Debussy. „Bergamas Suite“

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✪ CLAUDE DEBUSSY – PRÄLUDES

Untertitel

Biographie

Debussy vor dem Impressionismus

Debussy begann erst im Dezember 1880 systematisch Komposition zu studieren, bei Professor Ernest Guiraud, Mitglied der Akademie der Schönen Künste. Sechs Monate vor seinem Eintritt in Guirauds Klasse reiste Debussy als Heimpianist und Musiklehrer in der Familie der wohlhabenden russischen Philanthropin Nadezhda von Meck durch die Schweiz und Italien. Debussy verbrachte die Sommer 1881 und 1882 in der Nähe von Moskau auf ihrem Anwesen Pleschtschejewo. Die Kommunikation mit der Familie von Meck und der Aufenthalt in Russland wirkten sich positiv auf die Entwicklung des jungen Musikers aus. In ihrem Haus lernte Debussy die neue russische Musik von Tschaikowsky, Borodin, Balakirew und ihnen nahestehenden Komponisten kennen. In mehreren Briefen von Mecks an Tschaikowsky wurde manchmal ein gewisser „lieber Franzose“ erwähnt, der mit Bewunderung über seine Musik sprach und hervorragend Partituren las. Zusammen mit von Meck besuchte Debussy außerdem Florenz, Venedig, Rom, Moskau und Wien, wo er zum ersten Mal das Musikdrama „Tristan und Isolde“ hörte, das gut zehn Jahre lang zum Gegenstand seiner Bewunderung und sogar Verehrung wurde. Diesen ebenso angenehmen wie einträglichen Beruf verlor der junge Musiker aufgrund einer unerwartet entdeckten Liebe zu einer der zahlreichen Töchter von Mecks.

Nach Paris zurückgekehrt, wurde Debussy auf der Suche nach Arbeit Begleiter im Gesangsstudio von Madame Moreau-Senty, wo er die wohlhabende Amateursängerin und Musikliebhaberin Madame Vanier kennenlernte. Sie erweiterte seinen Bekanntenkreis erheblich und führte Claude Debussy in die Kreise der Pariser Künstlerboheme ein. Für Vanier komponierte Debussy mehrere exquisite Romanzen, darunter Meisterwerke wie „Mandoline“ und „Mutely“.

Gleichzeitig setzte Debussy sein Studium am Konservatorium fort und versuchte, auch bei seinen Kollegen, akademischen Musikern, Anerkennung und Erfolg zu erlangen. 1883 erhielt Debussy für seine Kantate Gladiator seinen zweiten Prix de Rome. Damit nicht genug, setzte er seine Bemühungen in dieser Richtung fort und erhielt ein Jahr später, 1884, den Grand Prix de Rome für die Kantate. Verlorener Sohn"(Französisch: L'Enfant prodigue). Dies geschah auf ebenso seltsame wie rührende wie unerwartete Weise dank des persönlichen Eingreifens und der wohlwollenden Unterstützung von Charles Gounod. Sonst hätte Debussy diese Papp-Berufskrone aller Akademiker aus der Musik wahrscheinlich nicht erhalten - „dieses einzigartige Ursprungs-, Aufklärungs- und Echtheitszertifikat ersten Grades“, wie Debussy und sein Freund Erik Satie später untereinander scherzhaft den Prix de Rome nannten.

Die Römerzeit wurde für den Komponisten nicht besonders fruchtbar, da ihm weder Rom noch italienische Musik nahe standen, doch hier lernte er die Poesie der Präraffaeliten kennen und begann, ein Gedicht für Stimme und Orchester „Die auserwählte Jungfrau“ zu komponieren “ (Französisch La damoiselle élue) mit Worten Gabriel Rossetti ist das erste Werk, in dem die Merkmale seiner kreativen Individualität dargelegt wurden. Nachdem er die ersten Monate in der Villa Medici verbracht hatte, schickte Debussy seinen ersten römischen Brief nach Paris – die symphonische Ode „Suleima“ (nach Heine) und ein Jahr später – eine zweiteilige Suite für Orchester und Chor ohne Worte „Der Frühling“. (nach dem berühmten Gemälde von Botticelli) und verursachte das Berüchtigte offizielle Rezension Akademien:

„Zweifellos sündigt Debussy nicht mit flachen Wendungen und Banalität. Im Gegenteil zeichnet ihn der deutlich zum Ausdruck gebrachte Wunsch aus, nach etwas Fremdem und Ungewöhnlichem zu suchen. Er zeigt ein übermäßiges Gespür für musikalische Farben, das ihn manchmal die Bedeutung der Klarheit von Design und Form vergessen lässt. Er muss sich besonders vor dem vagen Impressionismus hüten, einem so gefährlichen Feind der Wahrheit in Kunstwerken.

Diese Rezension zeichnet sich vor allem dadurch aus, dass sie trotz aller wissenschaftlichen Trägheit des Inhalts grundsätzlich zutiefst innovativ ist. Dieses Papier aus dem Jahr 1886 ging als erste Erwähnung des „Impressionismus“ in Bezug auf Musik in die Geschichte ein. Besonders hervorzuheben ist, dass der Impressionismus zu dieser Zeit als künstlerische Strömung in der Malerei vollständig ausgebildet war, in der Musik (einschließlich Debussy selbst) jedoch nicht nur nicht existierte, sondern noch nicht einmal geplant war. Debussy stand erst am Anfang seiner Suche nach einem neuen Stil, und die verängstigten Akademiker erkannten mit der sorgfältig gereinigten Stimmgabel ihrer Ohren die künftige Richtung seiner Bewegung – und warnten ihn ängstlich. Debussy selbst sprach mit ziemlich bissiger Ironie über seine „Zuleima“: „Sie erinnert zu sehr an Verdi oder Meyerbeer“...

Das wichtigste Ereignis dieser Zeit war jedoch vielleicht eine unerwartete Bekanntschaft im Jahr 1891 mit dem Pianisten der Taverne in Clou (französisch Auberge du Clou) in Montmartre, Eric Satie, der die Position des zweiten Pianisten innehatte. Debussy war zunächst von den harmonisch frischen und ungewöhnlichen Improvisationen des Café-Begleiters angezogen, dann von seinen Urteilen über Musik, frei von Stereotypen, Originalität des Denkens, unabhängigem, rauem Charakter und bissigem Witz, die keine Autoritäten verschonten. Außerdem interessierte Satie Debussy mit seinen innovativen Klavier- und Gesangskompositionen, die er mit kühner, wenn auch nicht ganz professioneller Handschrift schrieb. Die unruhige Freundschaft und Feindschaft dieser beiden Komponisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts das Gesicht der französischen Musik bestimmten, hielt fast ein Vierteljahrhundert an. Dreißig Jahre später beschrieb Erik Satie ihr Treffen wie folgt:

„Als wir uns das erste Mal trafen,<…>Er war wie ein Löscher, der von Mussorgski völlig durchtränkt war und mühsam nach seinem Weg suchte, den er nicht finden und finden konnte. Darin übertraf ich ihn bei weitem: Weder der Preis von Rom... noch die „Preise“ anderer Städte dieser Welt belasteten meinen Gang, und ich musste sie weder auf mich noch auf meinen Rücken schleppen ...<…>In diesem Moment schrieb ich „Son of the Stars“ – nach dem Text von Joseph Péladan; und Debussy erklärte mehrfach die Notwendigkeit für uns Franzosen, uns endlich vom überwältigenden Einfluss Wagners zu befreien, der völlig im Widerspruch zu unseren natürlichen Neigungen steht. Aber gleichzeitig machte ich ihm klar, dass ich überhaupt kein Anti-Wagnerist war. Die einzige Frage war, dass wir unsere eigene Musik haben sollten – und zwar möglichst ohne deutsches Sauerkraut.
Aber warum nicht dieselben für diese Zwecke verwenden? visuelle Mittel, die wir schon seit langem bei Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec und anderen sehen? Warum diese Mittel nicht in die Musik investieren? Nichts könnte einfacher sein. Ist das nicht wahre Ausdruckskraft?“

Nachdem er die Komposition der Oper „Rodrigue und Ximena“ zugunsten des Librettos aufgegeben hatte (in Saties Worten) „dieser erbärmliche Wagnerist Catulle Mendes“ 1893 begann Debussy mit dem langwierigen Prozess der Komposition einer Oper auf der Grundlage von Maeterlincks Drama Pelléas et Mélisande. Und ein Jahr später schrieb Debussy, aufrichtig inspiriert von Mallarmés Ekloge, das symphonische Präludium „ Nachmittagsruhe Faun“ (fr. Prélude à l’Après-midi d’un faune), das zu einer Art Manifest einer neuen Musikrichtung werden sollte: dem Impressionismus in der Musik.

Schaffung

Den Rest seines Lebens hatte Debussy mit Krankheit und Armut zu kämpfen, doch er arbeitete unermüdlich und sehr fruchtbar. Ab 1901 erschien er in Zeitschriften mit witzigen Rezensionen zu den Ereignissen des aktuellen Musiklebens (nach dem Tod von Debussy wurden sie in der 1921 erschienenen Sammlung Monsieur Croche – antidilettante gesammelt). Die meisten seiner Klavierwerke erschienen im gleichen Zeitraum.

Den beiden Bilderserien (1905–1907) folgte die Children’s Corner-Suite (1906–1908), die der Tochter des Komponisten, Shushu, gewidmet war.

Debussy unternahm mehrere Konzertreisen, um für den Lebensunterhalt seiner Familie zu sorgen. Er dirigierte seine Werke in England, Italien, Russland und anderen Ländern. Zwei Notizbücher mit Präludien für Klavier (1910-1913) zeigen die Entwicklung des einzigartigen Klangs und der visuellen Komposition, die für den Klavierstil des Komponisten charakteristisch sind. 1911 schrieb er Musik für Gabriele d'Annunzios Mysterium Das Martyrium des Heiligen Sebastian und fertigte die Partitur nach seinen Angaben an Französischer Komponist und Dirigent A. Kaple. 1912 erschien der Orchesterzyklus Bilder. Debussy fühlte sich schon lange zum Ballett hingezogen und komponierte 1913 die Musik für das Ballett „Games“, das von Sergej Pawlowitsch Diaghilews Ensemble „Russische Jahreszeiten“ in Paris und London aufgeführt wurde. Im selben Jahr begann der Komponist mit der Arbeit am Kinderballett „Toy Box“, dessen Instrumentierung nach dem Tod des Autors von Kaple fertiggestellt wurde. Diese rege schöpferische Tätigkeit wurde durch den Ersten Weltkrieg vorübergehend eingestellt, war aber bereits 1915 zahlreich Klavierwerke, darunter zwölf Etüden zum Gedenken an Chopin. Debussy begann eine Reihe von Kammersonaten, die sich gewissermaßen am Stil der Franzosen orientierten Instrumentalmusik XVII-XVIII Jahrhundert. Es gelang ihm, drei Sonaten aus diesem Zyklus zu vollenden: für Cello und Klavier (1915), für Flöte, Bratsche und Harfe (1915), für Violine und Klavier (1917). Debussy erhielt von Giulio Gatti-Casazza von der Metropolitan Opera einen Auftrag für eine Oper nach Edgar Allan Poes Erzählung „Der Untergang des Hauses Usher“, an der er bereits in seiner Jugend zu arbeiten begann. Er hatte immer noch genug Kraft, das Opernlibretto neu zu verfassen.

Essays

Ein vollständiger Katalog von Debussys Werken wurde von François Lesure zusammengestellt (Genf, 1977; Neuauflage: 2001).

Opern

Pelléas und Mélisande (1893–1895, 1898, 1900–1902)

Ballette

Kamma (1910-1912)
Spiele (1912-1913)
Spielzeugkiste (1913)

Werke für Orchester

Symphonie (1880-1881)
Suite „Der Triumph des Bacchus“ (1882)
Suite „Frühling“ für Frauenchor und Orchester (1887)
Fantasie für Klavier und Orchester (1889-1896)
Präludium „Nachmittag eines Fauns“ (1891-1894). Es gibt auch eine Originalbearbeitung für zwei Klaviere aus dem Jahr 1895.
„Nocturnes“ – Software symphonisches Werk, darunter 3 Stücke: „Wolken“, „Feierlichkeiten“, „Sirenen“ (1897-1899)
Rhapsodie für Altsaxophon und Orchester (1901-1908)
„Das Meer“, drei symphonische Skizzen (1903-1905). Es gibt auch eine Originalbearbeitung für Klavier zu vier Händen aus dem Jahr 1905.
Zwei Tänze für Harfe und Streicher (1904). Es gibt auch eine Originalbearbeitung für zwei Klaviere aus dem Jahr 1904.
„Bilder“ (1905-1912)

Kammermusik

Klaviertrio (1880)
Nocturne und Scherzo für Violine und Klavier (1882)
Streichquartett (1893)
Rhapsodie für Klarinette und Klavier (1909-1910)
„Syringa“ für Soloflöte (1913)
Sonate für Cello und Klavier (1915)
Sonate für Flöte, Harfe und Bratsche (1915)
Sonate für Violine und Klavier (1916-1917)

Werke für Klavier

A) für Klavier zu 2 Händen

„Zigeunertanz“ (1880)
Zwei Arabesken (um 1890)
Mazurka (um 1890)
„Träume“ (um 1890)
„Bergamas Suite“ (1890; bearbeitet 1905)
„Romantischer Walzer“ (um 1890)
Nocturne (1892)
„Bilder“, drei Stücke (1894)
Walzer (1894; Notizen verloren)
Stück „Für Klavier“ (1894-1901)
„Bilder“, 1. Theaterreihe (1901–1905)

I. Reflet dans l’eau // Spiegelungen im Wasser
II. Hommage an Rameau // Widmung an Rameau
III.Bewegung // Bewegung

Suite „Drucke“ (1903)

Pagoden
Abend in Grenada
Gärten im Regen

„Insel der Freude“ (1903-1904)
„Masken“ (1903-1904)
Schauspiel (1904; nach einer Skizze zur Oper „Der Teufel im Glockenturm“)
Suite „Kinderecke“ (1906-1908)

Doctor Gradus ad Parnassum // Doctor „Gradus ad Parnassum“ oder Doctor „The Path to Parnassus“. Der Titel ist verbunden mit berühmter Zyklus Clementis Etüden – systematische Übungen zur Erlangung höchster schauspielerischer Fähigkeiten.
Elefantenschlaflied
Ständchen für die Puppe
Schnee tanzt
Kleiner Hirte
Puppenkuchen-Spaziergang

„Bilder“, 2. Theaterreihe (1907)

Cloches à travers les feuilles //Glockenläuten durch das Laubwerk
Et la lune down sur le tempel qui fut //Tempelruinen im Licht des Mondes
Poissons d`or // Goldfisch

„Hommage an Haydn“ (1909)
Präludien. Notizbuch 1 (1910)

Danseuses de Delphes // Delphische Tänzer
Voiles // Segel
Le vent dans la plaine // Der Wind auf der Ebene
Les sons et les parfums tournent dans l’air du soir // Geräusche und Düfte schweben in der Abendluft
Les collines d’Anacapri // Hügel von Anacapri
Des pas sur la neige // Schritte im Schnee
Ce qu’a vu le vent de l’ouest // Was der Westwind sah
La fille aux cheveux de lin // Das Mädchen mit flachsblonden Haaren
La sérénade interrompue // Unterbrochene Serenade
La cathédrale engloutie // Die versunkene Kathedrale
La danse de Puck // Tanz von Puck
Minnesänger // Minnesänger

„Mehr als langsam (Walzer)“ (1910)
Präludien. Notizbuch 2 (1911-1913)

Brouillards // Nebel
Feuilles mortes // Abgestorbene Blätter
La puerta del vino // Tor der Alhambra [traditionelle Übersetzung]
Les fées sont d’exquises danseuses // Feen – schöne Tänzerinnen
Bruyères // Heather
General Levine – Exzentriker // General Levine (Lyavin) – Exzentriker
La Terrasse des Audiences du Clair de Lune // Dattelterrasse bei Mondschein (Terrasse, beleuchtet Mondlicht)
Ondine // Ondine
Hommage und S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // Hommage an S. Pickwick, Esq.
Baldachin // Baldachin
Les tierces alternées // Abwechselnde Terzen
Feux d'artifice // Feuerwerk

„Heroisches Wiegenlied“ (1914)
Elegie (1915)
„Etüden“, zwei Theaterbücher (1915)

B) für Klavier zu 4 Händen

Andante (1881; unveröffentlicht)
Divertimento (1884)
„Kleine Suite“ (1886-1889)
„Sechs antike Inschriften“ (1914). Es gibt das Arrangement des Autors des letzten der sechs Stücke für Klavier zu zwei Händen aus dem Jahr 1914.

B) für 2 Klaviere

„Schwarz und Weiß“, drei Stücke (1915)

Adaptionen fremder Werke

Zwei Gymnopädien (1. und 3.) von E. Satie für Orchester (1896)
Drei Tänze aus P. Tschaikowskys Ballett „Schwanensee“ für Klavier zu 4 Händen (1880)
„Einleitung und Rondo Capriccioso“ von C. Saint-Saëns für 2 Klaviere (1889)
Zweite Symphonie von C. Saint-Saëns für 2 Klaviere (1890)
Ouvertüre zu R. Wagners Oper „Der fliegende Holländer“ für 2 Klaviere (1890)
„Sechs Etüden in Kanonform“ von R. Schumann für 2 Klaviere (1891)

Skizzen, verlorene Werke, Pläne

Oper „Rodrigo und Ximena“ (1890-1893; nicht fertiggestellt). Rekonstruiert von Richard Langham Smith und Edison Denisov (1993)
Oper „Der Teufel im Glockenturm“ (1902-1912?; Skizzen). Rekonstruiert von Robert Orledge (Premiere 2012)
Oper „Der Untergang des Hauses Usher“ (1908-1917; nicht abgeschlossen). Es gibt mehrere Rekonstruktionen, darunter die von Juan Allende-Blina (1977), Robert Orledge (2004)
Oper „Crimes of Love (Galant Celebrations)“ (1913-1915; Skizzen)
Oper „Salambo“ (1886)
Musik zum Theaterstück „Satans Hochzeit“ (1892)
Oper „Ödipus auf dem Kolonus“ (1894)
Drei Nocturnes für Violine und Orchester (1894-1896)
Ballett „Daphnis und Chloe“ (1895-1897)
Ballett „Aphrodite“ (1896-1897)
Ballett „Orpheus“ (um 1900)
Oper „Wie es euch gefällt“ (1902-1904)
Lyrische Tragödie „Dionysos“ (1904)
Oper „Die Geschichte des Tristan“ (1907-1909)
Oper „Siddhartha“ (1907-1910)
Oper „Oresteia“ (1909)
Ballett „Masken und Bergamasken“ (1910)
Sonate für Oboe, Horn und Cembalo (1915)
Sonate für Klarinette, Fagott, Trompete und Klavier (1915)

Sowjetische Enzyklopädie

Kremlev Yu. Claude Debussy, M., 1965
Sabinina M. Debussy, im Buch Musik des 20. Jahrhunderts, Teil I, Buch. 2, M., 1977
Yarocinsky S. Debussy, Impressionismus und Symbolik, übers. aus Polnisch, M., 1978
Debussy und die Musik des 20. Jahrhunderts. Sa. Art., L., 1983
Denisov E. Über einige Merkmale der Kompositionstechnik von C. Debussy in seinem Buch: Zeitgenössische Musik und Probleme der Computerentwicklung. Technologie, M., 1986
Barraque J. Claude Debussy, R., 1962
Golaa A.S. Debussy, sein Mann und sein Werk, P., 1965
Golaa A.S. Claude Debussy. Komplette Liste der Werke…, P.-Gen., 1983
Lockspeiser E. Debussy, L.-, 1980.
Hendrik Lücke: Mallarmé – Debussy. Eine vergleichende Studie zur Kunstanschauung am Beispiel von „L’Après-midi d’un Faune.“(= Studien zur Musikwissenschaft, Bd. 4). Dr. Kovac, Hamburg 2005, ISBN 3-8300-1685-9.
Denisov E. Zu einigen Merkmalen der Kompositionstechnik von Claude Debussy// Moderne Musik und Probleme der Entwicklung der Kompositionstechnik. - M.: Sowjetischer Komponist, 1986.

Im 19. Jahrhundert. Sein herausragender Pianist Er eröffnete völlig neue, ungenutzte Möglichkeiten im Klavierklang.

Debussys Pianismus ist ein Pianismus mit subtilem, transparentem Klang, murmelnden Passagen, Dominanz der Farben und einer exquisiten Pedaltechnik, die mit der Tonaufnahme verbunden ist. Zeitgenossen bemerkten die gleichen Qualitäten in seinem Spiel, das vor allem durch seinen erstaunlichen Charakter verblüffte Klang: extreme Weichheit, Leichtigkeit, Fließfähigkeit, „streichelnde“ Artikulation, Fehlen von „Schock“-Effekten.

Interesse an Kreativität am Klavier Der Komponist hatte eine Konstante. Die ersten Klavier-„Experimente“ stammen aus den 80er Jahren („Kleine Suite“ zu 4 Händen), neueste Werke bereits während der Kriegsjahre entstanden (1915 - ein Zyklus von 12 Etüden „In Erinnerung an Chopin“, eine Suite für zwei Klaviere „Weiß und Schwarz“). Insgesamt hat Debussy mehr als 80 Werke geschrieben Klavierwerke, von denen die meisten allgemein anerkannte Meisterwerke der pianistischen Weltliteratur sind.

Die Neuheit von Debussys Klavierstil zeigte sich bereits in seinen frühen Werken, besonders deutlich in „Bergamos Suite“ (1890) . Komponist auf neue Basis hier lässt er die Prinzipien der antiken Klaviersuite wieder aufleben: Im „Präludium“, „Menuett“, „Paspier“ sind Merkmale der Cembalomusik des 18. Jahrhunderts erkennbar. Und daneben erscheint erstmals eine impressionistische Nachtlandschaft – „Mondschein“ (Teil 3), das beliebteste Stück dieses Zyklus.

Die überwiegende Mehrheit von Debussys Klavierstücken sind programmatische Miniaturen oder Miniaturzyklen, was auf den Einfluss der Ästhetik des Impressionismus hinweist (großformatige Formen erwiesen sich als unnötig, um flüchtige Eindrücke festzuhalten). In vielen Stücken greift der Komponist auf die Genres Tanz, Marsch, Gesang, verschiedene Formen Volksmusik. Allerdings nimmt die Interpretation von Genreelementen immer einen impressionistischen Charakter an: Es handelt sich nicht um eine direkte Verkörperung, sondern vielmehr um eine direkte Verkörperung skurrile Echos Tanz, Marsch, Volkslied. Ein markantes Beispiel ist „ Abend in Grenada“ aus der Serie „Grafiken“ (1903).

Der Zyklus besteht aus drei Programmstücken, einzigartigen musikalischen „Porträts“ dreier unterschiedlicher Nationalkulturen – China („Pagoden“), Spanien („Abend in Grenada“) und Frankreich („Gärten im Regen“). Jedes hat einen besonderen Charme der modalen Struktur (zum Beispiel ist das gesamte thematische Thema von „Pagoden“ aus der pentatonischen Tonleiter und ihren Bestandteilen – großen Sekunden und Trichorden) entstanden – und der Originalität der Klangfarben (in „Pagoden“ gibt es chinesische Trommeln). , Gongs, javanische Volksinstrumente).

Im Stück „Abend in Grenada“ Es entsteht das Bild eines wunderschönen Sommerabends. Die Hauptelemente ihrer Musik sind Tanzmotive wie Habanera und die Nachahmung des Klangs von Gitarrensaiten. Es scheint, als würde an einem Sommerabend jemand leise spanische Volksmelodien auf einer Gitarre spielen. Der spanische Geschmack ist so lebendig, dass der spanische Komponist Manuel de Falla das Stück bis ins kleinste Detail spanisch nannte ( ein wahres Wunder der Einsicht in das Wesen der Bilder Andalusiens, Wahrheit ohne Authentizität, also ohne Zitat folkloristischer Originale). Es lassen sich drei verschiedene Tanzthemen unterscheiden. Das erste, das die Atmosphäre orientalischer Exotik verkörpert, ist in einem doppelten harmonischen Moll gehalten, das heißt in Moll mit zwei erhöhten Sekunden (wie im Leitmotiv von Carmens tödlicher Leidenschaft). Der lange Klang des dominanten Klangs „cis“ in der oberen „Ebene“ der Klavierstruktur verstärkt die leuchtenden Farben der harmonischen Sprache. Die anderen beiden Themen sind trotz ihrer Originalität nicht so national charakteristisch. Trotz der Tanzbarkeit, die das gesamte Stück durchzieht, handelt es sich nicht um einen Tanz im eigentlichen Sinne.

Debussy sagte, dass der Interpret „vergessen muss, dass das Klavier Hämmer hat“.

Der Name bedeutet in diesem Fall - "Italienisch"

Der bildliche und grafische Begriff „Drucke“ (französisch „estampe“ – Druck, Abdruck), der diesem Werk den Titel gab, soll offenbar die Besonderheit des „schwarz-weißen“ Klaviersatzes ohne Orchesterfarben hervorheben. Allerdings verwendet der Komponist in allen drei Stücken sehr auffällige Klangeffekte. Dabei handelt es sich insbesondere um die Nachahmung des javanischen Orchesters – des Gamelan mit seiner besonderen Stimmung und des chinesischen Gongs „Pagoden.“

Debussy hörte ihren Klang während der Weltausstellung in Paris und spürte darin mehr als nur Exotik. Die Kunst „unzivilisierter“ Völker half ihm, seinen eigenen Ausdrucksstil zu finden.

Serie " Detektei Moonlight wurde 1985 auf ABC ausgestrahlt. Der Titel ist ein Wortspiel. Moonlighting ist nicht nur Mondschein selbst, sondern im Fachjargon auch „Teilzeitjob“, „Hackjob“.

Ohne den Mond wäre es auch nicht passiert.

Vollversion des Songs aus dem Serien-Intro

Der Schöpfer der Serie, Glenn Gordon Keron, erfuhr von der Leitung des Senders, dass es sich bei der neuen Show um eine Detektivgeschichte handeln würde. „Oh ja, ein weiterer Detektiv, der dem amerikanischen Publikum fehlt“, sagte Caron. Allerdings schenkte niemand seiner Meinung Beachtung. Nach einiger Zeit einigten sie sich schließlich darauf, eine „romantische Linie“ in die Geschichte einzubauen.

Die Hauptfiguren der Serie David und Maddie

Als Hauptinspirationsquelle für die Handlung nennt Caron William Shakespeares „Der Widerspenstigen Zähmung“. Eigentlich ist die Atomic Shakespeare-Reihe eine direkte Parodie auf Klassiker, eine echte Kostümadaption.

Parodieserie „Atomic Shakespeare“

Parodie und Groteske wurden zu charakteristischen Merkmalen der Drehbücher der Serie. Es gibt hier viele Elemente, die man als „surreal“ einstufen könnte. Schauspieler durchbrechen oft die vierte Wand. Sie wenden sich vom Bildschirm aus an das Publikum, besprechen ihre Charaktere, die im Drehbuch vorgesehenen Aktionen und besprechen die Handlung. In einer der Episoden diskutieren die Darsteller der Hauptfiguren vor Beginn über das Timing des Filmmaterials und versuchen so, die Zeit zu „verkürzen“.

Helden wenden sich an das Publikum

Orson Welles selbst hat vor der Folge „The Dream Sequence Always Rings Twice“ eine Ansprache an das Publikum aufgezeichnet. Dies war sein letzter Film im Fernsehen. Er wird in einer Woche sterben.

Orson Welles zeigt eine Vorschau der Folge

Orson Welles tritt in der Serie persönlich auf

Die Serie war experimenteller Natur, ein Teil davon wurde als Schwarzweißfilm stilisiert. Darüber hinaus war es die teuerste Folge, die damals im Fernsehen gedreht wurde. Das Budget betrug 2 Millionen US-Dollar. Film Noir, Thriller, Comedy und Fernsehsendungen waren allesamt Genres, die in der Serie parodiert wurden. Sie planten sogar, eine Western-Folge zu drehen, doch die Idee wurde nie verwirklicht. Ähnliche Stilisierungen sind geworden Besonderheit Serie. Der Zuschauer wusste nie, wie sich die Handlung weiterentwickeln würde.

Serie „Die Traumsequenz klingelt immer zweimal“

Die Schauspieler könnten aus der Inszenierung heraus ans Set kommen und die Unterseite der Kulisse der Serie zeigen. Die Erzählung kann den Prozess der Besetzung von Schauspielern für eine der Rollen beinhalten. Und in einer Episode, die mit einem Autorenstreik endet, sind die Schauspieler gezwungen, sich spontan einen eigenen Text auszudenken.

Selbstironie ist der Haupttrumpf der Serie

Die Dreharbeiten zur Serie „Moonlight Detective Agency“ waren sehr schwierig

Die Dreharbeiten zur Serie verliefen nicht wolkenlos. Die Charaktere der Hauptfiguren machten sich bemerkbar und der Prozess selbst war sehr schwierig. Oft hatten die Macher einfach keine Zeit, die Episode rechtzeitig zu drehen. Sie hatten mehrere Möglichkeiten: Elemente der Erinnerungen der Hauptfiguren in die Handlung einzubeziehen (sprich: Fragmente früherer Episoden zeigen) oder einfach die Ausstrahlung zu verschieben. Letzteres passierte so oft, dass ein Werbevideo ausgestrahlt wurde, das die Produzenten zeigte, die auf die neue Folge warteten. Dies war jedoch der eleganteste Ausweg aus der Situation.

Die Serie wurde zu einer ikonischen Show der 80er Jahre

1986 wurde eine Episode der Serie mit Elementen im 3D-Format angekündigt. Sponsor des Projekts war die Firma Coca Cola. Die Brillen (40 Millionen Stück wurden hergestellt) sollten über die Zeitschriftenpresse vertrieben werden. Aufgrund eines Autorenstreiks wurde die Folge jedoch nie produziert.

Cover der Pressemappe zur 3D-Serie

Verbreitung der Pressemappe zur 3D-Serie

Whoopi Goldberg, Pierce Brosnan, Bruce Willis‘ Frau Demi Moore – das ist weit entfernt vollständige Liste„Gaststars“, die in der Serie mitspielten. Sie könnten sie selbst sein oder eine Rolle spielen. Rocky Balboa erschien beispielsweise einmal in der Serie. Aber der unerwartetste Gast in der Show war definitiv Timothy Leary.

Timothy Leary spielte in einer Episode von Moonlight Detective Agency

Die Serie wurde wegen sinkender Einschaltquoten abgesetzt. Als ihren Grund galt die Auflösung und Vervollständigung der romantischen Hauptlinie. Es ist jedoch erwähnenswert, dass es zwingendere Gründe gab. Cybill Shepherds Schwangerschaft, Bruce Willis‘ Filmkarriere und ihre angespannte Beziehung am Set spielten eine Rolle. Vor nicht allzu langer Zeit gab es Gerüchte über eine mögliche Verfilmung der Serie. Ob die moderne Filmindustrie einer solchen Meinungsfreiheit Rechnung tragen wird, ist noch fraglich.

Die Show erfreute sich bei den Zuschauern großer Beliebtheit. Und es hat die Liebe und Anerkennung von Fachleuten verdient. So parodiert eine der Episoden der Zeichentrickserie „Alvin und die Chipmunks“ den Stil der „Moonlight Detective Agency“.

Fragment der Folge „Dreamlighting“ der TV-Serie „Alvin und die Chipmunks“

Die 1997 erschienene indische Fernsehserie One Plus One ist eine inoffizielle Parodie auf Moonlight Detective Agency.

Modedesigner Igor Chapurin präsentiert eine von der Serie inspirierte Kollektion

Die Kollektion „Frühling-Sommer 2017“ des heimischen Designers Igor Chapurin wurde von der Ästhetik der 80er Jahre inspiriert und der berühmten TV-Serie gewidmet. Es hieß „Mondschein“.

andere Motive. So besteht das Thema des Refrains (A) bei seiner ersten Ausführung aus zwei ungleichen Sätzen – 11 Takte und 6 Takte. In diesen 17 Takten gibt es mindestens vier verschiedene Motive. Auch die erste Folge (B) besteht aus vier Motiven, von denen eines aus dem Refrain abgeleitet ist. Darüber hinaus gibt es Motive, die offensichtliche Verbindungen zum Präludium haben (auf der Ebene melodischer, rhythmischer und struktureller Elemente).

BEISPIEL 23. Menuett (Berga. Chas Suite)

BEISPIEL 23a. Präludium (Bergamas Suite)

BEISPIEL 24. Menuett (Bergamas Suite)

BEISPIEL 24a. Präludium (Bergamas Suite)

So demonstriert Debussy bereits in diesem Stück unerschöpfliche Fantasie und Freiheit in der Form. Aber die Hauptsache ist eine originelle Brechung des Genres des antiken Tanzes, jenseits jeglicher Stilisierung.

Mondlicht Clair de lune

Andante, tres expressif (Andante ist sehr ausdrucksstark), Des-dur, 9/8

„Moonlight“ ist ein Meisterwerk des jungen Debussy, eines seiner Klavierstücke mit dem größten Repertoire. Es existiert in verschiedenen Bearbeitungen: für Violine, für Cello, für Orchester.

„Mit Moonlight betreten wir ein neues Universum“ sagte Halbreich®. „In der Tat ist dies Debussys erstes Werk auf dem Gebiet der Klanglandschaft und der Nachtlandschaft, insbesondere sein Favorit, darüber hinaus die Mondlandschaft. Es genügt, sich an die Namen späterer Werke zu erinnern, um sich Debussys „Nacht“ vorzustellen. Thema: Und der Mond sinkt auf den einst ehemaligen Tempel. Terrasse der Datteln im Mondlicht, Klavier-Nocturne, Orchester-Nocturnes, Düfte der Nacht, Romantik Sternennacht...

Das Stück ist voller Charme und subtilem Klangaroma. Eine besondere Rolle spielen dabei der Phonismus singender Terzen und Parallelismen absteigender weich klingender Septakkorde. Und Terzen sind ein Intervall, das Debussy viel bedeutete (es ist kein Zufall, dass er ein Präludium hat). Terzen abwechseln, Terzen studieren,„tert“-Vorspiel der Sails).

Die Tonalität von Des-dur (Cis-dur) von mattem Kolorit bedeutete Debussy wahrscheinlich auch viel: Dies ist die Tonalität des Klavier-Nocturne, des Orchesternachspiels von Pelleas, des Arioso von Pelleas aus dem dritten Akt, der Moret-Symphonie, die Präludien Feen sind schöne Tänzer. Tor der Alhambra All dies, mit Ausnahme von Nocturne, wurde viel später geschrieben.

So paradox es auch erscheinen mag, Moonlight ist durch dünne Fäden mit verbunden Vorspiel zum Nachmittag eines Fauns. Die Bedeutung der beiden Stücke ist gegensätzlich (Nacht – Tag), gleichzeitig gibt es aber deutliche Parallelen zwischen ihnen. Erstens sind beide Stücke in der gleichen, eher seltenen Taktart von 9/8 gehalten. Zweitens beginnt Faun mit der Haupttonart E-dur in Cismoll – einer einstimmigen Tonleiter für Des-dur, in der Moonlight geschrieben ist. Drittens gibt es im Eröffnungsthema von Moonlight ein Motiv, das dann in den Eröffnungstakten von Faun erscheint.

Lockspeiser E., Halbreich N Or. cit. R. 558.

BEISPIEL 25. Mondlicht (Bergamas Suite)

BEISPIEL 25a. Nachmittag eines Fauns

p doux et expressif

Schließlich ist der Phonismus des Klangs des dritten Themas in Moonlight eindeutig Flöte (das Hauptthema von Faun wird der Flöte zugeordnet). In einer dreiteiligen Form, in der der Mittelteil in einem beweglicheren Tempo verläuft und die Melodie vor dem Hintergrund fließender Figurationen erklingt, verkörpert sich Debussys Lieblingselement, das mit dem fließenden Strom aus Luft, Wasser und Licht verbunden ist – die Sonne oder Mond. Und das ist auch eine Parallele zu Faun.

Der Verzicht auf quadratische Strukturen wird zur Norm für die rhythmische Organisation und weist auf ein neues Gefühl für die musikalische Zeit hin. So besteht beispielsweise der erste Satz aus acht Takten und der zweite aus achtzehn Takten.

Im Bereich der Dynamik ist die Hauptsache festgelegt: die Dominanz von Pianopianissimo und nur zwei Takten im gesamten Forte-Stück. Genau diese Beziehung wird für die meisten Werke Debussys charakteristisch werden.

Es ist interessant, dass Debussys Dynamik im zweiten Satz im Pianissimo bleibt (trotz des bescheidenen, fast unmerklichen Crescendo), wenn die Melodie in die oberen Register steigt und eine Akkordstruktur erscheint und jeder romantische Komponist Forte geschrieben hätte. Debussische Beklommenheit, träges Understatement und verfeinerte Gefühle verbergen sich hier bereits. Es gibt noch einen Höhepunkt – im Mittelteil gibt es einen Forte-Takt, danach erfolgt ein schnelles (zwei Takte) Abklingen des Klangs – zunächst zwei Klaviere, dann in der Reprise drei Klaviere. Und im Code danach pianissimo - morendo jusqu"d la fin (eiskalt bis zum Schluss).

V. Yankelevich äußerte in seiner Reflexion über Debussys Philosophie des Mondlichts als solche interessante Gedanken, die es verdienen, ausführlich zitiert zu werden:

„Mondlicht... Debussys Nocturne hat wenig mit romantischem Mondlicht zu tun, da dieses Mondlicht für Debussy nur eine Gelegenheit ist, die Träume und Gedanken zu offenbaren, die seine Gefühle schärfen; Diese Gefühle dringen umso tiefer in unsere Seele ein, als sie absolut unaufdringlich sind: Sie spiegeln einen gewissen Zustand der Naivität wider – eine Voraussetzung für poetische Inspiration [...]. Schließlich entstehen unsere Träume oft aus dem Wind , vom Duft der Glyzinien, der in uns spannende Erinnerungen weckt, ein Gefühl der Nostalgie für den vergangenen Frühling [...].

Im Gegensatz zu aller Subjektivität […] bleibt Debussy sozusagen im Einklang mit natürliche Elemente, [...] mit universellem Leben. Er fühlt sich in die universelle Musik eingetaucht, die der Natur innewohnt. Diese Musik umhüllt uns gleichermaßen gut sowohl im Sonnenlicht als auch im Mondlicht der Nacht [...]. Man kann Debussys Musik mit Ekstase vergleichen – der Ekstase des Gebets. Sein strahlender Blick ist drin in gewissem Sinne Spiegel Außenwelt. Wo ist Claude Debussy selbst in den halluzinatorischen Bildern, in die uns diese Musik eintauchen lässt? Claude Debussy vergaß sich selbst, Claude Debussy vereinte sich in Ekstase mit der Nacht und dem Licht, mit dem Licht des Mittags, der Dunkelheit der Mitternacht ...“^.

Poetisch und sehr prägnant gesagt über das Wichtigste zum Verständnis von Debussys Musik.

Passepied

Allegretto ta pop troppo, fls-moll, 4/4

Das Finale der Suite ist das umfangreichste Stück. Und sie ist voller Charme und steht Moonlight darin in nichts nach. Seine Idee ist Bewegung. Aber in dieser kontinuierlichen Bewegung steckt viel.

Der 4/4-Takt entspricht nicht dem Paspier-Rhythmus – einem alten Tanz im 6/8- oder 3/8-Takt. Vielleicht hat Debussy diesen Namen gerade als Symbol für schnelle und kontinuierliche Bewegung verwendet? Aber es gibt immer noch Anspielungen auf die Musik jener Zeit, als Paspier in den Suiten und vor allem in der asketischen Struktur der Zweistimmigkeit, in der Herangehensweise an den Klang des Cembalos, einbezogen wurde.

Die elegante Melodie (für Debussy außerordentlich ausgedehnt) wird von einem kontinuierlichen Staccato in geraden Achtelnoten begleitet.

nementa (im Geiste albertianischer Bässe), die die Vision eines Pferderennens hervorrufen. Aber nicht der dramatische Sprung, der in Schuberts „Zar des Waldes“ vorkommt, und nicht der dramatische Sprung von Wronski aus dem Roman von L.N. Tolstoi Anna Karenina. NEIN! Schönes, friedliches Bild. Man kann sich einen Ausritt zu Pferd im Bois de Boulogne vorstellen. Aber unter dieser äußeren Inhaltsschicht verkörpern sich viele verschiedene subtile Emotionen, als ob dieses Rennen mit einer Reihe von Erinnerungen an etwas Leichtes, Angenehmes, verführerisch Zärtliches, Helles vermischt wäre, das mit dem Spaziergang verbunden ist. V. Yankelevich schreibt ganz richtig, dass Debussy das Geheimnis der Dinge spürt, selbst dort, wo es scheinbar kein Geheimnis gibt. „Er stellt das poetische Mysterium, das Geheimnis der Atmosphäre vertrauter Phänomene, alltäglicher Ereignisse als einen Traum dar“^K Und das wird genau in Bezug auf Paspier gesagt.

Das Stück ist seinem Wesen nach französisch. Es verfügt über französische Raffinesse, Subtilität, Flüchtigkeit der Empfindungen, Leichtigkeit und Charme. Motive und Themen unterschiedlicher Art werden auf den durchgehenden Ostinato-Hintergrund geschichtet, darunter verträumt, zerbrechlich, träge zart, glockenartig, klingend. Ein Kaleidoskop an Motiven verbindet sich mit einem subtilen Spiel der Klangfarben, mit einer flexiblen, entspannten rhythmischen Organisation, mit der Überlagerung von Triolen in Viertelnoten und der sanften Bewegung von Achtelnoten.

Paspiers Form ist eine komplexe dreiteilige Form (das Hauptthema variiert mit jeder neuen Wiederholung), mit einem mehrthematischen Mittelteil und einer abwechslungsreichen Reprise, in der sich die Mitte einem neuen Thema widmet:

A (a-b-a,)

C (s-s1-e-G-e,-move) Aj (a^-g-aj)

Es ist schwierig, Yu. Kremlev zuzustimmen, der neben Lunny

Licht, nennt alle Teile der Suite „gekünstelt“, während es in dieser wunderbaren Suite nichts Natürlicheres und schon sehr Originelles gibt.

Für Klavier (1901) Pour le Piano

Ungefähr 10 Jahre auseinander Bergamasco Suite aus der Suite Pour le Piano. Dies ist das Jahrzehnt der rasanten Entwicklung des Komponisten, die Zeit des Opernschaffens. Möglicherweise wurden einige Stücke der Suite etwas früher geschrieben. Aber die Tatsache bleibt bestehen: Pour le Piano -

„Jankelevitch V. Debussy et le mystère de l'instant.“ S. 19.

eines der ersten Werke nach Pelleas. Die harmonische Sprache ist deutlich komplexer geworden. Debussy verwendet Ketten unaufgelöster Septimen und Nichtakkorde, die Gegenüberstellung von Dreiklängen entfernter Tonalitäten und Ganztonmuster sowohl in der Harmonie als auch in der Melodie.

Der Zyklus besteht aus drei Stücken, was für viele Werke Debussys unterschiedlicher Genres typisch wird. Trotz der recht großen zeitlichen Distanz, die dazwischen liegt Bvrgamas Suite Ab Pour le Piano stehen sie sich in ihrer neoklassizistischen Ausrichtung, der Wiederauferstehung der Musikgattungen des 18. Jahrhunderts, nahe. Aber was ist dieser „Neoklassizismus“? Es ist auf einzigartige Weise mit dem Impressionismus verbunden. Debussy verwendet Anspielungen auf das Werk von Komponisten der Ära Bach, Scarlatti, Couperin, zeigt aber gleichzeitig, was mit alten Genres, Formen, sogar einigen Entwicklungsprinzipien in der Neuzeit unter den neuen ästhetischen Bedingungen des Impressionismus gemacht werden kann .

Auftakt

Assez anime et tresritme (Ziemlich lebhaft und sehr rhythmisch), A-moll, 3/4

Das energische, schnelle Präludium ist vielleicht das einzige Werk von Debussy, in dem sich der Komponist an Bach „erinnert“. Eine einzige rhythmische und strukturelle Formel, die auf der Bewegung von Sechzehntelnoten basiert, wird fast während des gesamten Präludiums beibehalten, nur zweimal durch ein Akkord-Martellato unterbrochen und endet mit einer rezitativ-improvisierenden Coda. Das Präludium zeichnet sich durch Bachs „Ernsthaftigkeit“ und Bedeutung aus. Das tiefe, dröhnende Register des Hauptthemas erinnert an einen schweren Orgelbass. Die kontinuierliche Gestaltung des Themas erinnert an barocke Formen wie Entfaltungen. Auch die kontinuierliche Bewegung der Sechzehntelnoten folgt Bach (wie im Präludium s-toI aus Band I des KhTK), die Rezitativimprovisation in der Coda ähnelt dem Ende desselben Präludiums. All dies deutet darauf hin, dass die Anspielungen auf Bachs Musik beabsichtigt waren.

BEISPIEL 26. Präludium (Für Klavier)

Tempo der Kadenz

BEISPIEL 26a. Bach. Präludium in c-moll, Band I des Charkiw-Theaters

Gleichzeitig ist dies in Harmonie und Formaufbau typisch Debussy. Es verschleiert geschickt die Ränder der Form. So enthalten vier Takte, die als rhythmisch pulsierende Einleitung wahrgenommen werden, tatsächlich wichtiges thematisches Material (Motiv a, siehe Diagramm), auf dem die kontrastierenden Abschnitte der Form aufbauen.

Schema Nr. 1. Präludium (Für Klavier)

	Mittelteil
	a, (16) bi (22)	a2 -(21)
(Derivat		Trittfrequenz (16)

Das zweite Thema (b) ist originell. In den motorischen Fähigkeiten des 16. kommt eine versteckte Unterstimme (Melodie in geraden Vierteln) im Geiste des gregorianischen Chorals zum Vorschein. Die lange Durchführung des Themas umfasst 37 Takte. Zusätzlich zu diesen beiden Themen enthält der erste Abschnitt noch ein drittes: akkordisches Martellato fortissimo, in dem Parallelismen gesteigerter Dreiklänge vorherrschen (das Bild einer läutenden Glocke – sie scheint in liturgischen Gesang überzugehen). Aber dieser hier scheint neues Thema(c) ist im Wesentlichen eine Variante (und bildliche Transformation) des Eintrittsmotivs (a).

Der Mittelteil wechselt auf eine völlig andere Bildebene, orientiert sich jedoch an den Motiven der Exposition (a und b). Es basiert auf einem kontinuierlich zitternden zweiten Tremolo (Oper Pelleas und Melisande!), Vor dem Hintergrund, welches Motiv a zuerst entwickelt wird, dann Motiv b. Die Tonalität ist instabil und hängt stark von der Ganztonskala ab. Aber die Hauptsache ist, dass in diesem Abschnitt der Pelleas-Tritonus d-as fast durchgehend auf dem starken Takt betont wird. Alles, was in Debussys Musik mit ihm zusammenhängt, ist stets geheimnisvoll und verstörend.

„“ Die Buchstaben im Diagramm sind Motive, die Zahlen die Anzahl der Balken im Motiv. Diese Form der Notation wird auch in späteren Schemata beibehalten.

Aber. Das Choralthema bewegt sich in eine hohe Lage (hier kommt die Nachahmung der Klangfarbe der Celesta oder Glocken zum Tragen), wird brüchig und unruhig; Als Fortsetzung des Hauptklangs werden dem Takt der Sechzehntelnoten Dur-Achteltriolen überlagert, ähnlich dem Läuten hoher Glocken.

Die Anzahl der Maßnahmen in Motiven zeigt neuer Typ temporäre Organisation. Dem gesamten Stück liegt eine organische Unrechtmäßigkeit zugrunde. Jedes Thema in einer neuen Implementierung erscheint immer in einer anderen Skalendimension, das heißt, seine Struktur ändert sich ständig, einige Elemente verschwinden, andere erscheinen.

Sarabande

Avec un Eleganz Grave et Lente (Mit elegantem Ernst, langsam), cis-moll, 3/4

Sarabande ist eines der ausdrucksstärksten Klavierstücke Debussys. Und Debussy sollte sich später mehr als einmal dieser Gattung zuwenden und dadurch die Aufmerksamkeit von Komponisten einer neuen Generation auf sich ziehen. In Rhythmus und Bewegung behält Debussy die Hauptmerkmale von Q/a bei, wobei der Schwerpunkt auf dem zweiten Takt dieses Genres liegt.

Sarabandes Musik ist voller überirdischer Traurigkeit und Zärtlichkeit. Die Stimmung des Stücks erinnert an eine Szene von Pelleas. Der Komponist führt fast unmerklich mitten im Stück ein lakonisches Zitat (man könnte sagen ein verstecktes Zitat) aus der Orchestereinleitung zur 3. Szene des ersten Akts (der ersten Begegnung) ein junge Helden). Zitat – Mélisandes Motiv in seiner am meisten gesungenen und am meisten gesungenen Form schöne Version. In dieser Form verkörpert dieses Motiv sowohl den ersten Ruf der Liebe als auch die Traurigkeit der Vorahnung. Debussy verschleiert seinen Auftritt in der Sarabande, indem er dem Motiv nicht das Ganze, sondern nur seinen „Schwanz“ gibt. Er scheint das Zitat zu verbergen und es gleichzeitig durch die Dynamik von Mezzo Forte (beim ersten Mal), Mezzo Piano (beim zweiten Mal), umgeben von Piano und Pianissimo, sowie der allgemeinen Cis-Moll-Tonalität des Stücks zu betonen und diese Szene. So bescheiden und unaufdringlich lenkt Debussy die Aufmerksamkeit auf dieses Zitat.

BEISPIEL 27. Sarabande (Für Klavier)

BEISPIEL. 27". Pelleas und Mélisande (I - 3)

Sarabandes Themen sind Debussys wunderbarer melodischer Fund: Es handelt sich um melodische Linien, die mit Septakkorden, Nichtakkorden (gelegentlich und Dreiklängen), verdichtet sind und manchmal herb, manchmal weich klingen, aber von enormer innerer Spannung sind. Das Eröffnungsthema ist sehr ausdrucksstark und wird in Septakkorden in natürlichem Cis-Moll präsentiert, wenn auch eher vage, da es manchmal als Gis-Moll wahrgenommen wird. Die harmonische Farbgebung ist exquisit. Im zweiten Thema (dem Beginn des Mittelteils) geht der Komponist in der Kühnheit der Harmonik sogar noch weiter. Es basiert auf Parallelitäten von Quart-Sekunden-Akkorden mit einer ganz spezifischen Klangfarbe. Aber die beeindruckendste Melodie ist die Terz: ganze Ansammlungen von Septakkorden in zwei Händen, die mit durchdringender Traurigkeit erklingen. Die Hauptsache: Alle Melodielinien folgen in Stimmung und Intonation dem Zitat, sie entstehen aus ihm und der Bedeutung, die der Komponist diesem Thema in der Oper beigemessen hat. So wurde die Sarabande zum ersten Klavierstück, dessen Bedeutung man sich nur allzu gut vorstellen kann

o Pers.

IN Die Textur des Stücks ist ein origineller Kontrast aus akkordischer Melodie und streng archaischen Unisonanzen oder ein Kontrast aus dissonanten Akkorden und Konsonanzen von Dreiklängen. So wird in der Reprise das erste Thema nicht wie am Anfang mit Septakkorden harmonisiert, sondern mit Dreiklängen (es beginnt mit dem Dreiklang der zweiten tiefen Stufe für cis-moll, forte). Ihr Charakter verändert sich dramatisch. Von zerbrechlich und geheimnisvoll zärtlich wird sie feierlich, als würde sie sich an einen anderen Moment der Oper erinnern: „Ich bin Prinz Golo.“ Somit hat Sarabande einen doppelten Grund mit einer verborgenen Bedeutung.

Tokkata

У1/(Zhivo), cis-moll, 2/4

Das Finale des Zyklus ist die Verkörperung des Bewegungsgedankens (wie Paspier) bzw. der Bewegungsfreude. Ein brillantes, leichtes, lebendiges Virtuosenstück. Paspier ist ebenfalls eine Bewegung, aber anders als in der Toccata. Es entsteht ein fast sichtbares Bild, hier überträgt der Komponist alles auf eine abstrakte Ebene. Im Kern ist die Idee nicht neu – die Idee motorischer Stücke von Bach, Vivaldi und ihren Zeitgenossen. Die Toccata steht in der Nähe des Präludiums, das die Pourlepiano-Suite eröffnet. Aber wenn dieses Stück „Ernsthaftigkeit“ hat, die Massivität von Bachs Orgelstücken, dann ist Toccata den leichten Klavierstücken französischer Cembalisten näher. Seine Textur basiert auf dem besonderen Gefühl des „Klavierens“ eines Instruments ohne Pedal. Hier wird insbesondere die Textur antiker Klavierstücke kombiniert – trocken, monophon, mit zwei Händen gespielt, wobei die Musik frei von hellem Thematismus ist (d. h. auf Figurationen, Sequenzen, harmonischen Modulationen basiert) und einer Textur, in der ein ausdrucksstarker Ton vorliegt Melodielinie erscheint.

Aus antiken Klavierstücken – das Prinzip, den Stoff in einer kontinuierlichen Bewegung von 16 Dauern zu entfalten. Darüber hinaus bleibt der Rhythmus der Toccata vom Anfang des Stücks bis zum Ende ohne Abweichungen erhalten (ein eher seltener Fall bei Debussy). Aber mit der kontinuierlichen Bewegung der 16er schafft Debussy Erstaunliches. Athematische Musik (im Geiste des Barock) wird hier durch den Phonismus eines Pedalklaviers ersetzt. Und das ist eine Hinwendung zum modernen Sonorismus. Ein solcher Kontrast ist an sich schon interessant. Schauen Sie hier, sagen sie, wie es damals war und was man mit dem gleichen Material heute auf einem modernen Klavier und mit den Mitteln moderner Harmonielehre machen kann. Der gesamte Klavierstil basiert auf alter Musik.

Debussy verbindet das barocke Entwicklungsprinzip (auf einer einzigen rhythmisch-texturalen Formel) mit der kontinuierlichen Erneuerung der Textur und schmückt sie mit frischen harmonischen Farben, ungewöhnlichen Tonvergleichen und Modulationen. So werden Toccatas cis-Moll – E-Dur zu Beginn schnell durch chromatische Sequenzen mit instabilem Tonzentrum ersetzt. Der Mittelteil beginnt in einem entfernten C-Dur, das schnell in ein unregelmäßiges Mäandern übergeht.

Eine riesige Zahl zusammengestellt schöne Werke, aber das Symbol seines Schaffens ist ausnahmslos die Komposition für Klavier „Moonlight“. Erhabene Musik scheint nicht aus Noten zu bestehen, sondern aus dem stillen Licht der Nachtleuchte. Wie viele Geheimnisse der Zauber der Nacht birgt, so viele sind in dem Aufsatz verborgen.

Geschichte der Schöpfung "Mondlicht" Debussy, der Inhalt des Werkes und vieles mehr interessante Fakten lesen Sie auf unserer Seite.

Geschichte der Schöpfung

Ende Februar 1887 kehrte er aus Rom zurück (1884 erhielt er eine Auszeichnung, die ihm die Möglichkeit gab, auf Staatskosten in der Hauptstadt Italiens zu leben und zu arbeiten). Sofort stürzte er sich kopfüber in das pulsierende Pariser Leben und traf nicht nur alte Bekannte, sondern schloss auch neue Freunde. Der junge Mann hatte viele lebendige Eindrücke und so begann sich seine Kreativität sehr intensiv zu entwickeln.

Debussys Leben wurde sehr ereignisreich, aberDas Jahr 1889 war für ihn besonders bedeutungsvoll. Zunächst genoss Claude im Frühjahr zwei Monate lang die Seeluft im Nordwesten Frankreichs in Dinard am Ufer des Golfs von Saint-Malo. Im Sommer besuchte der Komponist dann die Weltausstellung, wo er den Klängen exotischer Orchester aus China, Vietnam und der Insel Java lauschte. Er empfand diese Musik als Aufruf zu einer deutlichen Erneuerung seines Schaffensstils.

Darüber hinaus innerhalb internationale Veranstaltung Claude konnte erneut in die für ihn so attraktive Welt der russischen Musikkunst eintauchen. In Paris fanden am 22. und 29. Juni zwei Konzerte statt, bei denen unter der Leitung von Alexandra Glasunowa und Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow sie führten sowohl eigene Kompositionen als auch Werke auf Dargomyschski , Mussorgski, Tschaikowsky , Ljadowa, Borodin , Balakirev und Cui. Obwohl Debussy mit den Werken der Autoren bereits gut vertraut war, war er von dem Konzert sehr begeistert.

Darüber hinaus wurden die starken Eindrücke des Komponisten durch seine Bekanntschaft mit dem Werk des belgischen Schriftstellers Maurice Mauterlinck bereichert. Mit besonderer Ekstase las er sein Stück „Prinzessin Malaine“. Und dann führte Claude der Wunsch, in der Kunst den modernen innovativen Trends näher zu kommen, in den Salon des symbolistischen Dichters Stéphane Mallarmé. All dies und seine Liebe zu einem Mädchen mit grünen Augen, das er Gabi nannte, hatten einen starken Einfluss auf Debussys Werke dieser Zeit. Aus der Feder des Komponisten entstanden damals bezaubernde Kompositionen voller faszinierender Träume und poetischem Rausch. Im Jahr 1890 schuf er seine berühmte Nocturne „ Mondlicht“, der vom Autor ursprünglich „Sentimental Walk“ genannt wurde. Dieses bezaubernde Werk der zarten Romantik des frühen Debussy präsentierte der Autor als zweiten Teil der Bergamasque-Suite. Es ist zu beachten, dass der Komponist den Klavierzyklus mehrmals überarbeitete und die endgültige Fassung erst 1905 veröffentlicht wurde.

Interessante Fakten

Eine der originellsten Versionen des Arrangements stammt vom russischen Komponisten und Arrangeur Dmitry Tyomkin. Er arrangierte die Komposition für Orgel neu. Die Musik wurde im Film „The Giant“ (1956) verwendet.
„Moonlight“ war nicht enthalten Walt Disneys Fantasie aus zeitlichen Gründen. Fast fünfzig Jahre später wurde das Fragment restauriert und in die erweiterte Fassung des Animationsfilms aufgenommen.
Die von Andre Caplet orchestrierte Musik wurde 1953 im Ballett Der Blaue Engel verwendet.
Der Komponist, inspiriert von der französischen Cembalomusik des 18. Jahrhunderts, komponierte mehrere weitere Werke für diesen Zyklus. Allerdings ist Moonlight stilistisch ganz anders. Der Komponist überlegte lange, ob es sich lohnte, die Komposition in diesen Zyklus aufzunehmen, doch nach dem bedingungslosen Erfolg der Komposition bei der Uraufführung wurden die Zweifel überwunden.
Am 22. August 2013, zu Ehren von Debussys 151. Geburtstag, beschloss der europäische Google Doodle-Server, eine virtuelle Reise entlang der Uferpromenade der französischen Hauptstadt zu organisieren. Die Atmosphäre des erstellten Videos spiegelte die Ära des 19. Jahrhunderts voll und ganz wider. Das romantischste und helle Arbeit Komponist von Moonlight. Die Umgebung des Videos wurde erweitert Luftballons, Lichter der Stadt, Windmühlen in Montmartre. Am Ende schwimmen zwei Boote auf der Seine, es beginnt zu regnen und die Liebenden verstecken sich unter einem roten Regenschirm.

Nach Abschluss der Komposition hatte Debussy mehrere Optionen für den Titel, darunter „Sentimental Walk“ und „Nocturne“, aber am Ende fiel die Wahl auf den romantischsten und inspiriertesten Titel, „Moonlight“.
Es wird vermutet, dass der Komponist durch ein Gedicht des berühmten Komponisten zu der Nocturne inspiriert wurde Französischer Dichter Paul Verlaine „Mondschein“. Tatsächlich geschah genau das Gegenteil. Inspiriert von leichter und harmonischer Musik schrieb der Autor drei wundervolle Vierzeiler. Im ersten verweist uns Verlaine anmutig auf die Originalquelle: „Traurige, wundersame Umgebung, alte Bergamotte“
Zur Zeit der Komposition gab es in Frankreich eine Mode für die Commedia dell'Arte. Debussy konnte nicht anders, als sich von dieser kleinen Welt reisender Künstler mitreißen zu lassen. Zu Ehren wurde die „Bergamas Suite“ komponiert.

„Moonlight“ gilt zu Recht als eines der Meisterwerke des Impressionismus. Der Impressionismus erschien zunächst nicht in der Musik, sondern in künstlerische Künste. Es wird angenommen, dass die Richtung auf einer Technik namens „Impression“ basiert. Der Künstler scheint einen Moment einzufrieren und ihn auf der Leinwand festzuhalten. Aber Musik kann mehr als einen Moment ausdrücken. Anstelle eines durch unsere Fantasie geschaffenen Bildes wird eine, wenn auch kleine, Handlung gezeichnet. Die Entwicklung der Handlung ist nur mit möglich die richtige Wahl treffen musikalische Gestaltung.

Geht gekonnt mit der Form der Arbeit um. Die Nocturne ist eine komplexe dreiteilige Form mit einer Episode und einer Coda:

Der erste Teil zeigt uns eine ruhige Wasseroberfläche, in der sich das Gesicht des Mondes heiter spiegelt. Ruhige Strahlen lösen sich langsam im dunklen, nächtlichen Wasser auf.
Die Episode ist erwartungsgemäß frei gestaltet. Es besteht aus mehreren komplementären Strukturen, die durch Tempo- und Tonartenwechsel abgegrenzt werden.
Die abwechslungsreiche Reprise wird durch melodische Begleitung aus der Episode ergänzt. Der Zuhörer kann sehen, wie die Nacht mit neuen Farben gefüllt wird.
Die Coda baut auf den Intonationen der Episode auf, was das Werk noch logischer macht.

Der gewölbte Verschluss verhindert, dass das Werk auseinanderfällt. Die Rückkehr zu ursprünglichen Motiven weckt beim Zuhörer ursprüngliche Erinnerungen. Aber die Nachtwelt hat sich bereits verändert, die Entwicklung ist erreicht. Die Mondbahn löst sich langsam auf und macht Platz für die Sonne und einen neuen Tag.

Das Werk zeigt die besten Merkmale des musikalischen Impressionismus:

Subtile assoziative Parallelen. Das Werk ist trotz des selbsterklärenden Titels nicht programmatisch. Es entstehen also keine direkten Analogien zum Beobachtungsgegenstand, sondern nur Hinweise darauf. Dies ist ein Bild, eine Erinnerung, keine Realität.
Klangbild. Hauptidee Impressionismus ist Kontemplation. Durch den Einsatz von Musikinstrumenten ein kaum wahrnehmbares Bild zu schaffen, ist die Hauptaufgabe eines Komponisten, der in eine ähnliche Richtung schrieb. Der Klang wird mit Farbe angereichert. An der Ausdruckskraft der Klänge in der Nocturne kann man keinen Moment zweifeln.
Ungewöhnliche Harmonie. Die Fähigkeit, eine Melodie richtig zu harmonisieren, um die Komposition nicht zu überladen, ist Geschmackssache. Debussy hat hervorragende Arbeit geleistet. Fast jeder Takt der Komposition kann durch helle und einprägsame Abweichungen oder Modulationen in entfernte Tonarten gekennzeichnet sein.
Leichtigkeit der Dynamik. Fast alle von Debussy geschaffenen Werke haben eine Dynamik im Pianissimo. Lediglich in der Höhepunktzone lässt sich eine dynamische Steigerung feststellen.
Nachbildung von Ausdruckstechniken, die die Künste früherer Zeiten charakterisieren. Die Episode führt uns zurück in die romantische Ära. Dies wird durch die aufgeregte Begleitung mit der Anwesenheit einer großen Anzahl von Passagen belegt.
Landschaftsanfang. Dies ist eine wunderschöne Nachtlandschaft mit außergewöhnlicher Tiefe.

Viele Leute glauben das klassische Musik muss unbedingt den Gesetzen der Dramaturgie gehorchen. Dies bedeutet, den dem Konstrukt innewohnenden Konflikt zu finden. Schließlich wurde fast die gesamte Musik vom Barock bis zur Spätromantik auf diese Weise konstruiert. Debussy entdeckte für den Menschen eine völlig andere Sichtweise auf die Welt – die Kontemplation. Die Verschmelzung mit der Natur hilft Ihnen, den einfachsten Weg zu Frieden und innerer Harmonie zu finden.

Die Reinheit der Musik und ihr enthusiastischer und verträumter Charakter ziehen Regisseure in fast allen Teilen der Welt an. Tausende Filme sind mit der wunderbaren Melodie von „Moonlight“ geschmückt. Wir haben die bekanntesten TV-Serien und Filme ausgewählt, in denen das Werk zu hören ist.

Westliche Welt (2016);
Tutanchamun (2016);
Ewigkeit (2016);
Mozart im Dschungel (2016);
American Hustle (2013);
Urteilsnacht (2013);
Meisterlehrling (2012);
Zerstörer (2011);
Prevolution des Planet der Affen (2011);
Kurier (2010);
Dämmerung (2008);
Wut (2004);
Ocean’s Eleven (2001);
Casino Royale (1967).

Nocturne“ Mondlicht„ist eines der wenigen Werke, das es einem Menschen ermöglicht, nicht gegen das Schicksal anzukämpfen, sondern jeden Moment des Lebens zu genießen. Schließlich liegt das Glück im Bewusstsein, in der Gegenwart. Ob es eine magische Nacht oder ein Morgengrauen ist, du lebst nur, wenn du diese Welt spüren kannst. Kontemplation ist Unendlichkeit.

Video: Hören Sie Debussys „Moonlight“