Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

1

Tinatalakay ng artikulo ang ilang isyu ng pagtatrabaho sa mga watercolor sa mga klase sa pagpipinta. Ang watercolor ay kaakit-akit para sa pagiging naa-access at kadalisayan ng mga relasyon sa kulay. Sa kabila ng maliwanag na pagiging simple ng trabaho, ang watercolor ay isang kumplikadong pamamaraan pagpipinta ng easel. Espesyal na atensyon nakatutok sa mga materyales, kasangkapan, at teknolohikal na aspeto ng watercolor painting: glaze, "alla prima", "raw" na mga pamamaraan. Kapag nagtatrabaho sa mahabang pag-aaral, ang una ay mas madalas na ginagamit. Para sa pagpipinta en plein air, sa mabilis na pag-aaral Ang paraan ng alla prima ay mas angkop. Ito ay kinakailangan upang maunawaan na ang mastering ang kasanayan ng watercolor painting ay hindi natutunan mula sa mga libro. Ang lahat ay natutunan sa katagalan Praktikal na trabaho, sa Personal na karanasan. Samakatuwid ang pagsasanay ay ang pinakamahusay na paraan mastering ang pamamaraan ng watercolor painting.

mga kasangkapan

mga materyales sa pagpipinta

paraan ng pagsulat

pagpipinta ng watercolor

1. Beda G.V. Mga pangunahing kaalaman sa visual literacy: Pagguhit. Pagpipinta. Komposisyon. Ed. Ika-2, binago at karagdagang M.: Edukasyon, - 1981. - 239 p.

2. Vasiliev A.A. Still life painting: watercolor: Textbook. Benepisyo. Ed. Ika-3, binago at karagdagang Krasnodar: Kuban State Publishing House. Unibersidad, 2004. - 98 p.

3. Volkov Yu.V. Nagtatrabaho sa mga sketch ng pagpipinta. M.: Edukasyon, 1984. - 31 p.

4. Skripnikova E.V. Buhay pa rin: komposisyon, pagguhit, pagpipinta: aklat-aralin / E.V. Skripnikova, A.I. Sukharev, N.P. Golovacheva, G.S. Baimukhanov. – Omsk: Omsk State Pedagogical University Publishing House, 2015. - 150 p.

5. Skripnikova E.V., Golovacheva N.P., Sukharev A.I. Still life painting: Pagtuturo. – Omsk: BOUDPO “IROOO”, 2015. - 92 p.

6. Shchetinin I.D. Watercolor: Isang Praktikal na Gabay. Kurgan: Publishing house "FORT DIALOGUE - KURGAN", 2009. - 31 p.

Pagbubuo ng problema

Ang pamamaraan ng watercolor ay pinag-aaralan ng mga mag-aaral sa mga art faculty ng mga unibersidad ng pedagogical sa unang taon. Sa mga klase sa pagpipinta, binibigyan ang mga mag-aaral hindi lamang ng mga gawain sa pagpipinta: paghahanap ng pangkalahatang kulay ng produksyon, mga ugnayan ng kulay-tono sa pagitan ng mga bagay at background, paghahatid ng dami ng mga bagay sa ilang partikular na kondisyon ng pag-iilaw, pag-aaral ng mga batas at panuntunan pananaw sa himpapawid, ngunit pati na rin ang komposisyon at pagguhit. Una, ang gawain ay upang matutunan kung paano bumuo ng isang produksyon: matukoy ang mga proporsyon ng format ng sheet, hanapin ang laki ng imahe sa loob nito, ilagay ang mga bagay sa pictorial plane na may kaugnayan sa bawat isa. Pangalawa, matutong umunawa at gumuhit ng mga bagay na may iba't ibang disenyo at hugis, isinasaalang-alang ang anggulo at linya ng abot-tanaw, pag-aralan ang mga batas at tuntunin ng linear na pananaw. Sa aming artikulo ay isinasaalang-alang lamang namin ang mga isyu ng teknolohiya ng pagpipinta ng watercolor: mga materyales, tool, iba't ibang mga teknolohikal na pamamaraan.

Ang watercolor ay kaakit-akit para sa pagiging naa-access at kadalisayan ng mga relasyon sa kulay. Sa kabila ng maliwanag na pagiging simple ng trabaho, ang watercolor ay isang kumplikadong pamamaraan ng pagpipinta ng easel. Upang makabisado at maunawaan ito, kailangan mong maingat na pag-aralan ang mga materyales at tool (pintura, papel, brush). Pagkatapos ng lahat, dito magsisimula ang anumang proseso ng malikhaing.

Watercolor (mula sa lat. aqua- "tubig") - mga pintura na natunaw ng tubig, at sa isang propesyonal na artistikong kapaligiran - mga gawa ng pagpipinta na ginawa gamit ang gayong mga pintura. Ang mga kulay na pigment na ginamit sa paggawa ng mga watercolor na pintura ay kapareho ng mga ginamit sa iba pang mga pintura. Ngunit ang pigment ng watercolor ay sobrang pinong dinurog, dinala sa isang estado kung saan, habang nasa tubig, hindi ito tumira sa ilalim ng mahabang panahon. Ang pandikit - ang nagbubuklod na sangkap ng pigment na ito - ay dapat matunaw sa tubig, walang kulay, at nababanat. Ang iba't ibang mga pandikit ng halaman (gum arabic, dextrin, cherry glue, honey, atbp.) ay ginagamit bilang isang panali sa mga pintura ng watercolor; naglalaman din sila ng isang plasticizer sa anyo ng gliserin. Pinipigilan ng gliserin ang pintura na maging malutong at matuyo, dahil pinapanatili nito ang kahalumigmigan. Minsan ang apdo ng baka ay idinagdag sa mga watercolor upang madali itong makalatag sa ibabaw ng papel at hindi gumulong habang nagsusulat, at isang antiseptiko (phenol) na pumipigil sa pagkasira ng pintura mula sa amag.

Ang mga pintura ng watercolor ay madaling matunaw sa tubig, maaaring hugasan at magbigay ng isang transparent na layer na hindi makagambala sa pagmuni-muni ng liwanag mula sa papel. Ngunit ang ilang mga pintura ay mas transparent (carmine, iskarlata, esmeralda berde, atbp.), Mas ganap silang natutunaw sa tubig at nakahiga nang mas pantay sa papel. Ang iba (cadmium yellow, lemon, atbp.) ay may density at "covering power", na bumubuo ng mga coatings sa ibabaw.

Panatilihin mga pintura ng watercolor Ito ay mas mahusay sa isang malamig na lugar, sa labas ng direktang sikat ng araw, upang hindi sila tumigas mula sa tuyong hangin.

Ang modernong industriya ay gumagawa ng mga watercolor paint sa malawak na hanay. At, gaano man kayaman ang palette ng mga kulay, hindi ito magiging sapat upang ihatid ang iba't ibang kulay ng mundo sa paligid natin. Pinapalawak ng artist ang color palette sa pamamagitan ng paghahalo ng mga pintura, parehong mekanikal at optical - sa pamamagitan ng paglalagay ng isang layer ng pintura sa isa pa. Kinakailangang pag-aralan ang mga katangian ng iba't ibang mga pintura, suriin ang kanilang mga kakayahan sa takip, kulay at light fastness. Kinakailangan na subukan ang lahat ng posibleng mga kumbinasyon ng mga pintura, parehong isa-isa at sa mga mixtures sa bawat isa; maunawaan kung ano ang gumagawa ng "dumi" sa mga mixtures, at kung anong mga shade ang dapat mong bigyang pansin.

Ang “pure” na watercolor na pagpipinta ay pagpipinta gamit ang mga pintura nang hindi gumagamit ng puti. Dahil ang mga pintura ng watercolor ay transparent, ang papel mismo (mas madalas na karton) ay nagsisilbing "whitewash." Ang papel para sa pagpipinta ng watercolor ay ginawa sa iba't ibang grado sa mga tuntunin ng density at texture. Ang kulay, density, texture ng papel ay mayroon pinakamahalaga. Ang pinakamahusay na papel para sa mga watercolor ay makapal na papel na may butil na ibabaw na mahusay na nakadikit at pinaputi. May mga varieties mula sa pinong butil hanggang magaspang ang texture, na nakapagpapaalaala sa burlap. Ang texture ay nag-aambag sa lalim ng kulay, ginagawang posible para sa watercolor paint na madaling nakahiga sa ibabaw ng sheet sa pantay at transparent na mga layer, at mapanatili ang kahalumigmigan sa mga pores nang mas matagal. Ang papel na ito ay maaaring gamitin para sa maraming oras ng mga sketch, at nagbibigay-daan din ito sa iyo na hugasan ang mga masasamang lugar. Ang mga pintura ay hindi nakadikit nang maayos sa papel na may makinis na ibabaw at madaling hugasan ng brush kapag nag-aaplay ng kasunod na mga layer; mahirap magsagawa ng mahabang sketch dito.

Ang pare-parehong pamamahagi ng pintura ng watercolor sa ibabaw ng papel ay nahahadlangan ng pagkakaroon ng mantsa ng mantsa. Samakatuwid, bago magpinta, ang papel ay dapat hugasan ng distilled water gamit ang ilang patak ng ammonia. Ang dilaw na papel ay maaaring mapaputi sa pamamagitan ng paghuhugas nito gamit ang pamunas na binasa sa hydrogen peroxide.

Sa panahon ng trabaho, dapat mong alagaan ang kaputian ng papel sa mga maliliwanag na lugar (glare, puting ibabaw ng mga bagay, atbp.). Upang mapanatili ang mga magaan na lugar, maaari mong kiskisan ang mga naitalang lugar gamit ang isang razor blade, isang kutsilyo, at sa isang basang ibabaw, gamit ang hawakan ng isang brush. Ang isa pang paraan ay takpan ang mga naka-save na highlight at highlight gamit ang rubber cement. Matapos tapusin ang trabaho sa sketch, ang pandikit ay madaling maalis gamit ang isang malambot na pambura ng lapis.

Ang kulay ng papel ay ang background, palaging nakikilahok sa pagbuo ng kulay ng buong larawan. Ang isang magandang papel para sa watercolor painting ay papel na may mataas na lebel kaputian, dahil ang ibabaw nito ay sumasalamin nang mabuti sa liwanag sa pamamagitan ng mga layer ng pintura at nagbibigay sa kanila ng ningning, na nagpapakita ng mga nuances ng tono. Ginagamit din ang pre-tinting na puting papel sa pagpipinta ng watercolor. Pinagsasama ng tinted na papel ang pagpipinta at lumilikha ng isang coloristic na pundasyon para sa sketch. Ang tono nito ay nakasalalay sa mga gawaing nilulutas ng artist. Sa mga watercolor, ang papel ay madalas na tinted ng kape o chicory decoctions na may iba't ibang lakas. Ang tsaa ay nagbibigay ng magagandang lilim.

Upang maiwasan ang pag-warping ng papel mula sa kahalumigmigan, dapat itong nakadikit sa tablet. Ang basang papel ay inilalagay sa tablet, na naka-secure sa itaas na may isang frame. Kapag tuyo, ang papel ay umaabot nang pantay-pantay at hindi kumiwal. Upang panatilihing basa ang papel nang mas matagal, maaari kang maglagay ng basang materyal sa ilalim nito. Para sa maliliit na sukat ng watercolor na papel, maaari kang gumamit ng isang pambura. Ang pambura ay isang tablet na may partikular na sukat at mas malaking frame na nakapalibot dito.

Sa plein air ito ay maginhawa upang gumana sa tinatawag na gluings. Ang gluing ay isang stack ng mga sheet na may makapal na karton o playwud sa base. Ang mga sheet ng papel na nakadikit sa mga dulo ay bumubuo ng isang bloke. Ang ginamit na top sheet ay tinanggal, na nagpapakita ng bago para sa trabaho.

Ang mga watercolorist ay tradisyonal na gumamit ng mga squirrel, kolin at bristle brush, ngunit sa mga araw na ito ay may magagamit na magandang sintetikong mga brush sa buhok. Ang mga brush na ito ay praktikal na gamitin, ang kanilang buhok ay hindi mas mababa sa kolinsky brushes, at sila ay nadagdagan ang wear resistance at higit na tibay. Maaari silang maging bilog o patag na hugis. Sa mga watercolor, ang mga bilog na brush ay karaniwang ginagamit. Ang mga Kolinsky brush ay itinuturing na pinakamahusay; mas matibay at nababanat ang mga ito, at mas mababa ang kulubot. Ang kalidad ng brush ay nasuri sa ganitong paraan. Ang brush ay inilubog sa tubig, pagkatapos, pagkatapos alisin ito mula sa tubig, ito ay inalog. Kung ang dulo ng brush ay matalim, kung gayon ang brush ay itinuturing na angkop para sa trabaho.

Upang magpinta gamit ang mga watercolor kailangan mong magkaroon ng mga brush iba't ibang laki(mula No. 8 hanggang No. 16). Ang malaking bilog na brush ay ang pangunahing tool sa watercolor painting. Maaari itong magamit upang maglagay ng malalaking volume ng pintura o magsulat gamit ang dulo ng isang brush. Sa una, maaari kang gumawa ng isang malaking brush, kung saan gumagana ang artist nang malaya at malawak, sa malalaking relasyon. Habang naipon ang karanasan sa pagtatrabaho sa mga watercolor at nagiging mas kumplikado ang mga gawaing pang-edukasyon at malikhaing, dapat palawakin ng artist ang kanyang hanay ng mga brush.

Ang palette ay may malaking kahalagahan kapag nagtatrabaho sa mga watercolor. Ang palette ay dapat na malinis kulay puti. Upang maiwasan ang pagsipsip ng pintura, ang palette ay dapat na matigas, pantay at makinis. Gumagamit sila ng palette na gawa sa puting salamin sa isang kahoy na frame, na natatakpan ng puting pintura ng langis sa ilalim, o gawa sa puting porselana o earthenware. Maaari kang gumamit ng mga puting ceramic tile, mga plato, mga plato ng metal na pininturahan ng puting pintura bilang isang palette; Maaari ding gumana ang mga plastic palette, at available sa ilang watercolor paint set.

Kadalasan ang mga estudyante ay gumagamit ng papel bilang palette. Ang papel ay hindi angkop para sa mga layuning ito. Ang tubig ay mabilis na nakakasira ng papel, nagiging basa at nagpapahirap sa paggawa ng trabaho. Ang kawalan kapag nagtatrabaho sa tulad ng isang palette ay ang maluwag, babad na papel ay nag-aalis ng pinakamahalagang bagay mula sa pinaghalong pintura - mahusay na natunaw na mga pigment, mga sangkap na nagbubuklod; ang mga particle ng papel, pandikit at hindi gustong mga sangkap ay nakapasok sa pinaghalong pintura. mga kemikal na sangkap, na nag-aalis ng transparency at nagbibigay ng "dumi" sa pagpipinta.

Walang mga espesyal na easel o sketchbook para sa watercolor painting. Maaaring dalhin ang mga pintura sa anumang flat box. Maipapayo na magdala ng mga brush nang hiwalay, nakabalot sa isang tela o inilagay sa isang "brush carrier". Kapag nagdadala ka ng mga brush sa isang sketchbook, lumalala ang mga ito at nawawala ang kanilang hugis. Ang tubig ay maaaring dalhin sa malawak na leeg na flasks.

Ang maingat, masusing paghahanda ng mga materyales at kasangkapan para sa pagpipinta ng watercolor ay hindi dapat maging isang pasanin.

Mayroong ilang mga teknolohikal na paraan upang gumana sa mga pintura ng watercolor. Ngunit mayroong dalawang pangunahing pamamaraan: ang glaze method at ang "alla prima" na paraan. Kapag nagtatrabaho sa mahabang pag-aaral, ang una ay mas madalas na ginagamit. Para sa pagpipinta ng en plein air, sa mabilis na mga sketch, ang "alla prima" na paraan ay mas angkop.

Ang glazing bilang isang paraan ng multi-layer na pagpipinta ay batay sa paggamit ng transparency ng watercolor na pintura, ang mga katangian nito ng optical na komposisyon ng mga kulay kapag nag-aaplay ng isang transparent na layer ng pintura sa isa pa. Sa pamamagitan ng paglalapat ng isang layer ng pintura sa isa pa, maaari kang makakuha ng mas maraming saturated shade ng isang kulay, pati na rin ang form complex pinagsama-samang mga kulay. Gamit ang paraan ng glaze, ang lalim at saturation ng kulay ay nakakamit sa pamamagitan ng sunud-sunod na pagtakip sa isang mahusay na tuyo na transparent na layer na may isa pang layer ng pintura.

Ang isang mahabang pag-aaral gamit ang paraan ng glazing ay isinasagawa sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod. Una, ang isang light linear na pagguhit ay ginawa gamit ang isang lapis o isang manipis na brush sa anumang isang kulay, pagkatapos ay ang mga malalaking eroplano ng imahe ay inilatag gamit ang isang brush, ngunit hindi sa buong puwersa, ngunit bilang isang paunang coloristic na paghahanda para sa kasunod na pagpipinta. Mula sa simula ng paggawa sa isang sketch, dapat subukan ng isa na ihatid ang lahat ng mga ugnayan ng kalikasan nang tumpak hangga't maaari. Kinakailangan na magtatag ng isang koneksyon sa pagitan ng lahat ng mga kulay ng kalikasan, patuloy na ihambing ang tono ng pintura sa mga tuntunin ng saturation at liwanag.

Sa panahon ng trabaho, dapat mong patuloy na ihambing ang bawat isa mga relasyon sa kulay naglalarawan ng mga bagay kapwa sa totoong buhay at sa isang sketch, at ayon sa relasyon ng magkaparehong katangian: ihambing ang liwanag ng isang bagay sa liwanag ng isa pa, anino na may anino, atbp. Kinakailangang matukoy ang mga pangunahing kaibahan sa kalikasan - ang mga lugar at bagay na pinakamaliwanag at pinakamadilim sa lakas ng tono, upang agad na maitatag ang pagkakaiba sa pagitan ng pinakamaliwanag at pinakamadilim na lugar ng kalikasan. Kadalasan nangyayari ito sa harapan o espesyal na itinalagang "pangunahing" mga bagay ng kalikasan. Kapag nagsasagawa ng sketch, hindi mo maaaring limitahan ang iyong sarili sa pagtatrabaho sa isang lugar, sinusubukang tapusin ito kaagad, nang walang anumang koneksyon sa natitirang bahagi ng kapaligiran. Sa kalikasan, ang lahat ay magkakaugnay, at imposibleng matapat na kunin ang kulay ng itinatanghal na bagay sa paghihiwalay mula sa kapaligiran nito.

Dapat kang palaging magsagawa ng sketch ayon sa prinsipyo - mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak. Ang pagkakaroon ng buksan ang buong sketch na may magaan, malawak na mga spacer (maliban sa mga magaan na lugar at mga highlight), siguraduhin na ang mga relasyon na kinuha ay tama, maaari kang magsimula ng karagdagang trabaho - pag-sculpting ng hugis ng mga bagay, paglalagay ng mga kalahating tono, mga anino, mga reflexes. Kapag nagtatrabaho sa mga watercolor, ipinapayong magtrabaho mula sa liwanag hanggang sa madilim. Karaniwan, ang mga itinatanghal na bagay ay unang natatakpan ng malawak na magaan na mga patong ng pintura, na sa mga tuntunin ng lakas ng tono ay tumutugma sa pinakamagaan na iluminado na mga lugar ng mga itinatanghal na bagay. Pagkatapos ay inilapat ang mga anino. Pagkatapos nito, ang mga halftone ay natutukoy sa pamamagitan ng paghahambing ng mga ito sa bawat isa.

Gamit ang paraan ng glaze, ang layer ng pintura, kasama ang lahat ng mga multilayer nito (mas mabuti na hindi hihigit sa tatlong layer, kung hindi man ang mga pintura ay nawawalan ng transparency, na nagreresulta sa tinatawag na dumi) ay dapat manatiling manipis at transparent upang magpadala ng liwanag na makikita mula sa ibabaw ng ibabaw. papel. Nasa unang pagpaparehistro, kinakailangan na malinaw na balangkasin ang mga kaibahan - ang pinakamalaking pagkakaiba sa ratio ng aperture at ang ratio ng mainit at malamig na mga tono.

Ito ay ipinapayong gumamit ng katawan, na sumasaklaw sa mga pintura sa dulo ng trabaho upang lumikha ng higit na materyalidad, objectivity, at kabigatan. Dapat alalahanin na kapag ang pagpapatayo, ang mga pintura ng watercolor ay medyo nawawalan ng lakas ng kulay - nagpapagaan sila ng halos isang-katlo ng kanilang orihinal na lakas. Samakatuwid, kinakailangan upang gawing mas puspos, mas maliwanag ang mga kinakailangang kulay, upang maiwasan ang pagkapurol ng pagpipinta.

Ang isa pang paraan ng pagpipinta ng watercolor ay ang "alla prima" na paraan, kung saan sila ay nagpinta kaagad, nang walang sunud-sunod na aplikasyon ng mga layer ng pintura, ang bawat detalye ay nagsisimula at nagtatapos sa isang hakbang. Ang lahat ng mga kulay ay kinuha nang sabay-sabay buong lakas, na nagpapahintulot sa paggamit ng mga mechanical mixtures ng mga pintura, i.e. magkasundo nais na kulay mula sa ilang mga kulay sa palette. Kapag nagtatrabaho sa pamamaraang "alla prima", hindi ginagamit ang maraming pagpaparehistro. Ang pamamaraang ito ay mas katanggap-tanggap sa bukas na hangin. Kadalasan, ginagamit ng mga watercolor artist ang parehong pamamaraan.

Upang lumikha ng mga liwanag na paglipat ng kulay, lalo na sa mga malilim na lugar, sa mga bagay at eroplanong hawakan, kinakailangan na ang mga gilid ng inilapat na mga stroke ay sumanib. Upang gawin ito, ang papel ay pre-moistened sa tubig. Ang pamamaraang ito ay tinatawag na "raw".

Upang pabagalin ang pagpapatayo ng mga pintura sa panahon ng trabaho, maaari mong gamitin ang mga solusyon ng gliserin, sabon o pulot sa tubig kung saan ang mga pintura ay natunaw.

Ito ay kinakailangan upang maunawaan na ang mastering ang kasanayan ng watercolor painting ay hindi natutunan mula sa mga libro. Ang lahat ay natutunan sa pamamagitan ng pangmatagalang praktikal na gawain at personal na karanasan. Samakatuwid, ang pagsasanay ay ang pinakamahusay na paraan sa mastering ang pamamaraan ng watercolor painting.

Mga Reviewer:

Medvedev L.G., Doktor ng Pedagogical Sciences, Propesor, Dean ng Faculty of Arts ng Omsk State Pedagogical University, Omsk;

Shalyapin O.V., Doktor ng Pedagogical Sciences, Propesor, Pinuno ng Departamento ng Pagguhit, Pagpipinta at edukasyon sa sining Institute of Arts ng Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education "NGPU", Novosibirsk.

Bibliograpikong link

Sukharev A.I., Shchetinin I.D. TEKNOLOHIYA NG WATERCOLOR PAINTING // Mga kontemporaryong isyu agham at edukasyon. – 2015. – Hindi. 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21931 (petsa ng access: 02/01/2020). Dinadala namin sa iyong pansin ang mga magazine na inilathala ng publishing house na "Academy of Natural Sciences"

1) Pagpili ng paksa:

sa aking thesis ay bumaling ako sa isa sa mga uri sining biswal- pagpipinta. Landscape ang tema ng gawain. Angkop na banggitin ang pahayag ng sikat na Russian landscape artist I.I. Shishkina: "Ang pagpipinta ay dapat na isang kumpletong ilusyon, at hindi ito makakamit nang walang komprehensibong pag-aaral ng mga napiling motif kung saan naramdaman ng artist ang pinakadakilang atraksyon, na nananatili sa kanyang mga alaala sa pagkabata, iyon ay, ang tanawin ay hindi lamang pambansa. , ngunit lokal din.” (Abeldyaeva I.G. School of Fine Arts. Isyu 5. - M., 1962).

Ang pamantayan sa pagpili ng paksa ay ang aking personal na saloobin sa lokal tanawin ng dagat. Ang pagnanais na ihatid sa larawan ang isang maaraw na estado, ang tanawin ng Tsemes Bay na pamilyar mula pagkabata, na kinumpleto ng mga modernong gusali ng daungan.

2) Koleksyon ng materyal:

ang pagpipinta ay isang likha kumpletong larawan Ang kalikasan ay isang masining na paglalahat, ang pagbabago ng kalikasan sa tulong ng imahinasyon ng artista. Imposibleng baguhin nang maganda ang hindi mo alam. Samakatuwid, ang paglikha ng isang landscape ay palaging nauuna sa mahabang trabaho sa mga sketch mula sa buhay. "Dapat mong tingnan ang kalikasan nang simple, maingat, sinusubukan na maunawaan ang pangkalahatang impresyon nito, at mula doon pumunta sa mga detalye ..." (Masters sining ng Sobyet tungkol sa landscape, 1965).

Upang makumpleto ang gawain, isang koleksyon ang isinagawa materyal na paghahanda. Ito ay mga sketch, pencil sketch, pictorial short-term at long-term na pag-aaral na ginawa mula sa buhay.

(Appendix A, Fig. A1-A6). Ang pangunahing bentahe ng isang sketch ng landscape ay ang paglipat ng isang tiyak na estado ng pag-iilaw ng kalikasan, ang impluwensya ng kapaligiran ng hangin at makabuluhang espasyo. Ang mga sketch ay ginawa sa magkaibang panahon taon, iba't ibang oras ng araw.

3) compositional at coloristic na solusyon:

Komposisyonal na integridad pictorial sketch depende sa ugnayan sa pagitan ng pangunahin at pangalawa, sa pag-uugnay ng buong imahe sa isang gawa. Kapag tinutukoy ang compositional center, dapat na sinasadya ng artist na i-generalize ang mga detalye, pahinain ang tono at lakas ng kulay ng mga bagay na lumalayo mula sa compositional center, at ipailalim ang lahat ng tonal at color na relasyon sa pangunahing bagay.

4) karton (paghahanda ng pagguhit):

Ang pagkakaroon ng paglilinaw ng ideya sa mga sketch at sketch, na natagpuan ang isang linear at kulay na komposisyon, kailangan mong simulan ang pagguhit ng buong komposisyon sa karton o papel (Appendix A, Fig. A7). Ang karton ay ginawa sa laki ng buhay gamit ang lapis at uling. Sa loob nito, ang komposisyon na solusyon, ang likas na katangian ng hugis at mga proporsyon ng mga bagay, ang mga gawain ng aerial at linear na pananaw ay hinahasa at dinadala sa pagkumpleto, ang layout ng landscape ay tinutukoy, at ang sentro ng komposisyon. Pagkatapos nito, ang pagguhit mula sa karton (sa pamamagitan ng tracing paper o may pulbura) ay inilipat sa canvas.

5) Pagpipinta ng canvas:

Pagkatapos ng mga compositional na paghahanap at paggawa ng karton, maaari kang magsimulang magpinta sa canvas, simula sa underpainting, paglilinaw ng mga relasyon sa tonal at kulay, paglalagay ng mga anino, pag-aayos ng mga detalye. Susunod ay ang generalization at pagkumpleto ng trabaho (Appendix A, Fig. A8-A14).

1. Kung mayroon kang karanasan sa lapis, maaari mong ligtas na magsimulang matutong magpinta;
2. Kung wala kang karanasan, inirerekumenda muna namin na kumuha ka ng Basic na kurso sa isang painting school para sa mga nasa hustong gulang. Matapos makumpleto ang kursong ito, magiging mas madali para sa iyo ang pagsasanay sa pagpipinta;
3. Kung mayroon kang malubhang karanasan sa pagguhit gamit ang lapis at mga pintura, maaari kang magsimula, sa ilalim ng gabay ng isang bihasang guro, upang lumikha ng iyong sariling larawan, kopyahin ang mga master, o bumuo ng iyong sariling mga ideya.

Mga gawa sa pagpipinta

Natalya Kudryavtseva 3 buwan ng pagsasanay (langis);	Nastya Khokhlova 3 buwang pagsasanay (pastel)	5 buwang pagsasanay (langis)	Nastya Trosnova humigit-kumulang 6 na buwan ng pagsasanay (pastel)

Elya Grudina (12 taong gulang) 6 na buwang pagsasanay (langis)	Katya Popova (16 taong gulang) 8 buwang pagsasanay (langis)	Tanya Nigai (24 taong gulang) 7 buwang pagsasanay (langis)

Elena Orlova tungkol sa 2 taon ng pagsasanay (watercolor)	Valya Shvets (27 taong gulang) 4 na buwan ng pagsasanay (pastel)	Valya Shvets (27 taong gulang) 8 buwang pagsasanay (pastel)

Graphic na sining

Ipinapalagay ng indibidwal na diskarte na ginamit sa Art-Idea studio na ang guro ay nakikipagtulungan sa iyo batay sa iyong mga layunin at pangangailangan. Sa pagsasaalang-alang na ito, maaari mong pagbutihin ang anumang diskarte sa pagguhit na interesado ka, maging manipis at transparent na watercolor o isang mas matikas na pamamaraan ng pagpipinta ng langis. Gayundin sa paaralan ng pagpipinta para sa mga matatanda maaari kang maging pamilyar sa pinaka-pinong pamamaraan ng pastel, makintab na pamamaraan ng gouache, matte tempera o dry brush technique.

Sa paaralang Art-Idea, ang mga matatanda at bata ay maaaring mag-aral ng pagpipinta.

Paaralan ng pagpipinta

Mga gawaing ginawa gamit ang isang palette knife

Papunta sa pagpipinta ng paaralan, karaniwan naming ipinapalagay na kami ay gumuguhit sa isang piraso ng papel at gagamit ng brush! Ito ang aming karaniwang ideya. Kawili-wiling katotohanan: Hindi inirerekomenda ng paaralang Italyano ng pagpipinta ang paggamit ng mga brush para sa isang nagsisimulang pintor. Sa una, natututo silang ilarawan ang isang bagay sa pangkalahatan at sa pamamagitan lamang ng isang palette na kutsilyo. Inililihis ng brush ang atensyon patungo sa maliliit na bagay na hindi pa kailangan sa maagang yugto ng pag-aaral.

Ang pag-aaral ng mga kulay ay napakasaya! Marahil ay narinig mo na ang iba't ibang kulay ay may iba't ibang epekto sa mga tao. Kaya't ang pulang kulay ay maaaring makaganyak, at ang asul ay nagpapatahimik, ang dilaw ay nagdudulot ng kagalakan, at ang berde ay nagdudulot ng pagkakaisa. Sa buhay modernong tao Kadalasan mayroong kakulangan ng mga purong maliliwanag na kulay, kaya ang nalulumbay na kalooban at kawalan ng pag-asa. Pagsasanay sa pagpipinta sa ganitong kahulugan, ito ay nakapagpapagaling para sa karamihan ng mga tao, nagdaragdag ng panginginig ng boses at pagkakaisa sa kanilang buhay ng mga kulay na nawawala sa kanila! Mayroong kahit na tulad ng isang direksyon - art therapy, kung saan ang mga tao ay ginagamot sa tulong ng kulay. Kaya, ang pagpipinta ay madalas na nagkakasundo hindi lamang sa kaluluwa, kundi pati na rin sa katawan ng tao!

Pagsasanay sa pagpipinta pumasa sa Mga Studio No. 1(m. sq. Vosstaniya) o Mga Studio No. 2(metro Prosveshcheniya Ave. o metro Grazhdansky Ave.)

Ang gawa ni Dmitry Revyakin ay napaka-magkakaibang at sumasaklaw sa isang malawak na hanay ng mga lugar - mula sa oil painting at tempera hanggang sa wood carving at paglikha ng mga custom na item sa istilong "Steampunk". Espesyal na lugar ay inookupahan ng mga gawa na business card ang may-akda - pagpipinta at pag-ukit ng kahoy sa isang akda. Kagalingan sa maraming bagay kasanayan sa sining at ang mataas na antas ng kasanayan ni Dmitry Revyakin ay nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng mga orihinal na malikhaing gawa na kumakatawan sa organikong pagkakaisa ng pagpipinta at pag-ukit ng kahoy - ang larawan at ang frame bilang pagpapatuloy ng semantiko nito.

Ang mga kuwadro na gawa ni Dmitry Revyakin ay puno ng pagmamahal sa kalikasan ng Russia. Ang kanyang mga ipininta ay nagsasalita tungkol sa walang katapusang sari-saring kagandahan, kagandahan ng lahat ng panahon at magalang na saloobin ng pintor sa katutubong lupain. Ang mga landscape at still life sa langis ay nailalarawan sa pamamagitan ng ningning ng pagsulat, pagpapahayag ng mga detalye, kagandahan ng mga light nuances, at pangkalahatang pakiramdam ng kagalakan

Mga kopya ng mga pintura
(mga pintura na ginawa sa mga master class)

Pumili ng (mga) larawan, sa pagkakasunud-sunod, sa halip na pangalan ng pelikula, ipahiwatig ang pangalan ng larawan at sa loob ng 1-6 na oras makakatanggap ka ng mga detalye ng pagbabayad sa pamamagitan ng email

Gusto mo bang bumili ng pagpipinta sa pinakamababang presyo sa Moscow? Makipag-ugnay sa amin, dahil sa pagpipinta ng mga master class, na nagpapaliwanag sa mga mag-aaral kung paano ipinta ito o ang landscape na iyon o buhay pa, si Dmitry ay nagpinta ng isang larawan, at pagkatapos ay ibinebenta namin ito. Ang pinaka murang pagpipinta mga pintura ng langis Dito lang! Kung makakita ka ng mga painting sa Moscow na mas mura kaysa sa studio ni Leonardo, sumulat sa amin kung nasaan ang lugar na ito! Maaari kang tumingin at mag-order ng oil painting o pagbili mula sa mga nasa ibaba. Si Dmitry Revyakin ay isang mahusay na pintor at master ng kanyang craft, magagawa mo utos kanya kopya anumang kilala mga kuwadro na gawa o mag-order ng isang pagpipinta mula sa isang larawan. Nasa ibaba ang isang seleksyon ng mga orihinal na gawa ni Dmitry Revyakin (lahat ng mga painting ay ibinebenta).

Wood carving D.V. Revyakina.

Si Dmitry ay nakikibahagi sa pag-ukit ng kahoy at gumagana gamit ang pamamaraan ng marquetry. Maaari mong makita ang mga larawan ng mga gawa ni D.V. Revyakina sa ibaba.
Wood carving - tradisyonal sining ng Russia, na nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo. Ang mga bagay na gawa sa natural na kahoy ay pinupuno ang interior ng espesyal na kaginhawahan at init, na lumilikha ng imahe ng isang tahanan na mayaman sa tradisyon at pinahahalagahan ang katatagan. Ang site ay nagpapakita ng mga sumusunod na mga produktong inukit na kahoy na maaari mong bilhin: pastol (tea board), salamin frame, kahon, inukit na kasangkapan, atbp.

Steampunk.

D.V. Gumaganap ang Revyakin ng trabaho sa istilo ng Steampunk (tingnan ang larawan sa ibaba). Maaari kang mag-order ng steampunk portrait na naka-frame sa isang steampunk frame. Magagawa ng artist ang anumang utos. Ang Steampunk (o steampunk) ay isang direksyon batay sa pantasya, paglikha bagong realidad, mga bagay, gamit ang mekanikal at teknolohikal na elemento ng mga steam engine. Ang Steampunk bilang isang istilo ay karaniwan sa pagpipinta, graphics, eskultura at disenyo, at ang mga pang-araw-araw na bagay na nilikha sa istilong Steampunk ay napakapopular sa kapaligiran ng kabataan. Maaari ka ring mag-order ng isang pantasiya na larawan, at si Dmitry ay magpinta ng isang mahusay na larawan.

Plein na hangin.

Si Dmitry Revyakin ay madalas na nagsusulat mula sa buhay. Ang sinumang artista ay kumpirmahin na maaari ka lamang makakuha ng karanasan ng isang tunay na pintor sa pamamagitan ng pagtatrabaho sa open air, pag-aaral ng kalikasan. Isang masayang aktibidad humanap ng lugar sa kalikasan at sumulat ng maaga sa umaga magandang tanawin mula sa kalikasan. Pinakamainam na magtrabaho sa umaga o gabi dahil ang mga kulay ay pinaka-interesante sa artist sa oras na ito. Sa pamamagitan ng pag-aaral ng kalikasan, natututo ka ng tunay, hindi kathang-isip na mga kulay, hanapin at ihambing ang mga kumplikadong kumbinasyon ng kulay sa katotohanan sa paligid mo.
"Ang pagpipinta ng pintor ay hindi magiging perpekto kung gagawin niya ang mga pintura ng iba bilang inspirasyon; ngunit kung natututo siya mula sa mga likas na bagay, magbubunga siya ng magandang bunga." Leonardo Da Vinci.

Teknik ng pagpipinta- isang hanay ng mga pamamaraan para sa paggamit ng mga masining na materyales at paraan.

Mga tradisyunal na pamamaraan ng pagpipinta: encaustic, tempera, pader (dayap), pandikit at iba pang uri. Mula noong ika-15 siglo, ang pamamaraan ng pagpipinta gamit ang mga pintura ng langis ay naging popular; noong ika-20 siglo, lumitaw ang mga sintetikong pintura na may polymer binder (acrylic, vinyl, atbp.). Ang gouache, watercolor, Chinese ink at semi-drawing technique - pastel - ay inuri din bilang pagpipinta.

WATERCOLOR

Watercolor(mula sa Italyano na "aquarello") - nangangahulugang pagpipinta gamit ang mga pinturang nakabatay sa tubig.

Mayroong maraming mga artistikong pamamaraan sa watercolor: nagtatrabaho sa basang papel ("A la Prima"), nagtatrabaho sa tuyong papel, pagbuhos, paghuhugas, paggamit ng mga lapis ng watercolor, tinta, pagtatrabaho sa isang tuyong brush, gamit ang isang palette kutsilyo, asin, multi- layer painting, gamit ang mixed media.

Mga uri ng mga diskarte sa watercolor:

tuyo - pagpipinta sa tuyong papel, na ang bawat layer ng pintura ay natutuyo bago ilapat ang susunod

hilaw, basang watercolor, alla prima - pagpipinta sa basang papel. Ang wet-on-wet technique ay gumagamit ng daloy ng watercolor at lumilikha ng hindi pangkaraniwang mga epekto ng kulay. Ang paggamit ng pamamaraang ito ay nangangailangan ng kaalaman sa antas ng kahalumigmigan ng papel at karanasan sa paggamit ng pamamaraan mismo.

Ang Alla prima (ala prime) (nagmula sa Italyano na alla prima - sa unang sandali) ay isang uri ng oil at watercolor painting technique na kinabibilangan ng pagkumpleto ng isang pagpipinta (o isang fragment nito) sa isang session, nang walang mga paunang marka o underpainting.

Ang pagpuno ay isang napaka-kagiliw-giliw na pamamaraan sa watercolor. Nagbibigay-daan sa iyo ang mga makinis na paglipat ng kulay na epektibong ilarawan ang kalangitan, tubig, at mga bundok.

Ang kutsilyo ng palette ay ginagamit hindi lamang sa pagpipinta ng langis, kundi pati na rin sa pagpipinta ng watercolor. Sa isang palette na kutsilyo maaari mong bigyang-diin ang mga balangkas ng mga bundok, bato, bato, ulap, mga alon ng dagat, ilarawan ang mga puno, bulaklak.

Ang sumisipsip na mga katangian ng asin ay ginagamit upang makagawa ng mga kagiliw-giliw na epekto sa mga watercolor. Sa tulong ng asin maaari mong palamutihan ang isang parang na may mga bulaklak, kumuha ng isang mobile kapaligiran ng hangin sa larawan, gumagalaw ang mga paglipat ng tonal.

Ang pagpipinta ng multilayer ay mayaman sa kulay. Ang pagpipinta ng multilayer ay gumagamit ng lahat ng masining na pamamaraan ng pagtatrabaho sa mga watercolor.

Ang watercolor ay isa sa pinakamahirap mga diskarte sa pagpipinta. Ang pangunahing kalidad ng watercolor ay ang transparency at airiness ng imahe. Ang maliwanag na pagiging simple at kadalian ng pagpipinta gamit ang mga watercolor ay mapanlinlang. Pagpipinta ng watercolor nangangailangan ng karunungan sa isang brush, karunungan sa pagtingin sa tono at kulay, kaalaman sa mga batas ng paghahalo ng mga kulay at paglalagay ng layer ng pintura sa papel. Mayroong maraming mga diskarte sa watercolor: pagtatrabaho sa tuyong papel, pagtatrabaho sa basang papel ("A la Prima"), gamit ang mga watercolor na lapis, tinta, multi-layer na pagpipinta, pagtatrabaho sa isang tuyong brush, pagbuhos, paghuhugas, gamit ang isang palette na kutsilyo , asin, gamit ang mixed media.

Watercolor, sa kabila maliwanag na pagiging simple at kadalian ng pagguhit, ang pinaka kumplikadong pamamaraan ng pagpipinta. Ang pagpipinta ng watercolor ay nangangailangan ng kasanayan sa brush, karunungan sa pagtingin sa tono at kulay, kaalaman sa mga batas ng paghahalo ng mga kulay at paglalagay ng isang layer ng pintura sa papel.

Para sa gawaing watercolor, ang papel ay isa sa pinakamahalagang materyales. Ang mahalaga ay ang kalidad nito, uri, relief, density, laki ng butil, sukat. Depende sa kalidad ng papel, ang mga pintura ng watercolor ay inilalapat sa papel, hinihigop, at pinatuyo nang iba.

LAPIS

Ang lapis ay isang materyal para sa pagguhit. May mga itim na grapayt at mga kulay na lapis. Ang mga guhit na lapis ay ginagawa sa papel gamit ang shading, tonal spot, at liwanag at lilim.

Ang watercolor pencils ay isang uri ng colored pencils na nalulusaw sa tubig. Ang mga diskarte para sa paggamit ng mga lapis ng watercolor ay iba-iba: pag-blur ng isang guhit gamit ang isang lapis ng watercolor na may tubig, nagtatrabaho sa isang lapis ng watercolor na babad sa tubig, nagtatrabaho gamit ang isang lapis sa basang papel, atbp. Ito ay mas mahirap na gumawa ng isang pagguhit.

Sa pamamagitan ng isang lapis maaari kang makakuha ng walang katapusang maraming mga shade at gradations ng tono. Ang mga lapis na may iba't ibang antas ng lambot ay ginagamit sa pagguhit.

Ang trabaho sa isang graphic na pagguhit ay nagsisimula sa isang nakabubuo na pagguhit, i.e. pagguhit ng mga panlabas na contours ng isang bagay gamit ang mga linya ng konstruksiyon, kadalasang may medium-soft na lapis H, HB, B, F, pagkatapos ay sa isang pagguhit ng tono, kung saan walang mga linya ng contour ng mga bagay, at ang mga hangganan ng mga bagay ay ipinahiwatig ng pagtatabing; kung kinakailangan, mas malambot na mga lapis ang ginagamit. Ang pinakamahirap ay 9H, ang pinakamalambot ay 9B.

Kapag gumuhit gamit ang isang lapis, ipinapayong gumawa ng kaunting mga pagwawasto hangga't maaari at gumamit ng isang pambura nang maingat upang hindi mag-iwan ng mga mantsa, upang ang pagguhit ay magmukhang sariwa at maayos. Mas mainam na huwag gumamit ng pagtatabing sa pagguhit ng lapis para sa parehong mga kadahilanan. Upang ilapat ang tono, ginagamit ang pamamaraan ng pagtatabing. Ang mga stroke ay maaaring magkakaiba sa direksyon, haba, espasyo, at presyon ng lapis. Ang direksyon ng stroke (pahalang, patayo, pahilig) ay tinutukoy ng hugis, laki ng bagay, at paggalaw ng ibabaw sa pagguhit.

Ang isang lapis na larawan ay nagiging napaka-makatotohanan at puno ng liwanag. Pagkatapos ng lahat, sa tulong ng isang lapis maaari mong ihatid ang maraming mga kakulay, lalim at dami ng imahe, at mga paglilipat ng chiaroscuro.

Ang pagguhit ng lapis ay naayos na may isang fixative, kaya ang pagguhit ay hindi mawawala ang kalinawan nito, hindi pahid kahit na hinawakan ng kamay, at napanatili sa mahabang panahon.

LANGIS

Ang pagpipinta ng langis sa canvas ay ang pinakasikat na pamamaraan ng pagpipinta. Ang pagpipinta ng langis ay nagbibigay sa master ng walang limitasyong bilang ng mga paraan upang ilarawan at ihatid ang mood ng nakapaligid na mundo. Malagkit o mahangin na transparent na mga stroke kung saan nakikita ang canvas, na lumilikha ng isang kaluwagan gamit ang isang palette na kutsilyo, glazing, ang paggamit ng mga transparent o opaque na mga pintura, iba't ibang mga pagkakaiba-iba ng paghahalo ng kulay - lahat ng iba't ibang mga diskarte sa pagpipinta ng langis ay nagpapahintulot sa artist na mahanap at maihatid ang mood, ang dami ng mga itinatanghal na bagay, ang kapaligiran ng hangin, at lumikha ng ilusyon na espasyo, ihatid ang kayamanan ng mga kakulay ng nakapaligid na mundo.

Ang pagpipinta ng langis ay may sariling kakaiba - ang larawan ay pininturahan sa ilang mga layer (2-3), ang bawat layer ay kailangang matuyo ng ilang araw depende sa mga materyales na ginamit, kaya kadalasan ang isang oil painting ay pininturahan mula sa ilang araw hanggang ilang linggo.

Ang pinaka-angkop na materyal para sa pagpipinta ng langis ay linen canvas. Ang linen na tela ay matibay at may makulay na texture. Mga linen na canvases dumating sa iba't ibang laki ng butil. Para sa mga portrait at detalyadong pagpipinta, ginagamit ang pinong butil, mas makinis na canvas. Ang coarse-grained canvas ay angkop para sa pagpipinta na may binibigkas na texture (mga bato, bato, puno), impasto painting at palette knife painting. Noong nakaraan, ang pagpipinta ay ginamit ang pamamaraan ng glazing, paglalapat ng pintura sa manipis na mga layer, kaya ang pagkamagaspang ng linen layer ay nagbigay ng kagandahan ng pagpipinta. Sa kasalukuyan, ang pamamaraan ng impasto stroke ay kadalasang ginagamit sa pagpipinta. Gayunpaman, ang kalidad ng canvas ay mahalaga para sa pagpapahayag ng pagpipinta.

Ang cotton canvas ay isang matibay at murang materyal, na angkop para sa pagpipinta na may mga paste stroke.

Ginagamit din ng oil painting ang mga base gaya ng burlap, plywood, hardboard, metal, at maging papel.

Ang mga canvases ay nakaunat sa karton at sa isang stretcher. Manipis ang mga canvases sa karton at kadalasang walang malalaking sukat, at hindi lalampas sa 50*70. Ang mga ito ay magaan at madaling dalhin. Ang mga canvases sa isang stretcher ay mas mahal; ang mga natapos na canvases sa isang stretcher ay maaaring umabot sa sukat na 1.2m by 1.5m. Ang natapos na pagpipinta ay naka-frame.

Bago magtrabaho sa langis, ang mga canvases ay nakadikit at primed. Ito ay kinakailangan upang ang pintura ng langis ay hindi sirain ang canvas, at upang ang pintura ay sumunod nang maayos sa canvas.

Ang mga oil painting ay kadalasang ginagawa sa pamamagitan ng paglalagay ng canvas sa isang easel. Ang oil painting ay gumagamit ng palette knife technique. Ang palette knife ay isang tool na gawa sa flexible steel sa anyo ng kutsilyo o spatula na may curved handle. Iba't ibang hugis palette kutsilyo ay tumutulong upang makamit iba't ibang mga texture, kaluwagan, dami. Maaari mo ring ilapat ang pantay, makinis na mga stroke gamit ang isang palette knife. Ang talim ng isang palette na kutsilyo ay maaari ding gamitin upang lumikha ng mga pinong linya - patayo, pahalang, magulo.

PASTEL

Pastel(mula sa Latin na pasta - kuwarta) - isang pamamaraan ng pagpipinta at pagguhit sa magaspang na ibabaw ng papel at karton na may mga pastel. Ang pastel ay isa sa mga hindi pangkaraniwang uri ng mga visual na materyales. Ang pagpipinta ng pastel ay mahangin at banayad. Ang subtlety at elegance ng pastel technique ay nagbibigay sa mga painting ng isang buhay na buhay, minsan hindi kapani-paniwala at mahiwagang kalidad. Sa "dry" pastel technique, ang "shading" na pamamaraan ay malawakang ginagamit, na nagbibigay ng epekto ng malambot na mga transition at delicacy ng kulay. Ang pastel ay inilapat sa magaspang na papel. Mahalaga ang kulay ng papel. Ang kulay ng background, na lumilitaw sa pamamagitan ng mga stroke ng pastel, ay nagdudulot ng isang tiyak na mood, nagpapahina o nagpapahusay sa mga epekto ng kulay ng pagguhit. Ang mga pagpipinta ng pastel ay naayos na may fixative at nakaimbak sa ilalim ng salamin.

Ang pamamaraan ng pastel ay nakakuha ng malawak na katanyagan at umabot sa rurok nito noong ika-18 siglo. Ang Pastel ay may pag-aari na magbigay ng pambihirang lambot at lambing sa anumang paksa. Gamit ang diskarteng ito, maaari kang lumikha ng anumang mga paksa - mula sa mga landscape hanggang sa mga guhit ng mga tao.

Ang mga bentahe ng pastel ay mahusay na kalayaan para sa artist: pinapayagan ka nitong alisin at takpan ang buong mga layer ng pagpipinta, ihinto at ipagpatuloy ang trabaho anumang oras. Pinagsasama ng Pastel ang mga posibilidad ng pagpipinta at pagguhit. Maaari kang gumuhit at magsulat gamit ito, magtrabaho sa pagtatabing o isang painterly spot, na may tuyo o basang brush.

Mga uri ng pastel:

tuyo- ginawa mula sa pigment sa pamamagitan ng pagpindot nang walang pagdaragdag ng langis

langis- ginawa mula sa pigment na may linseed oil sa pamamagitan ng pagpindot.

waxy- ginawa mula sa pigment sa pamamagitan ng pagpindot sa pagdaragdag ng wax

Ang mga pamamaraan para sa pagtatrabaho sa mga pastel ay iba-iba. Ang mga pastel touch ay pinahiran ng mga daliri, espesyal na brush, leather roller, silk square brush, at soft swab. Ang pamamaraan ng pastel ay napaka banayad at kumplikado sa mga overlay nito ng pastel na "glaze" na kulay sa kulay. Ang pastel ay inilapat sa mga spot, stroke, at glazes.

Upang gumana sa mga pastel na lapis, kailangan mo ng mga base na humahawak sa pastel at pinipigilan itong mahulog. Ang mga pastel ay ginagamit sa magaspang na uri ng papel, tulad ng torchon, whatman paper, papel de liha, on loose, fleecy cardboard, suede, parchment, at canvas. Ang pinakamahusay na base ay suede, kung saan nakasulat ang ilang mga klasikong gawa. Ang mga guhit ng pastel ay sinigurado ng mga espesyal na fixative na pumipigil sa pagbagsak ng pastel.

Si Edgar Degas ay isang hindi maunahang master ng pastel. Si Degas ay may matalas na mata at isang hindi nagkakamali na pagguhit, na nagpapahintulot sa kanya na makamit ang mga hindi pa nagagawang epekto sa mga pastel. Kailanman ay hindi naging ganoon kagalang-galang ang mga guhit ng pastel, mahusay na walang ingat at napakamahal sa kulay. Sa kanyang mga huling gawa, na nakapagpapaalaala sa isang maligaya na kaleydoskopo ng mga ilaw, si E. Degas ay nahuhumaling sa pagnanais na ihatid ang ritmo at paggalaw ng eksena. Upang bigyan ang mga pintura ng isang espesyal na ningning at gawing glow, ang artist ay dissolved ang pastel na may mainit na tubig, ginagawa itong isang uri ng pintura ng langis, at inilapat ito sa canvas gamit ang isang brush. Noong Pebrero 2007, sa isang auction ng Sotheby sa London, ang pastel ni Degas na "Three Dancers in Purple Skirts" ay naibenta sa halagang $7.87 milyon. Sa Russia, ang mga masters gaya nina Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, at Petrov-Vodkin ay nagtrabaho sa mga pastel.

SANGUINE

Ang hanay ng kulay ng sanguine, isang materyal para sa pagguhit, ay mula sa kayumanggi hanggang malapit sa pula. Sa tulong ng sanguine, ang mga tono ng katawan ng tao ay mahusay na naihatid, kaya ang mga portrait na ginawa gamit ang sanguine ay mukhang natural. Ang pamamaraan ng pagguhit mula sa buhay gamit ang sanguine ay kilala mula pa noong Renaissance (Leonardo da Vinci, Raphael). Ang sanguine ay madalas na pinagsama sa uling o lapis ng Italyano. Upang matiyak ang higit na tibay, ang mga guhit ng sanguine ay naayos na may fixative o inilagay sa ilalim ng salamin.

Ang Sanguina ay kilala mula pa noong unang panahon. Noon pinahintulutan ng sanguine ang pagpapakilala ng kulay ng laman sa pagguhit. Ang pamamaraan ng pagguhit na may sanguine ay naging laganap noong Renaissance. Ang mga artista ng Renaissance ay binuo at malawak na ginamit ang "tatlong lapis" na pamamaraan: nagpinta sila ng isang guhit sa sanguine o sepia at uling sa toned na papel, at pagkatapos ay i-highlight ang mga nais na lugar na may puting chalk.

Sangina(mula sa Latin na "sanguineus" - "pula ng dugo") - ito ay mga lapis ng pula-kayumanggi na tono. Ang Sanguine ay ginawa mula sa pinong giniling na sinunog na sienna at luad. Tulad ng pastel, uling at sarsa, ang sanguine ay malambot na materyal, na sa panahon ng paggawa ay hinuhubog sa tetrahedral o bilog na mga krayola.

Sa tulong ng sanguine, ang mga tono ng katawan ng tao ay mahusay na naihatid, kaya ang mga portrait na ginawa gamit ang sanguine ay mukhang natural.

Ang pamamaraan ng pagtatrabaho sa sanguine ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng mga malawak na stroke at pagtatabing na may mga stroke ng matalim na mga bloke ng sanguine. Ang magagandang mga guhit ng sanguine ay nakuha sa isang toned background, lalo na kapag ang uling at chalk ay idinagdag sa base na materyal (ang "tatlong lapis" na pamamaraan).

Para sa pagguhit, pumili ng sanguine ng isang lilim na mas nababagay sa mga katangian ng kalikasan. Halimbawa, mainam na magpinta ng hubad na katawan na may mapula-pula na sanguine, at isang tanawin na may kulay-abo na kayumanggi o sepya na kulay sanguine.

Minsan ang sanguine ay pinagsama sa uling, na gumagawa ng mga cool shade. Ang kaibahan ng mainit at malamig na lilim ay nagbibigay ng isang espesyal na kagandahan sa naturang mga gawa.

Upang matiyak ang higit na tibay, ang mga disenyo ng sanguine ay maaaring i-secure ng isang fixative o ilagay sa ilalim ng salamin.

TEMPERA

Tempera(mula sa Latin na "temperare" - upang kumonekta) - isang panali ng mga pintura, na binubuo ng isang natural o artipisyal na emulsyon. Bago ang pagpapabuti ng mga pintura ng langis ni J. Van Eyck (ika-15 siglo), ang medieval egg tempera ay isa sa pinakasikat at laganap na uri ng pagpipinta sa Europa, ngunit unti-unting nawala ang kahalagahan nito.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pagkabigo na dumating sa pagpipinta ng langis sa kalaunan ay nagsilbing simula ng paghahanap para sa mga bagong panali para sa mga pintura, at ang nakalimutang tempera, ang mahusay na napanatili na mga gawa na nagsasalita nang mahusay para sa kanilang sarili, ay muling nakakuha ng interes. .

Sa kaibahan sa pagpipinta ng langis at lumang tempera, ang bagong tempera ay hindi nangangailangan ng artist na magkaroon ng isang tiyak na sistema para sa pagpipinta, na nagbibigay sa kanya ng kumpletong kalayaan sa bagay na ito, na magagamit niya nang walang anumang pinsala sa lakas ng pagpipinta. Ang tempera, hindi tulad ng langis, ay mabilis na natutuyo. Ang mga pagpipinta ng tempera na pinahiran ng barnis ay hindi mas mababa sa mga pintura ng langis sa mga tuntunin ng kulay, at sa mga tuntunin ng hindi nababago at tibay, ang mga pintura ng tempera ay higit na nakahihigit sa mga pintura ng langis.

Ang mga graphic na materyales at diskarte ay iba-iba, ngunit, bilang isang patakaran, ang batayan ay isang sheet ng papel. Malaki ang papel ng kulay at texture ng papel. Ang mga makukulay na materyales at diskarte ay tinutukoy ng uri ng mga graphic.