaler Klanglänge), erreicht die Textur ihre maximale Entfaltung (5 Stimmen, Echos), schließlich erreicht die Melodie ihren Höhepunkt und betont den emotionalen Höhepunkt und das Ende des gesamten Liedes. (Beispiel Nr. 3)

Als Ergebnis der künstlerischen Analyse verstand der Regisseur den Inhalt des Liedes und die Mittel, mit denen der Komponist ihn offenbart. Doch die Vorarbeiten zum Werk beschränken sich nicht darauf.
Jede Kunstart hat ihre eigene Technik, also eine Reihe bestimmter Fähigkeiten, die zur Schaffung eines künstlerischen Bildes erforderlich sind. V. Chorkunst ist Struktur, Ensemble, Diktion, stimmliche Fähigkeiten – Atmung, Klangerzeugung und Resonanz. Daher ist es klar, dass der nächste Schritt der Vorarbeit des Regisseurs darin besteht, das Werk unter dem Gesichtspunkt seiner technischen Schwierigkeiten zu analysieren.
Schauen wir uns die Hauptpunkte der Arbeit an der Chorstruktur an.
Das Singen ohne Begleitung stellt an den Interpreten besonders hohe Anforderungen an die Intonation von Intervallen und Akkorden. Eine sehr entwickelte Melodielinie eines Liedes mit vielen großen Intervallen stellt eine große Schwierigkeit für die Intonation der Intervalle dar. Sie müssen auf melodische Abschnitte achten, die der Chor verstimmt singen kann: auf die Klänge im zweiten Verhältnis

zu einer Abfolge von Tönen gleicher Höhe, die oft eine Abnahme der Intonation bewirken und daher ein „Anheben“ der Höhe jedes nachfolgenden Tons erfordern, bis hin zur Intonation von Halbtönen.
Um Intonation zu erreichen reiner Klang Der Chorleiter muss die Intonationsmuster verschiedener Dur- und Dur-Stufen kennen Moll-Tonleiter entsprechend ihrer modalen Bedeutung.
Intonation der Dur-Tonleiter.

Der Klang der ersten Stufe (der Hauptton) wird gleichmäßig intoniert. Die Klänge der zweiten, dritten, fünften, sechsten und siebten Stufe werden durch den Wunsch nach Verbesserung intoniert. Die Klänge der dritten und siebten Stufe (die Terz des Tonika-Dreiklangs und der Einleitungston) werden mit einem besonders starken Aufstiegswillen intoniert. Der Ton der vierten Stufe wird mit abnehmender Tendenz intoniert.

Es ist zu beachten, dass es in russischen Liedern häufig vorkommt Dur-Tonleiter mit reduzierter siebter Stufe. In diesem Fall äußert sie den Wunsch, sich zu erniedrigen.

Beispiel Nr. 5 zeigt die Art der Intonation verschiedener Grade der Dur-Tonleiter. Nach oben zeigende Pfeile zeigen an, dass der Ton mit steigender Tendenz intoniert werden sollte, ein horizontaler Pfeil zeigt eine stabile Intonation an und ein nach unten zeigender Pfeil zeigt eine Intonation mit fallender Tendenz an

Intonation der Moll-Tonleiter (natürlich).

Die Töne des ersten, zweiten und vierten Grades werden mit dem Wunsch nach Steigerung intoniert.
Geräusche dritten, sechsten und siebten Grades – mit abnehmender Tendenz.
Im harmonischen und melodischen Moll wird der Ton der siebten Stufe mit starker Steigungstendenz intoniert. Im melodischen Moll wird auch der Ton der sechsten Stufe mit steigender Tendenz intoniert.

Beispiel Nr. 6 zeigt die Art der Intonation der Klänge der Tonleiter „B-Moll“, in der das Lied „Polyushko Kolkhoznoye“ geschrieben wurde.
Die genaue Intonation hängt weitgehend vom singenden Atem ab. Langsames Atmen mit Luftleckage führt zu einem Tonabfall, überanstrengtes Atmen mit zu hohem Luftdruck hingegen zu Kraft und erhöhter Intonation. Auch die träge Klangentwicklung (bei Annäherung) führt zu Intonationsungenauigkeiten. Eine tiefe Position, die zu einer Überlastung des Kehlkopfes führt, führt zu einer Abnahme der Intonation des Klangs, und das gleiche Ergebnis wird durch Überlappung des Klangs im oberen Register verursacht (bei Volksstimmen geschieht dies in ruhigen Liedern). Bei unzureichender Nutzung von Brustresonatoren verändert sich die Intonation nach oben.
Die „hohe Lage“ des Klangs wirkt sich besonders positiv auf die Intonation aus, deren Kern darin besteht, den Klang zu den oberen Resonatoren zu leiten und Verspannungen im Kehlkopf zu lösen. In jedem Register muss eine hohe Position erreicht werden.

Bei der Arbeit an diesem Lied muss dies insbesondere beim Üben mit zweiten Altisten berücksichtigt werden, die in einer sehr tiefen Lage singen. Stimmübungen, das Singen einzelner Phrasen mit geschlossenem Mund oder auf den Silben „li“ und „le“ sind von großem Nutzen für die Entwicklung hoher Lagelaute.
So hängt der intonatorisch reine Gesang im Chor weitgehend vom Niveau der gesamten Gesangsarbeit ab, die in Richtung der Entwicklung verschiedener Gesangsfähigkeiten und der Korrektur bestimmter Mängel der Stimmen der Sänger (gedrückter Klang, Forcierung, Zittern, Nasentönung) erfolgen sollte , usw. ).
Die wichtigste stimmliche Fähigkeit ist die richtige, unterstützte Atmung.“ Oft wird von einem Sänger, der die Gesangsatmung beherrscht, gesagt, dass er „auf Unterstützung“ oder mit „unterstütztem Ton“ singt. Unterstützte Atmung zeichnet sich dadurch aus, dass beim Singen die gesamte Luft entweicht vollständig zur Klangbildung ohne Leckage und wird sanft und sparsam aufgenommen. In diesem Fall erscheint der sogenannte „unterstützte Klang“. Er hat viel Fülle, Dichte, Elastizität, während der ungestützte Klang im Gegenteil dumpf ist. locker, schwach, mit einem Siphon, was auf einen nutzlosen Luftaustritt hinweist, und daher erfordert das Singen großer musikalischer Strukturen in einem Atemzug häufige Atemwechsel und führt zu einer Pause in der musikalischen Phrase .

Um einen unterstützten Klang zu erhalten, ist es notwendig, eine „Einatmungseinstellung“ beizubehalten, d. h. beim Singen sollte der Sänger nicht zulassen, dass sich die Brust senkt und verengt. Nachdem Sie die Luft eingeatmet haben, müssen Sie einen Moment lang den Atem anhalten und dann mit der Tonerzeugung beginnen. Dieser Moment der „Verzögerung“ scheint den gesamten Gesangsapparat zu alarmieren. Sie müssen leicht und natürlich atmen, ohne übermäßige Anspannung, fast so wie bei einem normalen Gespräch. Der Sänger muss so viel Luft aufnehmen, wie er für die Ausführung einer bestimmten Aufgabe benötigt. Die eingeatmete Luftmenge hängt von der Größe der musikalischen Phrase und dem Register, in dem sie erklingt, sowie von der Stärke des Tons ab. Das Singen in einer hohen Lage erfordert mehr Luft. Auch Inhalation große Menge Luft führt zu angestrengtem Klang und ungenauer Intonation. Die Dauer der Inhalation hängt vom Tempo des Stücks ab und sollte der Zeitdauer eines Taktschlags entsprechen. Für die kontinuierliche Darbietung langer musikalischer Strukturen oder sogar des gesamten Stücks wird die sogenannte „Kettenatmung“ eingesetzt. Sein Wesen liegt darin, dass die Chorsänger abwechselnd ihren Atem erneuern. Beispiel Nr. 7 zeigt den Chorteil der zweiten Strophe, der auf „Kettenatmung“ vorgetragen wird.

Jeder Sänger kann diesen gesamten Abschnitt nicht einzeln singen, ohne seinen Atem zu erneuern, aber im Chor klingt dieser Satz aufgrund der abwechselnden Erneuerung seines Atems durch die Sänger undifferenziert. Der normale Singatem eines Sängers versiegt an der Wende des vierten und fünften Takts, aber selbst einem Sänger wird nicht empfohlen, an dieser Stelle zu atmen. Beim „Kettenatmen“ ist es besser, nicht an der Schnittstelle zweier musikalischer Strukturen zu atmen, sondern davor oder nach einiger Zeit. Sie müssen die Verbindung zum Singen unterbrechen und unmerklich wieder einsteigen, kurz atmen und zwar hauptsächlich mitten in einem Wort oder bei einem anhaltenden Ton. (Beispiel Nr. 7).

Die Bedeutung der Art der Ausatmung sollte noch einmal betont werden. Es sollte über die gesamte Länge sparsam und gleichmäßig sein. Nur eine solche Ausatmung kann einen sanften, elastischen Gesang erzeugen. Lassen Sie beim Ausatmen nicht die gesamte Luft aufbrauchen. Es ist schädlich, mit stark erschöpfter Luftzufuhr zu singen.
Beim Singen ist der Atemvorgang eng mit dem Moment der Tonerzeugung bzw. des Tonanfalls verbunden. Es gibt drei Angriffsarten: hart, atemlos und sanft. Bei einem harten Angriff schließen sich die Bänder, bevor Luft zugeführt wird. Dann öffnet der Luftstrom mit leichter Kraft die Bänder. Das Ergebnis ist ein scharfer Ton.
Ein aspirierter Angriff ist das Gegenteil eines festen Angriffs. Dabei geht dem Erscheinen des Tons ein stilles Ausatmen voraus, nach dem sich die Bänder ruhig schließen. In diesem Fall scheint der Vokal „A“ den Klangcharakter von „xx-a“ anzunehmen, der Konsonant „x“ sollte jedoch nicht zu hören sein.

Bei einem sanften Anschlag beginnt der Verschluss der Bänder gleichzeitig mit dem Beginn des Tons.
Ein fester Anfall beim Singen ist selten (bei Lautausrufen, bei der lauten Lautentwicklung nach einer Pause).
Fest angesetzte Übungen sind von großem Nutzen; sie fördern das Gefühl eines „unterstützten“ Klangs und sind ein Mittel, um einer trägen Klangproduktion entgegenzuwirken, die zu „Untergrabungen“ führt. Solche Übungen (Beispiel Nr. 8) sollten in einem langsamen Tempo auf dem Vokal „A“ gesungen werden.

Die Grundlage des Gesangs ist ein sanfter Anschlag. Ansaugung – wird für einen leisen und sehr leisen Klang verwendet.
Bei Sängern mit scharfer Stimme ist es sinnvoll, das Singen kleiner Wühlmäuse oder Abschnitte einer musikalischen Phrase eines zu lernenden Stücks für die Vokale „I“, „E“, „E“, „Yu“ oder die Silben „LA“ zu üben. „LE“, „LE“, „ „BJ“.
Künstlerisches Bild in Gesangskunst erscheint in der Einheit von Musik und Worten. Nicht nur die Qualität der Botschaft an den Hörer hängt von der Art und Weise ab, wie Wörter ausgesprochen werden, bzw. von der Diktion. literarischer Text Lieder, sondern auch den gesamten Gesangsprozess. Wie Sie wissen, besteht ein Wort aus einer Einheit von Vokalen und Konsonanten. Eine unabdingbare Voraussetzung für eine korrekte Diktion beim Singen ist ein möglichst langer Vokalklang und eine kurze, aktive Aussprache von Konsonanten, basierend auf einem klaren Zusammenspiel von Zunge, Lippen, Zähnen und Gaumen mit einer gleichmäßigen und auf keinen Fall ruckartigen Ausatmung. Es ist nützlich, die Klarheit der Aussprache von Konsonanten bei leisen Lauten zu üben, indem man sie verdoppelt. Um die ganze Aufmerksamkeit auf die Konsonanten zu lenken, ist es gleichzeitig nützlich, jede Silbe kurz, aber nicht abrupt wegzulassen und dabei die Dauer der gehaltenen Töne im Kopf zu berechnen. (Beispiel Nr. 9)

Besonders schwer auszusprechen sind Kombinationen aus mehreren Konsonanten (Land), einem Konsonanten am Wortanfang (meet, not meet) und einem Konsonanten am Ende eines Wortes (color, not tsve).
Um eine größtmögliche Kontinuität des Klangs der Melodie zu gewährleisten, müssen Konsonanten am Ende einer Silbe mit der folgenden Silbe kombiniert werden.
„U-ro-zha-e-ms l a-v i-tsya.“
Eine klare Diktion wird normalerweise mit einer klaren Aussprache von Konsonanten gleichgesetzt, wobei vergessen wird, dass Vokale auch eine große Rolle bei der Aussprache von Wörtern und für den Gesamtzusammenhalt des Chorklangs spielen.
Vokale sind reine Laute ohne Beimischung von Geräuschen. Einige von ihnen klingen hell, offen – „A“, andere sind geschlossen – „O“, „U“, andere – „nah“ – „I“. Der Grad der Spannung oder Helligkeit von Vokalen ist unterschiedlich; er hängt von der Position des Mundes und der Position des Vokals im Wort ab (betonte Vokale klingen angespannter und heller als unbetonte).

Um beim Singen eine gleichmäßige Gesangslinie zu erzeugen, werden alle Vokale auf irgendeine Weise neutralisiert, das heißt, die scharfe Linie zwischen ihnen wird gelöscht. Dies liegt daran, dass bei allen Vokalen ungefähr die gleiche Mundposition beibehalten wird. Es ist bekannt, dass derselbe Vokal in verschiedenen Mundstellungen unterschiedliche Klangqualitäten erhält: mit einem breiten offener Mund es klingt offen, hell, halb geöffnet klingt es geschlossen, sanft, beim Singen mit geöffneten Lippenwinkeln (bei einem Lächeln) klingt es leicht, leicht, „nah“. Daher ist es durchaus verständlich, dass im Klang einer einzelnen Phrase oder eines ganzen Werks, das von einer bestimmten Stimmung geprägt ist, alle Vokale im gleichen emotionalen Ton und mit der gleichen vorherrschenden Mundstellung klingen sollten. Eine einheitliche Art der Vokalbildung im Chor ist von entscheidender Bedeutung, da sie die Grundlage für die klangliche Einheit der Stimmen bildet. Um eine einheitliche Resonanz der Vokale zu entwickeln, ist es sinnvoll, eine Tonfolge gleicher Höhe auf den Silben MI-ME-MA-MO-MU zu singen (der Konsonant „M“ wird verwendet, um den Anschlag abzuschwächen. Beispiel Nr. 10 ). In diesem Fall müssen Sie sicherstellen, dass alle Vokale mit dem gleichen Grad der Mundöffnung ausgeführt werden.

Um ein „Fahren“ beim Singen der Vokale „A“, „O“, „U“, „E“, „I“ nach einem anderen oder demselben Vokal, insbesondere an der Verbindung zweier Wörter, zu vermeiden, ist dies erforderlich den ersten Vokal so lang wie möglich zu strecken und sofort zum zweiten zu wechseln, wobei der Klang etwas härter angegriffen wird. Zum Beispiel: „...Polyushko ist berühmt für seine Ernte.“
Wir haben oben bereits gesagt, dass ein betonter Vokal stärker und heller klingt als ein unbetonter. Aber manchmal stimmt in Volksliedern der starke Takt des Taktes nicht mit der Betonung im Wort überein. In diesen Fällen ist es notwendig, den Vokal, der auf dem starken Taktschlag erklingt, weniger hervorzuheben als den Vokal, auf dem die Betonung auf den Wörtern liegt (Beispiel 11).

Hier sehen wir, dass im Wort „My“ der unbetonte Vokal „O“ einem relativ starken Taktschlag entspricht und daher, wenn er hervorsticht, das Wort verzerrt. Um dies zu verhindern, muss die Silbe „MO“ etwas leiser gesungen werden als der Vokal „Yo“.
Die Arbeit an Vokalen in einem Volkschor wird besonders wichtig, da einige Musiker eine falsche Vorstellung von der Klangfarbe der Volksstimme haben. Sie glauben, dass Volksgesang nur durch einen offenen, weißen Klang gekennzeichnet ist. Ein Missverständnis der stimmlichen Grundlagen des Volksgesangs führt zu einer falschen Ausrichtung dieser wunderbaren Gattung der Chorkunst. Ist der Genrereichtum der russischen Sprache Volkslied Von einem ruhigen, sanften Refrain, einem scharfen Liedchen bis hin zu breiten Leinwänden singender, lyrischer Lieder und lautstarken Steinfliegen spricht das nicht für ihre größte emotionale Bandbreite?! Wie kann man all diese Lieder mit einem Ton singen?! Es ist völlig klar, dass der Klang eines Volkschors wie jedes anderen Chores vom Inhalt des Liedes, von seiner emotionalen Stimmung abhängt.

Die Grundlage jeder kollektiven Musikkunst, einschließlich des Chores, ist die Einheit und eine gewisse Koordination des Handelns aller Mitglieder der Gruppe. Alle Elemente des Chorklangs: Struktur, Diktion, Stärke, Klangfarbe, Bewegungsgeschwindigkeit usw. existieren nur in kollektiver Ensembleform. Daher durchdringt die Ensemblearbeit alle Phasen der Chorarbeit.
Wir haben bereits über die einheitliche Art und Weise gesprochen, wie Vokale und Konsonanten gebildet werden. Nun schauen wir uns das rhythmische und dynamische Ensemble an. In „Polyushka the Collective Farm“ hat jede Stimme ihr eigenes, unabhängiges rhythmisches Muster. Bei gleichzeitiger Aufführung besteht die Gefahr, dass das rhythmische Ensemble zerbricht. Um dies zu verhindern, ist es notwendig, bei Sängern ein Gespür für das Pulsieren der Melodie zu entwickeln. Zu diesem Zweck bietet es sich an, musikalische Passagen zu singen und jede Viertel-, Halb- und Ganznote laut in Achtel aufzuteilen (Beispiel N2 12).

Dank dieser Übung wird der Chor komplexe Dauern genau einhalten und rechtzeitig zu den nachfolgenden Klängen übergehen. Normalerweise verlieren Sänger bei lang andauernden Klängen ihr genaues Bewegungsgefühl und wechseln zu den nachfolgenden Klängen spät oder vorzeitig.
Ein dynamisches Ensemble in einem Chor basiert auf der Ausgewogenheit der Stimmenstärke einer Stimme und auf einer gewissen Konsistenz zwischen den Stimmen: Entweder klingt die obere Stimme, die die Hauptstimme führt, lauter als die anderen Stimmen, dann die mittlere oder die untere Stimme Tritt die Stimme in den Vordergrund, dann erklingen alle Teile mit gleicher Stärke. So erklingt im Lied „Polyushko Kolkhoznoe“ zunächst die Oberstimme lauter, dann beginnen melodische Veränderungen in verschiedenen Stimmen dynamisch betont zu werden und am Höhepunkt des Liedes erklingen alle Stimmen mit gleicher Stärke.

Die meisten russischen Volkslieder werden mit Leadsängern aufgeführt. In diesen Fällen ist das Ensemble zwischen Leadsänger und Chor sehr wichtig, der vom Leadsänger den gesamten Charakter des Liedvortrags übernimmt. Dies muss beim Erlernen dieses Liedes berücksichtigt werden. Die Grundlage eines guten Ensembles in einem Chor ist die richtige Auswahl der Stimmen und deren quantitative Gleichheit in jedem Teil. Das Ergebnis ist ein natürliches Ensemble. Aber manchmal haben die Stimmen, aus denen ein Akkord besteht, unterschiedliche Tessitura-Bedingungen. In diesem Fall wird die Klangbalance künstlich durch eine spezielle Verteilung der Klangstärke zwischen den Stimmen erreicht: Die in einer hohen Lage geschriebene Nebenstimme sollte leiser klingen, die in einer tiefen Lage geschriebene Hauptstimme sollte leiser klingen lauter ausgeführt werden. Wenn alle Stimmen in einer bestimmten Situation mit gleicher Stärke gespielt werden, übertönt die Nebenstimme die Hauptstimme und es gibt natürlich kein Ensemble.
Um ein künstlerisch vollständiges Ensemble zu bilden, ist es notwendig, dass jeder Sänger nicht nur seine Rolle präzise singt, sondern auch, indem er seinen Nachbarn in der Rolle zuhört, mit ihnen verschmilzt. Darüber hinaus muss er auf die Hauptstimme hören und die Stärke seiner Stimme damit messen.

Von bodenlangen Arafans, Kokoshniks und Liedkunst. Russische Volkschöre mit dem Titel „Akademiker“ – als Anerkennung für höchste Bühnenleistungen. Lesen Sie mehr über den Weg der „Populisten“ auf die große Bühne – Natalya Letnikova.

Kuban-Kosaken-Chor

200 Jahre Geschichte. Die Lieder der Kosaken sind entweder ein Pferdemarsch oder ein Spaziergang zu „Marusja, eins, zwei, drei...“ mit tapferem Pfiff. 1811 ist das Jahr, in dem in Russland die erste Chorgruppe gegründet wurde. Lebendig historisches Monument, der die Geschichte und Gesangstraditionen Kubas durch die Jahrhunderte trug Kosakenarmee. An den Ursprüngen standen der spirituelle Erzieher des Kuban, Erzpriester Kirill Rossinsky und der Regent Grigory Grechinsky. Seit der Mitte des 19. Jahrhunderts nahm die Gruppe nicht nur an Gottesdiensten teil, sondern gab auch weltliche Konzerte im Geiste rücksichtsloser Kosakenfreier und laut Jesenin „fröhlicher Melancholie“.

Chor benannt nach Mitrofan Pyatnitsky

Ein Team, das sich seit einem Jahrhundert stolz „Bauern“ nennt. Und obwohl heute professionelle Künstler auf der Bühne auftreten und nicht gewöhnliche lautstarke großrussische Bauern aus Rjasan, Woronesch und anderen Provinzen, präsentiert der Chor Volkslieder in erstaunlicher Harmonie und Schönheit. Jeder Auftritt löst Bewunderung aus, genau wie vor hundert Jahren. Das erste Konzert des Bauernchors fand im Saal der Adelsversammlung statt. Das Publikum, darunter Rachmaninow, Schaljapin und Bunin, verließen die Aufführung schockiert.

Nördlicher Volkschor

In Weliki Ustjug lebte eine einfache Landlehrerin, Antonina Kolotilova. Sie versammelte Volksliedliebhaber zum Basteln. An einem Februarabend nähten sie Leinen für Waisenhaus: „Das gleichmäßige, sanfte Licht der Blitzlampe sorgte für eine besondere Gemütlichkeit. Und vor dem Fenster tobte das schlechte Februarwetter, der Wind pfiff im Schornstein, ließ die Bretter auf dem Dach klirren, warf Schneeflocken ans Fenster. Diese Diskrepanz zwischen der Wärme eines gemütlichen Zimmers und dem Heulen eines Schneesturms machte meine Seele ein wenig traurig. Und plötzlich begann ein Lied zu erklingen, traurig, langwierig ...“ So klingt der Nordgesang – 90 Jahre. Schon von der Bühne.

Rjasaner Volkschor, benannt nach Evgeniy Popov

Yesenins Lieder. In der Heimat des Hauptsängers des russischen Landes werden seine Gedichte gesungen. Melodisch, durchdringend, spannend. Wo die weiße Birke entweder ein Baum oder ein gefrorenes Mädchen am hohen Ufer der Oka ist. Und die Pappel ist auf jeden Fall „silbern und leuchtend“. Der Chor entstand auf der Grundlage des ländlichen Volksensembles des Dorfes Bolshaya Zhuravinka, das seit 1932 auftritt. Rjasaner Chor glücklich. Der Leiter der Gruppe, Evgeny Popov, selbst schrieb Musik zu den Gedichten eines Landsmanns, der einen erstaunlichen Sinn für Schönheit hatte. Sie singen diese Lieder, als würden sie über ihr Leben sprechen. Warm und sanft.

Sibirischer Volkschor

Chor, Ballett, Orchester, Kinderatelier. Der sibirische Chor ist vielfältig und im Einklang mit dem frostigen Wind. Das Konzertprogramm „Yamshchitsky Tale“ basiert wie viele Bühnenskizzen der Gruppe auf Musik-, Gesangs- und choreografischem Material aus der sibirischen Region. Die Kreativität der Sibirier wurde in 50 Ländern auf der ganzen Welt gesehen – von Deutschland und Belgien bis zur Mongolei und Korea. Wovon sie leben, ist das, worüber sie singen. Zuerst in Sibirien und dann im ganzen Land. Was geschah mit Nikolai Kudrins Lied „Bread is the Head of Everything“, das vom Sibirischen Chor uraufgeführt wurde?

Russischer Volkschor Woronesch, benannt nach Konstantin Massalinow

Lieder an vorderster Front in diesen schwierigen Tagen, in denen scheinbar überhaupt keine Zeit für Kreativität bleibt. Der Woronesch-Chor trat 1943 auf dem Höhepunkt des Großen Vaterländischen Krieges im Arbeiterdorf Anna auf. Die ersten, die die Lieder der neuen Band hörten, waren Militäreinheiten. Erste großes Konzert- Mit Tränen in den Augen - reiste er befreit von den Deutschen durch Woronesch. Das Repertoire umfasst lyrische Lieder und Liedchen, die in Russland bekannt und beliebt sind. Einschließlich Dank an die berühmteste Solistin des Woronesch-Chores – Maria Mordasova.

Wolga-Volkschor, benannt nach Pjotr ​​​​Miloslawow

„Ein Steppenwind weht über die Bühne des Chatelet-Theaters und bringt uns den Duft origineller Lieder und Tänze.“- schrieb die französische Zeitung L’Umanite im Jahr 1958. Die Stadt Samara brachte den Franzosen das Liederbe der Wolgaregion näher. Der Interpret ist der Wolga-Volkschor, der 1952 auf Beschluss der Regierung der RSFSR von Pjotr ​​Miloslawow gegründet wurde. Ein gemütliches und gefühlvolles Leben am Ufer der großen Wolga und auf der Bühne. Im Team habe ich angefangen kreativer Weg Ekaterina Shavrina. Das Lied „Snow White Cherry“ wurde zum ersten Mal vom Wolga-Chor aufgeführt.

Omsker Volkschor

Bär mit einer Balalaika. Das Emblem des berühmten Teams ist sowohl in Russland als auch im Ausland bekannt. „Liebe und Stolz des sibirischen Landes“, wie Kritiker die Gruppe auf einer ihrer Auslandsreisen nannten. „Der Omsker Volkschor kann nicht nur als Restaurator und Bewahrer alter Volkslieder bezeichnet werden. Er selbst ist eine lebendige Verkörperung Volkskunst unsere Tage"- schrieb Britisches The Täglicher Telegraph. Das Repertoire basiert auf sibirischen Liedern, die die Gründerin der Gruppe, Elena Kalugina, vor einem halben Jahrhundert aufgenommen hat, und leuchtenden Bildern aus dem Leben. Zum Beispiel die Suite „Winter Siberian Fun“.

Uraler Volkschor

Auftritte an der Front und in Krankenhäusern. Der Ural versorgte das Land nicht nur mit Metall, sondern steigerte auch die Moral mit Wirbeltänzen und Rundtänzen, dem reichhaltigsten Folklorematerial des Urallandes. Die Swerdlowsker Philharmonie brachte Amateurgruppen aus den umliegenden Dörfern Izmodenovo, Pokrowskoje, Katarach und Laya zusammen. „Unser Genre lebt“, - sagt man heute im Team. Und die Erhaltung dieses Lebens gilt als Hauptaufgabe. Wie die berühmte Ural „Sieben“. „Drobushki“ und „Barabushki“ stehen seit 70 Jahren auf der Bühne. Kein Tanz, sondern ein Tanz. Eifrig und mutig.

Orenburger Volkschor

Daunenschal als Teil eines Bühnenkostüms. Flauschige Spitze verflochten mit Volksliedern und im Reigen – als Teil des Lebens der Orenburger Kosaken. Das Team wurde 1958 gegründet, um die einzigartige Kultur und Rituale zu bewahren, die „am Rande der riesigen Rus, an den Ufern des Urals“ existieren. Jeder Auftritt ist wie ein Auftritt. Sie spielen nicht nur die Lieder, die die Menschen komponiert haben. Sogar die Tänze haben eine literarische Grundlage. „When the Cossacks Cry“ ist eine choreografische Komposition, die auf einer Geschichte von Michail Scholochow aus dem Leben der Dorfbewohner basiert. Allerdings hat jedes Lied oder jeder Tanz seine eigene Geschichte.

Nordrussischer Volkschor – die Seele der Region des Weißen Meeres

Archangelsk Pomoren sind die Nachkommen der alten Nowgoroder, die diese Region in der Antike besiedelten. Ihre Kunst ist noch immer in ihrer Originalität erhalten. Diese einzigartige künstlerische Welt mit ihren eigenen Gesetzen und Schönheitskonzepten. Gleichzeitig kommen in den Liedern und Tänzen des Nordens deutlich der Humor, die Begeisterung und das innere Temperament der Pomoren zum Ausdruck. Die nordische Liedkunst ist etwas Besonderes, sie zeichnet sich durch strengen Stil, keusche Reinheit und Zurückhaltung aus, all dies wird mit einem mutigen epischen und willensstarken Prinzip kombiniert.
Der Nordchor wird zu Recht als Perle der russischen Kultur bezeichnet. In den 85 Jahren seines Bestehens hat es seine Rolle nie verändert. Jede Aufführung ist eine besondere künstlerische Welt und eine helle dynamische Aufführung: große Handlungsinszenierungen, Gesangs- und choreografische Kompositionen, Gemälde Nationalfeiertage. In der Liedpolyphonie des Chores sind alle Klangnuancen der nördlichen Natur zu hören: das nachdenkliche Reden der Taiga, die sanfte Keuschheit der Flüsse, die hallende Tiefe des Ozeans und das durchsichtige Zittern der weißen Nächte.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA – Gründerin und künstlerische Leiterin des Staatlichen Akademischen Nordrussischen Volkschors (1926 – 1960), Volkskünstlerin der RSFSR, Verdiente Künstlerin der RSFSR, Trägerin des Staatspreises der UdSSR

„Wer sein Heimatlied nicht liebt, liebt auch seine Einheimischen nicht!“(A.Ya. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) wurde 1890 im Dorf Zhilino, nicht weit von der antiken Stadt Weliki Ustjug, geboren.
Im Jahr 1909 schloss Kolotilova ihr Studium in Weliki Ustjug mit Auszeichnung ab Frauengymnasium und ging als Lehrer an eine ländliche Schule im Dorf Pelyaginets, Bezirk Nikolsky, Provinz Wologda. In diesem Dorf begann Antonina Kolotilova, sich beruflich für Folklore zu interessieren. Sie beobachtete immer mit Interesse nordische Rituale, lauschte Liedern, lernte zu klagen und sich zu erheben und lernte die Art und Weise kennen, wie sich Mädchen und Frauen in Rundtänzen, Quadrillen und Verbeugungen bewegen.
Kolotilova, geboren und aufgewachsen im Norden Russlands, liebte ihr Heimatland zutiefst, insbesondere die weiten Wasserwiesen zur Zeit der Grasblüte.
1914 heiratete Antonina Jakowlewna und zog nach Nikolsk. Dort arbeitet sie als Lehrerin an einer öffentlichen Schule und sammelt und nimmt weiterhin lokale Lieder, Geschichten und Liedchen auf. Angeborenes künstlerisches Talent half dem jungen Mädchen, die Kultur und den Aufführungsstil leicht zu meistern.
Nach 5 Jahren zogen die Kolotilovs nach Weliki Ustjug. In dieser alten russischen Stadt im Norden beginnt die Geschichte Nordchor. Hier organisiert Antonina Yakovlevna ein Amateur-Frauenensemble, das in Clubs und wenig später bei einem in der Stadt eröffneten Radiosender auftritt. Es muss gesagt werden, dass die ersten Mitglieder des Teams größtenteils Hausfrauen waren. Sie kamen problemlos zu ihr in die Wohnung, organisierten gemeinsame Gesangsstunden und studierten die Lieder ein, die sie interessierten. Die Konzerte der jungen Chorsänger waren bei den Zuhörern beliebt und auch Radioauftritte machten die Gruppe sehr beliebt. Kolotilovas Laienchor bestand damals aus etwa 15 Personen.

„Antonina Jakowlewna hat die Liebe des Volkes und den Ruhm ihrer selbst völlig verdient, denn sie hat all ihre Kraft und Gedanken, ihre unerschöpfliche Energie und die Leidenschaft ihrer Seele dem Volksgesang und dem von ihr gegründeten Chor gewidmet... Wenn diese wundervolle Frau nicht gewesen wäre Auf der Welt hätte es unseren nordrussischen Volkschor nicht gegeben!(Nina Konstantinowna Meschko)

Geburt des Nordchors

1922 traf Antonina Jakowlewna in Moskau in einem Aufnahmestudio Mitrofan Pjatnizki. Es war dieses Treffen, das für Kolotilova bedeutsam wurde. Die Bekanntschaft mit der Arbeit von Pjatnizkis Chor diente als Anstoß für die Gründung seines eigenen Volkschors mit nordischen Liedern. Am 8. März 1926 trat eine kleine Amateurgruppe zum ersten Mal im Haus der Bildungsarbeiter auf. Dieser Tag wurde zum Geburtstag des Nordrussischen Volkschors.
Zunächst war der Chor ethnographisch geprägt, doch dann erforderten die Bedingungen des Bühnenlebens eine organisatorische und gestalterische Umstrukturierung: eine Tanzgruppe, Akkordeonspieler. Im Jahr 1952 wurde durch die Bemühungen des Komponisten V.A. eine Orchestergruppe als Teil des Chores gegründet. Laptew.
Das Team bestand damals nur aus 12 Sängern. Die Kostüme waren die Outfits von Müttern und Großmüttern – echte Bauern-Sommerkleider und Blusen. Die ersten Akkordeonisten waren die Tryapitsyn-Brüder Boris und Dmitry sowie Antonina Yakovlevnas jüngerer Bruder Valery Sherstkov. Teile wurden bei den Proben aus der Stimme gelernt künstlerischer Leiter. Antonina Yakovlevna zeigte nicht nur, wie man singt, sondern auch, wie man sich auf der Bühne richtig bewegt, verbeugt und verhält.
Der neu gegründete Chor wurde bei den Unternehmungen der Stadt stets herzlich willkommen geheißen Bildungsinstitutionen, umliegende Dörfer. Der Status einer Amateurgruppe hinderte Kolotilova nicht daran, ernsthaft zu arbeiten, das Lied des Nordens mit Sorgfalt zu behandeln und die Art seiner Darbietung genau wiederzugeben! Sie hat diese Anforderungen auch in Zukunft nie geändert. In den ersten Jahren führte der Chor hauptsächlich alte Volkslieder auf, die die Sängerinnen – ehemalige Bäuerinnen, Ureinwohner des Nordens – seit ihrer Kindheit kannten und nicht nur über darstellerische Fähigkeiten, sondern auch über einen volkstümlichen Improvisationsstil verfügten. Nicht umsonst galt der Nordchor viele Jahre lang als der ethnographisch zuverlässigste, in seiner Schaffenslinie konsequenteste, die Traditionen des Nordliedes bewahrende, und die Sänger des Chores zeichneten sich seit jeher durch ihre Fähigkeit aus, in die Tiefen einzudringen ein musikalisches Bild und verkörpern es in einzigartiger Schönheit.
1931 organisierte Kolotilova in Archangelsk einen Chor in größerem Umfang, sowohl hinsichtlich der Teilnehmerzahl als auch hinsichtlich des Umfangs des Repertoires. Zu den Konzertprogrammen gehören Lieder aus Pinega und Nordpommern sowie vielfältige Tänze und Alltagsszenen. Reichste Musikalisches Material Kolotilova sammelt es selbst bei Reisen in verschiedene Gebiete der Region Archangelsk. Gleichzeitig wurden Kostüme für die Chormitglieder angeschafft.
Im Jahr 1935 traf Antonina Jakowlewna auf einer Reise durch Pommern die berühmte Geschichtenerzählerin Marfa Semjonowna Krjukowa. Kolotilova sorgte dafür, dass Kryukova am ersten All-Union Radio Festival (1936) teilnahm. Anschließend reiste Marfa Kryukova mit dem Nordchor nach Moskau, wo sie zusammen mit Antonina Jakowlewna an den ersten Erzählungen arbeitete.
Zu den Programmen des Chores gehörten neben Epen stets auch heitere, tänzerische, komische Possenreißerlieder, die aus der Kunst der umherziehenden Possenreißer entstanden, und langgezogene lyrische Lieder, die die Sänger berührend und gefühlvoll vortrugen.
Während des Krieges gab die Gruppe viele Konzerte. Wir bewegten uns in beheizten Fahrzeugen, lebten von der Hand in den Mund, bekamen nicht genug Schlaf und flohen immer wieder vor Bombenangriffen. Wir gingen zur Nordflotte, nach Murmansk, in die Arktis, zur Karelisch-Finnischen Front und zum Ural. 1944 reisten wir für sechs Monate nach Fernost.

Antonina Kolotilova: „Ich liebe meine Heimat Norden und singe Lieder dazu!“

Bis 1960 blieb Antonina Jakowlewna künstlerische Leiterin der Gruppe. Alle Jahre von Kolotilovas Schaffen waren erfüllt von unermüdlicher, harter Arbeit und kreativer Leidenschaft, dem aufrichtigen Wunsch, die Tiefe der Originalität und Schönheit der Volkskunst des Northern Territory zu bewahren und den Zeitgenossen zu vermitteln, und einer ständigen Suche nach neuen Bühnenformen und Auftritten bedeutet. Kolotilovas Leben war eine wahre kreative Leistung und die Traditionen, die sie begründete, sind im Team lebendig.

Quelle: Prominente Wologdaer: Biografische Skizzen/
Ed. Rat „Wologda-Enzyklopädie“ – Wologda:
VSPU, Verlag "Rus", 2005. - 568 S. - ISBN 5-87822-271-X

Im Jahr 1960 übergab die Volkskünstlerin der RSFSR und Staatspreisträgerin Antonina Jakowlewna Kolotilowa die Leitung der Gruppe an einen Absolventen des Moskauer Staatlichen Tschaikowsky-Konservatoriums. erfahrener Lehrer und Chorleiterin Nina Konstantinovna Meshko. Die neue Periode im Leben der Gruppe ist durch das Wachstum der Professionalität und der Bühnenkultur gekennzeichnet.

Nina Konstantinovna Meshko – Volkskünstlerin der UdSSR, Preisträgerin des nach Glinka benannten Staatspreises der RSFSR, künstlerische Leiterin des Nördlichen Volkschors von 1960 bis 2008, Akademikerin der IAU, Professorin der Abteilung der Russischen Musikakademie. Gnessins

„Die Menschen verlassen sich auf ihre traditionelle, indigene Kultur!“(Nina Meshko)

Nina Meshko wurde 1917 im Dorf Malakhovo, Bezirk Rzhevsky, Region Twer, in eine Lehrerfamilie geboren, in der sie Lieder liebten. Meine Mutter, Alexandra Wassiljewna, hatte eine wundervolle Stimme und mein Vater, Konstantin Iwanowitsch, leitete nicht nur den Schulchor, sondern sang auch gern in der örtlichen Kirche.

Aus den Memoiren von N.K. Mieszko: „Ich kann mich nicht erinnern, wie alt ich war, vielleicht sogar weniger als ein Jahr … Ich war in einen Flaumschal gehüllt und jemand hielt mich in den Armen. In der Küche saßen die Leute um einen großen Holztisch und alle sangen. Und gleichzeitig erlebte ich eine völlig unerklärliche Glückseligkeit ...“

Die kleine Nina beherrschte selbstständig das Klavierspielen, studierte grundlegende Musiktheorie und Solfeggio. Und sie war so fasziniert von der Welt der Musik, dass sie beschloss: nur Musik und sonst nichts! Und deshalb betritt Nina Meshko zweifellos die nach der Oktoberrevolution benannte Musikschule und tritt nach ihrem Abschluss in die Dirigenten- und Chorabteilung des Moskauer Konservatoriums ein. Dort hörte Nina Konstantinowna zum ersten Mal den Nordchor. Er machte einen sehr starken Eindruck auf sie.
Und dann wurde Nina Meshko angeboten, einen Volkschor der Region Moskau zu gründen. Nach dieser Arbeit entschied sich Nina Konstantinowna endgültig: nur Volksgesang und mehr nicht.

Aus den Memoiren von N.K. Mieszko: „Eine Art Obsession brach buchstäblich in mir ein, die Volkskultur des Gesangs wiederzubeleben. Weil sie die Größte war! Das ist so eine Fähigkeit! Die Aufzeichnungen, insbesondere die nördlichen, sprechen darüber.“

Nach dem Moskauer Chor arbeitete Nina Meshko mit dem Russischen Volksliedchor des All-Union Radio zusammen, und dann folgte eine Einladung, den Nordchor zu leiten. Der Norden eroberte sie und ließ sie sich in ihn verlieben.

Aus den Memoiren von N.K. Mieszko: „Menschen, die die Kultur des Singens wunderbar beherrschen und über schöne, flexible und freie Stimmen verfügen, können ein Lied auf die Art und Weise vortragen, wie sie es im Norden tun.“

Fast 50 Jahre lang leitete Nina Konstantinovna Meshko den Akademischen Nordrussischen Volkschor, der nicht nur in Russland, sondern weit über seine Grenzen hinaus bekannt ist. Diesen Staffelstab übernahm sie von ihrer Lehrerin Antonina Kolotilova. Unter Nina Meshko wurde der Chor Preisträger verschiedener internationaler Wettbewerbe. Meshko war der Gründer der Gnessin School of Folk Singing. Die Mieszko-Schule hat eine ganze Galaxie von Lehrern, Chorleitern und Volksliedsängern ausgebildet. Unter ihnen sind Tatyana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov und viele andere. Lyudmila Zykina betrachtete sie als ihre Lehrerin. Mieszko entwickelte ihre eigene Chortechnik, das heute von ihren vielen Schülern genutzt wird.

Aus den Memoiren von N.K. Mieszko: „Die Gesangskunst ist eine Chronik des Lebens des gesamten russischen Volkes. Es ist einzigartig, ungewöhnlich reichhaltig, so wie die russische Sprache unübertroffen reichhaltig ist. Und dann ist es lebendig, entwickelt sich ständig weiter, erneuert sich, wird aus der Asche wiedergeboren ... Die Menschen verlassen sich auf ihre traditionelle, indigene Kultur.“

Geständnis

Vergib mir, vergib mir, Herr,
Für das, was ich nicht tun konnte
Und in der Hektik der Tagessorgen
Ich hatte keine Zeit, meine Schulden zu begleichen.
Ich hatte keine Zeit zu geben
Ein Blick für jemanden, eine Liebkosung für jemanden,
Einige linderten den Schmerz nicht,
Ich habe den anderen die Geschichte nicht erzählt.
Vor Angehörigen in einer traurigen Stunde
Habe es nicht bereut
Und mehr als einmal in der Tasche eines Bettlers
Sie gab keine Almosen.
Oft liebevolle Freunde
Ich beleidige mich unfreiwillig,
Und wenn ich die Sorgen anderer sehe,
Ich laufe vor dem Leiden davon.
Ich stürze gierig in den Himmel,
Doch die Last der Sorgen bringt mich zu Boden.
Ich möchte dir ein Stück Brot geben -
Und ich vergesse es auf dem Tisch.
Ich weiß alles, was ich sollte
Aber sie hat den Bund nicht erfüllt...
Willst du mir vergeben, Herr,
Für alles, für alles, für alles dafür?

N. Meshko

Irina Lyskova,
Pressesprecher des Northern Choir

Die Originalität des Repertoires und die Aufmerksamkeit für den Liederreichtum der Region

Spitzengruppe des Teams - Frauenchor fesselt den Zuhörer mit seinem einzigartigen Timbre, der Schönheit origineller Gesänge und der Reinheit des Klangs der A-cappella-Frauenstimmen. Der Chor pflegt die Kontinuität der Gesangstradition. Der Northern Choir, der sich durch seine hohe Gesangskultur und einzigartige Identität auszeichnet, pflegt konsequent Traditionen und den Vorrang hoher Spiritualität bei der Aufführung.
Besondere Aufmerksamkeit verdienen die Kostüme des Nordchors. Sie wurden von professionellen Kostümbildnern auf der Grundlage der besten Muster aus Museumssammlungen in Archangelsk, Moskau und St. Petersburg entworfen und repräsentieren ein kollektives Bild der russischen Nationaltracht der Nordländer. Während des Konzerts wechseln die Künstler mehrmals die Kostüme – sie treten vor dem Publikum in festlichen, alltäglichen oder stilisierten Kostümen auf, die speziell für die Konzertnummern kreiert wurden.
Die Gruppe besteht aus drei Gruppen – einer Chorgruppe, einer Tanzgruppe und einem Orchester mit russischen Volksinstrumenten. Bereits 1952 wurde durch die Bemühungen des Komponisten V.A. eine Orchestergruppe als Teil des Chores gegründet. Laptew. Der Klang der russischen Volksinstrumente des Orchesters ist von erstaunlicher Aufrichtigkeit und Wärme. Die Originalität des Repertoires und die Aufmerksamkeit für den Liederreichtum der Region, Modernität und hohes Leistungsniveau bescheren dem Chor den wohlverdienten Erfolg!
Die Aufmerksamkeit des Zuschauers wird ständig auf die Bühne gelenkt: Fröhliche Possenreißer wechseln sich mit lyrischen Nachklang ab, schwungvolle Quadrillen ersetzen behäbige Reigentänze, A-cappella-Gesang wechselt mit musikalischen Werken.
Der Northern Choir legt besonderen Wert auf die Bildung seiner Zuhörer und Zuschauer, weshalb viele seiner Programme Kindern, Jugendlichen und Studenten gewidmet sind. Der Chor setzt seine Konzerttätigkeit in Russland und im Ausland aktiv fort.
1957 wurde das Team Preisträger des Jugend- und Studentenfestivals in Moskau. Diese Veranstaltung ebnete dem Chor den Weg ins Ausland. Hat begonnen neue Bühne Um in den Aktivitäten des Kollektivs Anerkennung im Ausland zu erlangen, muss der Chor etwas Besonderes sein.
Seit 1959 besuchte der Chor Polen, Bulgarien, Frankreich, Deutschland, Italien, China, Indien, Afghanistan, Japan, Tunesien und die USA. Das Team reiste mehrmals mit Konzerten nach Finnland und besuchte Schweden und Norwegen. Gemeinsam mit dem Folklore-Tanzensemble „Rimpparemmi“ in Finnland (Rovaniemi) das Programm „Arctic Rhapsody“ vorbereitet. Er arbeitete 2004 und 2007 in Damaskus (Syrien), wo im russisch-syrischen Zentrum die Tage Russlands stattfanden. Im Jahr 2005 wurde das Team vom Museumsverein der Stadt Varde (Norwegen) eingeladen, um das Stadtjubiläum zu feiern. Im Herbst 2005 nimmt das Team am Festival der russischen Kultur und Kinematographie in Nizza teil. „Die Künstler – Nordländer aus Russland – berührten die intimsten Winkel der französischen Seele und erhielten eine starke emotionale Reaktion. Das Publikum ließ die Künstler lange Zeit nicht los und applaudierte mit Tränen in den Augen. Das ist ein Triumph der russischen nationalen Volkskunst!“ – so bewerteten französische Medien die Auftritte des Chores. Im Jahr 2007 wurde der Nordchor offiziell vom syrischen Kulturministerium, der Repräsentanz von Roszarubezhtsentr in der Arabischen Republik Syrien und dem Russischen Kulturzentrum in Damaskus zum Volksfest in Bosra eingeladen.
Der Nordchor nimmt regelmäßig an großen Veranstaltungen in Russland teil, so dass die Gruppe im Frühjahr 2004 daran teilnahm Osterfest in Moskau, 2005, zusammen mit dem Verdienten Künstler Russlands, Schüler von N.K. Meshko T. Petrova und das nach N.P. benannte Nationale Akademische Orchester für Volksinstrumente Russlands. Osipova nahm an den Feierlichkeiten zum 250-jährigen Jubiläum der Moskauer Staatsuniversität teil.
Der Northern Choir kombiniert erfolgreich die Originalmusik moderner Komponisten mit traditionellen Volksmelodien und erreicht so im Auftritt der Künstler Bühnenwahrheit und nordisches Flair. Das Repertoire des Chores umfasst Lieder nach Gedichten von: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Wassiljewa, Alexander Prokofjew, Viktor Bokow, den Archangelsker Dichtern Dmitri Uschakow und Nikolai Schurawlew sowie Oleg Dumanski.

Auszeichnungen und Titel des Nordchores

Während meines 85. Lebensjahres kreatives Leben Das Team wurde mit hohen Titeln und Auszeichnungen ausgezeichnet.

1940
Der Mannschaft wurde der Status einer professionellen Landesmannschaft verliehen.

1944
1. Preis beim Allrussischen Chorwettbewerb (Moskau)

1957
Preisträger und Groß Goldene Medaille VI Weltfest Jugend und Studenten (Moskau).
Preisträger und Diplom 1. Grades (Sekundarstufe) beim Zweiten All-Union-Festival für Musiktheater, Ensembles und Chöre (Moskau).

1967
Diplom der All-Union Review of Professional Artistic Groups.

1971
Preisträger des VI. Internationalen Folklorefestivals in Tunesien.

1975
Preisträger und Diplom 1. Grades beim Allrussischen Wettbewerb professioneller russischer Volkschöre.

1976
Auf Anordnung des Kulturministers wurde ihm der Titel „Akademiker“ verliehen.

1977
Preisträger und Goldmedaille des Magdeburger Festivals der Sowjetisch-Deutschen Freundschaft.
Preisträger des russischen Kunstgruppenwettbewerbs.

1999
Preisträger des IV. Festivals „Volksfrühling“ und des 1. Allrussischen Festivals der Nationalkultur.

Jahr 2001
Preisträger des Internationalen Folklorefestivals in Saint-Ghislain (Belgien).

2002
Preisträger des Internationalen Folklorefestivals in Rovaniemi (Finnland).
Preisträger des Allrussischen Moskauer Festivals nationale Kulturen.

2003
Preisträger des Russischen Festivals der Nationalkulturen (St. Petersburg).
Preisträger des Kongresses und Festivals der Nationalkulturen der Völker Russlands (Nischni Nowgorod).

2007
Preisträger des Volkskunstfestivals in Bosra (Arabische Republik Syrien).

2010
Preisträger des I. Allrussischen Festivals der Volksgesangskunst „Ewige Ursprünge“ (Moskau).

2011
Am 8. März feierte das Konzertprogramm „Northern Choir for All Seasons“ das 85-jährige Jubiläum des Northern Choir.
Dem Nordchor wurde der Status „Besonders wertvolles Objekt des Kulturerbes der Region Archangelsk“ verliehen.
Preisträger des Internationalen Weihnachtsfestivals in Italien. Im Rahmen des Wettbewerbs erhielt das Team zwei Golddiplome in den Nominierungen „Bühnenfolklore“ und „Geistlicher Gesang“.

Jahr 2012
Preisträger des Festivals der professionellen Chöre „Slawischer Rundtanz“ (Rjasan).
Organisator des II. Allrussischen Gedenkfestivals Volkskünstler UdSSR, künstlerische Leiterin der Gruppe Nina Konstantinovna Meshko.

Leiter des Nordchors

Chorleiter: Natalya GeorgievnaAsadchik.

Künstlerischer Leiter: Verdiente Künstlerin Russlands, Professorin der Gnessin-Musikakademie Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Chefdirigent: Verdienter Künstler Russlands Alexander Michailowitsch Katschaew.

Chefchoreograf: Verdienter Künstler Russlands Alexander Petrowitsch Selivanow.