Romantisismo.

Romantisismo (French romantisme), isang ideolohikal at masining na kilusan sa kulturang Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Nagmula bilang isang reaksyon sa rasyonalismo at mekanismo ng aesthetics ng klasisismo at ang pilosopiya ng Enlightenment, na itinatag sa panahon ng rebolusyonaryong pagkasira ng pyudal na lipunan, ang dating, tila hindi matitinag na kaayusan ng mundo, romantisismo (parehong isang espesyal na uri ng pananaw sa mundo. at bilang isang masining na kilusan) ay naging isa sa pinakamasalimuot at panloob na kontradiksyon na mga penomena sa kasaysayan ng kultura. Ang pagkabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, sa mga resulta ng Great French Revolution, pagtanggi sa utilitarianism ng modernong realidad, ang mga prinsipyo ng burgis na praktikalidad, ang biktima kung saan ay ang indibidwalidad ng tao, isang pesimistikong pananaw sa mga prospect para sa panlipunang pag-unlad, at ang kaisipan ng "kalungkutan sa mundo" ay pinagsama sa romantikismo na may pagnanais para sa pagkakaisa sa pagkakasunud-sunod ng mundo, espirituwal na integridad ng indibidwal , na may grabitasyon patungo sa "walang hanggan", na may paghahanap para sa bago, ganap at walang kondisyon na mga mithiin. Ang matinding alitan sa pagitan ng mga mithiin at mapang-aping katotohanan ay nagbunsod sa isipan ng maraming romantiko ng isang masakit na fatalistic o nagagalit na pakiramdam ng dalawahang mundo, isang mapait na pangungutya sa pagkakaiba sa pagitan ng mga panaginip at katotohanan, na itinaas sa panitikan at sining sa prinsipyo ng "romantic irony." Ang isang uri ng pagtatanggol sa sarili laban sa lumalagong leveling ng personalidad ay naging pinakamalalim na interes sa personalidad ng tao na likas sa romantisismo, na nauunawaan ng mga romantiko bilang ang pagkakaisa ng mga indibidwal na panlabas na katangian at natatanging panloob na nilalaman. Ang pagtagos sa kailaliman ng espirituwal na buhay ng tao, ang panitikan at sining ng romantikismo ay sabay-sabay na inilipat ang matinding pakiramdam na ito ng katangian, orihinal, natatangi sa mga tadhana ng mga bansa at mga tao, sa makasaysayang katotohanan mismo. Ang napakalaking pagbabago sa lipunan na naganap sa harap ng mga romantiko ay naging malinaw na nakikita ang progresibong takbo ng kasaysayan. Sa pinakamahusay na mga gawa nito, ang romantikismo ay umaangat sa paglikha ng simboliko at kasabay na mahahalagang larawan na nauugnay sa modernong kasaysayan. Ngunit ang mga imahe ng nakaraan, na iginuhit mula sa mitolohiya, sinaunang at medyebal na kasaysayan, ay kinakatawan ng maraming mga romantiko bilang salamin ng mga tunay na salungatan sa ating panahon.

Ang Romantisismo ang naging unang kilusang masining kung saan malinaw na ipinakita ang kamalayan ng malikhaing personalidad bilang isang paksa ng aktibidad sa sining. Ang Romantics ay lantarang ipinahayag ang tagumpay ng indibidwal na panlasa at kumpletong kalayaan ng pagkamalikhain. Ang paglalagay ng malikhaing gawa mismo ay mapagpasyang kahalagahan, pagsira sa mga hadlang na humadlang sa kalayaan ng artista, matapang nilang tinutumbasan ang mataas at mababa, ang trahedya at ang komiks, ang karaniwan at hindi karaniwan. Nakuha ng Romantisismo ang lahat ng larangan ng espirituwal na kultura: panitikan, musika, teatro, pilosopiya, aesthetics, philology at iba pang humanidades, plastic arts. Ngunit sa parehong oras, hindi na ito ang unibersal na istilo na ang klasiko. Hindi tulad ng huli, ang romantikismo ay halos walang mga anyo ng pagpapahayag ng estado (samakatuwid, hindi ito makabuluhang nakakaapekto sa arkitektura, na nakakaimpluwensya sa pangunahing arkitektura ng landscape, ang arkitektura ng maliliit na anyo at ang direksyon ng tinatawag na pseudo-Gothic). Ang pagiging hindi gaanong istilo bilang isang kilusang panlipunang masining, ang romantikismo ay nagbukas ng daan para sa karagdagang pag-unlad ng sining noong ika-19 na siglo, na naganap hindi sa anyo ng mga komprehensibong istilo, ngunit sa anyo ng magkahiwalay na paggalaw at uso. Gayundin, sa kauna-unahang pagkakataon sa romantikismo, ang wika ng mga artistikong anyo ay hindi ganap na inisip muli: sa isang tiyak na lawak, ang mga estilistang pundasyon ng klasisismo ay napanatili, makabuluhang binago at muling inisip sa ilang mga bansa (halimbawa, sa France). Kasabay nito, sa loob ng balangkas ng isang solong istilong direksyon, ang indibidwal na istilo ng artist ay nakatanggap ng higit na kalayaan sa pag-unlad.

Ang pag-unlad sa maraming bansa, ang romantikismo sa lahat ng dako ay nakakuha ng matingkad na pambansang pagkakakilanlan, na tinutukoy ng mga makasaysayang kondisyon at pambansang tradisyon. Ang mga unang palatandaan ng romantisismo ay lumitaw nang halos sabay-sabay sa iba't ibang mga bansa. Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. ang mga tampok ng romantikismo ay likas na sa iba't ibang antas: sa Great Britain - sa mga kuwadro na gawa at mga graphic na gawa ng Swiss I. G. Fusli, kung saan ang isang madilim, sopistikadong katawa-tawa ay sumisira sa klasiko na kalinawan ng mga imahe, at sa mga gawa ng makata at artist W. Blake, tiomak na may mystical visionaryness; sa Espanya - ang huli na mga gawa ni F. Goya, na puno ng walang pigil na pantasya at trahedya, marubdob na protesta laban sa pambansang kahihiyan; sa France - ang kabayanihang nasasabik na mga larawan ni J. L. David na nilikha sa mga rebolusyonaryong taon, ang mga maagang matinding dramatikong komposisyon at mga larawan ni A. J. Gro, na napuno ng mapangarapin, medyo mataas na liriko ng mga gawa ni P. P. Prudhon, pati na rin ang magkasalungat na kumbinasyon ng romantikong mga tendensya sa akademikong pamamaraan sa mga gawa ni F. Gerard.

Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romantikismo ay binuo sa France sa panahon ng Pagpapanumbalik at ng Monarkiya ng Hulyo sa isang matigas na pakikibaka laban sa dogmatismo at abstract rasyonalismo ng huling akademikong klasisismo. Nagprotesta laban sa pang-aapi at reaksyon, maraming mga kinatawan ng French romanticism ang natagpuan ang kanilang sarili nang direkta o hindi direktang nauugnay sa mga kilusang panlipunan noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. at madalas na umabot sa punto ng tunay na rebolusyonismo, na tumutukoy sa mabisa, peryodista na katangian ng romantikismo sa France. Ang mga artistang Pranses ay nagre-reporma ng mga larawan at nagpapahayag na paraan: dina-dinam nila ang komposisyon, pinagsasama ang mga anyo na may marahas na paggalaw, gumagamit ng maliliwanag, mayaman na mga kulay batay sa mga kaibahan ng liwanag at anino, mainit at malamig na mga tono, at gumagamit ng isang kumikinang at magaan, kadalasang pangkalahatang estilo ng pagpipinta. Sa mga gawa ng tagapagtatag ng romantikong paaralan, si T. Gericault, na nagpapanatili pa rin ng isang pagkakaugnay para sa pangkalahatan, kabayanihan na mga klasikong imahe, sa unang pagkakataon sa sining ng Pranses, isang protesta laban sa nakapaligid na katotohanan at isang pagnanais na tumugon sa mga pambihirang kaganapan. ng ating panahon, na sa kanyang mga gawa ay naglalaman ng trahedya na kapalaran ng modernong France, ay ipinahayag. Noong 1820s. Si E. Delacroix ang naging kinikilalang pinuno ng romantikong paaralan. Ang pakiramdam ng pakikilahok sa mahusay na makasaysayang mga kaganapan na nagbabago sa mukha ng mundo, ang apela sa culminating, kapansin-pansing talamak na mga tema ay nagdulot ng kalunos-lunos at kapansin-pansing intensity ng kanyang pinakamahusay na mga gawa. Sa larawan, ang pangunahing bagay para sa mga romantiko ay upang makilala ang mga maliliwanag na karakter, ang pag-igting ng espirituwal na buhay, ang panandaliang paggalaw ng damdamin ng tao; sa tanawin - paghanga sa kapangyarihan ng kalikasan, na inspirasyon ng mga elemento ng uniberso. Para sa mga graphic ng French romanticism, ang paglikha ng mga bago, mass-produced forms sa lithography at book woodcuts (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, mamaya Granville, G. Doré) ay nagpapahiwatig. Ang mga romantikong tendensya ay likas din sa gawain ng mahusay na graphic artist na si O. Daumier, ngunit lalo itong binibigkas sa kanyang pagpipinta. Ang mga masters ng romantikong iskultura (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) ay lumipat mula sa mahigpit na tectonic na komposisyon sa isang libreng interpretasyon ng mga form, mula sa dispassion at kalmadong kadakilaan ng klasikong plasticity hanggang sa marahas na paggalaw.

Sa mga gawa ng maraming mga romantikong Pranses, lumitaw din ang mga konserbatibong tendensya ng romantikismo (idealisasyon, indibidwalismo ng pang-unawa, nagiging kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa, paghingi ng tawad para sa Middle Ages, atbp.), na humahantong sa relihiyosong pagkadama at bukas na pagluwalhati sa monarkiya (E. Deveria , A. Schaeffer, atbp.). Ang ilang mga pormal na prinsipyo ng romantikismo ay malawakang ginagamit din ng mga kinatawan ng opisyal na sining, na eklektikong pinagsama ang mga ito sa mga pamamaraan ng akademiko (melodramatic historical paintings ni P. Delaroche, superficially effective parade at battle works ni O. Vernet, E. Meissonnier, atbp. ).

Ang makasaysayang kapalaran ng romantikismo sa France ay kumplikado at hindi maliwanag. Sa mga huling gawa ng pinakamalaking kinatawan nito, malinaw na ipinakita ang mga makatotohanang tendensya, na bahagyang likas sa napaka-romantikong konsepto ng pagiging tiyak ng tunay. Sa kabilang banda, ang mga romantikong uso sa iba't ibang antas ay nakuha ang maagang gawain ng mga kinatawan ng realismo sa French art - C. Corot, masters ng Barbizon school, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet. Ang mistisismo at kumplikadong alegorismo, kung minsan ay likas sa romantikismo, ay natagpuan ang pagpapatuloy sa simbolismo (G. Moreau at iba pa); Ang ilang mga tampok na katangian ng aesthetics ng romanticism ay muling lumitaw sa sining ng "moderno" at post-impressionism.

Ang mas kumplikado at kontradiksyon ay ang pag-unlad ng romantikismo sa Alemanya at Austria. Ang romantikong sinaunang Aleman, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng malapit na atensyon sa lahat ng bagay na lubos na indibidwal, isang mapanglaw-nagmumuni-muni na tonality ng makasagisag-emosyonal na istraktura, mystical-pantheistic na mga mood, ay nauugnay pangunahin sa mga paghahanap sa larangan ng portrait at allegorical na komposisyon (F. O. Runge), pati na rin ang landscape (K D. Friedrich, I. A. Koch). Relihiyoso at patriyarkal na mga ideya, ang pagnanais na buhayin ang relihiyosong espiritu at mga tampok na istilo ng pagpipinta ng Italyano at Aleman noong ika-15 siglo. nagpalusog sa pagkamalikhain ng mga Nazarene (F. Overbeck, J. Schnorr von Carolsfeld, P. Cornelius, atbp.), na ang posisyon ay naging partikular na konserbatibo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang mga artista ng paaralan ng Düsseldorf, na sa isang tiyak na lawak ay malapit sa romantikismo, ay nailalarawan, bilang karagdagan sa pagluwalhati sa medieval idyll sa diwa ng modernong romantikong tula, sa pamamagitan ng sentimentality at plot na nakaaaliw. Ang isang natatanging pagsasanib ng mga prinsipyo ng romantikismo ng Aleman, na madalas na madaling kapitan ng poeticization ng pang-araw-araw at tiyak na "burger" na realismo, ay naging gawain ng mga kinatawan ng Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger), gayundin si K. Blechen. Mula sa ikalawang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. ang linya ng romantikong Aleman ay nagpatuloy, sa isang banda, sa bonggang salon-academic na pagpipinta nina V. Kaulbach at K. Piloty, at sa kabilang banda, sa epiko at alegorikal na mga gawa ni L. Richter at ang genre-narrative, chamber -tunog na mga gawa ni K. Spitzweg at M. von Schwind. Ang mga romantikong aesthetics ay higit na tinutukoy ang pag-unlad ng gawain ni A. von Menzel, kalaunan ang pinakamalaking kinatawan ng realismo ng Aleman noong ika-19 na siglo. Tulad ng sa France, late German romanticism (sa mas malaking lawak kaysa sa French, na sumisipsip ng mga katangian ng naturalismo at pagkatapos ay "modernismo") sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. sarado na may simbolismo (H. Thoma, F. von Stuck at M. Klinger, ang Swiss A. Böcklin).

Sa Great Britain noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang ilang pagiging malapit sa French romanticism at sa parehong oras pagka-orihinal, isang binibigkas na makatotohanang ugali ay minarkahan ng mga landscape ng J. Constable at R. Bonington, romantikong pantasya at ang paghahanap para sa mga sariwang paraan ng pagpapahayag - ang mga landscape ng W. Turner. Ang huli na romantikong kilusan ng Pre-Raphaelites (D. G. Rossetti, J. E. Millais, H. Hunt, E. Burne-Jones, atbp.) ay nakikilala sa pamamagitan ng relihiyoso at mystical na mga adhikain, attachment sa kultura ng Middle Ages at ang Early Renaissance, pati na rin ang pag-asa para sa muling pagkabuhay ng gawaing bapor. .

Sa USA sa buong ika-19 na siglo. ang romantikong direksyon ay pangunahing kinakatawan ng landscape (T. Kohl, J. Inness, A.P. Ryder). Ang romantikong tanawin ay umunlad din sa ibang mga bansa, ngunit ang pangunahing nilalaman ng romantikismo sa mga bansang Europeo kung saan nagising ang pambansang kamalayan sa sarili ay isang interes sa lokal na kultural at artistikong pamana, mga tema ng katutubong buhay, pambansang kasaysayan at pakikibaka sa pagpapalaya. Ganito ang gawain ni G. Wappers, L. Galle, H. Leys at A. Wirtz sa Belgium, F. Ayes, D. at G. Induno, G. Carnevali at D. Morelli sa Italy, D. A. Siqueira sa Portugal, mga kinatawan Costumbrism sa Latin America, I. Manes at I. Navratil sa Czech Republic, M. Barabas at V. Madaras sa Hungary, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakowski at ang yumaong romantikong J. Matejko sa Poland. Ang pambansang romantikong kilusan sa mga bansang Slavic, Scandinavia, at mga estado ng Baltic ay nag-ambag sa pagbuo at pagpapalakas ng mga lokal na paaralan ng sining.

Sa Russia, ang romanticism ay ipinakita sa iba't ibang antas sa gawain ng maraming mga masters - sa pagpipinta at graphics ng A. O. Orlovsky, na lumipat sa St. Petersburg, sa mga portrait ng O. A. Kiprensky, at bahagyang - ni V. A. Tropinin. Ang Romantisismo ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng tanawin ng Russia (ang mga gawa ni Silv. F. Shchedrin, M. N. Vorobyov, M. I. Lebedev; ang mga gawa ng batang I. K. Aivazovsky). Ang mga tampok ng romantikismo ay magkasalungat na pinagsama sa klasisismo sa mga gawa ni K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; sa parehong oras, ang mga larawan ni Bryullov ay nagbibigay ng isa sa mga pinaka-kapansin-pansing pagpapahayag ng mga prinsipyo ng romantikismo sa sining ng Russia. Sa isang tiyak na lawak, naapektuhan ng romanticism ang pagpipinta ng P. A. Fedotov at A. A. Ivanov.

Romantisismo sa Arkitektura.

Isa sa mga pinakadakilang kaganapan sa kasaysayan ng mundo - Malaki Pranses rebolusyon- naging isang nakamamatay na sandali hindi lamang sa pampulitika, kundi pati na rin sa buhay kultural ng buong mundo. Sa pagtatapos ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo sa Amerika at Europa, ang romantikismo ang naging dominanteng direksyon ng estilo sa sining.

Nagtapos ang Panahon ng Enlightenment sa Great Bourgeois Revolution. Kasabay nito, nawala ang pakiramdam ng katatagan, kaayusan at kalmado. Ang bagong ipinahayag na mga ideya ng kapatiran, pagkakapantay-pantay at kalayaan ay nagtanim ng walang hangganang optimismo at pananampalataya sa hinaharap, ngunit ang gayong matinding rebolusyon ay nagtanim ng takot at kawalan ng kapanatagan. Ang nakaraan ay tila ang nagliligtas na isla kung saan naghari ang kabaitan, disente, katapatan, at higit sa lahat, ang pagiging matatag. Kaya, sa ideyalisasyon ng nakaraan at paghahanap ng isang tao para sa kanyang lugar sa malawak na mundo, ipinanganak ang romantikismo.

Ang pagtaas ng romanticism sa arkitektura ay nauugnay sa paggamit ng mga bagong disenyo, pamamaraan at materyales sa gusali. Lumilitaw ang iba't ibang istrukturang metal at itinayo ang mga tulay. Ang mga teknolohiya para sa murang produksyon ng cast iron at steel ay binuo.

Itinatanggi ng Romantisismo ang pagiging simple ng mga anyo ng arkitektura, na nag-aalok sa halip ng pagkakaiba-iba, kalayaan at kumplikadong mga silhouette. Nawawalan ng pinakamahalagang kahalagahan ang simetrya.

Ginawa ng istilo ang pinakamayamang layer ng kultura ng mga dayuhang bansa, na sa loob ng mahabang panahon ay malayo sa mga Europeo. Hindi lamang sinaunang Griyego at Romanong arkitektura ang kinikilala bilang mahalaga, kundi pati na rin ang iba pang mga kultura. Ang arkitektura ng Gothic ay naging batayan ng romantikismo. Ang partikular na pansin ay binabayaran sa oriental na arkitektura. Mayroong umuusbong na kamalayan sa pangangailangang protektahan at buhayin ang mga kultural na monumento ng mga nakaraang panahon.

Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-blur ng mga hangganan sa pagitan ng natural at artipisyal: ang mga parke, artipisyal na reservoir at talon ay idinisenyo. Ang mga gusali ay napapalibutan ng mga arko, gazebo, at mga imitasyon ng mga sinaunang tore. Ang romantikismo ay nagbibigay ng kagustuhan sa mga kulay ng pastel.

Itinatanggi ng Romantisismo ang mga tuntunin at kanon; wala itong mahigpit na bawal o mahigpit na obligadong elemento. Ang pangunahing pamantayan ay kalayaan sa pagpapahayag, pagtaas ng atensyon sa pagkatao ng tao, at kalayaan sa pagkamalikhain.

Sa mga modernong interior, ang romantikismo ay nauunawaan bilang isang apela sa mga katutubong anyo at likas na materyales - forging, ligaw na bato, magaspang na kahoy, ngunit ang gayong stylization ay walang kinalaman sa direksyon ng arkitektura ng pagliko ng ika-18 - ika-19 na siglo.

Romantisismo sa Pagpinta.

Kung ang France ang nagtatag ng klasisismo, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat... ng romantikong paaralan," isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya. Doon siya isinilang, at doon nabuo ng modernong Italyano at Pranses na mga romantiko ang kanilang panlasa.”

Ang pira-pirasong Alemanya ay hindi alam ang rebolusyonaryong pag-aalsa. Ang kalunos-lunos ng mga advanced na ideya sa lipunan ay kakaiba sa marami sa mga romantikong Aleman. Ginawa nila ang Middle Ages. Ibinigay nila ang kanilang mga sarili sa hindi maituturing na emosyonal na mga impulses at pinag-usapan ang tungkol sa pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Isang natatanging pintor ng portrait ay Otto Runge(1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, habang kalmado sa labas, ay humanga sa kanilang matindi at matinding panloob na buhay.

Ang imahe ng isang romantikong makata ay nakita ni Runge sa " Self-portrait". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita ang isang maitim na buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng lakas, maalalahanin at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan ng pagpapatupad ng larawan ay mabilis at malawak, na parang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat na ihatid sa texture ng akda; Sa isang madilim na scheme ng kulay, lumilitaw ang mga kaibahan ng liwanag at madilim. Ang contrast ay isang katangiang pamamaraan ng pagpipinta ng mga Romantic masters.

Ang isang romantikong artista ay palaging susubukan na mahuli ang nagbabagong paglalaro ng mood ng isang tao at tingnan ang kanyang kaluluwa. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing mayabong na materyal para sa kanya. SA " Larawan mga bata Huelsenbeck” (1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng kasiglahan at spontaneity ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pamamaraan para sa isang maliwanag na kalooban. Ang background sa pagpipinta ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa regalo ng artist para sa kulay at paghanga sa saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa open air. Ang master romantikong, gustong pagsamahin ang kanyang "I" sa kalawakan ng Uniberso, ay nagsusumikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong senswalidad ng imahe ay mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, "ideya ng artista."

Si Runge ay isa sa mga unang romantikong artista na nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng synthesizing ng sining: pagpipinta, iskultura, arkitektura, musika. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat butil nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay katulad ng mga romantiko ng buong kontinente ng Europa.

Isa pang kilalang German Romantic na pintor Caspar David Friedrich(1774-1840) ginusto ang tanawin sa lahat ng iba pang mga genre at nagpinta lamang ng mga painting ng kalikasan sa buong buhay niya. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artista sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon sa pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng tao sa kalikasan at sa imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang isang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit sa banayad na pagtagos ng makasagisag na istraktura ng mga nababagsak na expanses ay madarama ng isang tao ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, isang karanasan ng tao. Ang subjectivism sa paglalarawan ng mga landscape ay dumarating lamang sa sining sa gawa ng mga romantiko, na naglalarawan sa liriko na paghahayag ng kalikasan sa mga masters ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Napansin ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich ang isang "pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif ng landscape . Interesado ang may-akda sa dagat, bundok, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. ” Umaga V mga bundok” kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan na umuusbong sa mga sinag ng pagsikat ng araw. Ang pinkish-purple tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng dami at materyal na bigat. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay naging si Frederick sa mga makabayang tema. Naglalarawan, na inspirasyon ng drama ni Kleist, nagsusulat siya “ libingan Arminia” - tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang bayani ng Aleman.

Si Friedrich ay isang banayad na master ng seascapes: “ Mga edad” , “ pagsikat ng araw buwan sa itaas sa pamamagitan ng dagat” , ” Kamatayan “ pag-asa” sa yelo” .

Ang pinakabagong mga gawa ng artist - “ Pahinga sa patlang” , “ Malaki latian” At “ Alaala tungkol sa Napakalaki mga bundok” , ” Napakalaki mga bundok” - isang serye ng mga tagaytay ng bundok at mga bato sa madilim na harapan. Ito ay, tila, isang pagbabalik sa naranasan na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo," ang pagnanais para sa maliwanag, hindi nasakop na mga taas. Binubuo ng damdamin ng artista ang mga masa ng bundok na ito sa isang espesyal na paraan, at muli ay mababasa ng isa ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Ang larawan ay napaka-ugnay, tulad ng anumang paglikha ng mga romantiko, at nagmumungkahi ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Si Friedrich ay napaka-tumpak sa kanyang pagguhit, musikal na magkakasuwato sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita sa pamamagitan ng mga emosyon ng kulay at mga epekto ng pag-iilaw. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang kaluluwa ng kalikasan ay inihayag sa lahat nang iba. Samakatuwid, walang sinumang maglakas-loob na ihatid sa iba ang kanyang karanasan at ang kanyang mga patakaran bilang isang ipinag-uutos na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang pamantayan para sa lahat. Ang bawat tao ay nagdadala sa loob ng kanyang sarili ng isang sukatan lamang para sa kanyang sarili at para sa mga kalikasan na higit pa o hindi gaanong nauugnay sa kanyang sarili," ang pagmuni-muni ng master na ito ay nagpapatunay sa kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang pagkamalikhain - ito ang ibig sabihin ng romantikong Friedrich.

Tila mas pormal na makilala sa pagitan ng mga artista - "mga klasiko" - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - Nazareno. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), ang "Union of St. Luke" ay pinagsama ang mga master na may ideya ng muling pagbuhay sa monumental na sining na may mga relihiyosong tema. Ang Middle Ages ay ang paboritong panahon ng kasaysayan para sa mga romantiko. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance sa Italya at Alemanya. Sina Overbeck at Geforr ang mga nagpasimula ng bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan nina Cornelius, Schnoff von Carolsfeld, at Veit Furich.

Ang kilusang Nazarene ay may sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademiko sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang tinatawag na "primitivist" na mga artista ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, at sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining na "pagpapahayag ng mga panahon," ang "espiritu ng mga tao," ngunit ang kanilang mga pampakay o pormal na kagustuhan, na noong una ay parang slogan ng pagkakaisa, pagkaraan ng ilang panahon ay naging parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang sining ng romantikismo sa France ay nabuo sa mga espesyal na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang aktibo, nakakasakit (“rebolusyonaryo”) na karakter nito. Ipinagtanggol ng mga makata, manunulat, musikero, at artista ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa mga polemics sa magasin at pahayagan, na tinutukoy ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan." Ang sikat na V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz at marami pang ibang manunulat, kompositor, at mamamahayag ng France ay "pinatalas ang kanilang mga panulat" sa mga romantikong polemik.

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, sa akademikong sining na tinatawag na "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit ito ay kailangang maunawaan nang mas malawak: ito ay pagsalungat sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa mga limitasyon nito sa petiburges. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang nerbiyos na pananabik, pagkahumaling sa mga kakaibang motif, sa mga paksang pangkasaysayan at pampanitikan, sa lahat ng bagay na maaaring umahon mula sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran. , pangangarap ng gising at ganap na kawalan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", mga akademiko, ay nagrebelde, una sa lahat, laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang rebulto-plastic, karaniwan para sa "mga klasiko", ngunit binuo sa malakas na mga kaibahan ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na pagguhit, na sadyang inabandona ang katumpakan; ang kanilang matapang, kung minsan ay magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Si Ingres, isang walang kapantay na kaaway ng mga romantiko, ay nagsabi hanggang sa katapusan ng kanyang buhay na si Delacroix ay "nagpinta gamit ang isang baliw na walis," at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng pagiging malamig, makatuwiran, kulang sa paggalaw, at hindi. pagsulat, ngunit "pagpinta." iyong mga pintura. Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang mga indibidwal; ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang artistikong pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo; ang romantikismo sa sining ay hindi nakakuha ng mga tagumpay nang madali at hindi kaagad, at ang unang artist ng kilusang ito ay Theodore Gericault(1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho ang parehong classicist features at features ng romanticism mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang prinsipyo, na may malaking impluwensya sa sining ng realismo ng mid- ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay ay pinahahalagahan lamang siya ng ilang malalapit na kaibigan.

Ang pangalan ni Theodore Jaricot ay nauugnay sa mga unang makikinang na tagumpay ng romantikismo. Nasa kanyang mga unang pagpipinta (mga larawan ng mga lalaking militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812, ipinakita ni Géricault ang isang pagpipinta “ Opisyal imperyal naka-mount mga mangangaso sa oras mga pag-atake”. Ito ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ang kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng pagpipinta ay nagpapakita ng nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng isang "biglaang" sandali kapag ang kabayo ay umayos at ang nakasakay, na pinapanatili ang halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon patungo sa manonood. Ang paglalarawan ng gayong sandali ng kawalang-tatag, ang imposibilidad ng isang pose, ay nagpapahusay sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta; dapat itong bumagsak sa lupa, sirain ang sarili sa paglaban na nagdala nito sa ganitong estado. Marami ang nagsama-sama sa gawaing ito: ang walang pasubali na pananalig ni Gericault sa posibilidad ng isang tao na makabisado ang kanyang sariling mga kapangyarihan, isang marubdob na pag-ibig para sa paglalarawan ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang dati ay maaari lamang ihatid sa pamamagitan ng musika o ang wika ng tula - ang kaguluhan ng labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang sukdulang tensyon ng mga puwersa ng isang buhay na nilalang . Ibinatay ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dinamika ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na hikayatin ang manonood na "pag-isipan" kung ano ang nais niyang ilarawan.

Ang France ay halos walang tradisyon ng gayong mga dinamika sa nakalarawan na salaysay ng romansa, maliban marahil sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, samakatuwid, nang unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginig ako," ang isinulat niya, "nag-alinlangan ako sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi ako nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilong direksyon sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Géricault ay hindi lamang inihayag ang kapanganakan ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa pagnanasa at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Marami pang mga gawa ang nauugnay sa paksang ito: " Opisyal carabinieri”, “ Opisyal cuirassier dati atake”, “ Larawan carabinieri”, “ Nasugatan cuirassier”.

Sa treatise na "Reflections on the State of Painting in France," isinulat niya na "ang karangyaan at ang sining ay naging... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao. .. Hindi bilang isang bagay ng pangunahing pangangailangan, ang sining ay lumilitaw lamang kapag ang mga mahahalagang pangangailangan ay natutugunan at kapag ang kasaganaan ay nangyayari. Ang tao, na napalaya mula sa pang-araw-araw na alalahanin, ay nagsimulang humanap ng kasiyahan upang mapawi ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.”

Ang pag-unawa sa pang-edukasyon at makatao na papel ng sining ay ipinakita ni Géricault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga tema, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( “ Bumalik mula sa Russia” ).

Kasabay nito, ang artista ay bumaling sa imahe ng pagkamatay ng frigate na "Medusa" sa baybayin ng Africa, na labis na nabalisa sa lipunan. Naganap ang sakuna dahil sa kasalanan ng isang bagitong kapitan na itinalaga sa posisyon na nasa ilalim ng pagtangkilik. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, si surgeon Savigny at engineer Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Ang paglubog ng barko ay nagawang maghulog ng balsa, na nagdala ng ilang bilang ng mga nailigtas na tao. Sa loob ng labindalawang araw ay dinala sila sa mabagyong dagat hanggang sa makamit nila ang kaligtasan - ang barkong "Argus".

Naging interesado si Gericault sa sitwasyon ng matinding tensyon ng espirituwal at pisikal na lakas ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng 15 nakaligtas sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. “ Balsa “ dikya” ay ang resulta ng mahabang paghahanda ng artist. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan na pag-uugali ng mga nanalo ng mga elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa para sa kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagbuo ng komposisyon, pinipili ni Gericault ang isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (mga distansya ng dagat) at ilarawan ang lahat ng mga naninirahan sa balsa, napakalapit sa harapan. Ang kalinawan ng ritmo ng pagtaas ng dynamics mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, at ang madilim na kulay ng larawan ay nagtatakda ng isang tiyak na tala ng pagiging kumbensyonal sa imahe. Ngunit hindi ito ang kakanyahan ng bagay para sa nakikitang manonood, kung saan ang mga kumbensyon ng wika ay nakakatulong upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo.

Ang inobasyon ni Gericault ay nagbukas ng mga bagong pagkakataon para sa paghahatid ng kilusang nagpapasigla sa mga romantiko, ang nakatagong damdamin ng isang tao, at ang coloristic, textured expressiveness ng larawan.

Ang tagapagmana ni Gericault sa kanyang paghahanap ay naging Eugene Delacroix. Totoo, si Delacroix ay binigyan ng dalawang beses ng mas maraming oras ng buhay, at hindi lamang niya napatunayan ang kawastuhan ng romantikismo, kundi pati na rin upang pagpalain ang isang bagong direksyon sa pagpipinta sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. – impresyonismo.

Bago magsimulang magpinta sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ni Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mahusay na Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na magkasintahan, nangangailangan ito ng buong tao ..."

Pagkatapos ng mga demonstrasyon ni Géricault, alam na alam ni Delacroix na ang mga oras ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang literary plot. Ang kanyang larawan “ Dante At Virgil” , na ipinakita sa salon ng 1822, ay isang pagtatangka na tingnan ang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon, sa pamamagitan ng mga makasaysayang nag-uugnay na mga imahe ng dalawang makata: Antiquity - Virgil at ang Renaissance - Dante. Noong unang panahon, sa kanyang "Banal na Komedya," kinuha ni Dante si Virgil bilang kanyang gabay sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa gawa ni Dante, lumitaw ang isang bagong mundo ng Renaissance sa pamamagitan ng karanasan sa medieval ng memorya ng unang panahon. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at isang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Nag-aapoy sa kalayaan at poot sa mga mapang-api, ang mga kabataan noong panahong iyon ay nakiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pumupunta doon para makipaglaban. Nakikita ni Delacroix ang kahulugan ng bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas tiyak na makasaysayang kaganapan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824 Delacroix ay nagpapakita ng isang pagpipinta “ Massacre sa isla Chios”. Laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain, na sumisigaw pa rin mula sa usok ng apoy at sa patuloy na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Nagkaroon sila ng mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang Turk na nakasakay sa kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at sa maraming nagdurusa doon. Magaganda ang mga katawan at mukha ng mga taong madamdamin. Siya nga pala, isusulat ni Delacroix sa kalaunan na ang Greek sculpture ay ginawang hieroglyph ng mga artista, na itinatago ang tunay na kagandahang Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalong mga Griyego, ang pintor ay nagsasadula ng mga kaganapan nang labis na upang mapanatili ang isang solong dinamikong bilis ng pag-igting, siya ay gumagamit ng pagpapapangit ng mga anggulo ng mga pigura. Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Géricault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong kredo na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng isang sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng isang pakiramdam."

Noong 1824, nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix, si Géricault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: “ Greece sa mga guho Missalunghi”, “ Kamatayan Sardanapalus” atbp. Ang pintor ay naging outcast sa mga bilog ng mga pintor. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Pinasisigla niya ang artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at tagumpay. Nagpapicture siya “ Kalayaan sa mga barikada”.

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang pagpipinta na ito, na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang pagpipinta ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo nito sa kapangyarihan, demokrasya at katapangan ng masining na disenyo. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Mas mahusay na sabihin - ang pinuno ng paghihimagsik! Matapos ang pagsasara ng Salon, ang gobyerno, na natakot sa mabigat at kagila-gilalas na apela na nagmumula sa pagpipinta, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muli nila itong ibinalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang pagpipinta sa World Exhibition sa Paris noong 1855 ay napunta ito sa Louvre. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng French romanticism ay pinananatili dito hanggang sa araw na ito - isang inspiradong ulat ng saksi at isang walang hanggang monumento sa pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa kabuuan at isang konkretong katotohanang malupit sa kahubaran nito?

Paris ng mga sikat na araw ng Hulyo 1830. Sa malayo, halos hindi kapansin-pansin, ngunit ipinagmamalaki na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga taong Pranses. Mula roon, mula sa lunsod na puno ng usok, sa ibabaw ng mga guho ng mga barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng kanilang mga nahulog na kasamahan, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at mapagpasyang humakbang. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kalooban sa tagumpay, sa kalayaan.

Ang kagila-gilalas na kapangyarihang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, marubdob na tumatawag sa kanya. Sa kanyang hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, siya ay katulad ng Griyegong diyosa ng tagumpay na Nike. Ang kanyang malakas na pigura ay nakasuot ng chiton dress, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may nagniningas na mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tricolor flag ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Ang kanyang hakbang ay matulin at magaan - ang paraan ng paglalakad ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng kilusan ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagmumula, na sinisingil ng uhaw at ang paghahangad na manalo. Ang mga malapit sa kanya, bawat isa sa kani-kanilang paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nagbibigay-inspirasyong tawag na ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gamen, na kumakaway ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Kalayaan at, kumbaga, nag-aapoy sa sigasig at kagalakan ng malayang udyok. Sa kanyang mabilis, walang tiyaga na paggalaw, mas nauuna pa siya sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa nobelang Les Misérables: “Si Gavroche, na puno ng inspirasyon, nagniningning, ay kinuha sa kanyang sarili ang gawain ng paglalagay ng buong bagay sa paggalaw. Siya ay nagpabalik-balik, bumangon, lumubog, bumangon muli, gumawa ng ingay, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para palakasin ang loob ng lahat. May motibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang kanyang saya. Ito ay isang uri ng ipoipo. Tila pinupuno nito ang hangin, na naroroon sa lahat ng dako sa parehong oras... Naramdaman ito ng malalaking barikada sa kanilang mga tagaytay.

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, "magandang salpok," masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Freedom - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Sinabi ni Heinrich Heine kung paano ang pigura ni Gavroche ay nagdulot ng masiglang tugon sa mga taga-Paris. "Damn it! - bulalas ng isang mangangalakal ng grocery. "Ang mga batang ito ay lumaban na parang mga higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, ito ay nakita bilang isang self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, mas makabuluhan. Ang mga kamay ay may kumpiyansa na humahawak sa baril ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng katapangan, isang matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Batid ng mag-aaral ang hindi maiiwasang pagkalugi na daranasin ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban sa kalayaan. Sa likod niya ay nakatayo ang isang parehong matapang at determinadong manggagawa na may sable. May isang taong sugatan sa paanan ng Kalayaan. Nahihirapan siyang bumangon upang muling tumingala sa Kalayaan, upang makita at madama nang buong puso ang kagandahan kung saan siya namamatay. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang dramatikong simula sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Liberty, isang mag-aaral, isang manggagawa - halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi sumusukong kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - ay nagbibigay-inspirasyon at tumawag sa manonood, kung gayon ang taong sugatan ay tumatawag para sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Siya ay isang salpok pa rin, isang kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Ang titig ng manonood, na nabighani pa at dinadala sa rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, ay bumagsak sa paanan ng barikada, na natatakpan ng mga katawan ng maluwalhating patay na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at kaliwanagan ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay ang parehong hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde, tulad ng magandang inspirar na Kalayaan.

Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ilalim na gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming mga tingin at nakita ang isang batang magandang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na nakikita at nakikita, ay nakatuon sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi nakakatakot.

Ang artist ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi pangkaraniwang marami. Ang komposisyon ay binuo sa paraang ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Siya ay bahagi lamang ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng grupo: pinuputol ng picture frame ang mga figure sa kaliwa, kanan, at ibaba.

Karaniwan, ang kulay sa mga gawa ni Delacroix ay nakakakuha ng isang napaka-emosyonal na tunog at gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, ngayon ay nagngangalit, ngayon kumukupas, naka-mute, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. SA « Kalayaan sa mga barikada» Si Delacroix ay umaalis sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, maingat na pumipili ng pintura at inilalapat ito sa malawak na mga stroke, inihahatid ng artist ang kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang scheme ng kulay ay pinigilan. Itinuon ni Delacroix ang atensyon sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, habang naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artist ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang bahagi ng isang solong kabuuan ng larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa sarili nito, ay isang simbolo na inilagay sa isang kumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang may emosyonal na epekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala din ng simbolikong kahulugan. Sa kayumanggi-kulay-abo na espasyo, dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti - ang mga kulay ng banner ng Rebolusyong Pranses ng 1789 - kumikislap. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay nagpapanatili ng malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na bandila na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Pagpipinta ng Delacroix « Kalayaan sa mga barikada» - isang kumplikado, engrande na gawain sa saklaw. Dito pinagsama ang pagiging maaasahan ng direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, naabot ang brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; magaspang, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Pagpipinta “ Kalayaan sa mga barikada” pinagsama ang tagumpay ng romantikismo sa pagpipinta ng Pranses. Noong 1930s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta ang ipininta: “ Labanan sa Poitiers” At “ Pagpatay obispo Liege”.

Noong 1822, binisita ng artista ang North Africa, Morocco, at Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, ang mga kuwadro na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito ay lumitaw sa kanyang trabaho: ” Pangangaso sa Lviv”, “ Moroccan, saddling kabayo” atbp. Ang maliliwanag na magkakaibang mga kulay ay lumikha ng isang romantikong tunog para sa mga kuwadro na ito. Lumilitaw ang malawak na pamamaraan ng stroke sa kanila.

Si Delacroix, bilang isang romantikong, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa pamamagitan ng wika ng mga kaakit-akit na imahe, ngunit din formalized ang kanyang mga saloobin pampanitikan. Mahusay niyang inilarawan ang proseso ng malikhaing gawa ng isang romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, at mga pagmumuni-muni sa ugnayan ng musika at iba pang anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa para sa mga artista ng mga sumunod na henerasyon.

Ang Pranses na romantikong paaralan ay gumawa ng mga makabuluhang pagbabago sa larangan ng iskultura (Rud at ang kanyang kaluwagan na "Marseillaise"), pagpipinta ng landscape (Camille Corot kasama ang kanyang maaliwalas na mga larawan ng kalikasan ng France).

Salamat sa romanticism, ang subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa imahinasyon ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin," na nagpapahintulot sa kanya na ihinto ang trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi bilang kinakailangan ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paghahatid ng paggalaw, si Delacroix - sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "espiritu ng pagpipinta," kung gayon ang mga romantikong Espanyol ay kumakatawan sa Francisco Goya(1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng estilo, ang phantasmagoric at kakaibang katangian nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay tila malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil ang artist ay madalas na kailangang sundin ang mga batas ng materyal ng pagpapatupad (kapag, halimbawa, lumikha siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga trellis carpet) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagoria ay nai-publish sa etching series “ Caprichos” (1797-1799), “ Mga sakuna mga digmaan” (1810-1820), “ Disparantes (“ Mga kalokohan”) (1815-1820), mga kuwadro na gawa ng "House of the Deaf" at ang Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Ang isang malubhang sakit noong 1792 ay nagresulta sa kumpletong pagkabingi ng artist. Pagkatapos magdusa ng pisikal at espirituwal na trauma, ang sining ng master ay nagiging mas nakatuon, maalalahanin, at panloob na dinamiko. Ang panlabas na mundo, sarado dahil sa pagkabingi, ay nag-activate ng panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit “ Caprichos” Nakakamit ni Goya ang pambihirang kapangyarihan sa paghahatid ng mga instant na reaksyon at mabilis na damdamin. Ang itim at puti na pagpapatupad, salamat sa naka-bold na kumbinasyon ng mga malalaking spot at ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Lumilikha si Goya ng mga mural ng Simbahan ng St. Anthony sa Madrid, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng brushstroke, ang laconicism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ng Goya ay kinuha diretso mula sa karamihan ng tao, ay kamangha-manghang. Inilalarawan ng artista ang himala ni Anthony ng Florida, na pinilit ang pinatay na lalaki na bumangon at magsalita, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang isang inosenteng tao mula sa pagpatay. Ang dinamismo ng matingkad na tumutugon sa karamihan ay ipinahihiwatig kapwa sa mga kilos at ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na tao. Sa komposisyonal na pamamaraan ng pamamahagi ng mga kuwadro na gawa sa espasyo ng simbahan, sinusundan ng pintor si Tiepolo, ngunit ang reaksyon na kanyang pinupukaw sa manonood ay hindi barok, ngunit puro romantiko, na nakakaapekto sa damdamin ng bawat manonood, na tinatawag siyang bumaling sa kanyang sarili. .

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula noong 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lumilitaw bilang ilang mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Ang kulay, kumikislap, ay kumukuha muna ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, ito ay pinangungunahan ng puti, dilaw, pinkish-red spot, nakakagambala sa mga pandama na may mga flash. Ang mga ukit ng serye ay maaaring ituring na isang graphic parallel sa "The House of the Deaf." “ Disparantes” .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malabong alam niyang hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang "Caprichos." At hindi niya mahulaan kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung gaano kalaki ang impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng ika-19 na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit kami, kung isasaalang-alang ito, alam namin kung gaano kalaki ang impluwensya nitong "walang istilo" na sining ng isang matapang na realista at isang inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Napagtanto din ng Ingles na romantikong artista ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap sa kanyang mga gawa. William Blake(1757-1827). Ang England ay ang klasikong lupain ng romantikong panitikan. Sina Byron at Shelley ang naging bandila ng kilusang ito na malayo sa mga hangganan ng Foggy Albion. Sa France, sa pagpuna sa magasin sa panahon ng "mga romantikong labanan," ang mga romantiko ay tinawag na "Shakespeareans." Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa pagkatao ng tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na mabungang umunlad. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang interes ng mga romantiko sa Middle Ages ay nagbunga ng mahusay na panitikan sa kasaysayan, kung saan si W. Scott ay isang kinikilalang master. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Pre-Raphaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at mga libro ng ibang tao. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga ilustrasyon para sa biblikal na "Book of Job", "Divine Comedy" ni Dante, at "Paradise Lost" ni Milton. Pino-populate niya ang kanyang mga komposisyon ng mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay, napaliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o isang pagkakasundo na buhol-buhol na nilikha mula sa dissonance ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Sinisikap ng romanticism ni Blake na hanapin ang masining na pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na nabuhay sa matinding kahirapan at kalabuan, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa mga gawa ng English landscape painters noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Lumilikha ng mga romantikong nakataas na landscape William Turner(1775-1851). Gustung-gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, pag-ulan, bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng kulay kahit na pininturahan niya ang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, gumamit siya ng mga diskarte sa watercolor at naglagay ng pintura ng langis sa isang napakanipis na layer at direktang nagpinta sa lupa, na nakakuha ng mga kulay ng bahaghari. Ang isang halimbawa ay ang larawan “ ulan, singaw At bilis” (1844). Ngunit kahit na ang sikat na kritiko noong panahong iyon, si Thackeray, ay hindi maintindihan nang tama ang larawan, na marahil ay makabago sa parehong konsepto at pagpapatupad. "Ang ulan ay ipinahihiwatig ng mga batik ng maruming masilya," isinulat niya, "na ipinahid sa canvas gamit ang isang palette knife; ang sikat ng araw ay sumisikat sa pamamagitan ng isang madilim na pagkurap mula sa ilalim ng napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome. Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na batik at mga batik ng cinnabar sa mga naka-mute na tono. At bagaman ang apoy sa isang makina ng tren ay tila pula, hindi ko masasabi na ito ay hindi pininturahan ng kobalt o kulay ng gisantes. Natuklasan ng isa pang kritiko na ang pangkulay ni Turner ay kulay ng "scrambled egg at spinach." Ang mga kulay ng late Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa kanyang mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita ang butil ng tunay na mga obserbasyon sa kanila. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, narito rin ito. Ang isang kawili-wiling kuwento ay napanatili mula sa isang nakasaksi, o sa halip, isang saksi sa kapanganakan ni

sining ng Ingles noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, wala ni isa man sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

II. Romantisismo sa pagpipinta ng Russia

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa dahil sa ibang makasaysayang sitwasyon at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang sa mga dahilan ng paglitaw nito; isang napakakitid na bilog ng mga tao ang nag-ipit ng anumang pag-asa sa mga pagbabago sa kurso nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nakakabigo. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng ika-19 na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, wala ring dahilan para dito. Ang tunay na dahilan ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang buong puwersa ng popular na inisyatiba. Ngunit pagkatapos ng digmaan, ang mga tao ay hindi nakatanggap ng kalayaan. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, hindi nasiyahan sa katotohanan, ay dumating sa Senate Square noong Disyembre 1825. Ang pagkilos na ito ay hindi rin pumasa nang walang bakas para sa mga malikhaing intelihente. Ang magulong taon pagkatapos ng digmaan ay naging tagpuan kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Sa kanilang mga canvases, ang mga romantikong pintor ng Russia ay nagpahayag ng diwa ng kalayaan, aktibong pagkilos, at marubdob at temperamental na nanawagan para sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na pagpipinta ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kaugnayan, sikolohiya, at walang uliran na pagpapahayag. Ang mga espiritwal at mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng mga tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunary na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba sa dayuhang pagpipinta. Ito ay tinutukoy ng parehong makasaysayang sitwasyon at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ÿ Ang ideolohiya ng Enlightenment ay humina, ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, hindi malinaw na ipinahayag ang romantisismo;

Ÿ ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasisismo, kadalasang kaakibat nito;

Ÿ akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa nauubos ang sarili;

Ÿ Ang romantikismo sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan; ang mga romantiko ay naakit sa akademiko. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. halos mawala na ang romantikong tradisyon.

Ang mga akdang nauugnay sa romantikismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (mga gawa ni Theodosius Yanenko " Manlalakbay, nahuli bagyo" (1796), " Self-portrait V helmet" (1792). Ang prototype ay halata sa kanila - Salvator Rosa, napakapopular sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. Mamaya, ang impluwensya ng proto-Romantic artist na ito ay mapapansin sa gawain ni Alexander Orlovsky. Ang mga magnanakaw, mga eksena sa paligid ng apoy, mga labanan ay sinamahan ng kanyang buong malikhaing landas. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga artist na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala ng isang ganap na bagong emosyonal na mood sa mga klasikal na genre ng portrait, landscape at genre na mga eksena.

Sa Russia, ang romanticism ay unang nagsimulang lumitaw sa portraiture. Sa unang ikatlo ng ika-19 na siglo, higit na nawalan ito ng pakikipag-ugnayan sa dignitary aristokrasiya. Ang mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, at mga larawan ng mga ordinaryong magsasaka ay nagsimulang sumakop sa isang makabuluhang lugar. Ang ugali na ito ay lalo na binibigkas sa mga gawa ng O.A. Kiprensky (1782 – 1836) at V.A. Tropinin (1776 – 1857).

Basil Andreevich Tropinin nagsusumikap para sa isang buhay na buhay, nakakarelaks na paglalarawan ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. « Larawan anak» (1818), « Larawan A. SA. Pushkin» (1827), « Self-portrait» (1846) humanga hindi sa kanilang larawang pagkakahawig sa mga orihinal, ngunit sa kanilang hindi pangkaraniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Ang kasaysayan ng paglikha ay lubhang kawili-wili “ Mga larawan Pushkin”. Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky, kung saan nakatira ang makata. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Noon, tila, isang maliit na sketch ang isinulat batay sa unang impresyon na labis na pinahahalagahan ni Tropinin. Sa mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Pagkaraan lamang ng halos isang daang taon, noong 1914, inilathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "pinakamahusay na naghahatid ng kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata dito ay puno ng isang espesyal na kinang, mabilis na lumiko ang ulo, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. Walang alinlangan, ang mga tunay na tampok ng mukha ng Pushkin ay nakunan dito, na hiwalay nating nakatagpo sa isa o isa pa sa mga larawan na bumaba sa amin. Ang isa ay nananatiling naguguluhan," dagdag ni Shchekotov, "kung bakit ang kaakit-akit na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata." Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na sketch: walang kinang ng mga kulay, walang kagandahan ng brushwork, walang mahusay na nakasulat na "mga pangyayari" dito. At si Pushkin dito ay hindi isang katutubong "vitia", hindi isang "henyo", ngunit una sa lahat isang tao. At halos hindi katanggap-tanggap sa pagsusuri kung bakit ang napakalaking nilalaman ng tao ay nakapaloob sa monochromatic grayish-green, olive tones, sa padalos-dalos, tila random na mga stroke ng brush ng isang halos hindi nakikitang sketch.

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Narito ang binata Orestes Kiprensky nakilala si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta kalaunan, ay naging perlas ng sining ng larawan sa mundo. " Larawan Pushkin» Ang mga brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na sagisag ng poetic genius. Sa mapagpasyang pagliko ng ulo, sa masiglang nakakurus na mga braso sa dibdib, sa buong anyo ng makata, ang isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan ay makikita. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa gawain sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pulong na ito ay hindi nagaganap nang personal, ngunit pagkalipas ng maraming taon sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng pinakadakilang Ruso. makata, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang mga lugar, ay inihambing - isa sa Moscow, ang isa pa - sa St. Ngayon ito ay isang pulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman inaangkin ng mga hinahangaan ni Kiprensky na ang artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ipinakita ang makata na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokrasya ng imahe ay tiyak na nasa panig ng "Pushkin" ni Tropinsky. .

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang direksyon ng sining ng Russia, na puro sa dalawang kapital. At pagkatapos ay isusulat ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa St. Petersburg.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas ang pakiramdam, ay dapat na isama ang kalunos-lunos na damdamin ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan ng mga progresibong mamamayang Ruso.

Sa harap ng pinto “ Larawan E. SA. Davydova” (1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal na direktang nagpakita ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal ng romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipaglaban sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng espirituwal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang pagmuni-muni ng panaginip na sensitivity. Hinanap ni Kiprensky ang "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi nakakubli sa mga personal na katangian ng modelo mula sa kanya.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo ang mga ito sa iyong isip, ay nagpapakita ng espirituwal at likas na yaman ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, na binanggit din ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi nagsikap si Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang masining na imahe, sinundan niya ang kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa gayong ideyal. Sa esensya, marami sa mga inilalarawan niya ay nasa threshold ng ideal, nagsusumikap patungo dito, ngunit ang ideal mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay ang landas lamang dito.

Pansinin ang mga kontradiksyon sa mga kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag ang kapalaran ay nagbabago, ang mga lumang ideya ay nasira, ang kabataan ay kumukupas, atbp., Kiprensky ay tila nararanasan kasama ng kanyang mga modelo. Kaya naman ang espesyal na pakikilahok ng portraitist sa interpretasyon ng mga artistikong larawan, na nagbibigay sa portrait ng "soulful" touch.

Sa unang bahagi ng panahon ng gawain ni Kiprensky, hindi mo makikita ang mga taong nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira ng kaluluwa. Darating ito sa ibang pagkakataon, kapag naranasan ng romantikong oras ang taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga larawan ng 1800s at ang mga larawang isinagawa sa Tver, ang matapang na brush ni Kiprensky ay nakikita, madali at malayang bumubuo ng anyo. Ang pagiging kumplikado ng mga teknikal na pamamaraan at ang likas na katangian ng pigura ay nagbago mula sa trabaho patungo sa trabaho.

Kapansin-pansin na sa mga mukha ng kanyang mga bayani ay hindi mo makikita ang kabayanihan ng kagalakan; sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa pagmuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, iniisip nila ang hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga larawang babae na kumakatawan sa mga asawa at kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, hindi rin nagsikap si Kiprensky para sa sinasadyang kabayanihan. Isang pakiramdam ng kadalian at pagiging natural ang namamayani. Kasabay nito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawang babae ay umaakit sa kanilang katamtamang dignidad at integridad ng kalikasan; sa mukha ng mga lalaki ay makikilala ng isa ang isang matanong na kaisipan, isang kahandaan para sa asetisismo. Ang mga larawang ito ay kasabay ng mga namumuong etikal at aesthetic na ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga saloobin at adhikain ay ibinahagi ng marami sa oras na iyon, alam din ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi natin na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan ng 1812-1814, mga larawan ng mga magsasaka na nilikha sa parehong mga taon ay isang uri ng masining. parallel sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky na Russian Van Dyck; ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili ng gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky ay nagbigay sa Russian art school na European katanyagan sa kanyang trabaho. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang tumaas na interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pag-usbong ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan naging nangingibabaw ang self-portrait. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang aksidenteng episode. Ang mga artista ay paulit-ulit na sumulat at gumuhit ng kanilang sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan, na sumasalamin sa iba't ibang estado ng pag-iisip at yugto ng buhay, at kasabay nito ay isang manifesto na hinarap sa kanilang mga kontemporaryo. Ang self-portrait ay hindi isang kinomisyon na genre; ang pintor ay nagpinta para sa kanyang sarili at dito, tulad ng dati, siya ay malaya na ipahayag ang kanyang sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga orihinal na larawan; ang romantikismo lamang, kasama ang kulto ng indibidwal at pambihirang, ay nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Pagkatapos ay lilitaw ang mga ito sa karaniwan at natural na tungkulin ng lumikha ( " Self-portrait V pelus kunin" A.G. Varnek, 1810s), pagkatapos ay bumagsak sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ( " Self-portrait V helmet At latakh" F. I. Yanenko, 1792), o, kadalasan, lumilitaw ang mga ito nang walang anumang mga propesyonal na katangian, na nagpapatunay sa kahalagahan at halaga ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, tulad ng F. A. Bruni at O. A. Orlovsky sa mga self-portraits noong 1810s. Ang pagiging handa para sa diyalogo at pagiging bukas na katangian ng mga makasagisag na solusyon ng mga gawa noong 1810-1820s ay unti-unting napalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, at pag-alis ( " Self-portrait" M.I. Terebeneva). Ang trend na ito ay makikita sa pagbuo ng portrait genre sa kabuuan.

Ang mga self-portraits ni Kiprensky ay lumitaw, ito ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay; sila ay nagpatotoo sa pagtaas o pagbaba ng lakas ng kaisipan. Tiningnan ng artista ang kanyang sarili sa pamamagitan ng kanyang sining. Kasabay nito, hindi siya gumamit ng salamin, tulad ng karamihan sa mga pintor; ipininta niya pangunahin ang kanyang sarili ayon sa kanyang imahinasyon; nais niyang ipahayag ang kanyang espiritu, ngunit hindi ang kanyang hitsura.

“Self-portrait Sa may mga brush sa likod tainga” binuo sa isang pagtanggi, at isang malinaw na demonstrative, mula sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay halos nakabalangkas. Ang mga indibidwal na pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinapatay ang halos hindi nakikitang mga kurtina na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, kalooban. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portraiture.

Halos kasabay nitong self-portrait, nagpinta rin siya “ Self-portrait V kulay rosas Shane bandana” , kung saan nakapaloob ang isa pang larawan. Nang walang direktang indikasyon ng propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata ay muling nilikha, pakiramdam sa kagaanan, natural, malaya. Ang ibabaw ng pagpipinta ng canvas ay pinong itinayo. Ang brush ng artist ay may kumpiyansa na naglalapat ng pintura, na nag-iiwan ng malaki at maliliit na stroke. Ang scheme ng kulay ay perpektong binuo, ang mga kulay ay malambot at magkakasuwato na pinagsama sa bawat isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag o pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ng portrait ay TUNGKOL SA. A. Orlovsky. Ang nasabing isang emosyonal na mayaman na portrait sheet ay nagsimula noong 1809 bilang “ Self-portrait” . Puno ng masaganang, libreng touch ng sanguine at uling (na may chalk highlighting), “ Self-portrait” Naaakit si Orlovsky sa kanyang artistikong integridad, natatanging imahe, at kasiningan ng pagpapatupad. Kasabay nito, pinapayagan nito ang isa na makilala ang ilang natatanging aspeto ng sining ni Orlovsky. “ Self-portrait” Si Orlovsky, siyempre, ay walang layunin na tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Sa harap natin ay isang lubos na sinadya, pinalaking larawan ng isang "artista", na inihambing ang kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan. Hindi siya nababahala tungkol sa "disente" ng kanyang hitsura: ang kanyang malago na buhok ay hindi nahawakan ng isang suklay o brush, sa kanyang balikat ay ang gilid ng isang checkered na kapote sa ibabaw mismo ng kanyang bahay shirt na nakabukas ang kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may "malungkot" na hitsura mula sa ilalim ng niniting na kilay, isang malapit na pag-crop ng larawan kung saan ang mukha ay inilalarawan nang malapitan, mga kaibahan ng liwanag - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pag-iiba ng taong inilalarawan sa kapaligiran (at sa gayon ang manonood).

Ang mga pathos ng affirmation ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang natatanging aspeto, halos hindi natagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng pagkatao ay hindi dumarating sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng kayamanan ng panloob na mundo nito, ngunit sa pamamagitan ng pagtanggi sa lahat ng bagay sa paligid nito. Kasabay nito, ang imahe ay walang alinlangan na mukhang mahirap at limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portrait art noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang civic at humanistic motives ay malakas na tumunog at ang personalidad ng isang tao ay hindi kailanman sinira ang malakas na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, sosyal-demokratikong sistema, ang mga tao sa Russia noong panahong iyon ay hindi nangangahulugang diborsiyado mula sa katotohanan at sinasadyang tinanggihan ang indibidwalistikong kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa Kanlurang Europa, na pinaluwag ng burges na rebolusyon. Ito ay malinaw na ipinakita sa Russian portrait art. Ang isa ay dapat lamang ihambing “ Self-portrait” Orlovsky kasama “ Self-portrait” Kiprensky, upang ang malubhang panloob na pagkakaiba sa pagitan ng parehong mga pintor ng larawan ay agad na mapansin.

Si Kiprensky ay "nagpapabayani" din sa pagkatao ng isang tao, ngunit ipinakita niya ang tunay na mga panloob na halaga nito. Sa mukha ng artista, nakikita ng manonood ang mga katangian ng isang malakas na pag-iisip, karakter, at kadalisayan sa moral.

Ang buong hitsura ni Kiprensky ay nababalot ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang "mabuti" at "masama" sa mundo sa paligid niya at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, sa harap natin ay walang alinlangan na isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanyang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng isang portrait na imahe ay sumasailalim sa sikat na heroic portrait ni D. Davydov ni Kiprensky.

Si Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, ay nilutas ang imahe ng isang "malakas na personalidad" sa isang mas limitado, mas prangka at panlabas na paraan, habang malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Pag tingin mo sa kanya “ Self-portrait” , ang mga larawan nina A. Gros at Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang profile ay nagpapakita rin ng isang panloob na kaugnayan sa French portrait art. “ Self-portrait” Orlovsky noong 1810, kasama ang kanyang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", gayunpaman, wala nang matalim na "sketch" na anyo “ Self-portrait” 1809 o “ Mga larawan Duport”. Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa "Self-Portrait," ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "heroic" na pose na may matalim, halos cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport at ang kanyang gusot na buhok, na may layuning lumikha ng isang portrait na imahe na sapat sa sarili sa kakaiba at random na katangian nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan," isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na bumaling sa genre ng landscape ay sumunod sa saloobing ito sa kanilang trabaho. Kabilang sa mga halatang pagbubukod, na nakahilig sa kamangha-manghang tanawin, ay si A. O. Orlovsky ( " Nautical tingnan" , 1809); A. G. Varnek ( " Tingnan V paligid Roma" , 1809); P. V. Basin (" Sky sa paglubog ng araw V paligid Roma" , " Gabi tanawin" , parehong 1820s). Habang lumilikha ng mga partikular na uri, napanatili nila ang spontaneity ng sensasyon at emosyonal na kayamanan, na nakakamit ng napakalaking tunog sa pamamagitan ng mga diskarte sa komposisyon.

Ang batang Orlovsky ay nakakita lamang ng mga titanic na puwersa sa kalikasan, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng sakuna, sakuna. Ang pakikibaka ng tao laban sa nagngangalit na mga elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting noong 1809 – 1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan “ Pagkawasak ng barko” (1809(?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umakyat sa mga bato sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Ang kulay sa malupit na pulang tono ay nagpapahusay sa pakiramdam ng pagkabalisa. Ang mga pagsalakay ng malalakas na alon na naglalarawan ng isang bagyo ay nagbabanta, at sa isa pang larawan - “ Naka-on baybayin mga dagat” (1809). Ang mabagyong kalangitan, na sumasakop sa karamihan ng komposisyon, ay gumaganap din ng malaking emosyonal na papel dito. Bagaman hindi pinagkadalubhasaan ni Orlovsky ang sining ng pananaw sa himpapawid, ang unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang maayos at malumanay. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Ang mga pulang batik sa damit ng mga mangingisda ay maganda ang paglalaro laban sa mapula-pula-kayumangging background. Hindi mapakali at nakakaalarma na mga elemento ng dagat sa watercolor “ Paglalayag bangka” (c.1812). At kahit na ang hangin ay hindi gumalaw sa layag at alon sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “ Nautical tanawin Sa mga barko” (c.1810), may premonisyon ang manonood na susundan ng bagyo ang kalmado.

Ang mga tanawin ay may ibang katangian SA. F. Shchedrin. Sila ay puno ng pagkakaisa ng magkakasamang buhay sa pagitan ng tao at kalikasan (" Terrace sa baybayin mga dagat. Cappuccini malapit Sorrento" , 1827). Maraming tanawin ng Naples sa pamamagitan ng kanyang brush ang nagtamasa ng pambihirang tagumpay.

Sa makikinang na mga larawan AT. SA. Aivazovsky ang mga romantikong mithiin ng pagkalasing sa pakikibaka at kapangyarihan ng mga likas na pwersa, ang katatagan ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas ay malinaw na isinama. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang mahiwagang panloob na buhay, at kung saan ang mga larawang paghahanap ng artist ay naglalayong kumuha ng hindi pangkaraniwang mga light effect ( " Tingnan Odessa V lunar gabi" , " Tingnan Constantinople sa lunar pag-iilaw" , pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang taong nagulat, isang paboritong tema ng romantikong sining, ay binigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga gawa ay batay sa totoong mga kaganapan, ngunit ang kahulugan ng mga imahe ay hindi isang layunin na muling pagsasalaysay ng mga ito. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Peter Basin " Lindol V Rocca di Tatay malapit Roma" (1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan, ngunit sa paglalarawan ng takot at sindak ng isang tao na nahaharap sa pagpapakita ng mga elemento.

Ang Romantisismo sa Russia bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng mga romantiko para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng mga romantiko ay walang alinlangan ang mga simbolista. Ang mga romantikong tema, motif, at nagpapahayag na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, uso, at malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamasigla, matiyaga, at mabunga.

Romantisismo bilang isang kilusan sa panitikan

Ang romantikismo ay, una sa lahat, isang espesyal na pananaw sa mundo batay sa paniniwala ng higit na kahusayan ng "espiritu" sa "materya." Ang malikhaing prinsipyo, ayon sa mga romantiko, ay nagtataglay ng lahat ng tunay na espirituwal, na kinilala nila sa tunay na tao. At, sa kabaligtaran, ang lahat ng materyal, sa kanilang opinyon, lumilipat sa unahan, ay sumisira sa tunay na kalikasan ng tao, hindi pinapayagan ang kanyang kakanyahan na magpakita mismo, sa mga kondisyon ng burgis na katotohanan, hinahati nito ang mga tao, nagiging isang mapagkukunan ng poot. sa pagitan nila, at humahantong sa mga trahedya na sitwasyon. Positibong bayani sa romantikismo, bilang panuntunan, siya ay tumataas sa antas ng kanyang kamalayan sa itaas ng mundo ng pansariling interes na nakapaligid sa kanya, ay hindi kaayon dito, nakikita niya ang layunin ng buhay hindi sa paggawa ng isang karera, hindi sa pag-iipon ng kayamanan, ngunit sa paglilingkod. ang mataas na mithiin ng sangkatauhan - sangkatauhan , kalayaan, kapatiran. Ang mga negatibong romantikong karakter, sa kaibahan sa mga positibo, ay kasuwato ng lipunan; ang kanilang negatibiti ay pangunahing nakasalalay sa katotohanan na sila ay namumuhay ayon sa mga batas ng burges na kapaligiran sa kanilang paligid. Dahil dito (at ito ay napakahalaga), ang romantikismo ay hindi lamang isang pagsusumikap para sa ideyal at patula ng lahat ng bagay na maganda sa espirituwal, ito ay sa parehong oras ay isang paglalantad ng pangit sa tiyak na socio-historical na anyo nito. Bukod dito, ang pagpuna sa kakulangan ng espirituwalidad ay ibinigay sa romantikong sining mula pa sa simula, ito ay sumusunod mula sa pinakadiwa. romantikong relasyon Upang pampublikong buhay. Siyempre, hindi lahat ng manunulat at hindi lahat ng genre ay nagpapakita nito nang may kinakailangang lawak at intensity. Ngunit ang mga kritikal na pathos ay maliwanag hindi lamang sa mga drama ni Lermontov o sa "sekular na mga kuwento" ni V. Odoevsky, ito ay kapansin-pansin din sa mga elehiya ng Zhukovsky, na inilalantad ang mga kalungkutan at kalungkutan ng isang espirituwal na mayamang personalidad sa mga kondisyon ng pyudal na Russia. .

Ang romantikong pananaw sa mundo, dahil sa dualism nito (ang pagiging bukas ng "espiritu" at "ina"), ay tumutukoy sa paglalarawan ng buhay sa matalim na kaibahan. Ang pagkakaroon ng kaibahan ay isa sa mga katangiang katangian romantikong uri ng pagkamalikhain at, samakatuwid, estilo. Ang espirituwal at materyal sa mga gawa ng mga romantiko ay mahigpit na sumasalungat sa isa't isa. Ang isang positibong romantikong bayani ay karaniwang inilalarawan bilang isang malungkot na nilalang, bukod dito, napapahamak na magdusa sa kanyang kontemporaryong lipunan (Giaour, Corsair sa Byron, Chernets sa Kozlov, Voinarovsky sa Ryleev, Mtsyri sa Lermontov at iba pa). Sa paglalarawan ng pangit, ang mga romantiko ay madalas na nakakamit ng gayong pang-araw-araw na konkreto na mahirap na makilala ang kanilang trabaho mula sa makatotohanan. Sa batayan ng isang romantikong pananaw sa mundo, posible na lumikha hindi lamang ng mga indibidwal na larawan, kundi pati na rin ang buong mga gawa na makatotohanan sa uri ng pagkamalikhain.

Ang romantikismo ay walang awa sa mga taong, nakikipaglaban para sa kanilang sariling pagpapalaki, nag-iisip tungkol sa pagpapayaman o nanghihina na may uhaw sa kasiyahan, lumalabag sa mga unibersal na batas sa moral sa pangalan nito, niyurakan ang unibersal na mga halaga ng tao ( sangkatauhan, pag-ibig sa kalayaan at iba pa) .

SA romantikong panitikan Mayroong maraming mga larawan ng mga bayani na nahawaan ng indibidwalismo (Manfred, Lara ni Byron, Pechorin, Demon ni Lermontov at iba pa), ngunit sila ay mukhang malalim na trahedya na nilalang, nagdurusa sa kalungkutan, nagnanais na sumanib sa mundo ordinaryong mga tao. Inihayag ang trahedya ng indibidwalistikong tao, ipinakita ng romantikismo ang kakanyahan ng tunay na kabayanihan, na nagpapakita ng sarili sa walang pag-iimbot na paglilingkod sa mga mithiin ng sangkatauhan. Ang personalidad sa romantikong aesthetics ay hindi mahalaga sa sarili nito. Tumataas ang halaga nito habang tumataas ang benepisyong dulot nito sa mga tao. Ang kumpirmasyon ng isang tao sa romantikismo ay binubuo, una sa lahat, sa pagpapalaya sa kanya mula sa indibidwalismo, mula sa mga nakakapinsalang epekto ng sikolohiya ng pribadong ari-arian.

Sa gitna ng romantikong sining ay pagkatao ng tao, ang kanyang espirituwal na mundo, ang kanyang mga mithiin, mga alalahanin at kalungkutan sa mga kondisyon ng burgis na sistema ng buhay, ang pagkauhaw sa kalayaan at kalayaan. Ang romantikong bayani ay naghihirap mula sa paghihiwalay, mula sa kawalan ng kakayahang baguhin ang kanyang posisyon. Samakatuwid, ang mga sikat na genre ng romantikong panitikan, na pinaka-ganap na sumasalamin sa kakanyahan ng romantikong pananaw sa mundo, ay mga trahedya, dramatiko, liriko-epiko at liriko na mga tula, maikling kwento, at elehiya. Inihayag ng Romantisismo ang hindi pagkakatugma ng lahat ng tunay na tao sa prinsipyo ng pribadong pag-aari ng buhay, at ito ang dakilang kahalagahang pangkasaysayan nito. Ipinakilala niya sa panitikan ang isang man-fighter na, sa kabila ng kanyang kapahamakan, ay malayang kumikilos, dahil napagtanto niya na ang pakikibaka ay kinakailangan upang makamit ang isang layunin.

Ang mga romantiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng lawak at sukat ng masining na pag-iisip. Upang isama ang mga ideya ng unibersal na kahalagahan ng tao, ginagamit nila ang mga alamat ng Kristiyano, mga kuwento sa Bibliya, sinaunang mitolohiya, at tradisyon ng mga tao. Ang mga makata ng romantikong kilusan ay gumagamit ng pantasya, simbolismo at iba pang kumbensyonal na pamamaraan ng artistikong representasyon, na nagbibigay sa kanila ng pagkakataong ipakita ang katotohanan sa napakalawak na pagkalat na ganap na hindi maiisip sa makatotohanang sining. Hindi malamang, halimbawa, na posible na ihatid ang buong nilalaman ng "Demonyo" ni Lermontov, na sumusunod sa prinsipyo ng makatotohanang typification. Ang makata ay yumakap sa buong sansinukob sa kanyang tingin, nag-sketch ng mga kosmikong tanawin, sa pagpaparami kung saan ang makatotohanang konkreto, pamilyar sa mga kondisyon ng makalupang katotohanan, ay hindi naaangkop:

Sa himpapawid karagatan

Walang timon at walang layag

Tahimik na lumulutang sa ulap

Mga koro ng mga payat na luminaries.

Sa kasong ito, ang karakter ng tula ay mas pare-pareho hindi sa katumpakan, ngunit, sa kabaligtaran, sa kawalan ng katiyakan ng pagguhit, na sa isang mas malaking lawak ay hindi naghahatid ng mga ideya ng isang tao tungkol sa uniberso, ngunit ang kanyang mga damdamin. Sa parehong paraan, ang "pag-ground" at pagkonkreto ng imahe ng Demonyo ay hahantong sa isang tiyak na pagbaba sa pag-unawa sa kanya bilang isang titanic na nilalang, na pinagkalooban ng superhuman na kapangyarihan.

Ang interes sa mga tradisyonal na pamamaraan ng artistikong representasyon ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga romantiko ay madalas na naghaharap ng mga tanong sa pilosopikal at pananaw sa mundo para sa paglutas, bagaman, tulad ng nabanggit na, hindi sila nahihiyang ilarawan ang pang-araw-araw, ang prosaic-araw-araw, lahat ng bagay na hindi tugma sa ang espirituwal, tao. Sa romantikong panitikan (sa isang dramatikong tula), ang salungatan ay karaniwang itinatayo sa isang pag-aaway hindi ng mga karakter, ngunit ng mga ideya, buong konsepto ng ideolohiya ("Manfred", "Cain" ni Byron, "Prometheus Unbound" ni Shelley), na, natural, kinuha ang sining na lampas sa mga limitasyon ng makatotohanang konkreto.

Ang intelektwalidad ng romantikong bayani at ang kanyang pagkahilig sa pagmuni-muni ay higit na ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na siya ay kumikilos sa iba't ibang mga kondisyon kaysa sa mga karakter sa isang nobelang pang-edukasyon o isang "philistine" na drama noong ika-18 siglo. Ang huli ay kumilos sa saradong globo ng pang-araw-araw na relasyon, ang tema ng pag-ibig ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa kanilang buhay. Ang mga romantiko ay nagdala ng sining sa malawak na lawak ng kasaysayan. Nakita nila na ang mga tadhana ng mga tao, ang kalikasan ng kanilang kamalayan ay hindi natutukoy nang labis ng panlipunang kapaligiran kundi ng panahon sa kabuuan, ang mga prosesong pampulitika, panlipunan, at espirituwal na nagaganap dito, na pinaka-tiyak na nakakaimpluwensya sa hinaharap ng lahat. sangkatauhan. Kaya, ang ideya ng pagpapahalaga sa sarili ng indibidwal, ang pag-asa nito sa sarili, ang kalooban nito, gumuho, at ang kondisyon nito ay ipinahayag ng kumplikadong mundo ng mga socio-historical na pangyayari.

Ang romantikismo bilang isang tiyak na pananaw sa mundo at uri ng pagkamalikhain ay hindi dapat malito sa romansa, i.e. isang pangarap ng isang kahanga-hangang layunin, na may mithiin tungo sa ideal at isang marubdob na pagnanais na makita itong maisakatuparan. Ang romansa, depende sa pananaw ng isang tao, ay maaaring maging rebolusyonaryo, pasulong, o konserbatibo, patula sa nakaraan. Maaari itong lumaki sa makatotohanang batayan at maging utopyan sa kalikasan.

Batay sa palagay ng pagkakaiba-iba ng kasaysayan at mga konsepto ng tao, tinutulan ng mga romantiko ang imitasyon ng sinaunang panahon at ipinagtanggol ang mga prinsipyo ng orihinal na sining batay sa makatotohanang pagpaparami ng kanilang pambansang buhay, paraan ng pamumuhay, moralidad, paniniwala, atbp.

Ang mga romantikong Ruso ay nagtatanggol sa ideya ng "lokal na kulay," na nagsasangkot ng paglalarawan ng buhay sa pambansang-kasaysayang orihinalidad. Ito ang simula ng pagtagos ng pambansang-kasaysayang pagtitiyak sa sining, na sa huli ay humantong sa tagumpay ng makatotohanang pamamaraan sa panitikang Ruso.

Romantisismo sa sining lubos na umasa sa mga ideya ng mga pilosopo at manunulat. Sa pagpipinta, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining, ang mga romantiko ay naaakit ng lahat ng hindi pangkaraniwan, hindi kilala, maging ito sa malalayong bansa na may kakaibang mga kaugalian at kasuotan (Delacroix), ang mundo ng mga mystical na pangitain (Blake, Friedrich, ang Pre-Raphaelites) at mahiwagang panaginip (Runge) o madilim na kalaliman na hindi malay (Goya, Fusli). Ang pinagmulan ng inspirasyon para sa maraming mga artista ay ang artistikong pamana ng nakaraan: ang Sinaunang Silangan, ang Middle Ages at ang Proto-Renaissance (Nazarenes, Pre-Raphaelites).

Sa kaibahan sa klasisismo, na nagtaas ng malinaw na kapangyarihan ng katwiran, ang mga romantiko ay umawit ng madamdamin, mabagyo na damdamin na ganap na nakakuha ng isang tao. Ang mga pinakaunang tumugon sa mga bagong trend ay mga portrait at landscape, na nagiging paboritong genre. romantikong pagpipinta.

Heyday genre ng portrait ay nauugnay sa interes ng mga romantiko sa maliwanag na pagkatao ng tao, kagandahan at kayamanan nito espirituwal na mundo. Ang buhay ng espiritu ng tao ay nangingibabaw sa isang romantikong larawan kaysa sa interes sa pisikal na kagandahan, sa senswal na kaplastikan ng imahe.

Sa isang romantikong larawan (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) ang pagiging natatangi ng bawat tao ay laging inihahayag, ang dynamics, ang matinding beat ng panloob na buhay, at mapaghimagsik na pagnanasa.

Ang mga romantiko ay interesado rin sa trahedya ng isang nasirang kaluluwa: ang mga bayani ng kanilang mga gawa ay kadalasang mga taong may sakit sa pag-iisip (Gericault "A Madwoman Suffering from an Addiction to Drugs") pagsusugal", "Magnanakaw ng mga bata", "Mabaliw, iniisip ang kanyang sarili bilang isang kumander").

Tanawin ipinaglihi ng mga romantiko bilang sagisag ng kaluluwa ng sansinukob; Ang kalikasan, tulad ng kaluluwa ng tao, ay lumilitaw sa dinamika, patuloy na pagkakaiba-iba. Ang ayos at marangal na mga tanawin na katangian ng klasisismo ay pinalitan ng mga larawan ng kusang-loob, mapaghimagsik, makapangyarihan, patuloy na nagbabagong kalikasan, na tumutugma sa pagkalito ng mga damdamin mga romantikong bayani. Ang mga romantiko ay lalo na gustong magsulat ng mga bagyo, bagyo, pagputok ng bulkan, lindol, pagkawasak ng barko na maaaring magkaroon ng malakas na epekto emosyonal na epekto sa manonood (Gericault, Friedrich, Turner).

Ang poeticization ng gabi, katangian ng romanticism - isang kakaiba, hindi tunay na mundo na namumuhay ayon sa sarili nitong mga batas - ay humantong sa pag-usbong ng "genre ng gabi", na naging paborito sa romantikong pagpipinta, lalo na sa mga artista ng Aleman.

Isa sa mga unang bansa kung saan nabuo ang romantismo ng sining ayAlemanya .

Ang pagkamalikhain ay may kapansin-pansing impluwensya sa pagbuo ng genre ng romantikong tanawinCaspar David Friedrich (1774-1840). Sa kanyang pamana ng sining Nangibabaw ang mga tanawin na may mga larawan ng mga taluktok ng bundok, kagubatan, dagat, baybayin ng dagat, gayundin ang mga guho ng mga lumang katedral, abandonadong abbey, at monasteryo (“Cross in the Mountains,” “Cathedral,” “Abbey Among the Oak Trees” ). Karaniwang naglalaman ang mga ito ng pakiramdam ng patuloy na kalungkutan mula sa kamalayan ng trahedya na pagkawala ng isang tao sa mundo.

Gustung-gusto ng artista ang mga estado ng kalikasan na pinaka tumutugma sa romantikong pang-unawa nito: umaga, paglubog ng araw sa gabi, pagsikat ng buwan (“Two contemplating the moon”, “Monastery cemetery”, “Landscape with a rainbow”, “Moonrise over the sea”, “Chalk cliffs sa isla ng Rügen”, “On a sailboat”, “Harbor sa gabi") .

Ang patuloy na mga karakter sa kanyang mga gawa ay malungkot na nangangarap, na nahuhulog sa pagmumuni-muni ng kalikasan. Sa pagtingin sa malalawak na distansya at walang katapusang taas, naging pamilyar sila sa walang hanggang mga lihim ng sansinukob, na dinadala sa magandang mundo mga pangarap. Inihahatid ni Friedrich ang kahanga-hangang mundo sa tulong ng isang mahiwagang nagniningning na liwanag- nagliliwanag na solar o misteryosong lunar.

Ang gawain ni Friedrich ay pumukaw sa paghanga ng kanyang mga kontemporaryo, kabilang si I. W. Goethe at W. A. Zhukovsky, salamat kung kanino marami sa kanyang mga pagpipinta ang nakuha ng Russia.

Pintor, graphic artist, makata at art theoristPhilip Otto Runge (1777-1810), higit sa lahat ay nakatuon sa kanyang sarili genre ng portrait. Sa kanyang mga gawa, nag-poticize siya ng mga larawan ng mga ordinaryong tao, kadalasan ang kanyang mga mahal sa buhay ("Kaming tatlo" - isang self-portrait kasama ang kanyang nobya at kapatid, ay hindi nakaligtas; "Mga anak ng pamilyang Huelsenbeck", "Portrait ng artist's mga magulang", "Self-portrait"). Ang malalim na pagiging relihiyoso ni Runge ay ipinahayag sa mga larawang gaya ng “Christ on the Shores of Lake Tiberias” at “Rest on the Flight to Egypt” (hindi natapos). Binuod ng artist ang kanyang mga saloobin tungkol sa sining sa kanyang teoretikal na treatise na "The Color Sphere."

Ang pagnanais na muling buhayin ang relihiyon at moral na mga pundasyon sa sining ng Aleman ay nauugnay sa malikhaing aktibidad mga artista paaralang Nazareno (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Palibhasa'y nagkakaisa sa isang uri ng relihiyosong kapatiran ("Union of St. Luke"), ang "Nazarenes" ay nanirahan sa Roma ayon sa modelo ng isang monastikong komunidad at nagpinta ng mga pintura sa mga paksang relihiyoso. Itinuring nila ang pagpipinta ng Italyano at Aleman bilang isang modelo para sa kanilang mga malikhaing paghahanap.XIV - XVmga siglo (Perugino, maagang Raphael, A. Durer, H. Holbein the Younger, L.Cranach). Sa pelikulang "The Triumph of Religion in Art," direktang ginagaya ni Overbeck ang " paaralan sa Athens"Raphael, at Cornelius sa" Horsemen of the Apocalypse" - ukit ni Durer ng parehong pangalan.

Itinuring ng mga miyembro ng kapatiran ang espirituwal na kadalisayan at taos-pusong pananampalataya bilang mga pangunahing birtud ng pintor, na naniniwalang "ang Bibliya lamang ang gumawa kay Raphael na isang henyo." Nanguna sa isang nag-iisang buhay sa mga selda ng isang inabandunang monasteryo, itinaas nila ang kanilang serbisyo sa sining sa kategorya ng espirituwal na paglilingkod.

Ang "Nazarenes" ay nahilig sa malalaking monumental na anyo at sinubukang isama ang matataas na mithiin sa tulong ng bagong revived na fresco technique. Ang ilan sa mga kuwadro na gawa ay pinagsama nila.

Noong 1820s at 30s, ang mga miyembro ng kapatiran ay nagkalat sa buong Alemanya, na nakatanggap ng mga nangungunang posisyon sa iba't ibang mga akademya ng sining. Tanging si Overbeck ang nanirahan sa Italya hanggang sa kanyang kamatayan, nang hindi binabago ang kanyang mga prinsipyo sa sining. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng "Nazarenes" ay napanatili sa mahabang panahon sa makasaysayang pagpipinta. Ang kanilang ideolohikal at moral na paghahanap naimpluwensyahan ang English Pre-Raphaelites, gayundin ang gawain ng mga masters tulad ng Schwind at Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), Austrian sa pamamagitan ng kapanganakan, nagtrabaho sa Munich. Sa mga gawa ng easel higit sa lahat ay inilalarawan niya ang hitsura at buhay ng mga sinaunang lungsod ng probinsiya ng Aleman kasama ang kanilang mga naninirahan. Ginawa ito nang may mahusay na tula at liriko, na may pagmamahal sa mga karakter nito.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Ang pintor ng Munich, graphic artist, napakatalino na draftsman, caricaturist, hindi rin walang sentimentalidad, ngunit may mahusay na katatawanan, pinag-uusapan ang buhay sa lungsod ("Poor Poet", "Morning Coffee").

Ang Schwind at Spitzweg ay karaniwang nauugnay sa kilusan sa kultura ng Aleman na kilala bilang Biedermeier.Biedermeier - ito ay isa sa mga pinakasikat na istilo ng panahon (pangunahin sa larangan ng pang-araw-araw na buhay, ngunit din sa sining) . Iniharap niya ang mga burgher, ang karaniwang tao sa lansangan. Sentral na tema Naging Biedermeier painting araw-araw na buhay isang tao, na dumadaloy sa isang hindi maaalis na koneksyon sa kanyang tahanan at pamilya. Ang interes ni Biedermeier hindi sa nakaraan, ngunit sa kasalukuyan, hindi sa dakila, ngunit sa maliit, ay nag-ambag sa pagbuo ng isang makatotohanang ugali sa pagpipinta.

Pranses romantikong paaralan

Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romanticism sa pagpipinta ay binuo sa France. Ito ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasisismo, na naging malamig, makatuwirang akademya, at naglagay ng gayong pangunahing mga masters, na tumutukoy sa nangingibabaw na impluwensya paaralang Pranses para sa buong ika-19 na siglo.

Ang mga romantikong artista sa Pransya ay nahilig sa mga paksang puno ng drama at kalunos-lunos, panloob na tensyon, malayo sa “mapurol na pang-araw-araw na buhay.” Sa pamamagitan ng paglalagay sa kanila, binago nila ang mga paraan ng larawan at pagpapahayag:

Ang unang makikinang na tagumpay ng romanticism sa French painting ay nauugnay sa pangalanTheodora Gericault (1791-1824), na, bago ang iba, ay nakapagpahayag ng isang puro romantikong pakiramdam ng tunggalian sa mundo. Nasa kanyang unang mga gawa ay makikita ng isa ang kanyang pagnanais na ipakita ang mga dramatikong kaganapan sa ating panahon. Halimbawa, ang mga kuwadro na "Mounted Rifle Officer Going on the Attack" at "Wounded Cuirassier" ay sumasalamin sa pagmamahalan ng Napoleonic era.

Ang pagpipinta ni Gericault na "The Raft of the Medusa," na nakatuon sa isang kamakailang kaganapan, ay nagkaroon ng malaking resonance modernong buhay- ang pagkamatay ng isang pampasaherong barko dahil sa kasalanan ng kumpanya ng pagpapadala . Gumawa si Gericault ng isang higanteng canvas na 7x5 m, kung saan inilarawan niya ang sandali nang ang mga tao sa bingit ng kamatayan ay nakakita ng isang rescue ship sa abot-tanaw. Ang matinding pag-igting ay binibigyang-diin ng malupit, madilim scheme ng kulay, diagonal na komposisyon. Ang pagpipinta na ito ay naging simbolo ng modernong Gericault France, na, tulad ng mga taong tumatakas sa pagkawasak ng barko, ay nakaranas ng parehong pag-asa at kawalan ng pag-asa.

Ang paksa ng iyong pinakabagong malaking larawan- "Epsom Races" - natagpuan ito ng artist sa England. Inilalarawan nito ang mga kabayong lumilipad na parang mga ibon (isang paboritong larawan ni Gericault, na naging mahusay na mangangabayo noong tinedyer). Ang impresyon ng bilis ay pinahusay ng isang tiyak na pamamaraan: ang mga kabayo at hinete ay pininturahan nang maingat, at ang background ay malawak.

Matapos ang pagkamatay ni Gericault (namatay siya nang malungkot, sa kalakasan ng kanyang lakas at talento), ang kanyang batang kaibigan ay naging kinikilalang pinuno ng mga romantikong Pranses.Eugene Delacroix (1798-1863). Si Delacroix ay komprehensibong likas na matalino, nagtataglay ng talento sa musika at pampanitikan. Ang kanyang mga talaarawan at artikulo tungkol sa mga artista ay ang pinaka-kagiliw-giliw na mga dokumento ng panahon. Ang kanyang teoretikal na pag-aaral ng mga batas ng kulay ay may malaking impluwensya sa mga impresyonista sa hinaharap at lalo na kay V. Van Gogh.

Ang unang pagpipinta ni Delacroix, na nagbigay sa kanya ng katanyagan, ay "Dante at Virgil" ("Dante's Boat"), batay sa balangkas na " Divine Comedy" Namangha siya sa kanyang mga kapanahon sa kanyang madamdamin na kalunos-lunos at sa kapangyarihan ng kanyang madilim na kulay.

Ang tuktok ng pagkamalikhain ng artist ay "Kalayaan sa mga Barricades" ("Kalayaang Namumuno sa Bayan"). Ang pagiging tunay ng totoong katotohanan (ang larawan ay nilikha sa kasagsagan ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 sa France) ay sumasanib dito sa romantikong pangarap ng kalayaan at ang simbolismo ng mga imahe. Ang isang magandang dalaga ay naging simbolo ng rebolusyonaryong France.

Ang naunang pagpipinta na "Massacre on Chios", na nakatuon sa pakikibaka ng mga Griyego laban sa pamamahala ng Turko, ay tugon din sa mga modernong kaganapan. .

Sa pagbisita sa Morocco, natuklasan ni Delacroix ang kakaibang mundo ng Arab East, kung saan itinalaga niya ang maraming mga pagpipinta at sketch. Sa "Women of Algeria" ang mundo ng Muslim harem ay lumitaw sa harap ng European audience sa unang pagkakataon.

Ang artist ay lumikha din ng isang serye ng mga larawan ng mga kinatawan ng creative intelligentsia, na marami sa kanila ay kanyang mga kaibigan (mga larawan ni N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, atbp.)

SA late period Ang pagkamalikhain ni Delacroix ay nahilig sa mga makasaysayang tema, nagtrabaho bilang isang monumentalista (mga mural sa Kamara ng mga Deputies, Senado), at bilang isang graphic artist (mga larawan para sa mga gawa ni Shakespeare, Goethe, Byron).

Ang mga pangalan ng English na pintor ng Romantic na panahon - R. Benington, J. Constable, W. Turner - ay nauugnay sa genre ng landscape. Sila ay tunay na nakabukas ng isang bagong pahina sa lugar na ito: katutubong kalikasan natagpuan ang isang malawak at mapagmahal na pagmumuni-muni sa kanilang gawain na hindi alam ng ibang bansa sa panahong iyon.

John Constable (1776-1837) ay isa sa mga una sa kasaysayan ng European landscape na sumulat ng mga sketch nang buo mula sa buhay, na bumaling sa direktang pagmamasid sa kalikasan. Ang kanyang mga painting ay simple sa kanilang mga motif: mga nayon, bukid, simbahan, isang strip ng ilog o dagat beach: "Hay Wagon," Detham Valley," "Salisbury Cathedral mula sa Bishop's Garden." Ang mga gawa ni Constable ay nagsilbing impetus para sa pagbuo ng makatotohanang tanawin sa France.

William Turner (1775-1851) - pintor ng dagat . Naakit siya ng mabagyong dagat, mga pag-ulan, mga bagyo, mga baha, mga buhawi: "Ang huling paglalayag ng barko na "Brave", "Thunderstorm sa ibabaw ng Piazzetta." Ang mga matatapang na coloristic na paggalugad at pambihirang mga epekto sa pag-iilaw ay minsan ginagawa ang kanyang mga kuwadro na gawa sa nagniningning na phantasmagoric na salamin sa mata: "Fire of the London Parliament", "Blizzard. Ang bapor ay umalis sa daungan at nagpapadala ng mga senyales ng pagkabalisa kapag ito ay napunta sa mababaw na tubig. .

Pagmamay-ari ni Turner ang unang pagpipinta ng isang steam locomotive na tumatakbo sa mga riles - isang simbolo ng industriyalisasyon. Sa pelikulang "Rain, Steam and Speed" isang steam locomotive ang sumugod sa Thames sa pamamagitan ng maulap na ulap ng ulan. Ang lahat ng mga materyal na bagay ay tila sumanib sa isang mirage na imahe na perpektong nagbibigay ng pakiramdam ng bilis.

Isang natatanging pag-aaral ng liwanag at mga epekto ng kulay, na isinagawa ni Turner, sa maraming paraan ay inaasahan ang mga pagtuklas ng mga French impressionist artist.

Noong 1848, bumangon sa Englandpre-raphaelite na kapatiran (mula sa Latin prae - "bago" at Raphael), na pinag-isa ang mga artista na hindi tinanggap ang kanilang kontemporaryong lipunan at ang sining ng akademikong paaralan. Nakita nila ang kanilang ideal sa sining ng Middle Ages at Maagang Renaissance(kaya ang pangalan). Ang mga pangunahing miyembro ng kapatiran ayWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Sa kanilang maagang mga gawa ginamit ng mga artist na ito ang abbreviation na RV sa halip na mga lagda .

Ang pag-ibig ng unang panahon ay katulad ng mga romantiko ng Pre-Raphaelite. Nag-address sila mga kuwento sa Bibliya(“Lamp of the World” at “The Unfaithful Shepherd” ni W. H. Hunt; “The Childhood of Mary” at “The Annunciation” ni D. G. Rossetti), mga plot mula sa kasaysayan ng Middle Ages at mga dula ni W. Shakespeare (“Ophelia ” ni Millais).

Upang magsulat mga pigura ng tao at mga bagay sa laki ng kanilang buhay, pinalaki ng mga Pre-Raphaelites ang laki ng mga canvases, mga sketch ng landscape ginawa mula sa buhay. Ang mga karakter sa kanilang mga pagpipinta ay may mga prototype totoong tao. Halimbawa, inilarawan ni D. G. Rossetti ang kanyang minamahal na si Elizabeth Siddal sa halos lahat ng kanyang mga gawa, na nagpapatuloy, tulad ng isang medieval na kabalyero, upang manatiling tapat sa kanyang minamahal kahit na pagkatapos ng kanyang hindi napapanahong kamatayan ("Blue Silk Dress", 1866).

Ang ideologist ng Pre-Raphaelite ayJohn Ruskin (1819-1900) - Ingles na manunulat, kritiko ng sining at art theorist, may-akda ng sikat na serye ng mga libro ng Modern Artists.

Ang gawain ng Pre-Raphaelites ay makabuluhang nakaimpluwensya sa maraming mga artista at naging isang tagapagbalita ng simbolismo sa panitikan (W. Pater, O. Wilde) at sining (O. Beardsley, G. Moreau, atbp.).

Ang palayaw na "Nazarenes" ay maaaring nagmula sa pangalan ng lungsod ng Nazareth sa Galilea, kung saan ipinanganak si Jesu-Kristo. Ayon sa isa pang bersyon, ito ay lumitaw sa pamamagitan ng pagkakatulad sa pangalan ng sinaunang Jewish religious community ng Nazarenes. Posible rin na ang pangalan ng grupo ay nagmula sa tradisyonal na pangalan para sa hairstyle na "Alla Nazarena", karaniwan sa Middle Ages at kilala mula sa self-portrait ni A. Dürer: ang paraan ng pagsusuot mahabang buhok, na nahati sa gitna, ay muling ipinakilala ni Overbeck.

Biedermeier(Aleman: "matapang na Meyer", philistine) - apelyido kathang-isip na karakter mula sa koleksyon ng tula Makatang Aleman na si Ludwig Eichrodt. Gumawa si Eichrodt ng parody ng totoong mukha- Samuel Friedrich Sauter, isang matandang guro na nagsulat ng walang muwang na tula. Binigyang-diin ni Eichrodt sa kanyang karikatura ang pagiging primitibo ng philistine ng pag-iisip ni Biedermeier, na naging isang uri ng simbolo ng parody ng panahon. ang mga sweeping stroke ng itim, kayumanggi at maberde na kulay ay naghahatid ng matinding galit ng bagyo. Ang tingin ng manonood ay tila nasa gitna ng isang whirlpool; ang barko ay tila laruan ng alon at hangin.

direksyon

Romantisismo (French romantisme) - ideolohikal at masining na direksyon sa kultura ng huling bahagi ng ika-18 siglo - ang una kalahati ng ika-19 na siglo siglo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapatibay ng intrinsic na halaga ng espirituwal at malikhaing buhay ng indibidwal, ang paglalarawan ng malakas (madalas na mapanghimagsik) na mga hilig at karakter, espiritwal at nakapagpapagaling na kalikasan. Ikalat sa iba't ibang lugar aktibidad ng tao. Noong ika-18 siglo, ang lahat ng kakaiba, kaakit-akit at umiiral sa mga libro, at hindi sa katotohanan, ay tinawag na romantiko. SA maagang XIX siglo, ang romantikismo ay naging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran ng klasiko at ang Enlightenment.

Ipinanganak sa Alemanya. Ang harbinger ng romanticism ay Sturm at Drang at sentimentalism sa panitikan.

Pinapalitan ng Romantisismo ang Age of Enlightenment at kasabay ng Industrial Revolution, na minarkahan ng hitsura ng steam engine, steam locomotive, steamship, photography at factory outskirts. Kung ang Enlightenment ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng katwiran at sibilisasyon batay sa mga prinsipyo nito, kung gayon ang romantikismo ay nagpapatibay sa kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ito ay sa panahon ng romantisismo na ang mga phenomena ng turismo, pamumundok at piknik ay nabuo, na idinisenyo upang maibalik ang pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ang imahe ng isang "noble savage" armado ng " katutubong karunungan"at hindi nasisira ng sibilisasyon.

Ang kategorya ng dakila, sentro ng romantikismo, ay binuo ni Kant sa kanyang akdang Critique of Judgment. Ayon kay Kant, mayroong positibong kasiyahan sa maganda, na ipinahayag sa mahinahon na pagmumuni-muni, at mayroong negatibong kasiyahan sa kahanga-hanga, walang anyo, walang hanggan, hindi nagdulot ng kagalakan, ngunit pagkamangha at pag-unawa. Ang pag-awit ng kahanga-hanga ay nauugnay sa interes ng romantikismo sa kasamaan, ang pagpaparangal nito at ang dayalektika ng mabuti at masama ("Ako ay bahagi ng puwersang iyon na laging nagnanais ng kasamaan at laging gumagawa ng mabuti").

Inihahambing ng Romantisismo ang pang-edukasyon na ideya ng pag-unlad at ang pagkahilig na itapon ang lahat ng bagay na "luma na at lipas na" na may interes sa alamat, alamat, engkanto, sa karaniwang tao, pagbabalik sa ugat at kalikasan.

Inihahambing ng Romantisismo ang pagkahilig sa ateismo sa muling pag-iisip ng relihiyon. "Ang tunay na relihiyon ay ang pakiramdam at lasa ng kawalang-hanggan" (Schleiermacher). Ang deistic na konsepto ng Diyos bilang ang Kataas-taasang Kaisipan ay kaibahan sa panteismo at relihiyon bilang isang anyo ng kahalayan, ang ideya ng Buhay na Diyos.

Sa mga salita ni Benedetto Croce: "Itinaas ng pilosopikong romantikismo ang bandila ng kung minsan ay hindi tumpak na tinatawag na intuwisyon at pantasya, sa pagsuway sa malamig na katwiran, abstract na talino." Sinabi ni Prof. Sinabi ni Jacques Barzin na ang romantisismo ay hindi maituturing na isang paghihimagsik laban sa katwiran: ito ay isang paghihimagsik laban sa mga makatwirang abstraction. Habang sinusulat ni Prof. G. Skolimowski: "Pagkilala sa lohika ng puso (tungkol sa kung saan napakapahayag ni Pascal), pagkilala sa intuwisyon at higit pa malalim na kahulugan ang buhay ay katumbas ng muling pagkabuhay ng taong may kakayahang lumipad. Sa pagtatanggol sa mga pagpapahalagang ito, laban sa pagsalakay ng philistine materialism, makitid na pragmatismo at mechanistic empiricism, ang romantikismo ay nagrebelde.”

Ang mga tagapagtatag ng philosophical romanticism: ang magkapatid na Schlegel (Agosto Wilhelm at Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.

Mga Kinatawan: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Lucy Madox Brown, Gillot St. Evr.

Ang pag-unlad ng romanticism sa pagpipinta ay nagpatuloy sa matalim na polemics sa mga adherents ng classicism. Sinisiraan ng mga Romantiko ang kanilang mga nauna sa "malamig na katwiran" at kawalan ng "paggalaw ng buhay." Noong 20-30s, ang mga gawa ng maraming mga artista ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga kalunos-lunos at nerbiyos na kaguluhan; nagpakita sila ng pagkahilig sa mga kakaibang motif at paglalaro ng imahinasyon, na may kakayahang umakay sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay". Ang pakikibaka laban sa mga nakapirming klasiko na pamantayan ay tumagal ng mahabang panahon, halos kalahating siglo. Ang unang nagawang pagsama-samahin ang bagong direksyon at "bigyang-katwiran" ang romantikismo ay si Theodore Gericault.

Isa sa mga sangay ng romantikismo sa pagpipinta ay ang istilong Biedermeier.

Unang umusbong ang Romantisismo sa Alemanya, sa mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, magkapatid na F. at A. Schlegel). Ang pilosopiya ng romantisismo ay sistematiko sa mga akda nina F. Schlegel at F. Schelling

Ito ay bahagi ng isang artikulo sa Wikipedia na ginamit sa ilalim ng lisensyang CC-BY-SA. Buong teksto mga artikulo dito →

PANGKALAHATANG KATANGIAN NG PANAHON NG ROMANTISMO.

Romantisismo - (Pranses)romantikismo), ideolohikal at artistikong direksyon sa European at American na espirituwal na kultura ng huling bahagi ng ika-18 at ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo. Pranses romantikismobakas ang pinagmulan nito sa Espanyolpagmamahalan(ito ang tawag sa Spanish romances noong Middle Ages, at pagkatapos pagmamahalan), sa pamamagitan ng Inglesromantiko(romantikong), isinalin sa Pransesromanesque, at pagkataposromantiko at kahulugan noong ika-18 siglo. kakaiba, hindi kapani-paniwala, kaakit-akit. Sa simula ng ika-19 na siglo. ang salitang romantikismo ay nagiging isang termino upang italaga ang isang bagong kilusang pampanitikan, kabaligtaran ng klasisismo.

Ang Romantisismo sa tradisyonal, partikular na makasaysayang kahulugan ng salita ay ang pinakamataas na punto ng kilusang anti-Enlightenment na lumaganap sa lahat ng mga bansa sa Europa. Ang pangunahing socio-ideological premise nito ay ang pagkabigo sa burges na sibilisasyon, sa panlipunan, industriyal, pampulitika at siyentipikong pag-unlad, na nagdulot ng mga bagong kontrast at antagonismo, gayundin ang espirituwal na pagkawasak ng indibidwal.

Pamana ang mga tradisyon ng sining ng Middle Ages, Spanish Baroque at English Renaissance, ang mga romantiko ay nagsiwalat ng hindi pangkaraniwang kumplikado at lalim ng panloob na kalikasan ng tao. Para sa kanila, ang isang tao ay isang maliit na uniberso, isang microcosm. Matinding interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na mga hilig, sa mga lihim na paggalaw ng kaluluwa, sa bagong panig nito, pananabik para sa indibidwal, ang walang malay - ang mga mahahalagang katangian ng romantikong sining.

Isaalang-alang natin kung paano ipinakita ang mga romantikong tendensya sa iba't ibang larangan ng sining.

MUSIKA.

Sa musika, umusbong ang romanticism bilang isang kilusan noong 1820s. Ang huling yugto ng pag-unlad nito, na tinatawag na neo-romanticism, ay sumasaklaw sa mga huling dekada ng ika-19 na siglo. Unang lumitaw ang musical romanticism sa Austria (F. Schubert), Germany (C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) at Italy (N. Paganini, V. Bellini, early G. Verdi); medyo mamaya sa France (G. Berlioz, D. Aubert), Poland (F. Chopin), Hungary (F. Liszt). Sa bawat bansang nahanap niya pambansang uniporme; minsan sa isang bansa nagkaroon ng iba't ibang romantikong paggalaw (ang Leipzig school at Weimar school sa Germany). Kung ang aesthetics ng klasisismo ay nakatuon sa mga plastik na sining na may likas na katatagan at pagkakumpleto ng masining na imahe, kung gayon para sa mga romantikong musika ay naging pagpapahayag ng kakanyahan ng sining bilang sagisag ng walang katapusang dinamika ng mga panloob na karanasan.

Ang musikal na romantisismo ay nagpatibay ng mahahalagang pangkalahatang uso ng romantisismo gaya ng anti-rationalism, ang primacy ng espiritwal at ang unibersalismo nito, tumuon sa panloob na mundo tao, ang kawalang-hanggan ng kanyang mga damdamin at mood. Samakatuwid ang espesyal na papel ng liriko na prinsipyo, emosyonal na spontaneity, kalayaan sa pagpapahayag. Gaya ng mga romantikong manunulat, kaya ang mga musikal na romantiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang interes sa nakaraan, sa malayong mga kakaibang bansa, isang pag-ibig sa kalikasan, paghanga sa katutubong sining. Maraming kwentong bayan, alamat, at paniniwala ang naisalin sa kanilang mga akda. Itinuring nila ang katutubong awit bilang batayan ng propesyonal na sining ng musika. Ang alamat para sa kanila ay isang tunay na midyum pambansang kulay, sa labas kung saan hindi nila iniisip ang sining.

Malaki ang pagkakaiba ng romantikong musika sa musika ng Viennese classical school na nauna rito. Ito ay hindi gaanong pangkalahatan sa nilalaman at sumasalamin sa katotohanan hindi sa isang layunin-nagmumuni-muni na paraan, ngunit sa pamamagitan ng mga personal na karanasan ng isang tao (ang artista) sa lahat ng kayamanan ng mga shade. Ito ay may posibilidad na mahilig sa globo ng katangian at sa parehong oras portrait-indibidwal, na naayos sa dalawang pangunahing uri: sikolohikal at genre-araw-araw. Ang kabalintunaan, katatawanan, at maging ang katawa-tawa ay mas malawak na kinakatawan. Kasabay nito, tumataas ang interes sa pambansa-makabayan at kabayanihan na mga tema ng pagpapalaya (Chopin, Liszt, Berlioz). Ang musical visualization at sound recording ay nakakakuha ng malaking kahalagahan. Ang mga paraan ng pagpapahayag ay makabuluhang ina-update. Ang himig ay nagiging mas indibidwal at kitang-kita, panloob na nababago, tumutugon sa mga banayad na pagbabago sa mga estado ng pag-iisip; ang pagkakaisa at instrumentasyon ay nagiging mas mayaman, mas maliwanag, mas makulay. Sa kaibahan sa balanse at lohikal na pagkakasunud-sunod ng mga istruktura ng mga klasiko, ang papel ng mga paghahambing at libreng kumbinasyon ng iba't ibang katangian ng mga yugto ay tumataas.

Ang pokus ng maraming kompositor ay ang pinaka-synthetic na genre ng opera, batay sa mga romantikong pangunahin sa fairy-tale-fantastic, magical, adventure at exotic plots. Una romantikong opera ay ang Ondine ni Hoffmann.

Sa instrumental na musika, ang mga symphony at sonata ay nananatiling tumutukoy sa mga genre. Gayunpaman, sila rin ay nabago mula sa loob. Sa mga instrumental na gawa ng iba't ibang anyo, ang mga hilig sa musikal na pagpipinta ay mas malinaw na makikita. Lumilitaw ang mga bagong uri ng genre, halimbawa, ang symphonic na tula, na pinagsasama ang mga tampok ng sonata allegro at ang sonata-symphonic cycle. Ang hitsura nito ay dahil sa ang katunayan na ang musical programming ay lumilitaw sa romanticism bilang isa sa mga anyo ng synthesis ng sining, na pinayaman sa instrumental na musika sa pamamagitan ng pagkakaisa sa panitikan. Ang instrumental ballad ay isa ring bagong genre. Ang pagkahilig ng mga romantiko na malasahan ang buhay bilang isang motley na serye ng mga indibidwal na estado, mga kuwadro na gawa, mga eksena ay humantong sa pagbuo ng iba't ibang uri ng mga miniature at cycle (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms)

Sa musikal at gumaganap na sining, ipinakita ang romantikismo sa emosyonal na intensidad ng pagganap, kayamanan ng mga kulay, maliwanag na kaibahan, at birtuosidad (Paganini, Chopin, Liszt). Sa pagtatanghal ng musika, tulad ng sa gawain ng mas mababang mga kompositor, ang mga romantikong tampok ay madalas na pinagsama sa panlabas na kahusayan at salonity. Ang romantikong musika ay nananatiling isang pangmatagalang artistikong halaga at isang buhay, epektibong pamana para sa mga susunod na panahon.

TEATRO.

Sa sining ng teatro, nabuo ang romantikismo noong 1810-1840s. Ang batayan ng theatrical aesthetics ay imahinasyon at damdamin. Nagrerebelde laban sa klasikal na prinsipyo ng pagpaparangal sa kalikasan, ang mga aktor ay nakatuon sa paglalarawan ng mga kaibahan at kontradiksyon ng buhay ng tao. Ang mga pampublikong kalunos-lunos, pagkahilig sa pagtuligsa, at katapatan sa ideal ang nagpasiya sa matinding emosyonalidad, ang maliwanag + na dramatikong pagpapahayag ng sining ng mga aktor, at ang mapusok na kilos. Gayunpaman, dinala din ng romantikong pananaw sa mundo ang panganib ng malikhaing suhetibismo (diin sa katangi-tangi, ang kakaiba); Ang emosyonalidad ay minsan napalitan ng mga epektong retorika at melodrama. Ang romantikong teatro ang unang nagtaguyod ng karanasan sa entablado, spontaneity, katotohanan at sinseridad ng pag-arte bilang pangunahing nilalaman ng pag-arte. Pinayaman din ng Romantisismo ang mga nagpapahayag na paraan ng teatro (libangan ng lokal na kulay, pagiging tunay ng kasaysayan ng mga tanawin at kasuotan, katotohanan ng genre ng mga eksena sa karamihan at mga detalye ng produksyon). Ang kanyang mga artistikong tagumpay ay naghanda at higit na tinutukoy ang mga pangunahing prinsipyo ng makatotohanang teatro.

SINING.

Sa sining, ang romantikismo ay pinaka-malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong malinaw sa iskultura. Sa arkitektura, hindi gaanong naipakita ang romantikismo, na pangunahing naiimpluwensyahan ang sining ng landscape gardening at arkitektura ng maliliit na anyo, kung saan apektado ang pagkahilig para sa mga kakaibang motif, gayundin ang direksyon ng maling Gothic. Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. ang mga tampok ng romantikismo ay likas na sa iba't ibang antas: sa England - sa mga kuwadro na gawa at graphic na gawa ng Fusli, kung saan ang isang madilim, sopistikadong katawa-tawa ay madalas na sumisira sa klasiko na kalinawan ng mga imahe; sa pagpipinta, mga graphic at tula ni W. Blake - ang romantikismo ay puno ng mystical visionaryness; sa Espanya - mamaya pagkamalikhain Ang gawa ni Goya ay puno ng walang pigil na pantasya at kalunos-lunos na kalunos-lunos, isang marubdob na protesta laban sa pyudal na pang-aapi at karahasan.

Ang pagtanggi sa lahat ng bagay na karaniwan at hindi gumagalaw sa kasalukuyan, lumingon lamang sa pinakadulo, kapansin-pansing talamak na mga sandali ng modernong kasaysayan, ang mga romantiko ay nakahanap ng mga tema at plot sa makasaysayang nakaraan, mga alamat, alamat, sa kakaibang buhay ng Silangan, sa mga gawa ni Dante , Shakespeare, Byron, Goethe - ang mga tagalikha ng mga monumental na larawan at malalakas na karakter.

Inilalagay ng Romantisismo ang tao sa sentro ng sansinukob. Ang tao, sa pananaw ng mga romantiko, ay ang korona ng proseso ng pandaigdigang pagtaas. Sa isang larawan, ang pangunahing bagay para sa mga romantiko ay upang ipakita ang maliwanag na pagkatao ng isang tao, matinding espirituwal na buhay, at ang paggalaw ng kanyang panandaliang damdamin. Ang isang echo ng mga hilig ng tao ay nagiging romantikong tanawin, na nagbibigay-diin sa kapangyarihan ng mga natural na elemento. Hinangad ng Romantics na ihatid ang rebeldeng simbuyo ng damdamin at kabayanihan sa kanilang mga imahe, upang muling likhain ang kalikasan sa lahat ng hindi inaasahang, natatanging mga pagpapakita nito, sa isang panahunan, nagpapahayag, nasasabik na artistikong anyo.

Sa kaibahan sa klasisismo, ang mga romantiko ay nagbigay sa komposisyon ng mas mataas na dinamika, pinagsasama ang mga anyo na may marahas na paggalaw at gumagamit ng matalim na volumetric-spatial effect; gumamit sila ng maliliwanag at mayayamang kulay batay sa mga kaibahan ng liwanag at anino, mainit at malamig na mga tono, isang kumikislap at magaan, kadalasang pangkalahatang istilo ng pagsulat.

Kaya, para sa lahat ng pagiging kumplikado ng ideolohikal na nilalaman ng romantisismo, ang mga estetika nito sa kabuuan ay sumasalungat sa mga estetika ng klasisismo noong ika-17 at ika-18 na siglo. Sinira ng Romantics ang mga siglong gulang na canon ng klasisismo kasama ang diwa ng disiplina at nagyelo na kadakilaan. Sa pakikibaka para sa pagpapalaya ng sining mula sa maliit na regulasyon, ipinagtanggol ng mga romantiko ang walang limitasyong kalayaan ng malikhaing imahinasyon ng artist. Ang pagtanggi sa mga hadlang na alituntunin ng klasisismo, iginiit nila ang paghahalo ng mga genre, na binibigyang-katwiran ang kanilang kahilingan sa pamamagitan ng katotohanang ito ay tumutugma sa tunay na buhay ng kalikasan, kung saan ang kagandahan at kapangitan, ang trahedya at ang komiks ay pinaghalo. Ang pagluwalhati sa mga likas na galaw ng puso ng tao, ang mga romantiko, sa kaibahan sa rasyonalistikong mga hinihingi ng klasisismo, ay naglagay ng isang kulto ng damdamin; ang lohikal na pangkalahatan na mga katangian ng klasisismo ay sinalungat ng kanilang matinding indibidwalisasyon.

MGA PANGKALAHATANG PRINSIPYO NG PAGTATANGHAL NG OPERA SA PANAHON NG ROMANTICISMO.

Sa ika-19 na siglong opera house. Dalawang katangian na phenomena ang sinusunod:

- ang takbo ng "historical reconstruction" sa larangan ng disenyo ng entablado;

- ang pagtaas ng "bel canto";

Gayundin sa 20s. ika-19 na siglo nagsisimula ang pakikibaka upang magtatag ng isang romantikong drama. May pagbabago sa istilo sa sining ng dekorasyon. Ang mga romantiko ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa kulay ng lugar at oras. Kailangang kopyahin ng entablado ang tagpuan ng panahon na inilalarawan sa dula. Ang lokasyon ng pagkilos ay hindi na pangkalahatan. Ngayon ito ay hindi isang palasyo at ang parisukat sa harap nito, ngunit isang Romano, Pranses, Espanyol na palasyo na may eksaktong mga palatandaan ng pambansang istilo.

Ang tanawin sa romantikong teatro ay nagsusumikap na ipakita ang kalikasan nang walang mga artipisyal na palamuti sa lahat ng malinis na kadakilaan nito.

Ipinakilala ng mga Romantiko ang mga larawan ng mahiwagang kuweba, piitan, at piitan sa kanilang mga dula. Ang tanawin ay madalas na naglalarawan ng isang bagyo sa dagat, isang bagyo, isang pagsabog ng bulkan at iba pang mga natural na phenomena.

Sa kondisyon ng isang umunlad na lipunang burges, nagaganap ang ilang demokratisasyon ng teatro. Lumilitaw ang mga pampublikong opera house auditorium na sumasalamin sa class stratification ng publiko. Ang isang malaking bulwagan na may 5-6 na tier ay may mga upuan para sa publiko na may iba't ibang ranggo at posisyon sa lipunan.

Ang pinakamahalagang pagbabago sa paglipas ng siglo ay naganap sa pag-iilaw ng auditorium at entablado. Nasa katapusan na ng ika-18 siglo. Sa halip na mga kandila na dating nagsindi sa espasyo ng teatro, lumitaw ang mga gas lamp, na nanatili sa halos buong ika-19 na siglo. hanggang sa mapalitan sila iba't ibang uri electric lighting. Ang unang arc spotlight ay lumitaw noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Dahil ang pag-imbento ng dynamo sa huling quarter ng siglo, ang bilang at lakas ng naturang mga mapagkukunan ng ilaw ay tumaas, na nagpapahintulot sa paglikha ng iba't ibang mga epekto ng pag-iilaw (maliwanag na sinag ng sikat ng araw na sumabog sa isang madilim na silid, Liwanag ng buwan, mga ulap na gumagalaw sa kalangitan ng gabi, atbp.)

Sa pagtatapos ng siglo, ang mga sinehan ay lumipat sa pag-iilaw gamit ang mga de-kuryenteng lampara, habang pinapanatili din ang mga ilaw ng baha.

Nasa unang kalahati ng siglo, ang mga salamin sa mata ay nilikha sa teatro na malamang na muling ginawa ang mga paggalaw ng mga tripulante, sakay, at mga sasakyang-dagat. Ang mga pantomime ng tubig ay may malaking interes, nang ang malalaking pool ng tubig ay itinayo sa entablado, kung saan nilalaro ang ilang uri ng pakikipagsapalaran sa dagat. Kaugnay nito, ang mga sinehan, gamit ang mga lumang theatrical effect, ay lumikha ng maraming bago.

Sa klasikal na teatro ng unang panahon, ang eksena ng aksyon ay pareho para sa buong dula. Sa panahon ng Renaissance sa Italya, ang parehong prinsipyo ay napanatili. Noong ika-17 siglo Sa teorya ng drama sa France, ang mga patakaran ng pagkakaisa ng lugar ay matatag na itinatag, ayon sa kung saan ang buong aksyon ng dula ay naganap sa parehong tanawin. Ang panuntunang ito ay hindi isinasaalang-alang sa public square theater, gayundin sa folk humanistic theater ng Renaissance sa Spain at England. Ngunit kahit doon ay nagtagumpay ang panuntunan ng pagkakaisa ng lugar. Minsan pinahihintulutan ang mga paglihis sa panuntunang ito sa opera, na naging posible na magkaroon ng kagila-gilalas na pagbabago ng tanawin sa tulong ng mga telarium (umiikot na prisma). Ganito ang nangyari hanggang sa mga unang dekada ng ika-19 na siglo. Tinanggihan ng Romantics ang pagkakaisa ng lugar sa drama. Ang mga pagbabago sa tanawin mula ngayon ay nagsimulang maganap nang maraming beses sa buong pagtatanghal. Ang mga pagbabago ay naganap sa panahon ng mga intermisyon. Ngunit upang mabawasan ang mga pag-pause sa pagitan ng mga aksyon, kinakailangan ang isang mas advanced na pamamaraan kaysa sa kung ano ang umiiral. Marami sa mga naunang paraan na binuo sa paglipas ng mga siglo ng pagpapaunlad ng teatro ay dinagdagan ng ilang mahahalagang kagamitan. Ang una sa kahalagahan ay isang aparato para sa pagpapalit ng scene board. Sa pamamagitan ng mga haydroliko at de-kuryenteng makina, ang sahig ng entablado ay bahagyang o ganap na itinaas at inilagay sa isang anggulo, na nagpapahintulot sa paglikha ng iba't ibang mga kondisyon para sa iba't ibang pagkilos sa entablado. Ang pangalawang pagpapabuti ay ang pagpapakilala ng isang bagong bilog sa entablado. At sa wakas, ang ikatlong pagpapabuti ay ang paglikha ng tinatawag na mga bulsa - malalaking lugar sa mga gilid ng entablado, kung saan ang mga bahagi ng tanawin ay inihanda sa mga gumagalaw na tableta, mabilis na gumulong pasulong at kasing bilis na lumipat sa likod ng entablado.

Kung babalik tayo sa kasaysayan ng mga paggawa ng opera noong ika-19 na siglo, dapat nating bigyang-pansin ang pagkakaroon ng tumpak na mga script ng produksyon na isinulat ng mga direktor (ang posisyon na ito ay lilitaw sa unang pagkakataon sa panahong ito). Una sa lahat, naitala nila ang mga pasukan at pag-alis, mga diagram ng mga posisyon sa entablado, mga epekto sa pag-iilaw, ngunit walang sinabi tungkol sa aktor. Ang lahat na may kinalaman sa konsepto ng imahe ng aktor, mga kilos, sonority, dramatikong pagpapahayag, ang kawalan ng impormasyong ito ay ipinaliwanag hindi nang labis sa kawalan ng kakayahan ng direktor, ngunit sa pamamagitan ng katotohanan na ang aktor ay naiwan sa kanyang sariling mga aparato. Nahulog sa lugar ng direktor ang eksklusibong pagpaplano ng mga tanawin, props at mise-en-scenes, na isinasagawa sa paraang mapalaya ang gitna ng entablado para sa mga gumaganap ng mga pangunahing bahagi at upang kapag gumaganap ng mga duet at ensembles ang mga mang-aawit ay magiging malapit sa isa't isa, upang, sa wakas, ang mga koro ay mapapangkat ayon sa mga tinig, at lahat ng magkakasama ay natagpuan namin ang aming mga sarili nang mas malapit hangga't maaari sa entablado at sa konduktor.

Sa labas ng mga pagbubukod na ito, isang uri ng operatikong "realismo" ang nagtatagumpay, i.e. nanginginig na nagmamadali sa paligid ng entablado o, kabaligtaran, tulad ng estatwa na kawalang-kilos na ang isang paa ay umuusad at ang kilalang kamay sa puso.

Dahil ang panahon ay puno ng talento sa ballet, ang mga kompositor at konduktor ay naghahanap ng bawat pagkakataon upang ipakita ang sining ng mga mananayaw sa bawat pagtatanghal.

Kaya, ang pagganap ng opera ay isang makulay na panoorin, na may malaking bilang ng mga elemento ng arkitektura at landscape na nagsilbing backdrop para sa mang-aawit na nakatayo sa harapan.

PRODUKSIYON NG WAGNER'S OPERA "THE RING OF THE NIBELUNG".

Si Wagner, na nalampasan ang kanyang panahon at nauna dito bilang isang tagalikha at teorista ng musikal na drama, ay hindi maiiwasang nauugnay dito bilang isang direktor ng kanyang sariling mga gawa.

Ang "The Ring of the Nibelung" ay nagdudulot ng maraming problema para sa direktor tungkol sa makinarya at tanawin.

Ang ilalim ng Rhine at ang walang humpay na agos ng tubig, mga dalagang lumalangoy at Alberich na nagiging ahas; Wotan, nahuhulog sa ilalim ng lupa, at naglalaho sa fog ng Mime; ang apoy na sinunog ng bato pagkatapos ng suntok ng sibat ni Wotan, at ang bahaghari kung saan ang mga diyos ay pumasok sa Valhalla; ang hitsura ni Erda at, sa wakas, isang napakagandang larawan ng Valkyries na nagmamadali sa mga ulap na may mga patay na mandirigma na nakatali sa kanilang mga saddle.

Upang maisakatuparan ang lahat ng ito, kuntento na si Wagner sa isang tradisyunal na entablado ng opera na may kaakit-akit na backdrop, mga screen ng kurtina, mga pintuan ng bitag at mga primitive na "magic lantern".

Sa kanilang teoretikal na mga gawa Wala kahit saan nagrerebelde si Wagner laban sa masining na paraan ng kanyang kontemporaryong teatro, ngunit, sa kabaligtaran, ay nagpahayag ng kanyang paghanga sa kanila: "Ang modernong natural na agham at pagpipinta ng landscape ay ang mga tagumpay ng ating panahon, na nagdadala sa atin, mula sa isang pang-agham at masining na pananaw, kasiyahan at kaligtasan mula sa kabaliwan at pangkaraniwan... Salamat pagpipinta ng tanawin ang eksena ay nagiging sagisag ng masining na katotohanan, at pagguhit, kulay, at nagbibigay-buhay na paggamit ng liwanag na puwersa ng kalikasan upang pagsilbihan ang pinakamataas na masining na mithiin... Ang masining na paggamit ng lahat ng optical na paraan sa kanyang (landscape artist) na pagtatapon at ang liwanag mismo ay nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng isang kumpletong ilusyon."

Gayunpaman, sa pagsasagawa, ang lahat ng "nagbibigay-buhay na paggamit ng liwanag" at "optical na paraan" ay humantong sa wala.

Sa mga produksiyon ng Bayreuth, nakakatagpo ang isang tao ng parehong hanay ng mga pattern na dumarami sa karamihan ng mga produksyon ng panahong iyon. Kaya, ang ilalim ng Rhine sa unang bahagi ng tetralogy ay kahawig ng isang higanteng aquarium; Ang mystical forest ni Siegfried ay patuloy na isang operatic forest, na may umaalog-alog na canvas at nakakatakot na props, puno ng mga detalyeng naglalarawan, isang natural na "sinigang" ng mga dahon, sanga at putot. Sa parehong kategorya ng mga epekto ay ang pagtataas ng mga tanawin na kumakatawan sa mga bato upang ipakita ang paglusong ni Wotan sa mga kuweba ng Nibelheim.

Ang pagbura ng naturalistic contours ng disenyo, na masyadong intrusively na binibigyang-diin ang malapit na pagkakamag-anak ng Proto-Germanic na mga halaman sa mga damuhan at "kapitbahayan" ng mga opera tulad ng "The White Lady," ay nagagawa sa tulong ng water vapor, na ginagamit. hindi lamang upang lumikha ng ilusyon ng hamog at manipis na ulap, kundi pati na rin upang itago mula sa mga mata ng mga manonood ay mga teknikal na maniobra na dulot ng pangangailangan na baguhin ang tanawin na nakabukas ang kurtina.

Gayunpaman, walang mag-asawa ang nakakapagtago ng ngiti na napukaw ng mga tagubilin ni Wagner tungkol sa dobleng hitsura ni Erda. Ang pinakasinaunang mga diyosa, maybahay ng lupa, ina ng mga diyos, ay dapat na dumikit hanggang baywang mula sa hatch ng teatro.

Ang walang muwang-komiks na ito, masasabi ng isa, ang kataka-takang solusyon sa sitwasyon sa entablado, na malinaw na kaibahan sa kahanga-hangang tawag ni Wotan at ng malalakas na tunog ng orkestra, ay hindi nakaakit ng atensyon at mapang-akit na pag-atake ng mga kritiko noong panahong iyon, na nabanggit ang primitiveness ng epekto ng paggamit ng "magic lantern" sa larawan ng paglipad ng mga Valkyries at ang parang bata na kaguluhan ni Sieckfried kasama ang isang dragon na nagsasalita sa isang megaphone, iginala ang mga mata nito, sinasampal ang lupa gamit ang buntot nito, at kinakalampag ang mga ngipin nito. ang beat ng musika.

Ang papel ng liwanag ay bumaba, una sa lahat, sa isang naturalistikong pagtatalaga ng araw at gabi, pati na rin ang iba't ibang mga pagbabago sa atmospera, bagaman ginagamit din ito ni Wagner bilang isang simbolo, sa ilang mga kaso na nag-uugnay nito sa hitsura ng ilang mga character. Lumilitaw ang Erda sa isang halo ng asul na liwanag; isang bigkis ng pulang sinag ang nagpapaliwanag sa "Walkyrie" at "Siegfried" ni Wotan. Ang isa sa mga kritiko ay nagsasalita nang masama tungkol sa paglalaro ng liwanag na ito: "mga sinag ng kuryente, hindi pantay sa liwanag at lakas, "kinakain" ang mga kulay ng tanawin, at nakikita ng mga manonood ang mga canvases sa halip na mga puno."

Ang romantikong kaguluhan at kawalan ng pagpapahayag na nagpapakilala sa tanawin ay pantay na malinaw sa mga kasuotan, na nakapagpapaalaala sa "historical reconstructions" ni Lormier sa Paris Opera noong panahon ng "Robert the Devil." Ang mga taga-disenyo ng costume ay nahilig sa mga mapaglarawang detalye at detalye, kaya marahil hindi ang baluti ni Brünnhilde, na binibigyang-diin ang kanyang baywang sa isang moda na hindi mitolohikal, o ang kanyang pananamit (din sa mga naka-istilong fold), o ang may guhit na kamiseta na, kasama ng balat ng hayop. , ang bumubuo sa kasuotan ni Sigmund, ni ang kalahating Griyego, kalahating walang tunika na idinisenyo ni Loge ay kayang ipakita ang daigdig ng mga mythical gods na bumababa sa kailaliman ng Nibelheim, naglalakad sa bahaghari at sumandal sa mga ulap.

"Sa teatro, tanging sining sa teatro ang naghahari," ang isinulat ni Wagner, at samakatuwid, sa kaibahan sa pangkalahatang diwa na naghahari sa yugto ng opera, ang bahagi ng pag-arte ng pagganap ay ang paksa ng kanyang espesyal na alalahanin.

Ang isang mang-aawit na hindi magampanan ang kanyang bahagi na para bang ito ay isang papel sa isang pasalitang drama, na may malalim na pananaw sa intensyon ng may-akda, ay hindi maibibigay dito ang vocal expressiveness na kinakailangan ng kompositor. Samakatuwid, si Wagner ay nangangailangan ng mga espesyal na pagbabasa ng libretto, na nagbibigay ng pagkakataon hindi lamang sa mga soloista, kundi pati na rin sa koro, na tumagos sa masining na kahulugan ng akda at hanapin ang naaangkop na pagpapahayag ng interpretasyon, upang ito ay palaging idinidikta ng ang tiyak na sitwasyon.

Malinaw na inilarawan ni Wagner ang istilo ng boses ng kanyang mga musikal na drama sa isang liham kay Liszt: "Sa aking opera walang pagkakaiba sa pagitan ng mga parirala ng tinatawag na "declamation" at "pag-awit." Ang recitation ko ay kasabay ng pagkanta, ang pagkanta ko ay recitation. Wala akong malinaw na pagtatapos ng "pag-awit" at isang malinaw na hitsura ng "recitative", na kadalasang nangangahulugan ng dalawa. iba't ibang istilo pagganap ng boses. Sa totoo lang, Italian recitative, kapag ang kompositor ay halos walang pansin sa ritmo ng pagbigkas, na nagbibigay ng ganap na kalayaan sa mang-aawit, hindi mo mahahanap sa aking trabaho. Sa mga lugar kung saan tekstong patula matapos ang nasasabik na mga liriko na paglipad ay bumaba sa mas simpleng mga pagpapakita ng emosyonal na pananalita, hindi ko kailanman binitawan ang karapatang ipahiwatig ang katangian ng pagbigkas nang eksakto tulad ng sa mga liriko na tinig na mga eksena. Samakatuwid, sinumang kumukuha ng mga talatang ito para sa ordinaryong pagbigkas at, bilang resulta, arbitraryong binabago ang ritmo na aking ipinahiwatig, ay pinasiraan ng anyo ang aking musika sa parehong lawak na para bang gumawa siya ng iba pang mga nota at harmonies para sa aking mga liriko na melodies. Sinusubukan sa mga talatang ito na nakapagpapaalaala sa mga recitative na tumpak na makilala ang ritmo ng pagbigkas, na tumutugma sa mga nagpapahayag na layunin na aking hinahangad, hinihiling ko sa mga konduktor at mang-aawit na isagawa ang mga talatang ito, una sa lahat, alinsunod sa musikal na notasyon ng orihinal, ang beat na ipinahiwatig sa iskor at sa isang tempo na naaayon sa likas na katangian ng pagsasalita ... "

Nababahala si Wagner sa isyu ng katalinuhan ng salita. Ang nakatagong orkestra ng teatro ng Bayreuth ay hindi lamang isang "mystical abyss", ngunit isang pagtatangka din na palambutin ang komentaryo ng orkestra, upang ang teksto na sinasalita ng aktor ay nasa harapan.

Kaya, gumawa si Wagner ng dalawang pangunahing kahilingan sa mang-aawit:

- mahigpit na sundin ang musical notation

- ipakita ang teksto upang ito ay marinig at maunawaan.

Hinarap din ng Wagnerian actor ang iba pang mga gawain. Ang pangunahing isa ay ang pangangailangan na i-coordinate ang pag-arte sa musika. Hinihiling ni Wagner na ang aksyon sa entablado ay eksaktong tumutugma sa mga kasamang motif ng orkestra.

Kasunod ng pagnanais na i-synchronize ang mga kilos at ekspresyon ng mukha sa musika ay ang pagnanais ng kompositor na gawin itong marangal at pinigilan. “Kung saan ang unibersal na paraan ng pag-opera ay nakasanayan na nating iwagayway ang magkabilang braso nang malawakan, na para bang nagpapahiwatig ng paghingi ng tulong, napansin natin na ang bahagyang nakataas na braso o isang katangiang paggalaw ng balikat o ulo ay sapat na upang maipahayag kahit ang pinakamalakas na pakiramdam. ” ... natagpuang ekspresyon sa executive sining(violinist Paganini, mang-aawit...

Ang pambansang konsolidasyon, na pinalakas ng makabayan na pagsulong ng Digmaang Patriotiko noong 1812, ay nagpakita ng sarili sa pagtaas ng interes sa sining at sa isang tumindi na interes sa pambansang buhay sa pangkalahatan. Ang katanyagan ng mga eksibisyon sa Academy of Arts ay lumalaki. Mula noong 1824, nagsimula silang gaganapin nang regular - tuwing tatlong taon. Nagsisimulang lumabas ang Journal sining" Ang pagkolekta ay nagpapakilala sa sarili nito nang mas malawak. Bilang karagdagan sa museo sa Academy of Arts, noong 1825 ang "Russian Gallery" ay nilikha sa Hermitage. Noong 1810s. Binuksan ang "Russian Museum" ng P. Svinin.

Ang tagumpay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 ay isa sa mga dahilan para sa paglitaw ng isang bagong ideyal, na batay sa ideya ng isang independiyente, mapagmataas na personalidad, na nalulula sa malakas na hilig. Pagpipinta ay nagpapatunay isang bagong istilo- romanticism, na unti-unting pinalitan ang classicism, na itinuturing na opisyal na istilo, kung saan nangingibabaw ang mga tema ng relihiyon at mitolohiya.

Nakapasok na maagang mga pagpipinta Ang K. L. Bryullova (1799-1852) "Italian Afternoon", "Bathsheba" ay nagpakita hindi lamang ng husay at ningning ng imahinasyon ng artista, kundi pati na rin ang romantikismo ng kanyang pananaw sa mundo. Takdang aralin Ang "The Last Day of Pompeii" ni K. P. Bryullov ay puno ng diwa ng historicism; ang pangunahing nilalaman nito ay hindi gawa ng isang indibidwal na bayani, ngunit kalunos-lunos na kapalaran masa ng mga tao. Ang larawang ito ay hindi direktang sumasalamin sa trahedya na kapaligiran ng despotismo ng rehimen ni Nicholas I; ito ay naging isang kaganapan sa pampublikong buhay ng estado.

Ang mga espesyalista sa pag-optimize ng website ay gumagana sa ilang dosenang mga parameter na naglalarawan sa bawat site. Alamin kung paano kinakalkula ang link ng spam kung magpasya kang makabisado ang mahirap na agham na ito.

Nagpakita ang pagiging romantiko sa pagpipinta ng portrait O. A. Kiprensky (1782-1836). Mula noong 1812, lumikha ang artista ng mga graphic na larawan ng mga kalahok sa Digmaang Patriotiko na kanyang mga kaibigan. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng O. A. Kiprensky ay itinuturing na larawan ni A. S. Pushkin, pagkatapos makita kung alin dakilang makata ay sumulat: “Nakikita ko ang aking sarili na parang nasa salamin, ngunit ang salamin na ito ay nambobola ako.”

Ang mga tradisyon ng romantikismo ay binuo ng pintor ng dagat na si I.K. Aivazovsky (1817-1900). Ang kanyang mga gawa na muling lumikha ng kadakilaan at kapangyarihan ay nagdala sa kanya ng pangkalahatang katanyagan. mga elemento ng dagat(“Ang Ikasiyam na Alon”, “Itim na Dagat”). Inilaan niya ang maraming mga pagpipinta sa mga pagsasamantala ng mga mandaragat ng Russia (" Labanan ng Chesme", "Labanan ng Navarino"). Sa panahon ng Digmaang Crimean 1853-1856 sa kinubkob na Sevastopol, nag-organisa siya ng isang eksibisyon ng kanyang mga painting sa labanan. Kasunod nito, batay sa mga sketch mula sa kalikasan, inilarawan niya ang kabayanihan na pagtatanggol ng Sevastopol sa isang bilang ng mga kuwadro na gawa.

Si V.A. Tropinin (1776-1857), na pinalaki sa sentimentalist na tradisyon noong huling bahagi ng ika-18 siglo, ay nakaranas ng napakalaking impluwensya ng bagong romantikong alon. Ang kanyang sarili ay isang dating serf, ang artist ay lumikha ng isang gallery ng mga larawan ng mga artisan, tagapaglingkod at magsasaka, na nagbibigay sa kanila ng mga katangian ng espirituwal na maharlika ("Lacemaker", "Seamstress"). Ang mga detalye ng pang-araw-araw na buhay at mga aktibidad sa trabaho ay naglalapit sa mga larawang ito sa genre ng pagpipinta.